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Algunas reflexiones sobre el lazo entre el fondo y la
forma en las grandes obras de arte.
Análisis de un célebre plano secuencia de la película
Soy Cuba
Quisiera desarrollar aquí, la idea de que uno de los criterios esenciales que
permite distinguir una gran obra de arte es el lazo, diría incluso la fusión entre el
fondo y la forma. Llamo aquí “el fondo” lo que el artista quiere, conscientemente
o no, expresar, y la forma, la manera a través de la cual la expresa. Se trata
también de ilustrar por el análisis de un célebre plano secuencia de la película
Soy Cuba, el del entierro del joven estudiante asesinado por el jefe de policía
durante una manifestación en La Habana.
1. La película
Soy Cuba es una película soviética-
cubana en blanco y negro realizada
por Mikhaïl Kalatozov, filmada en,
luego de la toma del poder de Fidel
Castro, quien derroca la dictadura de
Fulgencio Batista el 1ro de enero de
1959.
Las relaciones entre la URSS y Cuba
se consolidan por el hecho del
embargo americano que condujo a la
URSS a acordar una ayuda financiera
a Cuba.
La URSS va a enviar también, un
equipo cinematográfico para realizar
una película de propaganda en
nombre de la gloria de la revolución
cubana.
Además del director Mikhaïl
Kalatozov, fueron especialmente
enviados Sergueï Ouroussevski,
director fotográfico a quien la película
realmente le debe muchísimo, y el poeta Evgueni Evtouchenko, encargado de
elaborar el guión, lo que hará en colaboración con el director y guinista cubano
Enrique Pineda Barnet.
La realización de la película tiene un largo muy poco frecuente, casi dos años si
se cuenta el período del 7 de octubre de 1961 al 7 de enero de 1962 cuando
Kalatozov, Ouroussevski et Evtouchenko para efectuar los primeros contactos.
Soy Cuba acaba de ser reeditada en una copia magníficamente
restaurada, en DVD y en blu-ray, por el editor francés Potemkine. La película
está acompañada por un gran número de bonus apasionantes, de los cuales el
más bello y apasionante es el documental brasileño de Vicente Ferraz, realizado
en 2004, así como un libreto con extractos de cartas enviadas por Sergueï
Ouroussevski a su mujer durante lo que fueron captando antes de filmar.
2. Kalatozov et Ouroussevski
El director y su director de fotografía forman una verdadera “pareja del
cine” que, en el momento de la filmación de Soy Cuba, ya han hecho tres
películas juntos, dos de los cuales fueron obras maestras: Cuando pasan las
cigüeñas en 1957, película que obtendrá la Palma de Oro en el Festival de
Cannes en 1958, y La carta inconclusa en 1960. Estas tres películas se
caracterizan por una forma extremadamente original, una fotografía espléndida
con una gran complejidad y movimientos de cámara de gran fluidez.
El equipo de filmación lo component el director Mikhaïl Kalatozov y el Jefe de
Operaciones Sergueï Ouroussevski
3. Recepción de la película
En Cuba, la película no fue objeto de ninguna censura, pero permaneció
una semana en cartelera y no atrajo al público, especialmente por el hecho de
recibir una crítica desastrosa. El carácter sumamente estético de la película no
gustó. Por ejemplo, la revista Hoy, critica severamente la puesta en escena de
la película y le reprocha al jefe operador “hacer números de circo acrobático”
En URSS, la película tampoco gustó por el hecho de su carácter estético,
el cual no corresponde al realismo socialista. Sobre este punto, es interesante
notar que después de haber filmado de manera documental, escenas en la
Habana, Sergueï Ouroussevski escribe: “de nuevo, nada bueno. Pero no logro
comprender por qué nada funciona. Primero, hace mucho tiempo que no he
filmado nada. Segundo, y aunque seguro es lo más importante, lo que faltan son
la inspiración y las ganas, a pesar de que los temas sean magníficos. (1). Y
tampoco gusta, sobre todo, porque se le reprocha, en lo que respecta a la
primera historia, dar una visión demasiado complaciente en los placeres en la
Cuba de Batista. La película se guardó inmediatamente en el placard.
Al no distribuirse tampoco en Estados Unidos ni en Europa, la película
desaparece completamente. Será redescubierta mucho más tarde gracias al
escritor cubano Guillermo Cabrera Infante, quien la hizo proyectar en el Festival
del cine en Telluride en 1992. Luego fue proyectada en el Festival Internacional
del cine en San Francisco en 1993 y maravilló a dos grandes directores
americanos: Martin Scorsese y Francis Ford Coppola. Estos últimos van a
apadrinar la difusión, lo cual permite hacer que el mundo entero descubra la
película.
Para mí, esta película es una obra maestra absoluta que encabeza
una de las mejores películas de la historia del cine, junto con, por ejemplo, La
prisionera del desierto de John Ford, de Vértigo de Hitchcock o de Desprecio, de
Jean-Luc Godard. En una entrevista realizada en 2003, Martin Scorcese declara:
“pienso que, si esta película hubiera sido mostrada en su época, le cine hubiera
sido diferente en el mundo entero”. Y a propósito del plan secuencia del entierro,
que es “la bendición suprema de la película”, “su punto culminante”
4. El fondo y la forma
“El tema de una obra es a lo que se reduce una mala obra” escribe Paul Valéry
(1). El ejemplo de uno de los poemas más célebres de Baudelaire “Una
carroña”, puede permitir comprender fácilmente lo que quiere decir Paul Valéry.
Lo que Baudelaire expresa en este poema, el fondo del poema, no tiene
absolutamente nada de original: el carácter perecedero de cualquier cosa, el
memento mori (recuerda que vas a morir), el carácter efímero de la belleza, el
hecho de que la mujer más bella del mundo, tan bella como lo sea, terminará
comida por los gusanos, que hay una igualdad ante la muerte, que la memoria
y los recuerdos son los únicos capaces de conservar el pasado… Todas estas
ideas, sin duda muy pertinentes, ya han sido de desarrolladas miles de veces
desde la Antigüedad por los filósofos y los artistas.
Si redujéramos entonces este poema a su tema, sería en efecto un muy
mal poema. Lo que hizo el genio de Baudelaire fue que magnifica el fondo, y lo
renueva, por la forma que le da. El lazo entre el fondo y la forma es
absolutamente fundamental en una gran obra de arte.
Tomemos también el caso de la tragedia de Otello de Shakespeare.
Otello y Desdémona están casados, bellos, jóvenes y se aman. Iago, para
vengarse de Otello, construye toda una intriga para hacerle creer que
Desdémona lo engaña. Al final, loco de rabia y de dolor, Otello asesina a
Desdémona. El tema podría ser digno solamente de diarios amarillistas y, en la
realidad, Otello no sería más que un pobre tipo detestable, pero, por su trabajo
en el texto, Shakespeare hace de él un personaje remarcable que expresa
magníficamente la locura de los celos.
Lo que dice Paul Valéry, con respecto a la literatura, puede ser
aplicado a todas las artes y, si se considera que la fusión entre el fondo y la forma
es fundamental en una gran obra de arte, se puede operar una distinción que
permite quizás verlo más claro en la multitud de obras existentes.
Las obras donde la forme prima sobre el fondo, incluso donde para nada
hay fondo; el arte decorativo, el “bonito”, y Picasso decía que: “el enemigo de lo
bello no es lo feo sino lo bonito”
Las dos obras que se ven aquí abajo, para mí, pertenecen a esta
categoría.
Mosaico en Meknès (Marruecos) Arman (3), acumulación de bugles
Quisiera precisar que no hay absolutamente ningún desprecio en esta
distinción entre lo “bello” y lo “bonito”. Me encantan las dos obras de arriba y
estaría realmente feliz si pudiera tener obras de este tipo en mi casa.
En cambio, me gustaría mucho menos poner en mi sala una gran obra
de pintura porque, justamente, no es decorativo.
Las obras donde el fondo prima sobre la forma: el arte comprometido
(obras con carácter político), el realismo socialista, incluso cuando no hay
prácticamente ninguna forma más, como suele pasar en el caso del arte,
justamente llamado, “conceptual”
Por ejemplo, aquí, una obra característica del realismo soviético donde el fondo
aparece de manera demasiado manifiesta y no deja lugar a ningún misterio:
Lénin ayuda a dos obreros a llevar un palo, el
cielo es azul, el trabajo parece hacerse sin ningún esfuerzo, etc.
O en esta, característica de la pintura
durante el período maoísta, ¡donde
sobra, creo, todo comentario!
En el caso del arte conceptual, no hay
prácticamente más que fondo y el
trabajo del artista se resume
simplemente a la idea. Es, por ejemplo,
el caso de los célebres ready-made de Marcel Duchamp.
Marcel Duchamp y un ready-made
Con respecto a sus ready-made Duchamp declaraba: “Se trataba de traer la
idea de la consideración estética a una elección mental y no a la capacidad o a
la inteligencia de la mano”
No sabría ser más claro, y esto se opone radicalmente a, por ejemplo, la
manera en que Leonardo Da Vinci improvisaba (garabateando) muy
rápidamente sus bocetos preparatorios, lo que corresponde totalmente a lo que
Duchamp llama “la inteligencia de la mano”.
Pero, una vez más, la idea de que no se puede hablar acá de “gran obra de
arte” no implica ningún desprecio y los ready-made de Duchamp, en su tiempo,
son extremadamente interesantes desde el punto de vista conceptual y
filosófico. Es necesario, primero, ver que los ready-made, realizados al principio
del siglo XX, no son para nada, como frecuentemente se escucha decir,
“cualquier cosa”. Estos, se inscriben en una continuidad de la Historia del Arte.
Es a partir del siglo XIX que se va a considerar que la pintura debe liberarse de
las obligaciones de fondo. Antes, únicamente los temas históricos, mitológicos,
religiosos, podían pretender el estatus de una gran obra de arte.
Es, notablemente el movimiento
impresionista quien va a luchar contra esta tradición. Todo se vuelve digno de
ser representado por el pintor, incluidas las cosas más insignificantes: Viejos
zapatos (Van Gogh), Muele de moulin (Monet), Un simple espárrago (Manet, foto
aquí arriba a la izquierda), etc.
Ya no es el tema quien es interesante en sí mismo sino el pintor es quien
lo vuelve interesante. Pero si no importa cuál objeto se vuelve digno de ser
representado por la pintura, ¿por qué no mirar directamente el objeto en sí
mismo? Es lo que dice Duchamp haciéndonos ver objetos que nosotros no
miramos habitualmente (un porta-botellas, une vieja rueda de bicicleta, un
mingitorio…). Tomar un objeto usual y exponerlo, es arrancarle del mundo de la
utilidad y transformarlo en obra de arte. El objeto pasa de un mundo donde no
se lo mira a un mundo donde el artista lo hace ser visto.
Se puede agregar que este accionar muestra también la importancia
y toda la potencialidad del artista. Decidiendo que tal objeto es una obra de arte,
y exponiéndola a la apreciación de un público, Marcel Duchamp lo crea “obra de
arte”. Esto me hace pensar en lo que se llama en lingüística los verbos
performativos. Por ejemplo, diciendo “yo te lo juro” o “yo te agradezco” se cumple
la acción de jurar o de agradecer. Aquí, diciendo “esto es una obra de arte”,
Duchamp completa directamente la acción de crear una obra de arte, sin saber
pintar o esculpir. Así, desde el punto de vista que yo defiendo, los ready-made
de Duchamp son mucho más interesantes filosóficamente que artísticamente.
Para volver al arte cinematográfico, y a la fórmula de Paul Valéry, se
podría decir que el tema de una película, su guion, es a lo que se reduce una
mala película o, al menos, una película mediana. Esto debería precisamente ser
el caso de Soy Cuba que es una película de propaganda que tiende a mostrar
las injusticias del régimen de Batista y a justificar la revolución cubana. El mismo
director declara que su película “será la mejor respuesta a la agresión del
imperialismo americano contra Cuba”1.
En las películas de propaganda, el fondo le gana siempre a la forma y es
raro que las películas de este tipo sean obras maestras (1). Además, es
precisamente el increíble trabajo sobre la forma realizado por Mikhaïl Kalatozov
y su director de fotografía Sergueï Ouroussevski, trabaja sobre la forma
efectuada en perfecta adecuación con el fondo por explicar, que hace de Soy
Cuba una obra maestra. Y es lo que se trata ahora de ilustrar, por ejemplo, en el
plano de secuencia del entierro.
5. El plano de secuencia del entierro
En la mayoría de las películas, los planos secuenciales quedan,
lamentablemente, de manera frecuente en algo formal, gratuito, y se reducen a
una simple proeza técnica. En cambio, en Soy Cuba, los planos secuenciales
están en una adecuación total con el fondo y siempre tienen sentido.
Para hacer el análisis de este plano, es necesario hacer un breve resumen de
la película, la cual consta de cuatro partes, cuatro historias sucesivas que
corresponden a una progresión dramática.
La primera historia es la de una joven
cubana que, para escapar de la miseria,
se prostituye en un bar frecuentado por
americanos y europeos (foto a la
izquierda), y su novio va descubrir con
horror que ella se prostituye. Ella muestra
la miseria de los cubanos que contrasta
con la riqueza de loa turistas quienes se
aprovechan vergonzosamente de esta
miseria. No hay una toma de conciencia
política por parte de la joven mujer y yo diría, que esta primera parte corresponde
al estadio de “la vergüenza”
La segunda historia
Es la de un
campesino muy
pobre que cultiva
campos que le
alquila al dueño de
los terrenos. Justo
antes de la cosecha,
que promete ser
magnífica, le
propietario le
anuncia brutalmente
que le vendió sus
tierras a una gran
compañía
americana, la United Fruit, y que tiene que irse sin siquiera poder esperar la
cosecha. Por desesperación, en campesino, le prende fuego a los campos y a la
cosecha (se ve en la foto, arriba).
Yo diría que esta segunda parte, corresponde al estadio de la “desesperación”.
No hay verdaderamente todavía una toma de conciencia política y la acción del
campesino permanece puramente emocional e individual.
La tercera historia corresponde al
estadio de la “toma de conciencia
revolucionaria” la cual, como
sucede frecuentemente, comienza
a gestarse en medio de los
estudiantes.
La historia es la de un joven
estudiante que debe asesinar al
jefe de la policía política, un
fascista de la peor especie.
El estudiante se instaló en el techo
del inmueble situado frente al
domicilio del jefe de la policía.
Tenía un fusil con lente y se
prepara para tirar sobre el jefe de
la policía que se encuentra en la
terraza de su casa. Pero los chicos de él llegan para abrazar a su papá quien,
en privado, tiene todo el aspecto de ser un buen papá y, ante este panorama,
renuncia a matarlo. Más tarde, luego de la represión de una manifestación, este
mismo jefe de la policía faena a este joven hombre como a un pobre perro (ver
foto superior).
La cuarta escena
es la de un
campesino de la
Sierra Maestra que
comienza por
rechazar juntar a
los rebeldes
castristas porque él
quiere vivir en paz,
pero elegirá hacerlo
después del
bombardeo de su
casa y de la muerte
de uno de su hijo
(ver foto superior).
Desemboca en el
levantamiento del conjunto del pueblo y la revolución.
En resumen, la progresión es la de la vergüenza a la desesperación frente
a la explotación, la toma de conciencia de alguno (los estudiantes) y finalmente
la del conjunto de del pueblo en marcha hacia la revolución.
El plano de secuencia en cuestión aquí es el del entierro del joven
estudiante muerto por el jefe de policía. Se sitúa entonces al final de la tercera
historia y anuncia la cuarta. Se lo encuentra fácilmente el link de una de las
referencias
(https://www.facebook.com/senscritique/videos/620306845297466/
Que pueden mirar. Dejo de lado la increíble proeza técnica de este plano (hace
falta pensar que no había cámaras digitales en esa época, ni steadicam, y que
las cámaras son muy pesadas), para despejar el sentido.
La cámara
sigue primero
a los
estudiantes
que desfilan
con el cajón,
después se
levanta a lo
largo de un
edificio,
recorre una
pasarela que
le permite
introducirse
en el inmueble
de enfrente,
atraviesa una
gran pieza, y
finalmente sale del edificio por la ventana de esta pieza y, por último, sale del
edificio por la ventana en un movimiento aéreo, alcanza el gran desfile del
entierro que va avanzando.
Además, si se está atento, se puede ver, que mientras que la cámara se eleva a
lo largo de la fachada del inmueble, hay mujeres y hombres, de cierta edad, que
están en los balcones y lanzan flores (ver foto superior).
En cuanto a la gran pieza,
se trata de un atelier de
fabricación de cigarros en
el cual se encuentran
obreros que van a
detener su trabajo y
desplegar por la ventana
la bandera cubana (foto
de la izquierda). Lo que
es absolutamente
remarcable es que este
gran movimiento de
cámara muestra que
todas las partes de la
población (mujeres,
personas mayores, obreros) ahora son parte del movimiento revolucionario que
se anuncia. Los engloba y hace su unión en su movimiento que se termina sobre
el desfile que se adelanta (ver foto arriba), simbolizando una revolución en
marcha que concierne ahora a todo el pueblo cubano y no solamente al medio
estudiantil. Una revolución que va a realizarse en la última historia.
Incluso la idea de los obreros de desplegar la bandera cubana es
absolutamente simbólica. Se la puede considerar extraña en un primer momento
ya que se trata de la bandera del régimen fascista de Batista. Pero, el hecho de
desplegarla por encima del cortejo del estudiante asesinado por ese régimen,
permite recordar el verdadero sentido de esta bandera, sentido que ha sido
completamente traicionado por el régimen que estaba.
En efecto, la estrella blanca es la “Estrella Solitaria” que ilumina el camino
hacia la libertad. El triángulo bilateral simboliza la igualdad entre los hombres,
por el hecho de la igualdad de sus ángulos. Las franjas simbolizan la unidad de
la nación y la fraternidad entre los ciudadanos, por el hecho de su carácter
paralelo. Finalmente, los tres colores, azul, blanco y rojo, recuerdan
evidentemente los de la Revolución Francesa y los valores de libertad, igualdad
y fraternidad. Y son todos estos valores, cacheteados por el régimen de Batista,
que la revolución cubana entiende implantarse.
Video: Para vos, querido Jean, para que tengas un recuerdo de
nuestro Ernesto “Che” Guevara, argentino.
https://www.youtube.com/watch?v=GTeNcLs5Nk4&t=38s
Abrir enlace desde computadora. Hemos notado mal funcionamiento para abrir
videos desde celulares.
Quelques réflexions sur le lien entre le fond et la forme
dans les grandes œuvres d’art. Analyse d’un célèbre
plan séquence du film Soy Cuba
Je voudrais développer ici l’idée que l’un des critères essentiels qui permet de
distinguer une grande œuvre d’art est le lien, il faudrait même dire la fusion, entre
le fond et la forme. J’appelle ici « le fond » ce que l’artiste veut, consciemment
ou non, exprimer, et la forme, la manière dont il l’exprime. Il s’agit aussi d’illustrer
cette idée par l’analyse d’un célèbre plan séquence du film Soy Cuba, celui de
l’enterrement du jeune étudiant assassiné par le chef de la police lors d’une
manifestation à La Havane.
1. Le film
Soy Cuba est un film soviéto-
cubain en noir et blanc réalisé par
Mikhaïl Kalatozov, tourné en 1963,
quatre ans après la prise de pouvoir
de Fidel Castro qui renverse la
dictature de Fulgencio Batista le 1er
janvier 1959. Les relations entre
l’URSS et Cuba sont consolidées du
fait de l’embargo américain qui a
conduit l’URSS à accorder une aide
financière à Cuba. L’URSS va aussi
envoyer une équipe
cinématographique pour réaliser un
film de propagande à la gloire de la
révolution cubaine.
Outre le réalisateur, Mikhaïl
Kalatozov, sont notamment envoyés
Sergueï Ouroussevski, directeur de la
photo auquel le film doit vraiment
beaucoup, et le poète Evgueni
Evtouchenko chargé d’élaborer le
scénario, ce qu’il fera en collaboration
avec le réalisateur et scénariste cubain Enrique Pineda Barnet.
La réalisation du film est d’une longueur très inhabituelle, presque deux
ans si l’on compte la période du 7 octobre 1961 au 7 janvier 1962 où Kalatozov,
Ouroussevski et Evtouchenko se rendirent à Cuba effectuer les premiers
repérages.
Soy Cuba vient d’être réédité dans une copie magnifiquement restaurée,
en DVD et en blu-ray, chez l’éditeur français Potemkine. Le film est accompagné
d’un grand nombre de bonus passionnants, dont le très beau et très émouvant
documentaire brésilien de Vicente Ferraz réalisé en 2004, ainsi que d’un livret
avec des extraits des lettres envoyées par Sergueï Ouroussevski à sa femme
pendant les repérages avant le tournage.
2. Kalatozov et Ouroussevski
Le réalisateur et son directeur de la photo forment un véritable « couple
de cinéma » qui, au moment du tournage de Soy Cuba, ont déjà réalisé trois films
ensemble, dont deux chefs-d’œuvre : Quand passent les cigognes en 1957, film
qui obtiendra la palme d’or au festival de Cannes en 1958, et La lettre inachevée
en 1960. Ces trois films se caractérisent par une forme extrêmement originale,
une photo splendide, des plans séquences d’une grande complexité et des
mouvements de caméra d’une grande fluidité.
3. Réception du film
À Cuba, le film ne fait l’objet d’aucune censure mais il reste seulement une
semaine à l’affiche n’attirant pas du tout le public notamment du fait d’une critique
désastreuse. Le caractère très esthétique du film déplaît. Par exemple, le
magazine Hoy critique sévèrement la mise en scène du film et reproche au chef
opérateur de « faire des numéros de cirque acrobatique ».
En URSS, le film déplaît aussi du fait de son caractère esthétique qui ne
correspond guère au réalisme socialiste. Sur ce point, il est intéressant de noter
qu’après avoir filmé, de façon documentaire, des scènes à La Havane, Sergueï
Ouroussevski écrit : « à nouveau, rien de bon. Mais je n’arrive pas à comprendre
pourquoi rien ne va. Premièrement, cela fait longtemps que je n’ai rien tourné.
Deuxièmement, et cela bien sûr est le plus important, c’est l’inspiration et l’envie
qui manquent, malgré les sujets magnifiques. »1 Et il déplaît aussi, surtout, parce
qu’il lui est reproché, en ce qui concerne la première histoire, de donner une
vision trop complaisante des plaisirs dans le Cuba de Batista. Le film est
immédiatement mis au placard.
N’étant pas distribué non plus aux États-Unis et en Europe le film disparaît
complètement. Il ne sera redécouvert que bien plus tard grâce au romancier
cubain Guillermo Cabrera Infante, qui le fait projeter au Festival du film de
Telluride en 1992. Il est ensuite projeté au Festival international du film de San
Francisco en 1993 et émerveille deux grands réalisateurs américains : Martin
Scorsese et Francis Ford Coppola. Ces derniers vont alors en parrainer la
diffusion, permettant enfin de faire découvrir le film au monde entier.
Ce film est pour moi un chef d’œuvre absolu que je place en tête des
meilleurs films de l’histoire du cinéma, aux côtés, par exemple, de La Prisonnière
du désert de John Ford, du Vertigo d’Hitchcock ou du Mépris de Jean-Luc
Godard. Dans une interview réalisée en 2003 Martin Scorcese déclare : « Je
pense que si ce film avait été montré à l’époque, le cinéma aurait été différent
dans le monde entier. ». Et, à propos du plan séquence de l’enterrement, qu’il
est « la bénédiction suprême du film », « son point culminant ».
4. Le fond et la forme
“Le sujet d’un ouvrage est à quoi se réduit un mauvais ouvrage.” écrit Paul
Valéry2. L’exemple d’un des poèmes les plus célèbres de Baudelaire, Une
charogne, peut permettre de comprendre facilement ce que veut dire Paul Valéry.
Ce que Baudelaire exprime dans ce poème, le fond du poème, n’a absolument
rien d’original : le caractère périssable de toute chose, le mémento mori
(souviens-toi que tu vas mourir), le caractère éphémère de la beauté, le fait que
la plus belle femme du monde, aussi belle soit-elle, finira mangée par les vers,
qu’il y a une égalité devant la mort, que la mémoire et les souvenirs sont seuls
capables de conserver le passé… Toutes ces idées, sans doute très pertinentes,
ont déjà été mille fois développées depuis l’Antiquité par les philosophes et les
artistes. Si l’on réduisait donc ce poème à son sujet, ce serait en effet un bien
mauvais poème. Ce qui fait le génie de Baudelaire c’est qu’il magnifie le fond, et
le renouvelle, par la forme qu’il lui donne. Le lien entre le fond et la forme est
absolument fondamental dans une grande œuvre d’art.
Prenons aussi le cas de la tragédie Othello de Shakespeare : Othello et
Desdémone sont mariés, beaux, jeunes, ils s’aiment. Iago, pour se venger
d’Othello, construit toute une remarquable machination pour lui faire croire que
Desdémone le trompe. À la fin, fou de rage et de douleur, Othello assassine
Desdémone. Le sujet pourrait n’être digne que des journaux à scandale et, dans
la réalité, Othello ne serait qu’un pauvre type détestable mais, par son travail sur
le texte, Shakespeare en fait un personnage remarquable qui exprime
magnifiquement la folie de la jalousie.
1 Lettre à son épouse, Bella Friedman du 1er décembre 1961. 2 Œuvres II
Ce que dit Paul Valéry, au sujet de la littérature, peut être appliqué à tous
les arts et, si l’on considère que la fusion entre le fond et la forme est
fondamentale dans une grande œuvre d’art, on peut opérer une distinction qui
permet peut-être d’y voir plus clair dans la multitude des œuvres existantes.
Les œuvres où la forme prime sur le fond, voire même où il n’y a pas de
fond du tout : l’art décoratif, le « joli », et Picasso disait ainsi que « l’ennemi du
beau n’est pas le laid, mais le joli ». Les deux œuvres ci-dessous appartiennent
pour moi à cette catégorie.
Mosaïque à Meknès (Maroc) Arman3,
accumulation de clairons
Je voudrais préciser qu’il n’y a absolument aucun mépris dans cette
distinction entre le « beau » et le « joli ». J’adore les deux œuvres ci-dessus et
je serai vraiment ravi de pouvoir avoir des œuvres de ce genre chez moi. Par
contre, j’aimerais beaucoup moins mettre dans mon salon un grand chef-d’œuvre
de la peinture parce que, justement, ce n’est pas décoratif.
Les œuvres où le fond prime sur la forme : l’art engagé (œuvres à
caractère politique), le réalisme socialiste, voire même quand il n’y a
pratiquement plus de forme du tout comme c’est souvent le cas dans l’art,
justement nommé, « conceptuel ».
Par exemple,
voici une œuvre caractéristique du réalisme soviétique où le fond apparaît de
3 Artiste français, 1928-2005.
manière trop manifeste et ne laisse place à
aucun mystère : Lénine aide deux ouvriers à
porter une poutre, le ciel est bleu, le travail
semble se faire sans aucun effort, etc.
Ou celle-ci, caractéristique de la
peinture pendant la période maoïste qui
se passe, me semble-t-il, de tout
commentaire !
Dans le cas de l’art conceptuel, il
n’y a pratiquement plus que du fond et le
travail de l’artiste se résume simplement à l’idée. C’est, par exemple, le cas des
célèbres ready-made de Marcel Duchamp.
Marcel Duchamp et un ready-made
Au sujet de ses ready-made Duchamp déclarait : « Il s’agissait de ramener
l’idée de la considération esthétique à un choix mental et non pas à la capacité
ou à l’intelligence de la main. » On ne saurait être plus clair, et cela s’oppose
radicalement à, par exemple, la manière dont Léonard de Vinci improvisait en «
gribouillant » très rapidement ses esquisses préparatoires, ce qui correspond
tout à fait à ce que Duchamp appelle « l’intelligence de la main ».
Mais, une fois encore, l’idée qu’on ne peut pas parler ici de « grande
œuvre d’art » n’implique aucun mépris et les ready-made de Duchamp, en leur
temps, sont extrêmement intéressants du point de vue conceptuel et
philosophique. Il faut d’abord voir que les ready-made, réalisés au début du XXe
siècle, ne sont pas du tout, comme on l’entend souvent dire, du « n’importe
quoi ». Ils s’inscrivent dans une continuité de l’Histoire de l’Art. C’est à partir du
XIXe siècle que l’on va considérer que la peinture doit se libérer des obligations
de fond. Avant, seuls des sujets historiques, mythologiques, religieux pouvaient
prétendre au statut d’une grande œuvre d’art.
C’est, notamment, le mouvement
impressionniste qui va lutter contre cette
tradition. Tout devient digne d’être
représenté par le peintre, y compris les
choses les plus insignifiantes : des vieilles
chaussures (Van Gogh), des meules de
foin (Monet), une simple asperge (Manet,
photo ci-contre), etc.
Ce n’est donc plus le sujet qui est
intéressant en lui-même mais c’est le
peintre qui rend le sujet intéressant. Mais
si n’importe quel objet devient digne d’être représenté par la peinture, pourquoi
ne pas regarder directement l’objet lui-même ? C’est ce que fait Duchamp en
nous donnant à voir des objets que nous ne regardons pas habituellement (un
porte-bouteilles, une vieille roue de bicyclette, un urinoir…). Prendre un objet
usuel et l’exposer, c’est l’arracher au monde de l’utilité et le transformer en œuvre
d’art. L’objet passe d’un monde où on ne le regarde pas à un monde où l’artiste
le donne à voir.
On peut ajouter que cette démarche montre aussi l’importance et la toute-
puissance de l’artiste. En décidant que tel objet est une œuvre d’art, et en
l’exposant à l’appréciation d’un public, Marcel Duchamp le crée « œuvre d’art ».
Cela me fait penser à ce que l’on appelle en linguistique les verbes performatifs.
Par exemple, en disant « je te le jure » ou « je te remercie » on accomplit l’action
de jurer ou de remercier. Ici, en disant « ceci est une œuvre d’art », Duchamp
accomplit directement l’action de créer une œuvre d’art, sans avoir à peindre ou
à sculpter. Ainsi, du point de vue que je défends, les ready-made de Duchamp
sont beaucoup plus intéressants philosophiquement qu’artistiquement.
Pour revenir à l’art cinématographique, et à la formule de Paul Valéry, on
pourrait dire que le sujet d’un film, son scénario, est ce à quoi se réduit un
mauvais film ou, tout au moins, un film moyen. Ce devrait précisément être le cas
de Soy Cuba qui est un film de propagande visant à montrer les injustices du
régime de Batista et à justifier la révolution cubaine. Le réalisateur déclare lui-
même que son film « sera la meilleure réponse à l’agression de l’impérialisme
américain contre Cuba »4. Dans les films de propagande, le fond l’emporte
presque toujours sur la forme et il est bien rare que les films de ce type soient
des chefs-d’œuvre5. Or, c’est précisément l’incroyable travail sur la forme réalisé
par Mikhaïl Kalatozov et son directeur de la photo Sergueï Ouroussevski, travail
sur la forme effectué en parfaite adéquation avec le fond à exprimer, qui fait de
Soy Cuba un chef d’œuvre. Et c’est ce qu’il s’agit maintenant d’illustrer par
l’exemple du plan séquence de l’enterrement.
4 El Mundo, 23 novembre 1963. 5 Il y a, bien sûr, des exceptions notables dont les films d'Eisenstein.
5. Le plan séquence de l’enterrement
Dans la plupart des films les plans séquences restent malheureusement
souvent purement formels, gratuits, et se réduisent à une simple prouesse
technique. Or, dans Soy Cuba, les plans séquences sont en adéquation totale
avec le fond et font toujours sens.
Pour faire l’analyse de ce plan il faut faire un bref résumé du film qui
comporte quatre parties, quatre histoires successives correspondant à une
progression dramatique.
La première histoire est celle d’une
jeune cubaine qui, pour échapper à la
misère, se prostitue dans un bar
fréquenté par des américains et des
européens (photo ci-contre), et dont le
fiancé va découvrir avec horreur qu’elle
se prostitue. Elle montre la misère des
Cubains qui contraste avec la richesse
des touristes qui profitent honteusement
de cette misère. Il n’y a pas de prise de
conscience politique de la part de la jeune femme et je dirais que cette première
partie correspond au stade de « la honte ».
La deuxième histoire est celle d’un paysan très pauvre qui cultive des
champs qui lui sont
loués par un
propriétaire terrien.
Juste avant la
récolte, qui
s’annonce
magnifique, le
propriétaire lui
apprend brutalement
qu’il a vendu ses
terres à une grande
compagnie
américaine, l’United
Fruit, et qu’il doit
partir sans même
pouvoir attendre la
récolte. De désespoir, le paysan met le feu aux champs et à la récolte (photo ci-
contre). Je dirais que cette deuxième partie correspond au stade du
« désespoir ». Il n’y a pas encore vraiment de prise de conscience politique et
l’action du paysan reste purement émotionnelle et individuelle.
La troisième histoire
correspond au stade de « la prise
de conscience révolutionnaire »
qui, comme souvent, commence
par se faire dans le milieu des
étudiants. L’histoire est celle d’un
jeune étudiant qui doit assassiner
le chef de la police politique, un
fasciste de la pire espèce.
L’étudiant s’est installé sur le toit
de l’immeuble situé en face du
domicile du chef de la police. Il a
un fusil à lunette et s’apprête à tirer
sur le chef de la police qui se
trouve sur la terrasse de sa
maison. Mais les enfants de celui-
ci arrivent pour embrasser leur
père qui, dans le privé, a tout l’air d’être un bon papa et, devant ce tableau, il
renonce à le tuer. Plus tard, lors de la répression d’une manifestation, ce même
chef de la police politique abattra ce jeune homme comme un vulgaire chien
(photo ci-contre).
La
quatrième est celle
d’un paysan de la
Sierra Maestra qui
commence par
refuser de
rejoindre les
rebelles castristes
parce qu'il veut
vivre en paix, mais
qui choisira de le
faire après le
bombardement de
sa maison et de la
mort d’un de ses enfants (photo ci-contre). Elle débouche sur la levée de
l’ensemble du peuple et la révolution.
En résumé, la progression est celle de la honte au désespoir face à
l’exploitation, de la prise de conscience de quelques-uns (les étudiants) et
enfin de celle de l’ensemble du peuple en marche pour la révolution.
Le plan séquence dont il est question ici est celui de l’enterrement du
jeune étudiant tué par le chef de police. Il se situe donc à la fin de la troisième
histoire et annonce la quatrième. On le trouve assez facilement sur le net et
voici l’une des références
(https://www.facebook.com/senscritique/videos/620306845297466/ ) qui
peut vous permettre de le regarder. Je laisse de côté l’incroyable prouesse
technique de ce plan (il faut penser qu’il n’y a pas de numérique à l’époque,
pas de steadicam, et que les caméras sont très lourdes), pour en dégager le
sens.
La caméra
suit d’abord
les étudiants
qui défilent
avec le
cercueil, puis
elle s’élève le
long d’un
immeuble,
parcourt une
passerelle qui
lui permet de
s’introduire
dans
l’immeuble
d’en face, traverse une grande pièce, et enfin sort de l’immeuble par la
fenêtre de cette pièce et, dans un long mouvement aérien, rejoint le grand
défilé de l’enterrement qui s’avance en avant. Or, si l’on est attentif, on peut
voir que pendant que la caméra s’élève le long de la façade de l’immeuble,
il y a des femmes et des hommes, d’un certain âge, qui sont aux balcons et
envoient des fleurs (photo ci-contre).
Quant à la grande
pièce, il s’agit d’un
atelier de fabrication de
cigares dans lequel se
trouvent des ouvriers
qui vont arrêter leur
travail et déployer à la
fenêtre le drapeau
cubain (photo ci-
contre). Ce qui est tout à
fait remarquable c’est
que ce grand
mouvement de caméra
montre que toutes les parties de la population (des femmes, des personnes
âgées, des ouvriers) sont maintenant concernées par le mouvement
révolutionnaire qui s’annonce. Elle les englobe et fait leur union dans son
mouvement qui se termine sur le défilé qui s’avance droit en avant (photo ci-
desous), symbolisant une révolution en marche qui concerne maintenant tout
le peuple cubain et non plus seulement le milieu étudiant. Une révolution qui
va se réaliser dans la dernière histoire.
Même l’idée de faire déployer aux ouvriers le drapeau cubain est
extrêmement symbolique. On peut la trouver étrange au premier abord
puisqu’il s’agit aussi du drapeau du régime fasciste de Batista. Mais, le fait
de le déployer au-dessus du cortège de l’étudiant assassiné par ce régime,
permet de rappeler le sens véritable de ce drapeau, sens qui a été
complètement trahi par le régime en place. En effet, l’étoile blanche est la «
Estrella Solitaria » (l’étoile solitaire) qui éclaire le chemin vers la liberté. Le
triangle bilatéral symbolise l’égalité entre les hommes, du fait de l’égalité de
ses angles. Les franges symbolisent l’unité de la nation et la fraternité entre
les citoyens, du fait de leur caractère parallèle. Enfin les trois couleurs, bleu,
blanc et rouge, rappellent évidemment celles de la Révolution Française et
les valeurs de liberté, d’égalité et de fraternité. Et ce sont bien toutes ces
valeurs, bafouées par le régime de Batista, que la révolution cubaine entend
remettre en place.
Video: Pour toi, cher Jean, pour que tu gardes un souvenir de
notre Ernesto « Che » Guevara, Argentin.
https://www.youtube.com/watch?v=GTeNcLs5Nk4&t=38s
priere d’ouvir la vidéo depuis l’ordinateur car nous avons remarqué
des problemes pour l’ ouvrir depuis le portable.
