HISTORIA DE LA MUSICA IANTIGUEDAD, EDAD MEDIA Y RENACIMIENTO

Notas compendiadas de la College Outline Series No.55, History of Music

By Hugh M. Miller Barnes and Noble Inc. 1955

(Traducción-adaptación de Sara C. Neuman)

CONTENIDO

PARTE I - L A MUSICA MONODICA HASTA APROXIMADAMENTE 1300

I DESDE LA ANTIGUEDAD HASTA APROXIMADAMENTE 1300Conocimiento limitado de la música Antigua. La música en las civilizaciones antiguas.

II LA ERA CRISTIANALa monodia sagrada: El canto llano (o gregoriano).

La monodia profana.

PARTE II – EL PERIODO POLIFONICO (800 A 1600)

III POLIFONIA TEMPRANA

IV ARS ANTIQUA

V ARS NOVA

VI LAS ESCUELAS NEERLANDESASBorgoña y Flandes. Formas musicales en el Siglo XV. Manuscritos.

VII EL SIGLO XVIConsideraciones generales. La polifonía sagrada de la Iglesia Católica. Música de la Reforma. Polifonía profana.

VIII LA MUSICA INSTRUMENTAL HASTA 1600Consideraciones generales. Formas instrumentales. Clases instrumentales: estilos, formas, escuelas, compositores.

IX LA NOTACION MUSICAL HASTA 1600Notación neumática, mensural.

PARTE I - L A MUSICA MONODICA HASTA APROXIMADAMENTE 1300

I DESDE LA ANTIGUEDAD HASTA APROXIMADAMENTE 1300Mientras más atrás se va en el tiempo más dificil es determinar cómo sonaba la música. A esto se agrega el hecho de que es poco lo que se ha podido encontrar como material de referencia. Los esfuerzos de los investigadores han logrado acercamientos al decodificar los signos que acompañan los textos musicales antiguos y así hacernos a una idea de cómo era la música en tiempos remotos.

El estudio de los sistemas musicales en las antiguas civilizaciones (India, la China, etc.), en las tribus primitivas de hoy, la reconstrucción de los sistemas deducidos a partir de pinturas, dibujos y algunos instrumentos, y los pocos fragmentos de antigua notación musical encontrados han arrojado cierta luz al respecto.

Acerca del origen y antiguo uso de la música se piensa que se empleó inicialmente como un medio de comunicación a partir de gritos y tambores y que se la asoció con ritmos para el trabajo y expresión de sentimientos. Cuando la música empezó a diferenciarse de otras faenas diarias, se la relacionó principalmente con rituales religiosos, ceremonias y festivales, usos presentes hasta el dia de hoy.

La influencia de las antiguas civilizaciones también ha llegado hasta nuestros días. La música china, por ejemplo, empleaba la escala pentatónica, como también lo hicieron nuestros indios precolombinos; a Egipto se le atribuye la creación de instrumentos pertenecientes a la familia del arpa y la lira y su influencia en la teoría de la música griega. En cuanto a los hebreos, se sabe por las Escrituras que cantaban al unísono y empleaban ornamentos musicales. Conocian el canto antifonal y usaban instrumentos. Su importancia radica en la influencia que tuvo en la música de la liturgia cristiana de los primeros siglos D.C.Si la música hebrea influyó en el desarrollo de la música cristiana, la música griega fue decisiva en otros aspectos:

(1)la teoría griega tuvo una influencia directa en la teoría de la Edad Media. p.ej. los términos “consonancia perfecta”, para referirse a los intervalos de cuartas, quintas y octavas y “consonancia imperfecta”, para las terceras y sextas, vienen del griego y aún se usan;

(2)el renacimiento de la tragedia griega a fines del S.

XVI dio origen a la ópera; (3)la doctrina del “ethos”, según la cual la música

tiene un efecto directo en el alma, se ha manifestado de varias maneras a lo largo de la historia de la música.

LOS CULTOS GRIEGOS: Los más importantes fueron: (1) el culto a Apolo, que representaba la claridad de la forma y la pureza y objetividad en la expresión; en estas celebraciones se empleaban la cítara y otros instrumentos de cuerda; y (2) el culto a Dionisio, caracterizado por el éxtasis, la pasión, la sensualidad y la subjetividad en la expresión; en sus ritos se empleaba el aulos, lo mismo que otros instrumentos de viento. Ambos conceptos tuvieron su papel en el desarrollo de la música occidental y encontraron sus paralelos en la música clásica y la romántica de los siglos XVIII y XIX, respectivamente.

LA TEORIA MUSICAL GRIEGA: Se basaba en gran parte en la matemática acústica de Pitágoras y un complicado sistema de escalas a las que daban el nombre de “modos”, formados a partir de tetracordios adyacentes que podían ser conjuntos (donde la nota más baja de un tetracordio se convertía en la más alta del siguiente tetracordio inmediatamente inferior); o disjuntos (donde la nota más baja del primer tetracordio se encontraba al lado de la nota más alta del siguiente tetracordio inmediatamente inferior). Estos tetracordios podían ser diatónicos, cromáticos o enarmónicos.

LA NOTACION era de dos clases: (1) instrumental, con signos tomados probablemente del alfabeto fenicio; y (2) vocal donde los símbolos, tomados del alfabeto jónico, se colocaban encima de las palabras del texto. En cuanto a los RITMOS, estaban directamente asociados con la poesía. La DOCTRINA DEL ETHOS, que ya mencionamos, fue propuesta por los peripatéticos y los estoicos, siendo factores determinantes el ritmo, la tonalidad (o modo) y el instrumento empleado.

Recordemos también que la música no existía individualmente para los griegos, sino que era parte inseparable de la poesía y el drama. En cuanto a los romanos, su música no pasó de ser una imitación de la griega, aunque es posible que ellos marcaran la diferencia entre música y poesia. Construyeron instrumentos de metal, que empleron más bien para propósitos militares.

II LA ERA CRISTIANA abarca un período que va de ca. 200 a ca. 1600 D.C. Los términos MONODIA SAGRADA, CANTO LLANO O GREGORIANO se emplean casi siempre indistintamente, si bien cuando hablamos del “gregoriano” nos referimos particularmente a la música de la liturgia católica y se caracteriza porque:

(1)es monódica; (2)es modal, basada en los modos de la iglesia derivados

de los griegos; (3)no es acompañada; (4)no tiene métrica; (5)emplea ritmos prosódicos libres; (6)emplea intervalos pequeños y su rango es limitado; (7)se canta en latín; (8)utiliza especialmente la notación neumática.

Los MODOS ECLESIASTICOS eran de dos clases: “auténticos”, con un “ámbito” o rango melódico de más o menos una octava; empleaba los mismos nombres griegos; y “plagales”, con un rango melódico de aproximadamente una cuarta o quinta por debajo de la nota final, agregando el prefijo “hipo” a los modos griegos. Sus nombres son: dórico (de D a D con nota final D), hipodórico (A a A con nota final D); frigio (E a E, nota final E), hipofrigio (B a B con notal final E); lidio (F a F, final F), hipolidio (C a C, final F); mixolidio (G a G, final G) e hipomixolidio (D a D, final G). La iglesia posteriormente acotó estos: eolio, hipoeolio, jónico e hipojónico, raramente usados.

El TEXTO podía expresarse de manera:(1)silábica, con una nota por sílaba, empleada comúnmente

para los himnos y tropos; (2)neumática, con algunas notas por sílaba, que es la

forma más común; (3)salmódica, con muchas sílabas por notas, empleada en

la lectura de los salmos y evangelios; y (4)melismática, con muchas notas por sílaba,

especialmente para los aleluyas.

La monodia sagrada de culturas anteriores a la cristiana influyó mucho en ésta. Las principales fueron la SIRIA, con sus cantos antifonales (coros alternados) y responsoriales (solista y coro alternados); la BIZANTINA, que contribuyó a la escritura de los himnos y se mantuvo en la Iglesia Ortodoxa; la ARMENIA, que empleó primero una notación alfabética y luego neumática. Sus cánticos eran al

estilo de himnos; y la HEBREA, la más importante, porque los cánticos de la iglesia cristiana fueron tomados directamente de los hebreos.

Los cánticos cristianos tienen varias ramas: el RUSO, el AMBROSIANO, el GALICO, el MOZARABICO y el GREGORIANO, este último el más importante de todos. Comienza con la organización litúrgica llevada a cabo por el papa Gregorio El Grande, en el Siglo VI.

La LITURGIA CATOLICA que se emplea en la Misa y en otros servicios menores se conoce bajo el titulo de Horas Canónicas. La Misa la componen dos tipos de liturgia: el ORDINARIO, que comprende el Kyrie, el Gloria, el Credo, el Sanctus-Benedictus y el Agnus Dei; sus textos no varían; y el PROPIO, que comprende el Introitus, el Graudale, el Alleluia, el Offertorium y el Communio, cuyos textos varían según la época del año. El Ordinario se desarrolló despues del Propio, el cual se estandarizó hacia el Siglo VII.

TROPOS Y SECUENCIAS. Entre los Siglos IX y XII se interpolaron melodías y textos (en estilo silábico) a una melodía gregoriana ya existente, que se llamaron TROPOS. La SECUENCIA es una clase especial de tropo, surgida de la adición de textos al “jubilus” melismático que se canta al final del Alleluia. Con el tiempo las secuencias se independizaron de la melodía gregoriana original.

LA MONODIA PROFANA no tuvo la divulgación sistemática que tuvo el canto llano en manos de la Iglesia. Por ello, aunque muy extensa, no se preservó. Lo poco que se tiene data aproximadamente del Siglo XII. Se diferencia de la monodia sagrada prácticamente en todo:

(1)generalmente es rítmica; (2)emplea un rango mayor; (3)las frases son más regulares; (4)no es necesariamente modal; (5)es nacionalista, en comparación al carácter universal

del gregoriano; (6)es más armónica y puede acompañarse instrumentalmente;(7)se canta en la lengua vernácula. Este último aspecto,

con excepción de la música de los GOLIARDOS, estudiantes vagabundos y miembros de las ordenes eclesiásticas menores que componían y cantaban canciones en latín al amor, la sensualidad, las estaciones, o hacian parodias de los textos liturgicos empleando casi siempre un lenguaje procaz.

Los JUGLARES eran entretenedores ambulantes, más que poetas o compositores, lo que no excluía esta posibilidad. En su calidad de intérpretes mantuvieron viva gran parte de las melodías profanas. La monodia profana más importante proviene de los TROVADORES. Eran personas de rango y surgieron al sur de Francia desde finales del Siglo XI hasta finales del XIII. Algunos nombres importantes son: Guillermo de Aquitania y de Poitiers, Marcabrú de Gascuña, Bernart de Ventadorn, Rimbaut de Vaqueiras, Guiraut de Riquier. Al norte de Francia se los conoció con el nombre de TROVEROS; algunos de ellos fueron Blondel de Nesle, Thibaut IV (Rey de Navarra) y Adam de la Halle, conocido por su “Drama de Robin y Marion”. Otros nobles trovadores fueron Ricardo Corazón de León, el mencionado Guillermo de Poitiers (nieto de Leonor de Aquitania) y Alfonso X El Sabio, de España. En Alemania el equivalente a estos músicos fueron los MINNESINGER, quienes cantaban principalmente al amor caballeresco. Algunos de sus representantes más importantes fueron Walther von der Vogelweide, Neihart von Reuenthal y Heinrich von Muglin.

El movimiento trovadoresco surgió y murió con las Cruzadas (Siglox XI a XIII). Sin embargo, en Alemania fue reemplazado por otro tipo de músicos: los MEISTERSINGER quienes, a diferencia de sus aristocráticos antecesores, provenían de la surgiente clase burguesa; eran principalmente artesanos y constituyeron el primer gremio de compositores de que se tiene noticia. Con el tiempo crearon un código complicadísimo para los aspirantes a ser aceptados, sacrificando a menudo la músicalidad en aras de un tecnicismo inútil. Se distinguieron entre ellos Heinrich von Meissen, Michel Behaim, Hans Folz y, sobre todo, Hans Sachs, zapatero de Nürnberg, inmortalizado por Richard Wagner en su ópera “Los Maestros Cantores”.

CARACTERISTICAS DEL ESTILO TROVADORESCO: (1)El rango melódico es generalmente de una octava; (2)aunque se emplean los modos eclesiásticos, la

tendencia es a emplear los modos mayor y menor; (3)los ritmos se basan en los ritmos poéticos griegos.

Los principales son:

Trochaeus o o Dactylus o o o Spondeuso o

Iambus o o Anapaest o o o Tribrachyso o o

(4) Una característica importante de la música trovadoresca es la variedad de formas que empleaban. Parece que improvisaban acompañamientos con la VIELLE o la LIRA .

Según su CONTENIDO las canciones recibían el nombre de: (1)“chanson” o canción amatoria; (2)“sirventes”, poema satírico sobre temas políticos,

moralidad, etc.; (3)“planch”, lamento por la muerte de un gran personaje; (4)“pastourelle”, que canta el amor de un caballero a una

campesina; (5)“chanson de geste”, crónica épica de las hazañas de un

héroe; (6)“chanson de toile”, forma menor de la anterior sobre

personajes no heroicos, p.ej. la desdicha de la hija de un rey;

(7)“aube”, en la que el amanecer separa a los amantes; (8)“jeu parti”, diálogos o disputas entre dos o tres

personas. Y otras más

Según su FORMA, muy variada, podían reconocerse cuatro clases principales:

(1) La LETANIA, donde cada verso se canta sobre la misma melodía. Sus variaciones son: la “canción de gesta”, el “laisse estrófico” el “rotrouenge” y la “chanson con refrán;

(2) El RONDEL, forma de canción con estribillo y sus variaciones, la balada, el virelai y el rondó;

(3) La SECUENCIA, similar a la sacra, con versículos dobles, donde cada dos versos tienen la misma rima y la misma melodía, con semi-conclusión y conclusión definitiva; los pares de versos son de medida desigual. Sus variaciones son el “lai”, el “lai reforzado”, el “lai estrófico”, el “descort” y la “estampie” o estampida, esta última una danza instrumental. La famosa estampida “Kalenda Maya” seguramente fue ejecutada originalmente por dos vielistas que se alternaban y sólo más tarde se le aplicó el texto. En contra del antiguo principio de la secuencia, su primera línea se repite, pero solo tiene conclusión definitiva;

(4) El HIMNO, que se remonta al himno ambrosiano con “iambos” en cuatro versos y melodías, cuyas variaciones reciben los nombres de “vers”, “chanson” y “chanson circular”.

En Inglaterra la música existente no es muy abundante pero se sabe que hacia el Siglo XV estaba muy desarrollada. Hubo dos clases de cantores: los “Scops”, residentes, y los “Gleemen”, viajantes. Parece que recitaban largos poemas con acompañamiento. A St. Godric (S. XII), hermitaño del norte de Inglaterra, se le atribuyen numerosas canciones.

PARTE II – EL PERIODO POLIFONICO (800 A 1600)

III POLIFONIA TEMPRANALa innovación más significativa en toda la historia de la música es el advenimiento de la polifonía en el Siglo IX. Su concepto –más de una línea musical simultánea – domina el desarrollo artístico de toda la música occidental. Sus principios tienen lugar hacia el final del período Carolingio.

ORGANUM: es la primera forma de polifonía y aparece hacia el Siglo IX con la práctica del canto llano en una melodía a dos partes, separadas una cuarta o una quinta de manera paralela sin independencia melódica o rítmica. Es muy posible que se haya dado primero en la música profana, o como consecuencia de la práctica de cantar en octavas aparte, o que surgiera de imitar esta práctica ya empleada en el órgano. Se reconocen las siguientes clases:

(1) el ORGANUM ESTRICTO SIMPLE, como se definió más arriba. A la melodía original del canto llano se la denomina VOX PRINCIPALIS y a la que se canta simultáneamente por debajo, VOX ORGANALIS;

(2) el ORGANUM COMPUESTO, con más de dos voces, donde la vox principalis es doblada una octava abajo o la organalis una octava arriba. Continúa el movimiento paralelo;

(3) el ORGANUM LIBRE, donde la independencia melódica se manifiesta en las dos voces que parten de la misma nota; entonces la vox organalis permanece estacionaria mientras la principalis se mueve melódicamente; una vez se alcanza el intervalo de cuarta o quinta las voces se mueven paralelamente hasta el final de la melodía, (OCCURSUS), cuando alcanzan y siguen nuevamente en unísosono. Esta era la forma preferida por Guido d’Arezzo (Siglo XI); por entonces ya no se aceptaba la moción paralela de quintas. Esta práctica dio origen a la independencia melódica. El paso siguiente se dirigio a la independencia rítmica, ganada en el

(4) ORGANUM PURUM, también conocido como ESTILO DE TONO

SOSTENIDO, donde cada tono de la melodía del canto llano es sostenida (de ahí viene el término “tenor”), mientras el contrapunto agregado se mueve libremente en estilo melismático. Es posible que la parte del tenor fuera interpretada por un instrumento. Finalmente,

(5) el GIMEL (o “canto gemelo”), que consistía en cantar una melodía en terceras. Esta práctica no parece haber tenido conexión con los desarrollos eclesiásticos en el organum y es posible que fuera anterior a éste. Se cree que es de origen galés o inglés. El tratado más importante donde se describe el organum detalladamente es de autor anónimo y se denomina MUSICA ENCHIRIADIS. Data del Siglo IX o antes. Otros manuscritos de la época son el DE HARMONICA INSTITUTIONE, por Hucbald, y el WINCHESTER TROPER.

IV ARS ANTIQUASe conoce con este nombre la música de los Siglos XII y XIII. Fue la época de los trovadores, de las últimas cruzadas y de la construcción de las grandes catedrales. Surgieron las escuelas polifónicas, inicialmente en la catedral de San Marcial, (en Limoges, Francia), Chartres (en el Siglo XII) y Notre Dame de Paris, a fines del Siglo XII y principios del XIII.

CARACTERISTICAS GENERALES DE LA MUSICA DEL ARS ANTIQUA: (1)Se alcanza total independencia melódica y rítmica; (2)todos los intervalos se emplean en varias

combinaciones; las octavas, unísonos y quintas predominan como consonancias perfectas y las terceras y sextas se emplean con más libertad, en tanto que las segundas, séptimas, novenas y cuartas se consideran disonancias;

(3)los choques agudos y disonantes de las partes caracterizan la armonía del período;

(4)se usa casi exclusivamente el tiempo triple (“tempus perfectum”);

(5)monotonía rítmica por el rígido empleo de los modos rítmicos;

(6)prevalece la polifonía a tres voces, aunque se sigue usando a dos partes y se comienza a usar a cuatro;

(7)aparece un recurso denominado “hoquetus”, consistente en varias interrupciones en la línea melódica de una parte, alternando con interrupciones similares en otra parte.

FORMAS: Se emplean varios estilos de organum libre, especialmente el estilo sostenido, y se crean otras nuevas:

(1) La CLAUSULA donde, a diferencia del organum, que empleaba un canto llano completo como base del “cantus firmus”, se propone un corto melisma del canto llano en el tenor del cantus firmus. A esto se agregan dos partes contrapuntísticas que se mueven más rápidamente, cantadas sin texto o interpretadas por un instrumento. En los manuscritos aparecen una palabra o dos, a veces una sílaba, para indicar la melodía de donde se tomó prestada la voz del tenor.

(2) el CONDUCTUS POLIFONICO, donde la melodía del tenor es compuesta independientemente del canto llano. Todas las partes se mueven con un ritmo más o menos uniforme utilizando el mismo texto;

(3) el MOTETE DE PARIS, la forma más importante de todo el período; se lo llama así, “motete de Paris” o “motete del Siglo XIII” para distinguirlo del motete renacentista. La parte baja, el tenor, es una melodía del canto llano en uno de los modos rítmicos, generalmente el lento “spondeus”; por encima se mueven dos voces con ritmos distintos y más rapidos, cada voz con un texto diferente en latín. Hacia fines del Siglo XIII se emplearon textos profanos en francés. La parte del tenor podía ser ejecutada por un instrumento. Los choques armónicos entre las voces son una característica de este motete del Siglo XIII; finalmente

(4) el RONDEL, forma menos importante que el motete donde se intercambian diferentes motivos melódicos o frases entre dos o más voces (una voz puede cantar a-b-c mientras otra hace c-a-b y otra más b-c-a). Su importancia radica en haber abierto el camino a ciertos medios contrapuntísticos como la imitación y el canon.

Los nombres más destacados son los de Leonin, probablemente el primer compositor importante en la historia de la música, conectado con la Escuela de Notre Dame a fines del Siglo XII; y su sucesor, Perotin (fines del S. XII y comienzos del S. XIII). Teóricos distinguidos de esta época fueron Franco de Colonia y Pierre de la Croix. La mayor colección de motetes del Siglo XIII se encuentra en el Código de Montpellier.

V ARS NOVASe conoce con este nombre la música del Siglo XIV para distinguirlo de las antiguas prácticas o Ars Antiqua, como ya vimos. Este siglo se caracterizó por su intensa actividad literaria con los nombres de Petrarca, Dante, Boccaccio y Chaucer. En las artes el pintor más importante fue el florentino Giotto. La Iglesia tuvo que enfrentarse a serios disturbios, un doble papado (Avignon y Roma) entre 1378 y 1418. Europa se vio igualmente afectada por la Guerra de los Cien años entre Francia e Inglaterra (1337-1453) y la Gran Plaga (o Muerte Negra) en 1349. Durante este período Italia compartió el liderazgo musical con Francia.

La música del Ars Nova se caracteriza por: (1)predominio de la música profana, tal vez debido a los

problemas intestinos de la Iglesia; (2)aparición de nuevas formas polifónicas; (3)frecuente empleo de la imitación y el canon; (4)mayor libertad rítmica con predominio del “tempus

imperfectum” (doble) sobre el “perfectum” (triple) y desaparición de los patrones de ritmos cortos y monótonos del Ars Antiqua;

(5)predominio de la polifonía a dos partes, especialmente en Italia, en tanto que en Francia e Inglaterra se prefiere a tres y cuatro partes;

(6)el estilo melódico es más florido, también particularmente en Italia;

(7)el estilo armónico se caracteriza por un mayor empleo de terceras y un tratamiento atrevido de las disonancias, con poco paralelismo.

Nombres importantes: Philippe de Vitry (ca. 1290-1361), teórico y compositor francés, autor del tratado que tituló Ars Nova (y que le dio nombre al nuevo movimiento), enfocado principalmente a la expansión del sistema de notación. Aquí aparece por primera vez la prohibición de quintas paralelas. El compositor más importante de la época es Guillaume de Machaut (ca. 1300 –1377). Mencionemos también al compositor italiano Francesco Landini (ca.1325-1397), organista ciego que le dio su nombre a un tipo de cadencia (síncopas y salto de tercera B-D), muy empleado en la época.

FORMAS del Ars Nova francés: en su mayoría son una continuación de las empleadas a lo largo de la Edad Media:

(1) el MOTETE ISORRITMICO, la forma litúrgica más

importante del Siglo XIV, desarrollado a partir del motete de Paris. Es una composición polifónica a tres o cuatro partes con base en un cantus firmus en el tenor; pero en lugar de emplear patrones modales cortos como en el motete de Paris, aquí los patrones son más largos, llamados TALEA (“cortes” donde vuelve a comenzar un patrón). También tiene repeticiones de unidades melódicas, llamadas COLOR, que no coinciden con la talea. Esta isorritmia era aplicada más estrictamente al tenor que a las partes superiores;

(2) la BALADA fue seguramente la forma profana más importante, derivada de la forma trovadoresca que lleva el mismo nombre;

(3) otras formas del Ars Nova francés fueron el LAI, el VIRELAI y el RONDO. Machaut fue el primer compositor que escribió una misa completa en forma pollifónica.

FORMAS del Ars Nova italiano: fueron predominantemente profanas. Hay poca música sagrada producida en Italia durante este período. Mencionemos (1) el MADRIGAL, una composición por lo general a dos

partes, la superior más florida, la inferior más lenta, que podían ser interpretadas por un instrumento. Consiste en dos o tres estrofas de tres líneas con la misma melodía y una final de dos líneas llamada “ritornello”;

(2) la CACCIA, canciones de cacería, generalmente a tres partes con dos en canon estricto y la voz del tenor con una melodía libre que podía ser ejecutada por un instrumento. Era una composición larga; finalmente

(3) la BALLATA corresponde al virelai francés, no a la ballade. Está conformada por varias stanzas de seis líneas, cada una precedida y seguida por un refrán. Landini escribió ballatas a dos y tres voces.

VI LAS ESCUELAS NEERLANDESASBorgoña y Flandes. Formas musicales en el Siglo XV. Manuscritos.

En el Siglo XV el liderazgo polifónico paso de Francia e Italia a los Países Bajos, gracias a la actividad de la Escuela de Borgoña en la primera mitad del siglo y la de Flandes en el segundo. Las técnicas empleadas por esta última se extenderían por toda Europa durante el Siglo XVI.

Marco histórico: El Siglo XV representa la transición de la Edad Media al Renacimiento. Es la culminación del período

gótico cuyos albores se remontan al Siglo XII, con la construcción de las grandes catedrales. El feudalismo y el poder de la Iglesia se resquebrajan, como ya se había mencionado y en su lugar se levanta una clase burguesa acomodada, especialmente en las ciudades comerciales. Francia e Inglaterra surgen como poderes nacionales. Para la música es importante la influencia cultural en las cortes de Borgona bajo Felipe el Bueno (1419-1467) y Carlos el Calvo (1467-1477). Su patronazgo de la música, tanto sagrada como profana, le dio un gran ímpetu al divino arte. En la pintura, es el período de Leonardo da Vinci, Van Eyck y Rafael. En 1456 la invención de la imprenta por Guttenberg y la primera publicación de la Biblia abrirá las puertas del conocimiento a todo el que pueda leer y escribir y permitirá un más facil acceso a la música entre los compositores de toda Europa, particularmente en el Siglo XVI.

Existe una marcada diferencia entre la música de la primera mitad del Siglo XV, representada por la Escuela de Borgoña y la de finales de siglo, conocida como Escuela Flamenca, siendo esta última la de mayor importancia, ya que sus técnicas conformarán las bases de la polifonía vocal sagrada en el siglo XVI y que, como ya se dijo, éstas se extendieron por toda Europa.

LA ESCUELA DE BORGOÑA. Se caracteriza porque: (1)prevalece la polifonía a tres voces; (2)el interés melódico y rítmico se concentra en la voz

aguda; (3)el intervalo melódico de tercera se convierte en la

principal característica del estilo melódico; (4)la armonía se caracteriza por tríadas incompletas (sin

terceras) y no se usan las quintas y octavas abiertas en movimiento paralelo;

(5)el paralelismo se da en recursos conocidos como el “fauxbordon” y el “discanto inglés” (progresiones de tríadas en primera inversión de manera que la tercera del acorde es la que suena más bajo, p.ej. en el acorde C-E-G la E se encuentra en el bajo);

(6)la imitación contrapuntística no es común; (7)la cadencia 7-6-1, conocida erróneamente como

“Cadencia de Landini” es muy común; (8)desaparece la politextualidad; (9)el empleo de un “cantus firmus” o “tenor prestado” se

usa menos que antes o después de la primera mitad del Siglo XV.

Compositores destacados: John Dunstable en Inglaterra (ca. 1370-1453); Guillaume Dufay (ca.1400-1474) y Gilles Binchois (ca. 1400-1460) en Francia.

LA ESCUELA DE FLANDES. Se caracteriza porque: (1)prefiere la polifonía a cuatro voces; (2)hay más igualdad entre las partes; (3)se agrega un bajo que le da más profundidad a la

música; (4)se emplean más tríadas completas y la música tiene

mayor sonoridad; (5)se emplea el estilo de acordes en bloque

alternadamente con secciones más independientes rítmicamente, estas últimas por lo general en forma fugada (p.ej. por medio del empleo de contrapunto imitativo);

(6)se revela un dominio de la técnica contrapuntística en este período, lo que no significa que se sacrifique el aspecto artístico. Se emplean recursos como el canon, la imitación, el aumento (del valor del tiempo de cada nota en un tema o melodía), la inversión (voltear el tema bocarriba) y la retrogradación (tema o melodía leídos al revés), como en el “canon de cangrejo”;

(7)se emplea mucho el estilo de dueto, especialmente en los motetes de Josquin, con pasajes de solamente dos partes a la vez;

(8)desaparece el “fauxbordon” y la cadencia 7-6-1, que es reemplazada por una “autentica” (V-I), “plagal” (IV-I) o “modal” de varias clases;

(9)en términos generales Flandes alcanza una belleza expresiva que se conocerá posteriormente con el nombre de “música reservata”, con abundantes cromatismos, enarmonías y disonancias.

La mayoría de los compositores importantes no se quedaron en los Países Bajos, sino que viajaron a establecerse en las cortes de otros países europeos, lo que contribuyó a diseminar su arte. Algunos nombres destacados de finales del Siglo XV son: Jean Ockeghem (fallecido en 1495), Jacob Obrecht (fallecido en 1505), Josquin Desprez (fallecido en 1521), Pierre de la Rue (ca. 1460-1518), Jean Mouton (fallecido en 1522) y Heinrich Isaac (ca. 1450-1517).

Formas musicales en el Siglo XV. Manuscritos. Las formas que dominaron la música religiosa en el Siglo XV fueron de carácter litúrgico; esto es, compuestas para el servicio

católico, siendo las principales la Misa y el motete. Luego de que Machaut compusiera la primera misa polifónica para el Ordinario del servicio (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei), esta costumbre se extendió a lo largo de los siglos XV y XVI. El “cantus firmus” para cada parte de la Misa se tomó de una melodía del canto llano o incluso de una canción profana. La canción popular “L’homme armé” fue una de las más usadas por los compositores, hasta Palestrina. El cantus firmus iba casi siempre en la voz del tenor y con notas de mayor valor que las de las otras voces. El texto naturalmente era en latín.

En cuanto al MOTETE de los siglos XV y XVI, puede definirse como una composición polifónica sobre un texto en latín (generalmente tomado de la Biblia). Se empleaba en el Propio del servicio y para ciertos oficios canonicos, principalmente las Vísperas. Se diferencia de la Misa aún más en que hace más uso de la imitación y menos del cantus firmus.

La música profana iba a la zaga de la religiosa. Era menos convencional, pero también menos sofisticada y erudita. Mucha seguía siendo monódica y se empleaban algunas formas del Siglo XIV, como las baladas, los rondos, los virelais, etc. La CANCION FRANCESA podía ser polifónica u homofónica y tenía un vivaz ritmo de danza. Los maestros flamencos contribuyeron mucho a este tipo de música. En Italia se acumuló una cantidad importante de piezas de carácter folclorico y sin pretensiones, como la “villota”, la “canzonetta” y el “balletto”. Hacia finales del siglo XV y principios del XVI la corte de los Medici en Florencia comenzó a producir canciones de carnaval. Eran sencillas y se cantaban a cuatro partes. Heinrich Isaac escribió muchas de estas piezas. En Alemania surgio el LIED POLIFONICO, canción popular en forma polifónica. Isaac también se destacó en este tipo de composiciones. Algunas de las colecciones importantes son el Old Hall MS inglés, con himnos y composiciones para la Misa; los siete volúmenes del Código de Trento, con piezas de 75 compositores; el Odhecaton, imprimido en 1501 por Petrucci, con composiciones de fines del S. XV, en su mayoria profanas; el Choralis Constantinus, primer ciclo completo de motetes para todo el año litúrgico, de Heinrich Isaacs; y otros más que comprenden música tanto monofónica como polifónica, como el Lochamer, el Munchner y el Glogauer Liederbucher.

VII EL SIGLO XVI Consideraciones generales. La polifonía sagrada de la Iglesia Católica. Música de la Reforma. Polifonía profana.

Marco historico: La política del S. XVI está dominada por Carlos V y Felipe II, del Sacro Imperio Romano. La filosofía predominante es el Humanismo, lejos de la teología medieval y más inclinada hacia los intereses del individuo en este mundo. Este espíritu renacentista se manifiesta más claramente en las artes y la literatura: Da Vinci (fallecido en 1519), Miguel Angel, Durero, Holbein; Maquiavelo en Italia, Rabelais, Montaigne y Ronsard en Francia; Cervantes en España; Shakespeare, Spenser, Bacon y Ben Jonson en Inglaterra. Corpernicus y Galileo, lideran las ciencias, y Lutero domina la esfera religiosa del Siglo XVI con la Reforma Protestante, seguida por la Contrarreforma Católica. Desde el punto de vista musical la Reforma Protestante ejerce la mayor influencia en la música (religiosa) más que ningún otro evento de la época. (Aunque no se tratará en esta síntesis, cabe anotar que el Siglo XV marca la etapa del descubrimiento, conquista y posterior colonización de America).

CARACTERISTICAS GENERALES DE LA MUSICA: (1)la polifonía vocal iniciada en el S. IX alcanza su

maxima perfección en el XVI; (2)la música profana aumenta en importancia; (3)la música religiosa es patrocinada por la iglesia, la

profana por la nobleza;(4)surge un estilo instrumental independiente hacia

finales del S.XVI; (5)prevalece la modalidad tanto en la música religiosa

como la profana pero aparecen signos de cambio en la segunda mitad del siglo;

(6)la impresión de partituras ayuda a diseminar la literatura musical por toda Europa;

(7)Italia le arrebata el liderazgo musical a la escuela flamenca y Francia e Inglaterra también se convierten en importantes centros músicales.

CARACTERISTICAS GENERALES DE LA POLIFONIA SAGRADA DE LA IGLESIA CATOLICA: Existe una uniformidad de estilo, tal vez debido a la influencia de los flamencos, lo que no aplica para la música de la Reforma, como se vera más adelante:

(1)completo dominio del contrapunto, libertad rítmica y

melódica entre las partes vocales y textura hermosa y eufónica;

(2)prevalece el ánimo tranquilo en la música litúrgica renacentista la cual, al no atraer la atención hacia sí misma se convierte en el vehículo ideal para la adoración;

(3)se emplean composiciones de cuatro a ocho y hasta más partes, siendo la más común a cinco partes;

(4)se emplean recursos fugados y acordes en una misma composición;

(5)la tríada completa se convierte en la base de la armonía;

(6)tratamiento estricto de la disonancia en la música polifónica sagrada del Siglo XVI: notas de transición, tonos vecinos, suspensiones y grupos de notas cambiantes;

(7)modalidad diatónica con marcada tendencia a mayor y menor. El cromatismo afectará definitivamente el estilo modal, como se puede apreciar en la obra de Lasso y la Escuela Romana tardía;

(8)desaparecen efectos arcaicos como el paralelismo y las quintas abiertas;

(9)la música litúrgica renacentista probablemente fue compuesta “a capella”, aunque es posible que se emplearan instrumentos para doblar las voces o llevar su propia voz. Sin duda los instrumentos fueron más importantes en el campo de la música profana del Renacimiento.

FORMAS, ESCUELAS Y COMPOSITORES: Misa y motete para la Iglesia Católica; en Italia principalmente se compusieron “laudi spirituali” (canciones religiosas de alabanza) por fuera de la influencia de la Iglesia Católica. Se componían en acordes sencillos y estilo rítmico muy parecido a la música profana y se escribían en italiano más que en latín. La música no litúrgica en otros países tuvo menos importancia. La ESCUELA FLAMENCA preservó las tradiciones del Siglo XV en la persona de Josquin. El compositor más importante del S. XVI es Orlando Lassus (ca. 1510-ca. 1558), quien se disputa con el italiano Palestrina la contribución a la música de la Iglesia Católica. La ESCUELA ROMANA, estando cerca de la silla papal, se distinguió en la tradición “a capella” con la figura del mencionado Giovanni Pierluigi da Palestrina (ca. 1525-1594), cuyo nombre es sinónimo de perfección en la polifonía sagrada vocal. A la música de la ESCUELA ESPAÑOLA contribuyeron las figuras de Cristóbal de Morales

(ca.1500-1553) y Tomas Luis de Victoria (ca. 1540-1611), quienes siguen los principios de la escuela romana, con una agregada cualidad expresiva. Pero el estilo más sobresaliente es quizá el de la ESCUELA VENECIANA, con el aporte de su: (1) “música policoral” para dos o más coros y efectos antifonales al ubicar los coros en diferentes partes de la iglesia; y (2) la magnificencia de su música, en parte consecuencia de lo anterior, de sus atrevidas amonías y ricas texturas. Los compositores más importantes fueron Adrian Willaert (flamenco, fallecido en 1562), Andrea Gabrieli (ca.1510-1586) y su sobrino, Giovanni Gabrieli (1557-1612). En cuanto a la ESCUELA INGLESA, llama la atención la extensa literatura en música católica a pesar de los conflictos religiosos y del surgimiento del Anglicanismo, doctrina que retuvo muchas de las prácticas católicas. El motete se escribió en lengua inglesa y se lo llamó “anthem”. Hacia finales del Siglo XVI apareció el “verse anthem” (himno en verso) con solistas, acompañamiento instrumental y coro, donde solista y coro alternaban por secciones. Principales compositores: Thomas Tallis (ca.1505-1585), William Byrd (1543-1623), el más importante; y Orlando Gibbons (1583-1625), quien escribió solamente para el servicio anglicano. Finalmente, la ESCUELA ALEMANA pasó por una experiencia distinta: la música católica no floreció en el Siglo XVI debido a la Reforma Protestante de Lutero y no hubo una escuela de polifonía sagrada propiamente dicha. Los únicos nombres de importancia son el alemán Jacobus Gallus (1550-1591) y el suizo Ludwig Senfl (ca.1492-ca.1555).

LA MUSICA DE LA REFORMA. Tal vez el peor cataclismo ocurrido en la historia de la iglesia católica fue la Reforma de Martín Lutero (1483-1546) en el Siglo XVI, quien con sus Noventa y Seis Tesis (1517) y ataques políticos y teológicos a la Iglesia (1520) puso en evidencia los profundos conclictos que venía sufriendo la institución desde tiempo atrás. La revuelta protestante se extendió a Suiza con Zwingli y Calvino, aunque estos no tenían la disposición musical del gran reformador. En Francia los hugonotes (calvinistas) desarrollaron una importante escuela de música y en Inglaterra el Anglicanismo defendió algunos adelantos musicales.

Influencia de Lutero en la música: Lutero estaba convencido de la importancia de la música en la religión. Conservó la Misa y el motete del servicio católico y fortaleció la tendencia de sustituir el latín por el alemán en el mismo.

Se invitó a la congregación a participar, una práctica que se habia perdido en la iglesia católica desde las reformas gregorianas a fines del Siglo VI. Surgió un número considerable de canciones religiosas llamadas “corales”, comparables en importancia al mismo canto llano. Estas corales eran cantadas al unísono por la congregación, a cuatro partes por el coro y finalmente ejecutadas por el órgano. El principal colaborador de Lutero en este proceso fue Johann Walter (1496-1570).

La melodía del coral se aparta del canto llano católico en que:

(1)tiene métrica; (2)el ritmo es lento y parejo; (3)la fraseología es más clara y regular; (4)la melodía es mayor o menor, más que modal; (5)su rango limitado, ritmo parejo y progresión melódica

lo hace fácil de cantar; (6)es armonizada (Las corales armonizadas más famosas son

las de Johann Sebastian Bach en el Siglo XVIII); y (7)se canta en alemán.

Las fuentes de las melodías de los corales son principalmente tres:

(1)el canto llano modificado y adaptado a textos en alemán;

(2)melodías tomadas del repertorio profano (p.ej. la canción de Isaac “Innsbruck, ich muss dich lassen” se convierte en “O Welt, ich muss dich lassen”; y el famoso coral “Cabeza ensangrentada” de la Pasión según San Mateo de Bach viene de una canción amorosa que dice “Mis sentimientos están confundidos por causa de una tierna joven”; finalmente, las

(3)melodías originales de los corales fueron compuestas por músicos protestantes; la más famosa sin duda es el “Ein Feste Burg” (Castillo fuerte), de Martín Lutero, convertido en el Himno de la Reforma.

Usos del coral: la importancia del coral se aprecia en el hecho de que se convirtió en la espina dorsal del servicio luterano; no solamente agrupó un enorme numero de melodías para canto congregacional y en el hogar, sino que se empleó como cantus firmus en muchas formas polifónicas:

(1)en el preludio coral para órgano; (2)en los montajes polifónicos vocales; y (3)en los coros de las cantatas sagradas y partes

instrumentales de la cantata como se apreciará más

adelante durante el período barroco.

Música de la Reforma francesa: Aquí el movimiento musical fue más bien modesto. El Salterio Hugonote fue completado en 1561 y su intención probablemente fue para usarla en el hogar más que en la congregación. Algunos de los compositores más importantes fueron Claud Goudimel (ca.1505-1572), Claude Lejeune (1528-ca.1600) y Jacques Mauduit (1557-1627); los salmos fueron versificados por Clement Marot y Theodore Beze. Las melodías semejan la armonización de los corales alemanes y:

(1)son de estilo sencillo; (2)aunque escritas principalmente en acordes en bloque no

excluyen totalmente la polifonía; (3)la melodía principal la lleva la soprano; (4)emplean un ritmo directo, más variado y animado que el

coral alemán; (5)el ritmo y la métrica siguen la acentuación del texto.

La música en la iglesia anglicana está relacionada con la polifonía sagrada, a la que se le debe agregar el “Canto Anglicano” para cantar salmos, cánticos y otros que difieren de la Iglesia Católica porque:

(1)se canta en inglés; (2)su amonía es sencilla, a cuatro partes; y (3)es muy métrica.

Los compositores más importantes: Tallis, Byrd, Morley y Gibbons.

LA MUSICA PROFANA DEL SIGLO XVI tuvo progresos importantes y por primera vez en la historia de la música rivalizó con la polifonía religiosa, pero sus características difieren de ésta en que:

(1)tiende a tener un ritmo más fuerte y vivaz; (2)tiende a la tonalidad mayor, más que al sabor modal; (3)emplea consistentemente textos profanos en lengua

vernácula; (4)se limita a cuatro o cinco voces; y (5)el cantus firmus se emplea con menos frecuencia y

menos estrictamente como base de la polifonía.

La música profana en Italia: El Renacimiento en Italia no solamente produjo una gran literatura, pintura y música sagrada, sino que contribuyó también al desarrollo de la música profana con formas como (1) la FROTTOLA, danza del norte de Italia de comienzos de siglo, de estilo popular. La melodía la lleva la soprano y generalmente es armonizada

en acordes. Las voces bajas probablemente eran interpretadas por instrumentos. Compositores de esta forma fueron Marco Cara y Bartolommeo Tromboncino; la VILLANELLA, relacionada con la anterior; proviene del sur de Italia pero sus textos son más refinados y su música más sofisticada; tiende a lo paródico. Compositores: Adrian Villaert, Baldassare Donati, Giovanni Gastoldi y Luca Marenzio. Todos ellos fueron también compositores de MADRIGALES, los cuales no deben confundirse con los del Ars Nova; se proyecta ademas hasta muy entrado el siglo XVII y se reconocen tres períodos: (1) el PERIODO TEMPRANO (1525-1560), de estilo homofónico con la melodía en la voz más alta, más bien tranquilo, como en la polifonía sagrada. Compositores: Adrian Willaert, Jacques Arcadelt (ca. 1514- ca.1570), Philippe Verdelot (fallecido antes de 1567) y Constanzo Festa (fallecido en 1545); (2) el PERIODO MEDIO (1560-1590) generalmente con melodías a cinco partes y estilo más polifónico; el texto es interrumpido por silencios que le agregan emoción; también emplea descripciones sencillas extramusicales. Representantes de este estilo fueron Lasso, Palesltrina, Andrea Gabrieli, Cyprian de Rore (1516-1565) y Philippe de Monte; y (3) el PERIODO TARDIO, donde se aprecia una transición de la polifonía a la homofonía con uso de voces solistas. Es todavia más expresivo y despliega cierto virtuosismo (facilidad técnica). También hace mucho uso del cromatismo. Los principales representantes son Luca Marenzio, Baldassare Donati, Orazio Vecchi (ca.1550-1605), Don Carlo Gesualdo (ca. 1560-1614), Giovanni Gastoldi y Claudio Monteverdi (1567-1643).

Un antecedente interesante de la ópera del Siglo XVII es la COMEDIA MADRIGAL, forma cuasi-dramática en la que se entrelazan madrigales a manera de diálogo sobre temas pastoriles. Un ejemplo es el AMFIPARNASSO (1594) de Vecchi y el MADRIGAL ESPIRITUAL, de contenido religioso y moral.

La música profana del Renacimiento en Inglaterra brilló bajo el esplendor de la época Isabelina y sus grandes logros en el campo del drama y la poesía. Alcanza su punto máximo poco después del madrigal italia,o. El MADRIGAL INGLES se ve influenciado por el de Italia pero se desarrolla dentro del espiritu del temperamento inglés, mezcla de melancolía y regocijo. Citemos algunas de sus características:

(1)la excelencia del verso inglés, de gran contribución al valor artístico de la música;

(2)está escrito para voces solistas en pequeños grupos; (3)emplea de cuatro a seis voces; (4)utiliza más acordes y es más ritmico que el madrigal

italiano; (5)es característicamente diatónico, en contraste con el

cromatismo italiano;(6) usa el coro “fa-la-la” y otras sílabas sin sentido en

el refrán, práctica tomada tal vez del balletto o la villanella de Italia;

(7)no es raro encontrar cambios en la métrica (p.ej. 3/4 y 4/4 en la misma composición).

Compositores: William Byrd, Thomas Morley (ca.1557-1603), John Wilbye (ca.1574-1638), Thomas Weelkes (ca.1575-1623), John Ward (fallecido hacia 1640), Orlando Gibbons (1583-1625) y otros más. La colección más importante de madrigales ingleses se titula “Triunfos de Oriana” (1603), dedicada a la reina Isabel I y compuesta por los principales madrigalistas de la época. Cada uno concluye con la linea “Larga vida a Oriana”. La idea imita una colección similar de madrigales italianos titulada “ El Triunfo de Dori” (1592)

Los ingleses manejaron otras formas como la CANZONET, similar al madrigal pero solamente para dos o tres voces, con ritmos y textos alegres, generalmente de indole campesina. Su principal representante fue Thomas Morley; el AYRE, desarrollada a partir del madrigal, canción estrófica, homofónica. La melodía es apoyada por otras voces o instrumentos, o ambos, siendo el laúd el instrumento preferido. Mencionemos los nombres de John Dowland (1563-1626) y Francis Pilkington (fallecido en 1638), entre otros.

La canción polifónica francesa: Su mayor contribución a la música del Renacimiento fue la CANCION POLIFÓNICA. También aqui la excelencia literaria llevó un papel importante gracias a la presencia de poetas como Ronsard. La CHANSON (CANCION) francesa del Siglo XVI se distingue porque:

(1)está escrita generalmente para cuatro voces, siendo la alta la más prominente;

(2)tiene casi siempre un ritmo alegre; (3) presenta dos estilos métricos: el de la CHANSON RIMEE,

muy regular; y la CHANSON MESUREE de fines de siglo, donde la sílaba acentuada recibe el doble del valor de las no acentuadas que producen efectos de irregularidad;

(4)uso frecuente de motivos con notas repetidas al

comienzo de la canción; (5)la composición es libre (no basada en un cantus

firmus);(6)finalmente hay tres tipos de chanson: fugado, de

acordes en bloque y la canción solista acompañada instrumentalmente.

Hubo numerosos compositores, pero mencionemos solamente a Pierre de la Rue (ca. 1460-1518) y Claude Lejeune (1528-1600).

La canción polifónica alemana se basaba en melodías folclóricas ya existentes; algunas se acompañaban con acordes sencillos, pero otras eran de una fina polifonía. Utilizaban la imitación, generalmente a cuatro voces y había numerosos arreglos para órgano. En la segunda mitad del siglo se siguieron los modelos italianos. Entre sus compositores mencionemos a Heinrich Isaac y Hans Leo Hassler (1564-1612). Ludwig Senfl escribió unas composiciones llamadas QUODLIBET, de carácter humorístico, donde se combinaban varias piezas folclóricas disímiles al mismo tiempo. Los quodlibets fueron muy populares en los siglos XV y XVI.

LA MUSICA INSTRUMENTAL HASTA 1600 no se desarrolló tanto como la vocal pero a partir del Renacimiento hay un despertar que continuará creciendo hasta el Siglo XVIII, cuando su importancia sobrepasará la de la música vocal. Ello implicaba el darse cuenta de que los instrumentos permiten y necesitan un tratamiento diferente al de las voces: (1)angularidad de la linea melódica, y uso de saltos; (2)mayor rango de la línea melódica; (3)notas sostenidas, frases largas; (4)ritmos agudos, acentos fuertes, síncopa; (5)tratamiento de la disonancia más libre que en la

música vocal; (6)notas y figuras rápidas y repetidas; (7)escalas rápidas; (8)partes agregadas libremente y acordes, especialmente

en la música para laúd y teclado; (9)ornamentacion melódica, incluyendo la “figuración”

(figuras o patrones repetidos sobre cada nota de la melodía básica), “embellecimientos” (mordentes, trinos, etc.) y “coloración” (material melismático libremente agregado a las notas básicas de la melodía); esto último no se limitaba a la música

instrumental.

Instrumentos y música instrumental antes de 1600: Recordemos que la música instrumental no se desarrolló sino a partir del Siglo XVII, pero el laúd y la música de teclado tenían ya su idioma particular. La mayor parte siguió el estilo tradicional de la música vocal del período. Antes de 1600 los instrumentos se empleaban para acompañar la monodia (p.ej. de los trovadores) de manera improvisativa; también doblaban o llenaban la polifonía vocal. Por lo demás, los instrumentos se empleaban para la danza. Muchos de los instrumentos de entonces se hicieron obsoletos (salvo por el reciente interés por recuperar los aires antiguos), excepción hecha del oboe que, con algunas mejoras en su mecanismo, ha permanecido prácticamente igual. El clavecín, el virginal, el clavicordio y demás instrumentos de teclado fueron desplazados definitivamente por el piano hacia finales del Siglo XVIII. Las violas fueron reemplazadas a su vez por el violín y sus parientes a fines del Siglo XVII. El sonido suave y opaco de la flauta dulce fue reemplazado por el de la brillante flauta travesera. Los instrumentos de metal eran rudimentarios y limitados; al laúd le sucedió la guitarra, aunque esta nunca gozó de la popularidad de su ancestro. Solamente a partir de los esfuerzos de Andrés Segovia ha logrado la guitarra posicionarse como un instrumento a nivel concertante; la guitarra eléctrica ha sido favorita de los conjuntos populares, de jazz y de rock. El órgano dio pasos gigantescos y fue el instrumento por excelencia para acompañar la música sagrada. Se construyeron enormes y complejos instrumentos que todavía se encuentran en las principales catedrales del mundo. Antes de 1600 se utilizaban principalmente instrumentos de viento pero sin ser estandarizados y no se los utilizaba en música de conjunto.

Formas instrumentales Danzas del Siglo XIII: Las más comunes son la “estampida” y la “danza real”, fuertes, en tiempo triple, característico del período. Patrón rítmico monótono (a partir de los modos rítmicos). Rango limitado. Las danzas eran interpretadas por un solo instrumento, generalemente un oboe o una flauta y tambor.Danzas del Siglo XIV: La “rota” y el “saltarello” son las más comunes. Emplean tiempos dobles o triples y los patrones rítmicos son más variados que los del Siglo

XIII. Se ejecutaban con instrumentos de cuerda o de viento y tambores.Danzas del Renacimiento (siglos XV y XVI): generalmente iban en pares con la misma melodía pero con diferente ritmo y métrica ya que esta era la forma prevalente de la danza y se convertiría en el prototipo de la suite de danza barroca. La “basse dance” es lenta, en 3/4 y va seguida del “tourdion”, alegre y en 4/4; otro par esta conformado por la “pavane”, lenta, en 4/4, seguida de la “gaillarde”, en tiempo triple, rápido. Su equivalente en Italia eran la “ronde” y el “saltarello”. En Alemania se llamaba a estos pares “Tanz” y “Nach-Tanz” y se escribían para laúd, instrumentos de teclado o ensamble instrumental. Fantasías: Las piezas asi denominadas también eran escritas para laúd, instrumentos de teclado o ensamble instrumental. Generalmente eran polifónicas con mucho contrapunto imitativo. No siguen una forma estructural básica ni son estrictamente contrapuntísticas, aunque en Inglaterra podían tener un tratamiento polifónico. Se basaban en canciones folclóricas.La toccata y el preludio: Eran de estilo improvisatorio, escritas para órgano, clavecín o laúd y se caracterizaban por su virtuosidad (pasajes de escalas rápidos, arpegios, etc.) Podían emplear material polifónico o de acordes en bloque.Composiciones de cantus firmus: Las composiciones basadas en una melodía prestada (que podía ser del canto llano, un coral alemán o una melodía profana) se escribían principalmente para el órgano. Llevaban el nombre de la melodía prestada y eran consistentemente polifónicas. El cantus firmus se destaca por notas largas y sostenidas, aunque podían llevar algún adorno.El ricercare: En los Siglos XVI y XVII este término se uso para varios tipos de piezas instrumentales, siendo el más comun el polifónico, como una pieza eclesiástica para el órgano. Es más bien un motete instrumental en un tiempo lento y solemne. Al igual que en el motete, emplea varios temas cortos o motivos que se presentan sucesiva, contrapuntísticamente imitado en todas las voces con inversiones, aumentos y retrogradaciones del material temático. La canzona: Es la contraparte profana del ricercare. Difiere de éste en sus largos pasajes fugados imitados por todas las voces y es más vivaz que el ricercare. Se utiliza la misma melodía en tiempos y medidas contrastantes. Tanto el ricercare como la canzona darán

paso a la fuga del Siglo XVII.La variación: Es importante porque se ha mantenido hasta nuestros dias. Es una de las contribuciones más importantes de los laudistas españoles y los virginalistas ingleses del Siglo XVI. Se basa en una melodía popular repetida varias veces con una figuración distinta. La virtuosidad es una de sus características. El “ground” inglés es un tipo especial, con un tema que se repite constantemente con la variación por encima del mismo. Otras formas similares son la “passacaglia” y la “chacona”, muy comunes durante el barroco.

Clases instrumentales: estilos, formas, escuelas, compositores: (1) Música para laúd: de ca. 1450 a ca.1650 el laúd, un instrumento similar a la guitarra, con trastes, 6 cuerdas y un largo cuello, fue tan importante entonces como hoy lo es el piano. Servía como instrumento acompañante, como solista, o dentro de un ensamble. Se exigía cierto virtuosismo para las escalas rápidas y los adornos. Se intentaba un estilo polifónico auncuando el instrumento no lo permitía, saltando de una voz a otra. El uso más común era en acordes. Aunque hubo importantes laudistas en toda Europa, nos limitaremos a mencionar al español Luis de Milán (ca.1500-ca.1561) y al inglés John Dowland (1563-1626). El órgano se asoció casi exclusivamente con la música para la iglesia y duplica el estilo de la polifonía vocal. No se aprecia mucho virtuosismo excepto por algunas toccatas y se empleaba mucha ornamentacion en la ejecución de fantasías, toccatas, ricercares, canzonas, cantus firmus basados en melodías del canto llano para la Iglesia Católica y corales para los servicios protestantes, lo mismo que “verses” o “versets”, piezas cortas que interpretaba el organista entre los versos de un himno cantado por la congregación o el coro. A pesar de haber también nombres famosos, se destaca el de Antonio de Cabezón (1510-1566) en Espana (quien también se recuerda por sus “diferencias” (variaciones) para el clavecín) y Andrea y Giovanni Gabrieli en Italia. John Bull (ca.1562-1628) en Inglaterra. Este compositor, William Byrd, Orlando Gibbons y otros más, se destacaron como compositores de música para el virginal, un instrumento muy preferido en Inglaterra. No existían ensambles como tal pero cuando tocaban varios instrumentos de la familia de las violas se le daba el nombre de “consort” de violas y, si se mezclaban con flautas, consort mixto. Los grupos de metales fueron más bien empleados por la escuela veneciana.

IX LA NOTACION MUSICAL HASTA 1600Ver ATLAS I, pp.182/3, 114/5, 174/5, 186/7 (neumas), 220/1,2 (10/11, 214/15, 224/25 – mensural)