Sunday, May 28, 2017 • 1:00 p.m  

 

 

  Luke Eckhoff 

Graduate Recital    

 

DePaul Concert Hall 800 West Belden Avenue • Chicago 

   

Sunday, May 28, 2017 • 1:00 p.m. DePaul Concert Hall 

Luke Eckhoff, clarinet Graduate Recital Kay Kim, piano   

PROGRAM  

Francis Poulenc (1899-1963) Sonata for Clarinet and Piano (1962) 

I. Allegro tristamente  II. Romanza III. Allegro con fuoco 

 Kay Kim, piano 

   Karel Husa (1921-2016) Three Studies for Solo Clarinet (2007) 

I. Mountain Bird II. Poignant Song III. Relentless Machine 

   Victor Babin (1908-1972) Hillandale Waltzes (1947)  

Kay Kim, piano  

  Intermission    

 

Luke Eckhoff • May 28, 2017 Program 

Johannes Brahms (1833-1897) Sonata for Clarinet and Piano in E-flat Major, op. 120/2 (1894) 

I. Allegro amabile II. Allegro appassionatoIII. Andante con moto - Allegro

Kay Kim, piano 

Luke Eckhoff is from the studio of Steve Williamson. This recital is presented in partial fulfillment of the degree Master of Music in Performance. 

As a courtesy to those around you, please silence all cell phones and other electronic devices. Flash photography is not permitted. Thank you. 

Luke Eckhoff • May 28, 2017 

PROGRAM NOTES 

Francis Poulenc (1899-1963) Sonata for Clarinet and Piano (1962) Duration: 15 minutes 

Among the composer’s final works, Francis Poulenc’s Sonata for Clarinet and Piano bears a dedication to the memory of Arthur Honegger, a fellow French composer and member of Les Six  who had died in 1955. While the centralized aesthetic aims of this group of French composers are often overstated, they were united by their reverence for Erik Satie and the acerbic rhetoric of writer, artist, filmmaker, and enfant terrible  Jean Cocteau as their spokesman.  Cocteau furnished the group’s manifesto in the form of his 1918 pamphlet The Cock and the Harlequin. In it, he implores French composers to free their music from foreign, particularly Wagnerian, taints, calling for “music on the earth, MUSIC FOR EVERY DAY.” The resultant style embraced the fads of the time—French popular and folk songs, music-hall numbers, jazz, Cubism, new technologies like the gramophone and radio, and the fashionable Maurice Chevalier. And while the other members of Les Six  quickly moved on to explore other musical paths, only Poulenc staunchly maintained his dedication to the frivolity of the group. 

The Sonata for Clarinet and Piano is cast in a conventional fast-slow-fast three-movement form. The paradoxical tempo marking of the first movement, Allegro tristamente  (cheerful and sad), foreshadows the ironic wit and juxtaposition of musical character on which the work is based. Recalling Prokofiev (for whom the Oboe Sonata, Poulenc’s final work, is dedicated), the primary theme of this movement is as expansive as it is irreverent. It is primarily due to these musical allusions to Prokofiev that there exists speculation over the dedications of the sonatas for oboe and clarinet. Regardless, the slow digression at the center of this opening movement betrays the composer’s lifelong admiration for Satie, proceeding coolly in monotone. This affect continues in the tender Romanza , the wistful opening melody spinning thematic variants of melancholia. The fiery finale contains the most straightforward example of Cocteau’s “music on the  

Luke Eckhoff • May 28, 2017 Program Notes 

earth.” Bright and rambunctious circus-like music yields to a recollection of the rueful music derived from the opening movement. The percussive piano and impertinent clarinet provide an unruly and boisterous conclusion. At long last, according to Poulenc, “the music hall was invading Art with a capital A.” 

Karel Husa (1921-2016) Three Studies for Solo Clarinet (2007) Duration: 10 minutes 

A native of Prague, Karel Husa was intent on pursuing a career in civil engineering despite being a skilled violinist and pianist.  Following the German occupation of Czechoslovakia beginning in 1938 and the subsequent closing of technical universities, Husa was presented with the choice of a career in painting or music. He promptly enrolled in the Prague Conservatory as a composition student, later studying at the École Normale de Musique in Paris with Arthur Honegger (to whom Poulenc’s Clarinet Sonata is dedicated) and Nadia Boulanger, the matriarch of 20th century music. 

Husa’s music derives its power from kaleidoscopic instrumental sonorities and formal inventiveness that communicate the emotional scope of his political and humanitarian concerns. Having endured German occupation during World War II beginning in 1938 and the Communist takeover in 1948 that forced the composer into exile, Husa once again watched in dismay as the Prague Spring of 1968—a period of liberalization led by forward-thinking reformist Alexander Dubček—was extinguished by Soviet tanks, the momentary glimpse of freedom exterminated. It is not surprising, then, that Husa’s works often contain strong symbolic ties to political and social events. Music for Prague 1968  embodies the events of Prague Spring with a Hussite war song, which Husa describes as “a symbol of resistance and hope for hundreds of years, whenever fate lay heavy on the Czech  

nation”; Apotheosis of this Earth  represents the composer’s manifesto against the desperate state of mankind and its destruction of itself and the earth. 

Husa’s Three Studies for Solo Clarinet  is the composer’s only foray into unaccompanied solo works, save for a few early piano pieces. Commissioned by Czech clarinetist Jiři Hlaváč on the occasion of the 60th anniversary of the Prague Spring International Music Competition, the three-movement work progressively depicts different playing characteristics—espressivo , legato, and staccato—and extramusical symbolism: Mountain Bird, the natural beauty of the Tatra Mountains and the bird as a symbol of unbridled freedom; Poignant Song, an elegy of sorts for the suppression of freedom throughout Czech history and its modern analogues; and Relentless Machine,  a depiction of the inexorable energy of modern society. 

Victor Babin (1908-1972) Hillandale Waltzes (1947) Duration: 11 minutes 

Despite being a towering figure of American musical life in the mid-20th century, Victor Babin and his music have unfortunately faded into relative obscurity. Babin is perhaps best known for his collaboration with his wife, Vitya Vronsky, as the piano duo Vronsky & Babin. Initially meeting as students of the venerable Arthur Schnabel, Vronsky & Babin delighted American audiences through performances and recordings of the music of Sergei Rachmaninoff, who befriended and mentored the duo. Hailed by Newsweek  magazine (then as now with a penchant for purple prose) as “the most brilliant piano team of our generation,” the Russian-born duo performed well over 1,200 concerts in the United States. Babin, also a teacher and reactionary but colorful composer, served as director of the Aspen Music Festival (1951-1954) and the Cleveland Institute of Music (1961-1972). 

Luke Eckhoff • May 28, 2017 Program Notes 

The Hillandale Waltzes  were composed as a gift to Anne Archbold, daughter of oilman John Dustin Archbold and heiress to the Standard Oil fortune.  Archbold’s Georgetown home, Hillandale, a sprawling 78-acre Tuscan Renaissance style estate, housed guests that included Queen Elizabeth II, Madame Chiang Kai-shek, Eleanor Roosevelt, Gertrude Stein, Noel Coward, and Leopold Stokowski. Two such guests in 1947 were Victor Babin and Vitya Vronsky. The eight waltz movements that comprise Babin’s gift to his haut monde hostess fancifully deviate from the theme by Johann Nepomuk Hummel with which the work begins. Aptly named for their moods—elegant, passionate, somber, flying, sad, brilliant and joyous, and, finally, forgotten—the Hillandale Waltzes  exude “the idea of friendship, love, and togetherness expressed in music” that Babin sought to instill in American audiences. 

Johannes Brahms (1833-1897) Sonata for Clarinet and Piano in E-flat Major, op. 120/2 (1894) Duration: 23 minutes 

The apocryphal, no doubt highly romanticized, tale of a performance by clarinetist Richard Mühlfeld of Mozart’s sublime Clarinet Quintet and Weber’s operatic F minor Concerto inspiring the aging Johannes Brahms to suspend his compositional retirement needs little introduction. This creative impetus resulted in the genesis of the A minor Trio, op. 114 and the B minor Quintet, op. 115 in 1891, and, following a strengthened collaboration and burgeoning friendship, the two sonatas for clarinet and piano, op. 120. (It is decidedly not coincidental that these two sonatas in F minor and E-flat major correspond to the keys of the two concerti of Weber.) 

Brahms was no stranger to the clarinet or to collaboration. His fruitful lifelong artistic partnership with violinist Joseph Joachim produced the deeply collaborative Violin Concerto (1878) despite personality clashes stemming from Brahms’s gruffness and Joachim’s petulance. Moreover, the 

Luke Eckhoff • May 28, 2017 Program Notes 

confidence with which Brahms handles the orchestral clarinet in his serenades and symphonies established a keen footing on which Mühlfeld’s influence could rest. Nicknamed by Brahms the “nightingale of the orchestra,” Mühlfeld was lavishly praised in Germany for his pearly technique and delicate tone; in England, however, his tone and musical interpretation were often derided as being crude, even risible. Certainly Mühlfeld’s considerable use of vibrato and fiery, gregarious performance style contributed in no small part to this disparity in reception, just as such characteristics would in contemporary musical life. 

The autumnal Sonata No. 2 in E-flat Major marks Brahms’s final contribution to the genre of chamber music. Although the clarinet’s timbre imbues the work with a reflective quality, the compositional techniques employed by Brahms are anything but retrospective. The first movement, Allegro amabile (tenderly, lovingly), blurs the typical distinctions of sonata form with a seemingly Mozartean abundance of melodies all spun from the opening motivic gestures. Enhanced by the lack of a perfunctory repeat of the expository section, Brahms's economy of compositional means weaves a breathless, continuous musical discourse. The second movement, an impassioned scherzo  cast in the tonic minor with a hymn-like trio section, is characteristic of Brahms’s late works for solo piano, particularly the intermezzi . The third and final movement, a set of variations on a wistful, promenading theme, best exemplifies Brahms’s technique of “developing variation” (a term coined by Arnold Schoenberg in lecture called “Brahms the Progressive”). Much like in the final passacaglia  movement of the composer’s Fourth Symphony, Brahms architects his final utterance of chamber music in a way that resolves the fundamental tension between concise musical ideas and monumental formal design. For, according to Brahms, “it is not hard to compose, but what is fabulously hard is to leave the superfluous notes under the table.” 

Notes by Luke Eckhoff. 

Luke Eckhoff • May 28, 2017 Program Notes