AMPITHÉÂTRE – CITÉ DE LA MUSIQUE

Claude Debussy et Steve ReichDimanche 28 janvier 2018 – 15h

NPGS_03-09_Berliner-Rattle V2.indd 2 30/08/2017 15:24

En 1895, quelques mois après la création du Prélude à l’après-midi d’un faune – dont Boulez dira en 1958, dans l’Encyclopédie de la musique publiée chez Fasquelle : « La musique moderne s’éveille [au poème de Mallarmé] L’Après-midi d’un faune » –, Debussy écrivait à son ami Pierre Louÿs : « Je travaille à des choses qui ne seront comprises que par les petits-enfants du xxe siècle. » Cette préoccupation de la postérité, exprimée par un musicien d’une trentaine d’années, ne fut pas rare chez certains créateurs conscients de leur véritable – et parfois radicale – novation. Chacun à sa manière, Beethoven ou Liszt exprimèrent des pensées semblables. Le parcours créateur de Debussy durant la vingtaine d’années qui suivit cette affirmation quelque peu crâne confirma sa véracité, non pas dans le sens où le compositeur se heurta à une incompré-hension générale de son vivant – même critiquée, sa position centrale dans le paysage musical français n’a jamais été remise en cause –, mais en ce qu’il fut, dès ses débuts, un moderne, incontestablement.

S’il revint véritablement à la période post-Seconde Guerre mondiale de le poser comme un initiateur de l’avant-garde (via notamment, en France, Messiaen ou Boulez), l’ouvrage collectif Le Cas Debussy soulevait dès 1910 la question de l’inf luence debussyste. Un siècle après sa mort, le « week-end Debussy 100 » de la Philharmonie prolonge les célébrations précédentes (cen-tenaire de la naissance en 1962 et cent-cinquantenaire plus récemment), qui ont eu un effet d’accélérateur sur la recherche debussyste et la connaissance de l’œuvre du compositeur. On y entend ses grandes œuvres réinterprétées dans un jeu de mise en regard : son pianisme dialogue avec celui de Couperin et de Rameau (à qui il a entre autres rendu hommage dans ses Images pour piano) sous les doigts d’Alain Planès ; la grande Iberia, cette Espagne rêvée plus vraie que nature, est f lanquée d’autres œuvres françaises d’inspiration espagnole lors du concert des Dissonances ; la Russie et la Rome du jeune compositeur (de l’époque du séjour à la Villa Médicis). L’inf luence de celui qui se définissait comme « musicien français » sur la musique du second xxe siècle est quant à elle évoquée par les figures de Reich et – sans surprise, donc – de Boulez, sous forme de concert mais aussi d’un spectacle mené par le comédien et metteur en scène Gabriel Dufay.

WEEK-END DEBUSSY 100

Samedi 27 janvier

15H CONCERT SYMPHONIQUE

DEBUSSY ET LA RUSSIEORCHESTRE PASDELOUP

MYKOLA DIADIURA, DIRECTION

IGOR TCHETUEV, PIANO

15H CONCERT SYMPHONIQUE

PELLÉASORCHESTRE DU CONSERVATOIRE NATIONAL

SUPÉRIEUR DE MUSIQUE ET DE DANSE DE PARIS

BERTRAND DE BILLY, DIRECTION

18H CONCERT SUR INSTRUMENTS DU MUSÉE

DEBUSSY ET LES MAÎTRES FRANÇAIS ALAIN PLANÈS, PIANO ÉRARD 1891, CLAVECIN PLEYEL 1959 (COLLECTION OPÉRA-THÉÂTRE DE LIMOGES)Ce concert est précédé d’une Rencontre avec Denis Herlin animée par Emmanuel Reibel à 16h30 à la Médiathèque - Cité de la Musique. Entrée libre.

20H30 CONCERT SYMPHONIQUE

¡VIVA ESPANA!LES DISSONANCES

DAVID GRIMAL, DIRECTION, VIOLON

Dimanche 28 janvier

14H30 CONCERT-PROMENADE AU MUSÉE

UN FAUNE AU MUSÉEPAUL DROUET, PIANO PLEYEL 1860 (COLLECTION DU MUSÉE DE LA MUSIQUE) LES ÉTUDIANTS DU PÔLE SUPÉRIEUR PARIS-BOULOGNE-BILLANCOURTLES ÉTUDIANTS DU PÔLE SUP’ 93

16H30 CONCERT SYMPHONIQUE

DEBUSSY / BOULEZLES SIÈCLES

FRANÇOIS-XAVIER ROTH, DIRECTION

LES CRIS DE PARIS

ENSEMBLE DE GAMELAN SEKAR-WANGI

Une Récréation musicale est proposée à 16h aux enfants de 3 à 10 ans dont les parents assistent au concert. 8€ par enfant, réservation conseillée.

16H30 CONCERT SYMPHONIQUE

DEBUSSY ET ROMEORCHESTRE NATIONAL D’ÎLE-DE-FRANCE

ENSEMBLE VOCAL SEQUENZA 9.3

TITO CECCHERINI, DIRECTION

MELODY LOULEDJIAN, SOPRANO

CATHERINE TROTTMANN, MEZZO-SOPRANO

CATHERINE SIMONPIETRI, CHEF DE CHOEUR

Ce concert est précédé d’une Clé d’écoute présentée par Camille Villanove, conférencière à 15h45 à la Médiathèque - Cité de la Musique. Entrée libre.

WEEK-END DEBUSSY 100

ACTIVITÉS CE WEEK-END

SAMEDI Le Lab de 11h30 à 12h30 DEBUSSY OU LE COIN DES ENFANTSVisite-atelier du Musée à 14h30 L’ORCHESTRE SYMPHONIQUE

DIMANCHECafé musique de 11h à 12h30DEBUSSY

ET AUSSI

Enfants et famillesConcerts, ateliers, activités au Musée…AdultesAteliers, conférences, visites guidées du Musée…

Samedi 27 janvierDimanche 28 janvier

11H, 15H ET 17H SPECTACLE JEUNE PUBLIC

L’APRÈS-MIDI D’UN FOEHNVERSION 1COMPAGNIE NON NOVA

15H CONCERT EN FAMILLE

MONSIEUR CROCHE ET SON DOUBLESOLISTES DE L’ENSEMBLE

INTERCONTEMPORAIN

GABRIEL DUFAY, COMÉDIEN, CHOIX DES TEXTES, ADAPTATION

Ce concert est précédé de deux Ateliers de prépara-tion les 27 et 28 janvier au Studio - Philharmonie à 13h30.

Samedi 27 janvier

15H CONCERT SYMPHONIQUE

DEBUSSY ET LA RUSSIEORCHESTRE PASDELOUP

MYKOLA DIADIURA, DIRECTION

IGOR TCHETUEV, PIANO

15H CONCERT SYMPHONIQUE

PELLÉASORCHESTRE DU CONSERVATOIRE NATIONAL

SUPÉRIEUR DE MUSIQUE ET DE DANSE DE PARIS

BERTRAND DE BILLY, DIRECTION

18H CONCERT SUR INSTRUMENTS DU MUSÉE

DEBUSSY ET LES MAÎTRES FRANÇAIS ALAIN PLANÈS, PIANO ÉRARD 1891, CLAVECIN PLEYEL 1959 (COLLECTION OPÉRA-THÉÂTRE DE LIMOGES)Ce concert est précédé d’une Rencontre avec Denis Herlin animée par Emmanuel Reibel à 16h30 à la Médiathèque - Cité de la Musique. Entrée libre.

20H30 CONCERT SYMPHONIQUE

¡VIVA ESPANA!LES DISSONANCES

DAVID GRIMAL, DIRECTION, VIOLON

Dimanche 28 janvier

14H30 CONCERT-PROMENADE AU MUSÉE

UN FAUNE AU MUSÉEPAUL DROUET, PIANO PLEYEL 1860 (COLLECTION DU MUSÉE DE LA MUSIQUE) LES ÉTUDIANTS DU PÔLE SUPÉRIEUR PARIS-BOULOGNE-BILLANCOURTLES ÉTUDIANTS DU PÔLE SUP’ 93

16H30 CONCERT SYMPHONIQUE

DEBUSSY / BOULEZLES SIÈCLES

FRANÇOIS-XAVIER ROTH, DIRECTION

LES CRIS DE PARIS

ENSEMBLE DE GAMELAN SEKAR-WANGI

Une Récréation musicale est proposée à 16h aux enfants de 3 à 10 ans dont les parents assistent au concert. 8€ par enfant, réservation conseillée.

16H30 CONCERT SYMPHONIQUE

DEBUSSY ET ROMEORCHESTRE NATIONAL D’ÎLE-DE-FRANCE

ENSEMBLE VOCAL SEQUENZA 9.3

TITO CECCHERINI, DIRECTION

MELODY LOULEDJIAN, SOPRANO

CATHERINE TROTTMANN, MEZZO-SOPRANO

CATHERINE SIMONPIETRI, CHEF DE CHOEUR

Ce concert est précédé d’une Clé d’écoute présentée par Camille Villanove, conférencière à 15h45 à la Médiathèque - Cité de la Musique. Entrée libre.

WEEK-END DEBUSSY 100

ACTIVITÉS CE WEEK-END

SAMEDI Le Lab de 11h30 à 12h30 DEBUSSY OU LE COIN DES ENFANTSVisite-atelier du Musée à 14h30 L’ORCHESTRE SYMPHONIQUE

DIMANCHECafé musique de 11h à 12h30DEBUSSY

ET AUSSI

Enfants et famillesConcerts, ateliers, activités au Musée…AdultesAteliers, conférences, visites guidées du Musée…

Samedi 27 janvierDimanche 28 janvier

11H, 15H ET 17H SPECTACLE JEUNE PUBLIC

L’APRÈS-MIDI D’UN FOEHNVERSION 1COMPAGNIE NON NOVA

15H CONCERT EN FAMILLE

MONSIEUR CROCHE ET SON DOUBLESOLISTES DE L’ENSEMBLE

INTERCONTEMPORAIN

GABRIEL DUFAY, COMÉDIEN, CHOIX DES TEXTES, ADAPTATION

Ce concert est précédé de deux Ateliers de prépara-tion les 27 et 28 janvier au Studio - Philharmonie à 13h30.

Collection Écrits de compositeurs

478 pages • 15 x 22 cm • 30 €

ISBN 979-10-94642-12-2 • Novembre 2016

DIFFÉRENTES PHASESÉCRITS, 1965-2016STEVE REICHÉdition établie par Paul Hillier,revue et augmentée par Stéphane Roth et Sabrina Valy, traduit de l’anglais par Christophe Jaquet, avec la collaboration de Claire Martinet.

Icône d’une culture sonore globalisée, la musique de Steve Reich est dans toutes les oreilles. Plus que des œuvres musicales, le musicien compose des expériences sonores : par répétition, tuilage et déphasage, un simple motif immerge l’auditeur dans un « processus » d’écoute. Steve Reich interroge la perception du temps et du rythme sous toutes ses formes, et l’économie de moyens dissimule toujours une prouesse musicale : composer 1h30 de musique à partir d’un unique motif de huit notes (Drumming) ou créer une pièce avec quatre mains pour seuls instruments (Clapping Music).Différentes phases rassemble les écrits de Steve Reich depuis 1965, ainsi que les principaux entretiens qu’il a menés jusqu’à aujourd’hui.

La rue musicale est un « projet » qui dépasse le cadre de la simple collection d’ouvrages. Il s’inscrit dans l’ambition générale de la Philharmonie de Paris d’établir des passerelles entre diff érents niveaux de discours et de représentation, afi n d’accompagner une compréhension renouvelée des usages de la musique.

L E S É D I T I O N S D E L A P H I L H A R M O N I E

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PROGRAMME

Claude DebussySyrinx

Steve ReichDifferent Trains

Claude DebussySonate no 1 pour violoncelle et pianoSonate no 3 pour violon et pianoSonate no 2 pour flûte, alto et harpe

Musiciens de l’Orchestre de ParisVincent Lucas, f lûteMaya Koch, violonSaori Izumi, violonThomas Duran, violoncelleSolistes de l’Ensemble intercontemporainFrédérique Cambreling, harpeSébastien Vichard, pianoOdile Auboin, alto

Coproduction Orchestre de Paris, Ensemble intercontemporain, Philharmonie de Paris.

FIN DU CONCERT (SANS ENTRACTE) VERS 16H15.

Après le concertÉchange entre le public et les musiciens. Durée : environ 20 minutes.

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Claude Debussy (1862-1918)

Dans le domaine de la musique de chambre, Debussy n’a pas été pro-lifique. Le Quatuor à cordes de 1893 constitue jusqu’au début de la Première Guerre mondiale l’œuvre principale du compositeur dans le genre ; il est complété d’un Trio de jeunesse et de quelques pièces plus ou moins méconnues (Syrinx pour flûte solo, Musique de scène pour les Chansons de Bilitis).À l’été 1915, alors qu’il vient de traverser une grave crise créatrice liée pour une grande part à l’avancée de son cancer et à l’éclatement de la guerre, le compositeur met en chantier un projet de « six sonates pour divers instruments composées par Claude Debussy, musicien français », dont la dernière doit réunir tous les instruments utilisés dans les précé-dentes. Il compose les deux premières assez rapidement (Sonate pour violoncelle et piano, Sonate pour flûte, alto et harpe) et accouche de la troisième (Sonate pour violon et piano) avec difficulté. Les trois dernières (pour cor anglais, hautbois et clavecin ; pour clarinette, basson, trompette et piano ; pour grand ensemble de chambre) restent à l’état de projet, Debussy mourant du cancer au printemps 1918.

Syrinx, pour flûte

Composition : novembre 1913.

Dédicataire : Louis Fleury.

Création : 1er décembre 1913, Paris, par Louis Fleury.

Publication : 1927, Paris, Jobert.

Durée : environ 2 minutes.

Tous les flûtistes l’ont jouée, et pour cause : c’est la première pièce d’importance écrite pour flûte solo depuis la Sonate en la mineur de C. P. E. Bach, en 1763, et la première consacrée par un grand compositeur à la flûte Boehm (du nom de son système de clés, élaboré entre 1831 et 1847 par le flûtiste et inventeur Theobald Boehm). À l’origine, Debussy

LES ŒUVRES

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devait écrire une musique de scène pour une pièce de Gabriel Mourey, Psyché, mais diverses obligations empêchèrent la réalisation du projet et seul ce court solo vit le jour : « Il n’y en a pas beaucoup mais c’est d’assez bonne qualité », écrivit le compositeur à Mourey à son propos en novembre 1913. Une opinion que le destinataire partageait, puisqu’il décrivit l’œuvre dans ses Souvenirs de Claude Debussy, parus en 1921, comme « un véritable joyau d’émotion restreinte, de tristesse, de beauté plastique, de tendresse discrète et de poésie ».Destiné à illustrer non pas la mort de Pan, comme on l’a longtemps cru, mais le moment où une nymphe d’abord réticente s’abandonne à la séduction du dieu de la nature, le morceau reflète la grisante sensualité des vers qu’il accompagne : « Ô Pan, les sons de ta syrinx, ainsi qu’un vin / Trop odorant et trop doux, m’ont grisée ; / Ô Pan, je n’ai plus peur de toi, je t’appartiens ! » Tout entier concentré sur « la ligne du dessin mélodique » (Debussy à Mourey en novembre 1913), où l’on retrouve les arabesques chères au compositeur, Syrinx reflète le goût de Debussy pour un instrument qu’il mit à l’honneur dans d’autres pages comme le Prélude à l’après-midi d’un faune, les Chansons de Bilitis ou la Sonate pour flûte, alto et harpe.

Steve Reich (1936)Different Trains, pour quatuor à cordes et bande

America – Before the war

Europe – During the war

After the war

Composition : 1988.

Création : 2 novembre 1988, Londres, Queen Elizabeth Hall, par le Kronos Quartet.

Publication : 1988, Londres, Boosey & Hawkes.

Durée : environ 27 minutes.

Different Trains renouvelle un genre alors riche de plus de deux siècles d’histoire, celui du quatuor à cordes. Le quatuor traditionnel (amplifié) s’y trouve complété par une bande pré-enregistrée dans

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laquelle la musique de trois autres quatuors s’entremêle aux voix de personnes enregistrées lors d’interviews et aux bruits de trains (sifflets, sirènes, aiguillages) des années 1930 et 1940 recueillis par le compositeur : « L’idée fondamentale est que des enregistrements de paroles soigneusement sélectionnés génèrent des matériaux musicaux pour instruments de musique » (Reich). Dans la lignée des premières pièces pour bande comme It’s gonna rain (1965) et Come out (1966), préfigurant des œuvres comme City Life (1995), Different Trains s’arti-cule autour d’une réaction musicale aux syntagmes énoncés par les locuteurs, qui sont doublés, annoncés ou répétés par un instrument, tandis que les autres membres des quatuors dessinent un fond sonore changeant par séquences, le tout suivant la logique d’un minimalisme ici particulièrement en prise avec l’atmosphère ferroviaire. « L’idée de cette pièce m’est venue de mon enfance, explique Steve Reich. Quand j’avais un an, mes parents se sont séparés. Ma mère s’est installée à Los Angeles et mon père est resté à New York. Ils ont organisé une garde alternée et, entre 1939 et 1942, j’ai été amené à faire de fréquents allers-retours en train entre New York et Los Angeles, accompagné de ma gouvernante. Si ces voyages m’ont paru excitants et romantiques à l’époque, j’ai conscience aujourd’hui que si j’avais vécu en Europe pendant cette période, il m’aurait fallu, en tant que Juif, prendre des trains bien différents1. » C’est autour de cette coexistence de deux mondes que s’articule la forme, le dernier mouvement After the war dépeignant l’émigration américaine de trois survivants de la Shoah, fusionnant les univers des deux premiers (America – Before the war et Europe – During the war). Vingt ans avant son récent quatuor avec bande WTC 9/11 – créé par le Kronos Quartet à l’occasion du dixième anniversaire des attaques terroristes sur le World Trade Center –, Steve Reich propose avec Different Trains une musique qui interroge avec acuité les déchirures les plus douloureuses du monde moderne.

1 Steve Reich, Différentes Phases, traduction française de Christophe Jaquet avec la

collaboration de Claire Martinet, Paris, Philharmonie de Paris, 2016, p. 235.

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Claude DebussySonate no 1 pour violoncelle et piano

Prologue

Sérénade

Finale

Composition : juillet-août 1915 à Pourville.

Création : 4 mars 1916, Londres, Aeolian Hall, par Charles Warwick Evans (violoncelle)

et Ethel Hobday (piano). Création parisienne le 24 mars 1916, par Joseph Salmon

(violoncelle) et le compositeur (piano).

Publication : 1916, Durand, Paris.

Durée : environ 11 minutes.

De la Sonate pour violoncelle et piano, composée au cours de l’été 1915, que Debussy passe à Pourville, le compositeur semble satisfait : « Il ne m’appartient pas d’en juger l’excellence, mais j’en aime les proportions et la forme, presque classiques dans le beau sens du terme », écrit-il ainsi à son éditeur Durand au début du mois d’août. S’inscrivant dans un répertoire somme toute relativement réduit (Beethoven, Mendelssohn, Chopin, Saint-Saëns notamment, mais aussi Brahms et Rachmaninov, bien que les sonates de ces derniers aient été à l’époque peu jouées en France), cette pièce fait la part belle au violoncelle et utilise toutes ses ressources expressives et timbriques. Debussy a d’ailleurs estimé néces-saire de préciser sur le manuscrit : « Que le pianiste n’oublie jamais qu’il ne faut pas lutter contre le violoncelle, mais l’accompagner ».Un début déclamatoire, aux allures d’ouverture à la française, mène bien-tôt à un thème plus lyrique de violoncelle dolce sostenuto, caractérisé par sa courbe descendante. Après un passage central plus agité, les deux thèmes reviennent et le mouvement s’achève sur des souvenirs du triolet initial. Le second mouvement, caractéristique de la modernité du dernier Debussy, joue des pizzicati aux allures de guitare, convoque quelques rythmes de habanera et déroule son discours de façon fantasque, dans la plus grande liberté, avant de mener attacca au finale qui semble lui aussi hésiter entre Espagne et France. Après une très courte cadence de violoncelle, l’œuvre s’achève brusquement sur des accords fortissimo, très secs. Si Pierrot il y a (Debussy avait songé à intituler l’œuvre « Pierrot fâché

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avec la lune »), c’est, bien plus qu’un clown triste, un Pierrot extravagant et versatile, un cousin du Général Lavine, de Puck ou du chanteur de La Sérénade interrompue (Préludes pour piano).

Sonate no 3 pour violon et piano

Allegro vivo

Intermède. Fantasque et léger

Finale. Très animé

Composition : octobre 1916-avril 1917.

Dédicataire : Emma Debussy.

Création : 5 mai 1917, Paris, salle Gaveau, par Gaston Poulet (violon) et le composi-

teur (piano).

Publication : 1917, Durand, Paris.

Durée : environ 12 minutes.

Dernière des sonates « pour divers instruments » à être achevée, la Sonate pour violon et piano occupe Debussy durant de longs mois de « supplice » (comme il l’écrit à Jacques Durand le 8 mars 1917). La corres-pondance du musicien entre 1916 et 1917 porte au détour de plus d’une page la marque des souffrances physiques et morales qu’il endure alors : « Maintenant je ne sais plus quand je retrouverai mon élan ? Il y a des moments où il me semble que je n’ai jamais su la musique… » (Debussy à Arthur Hartmann, 24 juin 1916.)Rameau et Couperin, auxquels devaient rendre honneur ces délicates sonates « dans le goût français », semblent ici avoir laissé la place à quelque tzigane plongé dans les affres de la mélancolie. « Fantasque » : le sous-titre du mouvement central pourrait convenir à la sonate entière, toute faite de courts thèmes, de changements de tempo et de caractère. Ainsi, l’Allegro vivo initial, fortement teinté de modalité, passe d’une phrase à l’autre, saute d’un motif au suivant, s’arrête en plein élan ; il semble écartelé entre un désir de vie (dont témoignent entre autres les indications de caractère : appassionato, en serrant, animando) et les forces destructrices des « usines du néant » – pour réutiliser une expression que Debussy, lui, empruntait à Jules Laforgue. Rhapsodie pour

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l’Intermède : il y a là comme un souvenir de la Sérénade que chantait le violoncelle dans sa sonate de 1915. Ironie (que l’on pense aux croches liées par deux avec un crescendo brutal qui ouvrent la partie de violon) ? Sonorités ibériques, dans la lignée des « impressions d’Espagne », d’Iberia à la Soirée dans Grenade ? Le dernier mouvement fera lui aussi référence à cet ailleurs ensorcelant dans un thème alangui, « le double plus lent », qui pourrait avoir des allures de café-concert ; s’y opposent un violon emporté de doubles croches, en « serpent qui se mord la queue » (Debussy à Robert Godet, 7 mai 1917), et un piano qui retrouve parfois les sonorités aquatiques des Jardins sous la pluie. Fin brusque et affirmative : enfin, le voilà écrit, ce mouvement si longtemps fuyant, si difficile à coucher sur le papier ! Ce sera la dernière grande œuvre de Debussy, et sa dernière apparition en public, à l’occasion de sa création : le compositeur sera emporté par le cancer au début de l’année 1918.

Sonate no 2 pour flûte, alto et harpe

Pastorale. Lento, dolce rubato

Interlude. Tempo di minuetto

Finale. Allegro moderato ma risoluto

Composition : 1915.

Dédicataire : Emma Debussy.

Création : 10 décembre 1916, Paris, par Albert Manouvrier (flûte), Darius Milhaud

(alto) et Jeanne Dalliès (harpe chromatique).

Publication : 1916, Durand, Paris.

Durée : environ 17 minutes.

Quelque peu délaissée au xixe siècle, la harpe connaît au tout début du siècle suivant un renouveau, tant au niveau de la technique (harpe chro-matique à double rangée de cordes pour Pleyel en 1896, harpe à pédales chez Érard) que du répertoire. Ainsi, Debussy avait déjà consacré deux Danses à l’instrument, accompagné d’un orchestre à cordes, en 1904. Il y revient en 1915 et lui adjoint une flûte et une partie d’alto (pensée à l’origine au hautbois). Cette Sonate pour flûte, alto et harpe prolonge le retour de Debussy à la composition, opéré avec les Études pour piano,

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En blanc et noir pour deux pianos et la Sonate pour violoncelle et piano, première du projet des « six sonates pour divers instruments » : le séjour à Pourville était décidément propice à l’inspiration, comme l’expliquait non sans humour le compositeur à Jacques Durand en septembre 1915 (« les périodes harmonieuses se déroulaient, oublieuses des tumultes [de la guerre] si proches, enfin c’était si beau que je dois presque m’en excuser »).Les trois mouvements de cette sonate – une Pastorale détendue, ombrée parfois d’une pointe de mélancolie, un Interlude qui prend la forme d’un menuet ancien et un Finale animé – veulent se souvenir des maîtres fran-çais du xviiie siècle, en évitant surtout la « grandiloquence des sonates modernes » (Debussy à Bernardino Molinari en 1915). Pour autant, rien n’est moins rétrograde que ce chef-d’œuvre au langage éminemment personnel, marqué par un travail sur la « ligne » instrumentale, dans une démarche d’économie sonore que renforcent les nuances piano privilé-giées par Debussy, et qui réunit un effectif instrumental inusité jusqu’alors.

Angèle Leroy

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LES COMPOSITEURS

Claude DebussyDès ses années d’études, Debussy fait montre d’un caractère farouche-ment indépendant : les dix ans qu’il passe dans diverses classes (piano, solfège, harmonie, composition…) au Conservatoire de Paris le voient presque systématiquement occupé à déjouer les horizons d’attente de ses professeurs. Après un séjour de deux ans à la Villa Médicis à la suite de son Prix de Rome (1884), il se fixe à Paris où il commence de fréquenter les milieux artistiques qui contribueront à fécon-der son imagination, aussi curieuse de poésie que de peinture. Les premières œuvres importantes naissent au cours de la décennie 1890 (Quatuor à cordes, Prélude à l’après-midi d’un faune), tandis que Pelléas et Mélisande, créé en 1902, assied véritablement sa répu-tation. Tout en continuant son travail de critique sous le pseudonyme de Monsieur Croche, Debussy consacre à l’orchestre (La Mer, les Images pour orchestre, le ballet Jeux) et au piano (les Images, les Préludes, les Études…) des pages capitales où il affirme son esthétique personnelle tout en conti-nuant de la faire évoluer : « Épurons notre musique, appliquons-nous à la décongestionner, cherchons à obte-nir une musique plus nue. Gardons-nous de laisser étouffer l’émotion sous l’amoncellement de motifs et de dessins superposés », écrit-il en 1913. Les huit

dernières années de sa vie sont assom-bries par les souffrances liées au cancer qui l’emporte en 1918.

Steve ReichLa formation de Steve Reich (études à la Juilliard School de New York en piano et percussions, Master of Art au Mills College à Oakland en Californie, où il reçoit notamment l’enseignement de Luciano Berio), ses expériences en tant qu’interprète (musique savante ou jazz) et son intérêt pour d’autres cultures musicales (percussions au Ghana, gamelan indonésien) nour-rissent une esthétique en questionne-ment par rapport aux modèles – notam-ment le sérialisme, qu’il rejette – et aux liens présent/passé, populaire/savant, occidental/non-occidental. Sa fréquentation du San Francisco Tape Music Center au début des années 1960 le pousse à adopter la bande magnétique et à travailler sur ce qu’il appelle le « déphasage » (It’s gonna rain en 1965 ou Come out en 1966), par la suite étendu aux questions de pulsation et de variation dans le domaine de la musique live. Son champ instrumental, volontiers focalisé sur le piano, les percussions et les petits ensembles, s’élargit aux grands effectifs (Music for a large ensemble, 1978), tout en accordant un rôle prépondérant à la voix (Tehillim, 1981, The Desert Music, 1984, Three Tales, 1998-2002, Daniel

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Variations, 2006…). Considéré comme l’un des pionniers de la musique mini-maliste, courant auquel appartiennent aussi La Monte Young, Terry Riley,

Philip Glass ou John Adams, Reich tient aujourd’hui, après plus d’un demi-siècle de carrière, une place centrale dans le paysage musical contemporain.

Vincent LucasVincent Lucas est l’un des plus jeunes flûtistes admis à l’unanimité – il avait 14 ans – au concours d’entrée du Conservatoire de Paris (CNSMDP). À l’âge de 17 ans, il remporte le Premier Prix du Concours International Radiophonique de Prague « Concertino Pragua ». Après cinq années passées à l’Orchestre du Capitole de Toulouse, il intègre l’Orchestre Philharmonique de Berlin où il restera durant six années avant d’être nommé première flûte solo à l’Orchestre de Paris en sep-tembre 1994. Il y a été le soliste du Concerto pour flûte et harpe de Mozart avec Marie-Pierre Chavaroche sous la baguette de Frans Brüggen en 2001 et l’interprète du concerto de Bright Sheng sous la direction de Christoph Eschenbach en 2004. Participant à de nombreux programmes de musique de chambre de l’Orchestre de Paris, Vincent Lucas est aussi le partenaire dans ce domaine de Marie-Pierre Langlamet, Christian Ivaldi, Éric Le Sage, Paul Meyer, Michel Beroff, Brigitte Engerer, Xavier Phillips, Svtelin Roussev ou encore Laurent Wagschal. Il est également membre du quintette à vent

des solistes de l’Orchestre de Paris. Il enseigne au CNSMD de Paris en tant que professeur assistant et il est profes-seur principal au CRR de Paris. Il donne, en outre, de nombreuses master-classes en Asie, Russie, Afrique, Europe et Amérique. Il a été nommé depuis peu professeur honoraire au College of Music Toho Gakuen à Tokyo. Vincent Lucas a réalisé plusieurs enregistre-ments sous le label Indésens : musique française pour flûte et piano et autour des compositeurs Poulenc, Saint-Saëns, Dutilleux, Enesco, Françaix, Debussy, ainsi qu’un CD pour flûte seule.

Maya KochMaya Koch joue dans toute l’Europe, au Japon et en Chine comme soliste et membre du London Conchord Ensemble. Elle se produit sur les grandes scènes internationales (Wigmore Hall de Londres, Concertgebouw d’Ams-terdam, Château Bourglinster de Luxembourg, Liederhalle de Stuttgart, Auditorium de la Cité interdite de Pékin, Grand Theatre de Hangzhou, Tsuda Hall de Tokyo) ainsi que dans des festivals (Août Musical de Deauville, Cheltenham Festival, Prussia Cove, les Mecklenburg-

LES INTERPRÈTES

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Vorpommern Festspiele et Rheingau Festival). Paris – son enregistrement pour Orchid Classics avec des œuvres de Poulenc, Milhaud et Stravinski – a reçu la « Selection of the Month » par le magazine The Strad. Maya Koch a joué avec des orchestres de renommée inter-nationale comme le Royal Philharmonic Orchestra. En 2006, elle se produit en soliste, en tournée à travers la Chine pour douze concerts, avec le Concerto pour violon de Beethoven. Chambriste, elle a collaboré avec des artistes comme Martha Argerich, Ivry Gitlis, Matthew Trusler et The Schubert Ensemble. Maya Koch a étudié auprès de Josef Rissin à Karlsruhe, où elle a obtenu un diplôme avec distinction. Elle a ensuite étudié au Conservatoire de Paris (CNSMDP) avec Jean-Jacques Kantorow, puis au Guildhall School of Music and Drama à Londres avec David Takeno. Elle a reçu un grand nombre de distinctions comme le Prix Bach à Baden-Baden et le Premier Prix de l’International Lions Competition for Violinists à Porto. Maya Koch a intégré l’Orchestre de Paris en 2010.

Saori IzumiSaori Izumi commence le violon à l’âge de 4 ans. En 2003, elle entre à l’Univer-sité Geidai de Tokyo, où elle étudie avec Chikashi Tanaka et Katsuya Matsubara. Elle intègre le cycle supérieur du Conservatoire National de Région de Paris en 2007 où elle étudie dans la classe de Suzanne Gessner puis, en 2008, dans la classe du Quatuor Ysaÿe

en musique de chambre. Elle se per-fectionne en suivant des master-classes avec des artistes tels que Michael Hentz, Michael Frischenschlager, Stephan Picard, Günter Pichler, Roland Daugareil, Sarah Nemtanu ou encore Patrice Fontanarosa. Saori Izumi a rem-porté le Premier Prix de différents concours – Vatelot-Rampal, le concours de musique de Tokyo, Burckhaldt – et est lauréate du concours de violon Eto Toshiya. Elle joue souvent en soliste dans les orchestres où elle se pro-duit, notamment au Japon. Saori Izumi intègre l’Orchestre de Paris en mars 2010.

Thomas DuranMembre de l’Orchestre de Paris depuis 2009, Thomas Duran est de ces musi-ciens que la passion de la musique a toujours nourri et porté. Son par-cours brillant au Conservatoire de Paris (CNSMDP) – classes de Philippe Muller et Pierre-Laurent Aimard –, ponctué de diverses bourses et prix internationaux, de concerts sur instrument d’époque, de créations, d’enregistrements et de concerts au sein des Ensemble Contemporain, Alternance et Court-Circuit l’a conduit à occuper dès l’âge de 23 ans la place de premier violon-celle solo de l’Orchestre de l’Opéra de Bordeaux. Cultivant sa curiosité et son éclectisme, il développe des projets aussi variés que l’élaboration d’un fes-tival en Bourgogne avec la violoncelliste Pauline Bartissol, une série de concerts au Grand Théâtre de Bordeaux pour

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les 300 ans de la mort du violoncelliste bordelais Jean-Baptiste Barrière, un disque remarqué en sonate avec son partenaire privilégié Nicolas Mallarte autour des compositeurs marqués par la Première Guerre mondiale, un autre autour des 40 Études de Popper avec 19 collègues sous l’impulsion de Raphaël Pidoux, des ateliers-concerts sur Beethoven, sur Fauré, ou l’influence de la Première Guerre mondiale sur la création musicale, des concerts de musique de chambre avec ses collègues de l’Orchestre mais aussi avec Pierre Foucheneret, Marc Coppey, Marie Chilemme, Julien Dieudegard, Nicolas Dautricourt, Bertrand Chamayou, Denis Pascal... Cet engagement musical a trouvé son prolongement naturel dans l’enseigne-ment, qu’il dispense depuis 2011 au CRR de Paris et dans le cadre du Pôle Supérieur Paris-Boulogne-Billancourt.

Orchestre de ParisPremière formation symphonique française, l’Orchestre de Paris, avec ses 119 musiciens, donne plus d’une centaine de concerts chaque saison à la Philharmonie de Paris et lors de ses tournées internationales ou de sa résidence au Festival international d’art lyrique d’Aix-en-Provence. Cette pha-lange d’exception, qui a fêté ses 50 ans en 2017, fut dirigée par une lignée de chefs prestigieux : Charles Munch, Herbert von Karajan, sir Georg Solti, Daniel Barenboim, Semyon Bychkov, Christoph von Dohnányi, Christoph

Eschenbach et Paavo Järvi, auxquels ont succédé en 2016 son nouveau directeur musical, Daniel Harding, et son chef associé, Thomas Hengelbrock. Jouant un rôle majeur au service des répertoires des xixe et xxe siècles et de la création contemporaine, l’Orchestre de Paris accueille cette saison le com-positeur Jörg Widmann en résidence. En février 2018, l’orchestre se pro-duira en Allemagne sous la direction de Daniel Harding, lors d’une tour-née avec l’altiste Antoine Tamestit. En mai, il retrouvera l’Espagne avec Daniel Harding et Maria João Pires avant de rejoindre en juillet sa résidence au Festival international d’art lyrique d’Aix-en-Provence pour y donner deux opéras, L’Ange de feu de Prokofiev (direction Kazushi Ono) et Ariadne auf Naxos de Richard Strauss (direction Marc Albrecht). Avec le jeune public au cœur de ses priorités, l’Orchestre de Paris offre une large palette d’activités pédagogiques ouvertes au public sco-laire ou familial dès 4 ans, ainsi qu’aux publics plus éloignés de la musique ou fragilisés. Afin de mettre à la dispo-sition du plus grand nombre le talent de ses musiciens, l’orchestre diversifie largement sa politique audiovisuelle en nouant des partenariats avec Radio Classique, Arte, Mezzo, France Musique et France Télévisions.

L’Orchestre de Paris est soutenu par le ministère de la Culture et la Mairie de Paris depuis sa création. Eurogroup Consulting, mécène principal, soutient

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la saison symphonique de l’Orchestre de Paris. Les activités Jeune Public bénéficient du soutien de la Caisse d’Épargne d’Île-de-France. L’Orchestre de Paris bénéficie du soutien de nom-breux mécènes et notamment du Cercle de l’Orchestre de Paris, de la Fondation du Cercle de l’Orchestre de Paris, de Groupe Fiminco, Natixis, SCOR et de la Fondation RATP.

Frédérique CambrelingFrédérique Cambreling partage actuel-lement sa vie de musicienne entre l’Ensemble intercontemporain, dont elle est membre depuis 1993, et ses activi-tés de soliste-concertiste. Après avoir enseigné à Musikene (San Sebastián, Espagne) de 2002 à 2011, elle est pro-fesseur de didactique instrumentale au Conservatoire de Paris (CNSMDP). Elle fait également partie du trio Salzedo. Frédérique Cambreling a suivi sa for-mation musicale en France et a rem-porté trois grands prix internationaux entre 1976 et 1977 – Troisième Prix du Concours de la Guilde des Artistes, Deuxième Prix du Concours d’Israël et Premier Prix du Concours Marie-Antoinette Cazala –, avant d’être nom-mée harpe solo à l’Orchestre National de France de 1977 à 1986. Passionnée par la diversité des modes d’expression liés à son instrument, son éclectisme lui permet de participer à de nombreux concerts en France comme à l’étran-ger. Plusieurs compositeurs ont écrit à son intention. Elle a créé notamment Dreamtime de Philippe Boesmans pour

harpe, tuba et ensemble, Die Stücke der Sängers de Wolfgang Rihm pour harpe et ensemble, Hélios de Philippe Schoeller pour harpe et orchestre, le Concerto pour trois harpes d’An-dreas Dohmen, Danzas secretas de Luis de Pablo pour harpe et orchestre, Soleil Filaments de Frédéric Pattar pour contrebasse, harpe et ensemble, L’Horizon et la verticale de Gérard Buquet pour deux harpes et orchestre, ainsi que des œuvres de Michael Jarrell, Aurelio Edler-Copes, Tôn-Thât Tiêt… En hommage à Luciano Berio, Frédérique Cambreling fut invitée en 2003 au Festival de Donaueschingen pour interpréter Chemins I avec l’orchestre du SWR de Fribourg sous la direc-tion de Sylvain Cambreling, puis en 2011 à la Salle de la Philharmonie de Berlin avec l’Orchestre du Konzerthaus de Berlin sous la direction de Lothar Zagrosek. Frédérique Cambreling a réalisé plusieurs enregistrements cou-vrant une large littérature du répertoire de la harpe.

Sébastien VichardSébastien Vichard a étudié le piano et le pianoforte au Conservatoire de Paris (CNSMDP). Membre de l’Ensemble intercontemporain, il est profondément engagé dans l’interprétation et la diffu-sion de la musique contemporaine, se produisant en soliste au Royal Festival Hall de Londres, au Concertgebouw d’Amsterdam, à la Berliner festspiele, à la Kölner Philharmonie, au Suginami Kôkaidô à Tokyo ou encore à la Cité de

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la musique de Paris. Il est professeur de piano au Conservatoire national supérieur musique et danse de Lyon. Le disque distribué par Harmonia Mundi où il accompagne Alexis Descharmes dans les œuvres pour violoncelle et piano de Franz Liszt a été élu Diapason d’or de l’année 2007.

Odile AuboinEn 1991, Odile Auboin obtient deux Premiers Prix (alto et musique de chambre) au Conservatoire de Paris (CNSMDP). Lauréate de bourses de recherche Lavoisier du ministère des Affaires Étrangères et d’une bourse de perfectionnement du ministère de la Culture, elle étudie à l’Université Yale à New Haven, puis se perfectionne avec Bruno Giuranna à la Fondation Stauffer de Crémone. Elle est lauréate du Concours International Valentino Bucchi de Rome. En 1995, elle entre à l’Ensemble intercontemporain. Son intérêt pour la création et sa situation de soliste de l’Ensemble intercontempo-rain lui permettent un travail privilégié avec les grands compositeurs de la seconde moitié du xxe siècle comme György Kurtág ou Pierre Boulez, avec qui elle a enregistré Le Marteau sans maître pour Deutsche Grammophon et dont elle a créé Anthèmes pour alto au Festival d’Avignon. Elle collabore également avec les compositeurs de la nouvelle génération comme Ivan Fedele, Martin Matalon, Michael Jarrell ou Bruno Mantovani. Très impliquée dans le domaine de la musique de

chambre, Odile Auboin donne notam-ment les premières exécutions d’œuvres de Bruno Mantovani, Marco Stroppa ou Philippe Schoeller. Attirée par la transversalité entre les divers modes d’expression artistique, elle participe à des projets avec les arts visuels et la danse. Son répertoire discographique comprend également les Églogues d’André Jolivet ainsi que des œuvres de Bruno Mantovani. Elle est professeur-assistant au CNSMDP. Elle joue sur un alto A 21 créé par Patrick Charton.

Ensemble intercontemporainCréé par Pierre Boulez en 1976 avec l’appui de Michel Guy (alors secrétaire d’État à la Culture) et la collaboration de Nicholas Snowman, l’Ensemble intercontemporain réunit 31 solistes partageant une même passion pour la musique du xxe siècle à aujourd’hui. Constitués en groupe permanent, ils participent aux missions de diffusion, de transmission et de création fixées dans les statuts de l’Ensemble. Placés sous la direction musicale du com-positeur et chef d’orchestre Matthias Pintscher, ils collaborent, au côté des compositeurs, à l’exploration des techniques instrumentales ainsi qu’à des projets associant musique, danse, théâtre, cinéma, vidéo et arts plas-tiques. Chaque année, l’Ensemble com-mande et joue de nouvelles œuvres, qui viennent enrichir son répertoire. En col-laboration avec l’Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique (Ircam), l’Ensemble intercontemporain

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participe à des projets incluant des nouvelles technologies de production sonore. Les spectacles musicaux pour le jeune public, les activités de forma-tion des jeunes instrumentistes, chefs d’orchestre et compositeurs ainsi que les nombreuses actions de sensibili-sation des publics traduisent un enga-gement profond et internationalement reconnu au service de la transmission et de l’éducation musicale. Depuis 2004, les solistes de l’Ensemble participent en tant que tuteurs à la Lucerne Festival Academy, session annuelle de formation de plusieurs semaines pour des jeunes instrumentistes, chefs d’orchestre et compositeurs du monde entier. En résidence à la Philharmonie de Paris depuis son ouverture en janvier 2015 (après avoir été résident de la Cité de la musique de 1995 à décembre 2014), l’Ensemble se produit et enregistre en France et à l’étranger où il est invité par de grands festivals internationaux.

Financé par le ministère de la Culture, l’Ensemble reçoit également le sou-tien de la Ville de Paris. Pour ses pro-jets de création, l’Ensemble intercon-temporain bénéficie du soutien de la Fondation Meyer.

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L’Orchestre de Paris remercie

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Mécène principal et membre d’Honneur du Cercle de l’Orchestre de Paris

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Boulet Lamberti BebonAvocats

Membres AmisExecutive Driver Services, Potel et Chabot, Propa Consulting et Valentin Environnement et TP

Membres Grands Mécènes – Cercle Charles MunchMarie-Louise Antoni et Philippe Lagayette, Hélène et Gérald Azancot, Anthony Béchu,

Nicole et Jean-Marc Benoit, Agnès et Vincent Cousin, Vincent Duret, Nathalie et Bernard Gault, Pascale et Éric Giuily, Marina et Bertrand Jacquillat, Tuulikki et Claude Janssen,

Claude et Denis Kessler, Ioana Labau, Brigitte et Jacques Lukasik, Danielle et Bernard Monassier, Adrien Nimhauser, Laetitia Perron et Jean-Luc Paraire, Judith et Samuel (in mem.) Pisar,

Alain et Michèle Pouyat, Éric Rémy, Brigitte et Bruno Revellin-Falcoz, Carine et Éric Sasson

LES PARTENAIRES MÉDIAS

LES ENTREPRISES PARTENAIRES

LES PARTENAIRES ENSEIGNEMENT

Landor AssociatesVia Tortona 37Milan I-20144ItalyTel. +39 02 764517.1

Il presente documento è un esecutivo. La stampa laser fornisce un'indicazione del posizionamento dei colori, ma in nessun caso si deve fare riferimento per la verifica dei colori di stampa. I caratteri tipografici non vengono

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SAISON 2017-18SAISON 2017-18 P H I L H A R M O N I E D E PA R I S

Ensemble intercontemporain.

GRAND SOIR 23 SEPTEMBREStravinski, Harvey, Ayres, Chin

COMME UN NUAGE DE VENT ET DE PIERRE… 19 OCTOBRESciarrino, Kurtág

HAAS / IN VAIN 10 NOVEMBRE

DEUX ESPRITS 1ER DÉCEMBREHosokawa, Takemitsu

BERIO / CORO 11 DÉCEMBRE

ELLIOTT CARTER 10 JANVIER

GRAND SOIR NUMÉRIQUE26 JANVIERAugier, Jebanasam / Barri, Ghisi / Labbé, Glerup, Alexander Schubert

MONSIEUR CROCHE ET SON DOUBLE 27 & 28 JANVIER

DEBUSSY / REICH 28 JANVIER

HENZE / REQUIEM 16 FÉVRIER

MELANCHOLIA 18 FÉVRIERDusapin, Franz Schubert

GRAND SOIR LINDBERG 9 MARSLindberg, Xenakis, Grisey, Rivet, Ferneyhough

DES CANYONS AUX ÉTOILES 16 MARSMessiaen

ECHO-FRAGMENTE 5 AVRILRebel, Widmann, Harvey, Ives

DÉRIVE 2 25 AVRILEötvös, Mantovani, Boulez

AU FIL DES CUIVRES 27 MAIGabrieli, Isaac, Ockeghem, Stravinski, Xenakis, Berio, Amy, Dusapin

FOLKLORES IMAGINAIRES 1ER JUINPurcell, Falla, Bartók, Ligeti

ILLUMINATION 8 JUINNikodijević, Henke

INSCAPE 14 JUINXenakis, Parra, Bartók

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LA CITÉ DE LA MUSIQUE - PHILHARMONIE DE PARISREMERCIE EN 2017-18

LES PARTENAIRES NATIONAUX DU PROGRAMME DÉMOS 2015-2019

Fondation Singer-Polignac, Adam Mickiewicz Institute, Goethe Institut, Délégation du Québec, Champagne Deutz, Demory

Intel Corporation, Gecina, Groupe Monnoyeur, UTB, IMCD,

Amic, AMG-Féchoz, Angeris, Batyom, Campus Langues, Groupe Balas, Groupe Imestia, Île-de-France Plâtrerie, Linkbynet, Smurfit Kappa

Philippe Stroobant, Tessa Poutrel

Patricia Barbizet, Jean Bouquot, Eric Coutts, Dominique Desailly et Nicole Lamson, Mehdi Houas, Frédéric Jousset,

Pierre Kosciusko-Morizet, Marc Litzler, Xavier Marin, Xavier Moreno et Joséphine de Bodinat-Moreno,

Alain Rauscher, Raoul Salomon, François-Xavier Villemin et les 2500 donateurs des campagnes « Donnons pour Démos »

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