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VENTI PER UNA SUDAMERICA

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20 artisti per una mostra

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ventiperuna20 regioni per 1 Italia, 20 artisti per una mostra

2012 - 2013Rassegna internazionale di Arte Contemporanea Italiana

Maurizio MelaniDirettore Generale per la Promozione del Sistema Paese

Vincenza LomonacoDirettore Centrale per la Promozione della Cultura e della Lingua Italiana

Massimo RiccardoVicario del Direttore Centrale per la Promozione della Cultura e della Lingua Italiana

Maria Romana Destro BisolDirezione Generale per la Promozione del Sistema Paese

Raffaella PavaniCapo Ufficio IV - Direzione Generale per la Promozione del Sistema Paese

Veronica MansonSettore Arte Contemporanea - Ufficio IVDirezione Generale per la Promozione del Sistema Paese

Marcella SimonelliSettore Arte Contemporanea - Ufficio IVDirezione Generale per la Promozione del Sistema Paese

Con il patrocinio di

Partner ufficiale

Sedi espositive

La PlataMACLAMuseo de Arte Contemporaneo LatinoamericanoDirettore César López Osornio

Consolato Generale d’Italia a La PlataConsole Generale Spartaco Caldararo

CórdobaEspacio Cultural MUMU Direttore María Sol Mosquera

Istituto Italiano di Cultura di CórdobaDirettore ad interim Andrea Luca Lepore

Buenos AiresCentro Cultural RecoletaDirettore Claudio Patricio Massetti

Istituto Italiano di Cultura di Buenos AiresDirettore Maria MazzaAddetto Marco Marica

MontevideoEspacio de Arte ContemporáneoDirettore Fernando Sicco

Istituto italiano di Cultura di MontevideoAddetto Reggente Michele Gialdroni

Mostra a cura diMartina Corgnati

OrganizzazioneIstituto Garuzzo per le Arti Visive - IGAV

PresidenteRosalba Garuzzo

Direttore artisticoMartina Corgnati

Curatore Alessandro Demma

Direttore organizzativoCristina Cavaglià

CoordinamentoCarlotta Saracco

SegreteriaAlessandra Lombardi

Logistica Italia-SudamericaAlessandro Falanga

Redazione webAngela Pastore

Ufficio StampaEmanuela Bernascone, Torino

Consulenza assicurativaAon s.p.a Insurance Brokers

Progetto graficoTonicadv

Catalogo a cura diMartina Corgnati

Testi diMartina CorgnatiAlessandro Demma

TraduzioniAlessandra Tarozzo

Crediti fotograficiPer l’opera di Dario GhibaudoTommaso MatinaPer l’opera di Claudia LosiDario Lasagni

Grafica della copertinaTonicadv

Realizzazione editorialeDe Ferrari Comunicazione S.r.l.

Un ringraziamento particolare a

Guido Walter La Tella, Ambasciatore d’Italia in Argentina

Massimo Andrea Leggeri, Ambasciatore d’Italia in Uruguay

Giuseppe Scognamiglio, Console Generale d’Italia a Buenos Aires

Andrea Luca Lepore, Console Generale d’Italia a Córdoba

Spartaco Caldararo, Console Generale d’Italia a La Plata

Si ringraziano inoltreMassimo ScaringellaSilvia Vindigni

RingraziamentiMunicipalità de La Plata

Ideazione e realizzazione

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ventiperuna20 regiones para 1 Italia, 20 artistas para 1 exposición

2012 - 2013Reseña internacional de Arte Contemporáneo Italiano

Maurizio MelaniDirector General para la Promoción del Sistema País

Vincenza LomonacoDirector Central para la Promoción de la Cultura y de laLengua Italiana

Massimo RiccardoVicario del Director Central para la Promoción de la Cultura y de la Lengua Italiana

Maria Romana Destro BisolDirección General para la Promocióndel Sistema País

Raffaella PavaniJefe de la Oficina IV - Dirección General para laPromoción del Sistema País

Veronica MansonSector Arte Contemporáneo - Oficina IVDirección General para la Promoción del Sistema País

Marcella SimonelliSector Arte Contemporáneo - Oficina IVDirección General para la Promoción del Sistema País

Con el patrocinio de

Partner oficial

Sedes de exposición

La PlataMACLAMuseo de Arte Contemporáneo LatinoamericanoDirector César López Osornio

Consulado General de Italia en La PlataCónsul General, Spartaco Caldararo

CórdobaEspacio Cultural MUMU Directora María Sol Mosquera

Instituto Italiano de Cultura de CórdobaDirector ad interim Andrea Luca Lepore

Buenos AiresCentro Cultural RecoletaDirector Claudio Patricio Massetti

Instituto Italiano de Cultura de Buenos AiresDirector Maria MazzaAgregado adjunto Marco Marica

MontevideoEspacio de Arte ContemporáneoDirector Fernando Sicco

Instituto Italiano de Cultura de MontevideoDirector interino Michele Gialdroni

Curador de la exposiciónMartina Corgnati

OrganizaciónIstituto Garuzzo per le Arti Visive - IGAV

PresidenteRosalba Garuzzo

Director artísticoMartina Corgnati

Curador Alessandro Demma

Director organizativoCristina Cavaglià

CoordinadoraCarlotta Saracco

SecretaríaAlessandra Lombardi

Logística Italia-LatinoaméricaAlessandro Falanga

Redacción webAngela Pastore

Oficina de prensaEmanuela Bernascone, Torino

Sociedad de segurosAon s.p.a Insurance Brokers

Diseño gráficoTonicadv

Catálogo editado y curado por Martina Corgnati

Textos de Martina CorgnatiAlessandro Demma

TraducciónAlessandra Tarozzo

Créditos fotográficosPara la obra de Dario GhibaudoTommaso MatinaPara la obra de Claudia LosiDario Lasagni

Gráfica de la cubiertaTonicadv

Realización editorialDe Ferrari Comunicazione S.r.l.

Un agradecimiento especial a

Guido Walter La Tella, Embajador de Italia en Argentina

Massimo Andrea Leggeri, Embajador de Italia en Uruguay

Giuseppe Scognamiglio, Cónsul General de Italia en Buenos Aires

Andrea Luca Lepore, Cónsul General de Italia en Córdoba

Spartaco Caldararo, Cónsul General de Italia en La Plata

Agracedemos también aMassimo ScaringellaSilvia Vindigni

AgradecimientosMunicipalidad de La Plata

Idea y realización

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La XII Settimana della Lingua Italiana nelmondo, che si svolgerà dal 15 al 21 ottobre2012, è dedicata quest’anno all’Italia dei Terri-tori e all’Italia del Futuro. è in quest’ambito chesi inserisce il progetto espositivo “Venti x una,20 regioni per 1 Italia, 20 artisti per 1 mostra”,promosso dall’Istituto Garuzzo per le Arti Visive(IGAV) di Torino, con il sostegno del Ministerodegli Affari Esteri italiano.

La mostra presenta il lavoro di riflessione di20 artisti italiani contemporanei su alcuniaspetti dell’Italia di oggi e offre un approfondi-mento del concetto di identità regionale nelcontesto globale della società moderna. Sitratta di una lettura attenta e partecipata delnostro Paese da parte di artisti che interpre-tano la realtà italiana da un punto di vista so-ciale, politico, storico, culturale.

L’Italia di oggi si configura infatti come un Paeseestremamente ricco e complesso cultural-mente, forte di una gloriosa tradizione classica,ma allo stesso tempo attento alle istanze dellamodernità.

Nostro intento è di presentare in Argentina unprogetto espositivo che si collega idealmenteanche alle numerose comunità di origine italianapresenti sul suo territorio, per parlare dell’Italiadi oggi quale spunto per una riflessione sulsenso di appartenenza alla Nazione italiana.

La mostra, che verrà esposta presso il Museodi Arte Contemporanea de La Plata, nello Spa-zio Culturale Museo delle donne di Cordoba epresso il Centro Culturale Recoleta di BuenosAires, si avvale del sostegno dei Consolati Ge-

La XII Semana de la Lengua Italiana en elmundo, que se realiza del 15 al 21 de octubre,este año está dedicada a la “Italia de los Terri-torios y la Italia del Futuro”. En este contextotemático se inserta el proyecto expositivo“Veinte para Una, 20 regiones para 1 Italia,20 artistas para 1 muestra”, promovido por elIstituto Garuzzo per le Arti Visive (IGAV) de Tu-rín, con el apoyo del Ministerio de RelacionesExteriores italiano.

La muestra presenta el trabajo de reflexión de20 artistas italianos contemporáneos sobre al-gunos aspectos de la Italia de hoy y proponeahondar en la reflexión sobre el concepto deidentidad regional en el contexto global de lasociedad moderna. Se trata de una lecturaatenta y comprometida sobre nuestro País porparte de artistas que interpretan la realidaditaliana desde un punto de vista social, político,histórico y cultural. La Italia de hoy se configura, de hecho, comoun País extremadamente rico y complejo cultu-ralmente, asentado sobre una gloriosa tradi-ción clásica, pero al mismo tiempo atento alas instancias de la modernidad.

Nuestro deseo es presentar en Argentina unproyecto expositivo que, además, se vinculeidealmente con las numerosas comunidadesde origen italiano presentes en el territorio na-cional, como una ocasión para hablar de laItalia de hoy, que permita una reflexión sobreel sentido de pertenencia a la Nación italiana.

La muestra, que se expondrá en el Museo deArte Contemporáneo de La Plata, en el EspacioCultural Museo de las Mujeres de Córdoba y

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nerali italiani di Cordoba e La Plata, nonché de-gli Istituti Italiani di Cultura di Cordoba e BuenosAires.

Mi è gradito ringraziare tutte le istituzioni chehanno contribuito alla realizzazione dell’evento,in particolare il Presidente dell’IGAV, Sig.ra Ro-salba Garuzzo, promotrice del progetto.

Auguro pieno successo alla mostra, che costi-tuisce un passo significativo nel proficuo dialogoculturale esistente tra i nostri Paesi.

Guido Walter La TellaAmbasciatore d’Italia in Buenos Aires

en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires,cuenta con el apoyo de los Consulados Gene-rales Italianos de Córdoba y La Plata, y de losInstitutos Italianos de Cultura de Córdoba yBuenos Aires.

Me complace poder agradecer a todas las ins-tituciones que han contribuido a la realizacióndel evento, en especial a la Presidenta del IGAV,Sra. Rosalba Garuzzo, promotora del proyecto.

Auguro el mayor de los éxitos a la muestra,que sin duda constituye un paso significativoen el intenso diálogo cultural existente entrenuestros Países.

Guido Walter La TellaEmbajador de Italia en Buenos Aires

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L’Italia è sempre stato un Paese caratte-rizzato da forti tradizioni culturali locali, capacedi fare di questa ricchezza decentrata la cifradi una identità unica, seppur variegata e dina-mica. Anche nell’ambito dell’arte contempora-nea un’indagine sulle proposte e sulle persona-lità emerse nei territori d’Italia è foriera disorprese e scoperte rivelatrici.

Il taglio della mostra “Venti per Una - 20 regioniper una Italia, 20 artisti per una mostra” vuoletestimoniare proprio la vivacità di un panoramaculturale italiano sempre meno legato alla defi-nizione dei tradizionali centri di cultura. Certa-mente il mercato dell’arte non tiene conto difrontiere nazionali, tanto meno la moderna cul-tura dell’informazione e della comunicazione siferma di fronte alle barriere politiche e ammi-nistrative. Tuttavia proprio i processi di globa-lizzazione, affinché non vengano intesi comeappiattimento bensì come opportunità di valo-rizzazione, richiedono una attenzione sempredesta alla provenienza degli artisti.

Portare la mostra Venti per Una in Uruguay si-gnifica aprire una splendida finestra sulla pro-duzione di arte contemporanea italiana in unPaese che dall’Italia ha ereditato non solo usi ecostumi, ma una parte sostanziale della propriastessa identità nazionale e di quelle regionaliche la compongono. Mantenere vivo il legamecon le proposte culturali più moderne contri-buisce a infondere linfa vitale in un rapportostoricamente dato, ma non scontato nei suoiesiti contemporanei.

La struttura scelta per ospitare la mostra inUruguay è l’Espacio de Arte Contemporáneo di

Italia siempre ha sido un País caracteri-zado por fuertes tradiciones culturales locales,capaz de transformar esta riqueza descentradaen una identidad única, aunque muy matizaday dinámica. En el ámbito del arte contemporá-neo una investigación sobre las propuestas ylos protagonistas más destacados de la penín-sula italiana es el heraldo de sorpresas y des-cubrimientos reveladores.

El carácter de la exposición “Venti per Una - 20regioni per una Italia, 20 artisti per una mostra”quiere atestiguar el dinamismo de un panoramacultural italiano cada vez menos vinculado a ladefinición de los tradicionales centros de cul-tura. Es cierto que el mercado del arte no tieneen cuenta las fronteras nacionales, ni tanto me-nos la moderna cultura de la información y dela comunicación se detiene frente a las barreraspolíticas y administrativas. Sin embargo, losprocesos de globalización, para que no se con-sideren como un achatamiento sino, al contra-rio, como oportunidades de valorización, exigenmucha atención respecto al lugar de proceden-cia de los artistas.

Traer la muestra “Venti per Una” a Uruguaysignifica abrir las puertas al espectacular es-cenario representado por la producción delarte contemporáneo italiano en un País que deItalia ha heredado no sólo los hábitos y las cos-tumbres, sino también una parte sustancial desu propia identidad nacional y de las regionesque lo constituyen. Mantener vivo el vínculocon propuestas culturales de vanguardia con-tribuye a infundir linfa vital en una relación his-tóricamente definida, pero que no da por sen-tados sus acontecimientos contemporáneos.

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Montevideo, l’innovativo museo di arte contem-poranea ricavato nel 2010 dalla ristruttura-zione di un raggio dello storico carcere del Mi-guelete. I grandi spazi del gigantesco edificiocarcerario contrastano magnificamente con ilnitore del design e della tecnologia. L’arte checonquista questi ambienti, a loro modo monu-mentali, porta l’invenzione e la libertà laddoveregnavano la costrizione e la sofferenza. è conenorme piacere che l’Italia offre il suo contributodi creatività alla rinascita di questi spazi nel se-gno dell’arte.

Massimo Andrea LeggeriAmbasciatore d’Italia a Montevideo

El edificio elegido para albergar la muestra enUruguay es el Espacio de Arte Contemporáneode Montevideo, el innovador museo de arte con-temporáneo, resultado de la renovación en deun ala de la histórica cárcel del Miguelete. Losgrandes espacios de la gigantesca penitenciaríacontrastan perfectamente con la nitidez del di-seño y de la tecnología. El arte invade estos am-bientes monumentales, aportando invención y li-bertad a un lugar dominado por la constriccióny el sufrimiento. Es un gran honor para Italiacontribuir con su creatividad a la recuperaciónde estos espacios en nombre del arte.

Massimo Andrea LeggeriEmbajador de Italia en Montevideo

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"Venti per Una", il primo progetto prodottodall'Istituto Garuzzo per le Arti Visive nel 2012presentato alla Castiglia di Saluzzo (Cuneo) nellaprimavera del 2012, oggi diventa itinerante e,con nostra immensa soddisfazione e orgoglio,viene proposto in numerose, importanti cittàdell'Argentina. Si tratta di una mostra che èstata preparata a lungo e che riveste per noiuna speciale importanza: il tentativo, infatti, èstato quello di esplorare centri, modi, formeed eccellenze della giovane creatività artisticaitaliana nella sua totalità, prendendo in consi-derazione le diverse regioni della penisola. Pro-prio le Regioni che hanno costituito nel 2012 ilprimo e il più urgente fra gli interessi e le pro-spettive di lavoro del Ministero degli AffariEsteri. Inoltre, questa vasta ricognizione dei molteplicicentri della creatività italiana, si accompagnaadesso e si approfondisce attraverso la ricercadelle produzioni artistiche più interessanti rea-lizzate in Argentina da giovani operatori di ori-gine italiana. Quindi, due realtà si confrontano e si integrano:la giovane arte italiana della nostra penisola in-contra, osiamo dire per la prima volta, la gio-vane arte italiana dei figli della diaspora, oggiargentini a tutti gli effetti e quindi partecipi diuna “doppia realtà” culturale e identitaria che,per quanto non semplice da vivere, è spessonondimeno foriera di grandi possibilità espres-sive e creative. Non per nulla questo rispec-chiamento nuovo e interessante crediamopossa apportare sviluppi significativi e, forse,persino sorprendenti e risultare produttivo an-che per gli stessi protagonisti della rassegna. Per quanto riguarda l'Italia, infatti, siamo troppoabituati a incontrare gli artisti, specie i giovani

“Venti per una”, el primer proyecto reali-zado por el Instituto Garuzzo per le Arti Visiveen 2012 presentado en el Castillo de de Sa-luzzo (Cuneo) en la primavera de 2012, seconvierte hoy día en una exposición itineranteque, con nuestra inmensa satisfacción y orgu-llo, proponemos en numerosas e importantesciudades de Argentina. Se trata de una exposi-ción que ha requerido muchos meses de pre-paración y que para nosotros reviste una im-portancia especial: nuestra tentativa, de hecho,ha sido la de explorar centros, modalidades,formas y excelencias de la joven creatividad ar-tística italiana en su totalidad, teniendo encuenta las varias regiones de la Península.Aquellas mismas regiones que han represen-tado en 2012 el más destacado y urgente en-tre los intereses y las perspectivas de trabajodel Ministerio de Asuntos exteriores. Por otra parte, esta amplia identificación delos múltiples centros de la creatividad italianase acompaña y se profundiza con la búsquedade las producciones artísticas más interesan-tes realizadas en Argentina por parte de jóve-nes artistas de origen italiano.Por lo tanto, dos realidades se enfrentan y seintegran: el joven arte italiano de nuestra Pe-nínsula encuentra, nos atrevemos a decir, porvez primera, el joven arte italiano de los hijosde la diáspora, hoy ciudadanos argentinos atodos los efectos y por lo tanto partícipes deuna “doble realidad” cultural e identitaria” que,a pesar de ser una consigna difícil de vivir, amenudo y no obstante todo, anuncia grandesposibilidades expresivas y creativas. No por nada, creemos que esta reflexión nueva einteresante pueda aportar avances significativosy, quizás, hasta sorprendentes y resultar prove-

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artisti, già installati in "località centrali", strategi-che, del sistema dell'arte, come Milano o Torino,ma in questo modo trascuriamo implicitamentee sistematicamente altre realtà meno favoritema dove esistono comunque, anzi sempre dipiù, centri di ricerca, di formazione e di produ-zione delle arti visive, in cui sempre più spessosi fanno sorprese ed emergono eccellenze.Il decentramento di musei, biennali, residenciese altre occasioni di incontro, non solo in Italiama nel mondo, è infatti una realtà che ha por-tato alla scoperta di altre modalità e formed'arte, oltre che, soprattutto, di altri prepotentitalenti creativi.Per l'IGAV, che ha assunto da molti anni ormaicome propria fondamentale mission la valoriz-zazione della giovane arte italiana, una ricogni-zione nei diversi centri dell'intera Penisola, oltreche, oggi, della giovane creatività italo-argentina,e l'incontro con le sue differenze, le sue radici ei suoi talenti, era indispensabile, nella prospettivadi superamento di un "centralismo" che, anchenel sistema dell'arte, non sempre e non neces-sariamente veicola i valori migliori; e per dare lagiusta attenzione a identità, temi ed elementiche, riletti alla luce non di un folklorismo com-merciale e Kitsch, ma di uno spirito autentica-mente "contemporaneo" contribuiscono senzadubbio ad arricchire il panorama della nostracultura.L'arte è dappertutto: l'IGAV non ha tesi da dimo-strare ma è animato da un'irresistibile curiosità,che lo spinge a tentare di guardarsi continua-mente intorno. Quindi "venti" regioni arricchitedalla grande realtà della giovane creatività arti-stica argentina, per raffigurare un “paesaggio”della cultura e dell'identità “nazionale” composita,ricca e dialettica.

Rosalba Garuzzo

chosa incluso para los protagonistas mismos dela reseña. Por lo que respecta a Italia, de hecho, estamosdemasiado acostumbrados a hallar artistas, es-pecialmente jóvenes artistas, instalados en las“localidades centrales” estratégicas del sistemadel arte, como Milán o Turín, pero de esta maneradescuidamos implícita y sistemáticamente otrasrealidades menos privilegiadas donde, sin em-bargo, existen cada vez más, centros de investi-gación, de formación y producción de las Artesvisuales, en los cuales muy a menudo se dan sor-presas y destacan excelencias. La descentraliza-ción de museos, bienales, residencies y de otrasocasiones de encuentro, no sólo en Italia sino enel mundo, es de hecho una realidad que ha llevadoal descubrimiento de otras modalidades y formasde arte y, sobre todo, de nuevos apremiantes ta-lentos creativos. Para el IGAV, cuya misión fundamental desde hacemuchos años consiste en la valorización del jovenarte italiano, en identificar los varios centros detoda la Península, y actualmente, la joven creati-vidad italo-argentina y el encuentro con sus dife-rencias, sus raíces y sus talentos, era imprescin-dible, en vistas de de la superación de un“centralismo” que, incluso en el sistema del arte,no siempre y no necesariamente transmite losmejores valores; y para dar la justa atención a laidentidad, a temas y elementos que, reinterpre-tados a la luz no de un folklorismo comercial yKitsch, sino de un espíritu auténticamente con-temporáneo, contribuyen sin duda alguna, a enri-quecer el panorama de la cultura italiana. El arte está por todas partes: el IGAV no tiene te-sis por demostrar pero movido por una curiosidadirresistible, siempre anhela a mirar alrededorsuyo. Por ello, he aquí “veinte” regiones enriquecidasde la gran realidad de la joven creatividad artísticaargentina, para representar un “paisaje” de lacultura y de la identidad “nacional” compuesta,rica y dialéctica.

Rosalba Garuzzo

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Istituto Garuzzo per le Arti Visive

L’Istituto Garuzzo per le Arti visive – IGAV, entenon-profit con sede a Torino, è nato nel 2005dalla volontà di contribuire al processo di cono-scenza e di valorizzazione dell’arte contempo-ranea italiana.L’IGAV lavora nella convinzione che l’Italia nonpossa vivere soltanto nel ricordo della tradizioneartistica del passato: sono molti, infatti, gli ar-tisti delle nuove generazioni che portano crea-tività e slanci culturali non inferiori a quelli deiloro predecessori, accettando la sfida del con-fronto internazionale.Con l’obiettivo di sostenere l’espressione dellearti visive italiane l’IGAV promuove mostre acarattere nazionale e internazionale, scambitra paesi diversi e altre iniziative culturali.L’IGAV organizza le proprie iniziative grazie alcontributo dei soci, al sostegno di enti pubblicie privati e al supporto di sponsor qualificati.

Istituto Garuzzo per le Arti Visive – (Instituto Garuzzo para las Artes Visuales)

El Istituto Garuzzo per le Arti visive – IGAV, entesin fines de lucro, con sede en Turín, fue fundadoen 2005 con el objetivo de contribuir al procesode conocimiento y de valorización del arte con-temporáneo italiano.El IGAV trabaja con el convencimiento de que Italiano puede vivir solamente en el recuerdo de latradición artística del pasado: de hecho, nu-merosos son los artistas de las nuevas genera-ciones que aportan creatividad y estímulosculturales para nada inferiores a los de sus pre-decesores, aceptando el desafío del en-frentamiento internacional.Con el objetivo de apoyar la expresión de las artesvisuales italianas, el IGAV promueve exposicionesde carácter nacional e internacional, intercambiosentre países y otras iniciativas culturales.El IGAV organiza sus iniciativas gracias al aportede los socios, el apoyo financiero de institutos públi-cos y privados y de patrocinadores cualificados.

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Sommario

Introduzionedi Martina Corgnati 17

Per una cartografia dell’arte italianadi Alessandro Demma 29

Artisti in mostra 33

Biografie Artisti 67

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Esiste ancora l’arte italiana? Esiste, in altreparole, un’identità comune e caratterizzante chedistingua la cultura artistico-visiva del nostropaese da quella di altri territori europei o medi-terranei? esiste una radice, un patrimonio diforme e di modi condiviso?

Tentare di rispondere a domande come questeoggi, dopo vent’anni almeno di globalizzazioneprogrammatica che ha interessato i linguaggiartistici a ogni livello, non è facile. A un primosguardo si sarebbe tentati di replicare con unsecco “no”: non c’è e non ci può essere alcunadifferenza fra un artista italiano e uno svizzero ostatunitense o svedese – tutti hanno accessoalle stesse, ricchissime e praticamente illimitatefonti di informazione, tutti comunicano in rete,dialogano, si muovono lungo percorsi simili, fre-quentano le stesse città e gli stessi programmidi residencies e utilizzano più o meno le stessetecniche e strategie produttive. Inoltre, ad ag-gravare, o a migliorare le cose, va aggiunto chesempre più numerosi artisti italiani si trasferi-scono all’estero per soggiorni di durata più omeno lunga, nel tentativo non solo di alimentareil loro lavoro e la loro ricerca con stimoli nuovima anche di entrare più facilmente e diretta-mente in contatto con alcuni gangli vitali del si-stema dell’arte.

Tuttavia, limitarsi a queste considerazioni este-riori non è sufficiente; al di là degli “stereo-tipi”,relativi all’italianità come a qualunque altra cosa,restano infatti dei “tipi” fondati su interessi, abi-tudini, pratiche, sorgenti e patrimoni di memoriepiù o meno condivise, dalla lingua al cibo, gliodori, i modi, i tempi, i gusti e le forme dell’im-maginario. Tutte “piccole cose” che si fanno tantopiù precise e calzanti quanto più quantitativa-mente limitato e qualitativamente omogeneo è ilgruppo cui si fa riferimento.

Bisogna forse ammettere, allora, che anche fragli artisti, così come fra gli “italiani” generica-

¿Aun existe el arte italiano? ¿Existe una identidadcomún y caracterizante que distingue la culturaartístico-visual de nuestro país de la de otros te-rritorios europeos o mediterráneos? ¿Existe unaraíz, un patrimonio de formas y modos compar-tido?

Intentar contestar a preguntas como éstas hoydía, después de al menos veinte años de globali-zación programática que ha interesado los len-guajes artísticos a cada nivel, no es fácil.A primera vista la tentación sería contestar conun rotundo “no”: no hay y no puede haber ningunadiferencia entre un artista italiano y uno suizo oestadunidense o sueco – todos tienen acceso alas mismas, riquísimas y prácticamente ilimitadasfuentes de información, todos se comunican enred, dialogan, se mueven a lo largo de caminossimilares, viajan a las mismas ciudades y asistena los mismos programas de residency y utilizanmás o menos las mismas técnicas y estrategiasproductivas. Por otra parte, para agravar o mejorar las cosas,no sólo cabe añadir un número cada vez mayorde artistas italianos se desplaza al extranjero paraestancias más o menos largas, en la tentativa nosólo de alimentar su trabajo y su investigacióncon nuevos estímulos sino también de entrar másfácil y directamente en contacto con algunos gan-glios vitales del sistema del arte.

Sin embargo, limitarse a estas consideracionesexteriores no es suficiente; más allá de los “este-reo-tipos”, relativos a la italianidad como a cual-quier otra cosa, permanecen “tipos” basados enintereses, hábitos, prácticas, fuentes y patrimo-nios de memorias más o menos compartidas,de la lengua a la comida, de los olores, a las ma-neras, de los tiempos, a los gustos y a las formasdel imaginario. Todas “pequeñas cosas” que sevuelven más precisas y apropiadas cuánto máscuantitativamente limitado y cualitativamente ho-mogéneo es el grupo al cual se hace referencia. Quizás se deba entonces admitir que también en-

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mente intesi, un qualche sostrato comune so-pravviva e si manifesti soprattutto in forma disensibile “differenza” rispetto alla ricerca e allaproduzione di artisti emersi da contesti e culturediverse.

In questa mostra alcuni italiani, dislocati o pro-venienti da località diverse della penisola ma an-cora tutti, anche coloro che risiedono all’estero,legati o ispirati dal loro luogo d’origine, sono statiinvitati a riflettere su questioni identitarie, lingui-stiche e “socio-geografiche”, o storico-culturali,che li (ci) riguardano, contemplando anche, at-traverso di esse, punti di vista inattesi che con-tribuiscono, come solo l’arte sa fare, a metterein luce circostanze e aspetti problematici o inusi-tati o comunque stra-ordinari di tale identità sottoindagine.

Concepito proprio nell’anno delle celebrazioni peril centocinquantenario dell’Unità d’Italia e messoin opera, significativamente, nella fase immedia-tamente successiva, senz’altro meno trionfali-stica ma al tempo stesso più pragmatica, questoprogetto che oggi diventa itinerante, è nato an-che per rispondere alla carenza di avvenimenti,fra quelli progettati l’anno scorso, che abbianovisto protagonista l’arte contemporanea italiana:un nonsense, se consideriamo che la memorianon sia solo materia scolastica o celebrazioneretorica ma anche ricerca del senso e prospet-tiva di futuro. Riflettere sull’Italia, sulla ricchezza,complessità e polifonia dell’identità italiana da unpunto di vista artistico significa, a mio avviso, in-nanzi tutto dar voce ai diretti interessati chequella ricchezza contribuiscono a formare.

Ma lo scopo principale di Venti per Una restaquello di compiere una ricognizione allargata, cu-riosa e rischiosa nelle venti regioni italiane, av-venturandosi in centri e luoghi molto diversi, al-cuni molto meno visibili di altri, alla ricerca delledifferenze, di sensibilità e problematiche specifi-che che, in alcuni casi, hanno nutrito in maniera

tre los artistas, así como entre los “italianos” ge-néricamente entendidos, sobrevive algún sustratocomún y se manifiesta sobre todo en forma desensible “diferencia” respecto a la investigación ya la producción de artistas surgidos de contextosy de culturas distintas. En esta muestra algunosartistas italianos viven o son originarios de varioslugares de la Península pero todos, incluso losque residen al exterior, vinculados a o inspiradospor su lugar de origen, han sido invitados a refle-xionar sobre cuestiones identitarias, lingüísticas y“socio-geográficas” o histórico-culturales que les(nos) atañen, contemplando también, a través deéstas, puntos de vista inesperados que contribu-yen, como solamente el arte sabe hacer, a des-tacar circunstancias y aspectos problemáticos oinsolutos o, de cualquier manera, extraordinariosde esta identidad examinada.

Ideado en el año de las celebraciones para los150 años de la Unidad de Italia y puesto en obra,significativamente, en la fase inmediatamente su-cesiva, indudablemente menos triunfalista peroal mismo tiempo más pragmática, este proyectoque hoy se convierte en una exposición itinerante,ha nacido también para paliar la falta de aconte-cimientos, entre los que se idearon el pasadoaño y que tuvieron como protagonista el arte con-temporáneo italiano: un nonsense, si considera-mos que la memoria no es sólo una disciplina ouna celebración retórica, sino también una bús-queda del sentido y de las perspectivas de futuro.Reflexionar sobre Italia, sobre la riqueza, la com-plejidad y la polifonía de la identidad italiana bajoun punto de vista artístico significa, en mi opinión,dar voz, ante todo, a los directos interesadosque contribuyen a formar aquella riqueza.

Pero el objetivo principal de Venti per Una escumplir un reconocimiento amplio, curioso yarriesgado en las veinte regiones italianas, aven-turándose en centros y lugares muy distintos, al-gunos menos visibles que otros, estudiando lasdiferencias, la sensibilidad y problemas específicos

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del tutto particolare il lavoro dei migliori artistiche vi sono cresciuti in mezzo, con un occhio ri-volto al mondo e l’altro alle proprie radici, perso-nali e culturali.

Quali artisti? Giovani, in alcuni casi giovanissimi,ma non solo; tuttora presenti nelle loro città d’ori-gine oppure anche, talora, trasferiti in altre loca-lità più centrali o addirittura all’estero; ma sem-pre, tutti, attentissimi a considerare il contestoin cui esistono e operano, come artisti e comepersone, con un’attenzione dalle sfumature talorasarcastiche, talora ironiche, talora poetiche, ta-lora addirittura epiche; elaborando lavori, sempre,aperti ma personali, in alcuni casi più sensibilialla realtà circostante (senza però mai scaderenel documentaristico), e in altri più pronti a ripie-garsi su una fervida indagine del proprio linguag-gio, interpretato alla luce delle condizioni del farecontemporaneo. Qui, in queste elaborazioni, ènella tradizione (soprattutto in quella classica,sorprendentemente o forse no: dopotutto siamoitaliani) che gli artisti rintracciano il pregiudizio(formale; la convenzione, in altre parole il Kitsch)per attaccarlo “dall’interno” del linguaggio stesso,senza mai perderne di vista la matrice, la radiceancora vitale che fornisce la linfa di nuove possi-bilità a pratiche che non abbiano rinunziato adessere se stesse, alla propria natura complessae specifica.

(linguaggi) è il caso, per esempio, delle sculturedi Alis/Filliol, il duo piemontese (Davide Gennarinoe Andrea Respino) che ha concentrato la propriaricerca sulla dimensione della scultura e dell’im-magine intesa come dialettica fra due polarità,cromatiche, materiali, fisiche. “La cosa”, sembradicesse il minimalista americano Carl Andre, “èun buco in ciò che la cosa non è”. La questioneper Alis/Filliol è più o meno la stessa, il ripensa-mento della tradizione plastica e della visionesulla materia a partire dal vuoto, non dal pieno,con l’aggiunta, strategica e impensabile per ilminimalismo, del fattore tempo: tempo della re-

que, en algunos casos, han alimentado de maneramuy peculiar la obra de los mejores artistas quecrecieron en aquel entorno, con un ojo dirigidohacia el mundo y el otro a sus propias raíces,personales y culturales.

¿Cuáles artistas? Jóvenes, en algunos casos jo-vencísimos, pero no sólo; siguen viviendo en susciudades de origen o se han desplazado a otroslugares más centrales o hasta al extranjero; perosiempre, todos muy interesados en observar elentorno que habitan y se mueven, como artistasy como personas, con una atención que tienematices a veces sarcásticos, a veces irónicos,otros poéticos, hasta épicos. Elaborando obras,siempre, abiertas pero personales, en algunoscasos más sensibles a la realidad que los rodea(pero sin caer nunca en el documentarístico), yen otros más dispuestos a centrase en una in-vestigación creativa de su propio lenguaje, inter-pretado a la luz de las condiciones del estilo con-temporáneo. Aquí, en estas elaboraciones, en latradición (sobre todo clásica, sorprendentementeo quizás no: a pesar de todo somos italianos) losartistas hallan el prejuicio (formal; la convención,en otras palabras, el Kitsch) para atacarlo “desdeel interior” del lenguaje mismo, sin perder nuncasu matriz, la raíz aun vital que proporciona la linfade nuevas posibilidades a prácticas artísticas queno han renunciado a ser ellas mismas, ni a supropia naturaleza compleja y específica.

(lenguajes) Es el caso, por ejemplo, de las escul-turas de Alis/Filliol, los dos artistas piamonteses(Davide Gennarino y Andrea Respino) que hanconcentrado su investigación en la dimensión dela escultura y de la imagen concebida como dia-léctica entre dos polaridades, cromáticas, mate-riales, físicas. “La cosa”, según el escultor mini-malista estadounidense Carl Andre, es “a hole ina thing it is not.” La cuestión para Alis/Filliol esmás o menos la misma, la redefinición de la tra-dición plástica y de la visión sobre la materia apartir del vacío, no de lo lleno, con la agregación,

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sistenza, della dialettica fra due corpi, dei lorogesti e del loro sforzo per conservare il loro spa-zio d’esistenza e la loro “natura” che li rende di-versi rispetto agli altri corpi circostanti.

Un’intenzione simile costituisce anche il punto dipartenza per Franco Menicagli, artista toscanoil cui lavoro sfida anch’egli il valore “positivo” dellascultura tradizionale, così squisitamente “italiana”e fiorentina in particolare, per ottenerne unaspecie di trama o griglia ambientale, gabbie d’ac-ciaio, cavi, legni, qualche volta persino pezzi direcupero ma soprattutto elementi lineari, apertie audacemente sospesi nello spazio. Memori diuna componente molto interessante della culturamodernista, questi oggetti fragili e irregolari, per-corsi da trame instabili e imprevedibili, che inter-feriscono con la percorribilità e con la sensibilitàdel nostro corpo e dei nostri movimenti, ripor-tano ai meravigliosi Controrilievi di Tatlin, le prime“sculture” programmaticamente e decisamentefuori dal piedistallo, e, con un significativo saltodi prospettiva, ad alcune esperienze Antiform,per esempio Right After di Eva Hesse 1969.

(luoghi e non) In confronto con opere come que-ste, risulta assai appariscente lo sguardo si vor-rebbe dire “contestuale” che ispira gran partedegli altri lavori proposti in questa mostra:sguardo sempre originale e soggettivo (come di-mostra la straordinaria varietà delle esperienzequi presentate) ma dialettico, aperto, critico, ani-mato da un leggero e flessibile contatto col pre-sente. /barbaragurrierigroup/ per esempio(Barbara Gurrieri ed Emanuele Tuminelli), rifletteda anni intorno ad un punto di osservazione pri-vilegiato, la Sicilia e la sua cultura, in questocaso sulle forme del barocco imperniate sull’im-magine fotografica di una cupola, tagliata a metàda un incongruo orizzonte colorato ed artificiale.Le abitudini percettive, l’organizzazione spazialee mentale imperniata sulla prospettiva, trova quiun proprio scacco: l’orizzonte convenzionale, unalinea diritta, taglia la nostra possibilità di credere

estratégica e impensable para el minimalismo,del factor tiempo: tiempo de la resistencia, de ladialéctica entre dos cuerpos, de sus gestos y desu esfuerzo para conservar su espacio de exis-tencia y su “naturaleza” que los diferencia respectoa los otros cuerpos circunstantes.

Una intención similar también constituye el puntode partida para Franco Menicagli, artista toscanocuya obra desafía el valor “positivo” de la esculturatradicional, exclusivamente “italiana” y, en el casoconcreto, florentina, para obtener una suerte detrama o urdimbre ambiental, jaulas de acero, ca-bles, madera, algunas veces material recicladopero sobre todo elementos lineales, abiertos yaudazmente suspendidos en el espacio. Escar-mentados por una componente muy interesantede la cultura modernista, estos objetos frágiles eirregulares, atravesados por tramas inestables eimprevisibles que interfieren con la sensibilidad yla posibilidad de recorrer nuestro cuerpo y nues-tros movimientos, recuerdan los maravillosos Con-trarrelieves de Tatlin, las primeras “esculturas”programática e indiscutiblemente fuera del pe-destal, y, con un significativo salto de perspectiva,a algunas experiencias Antiform, por ejemploRight After de Eva Hesse 1969.

(lugares y no lugares) Comparada con obrascomo éstas, resulta muy llamativo el panoramaque quisiéramos definir “contextual” que inspirala mayoría de las otras obras propuestas en estamuestra: una perspectiva siempre original y sub-jetiva (como demuestra la extraordinaria variedadde las experiencias presentadas) pero dialéctica,abierta, crítica, alentada por un ligero y flexiblecontacto con el presente. /barbaragurrierigroup/por ejemplo (Barbara Gurrieri y Emanuele Tumi-nelli), reflexiona desde hace años en torno a unpunto de observación privilegiado, Sicilia y su cul-tura, en este caso en las formas del barroco,centradas en la imagen fotográfica de una cúpula,cortada en el centro por un desproporcionadohorizonte teñido y artificial. Los hábitos percepti-

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all’immagine e di costruirvi attorno un mondo eun’immagine “normale”, insinuando un’altra pos-sibilità di paesaggio, fuorviante rispetto alla pre-cedente. L’immagine, anche quella fotografica,è una pura convenzione. Guardandosi intorno, idue artisti creano una dialettica fra due “tecnichedi produzione” dell’immagine: quella pittorica,astratta, e quella fotografica, sorta di ready-made parziale, la cui commistione presenta im-previste ricadute estetiche.

Il contrasto e la tensione fra due matrici genera-tive che, insieme, generano soltanto impossibilità,caratterizza anche il lavoro proposto da ParidePetrei, un delicatissimo e minuzioso disegno digrande formato che ritrae, con precisione daentomologo e con spirito visionario, degno delManuale di zoologia fantastica del geniale scrit-tore e critico argentino Jorge Luis Borges, uninsetto mostruoso, ibrido dalle zampe di ragno eil corpo da zecca: un Minotauro, appunto, che,nella sua allarmante delicatezza, si erge a meta-fora della tensione fra linguaggio e cosa, signifi-cante e significato, paradigma e individuo, letteramorta e osservazione viva. Quasi un omaggioche il giovane artista abruzzese ha voluto tribu-tare alla grande cultura visionaria del paese cheadesso accoglie questa mostra.

Dall’animale inesistente, ma credibile, al luogoesistente ma incredibile. Il raffinato lavoro di Chri-stian Tripodina è volto alla ricostruzione di unnon-luogo (ma non nel senso postulato dall’an-tropologo Marc Augé, anzi proprio al contrario:un luogo fittizio, ricchissimo di connotazioni, peròtutte false) o meglio di un percorso, un viaggio inun ambiente dall’aspetto esotico ma che in realtànon è quello che potrebbe sembrare. L’artistadissemina tracce, indizi, invitandoci a trarne delleconseguenze, dedurne collocazioni, ipotesi, per-sino trame, in senso letterario: un viaggio inpaesi lontani, forse una fuga o un inseguimento.In realtà siamo alle porte di casa e tutta la co-struzione di Tripodina è posticcia: il suo lavoro,

vos, la organización espacial y mental basada enla perspectiva, halla en esta obra una derrota: elhorizonte convencional, una línea recta, cortanuestra posibilidad de creer en la imagen y cons-truir alrededor de la misma un mundo y una ima-gen “normal”, insinuando otra posibilidad de pai-saje, engañosa respecto a la precedente. Laimagen, fotográfica es una pura convención. Ob-servando el entorno, los dos artistas crean undiálogo entre dos “técnicas de producción” de laimagen: la primera, pictórica, abstracta, y la se-gunda fotográfica, una suerte de ready-made par-cial, cuya síntesis presenta imprevistas recaídasestéticas.

El contraste y la tensión entre dos matrices ge-nerativas que, juntas, generan sólo imposibilidad,caracteriza también la obra propuesta por ParidePetrei, un delicadísimo y minucioso dibujo de grantamaño que retrata, con la precisión de un ento-mólogo y con un espíritu visionario, digno del Ma-nual de zoología fantástica del genial escritor ycrítico argentino Jorge Luis Borges, un insectomonstruoso, híbrido con patas de araña y cuerpode garrapata: un Minotauro, que en su alarmantedelicadez, se convierte en la metáfora de la ten-sión entre lenguaje y cosa, significante y signifi-cado, paradigma e individuo, letra muerta y ob-servación viva. Casi un homenaje que el jovenartista de Abruzos ha querido tributar a la ex-traordinaria cultura visionaria del país que ahoraacoge esta muestra.

Del animal inexistente, pero creíble, al lugar exis-tente pero increíble. La obra refinada de ChristianTripodina se centra en la reconstrucción de unno-lugar (pero no en el sentido postulado por elantropólogo Marc Augé, sino todo lo contrario:un lugar ficticio, que abunda en connotaciones,pero todas falsas) o mejor de un itinerario, unviaje en un entorno del aspecto exótico pero queen realidad no es lo que podría parecer. El artistadisemina trazas, indicios, invitándonos a sacarconclusiones, deducir posiciones, conjeturar co-

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inserendosi nel consistente filone letterario chesi potrebbe definire dei “viaggi immaginari”, chespazia da Jules Verne a Emilio Salgari, ci porta ariflettere sulla natura subdola dell’immagine esulla dimensione fantasiosa del nostro rapportocol “viaggio”.

Claudia Losi ha raccolto una serie di immagini dicorpi celesti, astri che ruotano nello spazio. Cu-cite insieme, in un patchwork alto più di tremetri, queste fotografie hanno dato corpo a unaquinta che fa da sfondo all’immaginario, in appa-renza portandolo lontano, oltre l’orizzonte dellaterra. Il titolo dell’opera, Guardando Dietro, ci ri-porta però a un esercizio di avvicinamento all’in-visibile, a quell’angolo, o quella faccia del mondo,visivo morto di cui non possiamo fare esperienza,che non possiamo vedere direttamente. La sferadell’occhio (il bulbo oculare), ruotando lenta-mente, dà senso al reale, fino a percorrere un’in-tera orbita che lo riporta alle proprie originiastrali. Lontano e vicino, l’”io” e il cosmo, le di-stanze abissali dell’universo e la contiguità ad-dossata del sé alle spalle dello sguardo, tutto èrelativo. Claudia Losi sembra scoprire affascinantie malinconiche, quasi scientifiche (ma anche er-metiche), affinità fra queste dimensioni apparen-temente diverse, il lato morto della visione e lafaccia buia degli astri, ma collegate dallosguardo, inteso come modalità fondamentale delfare esperienza e del dare significato alle cose.

Andrea Nicodemo a prima vista sembra citarealcune classiche proposizioni dell’arte concet-tuale. Con stile sobrio, asciutto, quasi didascalicocome quello delle illustrazioni della sicurezza stra-dale, l’artista ci mostra se stesso o una propriacontrofigura intensamente impegnata a guardareda qualche parte, fuori dal limite dell’immagine.Essa sta “cercando l’arte”. Servendosi anche diun binocolo o coinvolgendo, in un altro caso, an-che un cane (una graziosa sagoma in grandezzanaturale), l’artista ci mostra ironicamente comel’oggetto del desiderio, anelato e prezioso, sem-

locaciones, hipótesis, hasta tramas, en sentidoliterario: un viaje a países lejanos, quizás unahuida o una persecución. En realidad estamosfuera de nuestro hogar y toda la construcción deTripodina es falsa: su obra, integrándose en laconsistente corriente literaria que podría definirsede los “viajes imaginarios”, que abarca a JulesVerne y Emilio Salgari, nos obliga a reflexionar so-bre la naturaleza solapada de la imagen y sobrela dimensión fantástica, imaginaria de nuestra re-lación con el “viaje”.

Claudia Losi ha juntado una serie de imágenes decuerpos celestes, estrellas que orbitan en el es-pacio. Cosidas juntas, creando un patchwork altomás de tres metros, estas imágenes han dadocuerpo a un telón que sirve como fondo al imagi-nario, llevándolo lejos, aparentemente más alládel horizonte de la tierra. El título de la obra,Guardando Dietro, nos sugiere, sin embargo, queintentemos acercarnos a lo invisible, a aquel án-gulo ciego, aquella cara del mundo que no pode-mos experimentar, que no podemos ver directa-mente. La esfera del ojo (el bulbo ocular),moviéndose lentamente, confiere un sentido a loreal, hasta que gira alrededor de una entera ór-bita que lo vuelve a llevar a sus orígenes astrales.Lejos y cerca, el “yo” y el cosmos, las distanciasabismales del universo y la contigüidad del sí de-trás de la mirada, todo es relativo. Claudia Losiparece descubrir afinidades – fascinantes, me-lancólicas, casi científicas (pero también herméti-cas) -, entre estas dimensiones aparentementediferentes, el ángulo ciego de la vista y la cara os-cura de los astros que, sin embargo, están rela-cionados con la mirada, entendida como el modofundamental de experimentar las cosas y darlesun significado.

A primera vista, Andrea Nicodemo parece citaralgunas proposiciones clásicas del arte concep-tual. Con un estilo sobrio, seco, casi didascálicocomo el de los carteles de seguridad vial, el artistanos muestra a sí mismo o a su contrafigura mi-

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pre si sottragga. La sua ansiosa ricerca, losguardo concentrato nell’osservazione, rimandaevidentemente a un soggetto, al suo tempo emodo interiore: ed è anche a questo che l’artistafa riferimento, mettendo in evidenza la mancanzadi attenzione e l’impossibilità della presenza nonsolo, non tanto, da parte della “cosa”, vagheg-giata e lontana, ma del soggetto stesso.

Matteo Attruia ipotizza un luogo paradossale,che è però quello in cui tutti viviamo. L’ha battez-zato Stato di confine, invertendo semplicementela posizione del participio passato. Lo stato, così,non è soltanto la nazione ma la condizione di chista, l’essere fermo; mentre il confine è ciò checi circonda tutti, l’esistenza degli altri (appunto,a loro volta, il loro “stato”). Il Friuli-Venezia Giulia,dove l’artista vive, è una regione di confine, un li-mite fra “stati” diversi che in passato, passatoprossimo, ha suscitato contese feroci. Il confineè pertanto, soprattutto osservato da questopunto di vista, una dimensione mobile, onnipre-sente, non priva di risvolti esistenziali. Lo stato,a sua volta, non può che essere precario, illuso-riamente stabile, tanto nella realtà personalequanto in quella collettiva.

Wolfang Zingerle propone in questa mostra unodegli straordinari lavori realizzati nell’ultimo annoe mezzo nel celebre atelier di Berengo, a Mu-rano. Si tratta di un vetro, una specie di totem oanimale dall’aspetto vagamente preistorico e va-gamente antropomorfo, che contiene nei propritessuti tutte le sfumature e i riverberi più ricercatie preziosi di cui questa nobile materia è capacedi impregnarsi. Il vetro di Murano, soffiato e la-vorato a mano in pezzi che sono tutti evidente-mente esemplari unici, è un’eccellenza della tra-dizione italiana, il cui aspetto sempre riconoscibileè una specie di certificazione di origine qualsiasiforma assuma. Zingerle ha esaltato questa ma-teria per ciò che è ma, al tempo stesso, le haimpresso una forma misteriosa e squisitamentecontemporanea, memore di antichi processi,

rando absorta hacia algún lado, fuera del límitede la imagen. Está “buscando el arte”. Sirviéndosetambién de unos prismáticos o, en otro caso,también de un perro (una simpática silueta de ta-maño natural), el artista nos enseña irónicamentecomo el objeto del deseo, anhelado y precioso,siempre se sustrae. Su ansiosa búsqueda, la mi-rada concentrada en la observación, nos remiteevidentemente a un sujeto, a su tiempo y a sumodo interior: y es esto a lo que el artista se re-fiere, destacando la falta de atención y la imposi-bilidad de la presencia no sólo, non tanto, porparte de la “cosa”, anhelada y lejana, sino del su-jeto mismo.

Matteo Attruia imagina un lugar paradojal, quesin embargo, es donde todos vivimos. Le hapuesto el nombre de Stato di confine, invirtiendosimplemente la posición del participio pasado. Elestado, no es solamente el país sino la condiciónde quien está, el estar parado; mientras que el lí-mite es lo que nos rodea a todos, la existencia delos demás (precisamente, a su turno, su “es-tado”). Friuli-Venezia Giulia, donde vive el artista,es una región de confín, un límite entre distintos“estados” que en el pasado, el pasado reciente,ha suscitado feroces contiendas. El límite es, porlo tanto, observado sobre todo de este punto devista, una dimensión móvil, omnipresente, noexenta de implicaciones existenciales. El estado,a su turno, no puede ser sino precario, ilusoria-mente estable, tanto en la realidad personal comocolectiva.

Wolfang Zingerle propone en esta exposiciónuna de sus extraordinarias obras realizadas enel último año y medio en el célebre taller de Be-rengo, en la isla de Murano. Se trata de un vi-drio, una especie de tótem o animal del aspectovagamente prehistórico y vagamente antropo-morfo, que contiene en sus tejidos todos losmatices y los reflejos más rebuscados y precio-sos de los cuales este noble material es capazde impregnarse. El vidrio de Murano, soplado y

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trabajado a mano en piezas que, evidentemente,son todas ejemplares únicos, es una excelenciade la tradición italiana cuyo aspecto, siemprereconocible, es una especie de certificación deorigen y de excelencia, independientemente dela forma que se le confiera. Zingerle ha ensalzadoesta materia dándole, al mismo tiempo, unaforma misteriosa y puramente contemporánea,que recuerda antiguos procesos, quizás del Pleis-toceno o de alguna antigua fase de la evoluciónde los primeros vertebrados, y a la vez comple-tamente inventada, potente y original.

Del vidrio a la cerámica, otro material tradicional,utilizado y realizado en casi todas las regiones ita-lianas, donde, desde hace tiempo, florecieroncentros de excelencia artística y de producción:de Albisola en Liguria a Deruta en Umbría, de So-rrento en Campania a Caltagirone en Sicilia. Naz-zareno Guglielmi ha utilizado este material muyantiguo y muy “italiano” para volver a proponer laforma armoniosa y las líneas suaves de una seriede pilas sicilianas, barrocas y rococó, halladasdurante un viaje a la isla grande del sur de Italia.De este encuentro han nacido numerosos pe-queños objetos pulcros y cóncavos que, despoja-dos de su connotación sagrada y extrañados desu contexto, revelan repentinamente un explícito“aire” duchampiano.

En la tradición se centra también la obra de PietroMancini, artista que de la larga práctica con elarte-terapia y participación en encuentros colec-tivos en comunidades de personas desfavorecidaso difíciles, ha desarrollado una profunda sensibili-dad por el ser humano, la relación, el tránsito delas ocasiones que produce el contacto y luego, aveces, una nueva lejanía. Por esto sus imágenesfotográficas, retratos de personas de las que noconocemos el nombre, revelan una intensidadpeculiar y suave, resultan quizás más significativasgracias a la combinación de iconos sagrados conotros elementos ricos en sugestiones antiguas.Mancini ha montado estos retratos como una

forse del Pleistocene, o di qualche antica fasedell’evoluzione dei primi vertebrati, e anche com-pletamente inventata, potente e originale.

Dal vetro alla ceramica, un altro materiale tradi-zionale, utilizzato e prodotto in quasi tutte le re-gioni italiane in cui da tempo fioriscono centrid’eccellenza artistica e produttiva: da Albisola inLiguria a Deruta in Umbria, da Sorrento in Cam-pania a Caltagirone in Sicilia. Nazzareno Guglielmiha usato questo materiale antico e molto “ita-liano” per riprendere la forma armoniosa e le li-nee morbide di una serie di acquasantiere sici-liane, barocche e rococò, incontrate nel corsodi un viaggio nella grande isola meridionale. Daquesto incontro sono scaturiti tanti piccoli oggetticandidi e concavi che, spogliati da loro riferi-mento sacrale e straniati dal contesto di appar-tenenza, sfoggiano improvvisamente un’esplicita“aria“ duchampiana.

Sulla tradizione si concentra anche il lavoro diPietro Mancini, artista che dalla lunga consuetu-dine con l’arte – terapia e gli interventi collettivicondotti presso comunità in qualche misura di-sagiate o difficili, ha sviluppato una acuta sensi-bilità per l’essere umano, la relazione, il transitodelle occasioni che produce il contatto e poi, allevolte, una nuova lontananza. Per questo le sueimmagini fotografiche, ritratti di persone di cuinon conosciamo il nome, presentano un’intensitàsingolare e morbida, resa ancora più pregnantedall’accostamento con icone sacre o altri ele-menti nobilitanti e in qualche modo memori di ri-sonanze antiche. Mancini ha montato questi ri-tratti come una sequenza cinematografica, chesi snoda lungo una specie di pellicola, lungo unalinea che è quella delle emozioni e della vita.

Dai luoghi al paese intero: apertamente ironica,ma non priva di sfumature tragiche, l’Italia di Da-rio Ghibaudo è composta da innumerevoli sa-gome di un corpo posto nella posizione del Cro-cefisso. L’Italia, dunque, è vittima, tutta quanta,

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i suoi abitanti “poveri cristi”: si tratta di un malegenerico, universale, che colpisce tutti indistin-tamente, tutte queste figurine attinte dalla tradi-zione sacra ma spogliate da qualsiasi segno disofferenza e dal simbolo (la croce) che le avrebbecostrette ad una significazione univoca. Il corpoinfatti, la matrice di questa moltitudine di clonicui l’artista ha dato spazio, appunto lo spaziodella penisola, sembra il corpo di un giovane ma-schio dalle fattezze negroidi, che solo la nostraabitudine interpretativa (il sapere degli occhi) as-socia all’iconografia sacra cristiana. Ghibaudo hacostruito un’immagine volutamente ambigua, tra-dizionale ma, al tempo stesso, sovvertitrice.

E c’è un’Italia anche per Marco Bernardi, chesulla forma esatta della penisola (isole com-prese), ha sagomato un piccolo materasso, im-bottito, accuratamente ricucito e sormontato dapiccoli fono-diffusori sospesi, quasi piccoli uccellielettronici che sembrano fare il verso all’anomalooggetto sottostante. è l’Italietta con le allodole,specie di omaggio a Giuseppe Mazzini, uno deiprofeti dell’Unità Nazionale, e alla sua esperienzacarceraria: dove sembra che le allodole, la mat-tina, lo consolassero dello scomodissimo giacigliosul quale, per amore dell’Italia, era costretto agiacere. La ricerca acustica è sempre stataparte integrante del lavoro dell’artista romano,che in questo caso ha allestito una vera e propriainstallazione sonora, allodole automatiche che ciricordano quanto il mondo sia cambiato, daltempo di Giuseppe Mazzini, e l’Italia con lui.

Fortemente ambiguo anche il lavoro di ChiccoMargaroli, artista valdostana che per questamostra ha scelto un lavoro di “metamorfosi este-tica”, servendosi, come sua consuetudine, dimateriali naturali come il legno e la stoffa (la ca-napa, una cultura povera, antica e tradizionalein Valle d’Aosta come in altri territori della nostrapenisola), che opportunamente assemblati dannoluogo a una Navetta, un’installazione suggestivache richiama il viaggio ed. al tempo stesso, l’an-

secuencia cinematográfica, que se desarrolla alo largo de una especie de película, a lo largo deuna línea que es la de las emociones y de la vida.

De un solo lugar a un país entero: aparentementeirónica, pero no sin matices trágicos, la Italia deDario Ghibaudo está compuesta por un innume-rables siluetas de un cuerpo puesto en la posicióndel crucifijo. Italia, pues, es una víctima y sus ha-bitantes “pobres desgraciados” (“pobres Cristos”en italiano”): se trata de un malestar general,universal, que afecta a todos indistintamente, atodas estas figuras inspiradas de la tradición sa-grada pero despojadas de cualquier signo de su-frimiento y del símbolo (la cruz) que les habríaobligado a una significación unívoca. El cuerpo, lamatriz de esta multitud de clones a los cuales elartista ha dado espacio, el espacio de la penín-sula, parece el cuerpo de un joven hombre conrasgos negroides, que sólo nuestro hábito inter-pretativo (el saber de los ojos) asocia a la icono-grafía sacra cristiana. Ghibaudo ha construidouna imagen deliberadamente ambigua, tradicionalpero, al mismo tiempo, subversiva.

Y hay una Italia también para Marco Bernardi,que en la forma exacta de la península (islas in-cluidas), ha perfilado un pequeño colchón rellenode gomaespuma, cosido esmeradamente y porencima del cual ha colgado pequeños altavoces,como pequeños pájaros electrónicos que parecenburlarse del anómalo objeto tirado al suelo. Es laItalietta con le allodole, una suerte de homenajea Giuseppe Mazzini, uno de los profetas de laUnidad Nacional y a su experiencia en la cárcel,donde parece que alondras, por la mañana, loconsolasen del muy incómodo lecho sobre el cual,por su amor a Italia, fue obligado a dormir. La in-vestigación acústica siempre ha sido parte inte-grante de la obra del artista romano, que en estecaso ha montado una instalación sonora propia-mente dicha, alondras automáticas que nos re-cuerdan cuánto ha cambiado el mundo desde laépoca de Giuseppe Mazzini, e Italia con él.

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tica cultura tessile affidata, ab antiquo, alledonne. Sospesa nel tempo e nello spazio, questa“navetta” transita dal passato al futuro, sostenutada veri rami di piante, rappresentanti di una na-tura di cui abbiamo sempre e comunque bisognoper esistere.

(il sociale) Altri artisti hanno connotato il loro“racconto” attraverso implicazioni sociali ancorapiù esplicite, spesso apertamente critiche o, inqualche misura, scoraggiate: Danilo Correaleper esempio, nel suo bel video The Surface ofmy Eye is Deeper than the Ocean, presenta unritratto spietato di una società senza futuro esenza speranze, tutta e soltanto dedita al giocod’azzardo (gratta e vinci e simili): in questo rituale,ripetitivo e claustrofobico, il gruppo trova la suacoesione e la sua ragion d’essere, avendo persodi vista qualunque prospettiva di sviluppo e dicambiamento reale. Questo lavoro acquista unapregnanza ancora maggiore se si pensa che perrealizzarlo l’artista ha impiegato persone qualun-que, incontrate al “lotto shop”, giocatori veri dun-que, che, grattando schedine “vere”, si sono residisponibili a farsi osservare e a fornire uno spac-cato dell’Italia più disillusa, televisiva, sfaccendatae passivamente esposta alla “fortuna”.

Sui miti di una società, più precisamente di unacultura scientifica che condiziona il cambiamentosociale, si sofferma anche la giovanissima Ma-riella Manconi: il suo lavoro mette a confrontol’informazione genetica come dato fisso, cui siappella miticamente l’identità di un popolo, e lalibertà combinatoria di cui inevitabilmente neces-sita una società multietnica in rapido cambia-mento. L’artista combina forme e immagini inun’installazione fluida, che contempla e presup-pone la propria trasformazione a partire già daltitolo: Oltre le apparenze lo sguardo di un animaleche si trasforma secondo il punto di vista dell'os-servatore, sul quale si imprime l'ombra della suastruttura genetica.

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Muy ambigua es también la obra de Chicco Mar-garoli, artista del Valle de Aosta que para estamuestra ha elegido una obra de “metamorfosisestética”, sirviéndose, como de costumbre, demateriales naturales como la madera y la tela (elcáñamo, una cultura pobre, antigua y tradicionalen el Valle de Aosta como en otros territorios dela nuestra península), que oportunamente ensam-blados dan lugar a una Navetta, una instalaciónsugestiva que evoca el viaje y, al mismo tiempo,la antigua cultura textil, dejada en manos ab anti-guo, a las mujeres. Suspendido en el tiempo y enel espacio este pequeño barco (“navetta”) transitadel pasado al futuro, sujetado por ramas verda-deras de plantas, representantes de una natura-leza que necesitamos siempre para existir.

(social) Otros artistas han connotado su “relato”a través de implicaciones sociales aún más explí-citas, a menudo abiertamente críticas o, en ciertamedida, desalentadas: Danilo Correale por ejem-plo, en su bonito vídeo The Surface of my Eye isDeeper than the Ocean, presenta un retrato des-piadado de una sociedad sin futuro y sin esperan-zas, dedicada sólo y exclusivamente al juego deazar (tarjetas rasca y gana y similares): en esteritual, repetitivo y claustrofóbico, el grupo encuen-tra su cohesión y su razón de ser, habiendo per-dido de vista cualquier perspectiva de desarrolloy de cambio real. Esta obra adquiere un significadomayor si se piensa que para realizarlo el artistaha empleado a personas cualquiera, encontradasen una tienda de tarjetas instantáneas, jugadoresreales que, rascando tarjetas “reales” han dadosu disponibilidad a dejarse observar y ofrecer unretrato de la Italia más desilusionada, televisiva,holgazana y pasivamente expuesta a la “suerte”.

Sobre los mitos de una sociedad, más precisa-mente de una cultura científica que condiciona elcambio social, reflexiona la jovencísima MariellaManconi: en su obra compara la información ge-nética como dato fijo, a la cual recurre mítica-mente la identidad de un pueblo, con la libertad

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(Storia, storie) La storia è invece oggetto privi-legiato della riflessione di altri artisti, a cominciareda Andrea Nevi ed Eleonora Beddini, che hannoposto al centro del loro lavoro un piccolo corpoceleste scoperto dall’astronomo Giovanni Schia-parelli all’indomani dell’Unità d’Italia e proprio perquesto battezzato Hesperia, il nome greco dellapenisola. L’infinitamente lontano dei corpi celestie l’attualità politica trasformata ormai in storianazionale si fondono in una sintesi dall’alto valorepoetico ed evocativo, dove suoni ed immaginirealizzate ex-novo si combinano suggestivamentecon pezzi d’archivio.

Claudio Beorchia ha anch’egli lavorato sulla sto-ria, a partire da una rilettura, anzi una riscritturadelle lapidi dei monumenti (per esempio quelli “aicaduti” o agli eroi dell’Unità d’Italia o alla Resi-stenza) sparpagliati nelle nostre città. Monumentiche fanno parte, ormai, del paesaggio visivo piùconsueto e abituale, vecchie cose spesso retori-che e artisticamente mediocri che nessuno notapiù. Invece è proprio su di loro che si è concen-trata l’attenzione del giovane e sensibile artistaveneto, il quale ha dedicato mesi a copiare i testidelle lapidi attraverso il frottage su fogli leggeridi carta velina: con calma, pazienza, si vorrebbedire con amore. Nei fogli sparsi, fragili e inconsi-stenti, è conservata alla lettera il contenuto ce-lebrativo della memoria nazionale, in un sugge-stivo monumento di carta.

Una dialettica fra dimensioni disomogenee e con-trastanti viene elaborata nel bellissimo video diValentina Ferrandes, che, in termini intensa-mente poetici e a tratti quasi struggenti, associadue tipologie di “cura” praticate su soggetti spe-cialmente “deboli”, nella fattispecie donne, nelNord e nel Sud Europa: la psico-terapia, usatada Freud per curare Anna O, celebre caso diisterica, e i balli delle tarantolate filmati dall’an-tropologo Ernesto De Martino nel 1959, in lo-calità molto vicine a quella dove l’artista è nata.La sovrapposizione spiazzante delle immagini e

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combinatoria que inevitablemente necesita unasociedad multiétnica en rápido cambio. La artistacombina formas e imágenes en una instalaciónfluida, que contempla y supone la propia transfor-mación a partir del título: Oltre le apparenze, lamirada de un animal que se transforma segun elpunto de vista del observador, en el que se im-presiona la sombra de su estructura genética.

(Historia, historias) La historia es, al contrario,el objeto privilegiado de la reflexión de otros artis-tas, empezando por Andrea Nevi y Eleonora Bed-dini, que han puesto al centro del su obra un pe-queño cuerpo celeste descubierto por elastrónomo Giovanni Schiaparelli al día siguiente ala Unidad de Italia y por este motivo llamado Hes-peria, el nombre que los griegos dieron a la pe-nínsula italiana. La distancia infinita de los cuerposcelestes y la actualidad política convertida en his-toria nacional se funden en una síntesis de elevadovalor poético e intenso valor evocativo, donde so-nidos e imágenes realizadas ex-novo se combinansugestivamente con material de archivo.

Claudio Beorchia también ha trabajado con lahistoria, a partir de una reinterpretación, omejor dicho, una reescritura de las inscripcio-nes de monumentos (por ejemplo, a los “caídosen guerra” o a los héroes de la Unidad de Italiay de la Resistencia) diseminadas en nuestrasciudades. Monumentos que hoy día formanparte del paisaje visual más consueto y habi-tual, objetos antiguos, a menudo retóricos yartísticamente mediocres, a los que ya nadiepresta atención. Al contrario, en ellas se hacentrado la atención del joven y sensible artistavéneto, que ha dedicado meses a copiar lostextos de las inscripciones a través del frottageen hojas finísimas de papel de seda: con calma,paciencia, y con amor. En las hojas disemina-das, frágiles e inconsistentes, se ha conser-vado a pie de letra el contenido celebrativo dela memoria nacional, en un sugestivo monu-mento de papel.

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delle voci, il ritmo lento e quasi apatico delle ri-prese, contagia lo sguardo con un senso di for-tissima alienazione e, in ultima analisi, violenza.

Alla dimensione femminile è dedicato anche il la-voro di Agnese Purgatorio, un’installazione videoe fotografica realizzata nel carcere femminile diBari. In questa delicata operazione, l’artista in-veste e mette in rapporto tre elementi diversi,raccolti momentaneamente in un’unica strategiavisionaria: il corpo delle detenute, delle poliziottee dell’artista stessa; le parole (i desideri delledonne scritti con mano insicura sulla pelle) e lerose, fiore caucasico impregnato di implicazionie di memorie diversissime ma tutte significativeper l’artista. Alcune sono esplicite: la bellezza,l’amore, il contrasto fra la meravigliosa corolla ele spine acuminate del gambo, i luoghi comuniche riguardano la rosa e che precipitano nell’es-sere addirittura stereotipi. Altre invece sonomeno evidenti: la rosa che cresce spontaneasugli altopiani d’Armenia rievoca il feroce e di-menticato genocidio di quel popolo; ed è proprioservendosi di un mazzo di rose rosse che GinaPane, una delle massime interpreti della bodyart al femminile, ha interpretato nel 1973 lasua performance forse più famosa, Azione sen-timentale.

Martina Corgnati

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Una dialéctica entre dimensiones no homogéneasy contrastantes es elaborada en el precioso vídeode Valentina Ferrandes, que, en términos inten-samente poéticos y a veces casi estremecedores,asocia dos tipologías de “tratamiento” practicadasen sujetos especialmente “débiles”, en el casoconcreto, las mujeres, en el Norte y en el Sur deEuropa: la psicoterapia, usada por Freud paracurar a Anna O, célebre caso de histérica, y losbailes de las atarantadas filmados por el antropó-logo Ernesto De Martino en 1959, en localidadesmuy cercanas al pueblo natal de la artista. La su-perposición inesperada de las imágenes y de lasvoces, al ritmo lento y casi apático de las filma-ciones, contagia el espectador con un sentido defuertísima alienación y, en último análisis, de vio-lencia.

También la obra de Agnese Purgatorio está dedi-cada a la dimensión femenina, una instalación ví-deo y fotográfica realizada en la cárcel femeninade Bari. En esta delicada operación, la artistatrata y pone en relación tres elementos diferentes,reunidos momentáneamente en una única estra-tegia visionaria: el cuerpo de las presas, de laspolicías penitenciarias y de la artista misma; laspalabras (los deseos de las mujeres escritos conletra insegura en la piel) y las rosas, flor caucásicacargada de implicaciones y de memorias muy dis-tintas pero a la vez muy significativas para la ar-tista. Algunas son explícitas: la belleza, el amor,el contraste entre la maravillosa corola y las espi-nas puntiagudas del tallo, los tópicos relacionadoscon la rosa que terminan convirtiéndose en este-reotipos. Otros, en cambio, son menos evidentes:la rosa que crece salvaje en las altiplanicies deArmenia evoca el feroz y olvidado genocidio deaquel pueblo; y es sirviéndose de un ramo de ro-sas rojas que Gina Pane, una de las máximas in-térpretes del body art femenino, interpretó en1973 su representación quizás más famosa,Azione sentimentale.

Martina Corgnati

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Per una cartografia dell’arte italiana.di Alessandro Demma

Regione (re-giò-ne: dal latino regere = dirigere,nel senso di “direzione, linea di confine”): porzionedella superficie terrestre caratterizzata e distintada tratti geografici, climatici e biologici omogenei.

Ha senso oggi, nell’epoca della globalizzazione, ri-flettere ancora su questa figura territoriale e an-tropologica? E soprattutto, ha senso parlarne ri-spetto al sistema dell’arte contemporanea? Dueinterrogativi questi sul concetto di regione chemettono in gioco riflessioni teoriche, filosofiche,etnoantropologiche, sociali, politiche e culturali, eche, soprattutto, inquadrano il senso della mostraVenti per una. Riflessioni, intorno al concetto diarte oggi, che analizzano l’importanza, assoluta-mente non marginale, del genius loci, inteso nel-l’accezione moderna come approccio fenomeno-logico allo studio dell’ambiente, all’interazione traluogo e identità, in netto contrasto con i concettidi omologazione e neutralità dell’oggetto. Analiz-zare queste venti identità regionali vuol dire co-struire una piccola cartografia dell’arte italianaattuale, ma soprattutto riflettere sulla questionedell’immagine oggi, specificando il carattere an-tropologico dei suoi artefici secondo la geografiae la storia sottese alla propria produzione. La questione dell’immagine nella nostra epocadella globalizzazione diventa, infatti, figura digrande interesse teorico, estetico e culturale, unsintomo che s’impone alla nostra attenzione nelmomento attuale, quello del confronto con il feno-meno dell’immagine sociale, con l’immagine pro-dotta dall’universo mediatico, che ha trasformatola società della macchina in “società dell’imma-gine”. Questa definizione assume un significatocomplesso che percorre esperienze evolutive incampo tecnico e tecnologico, ponendosi, nell’at-tuale periodo storico della “surmodernità”1, comemessa in scena di un “ambiente elettronico” chesvolge una funzione comunicativa, informativa ecreativa per la nostra società. «La globalizzazione,

Para una cartografía del arte italiano.por Alessandro Demma

Región (del latín regere = dirigir en el sentido de “di-rección, límite fronterizo”): hace referencia a unaporción de territorio determinada por ciertas carac-terísticas comunes geográficas, climáticas y biológi-cas homogéneas.

¿Tiene sentido reflexionar hoy día, en la época de laglobalización, sobre esta figura territorial y antropo-lógica? Y sobre todo: ¿tiene sentido hablar de ellorespecto al sistema del arte contemporáneo? Dosinterrogantes sobre el concepto de región queponen en juego reflexiones teóricas, filosóficas, et-noantropológicas, sociales, políticas y culturales, yque, sobre todo, enmarcan el sentido de la exposi-ción Venti per una. Se trata de reflexiones sobre elconcepto de arte hoy, que analizan la importancia,indudablemente no marginal, del genius loci, enten-dido en la acepción moderna, como un enfoque fe-nomenológico al estudio del medio ambiente, a lainteracción entre lugar e identidad, en tajante con-traposición a los conceptos de homologación y neu-tralidad del objeto. Analizar estas veinte identidadesregionales significa realizar una pequeña cartografíadel arte italiano actual, pero y sobre todo, reflexionarsobre la cuestión de la imagen hoy, especificando elcarácter antropológico de sus artífices según la ge-ografía y la historia, implícitos en su producción. El tema de la imagen en nuestra época de globaliza-ción se convierte, de hecho, en un tema de profundointerés teórico, estético y cultural, un síntoma quese impone a nuestra atención en el momento actual,de enfrentamiento al fenómeno de la imagen social,con la imagen creada por el universo mediático, queha convertido la sociedad de la máquina en una “so-ciedad de la imagen”. Esta definición cobra un signi-ficado complejo que recorre experiencias evolutivasen el campo técnico y tecnológico, planteándose enel periodo histórico actual de la “sobremodernidad”1,como puesta en escena de un “ambiente electró-nico” que desempeña una función comunicativa, in-formativa y creativa para nuestra sociedad. «La

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che trasforma (come dice ironicamente BenjaminBarber) “il mondo in Mc Mondo”, minaccia il ca-rattere di identità, elimina il tentativo di persona-lizzare l’esistenza: una strutturale omologazioneeconomica determina quella dei comportamenti»2.Così, nell’era della globalizzazione, del cyberspazio,di Internet e degli avatar, si rende necessariaun’analisi, una riflessione attorno al linguaggio vi-sivo, all’iperconsumo simbolico-visuale che avvolgee travolge il nostro “essere nel mondo” e il rap-porto tra arte, spazio e tempo presente. «La durata si costruisce in ogni istante attraversoun particolare rapporto tra storia e memoria,presente e desiderio»3. Con queste parole Geor-ges Didi-Huberman invitato ad una conferenza al-l’Accademia di Belle Arti di Brera presenta il suointervento dal titolo Costruire la durata. è propriosul concetto di durata e di continuità, di rapportotra arte, spazio e tempo che prende forma lamostra Venti per una. Un percorso che mette inscena una possibile ricostruzione, mentale e fisica,di un’”Italia ad arte” che ha segnato e continua adisegnare alcuni dei passaggi fondamentali sullescene dell’arte contemporanea internazionale. Lamostra propone, infatti, una ricognizione di alcunipassaggi e paesaggi fondamentali dell’arte con-temporanea italiana, presentandosi come tracciaevidente di una produzione di forme che offronouna possibilità di mondi differenti, di visioni, unacostellazione di venti artisti che, provenienti daventi differenti territori, ci mostrano intenzioni, ri-flessioni, sperimentazioni totalmente singolari, no-nostante la matrice italiana, sociale, politica e cul-turale comune. è proprio questa, probabilmente,la forza di questo progetto, la costruzione di unastoria attraverso i differenti confini territoriali diuna nazione messi a confronto. Una storia, questaraccontata da Alis/Filliol (Piemonte), Matteo At-truia (Friuli Venezia-Giulia), /barbaragurrieri/group(Sicilia), Eleonora Beddini e Andrea Nevi (Umbria),Claudio Beorchia (Veneto), Marco Bernardi (Lazio),Pietro Mancini (Calabria), Danilo Correale (Cam-pania), Valentina Ferrandes (Basilicata), Dario Ghi-baudo (Lombardia), Nazzareno Guglielmi (Mar-

globalización, que convierte (como afirma irónica-mente Benjamin Barber) “el mundo en Mc Mundo”,amenaza el carácter de identidad, elimina la tenta-tiva de personalizar la existencia: una homologacióneconómica estructural, la de los comportamien-tos»2. Así, en la época de la globalización, del ciber -espacio, de Internet y de los avatares, se vuelvenecesario un análisis, una reflexión sobre el lenguajevisual, sobre el hiperconsumo simbólico-visual queenvuelve y arrastra nuestro “estar en el mundo” y larelación entre arte, espacio y tiempo presente. «La duración se construye en cada instante a travésde una relación especial entre historia y memoria,presente y deseo»3. Con estas palabras GeorgesDidi-Huberman en una conferencia en la Academiade Bellas Artes de Brera presenta su ponencia cuyotítulo es Construir la duración. En el concepto de du-ración y continuidad, de relación entre arte, espacioy tempo se plasma la exposición Venti per una. Unitinerario que pone en escena una posible recons-trucción, mental y física, de una “Italia hecha comoes debido” que ha marcado y que sigue mar -cando/dibu jando algunos entre los pasajes funda-mentales en los escenarios del arte contemporáneointernacional. La exposición propone un reconoci-miento de algunos pasajes y paisajes fundamentalesdel arte contemporáneo italiano, presentándosecomo traza evidente de una producción de formasque brindan un abanico de mundos diferentes, devisiones, una constelación de veinte artistas que,procediendo de veinte diferentes territorios, nosmuestran intenciones, reflexiones, experimentacio-nes muy peculiares, a pesar de la matriz italiana, so-cial, política y cultural común. Quizás sea ésta lafuerza de este proyecto, la construcción de una his-toria a través de los diferentes límites territorialesde un país. Una historia, relatada por Alis/Filliol (Pia-monte), Matteo Attruia (Friuli Venecia-Julia), /bar-baragurrieri/group (Sicilia), Eleonora Beddini yAndrea Nevi (Umbría), Claudio Beorchia (Véneto),Marco Bernardi (Lacio), Pietro Mancini (Calabria),Danilo Correale (Campania), Valentina Ferrandes(Basilicata), Dario Ghibaudo (Lombardía), NazzarenoGuglielmi (Marcas), Claudia Losi (Emilia Romaña),

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che), Claudia Losi (Emilia Romagna), Mariella Man-coni (Sardegna), Chicco Margaroli (Valle d’Aosta)Franco Menicagli (Toscana), Andrea Nicodemo(Molise), Paride Petrei (Abruzzo), Agnese Purga-torio (Puglia), Christian Tripodina (Liguria), Wol-fgang Zingerle (Trentino Alto Adige), in cui s’in-trecciano differenti linguaggi, tecniche, segni esimboli, in cui il disegno, la pittura, la scultura, lafotografia, il video, l’installazione rappresentanoun complesso campionario che riproduce unmondo, o meglio alcuni “mondi possibili” che questiartisti stanno esplorando; i loro spazi di riflessionee di ricerca all’interno del sistema dell’arte con-temporanea italiana. «Noi viviamo nella riproduzione indefinita di ideali,di fantasmi, di immagini, di segni»4. Così Baudri-llard ci ha avvertito del processo che stiamo vi-vendo, quello della “spettacolarizzazione” del tuttonella società dell’iperconsumo delle immagini.Una condizione che sempre più ci proietta versola messa in discussione dell’identità dell’individuo.I concetti d’interiorità, passato, memoria, auten-ticità, per secoli alla base delle riflessioni e delpensiero della società come strumento di defini-zione dell’individuo, si sono modificati e addiritturacapovolti; sempre più si è alla ricerca dell’este-riorità, dell’istantaneità e dell’omologazione.Questa continua proliferazione d’immagini stan-dardizzate provenienti dai bombardamenti me-diatici, crea nell’uomo una condizione di anoressiamentale, di «memoria istantanea» segnata daun «collegamento immediato»5. Una “memoriamomentanea” obbligatoria che è il risultato deiflussi di rappresentazione che costantemente ciinvadono procurandoci un’instabilità visuale fattad’in co scienza nel riconoscere il valore culturale,politico e sociale dell’immagine. Allora le opered’arte presentate per Venti per una rappresen-tano questa possibilità di conoscenza e di cos-cienza, un luogo, ci ha insegnato Panofsky, di«scoperta e interpretazione dei valori simbolici»,lo spazio in cui incontrare «la storia dei sintomiculturali»6. La mostra vuole, infatti, mettere indiscussione queste forti problematiche, vuole

Mariella Manconi (Cerdeña), Chicco Margaroli (Vallede Aosta), Franco Menicagli (Toscana), Andrea Ni-codemo (Molise), Paride Petrei (Abruzos), AgnesePurgatorio (Apulia), Christian Tripodina (Liguria),Wolfgang Zingerle (Trentino Alto Adigio), en el cualse enlazan diferentes lenguajes, técnicas, marcas ysímbolos, en los cuales la pintura, la escultura, la fo-tografía, el vídeo, la instalación representan unamuestra compleja que reproduce un mundo, omejor dicho, “algunos mundos posibles” que estosartistas van explorando; sus espacios de reflexión yde investigación dentro del sistema del arte contem-poráneo italiano. «Vivimos en la reproducción indefi-nida de ideales, de fantasías, de imágenes, designos»4. Con estas palabras Baudrillard nos ha avi-sado del proceso que estamos viviendo, el de la “te-atralidad” de todo en la sociedad del hiperconsumode las imágenes. Una condición que nos proyectacada vez más hacia la puesta en discusión de la iden-tidad del individuo. Los conceptos de interioridad, pa-sado, memoria, autenticidad, durante siglos a labase de las reflexiones y del pensamiento de la so-ciedad como instrumento de definición del individuo,se han modificados y hasta volcado; buscamos cadavez más la exterioridad, la instantaneidad y la homo-logación. Esta continua proliferación de imágenesestandardizadas resultado de los bombardeos de losmedios de información crea en el ser humano unacondición de anorexia mental, de «memoria instan-tánea» marcada por una «conexión inmediata»5.Una “memoria momentánea” obligatoria que es elresultado de los flujos de representación que nos in-vaden constantemente procurándonos una inesta-bilidad visual basada en la inconsciencia en elreconocimiento del valor cultural, político y social dela imagen. Las obras de arte presentadas para Ventiper una representan esta posibilidad de conoci-miento y de conciencia, un lugar, nos ha enseñadoPanofsky, de «descubrimiento e interpretación de losvalores simbólicos», el espacio en el cual hallar «lahistoria de los síntomas culturales»6. El objetivo dela exposición es poner en discusión estas gravesproblemáticas, presentar veinte identidades paraponer de manifiesto los procesos, los “síntomas” cul-

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presentare venti identità per evidenziare i pro-cessi, i “sintomi” culturali, sociali e politici chehanno spinto artisti di differenti regioni a ragio-nare sul proprio presente, rispettando sempre iconcetti d’interiorità, unicità, aprendo una rifles-sione sul tempo e sullo spazio dell’opera comestrumento di definizione del sé e dell’altro da sé. Le opere esposte diventano così il viatico attornoal quale si è voluto rileggere alcune vicende del-l’arte italiana attraverso uno sguardo al contempolocal e global, un nomadismo glocal, come l’hadefinito Achille Bonito Oliva, in cui sono presenti leradici della memoria, della tradizione, delle proprieorigini, che permettono all’artista di conferireun’identità all’opera, e le spinte alla conoscenzaglobale del sistema mondiale attuale che motivanola possibilità degli artisti di giocare con i principi dicontaminazione, d’interagenza culturale, di scon-finamento linguistico e strutturale.

1 Il neologismo surmodernità è stato creato dall’antropologofrancese Marc Augé nello sviluppo della teoria dei nonluoghi.Con il termine surmodernità s’intende fare riferimento ai fe-nomeni sociali, intellettuali ed economici connessi allo sviluppodelle società complesse alla fine del ventesimo secolo, conriferimento in particolare al superamento della fase postin-dustriale e alla sempre più invasiva diffusione della globalizza-zione nella vita degli individui. M. Augé, Non Luoghi, introdu-zione ad una antropologia della surmodernità, trad. it.,Eléuthera, Milano 2002.2 A. Bonito Oliva, La Globalizzazione dell’arte, in G. C. Argan,A. Bonito Oliva, L’arte Moderna 1770-1979. L’Arte oltre ilDuemila, Sansoni, Milano 2002, p. 337.3 G. Didi-Huberman, Costruire la durata, in Del Contempora-neo. Saggi su arte e tempo, a cura di F. Ferrari, Bruno Mon-dadori, Milano 2007, p. 21.4 J. Baudrillard, La sparizione dell’arte, trad. it., GiancarloPolito Editore, Milano 1998, pp. 19-20.5 Ivi, p. 43.6 E. Panofsky, Il significato nelle arti visive, trad. it., Einaudi,Torino 1962, p.36.

turales, sociales y políticos que han impulsado a ar-tistas de diferentes regiones a reflexionar sobre supresente, respetando siempre los conceptos de in-terioridad, unicidad, abriendo una reflexión sobre eltiempo y el espacio de la obra como instrumentopara definir el concepto del sí mismo y de los otros.Las obras expuestas se convierten entonces en elviático alrededor del cual se ha querido volver a in-terpretar algunos acontecimientos del arte italianode un punto de vista que es a la vez local y global,un nomadismo glocal, como lo ha definido Achille Bo-nito Oliva, en el cual están las raíces de la memoria,de la tradición, de los orígenes, que permiten al ar-tista otorgar una identidad a la obra y a los impulsosal conocimiento global del sistema mundial actualque permiten a los artistas jugar con los principiosde contaminación, interactuar a nivel cultural, pasarlos límites lingüísticos y estructurales.

1 El neologismo “sobremodernidad” ha sido acuñado por el an-tropólogo francés Marc Augé al desarrollar el concepto de losno lugares. Con el término sobremodernidad quiere referirse afenómenos sociales, intelectuales y económicos relacionadoscon el desarrollo de las sociedades complejas a finales del sigloXX, con especial referencia a la superación de la fase postin-dustrial y a la cada vez más invasiva difusión de la globalizaciónen la vida de los individuos. M. Augé, Non Luoghi, introduzionead una antropologia della surmodernità, traducción italiana,Eléuthera, Milano 2002.2 A. Bonito Oliva, La Globalizzazione dell’arte, in G. C. Argan, A.Bonito Oliva, L’arte Moderna 1770-1979. L’Arte oltre ilDuemila, Sansoni, Milano 2002, p. 337.3 G. Didi-Huberman, Costruire la durata, in Del Contemporaneo.Saggi su arte e tempo, a cura di F. Ferrari, Bruno Mondadori,Milano 2007, p. 21.4 J. Baudrillard, La sparizione dell’arte, trad. it., Giancarlo PolitoEditore, Milano 1998, pp. 19-20.5 Ivi, p. 43.6 E. Panofsky, Il significato nelle arti visive, traducción italiana,Einaudi, Torino 1962, p.36.

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artisti in mostra

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Nero assoluto calco

Far scomparire una pietraall’interno di una cava di marmobianco, coprendola di inchiostrocalcografico.

Nero assoluto calco

Hacer desaparecer una piedradentro de una cantera de mármolblanco, cubriéndola de tinta negracalcográfica.

NERO ASSOLUTO CALCO, 2010Stampa fotografica / Impresión fotográfica20x30 cm

Courtesy dell’artista / Courtesy del Artista

Alis/FilliolPIEMONTE

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Stato di Confine

STATO DI CONFINE DI STATO... Ilverbo confonde la sua posizione. Ecosì fa con la posizione del confine.Un cortocircuito di parole “quasi”riconosciute. Abituato a vivere inuno spazio indefinito; tra quel aldilà(sconosciuto) e quel vicino(sconosciuto). Ho invertito lascritta “Confine di Stato” perspingere ad una riflessione piùaperta sui luoghi della “vitapratica”e della “vitapubblica”. Lo Stato diConfine è una residenza privata,una abitudine in divenire. Unancoraggio tra le onde. Il pensierodi abitante che, tra abitanti, cercauno spazio del pensiero. Non dàrisposte. Non le conosce.Semplicemente ripete infinito sestesso. Parte di un infinito che cicirconda ma contemporanei di uninfinito che conteniamo.

Stato di Confine

ESTADO DE LÍMITE, LÍMITE DEESTADO... Las palabras confundensu posición. Y lo mismo hace conla posición del límite. Uncortocircuito de palabras “casi”reconocidas. Acostumbrado a viviren un espacio indefinido; entreaquel más allá (desconocido) yaquel mundo cercano (conocido).He invertido la inscripción “Confinedi Stato” (Límite de Estado, confín)para obligar a una reflexión másabierta sobre los lugares de la“vidapráctica” y de la “vidapública”.El estado del límite es unaresidencia privada, una costumbreen continua evolución. Un anclajeentre las olas. La idea de habitanteque, entre habitantes, busca unespacio del pensamiento. No darespuestas. No las conoce.Simplemente repite infinito a símismo. Parte de un infinito quenos rodea pero contemporáneosde un infinito que contenemos.

STATO DI CONFINE, 2012Neon / Neón12x120cmCourtesy dell’artista / Courtesy del Artista

Matteo AttruiaFRIULI VENEZIA-GIULIA

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Paesaggio 1

Nel progetto Paesaggio 1esploriamo una nuova possibilità dipaesaggio che ha come basel’elemento architettonico tondodella cupola. È un luogo d’insiemeattraverso cui avere unosservazione riletta di quellarottura tra la linea d’orizzonte e ilcampo visivo in II piano. Partendoda un luogo stabilito e fisso, siarriva ad una destinazioneimmaginaria che crea una realtàsecondaria e parallela: la stessa è,comunque, una panoramica totaledella visione d’insieme di unpassato emozionale. L’orizzonteulteriore incorpora le tendenzecontemporanee che si ramificanonella manipolazione progettatadella prospettiva.

Paesaggio 1

En la obra titulada Paesaggio 1exploramos una nueva posibilidadde paisaje que tiene como base elelemento arquitectónico redondode la cúpula. Es un lugar en sutotalidad, a través del cual lograruna nueva observación de aquellaruptura entre la línea del horizontey el campo visual en segundoplano. Partiendo de un lugardefinido y fijo, se llega a un destinoimaginario que crea una realidadsecundaria y paralela: la misma esuna panorámica completa de lavisión global de un pasadoemocional. El nuevo horizonteincorpora las tendenciascontemporáneas que se ramificanen la manipulación proyectada dela perspectiva.

PAESAGGIO 1, 2011Stampa lambda + spray / Impresiones lambda+ spray70x46 cm

Courtesy dell’Artista / Courtesy del Artista

/barbaragurrieri/groupSICILIA

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Hesperia

L’asteroide Hesperia fu individuato il26 aprile 1861 dal grandeastronomo Giovanni VirginioSchiaparelli. Per celebrare ilprocesso di unificazione nazionaleappena compiuto, il corpo celeste fubattezzato col nome che i Greciavevano attribuito alla penisolaitaliana. Poco meno di un secolodopo, la Seconda Guerra Mondialevolge al termine. Le strade delle cittàitaliane, progressivamente liberate,vengono invase dai festeggiamenti.Dopo anni di violenze e divisioni, lacomunità prova a ricomporsi, sottolo stesso cielo. Un forte legante èspesso un sentimento condiviso, unasperanza, un ideale, qualcosa che c’èma che non si vede ad occhio nudocome un corpo celeste. I due video, composti da materialeoriginale e d’archivio, evocano unviaggio immaginifico nel tempo e nellospazio sulla scia di Hesperia, che,tornando magicamente, squarcia icieli insanguinati delle città finalmenteliberate dalla guerra, proiettando sullefolle la sua ombra e nei cuori il sensodi un futuro condiviso. Il suonoimmoto e incorporeo dell’asteroideche abita lo spazio, denso di un valoreprofetico, e la rappresentazione visivadello stesso, realizzata con tecnichedifferenti, rimandano all’immanenzanel tempo, propria degli oggetticelesti come anche dei sentimentiumani.

Hesperia

El asteroide Hesperia fuedescubierto el 26 de abril de 1861por el gran astrónomo GiovanniVirginio Schiaparelli. Para celebrar elproceso de unificación nacional reciéncumplido, al cuerpo celeste se le dioel nombre que los Griegos habíanatribuido a la península italiana. Pocomenos de un siglo después, terminala Segunda Guerra Mundial. Lascalles de las ciudades italianas,paulatinamente liberadas, se llenande gente celebrando elacontecimiento. Después de años deviolencia y divisiones, la comunidadintenta recomponerse bajo el mismocielo. Un excelente vínculo es, amenudo, un sentimiento compartido,una esperanza, un ideal, algo queexiste pero que no se ve a simplevista como un cuerpo celeste. Los dos vídeos, compuestos pormaterial original y de repertorio,evocan un viaje imaginario en eltiempo y en el espacio en la estela deHesperia, que, volviendomágicamente, rasga los cielosensangrados de las ciudadesliberadas por fin de la guerra,proyectando en la muchedumbre susombra y en los corazones el sentidode un futuro compartido. El sonidoinmóvil e incorpóreo del asteroideque habita el espacio, denso de unvalor profético y la representaciónvisual del mismo, realizada contécnicas diferentes, se refieren a lainmanencia del tiempo, propia de loscuerpos celestes así como de lossentimientos humanos.

HESPERIA, 2012Video - doppia proiezione / Vídeo – dobleproyección15’17’’

Courtesy degli artisti / Courtesy de losartistas

Eleonora Beddini e Andrea NeviUMBRIA

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Fogli/Caduti

Sono andato alla ricerca deimonumenti ai caduti e ho ricalcato inomi in rilievo sulle lapidi su sottilifogli di carta velina bianca.La mia ricerca si è concentrata suimonumenti presenti nel circondariodove risiedo, la terra fra il Piave eVittorio Veneto, cosìdrammaticamente importante per lastoria della nazione. La maggiorparte di queste lapidi si trova nellepiazze dei paesi, alcune volte sulmuro di una chiesa, qualcuna lungouna strada, una persino lungo unsentiero nel bosco. Nella mia ricercaho trovato lapidi per i caduti dellaprima guerra mondiale, per quellidella seconda, per i partigiani. Io horicalcato tutti i nomi - solo il nome -senza soffermarmi sul grado delsoldato, sull’anno della sua morte,sulla guerra che aveva combattuto.Ho ricalcato tutti quei nomi con il ditoimbrattato di grafite, in un gesto chemi ha obbligato a sfiorare la pietra, aseguire il contorno di ogni lettera, diogni nome che pian piano anneriva esolcava il foglio.La monumentalità e la solennità diqueste lapidi, spesso fredde edistanti, nei leggerissimifogli che compongono il mio lavorovolevo lasciassero spazio alladimensione di fragilità evulnerabilità, di dolore e tragicitàintima di ogni nome, di ogni singolapersona.

Fogli/Caduti

He ido buscando monumentosdedicados a los caídos y he calcadosus nombres en relieve en lasinscripciones sobre hojas finísimas depapel de seda blanca.He concentrado mi búsqueda en losmonumentos del distrito donde yovivo, la tierra entre el río Piave yVittorio Veneto, tan dramáticamenteimportante para la historia del país.La mayoría de estas inscripciones sehalla en las plazas de los pueblos,algunas veces en la pared de unaiglesia, otras a lo largo de las calles,una en un sendero en el bosque. En mibúsqueda he hallado inscripciones queconmemoran a los caídos en laprimera y segunda guerra mundial,otras dedicadas a los partisanos. Yohe calcado todos sus nombres – sóloel nombre – sin detenerme en elgrado militar del soldado, ni en el añode su muerte, o en la guerra quehabía combatido.He calcado todos aquellos nombrescon mi dedo sucio de grafito, en ungesto que me ha obligado a rozar lapiedra, a seguir el perfil de cada letra,de cada nombre que poco a poco seteñía de negro y surcaba la hoja depapel.La monumentalidad y solemnidad deestas inscripciones, a menudo frías ydistantes, en las finísimas hojas depapel que componen mi obra, queríaque dejaran espacio a la dimensión defragilidad y vulnerabilidad, de dolor ydrama íntimo de cada nombre, decada persona.

FOGLI/CADUTI, 2011frottage, grafite su carta velina / frottage,grafito en papel de seda Circa 100 fogli 70x50 cm ciascuno / 100hojas aprox. 70x50 cm cada unaDimensioni ambientali / Dimensionesambientales

Courtesy dell’artista / Courtesy del Artista

Claudio BeorchiaVENETO

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Italietta con allodole

Si racconta che, dopo aver scrittotesti epocali, dopo aver fondato laGiovine Italia (1831) e la GiovineEuropa (1834), Giuseppe Mazzinicoltivò per lungo tempo unapassione non meno intensa per gliuccelli. Nell’opera di Marco Bernardi ilpensiero si trasforma spesso insorriso, che presto lascia il postoad una leggera amarezzasublinguale, prontamente sostituitadalla cinica convinzione diappartenere ad un mondo dov’è ilcaso, non la volontà umana, chemuove la storia.Nel solco di questo spirito si muoveItalietta con allodole, che nascedalla volontà di celebrare i 150 annidell’Unità d’Italia, un paese vecchio,come la tela che la riveste, mollenella volontà e nell’azione, come lagomma piuma che lo costituisce,comodo e scomodo, come unmaterasso buttato a terra. Leallodole meccaniche alludono allatrappola ordita dal bel paese aidanni di coloro che lo abitano,impantanati nel suo immobilismo, edi quelli che lo visitano, stupefattidalle sue bellezze, ma incapaci divedere la sua vera essenza. D’altro canto, sembra che i richiamiper le allodole diventino anche ilsimbolo dell’incrollabile resistenzadi chi abita la nostra penisola.

Beatrice Bertini

Italietta con allodole

Se cuenta que, tras haber escritotextos epocales, tras haber fundadola Giovine Italia (1831) y la GiovineEuropa (1834), Giuseppe Mazzinicultivó durante mucho tiempo unaespecial afición a las aves. En la obra de Marco Bernardi elpensamiento se convierte a menudoen sonrisa, que deja el paso a unaligera amargura sublingual,rápidamente sustituida por la cínicaconvicción de pertenecer a un mundodonde lo que mueve la historia es elsino, no la voluntad humana.Cumpliendo con este espíritu semueve la Italietta con allodole, quenace de la voluntad de celebrar los150 años de la Unidad de Italia, unpaís, antiguo, como el lienzo de telaque la reviste, débil y floja en lavoluntad y en la acción, como lagomaespuma, el material que lacompone, cómoda, incómoda, comoun colchón tirado al suelo. Lasalondras mecánicas aluden a latrampa tendida por el Bel Paese adetrimento de quienes la habitan,hundidos en su inmovilismo, y de losque la visitan, asombrados por susbellezas, pero incapaces de ver suverdadera esencia. Por otra parte, parece que loshalagos también se conviertan en elsímbolo de la inquebrantableresistencia de los habitantes denuestra península.

Beatrice Bertini

ITALIETTA CON ALLODOLE, 2010Gomma piuma, stoffa, altoparlanti /Gomaespuma, tela, altavoces110x230x15 cm

Courtesy dell’Artista / Courtesy del Artista

Marco BernardiLAZIO

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The Surface of My Eye Isdeeper Than The Ocean

Nel video The Surface of My Eye Isdeeper Than The Ocean, viene ritrattoun gruppo di personaggi assorti in unmovimento ripetitivo ed ossessivo,reso ulteriormente ridondante dalrumore di fondo. Gli elementi audio evideo si combinano durante laproiezione fino al raggiungimento di un“anti-climax” nel quale il gesto“pornografico” diviene lucido nella suabanalità.Il video racconta, con uno sguardocurioso ed analitico, il fallimento diuna società attraverso un gestospersonalizzante, attraversol’ossessivo tentativo di trasformare lapropria storia personale in una realtàsimile a quella televisiva. Un progetto che parla del divariosimbolico creatosi tra la realtà e lasua “ricostruzione”: l’incapacità diimmaginare un futuro miglioresembra essere stata sostituitaoggigiorno dalla rincorsa alla fortuna ein questo la speranza si avvita inmaniera morbosa in una spiralediscendente che porta ad un ulterioresgretolamento del tessuto sociale.Durante il processo di realizzazionedell’opera l’artista ha dedicato il 90per cento del budget di produzioneall’acquisto di diversi biglietti dellalotteria istantanea, sottoscrivendo uncontratto di suddivisione equa delleeventuali vincite con i partecipanti alvideo (scelti casualmente in alcuniLotto Shop). Di tutta la sommainvestita in origine il solo 20 per centodella spesa iniziale è stata poisuddivisa.

The Surface of My Eye Isdeeper Than The Ocean

En el vídeo The Surface of My Eye Isdeeper Than The Ocean, se retrata aun grupo de personajes enfrascadosen un movimiento repetitivo yobsesivo, que el ruido de fondo vuelveaún más redundante. Los elementosaudio y vídeo se combinan durante laproyección hasta alcanzar un “anti-clímax” en el cual el gesto"pornográfico" se vuelve claro en subanalidad. El vídeo relata, con unexamen curioso y analítico, el fracasode una sociedad a través de un gestodespersonalizante, a través delintento obsesivo de convertir lapropia historia personal en unarealidad similar a la de la televisión.Un proyecto que trata del abismosimbólico que se ha creado entre larealidad y su "reconstrucción": laincapacidad de imaginar un futuromejor parece haber sidoreemplazada hoy día por el afán deperseguir la suerte y en ello laesperanza se enrosca morbosa enuna espira descendiente que lleva aun sucesivo desmoronamiento deltejido social.Durante el proceso derealización de la obra, el artista hadestinado el 90% del presupuesto deproducción para comprar variosbilletes de la lotería instantánea,firmando un contrato de divisiónequitativa de los posibles premioscon las personas que han tomadoparte en el vídeo (seleccionados alazar en algunos Lotto Shop). De todala cantidad de dinero invertidaoriginariamente, sólo el 20% de lainversión inicial ha sido repartido.

THE SURFACE OF MY EYE IS DEEPER THANTHE OCEAN, 20112K Cinemascope on Blue Ray 14”

Courtesy dell’artista / Courtesy del Artista

Danilo CorrealeCAMPANIA

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L’Effetto Ostrica

Utilizzando come punto di partenzaalcuni estratti di filmati di repertoriogirati dal team di De Martino durantela sua prima ricerca in Salento,L’Effetto Ostrica si sviluppa come unassemblaggio di riferimenti storicisotto forma di voce narrante su unpercorso visivo. Nel video, larappresentazione del malesserefemminile nel Nord e Sud d'Europapassa attraverso una serie diparallelismi tra spazi architettonici, ilpaesaggio e la loro narrazione. Lospettatore si muove tra linguestraniere e località non descrittive, inun viaggio che sfida linearità estoricismo.Una lettera scritta da BerthaPappenheimer, la giovane donnaaustriaca di origine ebraica, divenutafamosa sotto il nome di Anna O,definita isterica da Breuer e Freud,descrive uno dei sintomi della suamalattia, la sua temporaneaincapacità di parlare la propria linguamadre. La lettera, scrittaoriginariamente in inglese, e’ tradottain tedesco e letta mentre scorronoimmagini di uno spazio architettonicoche potrebbe vagamente ricordareun edificio modernista dell’inizio del20esimo secolo.Mentre Anna O parla della suacondizione, l’occhio della videocamerasi muove nello spazio della Chiesa diSan Pietro e Paolo, a Galatina,dedicata al culto di San Paolo e allamemoria del tarantismo. E il viaggiocontinua.

L’Effetto Ostrica

Utilizando como punto de partidaalgunos fragmentos de vídeos derepertorio rodados por el equipo deDe Martino durante su primerainvestigación en Salento, L’EffettoOstrica se desarrolla como unmontaje de referencias históricas enforma de voz narradora en unitinerario visual. En el vídeo, larepresentación del malestar de lasmujeres del Norte y del Sur deEuropa pasa a través de una serie deparalelismos entre espaciosarquitectónicos, el paisaje y sunarración. El espectador se mueveentre lenguas extranjeras ylocalidades no descriptivas, en unviaje que desafía linealidad ehistoricismo.Una carta escrita por BerthaPappenheimer, la joven mujeraustriaca de origen judío, conocidacon el nombre de Anna O, definidahistérica por Breuer y Freud,describe uno de los síntomas de suenfermedad, su momentáneaincapacidad de hablar su propialengua madre. La carta, escritaoriginariamente en inglés, estraducida al alemán y leída mientrasque en la pantalla pasan lasimágenes de un espacioarquitectónico que podría vagamenterecordar un edificio modernista deprincipios del siglo XX.Mientras que Anna O habla de sucondición, el ojo de la videocámarase mueve en el espacio de la Iglesiade San Pedro y Pablo en Galatina,dedicada al culto de San Pablo y a lamemoria del tarantismo. El viajecontinúa.

L’EFFETTO OSTRICA, 2010Video HD12’51’’Produzione IT – UK / Producción IT – UK

Courtesy dell’artista / Courtesy de la Artista

Valentina FerrandesBASILICATA

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Italia - Museo di StoriaInnaturale Sala X Etnografia

La richiesta di qualche rigaesplicativa sulla scelta dell’operami ha portato ovviamente ariflettere su quel che di più adattoavrei potuto esporre: eseguoun’opera a tema o presento unlavoro già esistente che però inqualche modo rientra nel concettodella mostra? La scelta è caduta su un’Italiarealizzata nel ’98, un’Italia di povericristi che oggi forse più di ieri, miè parsa significativa. Formata dauna grande quantità di piccoli Gesùluminescenti, quelli della devozionepopolare privati della croce, liavevo a suo tempo accumulati, gliuni sopra gli altri a formare lageografia dell’Italia. Se tutto è buiocon la loro luce sembrano dire:“Hei! Qui ci sono dei problemi,attenti, non è che va a finire che ungiorno o l’altro si muore di famevero? Noi siamo qui, ammassati eluminosi per ricordarvi che sietevivi, abitanti del Bel Paese, vivi!”

Italia - Museo di StoriaInnaturale Sala X Etnografia

Habiéndome solicitado algunaslíneas de explicación sobre miobra, obviamente me he vistoobligado a reflexionar sobre lo quehabría podido exponer de másadecuado para el certamen: ¿voy arealizar una obra a tema opresento una obra que ya tengoterminada y que de alguna maneracuadra con el concepto de laexposición? La elección ha caído sobre unaItalia realizada en 1998, una Italiade pobres desgraciados que quizáshoy más que ayer, me parece mássignificativa. Compuesta por unagran cantidad de pequeños Jesúsluminiscentes, los de la devociónpopular sin cruz, los habíaacumulados en su día, los unosencima de otros hasta formar lapenínsula italiana. Si todo esoscuridad, con su luz parecendecir: “¡Eh! ¡Aquí hay problemas,atención!, no vaya a ser que un díau otro nos morimos de hambre,¿no? Nosotros aquí estamos,amontonados y luminosos pararecordarles que están vivos,ustedes los habitantes del BelPaese, ¡están vivos!”

ITALIA - MUSEO DI STORIA INNATURALESALA X ETNOGRAFIA, 1998Resina fluorescente, legno, carta, vetro /Resina fluorescente, madera, papel, vidrio 96x132x10 cm

Courtesy Paolo Tonin arte ContemporaneaTorino / Courtesy Paolo Tonin ArteContemporáneo TurínFoto: Tommaso Matina / Fotografía: TommasoMatina

Dario GhibaudoLOMBARDIA

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H2Osantiere

Questa istallazione è costituita daquattro acquasantiere. L’oggetto èstato preso in considerazionecome contenitore di acqua, acquacome flusso che anche in questocaso non rimane statico in quantociascuna di esse ha tre fori allabase che negano la loro possibilitàdi contenere e potrebberooriginare uno scorrere.Un fiume.Un tempo, una fuga, un andareverso…tra i sassi, le piante, le case e lagente, passando.Come ogni giorno e di ogni giorno aricordo c’è in ognuna un segno: ilmestolo, la forchetta, il cucchiaio etanto altro segni lo scandire dellaquotidianità.

H2Osantiere

Esta instalación está compuestapor cuatro pilas. El objeto se haconsiderado como contenedor deagua, agua como flujo que en este casono es estático puesto que cadauna de ellas tiene tres orificios enla base que les niegan laposibilidad de contener y podríanoriginar un fluir.Un río.Un tiempo, una huida, partir hacia…entre piedras, plantas, casas y lagente, pasando.Como cada día y para recordarcada día, cada una lleva unsímbolo: el cucharón, el tenedor, lacuchara y todo lo que marque elritmo de la cotidianidad.

H2O SANTIERE, 2011Ceramica smaltata / Cerámica esmaltada130x125 cm

Courtesy dell’Artista / Courtesy del Artista

Nazzareno GuglielmiMARCHE

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Guardando dietro

I suoi occhi arretrano nelle orbiteguardano dietrosi sforzano in avanti dove non vedopiù sottile, sempre più sottilei suoni si rintanano all’internosi aggrovigliano in un altro silenzionon la capisco piùil bambino lancia 1 2 3 4 5 6 7 volteun nodo di elasticicontro il soffitto stellato

allargati quieta

Guardando dietro

Sus ojos retroceden en las órbitasmiran atrásse esfuerzan hacia adelante dondeno veomás estrecho, cada vez másestrecholos sonidos se encierran dentrose enredan en otro silencioya no consigo comprenderlael niño lanza 1 2 3 4 5 6 7 vecesun nudo de elásticoscontra el techo estrellado

ábrete plácida

GUARDANDO DIETRO, 2010ricamo e intaglio su carta collage, legno, fonteluminosa / Encaje y recorte en papel collage,madera, fuente luminosa 315x120 cm

Courtesy Monica De Cardenas, Milano /Courtesy Monica De Cardenas, MilánFoto: Dario Lasagni / Fotografía: Dario Lasagni

Claudia LosiEMILIA ROMAGNA

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Pellicole

I protagonisti dei miei lavori sonoquasi sempre adolescenti epreadolescenti, periodo del nostrovivere in cui la consapevolezza della“bellezza” e il suo appannamentosono forti, un tempo di respiriliberi e di respiri interrotti comunea tutti noi.Ho trattato questo argomento consacralità, perché credo che lo sia,ho usato simbolismi religiosi eloghi d'abbigliamento che si sonomiscelati con parole, diventandouna specie di nuova scrittura cheracconta ferite e desiderio diguarigione. Bambini in ascesi fisicaed interiore in cattedraliindustriali, a riparo dalle preteseesterne, giovani uomini e giovanidonne in cerca della “frequenza”amata, anelanti di profonditàleggera. Ormai sono grande e il tempo deirespiri liberi ed interrotti è lontanoanagraficamente, ma quel temponon sottostà alle leggi anagrafiche,credo che la fase adolescenzialenon finisca mai, se ci riferiamo allanecessità di crescere e dicomprenderci.

Pellicole

Los protagonistas de mis obrasson casi siempre adolescentes ypreadolescentes, periodo denuestro vivir en el cual laconsciencia de la “belleza” y suobsesión son fuertes, un tiempo derespiraciones libres y derespiraciones interrumpidas, quees común a todos.He tratado este tema consacralidad, porque creo que essagrado; he utilizado simbolismosreligiosos y logotipos para ropaque se han mezclado con palabras,convirtiéndose en una especie denueva escritura que relata deheridas y del deseo de alivio. Niñosen fase de desarrollo físico einterior en catedrales industriales,al abrigo de las pretensionesexternas, jóvenes hombres ymujeres en busca de la“frecuencia” amada, anhelando unaliviana profundidad. Ya soy mayor y el tiempo de lasrespiraciones libres einterrumpidas es un recuerdo deantaño, pero aquel tiempo no estásujeto a las leyes del tiempo; creoque la fase de la adolescencia notermina nunca, si nos referimos ala necesidad de crecer y decomprendernos.

PELLICOLE, 201114 stampe su dibond / 14 impresiones endibond40x45x45 cm

Courtesy dell’Artista e Arsprima Milano /Courtesy del Artista y Arsprima Milano

Pietro ManciniCALABRIA

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Oltre le apparenze

Nel lavoro dal titolo "Oltre leapparenze", appare a prima vistal'immagine statica, immobile, diuna iguana osservata attraversoun enorme lente di ingrandimento,ma spostando lo sguardo, il puntodi vista dell'osservatore, sipossono ammirare splendidicambiamenti di colore, l'iguanaassume infatti a seconda dellaposizione in cui la si osserva coloridifferenti, dal giallo limone al blùoltremare, passando per diversegradazioni che alternandosi dannoritmo e dinamicità al lavoro."Oltre le apparenze” vuole essereun invito ad andare oltre le nostredistrazioni e/o giudizi affrettati,imparare ad osservareattentamente per meglio capire,regalandoci la possibilità di vederele mille piccole sfaccettature dellavita, quei colori che altrimentiandrebbero perduti...(.)

Oltre le apparenze

En la obra titulada "Oltre leapparenze" (Más allá de lasapariencias), a primera vistaaparece la imagen estática,inmueble, de una iguana observadaa través de una enorme lupa, peromoviendo los ojos hacia otro lado,el punto de vista del observador,se pueden admirar espectacularescambios de color; la iguana enfunción de la posición en la que seobserva, asume colores distintos,del amarillo limón al azul marino,pasando por varios tonos que,alternándose, confieren ritmo ydinamismo a la obra."Oltre le apparenze” quiere ser unainvitación a ir más allá de nuestrasdistracciones y/o juiciosapresurados, aprender a observarcon atención para comprendermejor, brindando a nosotrosmismos la posibilidad de ver lasmiles pequeñas facetas de la vida,aquellos colores que, de locontrario, se perderían...(.)

OLTRE LE APPARENzE, 2012Foto digitale stampata su pannello 3D, sfera inplastica, cavalletto fotografico / Fotografíadigital impresa en panel 3D, esfera deplástico, caballete fotográficoDimensioni ambientali / Dimensionesambientales

Courtesy dell’Artista / Courtesy de la Artista

Mariella ManconiSARDEGNA

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Navetta

Forma e funzione,cuore attivo e ritmato del telaio,che senza di lei è dormiente.Scivola veloce, trasporta il filoattraverso l’ordito, tesse e tesseràmetri e metri di storia, lunga comequella dell’uomo.

Navetta*

Forma y función, corazón pulsante y ritmado deltelar, que sin ella es durmiente.Desliza rápida, transporta el hilo através del urdimbre, teje y tejerámetros y metros de historia, tanlarga como la historia de lahumanidad.

(*navetta en italiano significa pequeño barco ylanzadera del telar)

NAVETTA, 2012Canapa in filo e in tessuto tradizionale, ferrocotto, gemme di pruno selvatico, collesiliconiche, lamina d’argento / Cáñamo de hilo ytejido tradicional, hierro recocido, yemas deciruelo salvaje, colas silicónicas, lámina de plata140x50x80 cm

Courtesy dell’Artista / Courtesy de la Artista

Chicco MargaroliVALLE D’AOSTA

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Shell-like

Tra i luoghi comuni dell’italianità c’èquello di essere un popolo di creativie fantasiosi, ma quando si va achiedere di indicarne i più illustriesponenti la risposta è spessoindirizzata a Firenze ed alRinascimento come emblema di unpassato che non sarà più,dimenticando che, tali personaggierano contemporanei al loro tempo esoprattutto dei grandi innovatori. Perme che sono toscano e da sempreinteressato ad un lavoro di ricercache sia attuale e di respirointernazionale, questa peculiaritàToscana è sempre apparsa come unenorme fardello da sopportare. Perquesto i miei modelli di riferimentosono il lavoro dei nostri artigiani,l’ingegno creativo dei designer, nelcreare oggetti d’uso comune ecomplementi d’arredo. La serie diopere Shell-like si compone dioggetti-sculture che assumono laforma di gabbie volte a proteggere echiudere elementi. Gabbie cherichiamano alla mente strane protesiortopediche. L’opera inizia spesso apartire da uno spunto (che puoessere un frammento di mobiliotrovato in una discarica ad esempio)del quale nel risultato finale emergesempre la componente organica,antropomorfa, al quale poi hoaggiunto una sovrastruttura. Oggettiche all’interno di queste gabbiestrutturali appaiono fragili e dadifendere.

Shell-like

Entre los varios clichés sobre la“italianidad” se dice que lositalianos son un pueblo decreativos y fantasiosos, perocuando pedimos a la gente que nosnombre a los más ilustresexponentes, la respuesta siempreacaba con Florencia y elRenacimiento como emblema deun pasado que jamás volverá a serigual, olvidando que, estospersonajes fueron contemporáneosen su época y que, sobre todo,fueron grandes innovadores. Paramí que soy toscano y desdesiempre interesado en lainvestigación contemporánea y deenvergadura internacional, hevivido esta peculiaridad Toscanacomo un enorme peso. Por estomis modelos de referencia son laobra de nuestros artesanos, elingenio creativo de losdiseñadores, en crear objetos deuso diario y complementos para elhogar. La serie de obras Shell-likese compone de objetos-esculturasque asumen la forma de jaulasutilizadas para proteger y encerrarelementos. Jaulas que evocanraras prótesis ortopédicas. Laobra parte casi siempre de unaidea inicial (un fragmento demueble tirado en un vertedero, porejemplo) del cual en el resultadofinal siempre destaca lacomponente orgánica,antropomorfa, al cual he agregadouna superestructura. Objetos quedentro de estas jaulasestructurales aparecen frágiles eindefensos.

SHELL-LIKE 8N, 2007 oggetti di recupero, legno, fascette ferma cavo/ Objetos reciclados, madera, abrazaderassujeta-cable90x44x22 cm

Courtesy dell’Artista / Courtesy del Artista

Franco MenicagliTOSCANA

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Ricerca senza fine

Nessun movimento apparente, neisoggetti di Andrea Nicodemo, eppureun doppio moto interiore. La ricercadi una realtà lontana, desiderata, daun lato; dall’altro l’immobilitàconcessa dalle lenti di un binocolo, arendere prossimo ciò ch’è distante.

L’autore sembra indicare sia ilcercare a definire il sé, conferendosenso alla realtà: la curiosità umanaassunta quale tratto distintivo-istintivo, suggerisce “Curious Dog”.

Nella razionalità sottesa all’invenzione– le lenti della serie “Looking for…” –si trova il moto inverso: la volontà diconservare il beneficio della distanza,che promette di far durare la ricerca,continuando a definire il sé, dandosenso alla realtà.

È un invito a considerare quantovicino possa sembrare ciò che ci èestraneo, e quanto lontano, invece,possa essere chi siamo dentro.

Nessuna distanza più incolmabile diquella che separa dal sé piùautentico: ricerca senza fine.

Alessio Sciurpa

Ricerca senza fine

Ningún movimiento aparente, enlos sujetos de Andrea Nicodemo,sin embargo un doble movimientointerior. La búsqueda de unarealidad lejana, anhelada, por unlado; por el otro la inmovilidadconferida por las lentes deprismáticos para ampliar laimagen de objetos distantes.El autor parece indicar tanto latentativa de definir el sí, dándolesentido a la realidad: la curiosidadhumana reconocida como marcadistintiva-instintiva, sugiere“Curious Dog”.En la racionalidad implícita en lainvención – las lentes de la serie“Looking for…” – se halla elmovimiento inverso: la voluntad deconservar el beneficio de ladistancia, que promete hacerperdurar la búsqueda, continuandoa definir el sí, otorgándole sentidoa la realidad.Es una exhortación a considerarcuán cercano puede parecer lo quees ajeno a nosotros y cuán lejano,al contrario, puede ser quiensomos adentro. Ninguna distancia es másincolmable de la que separa del símás auténtico: búsqueda sin fin.

Alessio Sciurpa

LOOKING FOR..., 2011disegno collage / Dibujo collage60x50 cm

Courtesy dell’Artista / Courtesy del Artista

Andrea NicodemoMOLISE

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Minotauria attemsi

…Petrei si colloca nella posizione diun entomologo dabbene, le cui tavoledi animali sono dedotteesclusivamente dalla letteraturascientifica, perciò generate dallalettera morta anzichédall’osservazione e dall’esperienzadiretta. Viene presa alla lettera ladescrizione, ma la lettera (il sensoletterale), secondo l’apostolo Paolo,uccide (2 Corinzi 3,6), cioè annichilala natura ed è contrapposta non soloallo spirito che vivifica ma ancheall’evidenza della materia. L’approccionaturalistico, aberrato dal ricorsoalle sole descrizioni tassonomiche,genera un campionario dimostriciattoli, come gli ibridi di Kafka(nel racconto Un incrocio - EineKrezung). Ciò significa configurare lanatura ispirandosi alla lettera, malettera e creatura non combaciano.Con fare scrupoloso da naturalista,Petrei può ottenere la spiritosità diun animale, non la sua vitalità.L’interpretazione fumosa deglianimali produce una serie mutevoledi creature improbabili, che rientranel genere dei capricci anatomici. Seil nominare di Dio fu creatore inquanto era un linguaggio chechiamava all’essere le cose chenominava, l’artista scimmiotta ilprocesso creativo della lingua divina.Ma già all’epoca del paradiso dellalingua, il nominare adamitico, chediscendeva direttamente da Dio,benché fosse altamente nominante,non era più creativo.

da Malinchonia ludensdi Gianni Garrera

Minotauria attemsi

…Petrei se presenta como unentomólogo honrado, cuyos cuadrosde animales se desprendenexclusivamente de la literaturacientífica, por lo tanto generados porla letra muerta en lugar de laobservación y experiencia directa. Setoma a pie de la letra la descripción,pero la letra (el sentido literal), segúnel apóstol Pablo, mata (2 Corincios3,6), es decir aniquila la naturaleza yse contrapone no sólo al espíritu quevivifica sino también a la evidencia dela materia. El enfoque naturalista,aberrado por el recurso adescripciones exclusivamentetaxonómicas, genera un muestrario depequeños monstruos, como loshíbridos de Kafka (en el relato Elhíbrido - Eine Krezung). Esto significaconfigurar la naturaleza inspirándose ala letra, pero letra y creatura nocoinciden. Con el ademán escrupulosode los naturalistas, Petrei puedealcanzar el salero de un animal, perono su vitalidad. La nebulosainterpretación de los animales produceuna serie variable de creaturasimprobables, que pertenece al génerode los caprichos anatómicos. Si elnombre de Dios fue creador en cuantoera un lenguaje que llamaba seres lascosas que nombraba, el artista imitael proceso creativo de la lengua divina.Pero ya en la época del paraíso de lalengua, el nombrar a Adán, quedescendía directamente de Dios, sibien fuese sumamente nominativo, yano era creativo.

de Malinchonia ludensde Gianni Garrera

MINOTAURIA ATTEMSI, 2010Penna su carta / Pluma en papel70x100 cm

Courtesy dell’artista / Courtesy del Artista

Paride PetreiABRUZZO

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solo rose per te

Le immagini di solo rose per te sonopiccole variazioni simboliche pensatein forma di collage digitali per lamostra Venti per Una. Le parolesovrapposte ai corpi e alle rosediventano carne linguistica, idesideri sono trascritti comericostruzione visiva di un femminileframmentato che sfugge a qualsiasidefinizione. Cespi di rose e unmondo coperto di spine, mentrel’inchiostro si amalgama alla pelle erose di carta sono sottratte allacorruzione del tempo: questi glielementi di un dialogo fatto di piccoligesti e il corpo la soglia privilegiatadel riscatto, il limite valicabile dellalibertà individuale. La video-performance solo rose per te ècomposta in due tempi simmetrici:nel primo l’artista spoglia i ramidalle spine per accarezzarsi il volto,mentre nel secondo incolla le rose dicarta sul corpo delle detenute e dialcune agenti della poliziapenitenziaria della casa circondarialedi Bari. I fiori sono un elementoimportante per chi vive recluso, inun penitenziario la natura è assente:le rose di carta evocano ilsuperamento del limite.

solo rose per te

Las imágenes de solo rose per teson pequeñas variaciones simbólicaspensadas en forma de collagedigitales para la exposición Venti peruna. Las palabras superpuestas a loscuerpos y a las rosas se conviertenen carne lingüística, los deseos sontranscritos como una reconstrucciónvisual de un cuerpo femeninofragmentado que huye de cualquierdefinición. Ramos de rosas y unmundo cubierto de espinas, mientrasque la tinta se amalgama a la piel yrosas de papel se sustraen al pasodel tiempo: estos son los elementosde un diálogo que consiste enpequeños gestos y el cuerpo en elumbral privilegiado del rescate, ellímite que se puede atravesar de lalibertad individual. La vídeo-performance solo rose per te constade dos tiempos simétricos: en elprimero la artista despoja las ramasde las espinas para acariciarse elrostro, mientras que en el segundopega las rosas al cuerpo de lasmujeres presas y de algunas policíaspenitenciarias de la cárcel de Bari.Las flores son un elementoimportante para quien vive presadentro de una cárcel. En la cárcel nohay naturaleza: las rosas de papelrepresentan el rebasar el límite.

SOLO ROSE PER TE, 2012Stampe fotografiche / Impresionesfotográficas7 stampe 75x100cm / 7 impresiones75x100cm

Courtesy dell’artista / Courtesy de la Artista

Agnese PurgatorioPUGLIA

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Cafhage

Cafhage é una rivelazione, un viaggioimmaginario, un’esplorazionementale dove i soggettirappresentati assumono aspettiulteriori. Luoghi apparentementedistanti ri-scoperti attraverso unvideo e alcune fotografie, dovel’esperienza si cela nell’evocazionestessa, quasi a sfidare ladimensione effimera delle nostreconvinzioni.Il viaggio interpretato comeracconto vuole svelare visionidifferenti attraverso lospaesamento, accostando elementilontani, decontestualizzandoli, perpoi ricomporli all’interno dello spazioespositivo secondo una personalenarrazione.“Una dimensione straniante di unviaggio che non passa per nessunitinerario anche se mette insieme deiluoghi precisi” (Ivan Bargna, ChristianTripodina, Orchard Season III).Una fuga dalla percezione quotidianaabbandonando le proprie convinzioni,cercando di ricreare momentiparalleli dove l’immaginazioneprevarrà sulla conoscenza.Il video Cafhage diventa cosìmateriale documentaristico di unviaggio inventato, in cui i costumirappresentati nelle fotografieimmaginano un presuntoesploratore dal viso coperto,rivelando l’inutilità degli occhi davantiad una epifania per la mente.

Cafhage

Cafhage es una revelación, un viajeimaginario, una exploración mentaldonde los sujetos representadosasumen otros aspectos. Lugaresaparentemente distantes re-descubiertos a través de un vídeo yde algunas fotografías, en los cualesla experiencia se oculta en laevocación misma, como si quisieradesafiar la dimensión efímera denuestras convicciones.El viaje interpretado como relatoquiere desvelar visiones diferentes através de la desorientación,acercando elementos lejanos,descontextualizándolos, para volvera componerlos dentro del espacioexpositivo siguiendo una narraciónpersonal.“Una dimensión alejada de un viajeque no pasa por ningún itinerarioaunque junte lugares definidos” (IvanBargna, Christian Tripodina,Orchard Season III).Una huida de la percepción cotidianaabandonando las propiasconvicciones, tratando de recrearmomentos paralelos donde laimaginación prevalece sobre elconocimiento.El vídeo Cafhage se convierte enmaterial documentarístico de unviaje inventado, en el cual los trajesrepresentados en las fotografíasimaginan un supuesto exploradorcon el rostro tapado, revelando lainutilidad de los ojos delante de unaepifanía para la mente.

CAFHAGE, 2011Film Super 8mm / Vídeo Super 8mm 5’

Courtesy dell’artista e CHAN ContemporaryArt Genova / Courtesy del Artista y CHANContemporary Art Genova

Christian TripodinaLIGURIA

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Didemnum Molle

“…zingerle ha avuto modo di salireun’altra volta di gradum, riprendendoin considerazione la matrice dellaforma attraverso a quel materialeprezioso e fragile, sontuoso eversatile che è il vetro: e ne haottenuto una ricchezza di possibilitàespressive e di effetti cromatici cheha pochi precedenti nell’artecontemporanea e che riporta aipossenti ma leggerissimi totem diAntony Cragg. Però, a differenzadello scultore inglese…Wolfgangzingerle è intimamente interessatoal colore, a quell’illimitata ricchezzadi passaggi e di sfumature che soloil vetro rende possibile e che nonsono super-imposte alla materia mascaturiscono dal suo stesso corpo,dalla sua consistenza trasparente. Le grandi costruzioni verticaliprodotte nel laboratorio muranese,striate, puntinate, abitate dall’aria,accese da venature vinaccia, fucsia,blu cobalto, sembrano l’ultimo,imprevisto e virtuoso frutto delleleggi biologiche che regolano lacrescita spontanea di organisminaturali ancora sconosciuti. Hannoun tronco, senza essere vegetali,delle pinne, senza essere pesci, edelle ali, senza essere uccelli. Il colore, nel vetro, non è sopra ma“dentro” l’impasto, è parteintegrante della forma e dellamateria: questa peculiarecaratteristica ha permesso azingerle di superare la tirannia dellasuperficie, risorsa ma ancheimpasse, che ha caratterizzato lasua ricerca plastica fino a quelmomento.“ (M.C.)

Didemnum Molle

“…zingerle ha tenido la oportunidadde dar un paso adelante, volviendo aconsiderar la matriz de la forma através de aquel material precioso yfrágil, suntuoso y versátil que es elvidrio, obteniendo un sinfín deoportunidades expresivas y efectoscromáticos que tiene pocosprecedentes en el artecontemporáneo y que recuerda losimpresionantes y a la vez etéreostótems de Antony Cragg. Pero, adiferencia del escultor británico, …Wolfgang zingerle está íntimamenteinteresado en el color, en aquellailimitada riqueza de pasajes y maticesque sólo el vidrio permite y que no sesuper-imponen a la materia, sino quebrotan de su mismo cuerpo, de suconsistencia transparente. Lasgrandes instalaciones verticalesrealizadas en el laboratorio deMurano, estriadas, punteadas,habitadas por el aire, inflamadas porvetas de color burdeos, fucsia, azulcobalto, parecen el último, imprevistoy virtuoso fruto de las leyes biológicasque regulan el crecimientoespontáneo de organismos naturalesdesconocidos todavía. Poseen untronco, sin ser vegetales, aletas, sinser peces y alas, sin ser pájaros. El color, en el vidrio no está encimasino “dentro” del empaste, es parteintegrante de la forma y de la materia:esta característica peculiar hapermitido a zingerle rebasar loslímites de la superficie, un recurso,pero al mismo tiempo, un impasse,que ha hasta caracterizado suinvestigación plástica aquelmomento.“ (M.C.)

DIDEMNUM MOLLE, 2011Vetro di Murano / Vidrio de Murano79x22x15 cm

Courtesy dell’Artista / Courtesy del Artista

Wolfgang ZingerleTRENTINO ALTO ADIGE

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Biografie artisti

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Alis/FilliolDavide Gennarino nato a Pinerolo (TO) nel 1979 /Nacido en Pinerolo (TO) en 1079Andrea Respino nato a Mondovì (CN) nel 1976 /Nacido en Mondovì (CN) en 1976Vivono e lavorano a Torino / Viven y trabajan en Turín

Matteo AttruiaNato a Sacile (PN) nel 1973; vive e lavora ovunque /Nacido en Sacile (PN) en 1973; vive y trabaja portodas partes

/barbaragurrieri/groupBarbara Gurrieri nata a Vittoria (RG) nel 1978 /Nacida en Vittoria (RG) en 1978. Emanuele Tumminelli nato a Vittoria (RG) nel 1977 /Nacido en Vittoria (RG) en 1977.Vivono e lavorano a Vittoria (RG) / Viven y trabajan evVittoria (RG)

Eleonora Beddini e Andrea NeviEleonora Beddini nata a Foligno (PG) nel 1983; vive elavora a Bologna / Nacida en Foligno (PG) en 1983;vive y trabaja en BolognaAndrea Nevi nato a Foligno (PG) nel 1985; vive elavora a Firenze / Nacido en Foligno (PG) en 1985;vive y trabaja en Florencia

Caludio BeorchiaNato a Vercelli nel 1979; vive e lavora a Refrontolo(TV) / Nacido en Vercelli en 1979; vive y trabaja enRefrontolo (TV)

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Biografie artisti

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Marco BernardiNato a Roma nel 1969; vive e lavora tra Roma eVenezia / Nacido en Roma en 1969; vive y trabajaentre Roma y Venecia

Danilo CorrealeNato a Napoli nel 1982; vive e lavora tra Napoli edAnversa / Nacido en Nápoles en 1982; vive y trabajaentre Nápoles en Amberes

Valentina FerrandesNata a Policoro (MT) nel 1982; vive e lavora traLondra e Berlino / Nacida en Policoro (MT) en 1982;vive y trabaja entre Londres y Berlín

Dario GhibaudoNato a Cuneo nel 1951; vive e lavora a Milano /Nacido en Cuneo en 1951; vive y trabaja en Milán

Nazzareno GuglielmiNato a Fabriano (AN) nel 1957; vive e lavora traMilano, Cantia e la Toscana / Nacido en Fabriano en1957; vive y trabaja entre Milán, Cantia y la regiónToscana

Claudia LosiNata a Piacenza nel 1971; vive e lavora a Piacenza /Nacida en Piacenza en 1971; vive y trabaja enPiacenza

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Pietro ManciniNato a Tropea (VV) nel 1968, vive e lavora a Pomezia(Roma) / Nacido en Tropea (VV) en 1968, vive ytrabaja en Pomezia (Roma)

Mariella ManconiNata a Sassari nel 1982; vive e lavora a Nulvi (SS) /Nacida en Sassari en 1982; vive y trabaja en Nulvi(SS)

Chicco MargaroliNata ad Aosta nel 1962; vive e lavora ad Aosta /Nacida en Aosta en 1962; vive y trabaja en Aosta

Franco MenicagliNato a Campiglia Marittima (LI) nel 1968; vive elavora tra Prato e Donoratico (LI) / Nacido enCampiglia Marittima (LI) en 1968; vive y trabaja entrePrato y Donoratico (LI)

Andrea NicodemoNato a Termoli (CB) nel 1976; vive e lavora a Roma /Nacido en Termoli (CB) en 1976; vive y trabaja enRoma

Paride PetreiNato a Pescara nel 1978; vive e lavora a Pescara /Nacido en Pescara en 1978; vive y trabaja enPescara

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Agnese PurgatorioNata a Bari nel 1964; vive e lavora tra Belgrado eBeirut / Nacida en Bari en 1964; vive y trabaja entreBelgrado y Beirut

Christian TripodinaNato a Genova nel 1981; vive e lavora tra Genova eBerlino / Nacido en Génova en 1981; vive y trabajaentre Génova and Berlín

Wolfgang ZingerleNato a Brunico (BZ) nel 1969; vive e lavora a Perca(BZ) / Nacido en Brunico (BZ); vive y trabaja en Perca(BZ)

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FINITO DI STAMPARE NEL MESE DI SETTEMBRE 2012COPIA OMAGGIO DEL MINISTERO DEGLI AFFARI ESTERI

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