4 LEZIONE

ROMANTICISMO

Blake William - Vortice degli amanti 1817

Blake alla sua morte lasciò incompiuta la serie di disegni dedicati alla “Divina Commedia” di Dante, qui il suo stile visionario si fa assoluto come in “Paolo e Francesca”:Blake vede un motivo fantastico anche nel viaggio ultraterreno di Dante, che si svolge in un mondo irrazionale. Nell’acquerello del 1817 è rappresentato il momento finale del quinto canto dell’inferno quando, dopo il drammatico colloquio con Francesca, mentre le anime dei peccatori sono trascinate dal vortice della "bufera infernale che mai non resta", Dante sviene, sopraffatto dall’emozione:

  Mentre che l’uno spirito questo disse l’altro piangea, sì che di pietade, Io venni men così com’io morisse, E caddi come corpo morto cade.

Blake raffigura con delicatezza la figura degli amanti in una bufera invernale come anime trascinate nel vortice,  Irrazionale è tutta la scena del vortice in cui Paolo e Francesca, tenendosi per mano, sono trascinati dal vento infernale simbolicamente senza controllo, delle passioni, dove il turbinio della tempesta mostra appunto volti e corpi sofferenti e straziati. La tecnica  ad acquerello rende bene il paesaggio infernale: i colori, non ben definiti e sfumati, caratterizzano efficacemente il paesaggio irreale. I colori più usati sono il rosso, in varie tonalità che rappresenta l’inferno; il bianco  presente nel vortice infernale e nella luce; il marrone variegato che identifica anche Dante; l’azzurro e il blu scuro, usati per lo sfondo e presenti nella figura di Virgilio; il vortice invece è rappresentato da un insieme di colori, tra cui il grigio ed il giallo, che rendono bene l’idea di confusione e di sofferenza. Il dipinto è disposto su vari piani: in primo piano vi è l’inferno da cui nasce l’immenso vortice; in secondo piano si trovano Dante e Virgilio collocati su una zolla di terra mentre ascoltano la storia dei due amanti, sullo sfondo si spande una gran luce. Nel vortice, tra i tanti spiriti, vediamo due anime vicine che si tengono per mano, sono Paolo e Francesca e nella luce dipinta a raggi intravediamo  altre due anime ferme che potrebbero essere ancora i due amanti ritratti nell’istante in cui si fermano per parlare con Dante e Virgilio.

Blake, pittore e poeta inglese, sintonizza la maggior parte della sua produzione artistica sulla dimensione della visione, che egli non esita a definire «il mio elemento, la mia eterna dimora»; convinto che l’artista sia capace di svelare la spiritualità insita negli animi e nelle cose, procede in direzione di una pittura ridotta all’essenziale con un tratto incisivo che evoca suggestive sensazioni, spesso rinunciando al colore e preferendo il disegno al tratto.Blake ammira di Michelangelo il genio ispirato, solitario, sublime che mette in comunicazione attraverso l’arte, il cielo e la terra, una visione anticlassica.

WILLIAM TURNER 1775-1851è l’altro grande interprete, insieme a Constable, della pittura di paesaggio romantica in Inghilterra.

Le categorie estetiche a cui è improntata la pittura di Turner sono il pittoresco e il sublime. Quel sublime dinamico, come lo definiva Kant, che riguardava le manifestazioni della natura caratterizzate da una grande esplosione di energia.Nei suoi quadri gioca un elemento fondamentale la luce. Egli cerca di dare un’autonomia alla luce rappresentandola non come riflesso sugli oggetti ma come autonoma entità atmosferica. Per far ciò, usa il colore in totale libertà con pennellate curve ed avvolgenti. Le immagini che ne derivano hanno un aspetto quasi astratto che sconvolse il pubblico del tempo. Dipinge spesso le catastrofi naturali e fenomeni atmosferici come la luce del sole, le tempeste, la pioggia e la nebbia. Era affascinato dalla violenta forza del mare

La valorosa TéméraireLa Temeraire, nave da guerra a 98 cannoni, era stata varata nel 1798 ed era stata la nave vittoriosa alla battaglia di Trafalgar, nel 1805, quella che aveva difeso dal fuoco francese la nave bandiera HMS Victory di Lord Nelson. Rimase in servizio fino al 1838, quando fu dimessa e trainata lungo il Tamigi da Sheerness a Rotherhithe, per essere demolita

-straordinaria colorazione del cielo al tramonto, un tributo e, al tempo stesso, un parallelo al destino della vecchia nave da guerra, che appare imbiancata, come incanutita, e pallida come un fantasma, ma con tocchi dorati che ne ricordano l'eroico passato. Tali caratteristiche sono ancora più evidenti a confronto con il più scuro e "giovane" rimorchiatore a vapore, dall'aspetto vagamente losco.Bagliori accendono il cielo di rosso mentre il sole cala all'orizzonte, creando un gorgo di nubi colorate che si specchiano nel mare. Tali effetti sono ottenuti con tocchi densi di colore. Effetti speciali si possono poi notare nell'acqua alla base del rimorchiatore, dove piccole pennellate chiare e irregolari danno l'effetto dell'acqua increspata..

L'incendio delle Camere dei Lord e dei Comuni 1835

Questo dipinto ritrae l’incendio che distrusse il parlamento di Londra nella notte tra il 16 e il 17 ottobre 1834. STUDIATO DAL VERO

Il protagonista del dipinto è sicuramente la natura distruttrice; questo quadro non è dunque altro che la rappresentazione del sublime: la nube di fuoco che sale dal fiume avvolgendo ogni cosa incute terrore e, nello stesso tempo, suscita un ammirato stupore per l’inesorabile forza della natura.

Turner è riuscito a cogliere l’attimo in cui un soffio di vento ha spostato la fiamma verso sinistra, lasciando intravedere le torri biancheggianti dell’abbazia di Westminster.

Nonostante la grande fiamma sia la protagonista assoluta del dipinto, l’artista non tralascia le figure di esseri umani, come le due quinte di spettatori, una assiepata vicino la riva del Tamigi (a sinistra), l’altra seduta a cavalcioni della balaustra del ponte di Waterloo (in basso a destra del dipinto).

-Nel dipinto è assente la prospettiva e la diagonale formata dal molo e dalle barche si interrompe dove si riflette la luce delle fiamme che bruciano ( il Palazzo del Parlamento).

-Lo spazio della composizione è ellittico ed è dominato dal vorticoso turbine di fiamme attorno ad esso.

- Il colore è svincolato dalla forma, tanto che sembra quasi sciogliersi (anticipa Monet), c’è un contrasto fra colori caldi (fuoco e fiamme) e colori freddi (aria e acqua), i primi suggeriscono sensazioni di calore ed energia, mentre i secondi di drammaticità e di negatività.

CASPAR DAVID FRIEDRICH 1774-1840L'artista, uno dei più importanti rappresentanti del "paesaggio simbolico", basava la sua pittura su un'attenta osservazione dei paesaggi della Germania e soprattutto dei loro effetti di luce; permeandoli di umori romantici. Egli considerava il paesaggio naturale come opera divina e le sue raffigurazioni ritraevano sempre momenti particolari come l'alba, il tramonto o frangenti di una tempesta.-SIGNIFICATO SIMBOLICO DEL PAESAGGIO-LA NATURA NON E' PIU' VISTA IN SEMPLICE MODO DESCRITTIVO, UNIVOCO, MA IN MODO SOGGETTIVO, OGNI UOMO NE RIFLETTE I PROPRI TURBAMENTI, IL PROPRIO IO. UNICITA' DELL'INDIVIDUO.« Friedrich non sa nemmeno che cosa dipingerà, lui aspetta il momento di ispirazione, che viene di tanto in tanto in un sogno... »

La croce sulla montagnaIl dipinto è in realtà una pala d’altare realizzata per la cappella privata del Castello di Tetschen in Boemia. È l’opera che rivelò la personalità artistica di Friedrich. La pala non mancò di suscitare polemiche, in quanto:- nessuno aveva mai pensato di collocare un paesaggio su un altare. Tuttavia è innegabile che il quadro trasmette una carica mistica, e non solo per la croce raffigurata tra gli alberi, ma anche per il senso di maestosità silenziosa che questa cima di montagna comunica.-L’idea di unire il tema della natura con quello del sacro è sicuramente uno dei segni più chiari del passaggio da un clima culturale di impronta neoclassica al nuovo clima romantico.

Il mare di ghiaccio 1823-1824

Il mare di ghiaccio, conosciuto anche come Il naufragio della speranza...-Il dipinto rappresenta un naufragio nel bel mezzo di un mare di ghiaccio rotto in una miriade infinita di pezzi, le cui schegge si sono accumulate dopo l'impatto, ammassandosi l’una sopra l’altra a formare una montagna. -Il ghiaccio è diventato come un dolmen, i cui bordi sporgenti e aguzzi sembrano anelare verso il cielo. Le spesse lastre di ghiaccio si innalzano monumentalmente e la direzione diagonale di tali ammassi, insieme ai frammenti di nave che si scorgono a malapena in basso a destra del dipinto, determinano una sorta di inquietante movimento a spirale intorno alle rovine centrali. -Lo sguardo dell’osservatore è quindi focalizzato quasi esclusivamente nelle parte centrale del dipinto, dimenticando tutto ciò che sta intorno. Un contorno caratterizzato da colori freddi e cupi, che suscitano nello spettatore un senso d’ansia e di sgomento.-Catastrofe, della natura, non ci sono sopravvissuti-ricchezza nei dettagli, dipinti alla perfezione.

“Naufragio della Speranza”, come una parabola religiosa:-Il Polo nord, luogo inteso come succedersi di cicli vitali sempre uguali, come ossessiva reiterazione di giorni, stagioni, anni e secoli, diventa metafora dell’eternità di Dio.-La ripetizione come annullamento temporale e spaziale. Il tentativo umano di penetrarne il mistero, quindi, destinato a fallire.-Il tema della navigazione, proveniente da un’antichissima tradizione allegorica risalente alla lontana cultura egizia, è immagine prediletta del viaggio umano attraverso le avversità della vita e dell’estrema peregrinazione dell’anima nell’aldilà. Tale motivo, trasposto poi in quello del naufragio, diviene incarnazione della fragilità dell’uomo in balia degli elementi. Velieri (TIPICI NELLE SUE OPERE), i quali, però, non vengono mai dipinti nella furia di tempeste e marosi, nella lotta contro il gigante marino, egli, bensì, ritrae barche ormeggiate, già scampate al naufragio, oppure scheletri di navi imprigionate tra i ghiacci, fasci di legname alla deriva di aguzze scogliere.

Viandante sul mare di nebbia 1819

In primo piano, un contadino dalla figura scura, che da la schiena all'osservatore, si staglia su un precipizio roccioso. La posizione di spalle, oltre ad essere innovativa, proietta coloro che lo osservano nella sua stessa meditazione: l' uomo sta di fronte all'infinito come innanzi a qualcosa di assolutamente inaccessibile e quindi ne è affascinato. È avvolto in un soprabito verde scuro e, con la mano in su, afferra un bastone da cane. Con i capelli scompigliati dal vento, il viandante contempla il panorama, coperto da un mare di nebbia, da cui il titolo dell'opera. In secondo piano, si ergono diverse cime sulle quali si può notare la presenza di alberi e vegetazione. In lontananza, a sinistra si ergono sbiadite montagne che degradano verso destra. Più oltre, la nebbia si espande in modo indefinito arrivando a mescolarsi con l'orizzonte e a diventare indistinguibile dal cielo nuvoloso.

Il viandante porta già nel suo nome l'emblema del personaggio romantico:-irrequieto, tormentato, -alla ricerca dell'infinito rappresentato dal paesaggio e dall'orizzonte in lontananza, e la vastità dell'opera della natura, LA SUA GRANDEZZA, sublime, meraviglia e quasi sgomento di fronte all'immensità dell'universo.-l'individuo che si perde di fronte alla stupefacente grandiosità della Natura, in un atteggiamento contemplativo visto come estrema esperienza interiore e spirituale. -metafora del futuro sconosciuto e DEL MISTERO DELLA VITA.-La posizione del viaggiatore lascia intendere il dominio del paesaggio e l'irrilevanza dell'individuo all'interno di esso"

Abbazia nel querceto 1809-1810

In quest’opera di Friedrich si coglie un tema molto caro allo spirito romantico: la visione delle rovine con tutto il loro fascino legato al senso del tempo che passa. In una luce, che ricorda un’alba nordica, (rovine abbazia cistercense di ELDENA) si intravedono degli alberi scheletrici e un muro con una finestra in stile gotico, ultimo resto di un’antica abbazia distrutta e trasformata in cimitero. In basso si intravedono dei monaci con una bara sulle spalle, che stanno probabilmente accingendosi a seppellire un loro confratello morto. Si ispirò al senso della morte e del disfacimento, che non riguarda solo le persone, ma anche le cose che loro fanno, quali gli edifici, che sembrano dover sfidare i tempi ed invece anch’esse inesorabilmente si polverizzano. Un lavoro lento che compiono il tempo e la natura, quest’ultima quasi inesorabile nel riprendersi le pietre e i materiali che le erano stati tolti per plasmare gli edifici.

La zattera della Medusa - Théodore Géricault, 1818-19

La Libertà che guida il popolo -Eugène Delacroix, 1830

FONTI:

CARTACEE:LIBRO DI TESTOLE BASI DELL'ARTE 3 Bruno mondadori

INTERNET:http://doc.studenti.it/appunti/artehttp://it.wikipedia.orghttp://www.francescomorante.it/pag_3/3.htmhttp://www.geometriefluide.com/indice.asp?cat=itinerari_d_arte

FILE MULTIMEDIALI:http://www.youtube.com