MONOGRAFIADE EL ARTETRABAJO FINALDAYANA IXCHELL MENESES PADILLAAMERICA WENDOLYN PARAMOMIGUELKARINA CANO VARGASVIRGINIA RUIZ AVILA

Contenido.Introducción.................................................................4

QUE ES EL ARTE La historia del arte es una disciplina de las ciencias

sociales que estudia la evolución del arte a través del tiempo e conoce como

arte todo aquel elemento elaborado por el ser humano que intente comunicar o

transmitir una serie de percepciones, sensaciones, emociones, opiniones, ideas,

y/o  formas de vida............................................................5

TIPOS DE ARTE...............................................................6

¿Cómo surgen las Bellas Artes y las Artes Decorativas?....................8

2.- Definiciones previas....................................................9

Las Bellas Artes............................................................9

3.- Justificación........................................................10

3.1.- Importancia de las Bellas Artes dentro de la Educación.............10

4.- Aspectos posteriores.................................................11

4.1.- El Arte del Futuro.................................................11

- Situación actual.......................................................11

I. Corrientes pictóricas de vanguardia.......................................12

1.1. El cubismo: la abstracción de las formas geométricas....................13

1.2. El expresionismo en Alemania: retorcer las conciencias................14

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A este grupo perteneció también Emil Nolde, un hombre profundamente religioso

y atormentado por la duda, autor del famoso tríptico Santa María Egipciaca....15

1.3. El arte abstracto: la libertad de la forma y el color.................15

1.5. El surrealismo y la liberación del espíritu.............................16

1.6. México: el nacionalismo y la pintura mural en la época de las

vanguardias...................................................................16

II. Las tendencias de la posguerra.......................................18

2.1. Art informel..........................................................19

2.2. El Expresionismo abstracto..............................................20

2.3. México: la generación de la Ruptura y la abstracción................20

III. La posmodernidad........................................................22

3.1. El Arte Pop y la consagración de la estética publicitaria.............23

3.2. El minimalismo: tras la limpieza del cuadro.........................24

3.3. El hapening y otras formas de arte colectivo............................25

3.4. El arte conceptual: la idea sobre la técnica............................25

3.5. Instalaciones y Ambientaciones: la reconsideración del espacio......26

¿Qué ES VANGUARDIA?........................................................28

¿Qué ES EL FAUVISMO?.....................................................29

¿Qué ES EL POP ART?..........................................................31

¿Qué ES EL OP ART?...........................................................32

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¿Qué ES EL ARTE ABSTRACTO?.................................................34

¿Qué ES EL FUTURISMO?......................................................34

¿Qué ES EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO?......................................36

¿Qué ES EL SURREALISMO?....................................................36

¿Qué ES EL EXPRESIONISMO?....................................................38

¿Qué ES EL DADAISMO?.......................................................38

¿Qué ES EL SUPREMATISMO?...................................................39

¿Qué ES EL CONSTRUCTIVISMO?................................................40

¿Qué ES EL NEOPLASTICISMO?.................................................40

¿Qué ES EL INFORMALISMO?...................................................41

¿Qué ES EL ARTE POVERA?....................................................41

Minimal Art................................................................42

Arte Cinético............................................................42

Hiperrealismo..............................................................43

Arte Conceptual............................................................43

Happenings...............................................................44

Body Art...................................................................44

Land Art...................................................................45

¿Cuáles son sus causas y sus consecuencias?..............................45

Conclusión...............................................................55

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Bibliografía...............................................................56

.Introducción

En la educación tradicional el estudio del arte haocupado un papel secundario. La historia esfundamentalmente revisada en función de los conflictosbélicos y hechos relacionados con el poder y suinfluencia sobre los grupos sociales.La visión artística aparece usualmente desvinculada delcontexto en el cual tuvo lugar la creación o, en todocaso, considerada un tópico aparte, aislada del resto delos temas que tienen que ver con la vida social.Si consideramos al arte como parte del sistema social yubicamos las propuestas y los paradigmas artísticosprevalecientes en una u otra época en el marco del restode los acontecimientos, nuestro acercamiento al artepuede ser más rico y proveernos de elementos que nos

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permitan no sólo el goce estético, sino una “lectura”que permita la comprensión, la interpretación o lareflexión a partir de la obra.El objetivo del trabajo aquí presentado es,fundamentalmente, contextualizar los movimientosartísticos y ofrecer al estudiante los referentesbásicos de los géneros y las corrientes que conforman elpanorama de las artes plásticas, principalmente en lapintura, para ubicar esta manifestación artística comoparte de la dinámica sociocultural y como la génesis deimágenes que han salido del ámbito de los museos o lasgalerías para atrapar la mirada del espectador en otrosmedios visuales.El estudio de los movimientos artísticos puede caer enla provocación de convertirse en una lista interminablede obras y autores. Si bien esto no puede eludirse, hetratado de recoger las características más importantesde los géneros y las corrientes que mencionadas,enmarcando los temas en tres grandes bloques históricos:la vanguardia, la posguerra y la posmodernidad.Sin duda, toda clasificación histórica tiene su dosis dearbitrariedad, pero responde a la necesidad de ordenarla información y otorgarle un contexto que permita allector ubicar ciertas referencias comunes a las diversasexpresiones artísticas que tan rápidamente se sucedieronen el siglo XX.El período que denomino la Vanguardia, abarca lasprimeras décadas del Siglo XX: el surgimiento de losparadigmas de la modernidad: la ciencia, el progreso, laindustrialización, el estallido de la Primera GuerraMundial y los años posteriores de crecimiento del

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socialismo y polarización de las ideologías. Esteperíodo evidentemente revisa las vanguardias artísticasque marcaron los caminos del arte moderno en un contextoen el que la innovación y la originalidad eran laconsigna de la creación artística y que conecta dealguna manera en sus principios, con la constanteinvención tecnológica propia de la etapa reseñada.Sin embargo, la Segunda Guerra Mundial tuvo un impactotal que obligó al hombre a reconsiderar sus principios,sus valores y su forma de actuar. No sólo desde laperspectiva política o económica pueden percibirse loscambios originados por un conflicto de la magnitud de laGran Guerra, las artes reaccionan y registran profundoscambios culturales.En el período denominado la Posguerra se revisan losaconteceres culturales de los cuarentas y loscincuentas, en las que Estados Unidos se convierte en elcentro aglutinador de la cultura occidental, a partirdel éxodo a Norteamérica de artistas, intelectuales,científicos, cineastas y demás.La revolución sociocultural de los sesenta es el puntode partida del tercer bloque histórico, laPosmodernidad, término sobre el cual no acaban deponerse de acuerdo los sociólogos y los historiadores,pero que desde la perspectiva de este trabajo marca elinicio de la producción artística que ya no responde aparadigmas modernos sino a la lógica de las sociedadespost-industriales, en las que la masificación y laglobalización hacen variar las formas de producción yconsumo de bienes culturales.

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Actualmente, comprender el arte, como fenómeno deexpresión social, es adentrarse en un mundo regido porel mercado, a cuya lógica no escapa prácticamenteninguna actividad.

(https://www.intec.edu.do/.../015-biblioteca_iso_esquemas_bibliografias_3,1996)

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QUE ES EL ARTE

La historia del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la

evolución del arte a través del tiempo

e conoce como arte todo aquel elemento elaborado por el ser humano

que intente comunicar o transmitir una serie de percepciones,

sensaciones, emociones, opiniones, ideas, y/o  formas de vida

Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa,a través del que expresa ideas, emociones o, en general,una visión del mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. La historia del arte, como disciplina académica y entorno institucional (museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto

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de estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario.

(ESPAÑOLA, 2005)

TIPOS DE ARTE

Hoy en día, hay muchos y variados tipos de arte, como por ejemplo: La poesía, la música, la literatura, arquitectura, la fotografía, escultura, danza , pintura

Poesía: del griego crear, forma parte del género literario. En las poesías, las cualidades estéticas del lenguaje cobran mayor protagonismo que el contenido.

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Abundan las imágenes literarias y los elementos simbólicos, que se expresan por medio de la métrica. Esta está compuesta por el ritmo, las estrofas y versos.La presencia de imágenes literarias como la metáfora, ironía, comparaciones, y otras figuras retóricas exigen una lectura activa para lograr comprenderla.Las formas más conocidas de poesía son el haiku (de origen japonés), el jintishi (chino), los sonetos (occidente), rondeaus y sestinas (franceses) y las odas (Grecia Antigua).

Pintura: recurre a la utilización de distintas sustancias y pigmentos para realizar representaciones gráficas con el fin de crear un arte visual. Para esto, se vale de la combinación de colores y líneas. En esta disciplina, que es sumamente antigua (previa a la escritura), existen distintos géneros, algunos de ellos son: retratos, naturaleza muerta, desnudo, paisajes, costumbristas, figurativos y autorretrato, entre otros. Algunas de las técnicas que existen son el óleo, tapiz, fresco, aguada, acuarela, vitral y temple.

Música: del griego mousiké, que significa “arte de las musas”, alude al arte de estructurar una combinación coherente de silencios y sonidos, con criterios lógicos y sensibles. En la música, los dos elementos más importantes son el ritmo y el sonido, que aparecen conjuntamente y ordenados por distintas estructuras sonoras y rítmicas. Dependiendo de los instrumentos que se utilicen, se puede hablar de dos formas para dividir a los géneros musicales: instrumentales y vocales. En

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este último, hay un predominio de la voz, y puede haber o no presencia instrumental. Los géneros instrumentales,en cambio, son creados sólo para instrumentos. Algunos de los géneros que existen son: la ópera, el rock, el pop, la música clásica, blues, jazz, tango, entre tantos.Escultura: en esta disciplina el escultor moldea figurasvoluminosas en madera, barro, piedra o cualquier otro material para expresar así belleza.  Dentro de la escultura se habla de dos ramas: la ornamental y la estatuaria. Esta última representa a la figura humana y las concepciones suprasensibles del hombre. La ornamental, en cambio, representa al resto de los seres vivos: plantas y animales. Danza: en esta disciplina se realizan movimientos corporales rítmicos por medio de los cuales se logra expresar emociones y sentimientos. Puede estar acompañada por música, aunque no es inherente. En la danza, los movimientos corporales se combinan con las nociones rítmicas y el uso del espacio. Además, la mímica y el canto también pueden formar parte de esta disciplina. La coreografía es el conjunto de movimientospredeterminados que guiarán que pasos se seguirán en un determinado baile.Arquitectura: esta disciplina consiste en la técnica de construir y proyectar estructuras y edificios. Lo que busca es satisfacer necesidades humanas por medio de la alteración del ambiente físico, pero también se realiza con fines meramente estéticos. Algunos de los estilos más reconocidos son la arquitectura gótica, renacentistay barroca.

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La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz. Es elproceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la conversión en señales electrónicas. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido.

La fotografía ha ido cambiado con el paso del tiempo, yaque hoy en la actualidad todo ha tenido una transformación o un innovación tecnológica. Diversas compañías sacan a la venta nuevos modelos, para la captura y obtención de nuevas imágenes , con mas dimecion y profesionalismo.

El término fotografía procede del griego φως (phōs, «luz»),y γραφή (grafḗ, «conjunto de líneas, escritura»), que, enconjunto, significa "escribir/grabar con la luz". Antes de que el término fotografía se utilizara, se conocía comodaguerrotipia, ya que el descubrimiento fue hecho público por Louis Daguerre aunque parte de su desarrollose debió a experiencias previas inéditas de Joseph-Nicéphore Niépce(culturacolectiva.com/375-libros-de-arte-para-descarga-gratuita/, 1991).

¿Cómo surgen las Bellas Artes y las Artes Decorativas?

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Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades elarte ha combinado la función práctica con la estética,pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezóa distinguir el arte como un valor puramente estéticoque, además, tenía una función práctica.Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura,

música, danza, pintura, escultura y arquitectura—centran su interés en la estética. Las consideradasartes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica,la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmaltesuelen ser artes de carácter utilitario y durante ciertotiempo estuvieron degradadas al rango de oficios.Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo

se impartía la enseñanza de las principales artesvisuales, a veces el término se ha utilizado de modorestringido para referirse sólo al dibujo, la pintura,la arquitectura y la escultura.Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor

interés por las tradiciones populares no occidentales yla importancia del trabajo individual por parte de unasociedad mecanizada, ha hecho que esa viejadiferenciación fuese cada vez menos clara y que seconsideren artes tanto las unas como las otras

2.- Definiciones previas.

Arte es la actividad que requiere un aprendizaje ypuede limitarse a una simple habilidad técnica oampliarse hasta el punto de englobar la expresión de unavisión particular del mundo.El término arte deriva del latín ars, que significa

habilidad y hace referencia a la realización de acciones13

que requieren una especialización, como por ejemplo elarte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez.Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto

hace referencia tanto a la habilidad técnica como altalento creativo en un contexto musical, literario,visual o de puesta en escena.El arte procura a la persona o personas que lo

practican y a quienes lo observan una experiencia quepuede ser de orden estético, emocional, intelectual obien combinar todas esas cualidades.

Las Bellas Artes

Música,movimiento organizado de sonidos a través de un

espacio de tiempo. La música desempeña un papelimportante en todas las sociedades y existe en una grancantidad de estilos, característicos de diferentesregiones geográficas o épocas históricas.Danza,movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón,

acompañados generalmente con música y que sirve comoforma de comunicación o expresión. Los seres humanos seexpresan a través del movimiento.La danza es la transformación de funciones normales y

expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitualpara propósitos extraordinarios.Pintura,arte de representar imágenes reales, ficticias o,

simplemente, abstractas sobre una superficie, que puedeser de naturaleza muy diversa, por medio de pigmentosmezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas.

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Escultura(en latín sculpere, `esculpir'), arte de crear formas

figurativas o abstractas, tanto exentas como en relieve.Arquitectura,arte o ciencia de proyectar y construir edificios

perdurables. Sigue determinadas reglas, con objeto decrear obras adecuadas a su propósito, agradables a lavista y capaces de provocar un placer estético.

3.- Justificación

3.1.- Importancia de las Bellas Artes dentro de la Educación

Se ha demostrado científicamente que el estudio de lasbellas artes, desde edad temprana, cultiva en el serhumano una sensibilidad que lo lleva ha desarrollar unaética muy sólida en su vida adulta.La música, por ejemplo, nos permite la concentración.A través de escuchar música nuestra mente navega y

logramos profundizar en nuestra interioridad, tambiéndespierta el sentido del oído y esto nos hace másperceptivos; y cuando la escuchamos en forma melódicanuestro sentido del ritmo se agudiza.Las canciones nos permiten expresar sentimientos de

una manera dulce o dolida pero rítmica y sensorial.El teatro y la danza hacen más ágil nuestro cuerpo,

nos permiten la comprensión de los ritmos y nos llevan ala tan necesaria catarsis cuando el cuerpo se sueltalibremente.Las artes visuales y la arquitectura, nos refieren

constantemente a nuestra historia.

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En términos modernos tiene mucho que ver con nuestrodisco duro, pues está comprobado que sin referentesvisuales perdemos la memoria; por ende, necesitamoscontar nuestras experiencias en forma visual.Sin las artes visuales no tendríamos identidad, ni

reconoceríamos el lugar donde nacimos sin el referentevisual, ya sea arquitectónico o plástico.

4.- Aspectos posteriores

4.1.- El Arte del Futuro

Grandes cambios flotan en los aires del horizonte,cambios que no dejan nada intacto. Los primeros y másperceptibles se han producido al nivel de los soportes,de los mismos lenguajes y la propia producciónartística.Basta acercarse a cualquier exposición o evento

colectivo de arte convencional, digamos "noelectrónico", para encontrarse con una grupo derealizaciones que han sustituido el lienzo por lapantalla electrónica o la fotografía digital.En las nuevas sociedades, en que la producción del

conocimiento es crucial y central a toda generación deriqueza, el artista debe dejar de ser considerado unmiembro aparte, y su actividad ser reconocida dentro deese nuevo sector del trabajo inmaterial que cobraimportancia creciente.Todo ello define ese Arte del Futuro que es, o debería

ser, el de nuestros días, a falta de que tanto lasinstituciones culturales como las propias educativasadapten sus estructuras a esas nuevas necesidades y

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lógicas, que llaman a nuevas funciones no desde unfuturo remoto y lejano, sino desde ese Futuro inmediatoque es la exigencia moral de nuestro propio hoy.

- Situación actual

El Instituto de Formación Integral Bellas Artes de laciudad de Santa Cruz de la Sierra, es un colegio quetiene doble escolaridad que funciona en el turno de latarde como conservatorio de música por eso pretendeformar el Instituto Superior Bellas Artes para así poderimpartir de una mejor manera clases magistrales yprácticas en el área de la música y las artes escénicas.Para la realización de este proyecto tan visionario se

necesitarán nuevas instalaciones acondicionadas paraeste tipo de educación ya que cada instrumento musical ycada disciplina artística precisa de un espacioespecífico.La ciudad carece de una infraestructura adecuada para

realizar presentaciones y conciertos sinfónicos, es poreso que el Instituto Superior Bellas Artes ve comoprioridad esta necesidad planteando un teatro quefuncione a su vez para presentaciones públicas.7.- La idea

Absorbiendo todo tipo de referentes teóricos, la ideadisparadora de mi proyecto será producto de laintangibilidad de las sensaciones producto de las artes,es decir, que cada espacio estará conformado por todoaquello que es esencial, que no se ve, pero que sí esta.Las distintas transformaciones serán permeables en los

espacios para así dar lugar a cambios posteriores porque

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el arte es trasgresor, mutante y causa efectosdiferentes según el usuario sea externo o interno.El mimetismo articulara la evolución visual y sonora

del entorno, habitado por micro estructuras con vínculosfamiliares, que el usuario puede organizar para creardiferentes macro estructuras.Las macro estructuras, tendrán sus propios

comportamientos y características visuales y sonoras, enfunción de la combinación de las micro estructuras quelas forman.

I. Corrientes pictóricas de vanguardia

La transición al siglo XX sucedió en el marco de unmundo que asumía rápidamente los avances de la técnicaen su paso al progreso: en París, capital cultural deOccidente, el metro aceleraba la vida de la gente. Enlos primeros años del siglo, el uso del teléfono fuemasificándose, apareció el Modelo T de la Ford einiciaron los primeros vuelos en avión. La modernidad era el gran proyecto y para ello había queestablecerse en este nuevo contexto urbano, científico,democrático, en el que la técnica, la ciencia y latecnología prometían resolver los problemas de lahumanidadEn el mundo del arte, surgió pronto la necesidad deromper con el academicismo decimonónico en un impulso derenovación e innovación constante, tal es el espíritudel arte de vanguardia, que planteaba, en términosgenerales, la constante invención de nuevas formas de

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expresión. Por ello, surgen profusamente corrientes ymovimientos que unos a otros se oponen, se desplazan yevolucionan… había que ser modernos y, para ello, eranecesario romper con las fórmulas del pasado.El término vanguardia hace referencia a lo que “vaadelante”, es por tanto un concepto aplicable no sólo alas manifestaciones de las primeras décadas, en términosgenéricos. Sin embargo, en la historia del arte es comúnllamar La Vanguardia a los movimientos surgidos desde elinicio del siglo y con más fuerza en el período deentre-guerras, pues el primer gran conflicto bélico delsiglo desató la reacción de los artistas que serebelaron ante el poderío de la técnica para matar.El espíritu de la constante invención imperó en lasvanguardias, pero no todas tomaron el mismo camino o lamisma postura: algunas reaccionaron a la tecnificación yla automatización producto del avance tecnológico.Otras, como el Futurismo italiano representado porFilippo Marinetti, adoptaron la consigna del desarrolloindustrial y material como definitorios de “lo moderno”y como el camino hacia el progreso.La profusión de corrientes y movimientos de vanguardiaen las tres primeras décadas del siglo XX establecieronlos paradigmas estéticos del arte moderno, vigentes enalgunos casos hasta los años sesenta y en otros casoshasta la segunda posguerra.

1.1. El cubismo: la abstracción de las formas geométricas

La primera corriente de vanguardia importante en lapintura fue el cubismo, bautizado así por un crítico

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quien, al salir de la primera exposición de este estilo,que presentaba obras de G. Braque, opinó que el artista“maltrataba las formas reduciéndolas a cubos”.

El antecedente de esta corrientees la pintura de Paul Cezzane,que redujo las formas básicas dela naturaleza y de los objetos,componiendo sus cuadros con baseen líneas, triángulos yrectángulos. 

El cubismo tuvo su auge entre 1907 y 1914. Es un sistemaplástico presente no sólo en la pintura, sino en laescultura, arquitectura y otras artes; un movimientodinámico y analítico: analiza la naturaleza de lasformas que componen el objeto, creando nuevos espaciospictóricos.Quizás en términos de exploración formal, el cubismofue, de todas las vanguardias, la de mayor impacto en eldesarrollo de la pintura, aparece como un movimientoformalista, preocupado por reconsiderar y reinventar losprocedimientos y valores pictóricos, manifiestosespecialmente en el tratamiento de uno de los problemasperennes en la pintura desde el Renacimiento: larelación de un objeto con el espacio en el que es visto.

1.2. El expresionismo en Alemania: retorcer las conciencias

Más que una corriente o escuela formada por un grupodeterminado de artistas, puede considerarse unatendencia en la que convergen pintores, cineastas y

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artistas plásticos con un fuerte contenido psicológico yagresivo en sus obras, como reacción al caráctersensitivo y superficial del impresionismo.Es el resultado de una serie de acontecimientos,conocidos como las Secesiones (la de Viena, la másfamosa), que consistían en la rebeldía de los artistas aceñirse a los cánones de las casas y galeríasexpositoras; es decir, son una serie de rompimientos delos artistas en su continua búsqueda de un arte moderno.Alemania, cuna del expresionismo, ha dado al mundo lasprincipales corrientes filosóficas de los siglos XIX yXX; sus artistas han aludido siempre a fuertescontenidos sociales y psicológicos, reflejados en lamúsica, la literatura, la pintura y en el cine.El grupo “El puente”, fundado en Dresden en 1905, teníacomo característica fundamental la propuesta temática dedenuncia social, fuertes en sus contenidos y violentosen sus colores.Ernst Kirchner, uno de sus fundadores y miembro delgrupo hasta su suicidio, realizó grabados y escultura,además de obra pictórica. Su obra, más tarde confiscadapor los nazis, reconoce fuerte influencia de Van Gogh.

A este grupo perteneció también Emil Nolde, un hombre profundamente religioso

y atormentado por la duda, autor del famoso tríptico Santa María Egipciaca.

1.3. El arte abstracto: la libertad de la forma y el color

El grupo “El Jinete Azul”, fundado en Munich en 1911,agrupaba artistas preocupados por el misticismo y laespiritualidad del arte. Vassily Kandinsky, autor de

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obras como “Composiciones” o “Improvisaciones” y Paul Klee,quien pintó “Arquitectura espacial”, derivarían finalmenteen el arte abstracto.Kandinsky, de origen ruso, venía de la tercera Secesiónde Munich, es decir, la tercera ruptura del arte con lasformas anteriores. Aborda el aspecto filosófico del arte, proclamándolocomo una necesidad interna y abriendo paso al arteabstracto.De él es la primera obra pictórica abstracta, es decir,que no representa ningún objeto ni forma de lanaturaleza. Según sus propias palabras, se puede definirel arte abstracto con las siguientes impresiones: “...me vi de pronto ante un cuadro de bellezaindescriptible. El cuadro carecía de todo tema: nodescribía objeto alguno identificable, y estabatotalmente compuesto de brillantes manchas de color.Finalmente, me acerqué y reconocí lo que era realmente:mi propio cuadro puesto de perfil sobre el caballete...Una cosa se me hizo manifiesta: la objetividad, ladescripción de los objetos no era necesaria en mispinturas, y, realmente, las perjudicaba”. 1.4. El Dadá y laprovocaciónEl movimiento Dadá nació a principios de 1916, en el“Cabaret Voltaire”, de Hugo Ball, donde recitabanpoemas, presentaban ready mades, (objetos hechos en elmomento y para el momento), exponían locuras, pinturas,collages, esculturas. Era un espacio artístico en el quemuchos intelectuales hallaban refugio ante la guerra.Importante figura del Dadá es Tristan Tzara, escritorrumano autor del “Manifiesto Dadá”; él dio a conocer las

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obras de Kurt Schwitters, que eran ensamblajes ycollages de cartón, madera, alambre, boletos de camión yotros objetos rotos.Max Ernst fue considerado uno de los más subversivosartistas de la época. Sus obras: objetos de deshecho,collages, pinturas, llegaron a ser expuestas junto a unhacha, invitando al público a destruirlas.Francis Picabia pintó cuadros inspirados en laestructura de las máquinas; hizo collages como “LosCentímetros”, con trozos de cinta métrica, retratosdeformados, etc.

1.5. El surrealismo y la liberación del espíritu

Los surrealistas, a diferencia del dadaísmo, estabanpreocupados en cambiar la concepción de la vida ysuscitar una nueva sensibilidad en el mundo, regida porla lógica de los sueños. Para ellos el sueño es una“segunda vida”, que ayuda a liberar el espíritu de todofreno impuesto por la razón.André Bretón -escritor y padre del surrealismo- dio aconocer el “Manifiesto Surrealista”, en el que afirma:“...Creo en la futura resolución de esos dos estados deapariencia contradictorios que son el sueño y larealidad, en una especie de realidad absoluta, desurrealidad. El lenguaje ha sido dado al hombre para quehaga de él un uso surrealista.” [2]La forma “natural” de la expresión del surrealismo fuela poesía, el verso libre como resultado del automatismopsíquico; ámbito prolífico en donde encontramos las

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obras de Paul Eluard, J. Peret, Louis Aragon, AntoninArtaud y el propio Bretón.El surrealismo habría de tener una influencia enorme enel arte del siglo. No sólo existió como corriente, sinoque conformó un estilo, presente no sólo en la pintura,sino en el diseño gráfico y, en general, en las artesvisuales contemporáneas.Los artistas del surrealismo encontraron en México elambiente propicio para la creación artística, influyendoen la plástica mexicana en forma importante.

1.6. México: el nacionalismo y la pintura mural en la época de las

vanguardias

El proceso de nacionalización de la cultura que originóel movimiento revolucionario, encontró su expresión enel arte, en el que es evidente la búsqueda de laidentidad nacional, a través de los elementos de lacultura indígena y la nueva organización del país.Con el movimiento muralista se consolidó el artemexicano que trascendía universalmente, integrando losideales revolucionarios con el arte popular: el retablo,los mitos precolombinos, las leyendas.El muralismo mexicano, con temática nacionalista, tuvosus años de auge mientras en Europa estallaban lasvanguardias. Los artistas mexicanos, hasta la fecha,suelen estudiar en el extranjero, o por lo menos,realizar viajes que los ponen en contacto con laspropuestas de otros países y si bien no podemos hablarde murales cubistas, si encontramos una fuerteinfluencia del arte europeo en nuestros artistas.

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La pintura mural mexicana tiene sus orígenes en labúsqueda de una manera de difundir la cultura mexicanaen los primeros años del siglo. El pintor GerardoMurillo, conocido como el Dr. Atl, desde la Academia deSan Carlos, consiguió los primeros muros en edificiospúblicos.El estallido de la revolución truncó ese primer proyectopero impulsó posteriormente el desarrollo del muralismo,cuyo espíritu primario era llevar a la calle la pintura,expresar el sentir del pueblo mexicano a través de lainserción de las obras en la vida cotidiana; de allí, lanecesidad de ocupar los muros y las fachadas de losedificios.La riqueza temática y formal de la pintura muralmexicana es doblemente impactante por su caráctermonumental, lo cual suponía una gran responsabilidad delartista y una apertura sin precedentes del estadomexicano, que puso a disposición del arte los muros ylas fachadas de los edificios públicos, sin duda graciasal apoyo de José Vasconcelos, primer titular de larecién creada Secretaría de Educación Publica en México,(antes Secretaría de Instrucción Pública y Bellasartes).Los representantes fundamentales del muralismo mexicanoson Diego Rivera, José Clemente Orozco y David AlfaroSiqueiros, que fundaron el “Renacimiento Mural”.Comparten créditos en el movimiento Juan O'Gorman yEnrique González Camarena.La Escuela Mexicana de pintura enarbola las mismastemáticas nacionalistas que el muralismo, en larealización de obra de caballete.

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Sin embargo, en esas épocas, la disidencia de la escuelamexicana y el muralismo es representada por aquellosartistas que asumen nuevos paradigmas estéticosplanteados por las vanguardias, así como la idea delarte por el arte, es decir, el arte libre de ideologíasy sujeciones temáticas, el arte como expresión delindividuo y no al servicio del estado.Por ejemplo, Carlos Mérida, quien en su momentoparticipa en el movimiento del muralismo pero se separaa su regreso de un viaje por Europa, en el que recibeinfluencias de la Bauhaus y de otras tendencias yautores. A pesar de que es abstracto, siempre hacereferencia a la realidad, aunque para él el tema es loque desgasta a una obra.La figura humana no aparece con los marcados rasgosindígenas o mestizos de sus contemporáneos. El hombre deTamayo, parecido al de Klee o al de Dubufett, es unaabstracción universal.Cuando Bretón viajó a México, encontró en el RealismoMágico, corriente fuertemente arraigada en las arteslatinoamericanas, una versión americana del surrealismo.México ha sido tierra fértil para la intelectualidadeuropea, como lo demostró el arraigo que en nuestro paístuvieron artistas como Wolfgang Paalen, Alice Rahorn,Leonora Carrington, Remedios Varo, todos ellos, en sumomento, pertenecientes al surrealismo.La exposición surrealista en México, apoyada por losintelectuales, contó con la participación de DiegoRivera y de Sequeiros, exponiéndose cuadros de Picasso,del Dadá, surrealistas y la vanguardia europea.

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De México, participaron obras de Roberto Montenegro,Manuel Rodríguez Lozano, El Corzo, Frida Kahlo, CarlosMérida, Manuel Álvarez Bravo y Guillermo Meza.Después de esta exposición, hay pintores mexicanos quepintan ya con la intención de hacer surrealismo, comoJuan O'Gorman, María Izquierdo, Francisco Toledo o RaúlAnguiano. (https://www.intec.edu.do/.../015-biblioteca_iso_esquemas_bibliografias_3, 1996)

. . . . . . . . . . . . . . .

II. Las tendencias de la posguerra

La Segunda Guerra Mundial marcó un hito en la historiadel Siglo XX, no solamente por la magnitud del conflictoarmado, sino por su profunda influencia en latransformación cultural y la instauración de unageopolítica mundial diferente.Al terminar el conflicto, incrementó el número de paísessocialistas: Alemania, Polonia, Checoslovaquia, Hungría,Rumania, Yugoslavia, Bulgaria y Albania. Este nuevoorden político y económico, marco de la Guerra Fría,habría de reordenar también la producción artística.Antes de la revisión de las tendencias del arte, nopodemos dejar de mencionar el hecho de que, desde losaños previos a la guerra, el fenómeno de la masificaciónempezaba a modificar la vida social. Quizás el ejemplomás claro es el nacional-socialismo hitleriano: el usode la radio para convencer a millones de ciudadanos deque debían luchar por su raza y la restitución de lasupremacía como país es la muestra de la nuevaconformación de buena parte de la dinámica social.

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Los gobiernos de partido único en Europa utilizan mediosde propaganda política que obligan a los sociólogos yotros científicos a estudiar seriamente estos fenómenosde comunicación.En los años que precedieron a la guerra las vanguardiaseuropeas habían hallado eco en el arte occidental. Aúncuando ya no existiesen como movimiento, como el casodel surrealismo, su influencia era irreversible: elespíritu innovador de la vanguardia estaba llevando alas artes por caminos no explorados. De pronto, elcrecimiento del totalitarismo y el estallamiento de laguerra interrumpieron como una pesadilla el sueñovanguardista. El trauma era evidente: la expresión humana no puedeevitar una reacción ante el holocausto y la destrucción.La experiencia ha dado, hasta la fecha, temática para laproducción artística en todos sus campos: literario,cinematográfico, pictórico... Bien lo expresa laescritora Natalie Sarraute: "¿Qué historia inventadapodría rivalizar con las narraciones de los campos deconcentración o de la batalla de Stalingrado?".Así, pues, al término de la guerra había que partir decero, o en todo caso, reconstruir en nuevas formas loque había quedado entre los escombros.No es de extrañar la sensación de angustia y miedo queinvadió el clima y el pensamiento de la posguerra. Parael carácter de un artista, marcado por la sensibilidadhacia lo que le rodea, la guerra obliga a la meditacióny a la conciencia, lo que lleva al arte por caminos quevan de la desazón hasta la adopción del compromisocolectivo con la reconstrucción social.

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2.1. Art informel

Es una reacción al rigor geometrista de Mondrian, pormencionar un autor. Los informalistas, como su nombre loindica, prescinden de la forma pero experimentan connuevos materiales: madera, polvo de mármol, barro. Susobras presentan diferentes texturas y formas libres.El grupo COBRA, nombre formado por los nombres de lasciudades donde provienen sus miembros, Copenhague,Bruselas y Ámsterdam, desarrolló una activa labor deresurgimiento de propuestas, utilizando elementos delarte primitivo y espontáneo. Es innegable su aportaciónen esa tendencia a mirar hacia otras culturas, cosa quedemuestra un cambio en la idiosincrasia europea, comopuede apreciarse en la obra de Karen Appel.  El Espacialismo, creado por Fontana buscaba laincorporación de la tercera dimensión a los cuadros.En este mismo periodo histórico, hay que mencionar laimportancia de la Escultura monumental, representada enEspaña por el vasco Eduardo Chillida, quien utilizadiferentes materiales como el hierro, el alabastro o elacero para lograr conjuntos escultóricos o piezas degran tamaño en las que, según el autor, se despierta lavida que late en el propio material.

2.2. El Expresionismo abstracto

Se mencionó ya que después de la guerra, Estados Unidosempieza a convertirse en importante centro artístico,como lo había sido Europa en la primera mitad del siglo.El expresionismo abstracto, tomaría del expresionismo lafuerza y el tono agresivo de la pintura, sin

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representación de objetos - de ahí lo abstracto- y delsurrealismo la fluidez no consciente o no razonada de laexpresión.En Estados Unidos, sede de la nueva capital del arte,consistía en una corriente totalmente novedosa, que tuvono sólo una rápida aceptación entre la crítica y lasgalerías, sino que las obras formaban parte de laambientación de grandes espacios públicos, comovestíbulos de edificios u hoteles.Si bien la pintura abstracta existía desde principiosdel siglo, el Expresionismo abstracto estadounidense lolegitimó a tal grado que por algunos años parecía ser elúnico camino para la pintura. En México, la abstracciónfue el paradigma predominante en la generación quesiguió a los años del muralismo, la Escuela Mexicana dePintura y la generación de la ruptura.

2.3. México: la generación de la Ruptura y la abstracción

En los años de la guerra y la posguerra, México estabaen pleno proceso de industrialización y urbanización.Requería de construcciones funcionales, como losincipientes e inquietantes conjuntos habitacionales,además de vías rápidas de comunicación, fábricas ylugares de entretenimiento.Esto cambió la fisonomía de México, sobre todo de lasciudades. Sin duda, la visión de la cultura urbana no lehace justicia a la cantidad de expresiones artísticaspopulares que existen en medios rurales, pero no podemosnegar el hecho de que el cambio demográfico de poblaciónrural a urbana prioriza el trabajo de las ciudades sobre

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el campo, sobre todo en un país con un marcadocentralismo, como México.La Ciudad de México veía crecer el Centro Urbano Alemán,la unidad habitacional Nonoalco Tlatelolco, el Pedregalde San Ángel o Ciudad Satélite. Arquitectos como MarioPani o Luis Barragán fueron impulsores de lamodernización urbana.En el terreno de la plástica, hacia los años 50 elnacionalismo y la pintura mural habían reducido suimpacto y la pintura mexicana encontraba nuevos caminosy escenarios internacionales.En este proceso, fue decisiva la presencia de RufinoTamayo y de Carlos Mérida, quienes plantearon desde elprincipio una posición individual con respecto a losvalores estéticos de lo mexicano difundidos por elmuralismo.En 1948 tiene lugar en Bellas Artes la galería depintura, con la exposición de algunas obras de Tamayo,después de años en los que el reconocimiento lo habíaobtenido más bien en el extranjero. La Ruptura o escisión del muralismo no sólo suponía labúsqueda de valores estéticos deferentes, sino laapertura a las corrientes internacionales, como elsurrealismo, patente en la pintura de Remedios Varo, oel geometrismo abstracto del propio Mérida.Pintores como Frida Kahlo o María Izquierdo adoptarontambién una postura individualista, que no por ellodejaba de atender a “lo mexicano”, de hecho lo mostrabade otra forma: retomaron elementos de la vida y laplástica populares y lo integraron al mundo interior delartista.

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Otros precursores del a ruptura serían Pedro Coronel yGunter Gerzo, pioneros del arte abstracto en México.Pensemos en una década, la de los años cincuenta, en laque el boom económico promueve la americanización de lacultura de una clase media en acelerado crecimiento. Eneste contexto, el público del arte se reorganiza, asícomo sus espacios. Simultáneamente, los artistas de laruptura organizaron sus propios espacios porque no erannecesariamente académicos.Así, en 1952, Alberto Gironella y otros artistas, comoVlady y Eheverría, fundan la Galería Prisse. Su obradefiende la expresión individual contra las formasoficiales del arte social.

(dgb.unam.mx/index.php/guias-y-consejos.../donde-buscar-informacion). . . . . . . . . . . . . . .

III. La posmodernidad

Ubiquemos a la posmodernidad en el seno de lassociedades del capitalismo avanzado, en la época postindustrial. El mundo ha sucumbido a los placeres delconsumo y del escándalo.La modernidad en el terreno del arte, se refiere másexplícitamente al surgimiento y desarrollo de losmovimientos de vanguardia durante las tres primerasdécadas del Siglo XX. Estos movimientos sentaron lasbases del “arte moderno” sintetizando los elementos dela vida marcada por el desarrollo científico ytecnológico, la producción industrial, el crecimiento delas ciudades y una reorganización social proveniente dela evolución del capitalismo.

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Al estallar la Segunda Guerra Mundial todo iba a sercuestionado, de hecho desde la primera, pero a mediadosdel Siglo es evidente la dislocación de las verdades, esdecir, hay una pérdida de fe en el progreso y losfactores que lo sustentan.Las expresiones artísticas de mediados de siglo atisbancambios profundos en el hombre y en la dinámica social.No sólo porque las experiencias político ideológicastocaron límites ciertamente dolorosos para la humanidad,sino porque después del conflicto el mundo cambió de ejey la supremacía de Estados Unidos no sólo vino a dictarlos caminos de la economía mundial, sino marcó tambiénel desarrollo cultural.No entenderíamos esta etapa sin la comprensión delfenómeno de “lo masivo”, anunciado por Ortega y Gassetdesde principios de siglo y que hace referencia no sóloal crecimiento poblacional, sino a la adquisición deciertos patrones culturales que orientan la forma depensar y de actuar de los hombres, sujetándose al grupoen detrimento del albedrío y la decisión individual.Las modas impuestas por los medios de comunicación sonel mejor ejemplo de la masificación en términos de laimposición de paradigmas asimilados sin gran trámiteintelectual de por medio, más bien, de forma “natural”los hombres empiezan a ser sospechosamente iguales.Este hecho está marcado por el consumo, base delcapitalismo industrial, asumido como forma de vida yaplicado no sólo a productos sino a las ideas: La granRevolución Cultural de las sociedades modernas reside enla aparición del consumo masivo: el hedonismo de la

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modernidad convertido en el comportamiento general en lavida corriente.

3.1. El Arte Pop y la consagración de la estética publicitaria

A pesar del dominio de la pintura abstracta en elescenario de la plástica, las nuevas expresiones no sehicieron esperar: hacia finales de los cincuenta surgenpropuestas de integrar objetos cotidianos al arte,buscando la estética de la realidad. Aquí ubicamos elNuevo Realismo y otras corrientes que antecedieron alPop, como las antropometrías, la obra del GrupoIndependiente y, posteriormente, la obra de Rauschenbergy Jasper Jones.Antes de revisar el pop norteamericano, es necesaria laaclaración que el Pop es un movimiento originado enInglaterra. El término fue utilizado por primera vez porLawrence Alloway, crítico británico, en 1962, paradefinir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo,utilizando imágenes populares y temas tomados del mundode la comunicación de masas. Se atribuye a Richard Hamilton la creación de la primeraobra del Arte pop, un collage titulado ¿Qué es lo que haceque los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?, de 1956,presentada en Londres, en una exposición que él mismoorganizó: “This is tomorrow”. Hamilton formó el GrupoIndependiente, que realizaba un trabajointerdisciplinario, integrando ciencia y tecnología conmúsica, artes visuales y teatro. Algo similar alHapenning que tan gustosamente desarrollaron losartistas norteamericanos. Inspirado en las industrias

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del consumo y del ocio, el Pop de Hamilton es un popculto e intelectualizado En Estados Unidos, los “combine-paintings” deRauschenberg, consistían en cuadros pintados al estiloabstracto con objetos pegados, como relojes, ropa,boletos de camión, etc., así como la obra de JasperJones y el “ready-made”, con influencia del Dadá, queconsiste en un objeto creado en el momento y para elmomento. Desde los 50's, la producción en serie, el crecimientode la población potencialmente consumidora y elvertiginoso desarrollo de los medios de comunicaciónfortalecen la llamada “cultura de masas”, fundamentadaen el consumo no sólo de productos, sino de bienesculturales: películas, discos, cómics, revistas,programas de televisión, libros gurús, lugares dediversión, formas de pensar y actuar.El arte, entonces, deja de ser exclusivo de la genteculta, de aquella elite que frecuenta las salas deexhibición, para convertirse en un objeto a la mano detodos, es decir, un objeto popular: un “consumible”.Sus cómics monumentales, reproducen los puntos en losque se descompone una imagen impresa, eso conecta máscon el cómic impreso, el que la gente lee en todoslados. Warhol introduce en la producción artística métodos dereproducción mecánica de imágenes, logrando, porejemplo, cubrir una pared con la imagen repetida ycoloreada de Mickey Mouse, de Marilyn Monroe y de otrosíconos de la cultura norteamericana que para entonceshabían sido aceptados por otros países.

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Su propuesta estética, el colorido festivo con el queinunda sus imágenes y sobre todo esa parte que coqueteacon la frivolidad y la superficialidad de la massculthacen de Warhol el puntero del arte de los sesentas, elinicio de la era de Narciso: rodeado del glamour y laespuma rosa de los medios, con el rock y el pop comomúsica de fondo, entreguémonos a la contemplación denuestra propia imagen.

3.2. El minimalismo: tras la limpieza del cuadro

Es una propuesta plástica que parte de la utilización depocos recursos, de formas y colores puros, básicos,limpios. Constituye la reacción al Expresionismoabstracto, traspasando las fronteras de la pintura paraconvertirse en un estilo musical, arquitectónico y hastaliterario.El minimalismo constituye de alguna manera la búsquedade las esencias, libres del gesto expresivo o de lacarga decorativa. Es objetivo, abstracto, limpio ygeneralmente monocromático. Logra perspectiva por ladisposición geométrica de los elementos dentro delcuadro y evoca cierta sensación de nitidez.En la escultura, los minimalistas utilizan materialescomo acero, tubos fluorescentes o objetos utilizados enel diseño industrial.La presencia del mexicano Mathías Goeritz en el conceptominimalista es importante, como también lo son FrankStella y Keneth Nowland.

3.3. El hapening y otras formas de arte colectivo

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Desde los sesenta es palpable la síntesis de otrasmanifestaciones artísticas con la pintura.El happening, por ejemplo, es un evento que incluyedanza, cine, fotografía, poesía, etc. La obra de artedeja de ser un producto estático y permanente: sólo elque asiste al happening podrá conocer la obra.El primer happening tuvo lugar en Black Mountain Collage,convocado por medio de un evento artístico en el queparticipó John Cage: contemplaba una interesante mezclade música, pintura, teatro, luces y pachanga. Laspersonas asistentes no veían o escuchaban la obra: lavivían, como ir a una fiesta.El happening valoriza el evento, la acción. Hay en él unaintención de apoderarse del momento, de vivirlo. Porsupuesto, consiste en un producto “invendible”. Es unade las tantas manifestaciones artísticas opuestas a queel arte esté regido por los intereses de su propiomercado. La comercialización de la obra pasa, en todocaso, a otro término: imposible vender la firma delautor.

3.4. El arte conceptual: la idea sobre la técnica

Algunos artistas, con el bagaje del Dadá, el abstracto,la experiencia del pop y otras sofisticaciones, sepronuncian entonces por recuperar el arte como “idea”,como el “gesto” del artista, más que legitimar la valíadel objeto artístico que, irremediablemente, cae en lastrampas del mercado.Entonces, el arte es el concepto, o el momento o laexperiencia ante una actividad determinada, con la

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participación del público y del artista. La obra puedeser, por tanto, efímera, no tangible, no vendible.En una obra conceptual, lo que vemos es el resultadofinal de un complejo proceso de creación, complicado ensu parte "intelectual", desde la elección del tema a laforma de materializarlo. Pongamos algunos ejemplos: unpuente del Río Sena forrado con lona y amarrado concuerdas, obra de Christo; la famosa escalera de YokoOno, que invitaba a subirse en ésta, tomar una lupa quecolgaba del techo y, si el espectador tenía un poco másde curiosidad, encontraba en el techo la palabra “yes”.Entre los artistas conceptuales encontramos la ortodoxiade Joseph Kosuth, cuya obra son ideas sobre el arte ofórmulas matemáticas, objetos reales, definiciones dediccionario, etc. La silla, de Kosuth, consiste en una silla común ycorriente a la que acompaña el texto de la definición desilla del diccionario. La silla: el objeto y suconcepto.La continua búsqueda de nuevos materiales genera nuevasformas plásticas, como el arte del desperdicio. EnItalia, el Arte povera buscaba la reutilización demateriales de desecho en la construcción artística. Paraalgunos fue una provocación, otros lo consideraron unapostura pro-ecológica. Lo cierto, es que esta corrientetrascendió las fronteras europeas no como propuesta dereciclamiento de basura, sino como postura ante el arteoficial.

3.5. Instalaciones y Ambientaciones: la reconsideración del espacio

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A partir del arte conceptual y con las aportaciones delóptico, cinético, el happening y demás formas, lasexpresiones artísticas tienden a integrar formasmusicales, plásticas, teatrales, electrónicas yarquitectónicas.La instalación consiste en el diseño artístico en unespacio determinado, que puede integrar objetos colgadosdel techo, incrustados en la pared, muebles, esculturas,juegos de luces, objetos cotidianos, etc. dispuestos porel artista para desarrollar un tema, un concepto ocausar una sensación.Hay instalaciones que integran performance (formasteatrales), como el presentado en Praga, por GailgatesLawler, en 1995. Durante doce días sucedían cosas en unescenario concebido como instalación y como escenariopara el performance. 3.6. El panorama actual.Como últimos puntos de este capítulo hablaremos de lapintura posmoderna, el videoarte y las ciberartes.Si la posmodernidad, como planteaba en el primercapítulo, es el alejamiento de los paradigmas estéticosestablecidos en las décadas del arte de vanguardia es unhecho que estamos ante nuevos paradigmas o ante laausencia de los mismos y, además, con el cansancio delafán innovador y la obsesión por inventar siempre algonuevo, ideas propias de la modernidad.Para algunos, representa una crisis creativa. GillesLipovetsky opina que “los artistas no hacen más quereproducir y plagiar los grandes descubrimientos delprimer tercio del siglo”. Retoman, fragmentan,

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reinterpretan, componen o descomponen...pero noinventan.La pintura muestra una vuelta a la figuración, surgennuevos conceptualismos, la producción es inmensa, lalibertad, considerable, las formas de financiamientoapuntan a la búsqueda de patrocinios que han diluido lafrontera de la reducción artística con el mundo de lapublicidad. En fin, son los tiempos que corren.

3.7. México: la pintura a partir de los sesenta.

En la década del sesenta, la abstracción había sidoasimilada a la pintura mexicana y superado los cánonescontra los que se opuso la generación de la ruptura. Sinembargo, la riqueza cultural de México difícilmentepermite que sus artistas se aparten de la estéticapropia. Así, en el eterno encuentro de lo universal conlo mexicano, nos encontramos frente a una cuantiosaproducción plástica impulsada por las cada vez másnumerosas galerías y por la inauguración, en 1964, delMuseo de Arte Moderno.Los Interioristas. En los inicios de los sesenta, aparece elgrupo denominado Los Interioristas, en una propuesta queequilibra el realismo social y la abstracción. Tieneconexión con las ideas existencialistas y se proclamanhumanistas y disidentes. Representantes de ello sonArnold Belkin, Francisco Icaza o Rafael Coronel. En larevista Nueva Presencia, difunden sus ideas en contradel academicismo, del buen gusto, de los insufribles eintelectualizados críticos y defienden un arte humanistay significativo.

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En el museo exponen abstractos y figurativos. Vlady,Francisco Corzas, Belkin, Louis López Loza, FranciscoToledo, Juan Soriano y un sinnúmero de pintoresencuentran cabida en sus salas.A partir del movimiento del 68 hay un fuerte virajehacia lo social. El arte se une a la contraculturamundial e identifica con la protesta y la denuncia.Surge el trabajo de los grupos, a la manera de Fluxus, enlos que sobresale el trabajo de Alejandro Jodorowski oFelipe Eremberg. El arte conceptual tiene cabida enMéxico precisamente en el trabajo de los grupos, querealizan arte procesual, instalaciones o happennings.Más tarde, hay un resurgimiento de los temas mexicanosen la pintura, que vuelve a la figuración. Comoprincipio de la modernidad, hay un proceso dedeconstrucción de la realidad para recomponerla a partirde valores y símbolos propios de los movimientos devanguardia, representantes de la modernidad, pero con lapátina de los años posteriores: la nueva realidadposmoderna permite la convivencia de figuras clásicascon elementos populares o masivos, permite el uso detécnicas variadas y, sobre todo, la presencia simultáneade estilos e ideas.(http://www.wordreference.com/definicion/vanguardia, 2015)

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¿Qué ES VANGUARDIA?

una serie de movimientos artísticos de principios delsiglo XX que buscaban innovación en la producción

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artística; se destacaban por la renovación radical en laforma y el contenido; exploraban la relación entre artey vida, y buscaban reinventar el arte confrontandomovimientos artísticos anteriores.El vanguardismo se manifiesta a través de variosmovimientos que, desde planteamientos divergentes,abordan la renovación del arte y/o la pregunta por sufunción social, desplegando recursos que quiebren odistorsionen los sistemas más aceptados derepresentación o expresión artística, en teatro,pintura, literatura, cine, arquitectura, música, etc.Estos movimientos artísticos renovadores, en generaldogmáticos, se produjeron en Europa en las primerasdécadas del siglo XX, desde donde se extendieron alresto de los continentes, principalmente hacia América,en donde se enfrentaron al modernismo. La característicaprimordial del vanguardismo es la libertad de expresión,que se manifiesta alterando la estructura de las obras,abordando temas tabú y desordenando los parámetroscreativos: en poesía se rompe con la métrica y cobranprotagonismo aspectos antes irrelevantes, como latipografía; en arquitectura se desecha la simetría, paradar paso a la asimetría; en pintura se rompe con laslíneas,

Las formas, los colores neutros y la perspectiva. 

(http://www.wordreference.com/definicion/vanguardia,

2015)

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¿Qué ES EL FAUVISMO?

fue un movimiento pictórico francés de escasa duración.Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.Características del Fauvismo son básicamente: lasimplificación de las formas y énfasis en los colorespara dar volumen, crear planos y perspectivas. Los temasde las pinturas casi siempre relacionados con una vidasimple y feliz; se realizaban retratos, así comodesnudos, el paisaje rural y urbano, pero muy raramentese hacia alguna crítica socio-política hacia larealidad.Las creaciones seguían los instintos primarios y no sepreocupaban demasiado con la técnica o la perfección dela obra; el objetivo era dar vida a los impulsos ytraducirlos como sensaciones y sentimientos en su formamás elemental. Esa intención se creaba sobre todo conel color – gran protagonista del Fauvismo – utilizado deforma independiente y que generalmente no respetaba elcolor de la realidad; los artistas de esa vanguardia nose veían obligados a pintar un objeto de su colororiginal y esa característica garantizaba cierto tono derebeldía y a la vez una expresividad jamás vista.Quizás esa obsesión por el uso de los colores de maneraapasionada y subjetiva hicieron que los artistas de esemovimiento olvidasen el modelado, el claroscuroenfatizando solamente en la manera despojada de hacerarte. Las pinturas están impregnadas de pinceladasviolentas, espontáneas y definitivas.Uso de colores de forma exagerada, plasmando lasensación física de los colores que muchas veces nocorrespondían a la realidad. Podemos encontrar manchas

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largas que formaban grandes planos, así como el uso decolores puros.

El término “Fauvismo” – que en buen francés significa“fieras” – surgió casi como una crítica y una forma dedefinir ciertas obras que no eran clasificadas y tampocose encajaban en ningunas de las vanguardias hastaentonces existentes. La crítica de Louis Vauxcelles aldefinir esas obras, que al parecer de muchos pareceincluso peyorativo y negativo – acabó convirtiéndose enla descripción de ese trabajo tan singular.(http://www.candelavizcaino.com/2013/02/el-fauvismo-definicion-caracteristicas.html, 2015)

¿Qué ES EL CUBISMO?

es el movimiento más significativo y transcendente de lahistoria de la pintura occidental desde el Renacimiento,por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, elconcepto de belleza y las nuevas formas de observar lanaturaleza. Su visión del arte es tan radicalmentediferente que conmocionó todo el mundo del arte. Apartir del cubismo, el concepto de arte y de bellezacambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y lasobras anteriores se mirarán de otra forma. El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y unanueva estética, un replanteamiento integral de lapintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni losmás radicales fovistas se habían atrevido a romper conel lenguaje convencional y sensitivo que representaba,en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiemposgriegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte

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mental no sólo en las formas sino en la concepción de laobra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Haráun replanteamiento de la obra de arte, de lo que son lasformas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, elvolumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige delespectador un esfuerzo mental para reconstruir lafigura, que no se observa a simple vista. En el cubismono es el color, sino la línea la que crea la figura ycompone el cuadro. Sus obras no son producto de lacasualidad sino de un proceso de creación meditado yconsciente. El cubismo se pregunta, también, por los problemas delvolumen y del espacio. Su ruptura con la tradiciónrenacentista e impresionista es total, y busca un nuevoespacio pictórico para sus formas. Una de lascaracterísticas del cubismo es su representación enblanco y negro, consecuencia de su desvinculación con lanaturaleza e influido por la fotografía, para facilitarla lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por larepresentación del movimiento y por lo tanto del tiempo:de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevosignificado tras la teoría de la relatividad deEinstein. El cuadro cubista pretende representar, almismo tiempo, todas las formas posibles de ver unafigura, esto implica que el espectador está obligado amover los ojos para recomponer la figura. El colorceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstruccióndel cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana,vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, yeso es lo que pretende captar el cuadro cubista. (http://pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm, 2013)

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¿Qué ES EL POP ART?

es un movimiento artístico que nace en 1954 cuandoLawrence Alloway utiliza por primera vez el término popart. Con esta abreviatura Alloway se refería al artepopular que estaba creando la publicidad de masas, y quetenía como objeto principal los intereses colectivos delpueblo, aunque éste no fuera su destinatario. Se tratabade un arte ciudadano, originario de las grandes ciudadesy totalmente alienado de la naturaleza, un arte queusaba imágenes conocidas con un sentido diferente paraobtener una nueva estética o para conseguir una visióncrítica de la sociedad de consumo. Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativotemas de la sociedad de consumo, como botellas derefrescos, paquetes de cigarrillos o envoltorios dechicle. Su temática directa y clara lo convirtió en unarte accesible al público en general. El arte pop senutrió también de imágenes de tebeo, revistas,periódicos, del cine y de la televisión, de anunciosfluorescentes de grandes comercios y de tipografíaschillonas. Uno de los mejores representantes del movimiento delarte pop es Andy Warhol, que trabajaba a partir devariaciones fotográficas de un mismo tema mítico.“Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopaCampbell’s” son algunas de sus obras maestras. Warholquería eliminar de la obra de arte cualquier signo demanualidad, por eso muchas de sus obras están hechas a

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partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Otrode los grandes del arte pop es Roy Lichtenstein, elpintor neoyorquino que se inspiraba en los dibujosanimados, la publicidad y la televisión para ilustrarsus conocidos cómics(http://www.arteespana.com/artepop.htm, 2010)

¿Qué ES EL OP ART?

es una corriente artística difundida en EEUU pero precedida en Europa por numerosas experiencias sobre la percepción retiniana de imágenes fijas o en movimiento. En 1965, el Museo de Arte Moderno de Nueva York albergó una exposición de artistas de todo el mundo consolidandoel estilo. Algunas de sus características son: -Es una corriente artística abstracta. 

-Engaña al ojo humano mediante ilusiones ópticas. 

-Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro y preciso. 

-Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectadorprovocando una sensación de movimiento (virtual) mediante efectos de ilusión óptica. 

-Se obtiene una modificación de la percepción visual delespectador mediante el empleo de determinadas líneas y

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colores en relación mutua. 

-En general, se consiguen efectos ópticos por medio del blanco y negro, mediante círculos concéntricos, en espiral, etc. 

-En el Op Art existe una ausencia total de movimiento real. 

-Se usa la repetición de las formas simples. 

-Los colores crean efectos vibrantes. 

-Gran efecto de profundidad (espacialidad). 

-Confusión entre fondo y primer plano (ambigüedad). 

-Hábil uso de las luces y las sombras. 

-El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve. 

-Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de totaldinamismo. 

-En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen. 

Un artista destacado fué el húngaro Victor Vasarely

(http://agnesduperrin.blogspot.mx/2012/04/arte-optico.html, 2013)

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¿Qué ES EL ARTE ABSTRACTO?

abstracto es un movimiento artístico quesurgió alrededor de 1910 y cuyo propósito esprescindir de todos los elementos figurativos,para así concentrar la fuerza expresiva enformas y colores sin ninguna relación con larealidad visual. El concepto "abstracto" se desarrolla a partirde la oposición a la figuración y designa a lavez, dos formas diferentes de arte nofigurativo: 2.- La abstracción lírica, que como arteinformal es expresión de la creatividadintuitiva. En lo primero, se utiliza la abstracción comomedio racional, con el fin de obtener unaparato ordenador de formas que destaque laestructura de la naturaleza de las cosas quenos rodean como una fórmula operativa; losegundo alude a aquellas composiciones en queel objeto en sí se vuelve insignificante, yaque lo que importa son las emociones, que enel cuadro se concretan como acordes compuestosde color y línea. La pintura se convierte enla exteriorización de la libertad delespíritu, reflejada a través de colores yformas. (http://www.monografias.com/trabajos14/arte-abstracto-xx/arte-abstracto-xx.shtml, 2012)

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¿Qué ES EL FUTURISMO?

es un movimiento literario y artístico quesurge en Italia en el primer decenio del S. XXmientras el Cubismo aparece en Francia. Giraen torno a la figura de Marinetti, quienpublica en el periódico parisiense Le Figaroel 20 de Febrero de 1909 el ManifiestoFuturista. Proclama el rechazo frontal alpasado y a la tradición, defendiendo un arteanticlasicista orientado al futuro, querespondiese en sus formas expresivas alespíritu dinámico de la técnica moderna y dela sociedad masificada de las grandesciudades. En 1910 ya se puede hablar de un grupoliderado por Marinetti. Trabajarán artistascomo los pintores Russolo, Carrá, Boccioni,Balla o Severini. El futurismo fue llamado asípor su intención de romper absolutamente conel arte del pasado, especialmente en Italia,donde la tradición artística lo impregnabatodo. Quieren crear un arte nuevo, acorde conla mentalidad moderna, los nuevos tiempos ylas nuevas necesidades. Para ello toma comomodelo las máquinas y sus principalesatributos: la fuerza, la rapidez, la

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velocidad, la energía, el movimiento y ladeshumanización. Dignifica la guerra comoespacio donde la maquinación, la energía y ladeshumanización han alcanzado las máximasmetas. La característica principal del futurismo esla plástica del dinamismo y del movimiento. Elefecto de la dinámica se transmitía envibrantes composiciones de color que debíanproducir un paralelismo multisensorial deespacio, tiempo y sonido. Al principio, sevalieron para la realización de sus objetivosartísticos de la técnica divisionista,heredada del neoimpresionismo y más tarde seaplicó la técnica cubista de abstracción comoprocedimiento para desmaterializar losobjetos. A partir de estas premisas, larepresentación del movimiento se basó en elsimultaneismo, es decir, multiplicación de lasposiciones de un mismo cuerpo, plasmación delas líneas de fuerza, intensificación de laacción mediante la repetición y layuxtaposición del anverso y del reverso de lafigura. Buscaban por todos los medios reflejar elmovimiento, la fuerza interna de las cosas, yaque el objeto no es estático. Lamultiplicación de líneas y detalles,semejantes a la sucesión de imágenes de un

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caleidoscopio o una película, pueden dar comoresultado la impresión de dinamismo. Crearonritmos mediante formas y colores. Enconsecuencia, pintan caballos, perros yfiguras humanas con varias cabezas o seriesradiales de brazos y piernas. El sonido puedeser representado como una sucesión de ondas yel color como una vibración de formaprismática. Los pintores extraen sus temas de la culturaurbana, máquinas, deportes, guerra, vehículosen movimiento, etc., eliminandoprogresivamente todo populismo o simbolismo. (http://www.artehistoria.com/v2/estilos/53.htm, 2007)

¿Qué ES EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO?

es el término por el cual se conoce latrayectoria que siguió la pintura abstracta apartir de los años 1940 en Europa y enAmérica. Fue un polémico estilo que aparecióen la postguerra fundado por Jackson Pollock yWillem De Kooning. Los estilos de los artistas usualmenteagrupados en lo que se denomino ExpresionismoAbstracto eran diferentes entre sí, perosiempre coincidían en el rechazo a los valoresestéticos y sociales tradicionales y en labúsqueda de una expresión libre, espontánea ypersonal. 

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Fue un movimiento pictórico de mediados delsiglo XX, cuya principal característicaconsiste en la afirmación espontánea delindividuo a través de la acción de pintar.Existe una gran variedad de estilos dentro deeste movimiento que se caracteriza más por losconceptos que subyacen en él que por lahomogeneidad de estilos. Como su propio nombreindica, el Expresionismo Abstracto es un arteno figurativo y, por lo general, no se ajustaa los límites de la representaciónconvencional. (http://asociacionceat.org/aw/1/index.htm, 2006)

¿Qué ES EL SURREALISMO?

En 1924 André Breton, líder del movimiento, lodefine como "el dictado de pensamiento carentede todo control ejercido por la razón y fuerade toda preocupación estética o moral". El origen del surrealismo es literario, perolo trasciende para convertirse en una actitudante la vida, crítica y a la vez constructiva.Guillaume Apollinaire utiliza la palabrasurrêaliste en 1917 en un programa teatral deuna obra de Erik Satie para el Ballet Parade.En los años siguientes, Breton, Aragon ySoupault se reúnen con frecuencia en casa deApollinaire y participan de las actividadesdel Dadaísmo. De éste, toman la importancia

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del azar y el sentido de rebeldía, perorechazan su carácter negativo y destructivo.En conversaciones posteriores, Breton y Eluardinciden en la exploración del inconsciente yla imaginación, en el método de la escrituraautomática y en el estudio de las teorías delpsicoanálisis de Freud. La declaración deintenciones del grupo aparece en 1924 en elManifiesto Surrealista de Breton, al tiempoque se inicia la edición del periódico LaRévolution Surréaliste. Defienden lainconsciencia, el sueño y la locura, einauguran en 1925 la primera exposición delsurrealismo en la Galería Pierre de París, conobras de Arp, Ernst, Ray, Klee, de Chirico,Miró, Picasso y Pierre Roy. La transposicióndel inconsciente a las artes visualesgarantiza la libertad de estilo de susintegrantes. Miró y Max Ernst llevan elautomatismo psíquico a la pintura, siendo lossignos susceptibles de numerosasinterpretaciones. Magritte y Dalí se decantanpor un arte figurativo de escenas insólitas aveces plagadas de ambigüedades. La defensa dela libertad, en el más amplio sentido,dificulta por una parte los planteamientospolíticos de algunos de sus miembros a finesde los años veinte, época en que el movimientosale de las fronteras de Francia; pero

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propicia el nacimiento del expresionismoabstracto, al tiempo que posibilita otrasmanifestaciones posteriores como el arte pop oel arte povera. 

(http://www.artehistoria.com/v2/estilos/53.htm, 2007)

¿Qué ES EL EXPRESIONISMO?

es una corriente artística que busca laexpresión de los sentimientos y las emocionesdel autor más que la representación de larealidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generadopor las circunstancias históricas del momento.La cara oculta de la modernización, laalineación, el aislamiento, la masificación,se hizo patente en las grandes ciudades y losartistas, creyeron que debían captar lossentimientos más íntimos del ser humano. Laangustia existencial es el principal motor desu estética. El fin es potenciar el impacto emocional delespectador distorsionando y exagerando lostemas. Representan las emociones sinpreocuparse de la realidad externa, sino de lanaturaleza interna y de las impresiones quedespierta en el observador. La fuerza

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psicológica y expresiva se plasma a través delos colores fuertes y puros, las formasretorcidas y la composición agresiva. Noimporta ni la luz ni la perspectiva, que sealtera intencionadamente. La obra de arte expresionista presenta unaescena dramática, una tragedia interior. Deaquí que los personajes que aparecen más queseres humanos concretos reproduzcan tipos. Elprimitivismo de las esculturas y máscaras deÁfrica y Oceanía también supuso para losartistas una gran fuente de inspiración. (http://asociacionceat.org/aw/1/index.htm, 2006)

¿Qué ES EL DADAISMO?

Dadaísmo 1915/1922. El más radical y agresivo de los -istmos deprincipios de siglo nació en Zürich (Suiza)obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardiaanarquista que se mostró rotundamente encontra de cualquier norma social, moral oestética. Contundente, destructor yprovocador, basado en lo absurdo, loelemental, lo casual y lo azaroso (la mismapalabra dadá que designó el movimiento seescogió de modo arbitrario en un diccionario).Su objetivo principal era cuestionar unoscriterios artísticos fuertemente afianzados y

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aceptados en la época. El ejemplo máximo deDadá fue el artista francés Marcel Duchampque, a través de los denominados ready-mades(objetos industriales sin valor, elevados a lacategoría de obra de arte por el simple hechode exponerlos en un museo bajo una firma y unafecha) trató de ridiculizar la veneraciónpasiva y poco crítica del público burgués.Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abriósus fronteras y aceptó otros modos deexpresión artística, lo que fue su mayoraportación. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además deDuchamp, los componentes de este grupo fueronHans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y elfotógrafo Man Ray

(http://www.poesias.cl/dada_dadaismo.htm, 2003)

¿Qué ES EL SUPREMATISMO?

Vanguardia de origen ruso que comienza con elmanifiesto de Casimir Malevitch. Busca lasensibilidad pura del arte a través de unlenguaje plástico nuevo, sin referenciasfigurativas ni influencias artísticas previas.Evita cualquier referencia de imitación a lanaturaleza recurriendo a módulos geométricosde formas puras y perfectas de color austero,

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en especial el uso del blanco y el negro conalgún color poco saturado. Al ser obras de pocos elementos, y ademásgeométricos, tendrá mucha importancia lacomposición y distribución de éstos en lasobras. (http://es.slideshare.net/david_260986/suprematismo-8454011, 2001)

¿Qué ES EL CONSTRUCTIVISMO?

1913/1920. Esta nueva vanguardia comparte origen y fechascon la anterior, por lo que su desarrollo esparalelo y ambas se vigilarán de reojo en suevolución. El constructivismo, con alta cargapolítica e ideológica propia de la revoluciónrusa, pretende la unión entre las artes,pintura, escultura y arquitectura, por lo quecomparte objetivo con una del las escuelas másfamosas de la Historia del Arte, la Bauhaus.Este hecho no es casual, pues variosconstructivistas fueron profesores oimpartieron seminarios en algún momento endicha escuela alemana. Sus autores principalesfueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, AntónPevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo deeste movimiento es su manifestación cinéfila

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obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de“El acorazado Potemkin” un gran ejemplo

(ESPAÑOLA, 2005)

¿Qué ES EL NEOPLASTICISMO?

De origen holandés, el grupo que lo desa rrolló recibió el nombre de “De Stijl” (elestilo) debido al nombre de la revista en laque trabajaban sus componentes y en la quepublicaban sus escritos. Fue una prolongaciónde los valores estéticos el constructivismo,aunque sin su ideología y compromiso político.Demostraron su intento por aunar disciplinasen proyectos completos. Diseñaban el edificioy el interiorismo (muebles, colores de lasparedes, colocación de los mismos…) en unmismo proyecto porque entendían que no eranconceptos distintos. Con ánimo de huir de lasreferencias naturales recurrieron a las formasgeométricas puras y a los colores saturados,especialmente los primarios y el negro paradar contraste. Sus principales componentesfueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian.

(http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/neoplasticismo.htm)

¿Qué ES EL INFORMALISMO?

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Tendencia pictórica, también denominada aveces, Tachismo o Abstracción Lírica, a pesarde su desarrollo independiente, compartió conel Expresionismo Abstracto el peso delsurrealismo, del automatismo, de laimprovisación psíquica como revelación delmundo subjetivo del artista. Se caracterizapor el uso de grandes empastes de pintura, enmuchas ocasiones con aditivos (arena, polvo demármol, yeso…). Su pincelada es impulsiva y dala máxima importancia al gesto. El artista másrepresentativo del estilo fue Jean Dubuffet.(http://asociacionceat.org/aw/1/index.htm, 2006)

¿Qué ES EL ARTE POVERA?

Vanguardia de procedencia italiana, su máximorepresentante fue Miguel Ángelo Pistoletto. Leinteresa la reutilización de materialtecnológicamente poco avanzado, tradicional,no industrial. Tiene como influencia directael dadaísmo, especialmente el trabajo deDuchamp. De alto componente conceptual, vuelvea cuestionar determinados criterios artísticosde aparente aceptación general. Entre losartista que cultivan el arte Póvera destacanAntonio Tápies y Govanni Anselmo.

(http://artescontemporaneos.com/arte-povera/)

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Minimal Art.

El arte minimal comenzó siendo una vanguardiamás, aunque su proyección e influencia ha sidoenorme en el arte y el diseño de final delsiglo XX y principios de XXI. Inspirada en elarte oriental, tiene como lema “menos es más”,de modo que, si una imagen, un interior, unobjeto industrial, etc., se puede resolver conun mínimo de elementos no se le añadirá ni unomás. De este modo, produce imágenes limpias,aparentemente vacías y simples, aunque congran carga estética más que funcional. Uno desus representantes fue Sol le Witt.

(http://artcayuso.blogspot.mx/2010/03/arte-minimal-minimal-

art.html)

Arte Cinético

Tiene como principio básico el movimiento, demanera que ha estado más presente en esculturaque en pintura. Las obras de arte cinético se pueden encuadraren tres subcategorías: obras con movimientopropio, ya que se mueven por medio de unmecanismo (motores, ingenios eléctricos) o poracción de algún elemento independiente(música, viento, temperatura), obras deilusión óptica en las que se encuadra lapintura cinética, y obras interactivas en las

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que el espectador debe accionar o ejecutaralguna acción. Como representantes de cada unode estos grupos podemos nombrar a AlexanderCalder, con sus móviles, estructurascolgantes muy ligeras que se mueven con elviento, al español Eusebio Sempere, con susserigrafías de líneas muy finas y geométricasque al entrecruzarse producen la sensaciónóptica de movimiento, y a Marcel Duchamprespectivamente.

(http://www.ecured.cu/index.php/Arte_cin%C3%A9tico)

Hiperrealismo.

Se entiende como una prolongación o evoluciónnatural del Pop Art. En particular, losretratos e imágenes Pop, poseen el atractivode ser similares a la realidad debido a suorigen (muchas de estas imágenes, como losretratos de Andy Warhol se obtuvierondirectamente de fotografías) aunque con unlenguaje propio, la mayoría de las ocasionesreducciones de color, dos o tres tonossaturados con el retrato en negro. El grado deiconicidad de una obra, es decir, su parecidocon la realidad comenzó a valorarse y esoprodujo el nacimiento del Hiperrealismo, unmovimiento cuyo objetivo era conseguir elmayor parecido posible con la realidad, hasta

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límites nunca alcanzados anteriormente. Es,por tanto, una vanguardia de alto podertécnico y de una meticulosidad exagerada en suejecución. La fotografía fue su principalcompetencia, aunque siempre trató dedistanciarse produciendo imágenes que nopudiesen ser fotografiadas, escenariosimposibles, ángulos forzados, etc. con lo queconsiguió su propio terreno en el Arte.

(http://www.artehistoria.com/v2/estilos/53.htm, 2007)

Arte Conceptual.

Aunque se puede considerar que el ArteConceptual nació con el dadaísmo, no fue hastaalgo más tarde que se desarrollara como unavanguardia independiente. Sin embargo,comparte muchas de las premisas dadaístas, sincuya existencia el Arte Conceptual no tendríarazón de ser. Es una vanguardia de denunciahacia una sociedad poco concienciada y críticacon lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a lareflexión y a cuestionar aspectos muyafianzados relativos al mundo artístico y a sumercado. (http://asociacionceat.org/aw/1/index.htm, 2006)

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Happenings.

Expresión del Arte conceptual que se puedeconsiderar independiente. Consiste en realizaruna acción, un evento, una actividad que, ensí misma, como acto, se considera una obra deArte. Suele tener un guión, parecido a unaobra de teatro aunque se da mucho laimprovisación del artista. Se puede dar endiferentes contextos, involucrando en muchasocasiones al público. Allan Kaprow fue elprimero en utilizar el término happening en1957 en una convención artística paradescribir algunas de las piezas a las quehabían asistido.

(http://es.thefreedictionary.com/happening)

Body Art.

El Body Art comparte ideas del ArteConceptual y del Happening, aunque se centraen especial en el cuerpo humano. Reflexionaacerca de él y lleva a cabo susmanifestaciones mediante el propio cuerpo. Sustemas son eminentemente sociales, sexuales ode contraposición del cuerpo masculino yfemenino. Uno de sus baluartes es BruceNauman.

(ESPAÑOLA, 2005)

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Land Art.

Corriente artística surgida a finales de losaños sesenta en Estados Unidos que tiene comofin trasladar el trabajo artístico a losespacios naturales, los cuales sontransformados por el pensamiento y acción delartista. Generalmente las piezas adquierenenormes dimensiones y su presentación en lasgalerías suele llevarse a cabo con una extensadocumentación de fotografías, videos y textos.Una pareja artística que se encuadra en estavanguardia son Christo y Jeanne-Claude.

(http://asociacionceat.org/aw/1/index.htm, 2006)¿Qué significa el fin del arte?

¿Cuáles son sus causas y sus consecuencias?

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La reflexión acerca del fenómeno denominadocomo fin del arte es una cuestión fundamental parapoder pensar en la producción artísticaactual. Esta propuesta generó, a lo largo dela historia de la filosofía y su preguntarsepor la esencia de la obra de arte, una seriede revoluciones y quiebres de paradigmas quenos permiten entender la manera en la cual selleva a cabo la obra artística contemporánea.Son varios los puntos a analizar para lograrentender el funcionamiento de tal reflexión,así  como las consecuencias que nos ha legadoa lo largo de la historia, sobre todo para elarte del siglo XX. Por ello este texto tocarávarios temas que se presentan como puntos deenfoque que harán más comprensible el procesomismo del pensar en de la obra de arte.

(Castro, caracteristicas, del arte 1567)

Iniciaré exponiendo la estructura críticadel pensamiento kantiano que derivó en lanecesidad del arte de justificarse a sí mismo.Clement Greenberg otorga a Kant el título de“primer moderno verdadero ya que en supensamiento se plasma la disquisiciónfuertemente autocrítica, en un sentidointerior, a partir del análisis de su mismaestructura, que llevó a cabo la modernidadpara afianzar su estatuto superior comosistema, como disciplina de organización

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filosófica. Partiendo de la disertaciónkantiana, se encuentra la idea de intuiciónintelectual, la cual es retomada por Schillingpara dar una fundamentación prioritaria alarte. La intuición intelectual ocurre paraKant como la forma de resolver lacontradicción entre dos posturas explicativasde la naturaleza: la primera, a la cualllama explicación mecánica, que intenta dar razónde las cosas a partir de una idea de causa yefecto que, necesariamente, se estanca porintentar dar razones hasta de las cosas máspequeñas según su interrelación de causalidady su comprobación experimental. La segunda,llamada explicación teleológica, logra abarcar latotalidad, sin embargo, necesariamente hacereferencia a una visión inherente a larealidad inmanente de estos supuestos fines,es decir, sólo abarca el campo de lointeligible y no da razón de un fundamento enla naturaleza. Sobre esta dificultad nos diceBürger:

Kant se encuentra aquí con el problema delos límites de una explicación mecánica de losfenómenos naturales. Ello le conduce aintroducir la explicación teleológica junto ala mecánica, para los organismos y para latotalidad de la naturaleza).Pero entonceslimita la pretensión de validez de tal tipo de

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explicación. Pues el fin es una Idea, esdecir, un principio regulador de la razón,sobre cuya existencia objetiva no podemoshacer enunciados afirmativos ni negativos.Esto sólo nos sería posible si tuviéramos unentendimiento intuitivo o una intuiciónintelectual, es decir, una facultad deconectarse inmediatamente con la cosa en sí,con el fundamento real de la naturaleza

Vemos ya aquí una estructura que intentahablar de las cosas en sí, tema que, al serextendido a la estética, será central en ladisertación acerca de la pregunta  ¿qué es elarte?, como veremos más adelante.

(Bürger, 19996)

Ahora bien, tras la proposición de unaintuición intelectual hecha por Kant, quienademás señala que el ser humano no tiene lacapacidad de utilizar esta categoría mas quecomo un elemento que le hace consciente de suslimitantes al conocer, Schelling considera queel hombre necesariamente ocupa la intuiciónintelectual como el “órgano especulativo delfilosofar”: es la facultad que produce yademás logra reconocer el absoluto.Consecuentemente, Schelling señala que estacapacidad del ser humano está fundamentada enel arte, convirtiendo la categoría de Kant

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ahora en una intuición estética que habla delconocimiento del absoluto a través ya no de lacontemplación, sino de la producción. El artefunge, gracias a la intuición estética, comoun modo superior de conocimiento encomparación con el que se deriva delentendimiento, pues nos habla, a través de laproducción, acerca de lo real.

Tras señalar las bases de la críticamodernista hecha por Kant, y configurada porSchelling, continuaré explicando brevemente laidea del arte y el concepto de estética enHegel, tomando la idea de autocrítica quetiene su origen en la especulación kantianacomo punto de partida para desarrollar ladisertación que intentará exponer laproblemática que surge tras la idea del findel arte entendido éste a partir de sucondición de pasado.

Hegel desarrolla una estética que ocurrecomo una respuesta a la noción tradicional delarte aceptada en su época, principalmenteencontrada en el pensamiento kantiano; así nosexplica Peter Szondi:

“Lo que en las épocas anteriores erasobreentendido, la sensación, la percepcióncomo punto de partida de la determinación dela esencia del arte, se tematiza en Kant.

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[...] Con ello, se da también el primer pasopara una estética que ya no toma como punto departida el efecto de la obra de arte sobre elser humano, no toma ya sus sentimientos, sinoque se declara capaz de concebir el arte apartir de sí mismo; el primer paso, por tanto,hacia una filosofía del arte objetiva.

Hegel distingue las bellas artes de todo aquelloque tiene meramente “la función de alegrar yadornar los asuntos de la vida”es decir:las bellas artes son aquellas que responden a unafinalidad en sí mismas, que se instituyendentro de sí, y que son libres y a la vez sonrepresentación corpórea de la libertad.Asimismo le otorga un valor superior a lobello artístico sobre lo bello natural, pueslo primero responde a lo verdadero, es decir,en palabras de Hegel, al espíritu, a lo real,y por lo tanto, si participa de lo que abarcatodo en sí, lo bello que encontramos en lanaturaleza es en realidad bello si forma partede este elemento más elevado. Es entoncescuando encontramos en Hegel al arte como partefundamental en la tríada de elementosprimordiales para lograr la comprensión delabsoluto (tópico surgido en Schelling, peroexpandido en la estructura ontológico-histórica hegeliana). Así pues, el arteprovoca la autoconciencia del espíritu en el plano

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sensorial, a través de las representacionessensibles, que corresponden a lainterpretación de la totalidad en unamanifestación material; pero para Hegel, comose señaló anteriormente, el arte es solamenteun escalón en la comprensión de la totalidad,pues, como nos dice Bürger “el arte seconvierte en un modo de captación de la verdadhistóricamente superado”[6], esto debido a quetanto la religión como la filosofía comprendenun conocimiento más profundo de la totalidad.Es así como Hegel llega a la idea del fin delarte, al considerarlo superado primeramente porla religión, para luego pasar a la filosofía;pero esto no significa que deje de existir laproducción artística, más bien toma un enfoqueque intentará responder, como se ha señaladoantes en este texto, a la pregunta ¿qué es elarte?

(Danto, 1995)

Tras la crítica realizada en la modernidad,sucede en el mundo de la producción y lareflexión respecto al arte una búsqueda defundamentación de la obra artística. Nos diceDanto que a partir de la reflexión filosófica,intentando ésta producir una definiciónuniversal de arte, tras la idea del fin delarte hegeliana, que habla de una superacióndel espíritu absoluto en términos del

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autoconocimiento en la sensibilidad, paraavanzar hacia la religión, aparece una especiede expansión, así como una mayor reflexiónrespecto al proceso de producción yfundamentación de la creación artística. Loque antes era el fundamento de la producciónartística, es decir, la idea de una imitaciónde la realidad, pasa a segundo término:

El modernismo está marcado por el ascenso aun nuevo nivel de conciencia, reflejado en lapintura como un tipo de discontinuidad, comosi acentuar la representación mimética sehubiera vuelto menos importante que otro tipode reflexión sobre los sentidos y los métodosde la representación. La pintura comienza aparecer extraña o forzada

La nueva óptica desarrollada en laproducción de arte ya no busca tener similitudcon la realidad; dar a la plenitud del cuadrouna especie de ilusión que provoque en elespectador la sensación de estar viendo unpaisaje natural real ahora es lo menosimportante, el arte ahora intentará ocupar suslimitantes de manera positiva:

Los maestros del pasado habían constatado lanecesidad de preservar lo que se denomina laintegridad del plano del cuadro; esto es, lanecesidad de indicar, por debajo y por encima

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de la ilusión más verídica del espaciotridimensional, la presencia persistente de laplenitud. Esta contradicción aparente eraesencial para los logros de su arte, como loes finalmente para el éxito de toda pintura.Los artistas modernos no han evitado niresuelto esta contradicción; más bien haninvertido los términos. Frente a sus obras unotoma conciencia de la plenitud de los cuadrosantes, y no después, de tomar conciencia de loque esta plenitud contiene. Mientras se tiendea ver lo que se representa en un lienzo de unviejo maestro antes de ver el cuadro en sí, enuna pintura moderna lo primero que se ve es elcuadro.

Con respecto al modernismo, Danto señala queeste término “había adquirido un significadoestilístico y un significado temporal” Estoquiere decir, primeramente, que el modernismodesarrolló cierta estructura en cuanto alproceso de producción artística que, como yase ha señalado, se había preocupado únicamentepor la idea de representación: mientras másreal pareciera una obra pictórica, eraconsiderada mejor o peor arte. Después de ladisertación hegeliana, en el arte se trasladaa segundo término la idea de mimesis y seprocura una búsqueda en lo referente a lamanera de la representación. Sin embargo, esto

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no quiere decir que el arte del pasado pierdasu validez:

Quizás no he insistido lo suficiente en queel arte moderno nunca ha supuesto -ni losupone ahora- algo parecido a una ruptura conel pasado. Puede haber significado un ocaso,una paulatina decadencia de la tradición, perotambién ha representado un avance, un progresode esta tradición.

Así mismo, según Danto, ocurre que ya noexiste una linealidad sucesiva en laproducción artística, la obvia expansiónestilística en la producción de obras de artehace imposible denominar cuál arte sigue acuál, en términos de influencias y conexionesde estilo, algo que jamás había ocurrido en lahistoria del arte previo al modernismo. Dantoexplica que no hay que pensar en un fin delarte entendido como muerte, como laimposibilidad de hacer arte frente a suextinción, más bien refiere a la idea de unrelato histórico lineal que ya no pudomantenerse a flote frente a la multiplicidadde estilos que intentaron establecer unasucesión con respecto al arte previo almodernismo.

Por otra parte, justo aquí encontramos unasimilitud entre el pensamiento de Hegel y

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Danto, ya que ambos señalan el fin del arte enun sentido histórico y consideran que laproducción artística intenta responder a lapregunta sobre el arte como creación; aunque,como se desarrollará a continuación, las dosdisertaciones exponen argumentacionesclaramente dispares. En el caso de Hegel, elfin del arte responde a una necesidad delhombre, entendido este en su conjunto comoespecie, de lograr una mayor comprensión delespíritu, dejando en el pasado al arte paraavanzar hacia la religión. Danto, por otraparte, considera que el fin del arte respondea una superación de la idea del “deberser” para la creación artística, que proviene,como nos señala Szondi, desde Hegel, pues ésteseñala que el arte debe responder a ciertosparámetros –refiriéndose esto a la idea dearte como una expresión del absoluto- para serconsiderado como tal. Esta estructura de lafilosofía del arte hecha por Hegel se viopotencializada en su reinterpretación en loque Danto llama la era de los manifiestos, período enel cual se provocó una constante contiendaentre los diferentes grupos artísticos de laépoca para enaltecer su arte, llámese estecubismo, fauvismo, futurismo, estridentismo,surrealismo, etc. y denigrar a cualquier otrogrupo de creadores que no estuviera dispuesto

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a seguir sus reglas. Tras esta constante luchade imposición estilística, ocurre un cambioque, gracias a un proceso histórico deconstante cambio y modificación lineal en elarte, provoca, en palabras de Danto:

La sensación de que no tenemos un estiloidentificable, que no hay nada que no seadapte a él. Pero eso es lo que caracteriza alas artes visuales desde el fin delmodernismo, como un período que es definidopor una suerte de unidad estilística, o almenos un tipo de unidad estilística que puedeser elevada a criterio y usada como base paradesarrollar una capacidad de reconocimiento, yno hay en consecuencia una posible directriz.Por ello es que prefiero llamarlosimplemente arte posthistórico.

Es, por lo tanto, un cambio que provoca unatotal libertad para el artista, sin ningúntipo de regla que delimite su obra, lo cualprovoca un verdadero conflicto, como el mismoDanto señala, al exponer el problema dela Brillo Box de Warhol, pues, ya no hay unadiferenciación entre la obra de arte y elobjeto de la vida cotidiana. Ahora cualquiercosa puede ser arte sin que el espectador losepa. “Hoy no existe más ese linde de la

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historia. Todo está permitido.”  Nos diceSixto Castro:

De una extensión enorme, pasamos a unaextensión reducida para, finalmente, romperlas barreras, por la propia dinámica históricadel arte, y volver a abrir la extensión, lainfinidad de productos y de prácticas que hoypretenden acceder al restringido y distinguidoreducto del arte es muy grande, y eso planteagrandes interrogantes acerca de la naturalezamisma del arte, en la medida en que nossituamos en los límites del concepto.

(Greenberg, 2006)

Volviendo a la idea de la era de los manifiestos,debido a esta constante discusión entre losartistas por establecer y fundamentar su artecomo el mejor, logra introducirse a la filosofía“en el corazón de la producción artística”, esdecir, se provoca una pregunta por elentendimiento filosófico del arte, y segúnDanto, ocurre que se comienza a “crear arteexplícitamente con el propósito de saber filosóficamente quées el arte”. Por lo tanto, la argumentación deHegel respecto a la idea de la producciónartística, ya superada por la religión y lafilosofía, como búsqueda de una respuesta a lapregunta sobre el arte se robustece, pues a lolargo de todo el modernismo no hubo una sequía

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en el ámbito del arte, más bien ocurrió unasobreproducción y una discusión que tuvo sucumbre en lo que para Danto es el fin delarte: “yo escribía sobre cierto meta relatoque, pensé, había sido objetivamente cumplidoen la historia del arte, y que me pareció quehabía llegado a su final” Con esto Dantoenlaza su razonamiento con la idea de progresoen el arte que tuvo lugar a partir de ladisertación de Hegel, pero para Danto esto yano es posible, debido a la sobreproducciónartística a lo largo de la era de los manifiestosy, a su vez y a la superación de ésta. Seprovoca entonces una total libertad para elartista, pues la problemática filosófica delarte es ahora concerniente únicamente alfilósofo; la producción artística no tieneahora límites, se ha producido entonces el findel arte, entendido este, según Danto, como elconcluyente de una etapa de discusión porsaber cuál es el verdadero arte.

Concluyendo, desde el nacimiento de unaautocrítica sobre la filosofía en diversostópicos, entre los cuales se encontraba laidea del arte, realizada ésta a partir deKant, continuando en Schilling ydesarrollándose entre los filósofosrománticos, primordialmente en Hegel,encontramos similitud en las teorías del fin

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del arte de Hegel y Danto en lo relativo a laidea de una historicidad que provoca unasuperación del arte, y así también en la ideadel fin del arte no como una interrupción enla producción artística, pues ésta sigue en suactividad, y así también ambos autores señalanuna reflexión con respecto a lo que es elarte. Las diferencias se encuentranprimeramente en que la superación del arte encada autor trata temas muy diferentes: paraHegel la superación trata sobre el avance dela autoconciencia del espíritu hacia la religión,mientras que para Danto se habla de unaeliminación de la sucesión histórica del arteen estilos para derivar en una total libertaden el ámbito de la producción artística siendoésta la nueva problemática a la que senecesita dar solución: no hay necesidad delegitimar las obras artísticas a partir de unadefinición exclusiva de arte, ya que la mismalibertad que tiene el quehacer artísticogracias a la filosofía moderna no facilita deninguna manera la  generalización de unarespuesta a la pregunta ¿qué es el arte

(Szondi, 1996)

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Conclusión .

El arte ha formado parte dentro de las sociedades desde elprincipio de los tiempos como medio de expresión el cualtiene diferentes dimensiones y transformaciones según el

artista y la época en la que se desarrolla.El artista es el que crea una nueva manera de

interpretación y vivencia del mismo por lo cual cadaindividuo maneja de manera distinta sus distintas habilidades

en la pintura, escultura, música, etc.Las distintas mutaciones del arte o las corrientes que van

cambiando con el paso de los años nos llevan al lugar en elque nos encontramos, donde la tecnología ha invadido todoslos rincones y sirve de medio visual, auditivo y perceptivo

dentro de cualquier ramo artístico.Por eso al momento de tomar decisiones para elaborar el

proyecto, se debe pensar que cualquier tipo de expresión

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artística está continuamente sufriendo transformaciones portodos aquellos factores que influyen de una u otra

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