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E-d i t o -rial

En esta, nuestra primera edición online, presentaremos una variedad de artistas tanto nacionales como internacionales. Pintura, Fotografía, Ilustración y mucho más será lo que verán aquí, trabajos que reflejan la labor y dedicación de cada autor que en solo o en conjunto han alcanzado tal nivel de realiza-ción que merecen ser conocidos por todo el que lea la revista, y así conformarnos más que como revista, como un puente ha-cia la nueva cultura.

Bajo los nombres de grandes artistas, fotógrafos, diseñadores y muchos más, exis-ten muchos aún por descubrir, aquellos a quienes ni se les pasaría por la cabeza to-mar alguno de los títulos mencionados anteriormente. Ambos lados de la situación son lo que traemos hasta ustedes, aquellos consagrados como artistas, quienes eligen dedicar su vida o parte de ella a ejercer esa actividad tan representativa y capaz de transmitir un sinfín de significados, que a fin de cuentas, termina por con-vertirlos en exponentes y los lleva a un reconocimiento que puede alcanzar niveles globales, así como también a aquellos quienes recién comienzan, con un camino quien sabe cuan largo por recorrer. Todos ellos con derecho a ser reconocidos por un público que esperamos sea cada vez más grande, pero, ¿Cómo lograrlo?El equipo de Ruin se encarga de dar a conocer todo esto al crear la revista, por-

que siempre existe una manera de llevar aún más lejos lo que

otro desea mostrar. No existen barreras para quien se propone realizar un proyecto con todas sus ganas.

ÍndiceBrian Vu

GottfriedHelnwein

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ÍndicePablo

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@ruinmagazine

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RUINM A G. I N

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Brian es un joven artista y fotógrafo. Nació en California, pero luego de haber pasado la ma-yor parte de su vida en aquel lugar decide emi-grar a New York, específicamente a Brooklyn. Es en este lugar donde incursiona, tanto en la fotografía como en el collage.

Es considerado un fotógrafo experi-mental y espiritual. En sus trabajos jue-ga con imágenes eclesiásticas, tales como la utilización de la biblia, cruces y estatuas de vírge-nes.Su infancia y parte de su juventud estuvieron marcadas por estos símbolos religiosos, pues Brian formaba parte de una familia con creencias cristianas.

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True False es una serie de fotografías tomadas en dos ciudades diferentes. Cali-fornia y New York. La prime-ra es lugar natal de Brian, mientras que la segunda es el lugar de su actual re-sidencia. De estas dos, sur-ge una gran dicotomía que se ve representada por su infancia y la vida actual del fotógrafo. Dice que regresar a la cui-dad en que vivió su infancia y gran parte de su juventud, le mostró lo fácil que puede ser cambiar. Incluso el artis-ta reconoce que ha cambia-do en el transcurso de un año, haciendo referencia a su nueva vida en Brooklyn.

“True False, es una oración a

Dios en un trip de ácido.”

En cuanto a su trabajo en ge-neral, Brian se define como un artista que no pretende seguir una línea que sea notoria en cada pieza de su autoría, ya que su proceso creativo se caracteriza por iniciar influenciado por sen-timientos, más que por una idea fija sobre lo que será la serie o collage a crear.Cada color es capaz de re-presentar un sentimiento, y es en base al uso de estos junto a otros elementos, que Brian logra maquinar piezas intrigantes y con va-riadas interpretaciones.Si hablamos sobre la presencia de personajes en sus fotografías, los primeros acercamientos a este tipo de práctica fue en el momento en que decide trabajar en retratos, pero a diferencia de su trabajo actual, las personas presentes en estas composiciones poseen un carácter totalmente anónimo.

“True False, es una oración a

Dios en un trip de ácido.”

La serie True False se destaca por la contra-posición de lo existen-te e inexistente. Entre los tópicos de Brian, como se menciona en un principio, se en-cuentran los de índole eclesiástico; mirando más allá de esto, po-demos resumirlo en elementos que pue-den o no ser verdade-ros en realidad, y se re-miten principalmente a la visión de quien lo aprecie.

Niclas Fasth

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Andrew Khosravani

PersianGatherings

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GottfriedHelnwein

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GottfriedHelnwein

“Es la función del artista el evocar la experiencia del reconocimiento sorpresi-vo: mostrar al espectador lo que sabe, pero no sabe que sabe. Helnwein es un maestro del reconoci-

miento sorpresivo.”-William S. Burroughs

Viena- Austria

Pintura, fotografía, dibujo, performan-ces e instalaciones son áreas artísticas en las que Gottfried Helnwein se ha de-sarrollado a través de los años, incluyendo otras como colabora-ciones en teatro y fil-mes.Motivado por plasmar la práctica de violen-cia en contra de los débiles e indefensos, e inspirado en base a fotografías y diferen-tes registros que dan cuenta de prácticas de tortura en contra de niños, Helnwein traza unos de los tópi-cos más recurrentes dentro de sus obras.

Con una infancia situada en Viena luego de la Segunda Guerra Mun-dial, Helnwein se vio rodeado de lo que para él representaba un mun-do totalmente surreal, y desconec-tado de cualquier pieza de arte que no fueran aquellas imágenes de mártires en las iglesias. Según re-lata, su primer acercamiento a una

verdadera pieza de arte fue nada más que el cómic Donnal Duck rea-lizado por Carl Barks; ejemplar que lo transportó a un mundo que con-sideró real en comparación con la decadencia que lo rodeaba, en la cual no se sentía a gusto por el he-cho de sentir “haber nacido fuera de lugar”.

Intrigado por plasmar diferentes tipos de abusos, mutilaciones, minusvalías, dolor y otros esce-narios, el artista austro-irlandés incursiona primero en la pintura, que siguiendo el camino del hi-perrealismo, luego incluye la práctica fotográfica; la cual es combinada con pintura al óleo para agregar un acabado especial a cada obra.A lo largo de los años, la formación académica de Gottfried se ve obstaculizada por su poco in-terés en la teoría sobre las artes y las diferentes reprensiones recibidas hacia su trabajo por parte

de autoridades, tanto en el ambiente académico como en el entorno social. Es así como la radicalidad del trabajo de este artista comienza a ser aún más reconocida, tomando lugar en diferentes galerías, exposiciones entre las que destacamos “The Disaster of War” junto a “Retrospective”, y avanzando hacia otros formatos como el gran tamaño de las obras pre-sentadas en “The Last Child” y “Ninth November Night”.

www.helnwein.com

Los Caprichos, 2005

LucaNorbiato

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Acoluthic Redux

ENVIANOSTUS TRABAJOS

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¿DESEAS SER PARTE DE LA PRÓXIMA EDICIÓN?

WladymirBernechea

“...una vez creada la pieza esta se establece como

una existencia autónoma de su productor.”

wladymirbernechea.com

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WladymirBernechea

“Comencé a pintar como un medio para construir una obra aproximadamente des-de el 2009. Si bien habia te-nido encuentros anteriores con la pintura nunca había logrado entenderla, o más bien, nunca había sentido la necesidad de utilizarla en cuanto a crear piezas de esta plataforma.”Así comienza la respuesta a una de las primeras preguntas realizadas a Wladymir. Intriga-dos por saber sobre sus co-mienzos, relata que el acerca-miento significativo hacia esta disciplina ocurre en el año 2009, a tres años de procla-marse un artista visual titulado de la Universidad de Chile.

Tras notar que la pintura repre-sentaba, más que una prác-tica, un nicho abundante de comodidad y estabilidad para él; Wladymir decide ahondar en este mundo fuera de los encargos académicos, en-contrándose con una forma de expresión que le permite trabajar imágenes que ansia-ba transmitir.A pesar de en encontrarse con un marco temático definido, ideas visualizadas y concep-tos claros en algún nivel; es a medida que el trabajo avanza, que aparecen nuevas ideas y visiones que agregan otros significados a la obra, y que la acercan aún más a lo que el artista desea mostrar final-mente.

Serie Desde donde mirar el cielo

2012

Serie Desde donde mirar el cielo

2012

“Mi praxis en particular tiene un componente importante de in-tuición, o por lo menos procuro brindarme esa opción, para que siempre exista la posibilidad de encontrarme con nuevos proble-mas pictóricos...”

Serie Desde donde mirar el cielo2012

¿Por qué la pintura y no otra expresión artística?

Me gusta este medio porque siento que el entramado visual que se genera entre las capas de pintura, las calidades matéricas y la manera, producen cier-ta complejidad y profundidad que me llama mucho la aten-ción como herramienta para producir imágenes, sobre todo en la búsqueda de generar las atmósferas con que quiero dotar mi obra.Claramente hay distintos medios en los cuales uno puede producir obra dentro de los mismos parámetros concep-tuales, pero creo que en mi caso he sentido que la pintura se ha constituido como el lugar idóneo para producir mi obra y también en el espacio donde me da la sensación de estar caminando por el camino correcto, por lo menos en esta etapa de mi producción artística. Sumado a esto siempre me ha intrigado la relación entre esta imagen que es estática y objetual, pero que a la vez tie-ne la posibilidad de ser infinitamente profunda y compleja, al punto en donde incluso uno como artista, desconoce el real alcance del objeto que uno produce.

Wladymir:

¿Que buscas que perciba la persona que visita una galería y ve tus obras?

Wladymir: Creo que a pesar de trabajar con un espec-tro conceptual delimitado y que dentro de ese marco se encuentran las posibilidades interpretativas de la obra, que por lo gene-ral está relacionado a un tipo de imagen que presenta lugares solitarios, donde no se sabe con certeza lo que acontece tras los escenarios representados, así buscan-do siempre tratar de evocar cosas más que especificarlas, me interesa mucho la aper-tura de las potenciales lecturas que la obra pueda tener.En este sentido creo que en general los ar-tistas trabajamos poniendo en obra todas nuestras intenciones de cómo debería verse e inter-pretarse una obra, pero según mi punto de vista me parece que una vez creada la pie-za esta se establece como una existencia autónoma de su productor.

Serie Desde donde mirar el cielo2012

Luego de obtener su título en la Universidad de Chile, Bernechea viaja a México para cursar la Maestría en Artes Visuales en la Uni-versidad Autónoma de México, y es desde allá donde responde a nuestras preguntas.Estás en México, ¿Qué tan diferente es el desarrollo de las artes allá, en comparación con Chile?

Wladymir: Es diferente en cuanto a la magnitud del aparataje cultural de México, aquí hay una cantidad de museos impresionante

donde se muestran constantemente exposiciones de artistas relevantes tanto de arte contemporáneo como clásicos. En-tonces siento que la diferencia en el desarrollo de las artes está un poco determinado por la vida cultural en la que se pueden envolver los individuos, teniendo mucho más obras que ver definitivamente creo que las propuestas artísticas se pueden volver más ricas.

Sumado a esto creo que hay cierta valorización de parte de la gente hacia sus artistas, como parte fundamental de lo que lo constituye como país. Si bien como en todas partes no todas las personas están inmersas en un contexto cultural, hay un conocimiento general importante sobre creadores mexicanos considerándolos esenciales dentro de su identidad.

¿Que necesita un joven hoy para lanzarse hacia el mundo de las artes y en tu caso de la pintura?

Wladymir:

En el arte es importante tener una gran tolerancia a la frustración y calma en producir obra. En este trabajo uno se equivoca millo-nes de veces, todo el tiempo, y es importante darse cuenta que no es una carrera donde el que expone más es el que mejor lo hace, sino que hay que tomarse el tiempo cada uno de trabajar en la obra profundamente y avanzar con ella, para así poder tomar real conciencia de lo que hacemos.Creo también que siempre hay que ser honesto, con la obra y con uno mismo. Muchas veces me he encontrado, sobre todo en expo-siciones de artistas jóvenes, con

piezas que buscan desesperada-mente encajar en un contexto de arte contemporáneo, así usando formulismos que hagan parecer a las obras como inteligentes o parte de una moda, entonces me parece que uno debiese ser lo más sincero posible y permitirse ser en profundidad, así poder ha-cer en obra lo que uno quiera, tra-tando siempre de disfrutar lo que uno hace.

Entre los lugares en que Wladymir ha expuesto, se encuentran centros culturales pertenecien-tes a Chile y ahora México debido a su residencia en el lugar, pero no descarta el volver a expo-ner a nuestro territorio o también extender su trabajo hacia otros países.

Si bien te preguntamos si habías ex-puesto en otros lugares, pero no te preguntamos qué se sentía llevar tu trabajo a otro país, donde no juegas de local, sino de visita, donde qui-zás no solo está tu nombre, sino el de un país. ¿Que siente Wladymir al momento mostrar sus obras por el mundo?

Jugar de visita siempre es más difícil, porque bási-camente por muy bien o mal que te haya ido en tu país, cuando llegas a otro eso ya no existe, empie-zas de cero.La verdad en mi caso a pesar de haber recibido buenas críticas sobre mi trabajo, sí he sentido la dificultad de insertarme en otro contexto, cuando uno es nacional de un país las cosas siempre se dan un poco más fácil, uno tiene acceso más fácil a la gente, se mueve más naturalmente dentro de un medio, en este caso el artístico, pero cuando se es extranjero y no se conoce cómo funcionan las cosas, siempre se tienen trabas. Sin embargo creo que el plantearse en un contexto ajeno, con todas las dificultades que ello implica, por lo menos en mi caso me ha llevado a sentirme más fuerte den-tro de mi trabajo, de no ser tan condescendiente y ser un poco más valiente.

Wladymir:

Vista Exposición Nada Personal

Serie Sobre Desvanecerse2014

Hoy 2014, ¿que crees que falta para un mayor de-sarrollo cultural de Chile y de su gen-te?, además ¿en que ha avanzado nuestro país en materia cultural?

Wladymir:

Yo creo ante todo, la educación es lo que se necesita para un desa-rrollo cultural en el país, no creo que haya otra fórmula más que mejo-rar la educación y ha-cerla gratuita.Y en cuanto a avance, creo que lo que me pa-rece más notable es el posicionamiento de las iniciativas autogestio-nadas y trabajos cola-borativos como parte vital del medio cultural chileno, creo que ha sido un gran paso para la creación de una es-cena artística por sobre la idea de circuito, que por lo general gira en círculo.

Vista Exposición Nada Personal

“LA FOTOGRAFÍAME PRODUCE UNASATISFACCIÓN QUE NO HEENCONTRADO CON OTRASRAMAS ARTÍSTICAS.”PABLO BOYERONacido en Málaga, España, y actual-mente residente en Londres. Pablo Boyero es un fotógrafo de 25 años que destaca por su increíble trabajo

realizado principalmente en uno de los ambientes más difíciles y con ma-yor diversidad de escenarios: el paisa-je urbano.

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¿En qué año comenzaste con la fotografía y por qué elegiste esta y no otro tipo de expresión ar-tística?

Descubrí el lado artístico de la fotografía hace unos 5 años pero en el fondo es algo que lle-vo haciendo inconscientemente desde que era pequeño. La fotografía me produce una satisfacción que no he encontrado con otras ramas artísticas.

Pablo se encuentra desarrollando nuevas te-máticas constantemente, sin dejar atrás la ca-racterística espontaneidad de cada cuadro, y la especial tonalidad y texturas que aportan la técnica analógica.

¿En qué te inspiras para hacer estas fotogra-fías y cual es el proceso creativo que llevas a cabo antes de hacer una foto?

Hago mucha fotografía urbana y me dejo llevar por la personalidad de las gente y de la ciudad en la que me encuentre. Ob-servar y anticipación son claves en este proceso en el que a la vez intento plasmar mi propio estilo, aunque caer en clichés de vez en cuando es algo inevitable.

Motivado por la amplia oferta cultural que Lon-dres ofrece, el fotógrafo decide establecerse en el lugar por un tiempo, donde también trabaja como guía en tours de fotografía urbana.No descarta la posibili-dad de volver a mudar-se, ya que declara que es importante para el no quedarse estancado mu-cho tiempo en un mismo sitio. Hasta hoy, ha viajado por gran parte del continente Europeo y Gran Bretaña, y su trabajo ha sido exhi-bido en su ciudad natal y en un festival de arte analógico en Timisoara, Rumania.

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NikoloBastián BrauningGata EnTinta

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ColectivoAcéfaloc o l e c t i v o a c e f a l o .t u m b l r . c o m

NikoloBastián BrauningGata EnTinta

Tras el pasar de los últimos años, las palabras zines y autogestión se vuelven cada vez más familiares, junto con la proliferación de diferen-tes exponentes, como ilustradores y organiza-ciones, que se dedican a producir este tipo de material.

Porque se ha vuelto cada vez más fácil (pero no por eso debemos restarle importancia) la producción independiente para la difusión de ideas propias, alejadas de la censura clásica y adaptada a una que se encuentre a gusto del autor.

O es que quizás siempre se en-contró cerca la posibilidad de au-togestionarse, pero últimamente ha crecido el número de perso-nas con deseos de realizarlo; ya sea por la libertad que promete una publicación independiente o la masificación de esta misma, junto con la demostración de coraje que representa el llevar a cabo una idea que es presentada a través de diferentes medios.

Entre los diversos exponentes que han crecido en la escena nacional es-tos años, hoy presentamos a Colecti-vo Acéfalo, nacido en el año 2012 a manos de los artistas gráficos Nikolo y Bastián Brauning, y hoy, conforma-do por ambos fundadores junto a la miembro más reciente: Yumbel Gón-gora (Gata EnTinta).

El Colectivo reúne los trabajos realizados por sus integrantes, ya sea de manera in-dependiente o en conjunto, además de difundir las diferentes obras de otros artis-tas pertenecientes a su mismo campo. Es así como Acéfalo se conforma como una organización que reúne diferentes ten-dencias gráficas, las que se ven potencia-das por sus trabajos en conjunto.

Destacan entre sus proyectos las convocatorias realizadas, donde se incluyen trabajos de otras edi-toriales, colectivos, ilustradores y cualquier persona que desee co-laborar y formar parte de estas, es así como entre ellas se encuen-tran trabajos aportados desde dentro y fuera del país. Grafolag-nia Pornozine fué la primera de las tres convocatorias existentes en su historial, rondando los tó-picos de erotismo plasmado de manera brutal y depravada en diferentes ilustraciones; seguida a esta se encuentra la Convoca-toria Acéfala, donde se muestran 34 personajes diferentes decapi-tados; y la última y más reciente edición de Mortus Calavera, la cual compila una serie de más de 100 ilustraciones alusivas a la muerte.

En el pasado 2014, Acéfalo asistió a ferias como la ComicCon, Primavera del Libro, Furia del Li-bro y CONART, convocatoria realizada en Cochabamba, Bolivia, en la cual se buscó retratar los diferentes territorios bolivianos a través de las miradas de distintos artistas.

Foto Viaje a Bolivia

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et Alicia Betancourt

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RUINM A G. I N

Sarai Miquel

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Sarai MiquelConcepción

REVELANDO

Llevo 7 años. Mis prime-ros pasos en la fotografía los di a los 13, documen-tando Talcahuano con una cámara digital com-pacta de 4 megapixeles . Luego, a los 15 años, me metí de lleno en la foto-grafía análoga con una Zenit 122, la que reem-placé tiempo más tarde por una Pentax Spotma-tic f. Tuve la suerte de ad-quirir ambas máquinas con el fotómetro dañado, por lo que me vi obligada a utilizarlas de forma cien por ciento manual.Detalle que se transformó en una gran ventaja a lo largo del tiempo.

1. ¿Cuánto tiempo llevas en la fotografía y cómo comenzaste?

REVELANDO

2. ¿Algún tipo de estudio en la materia?

Si, estudié Fotografía en Santiago.

REVELANDO

3. ¿Análoga o réflex? La tecnología avanza, es un hecho. Cada vez las cáma-ras fotográficas presentan funciones que hasta hace unos años eran impensa-das dentro del campo, pero aún así, es imposible que repliquen la sensación de relevar tus propias fotogra-fías en un cuarto oscuro, por ejemplo. Además, si bien se puede experimentar con lo digi-tal (y de forma inmediata), la fotografía análoga está expuesta constantemente a errores involuntarios, ya sea al momento de la toma o del revelado, los que la hacen aún más especial. Nunca sabes con certeza el resultado del rollo y esa cosquilla en el estómago es irremplazable para mí.

4. ¿Cómo se desarrolla tu proceso creativo?

Por mi experiencia, creo que dentro de las instituciones educacionales con fi-nes de lucro, el proceso creativo de un artista se ve mermado. Ahora que salí de la universidad, el proceso es mucho más espontáneo y agradable para mí. Las ideas para las fotografías surgen en cualquier momento. Las anoto, des-compongo y las mezclo con estados de ánimo e inspiraciones que encuen-tro en libros o en páginas de difusión de arte. Intento que el proceso crea-tivo sea lo más libre posible, la única “norma” respecto a él que me he au-toimpuesto es mantener una estética dentro de todo mi trabajo fotográfico. Ya sea fotos para bandas, arquitectu-ra o retratos, intento marcar un estilo que no sólo funcione como hilo con-ductor, sino que además, como sello personal.

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5. ¿Dónde has expuesto?

En agosto del 2014 expuse fotografía arquitectónica en el Teatro Italia, San-tiago, en el marco de “Arte Accesible”.

5. ¿Dónde te gustaría exponer?

Me gustaría exponer mi trabajo en es-pacios públicos. Creo que el mundo de la fotografía, y el arte en general, es tan elitista como frívolo, por lo que quiero desprenderme de eso desde las bases. Anhelo acercar el arte de la fotografía a personas que no tienen la posibilidad de asistir a exposiciones y museos pagados con frecuencia, pero que son capaces de emocionarse con una obra incluso más que expertos.

REVELANDO

sarai-miquel.tumblr.com

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contacto: contacto@ruinmag.inConcepción, Chile

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