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Artes Visuales 2 medio A-B
Clase N°16-17-18-19Historia de la Escultura
Profesor: Alberto CouratierValor del mes: Solidaridad
Agosto de 2021
“Colegio San Francisco de Asís de La Florida de Santiago”
“Educando en la Paz y el Bien”
• Objetivo de la clase: identificar y analizar elementos presentes en lahistoria de la escultura.
• Aprendizaje esperado: OA1 Crear proyectos visuales basados en lavaloración crítica de manifestaciones estéticas referidas a problemáticassociales y juveniles, en el espacio público y en diferentes contextos
• Habilidades: apreciar, observar, comunicar
¿Qué es la escultura?
Durante miles de años la escultura, siendo también obras de arte, ha llenado el
espíritu de la vida humana. Por lo tanto, la escultura más temprana fue hecha
probablemente para suministrar ayuda mágica a los cazadores. Luego en los
comienzos de la civilización, las estatuas fueron utilizadas para representar a los
dioses. Así mismo, los antiguos reyes, posiblemente con la esperanza de hacerse
inmortales, tenían tallados y esculturas de su semejanza.
De igual manera, los griegos hicieron estatuas que mostraban a hombres y mujeres
perfectamente formados. Así, los primeros cristianos decoraron las iglesias con
demonios y diablos, recordatorios de la presencia del mal de los muchos feligreses
que no podían leer ni escribir. Desde sus inicios hasta la actualidad, la escultura ha
sido en gran parte monumental. Igualmente, en el siglo XV, se construyeron
monumentos a héroes bíblicos en las calles de las ciudades italianas, y
posteriormente, en el siglo XX se construyó un monumento a un compositor en el
corazón de la ciudad de Nueva York.
En este sentido, en la escultura como arte, ha predominado el diseño y realización
de grandes fuentes con esculturas en el centro que han sido de lugar común al lado
de modernos rascacielos como en los tribunales de antiguos palacios. De igual forma,
los antiguos sumerios celebraban la victoria militar con la escultura, así como
también, los participantes de la II Guerra Mundial también utilizan la escultura para
honrar a sus soldados.
David de Miguel Ángel
Historia de la escultura
La Escultura puede ser la más antigua de las artes, puesto que las personas tallan antes
de haber pintado o haber diseñado sus viviendas. Los primeros dibujos probablemente
fueron tallados en la roca o con incisión (rayada) en la tierra. Por lo tanto, estos dibujos
eran los precursores del relieve de la escultura y también el inicio de la pintura. De igual
manera, sólo unos pocos objetos sobrevivieron para mostrar lo que fue la escultura hace
miles de años. Sin embargo, hay cientos de ejemplos recientes de escultura realizada por
personas que viven en culturas primitivas. Estos ejemplos se cree que pueden ser similares
a la escultura prehistórica. Por lo tanto, desde la reciente escultura primitiva y de las
pocas piezas sobrevivientes prehistóricas, se puede juzgar que la escultura prehistórica
nunca fue hecha para ser bella. Así, la escultura, siempre fue hecha para ser utilizada en
los rituales. En consecuencia, debido a la constante lucha del ser humano por la
supervivencia, la gente primitiva hacían esculturas para proporcionarse apoyo espiritual.
En este sentido, las figuras de hombres, mujeres y animales, así como la combinación de
todos que éstos sirvieron de honor a los extraños y a veces aterradoras fuerzas de la
naturaleza, que eran adoradas como espíritus malos o buenos. Extraña forma figuras deben
han representado oraciones para hijos fuertes, buenas cosechas y abundante caza y
pescado. Escultura en forma de máscaras fue usada por sacerdotes o curanderos en danzas
diseñados para conducir a los malos espíritus o pedir favores de los buenos.
Venus de Willendorf
Etapas de la Escultura
Escultura en el mundo antiguo
Las primeras civilizaciones de Egipto, Mesopotamia, el valle del
Indo y China gradualmente desarrollaron formas de escritura
alrededor del año 3000 A.C. Las personas de estas
civilizaciones, como sus antepasados prehistóricos, también
expresaron creencias profundamente sentidas en la escultura.
Escultura del valle del Indo
Escultura Egipcia
Egipto y todo el arte egipcio se basaba en la creencia en una vida después de
la muerte. El cuerpo del gobernante egipcio o Faraón, fue siempre,
cuidadosamente preservado, también todas sus pertenencias y tesoros eran
enterrados con él para atender sus necesidades para siempre. De igual
manera, se construyeron las pirámides, grandes tumbas monumentales de Giza,
para los gobernantes más poderosos. Igualmente, el Faraón y su esposa eran
enterrados en cámaras de corte profundo dentro de los enormes bloques de
piedra.
Por otra parte, los escultores egipcios hacían esculturas sentadas y de pie
en redondo y en relieve. De allí que, los cambios en el estilo revelan el cambio
de las circunstancias. Así, las figuras colosales como las de Ramsés II en la
entrada de su tumba en Abu-Simbel, son amplias, poderosas y demandantes.
Un pequeño retrato de Ramsés II muestra el acabado liso, artesanía de
precisión y elegancia de nuevo arte unido.
Busto de Nefertiti
Escultura Mesopotámica
Mesopotamia, que significa, la tierra entre los ríos, tenía una
sociedad mucho menos estable que Egipto y carecía de las
grandes cantidades de piedra con la que contaba Egipto para la
escultura monumental. A menudo, sus ciudades fueron
destruidas por las inundaciones y los ejércitos invasores. Por
lo tanto, los primeros ejemplos de escultura en esta región se
formaron de materiales ligeros, tales como la arcilla horneada
y sin hornear, la madera o combinaciones de madera, conchas y
hoja de oro. Por lo tanto, un grupo de figuras de piedra de
Asmar representan los dioses, sacerdotes y fieles de una
manera muy diferente que desde la escultura egipcia. Estas
figuras son en forma de cono, con faldas plisadas, cabezas
pequeñas, enormes y prominentes narices de ojos grandes y
mirada fija.
Figura de piedra de Asmar
Escultura Egea
De esta civilización sólo se tienen algunos ejemplos de
escultura que siguen siendo de la colorida civilización minoica en
la isla de Creta. De igual manera se esculpían en marfil y
terracota, pequeñas estatuillas de sacerdotisas y diosas
serpiente y acróbatas, vasos con escenas en relieve como un
ser atrapado en una red o cosechadoras animadas volviendo de
los campos mostrando animadas sugerencias de los minoicos en
acción. La puerta del León en Mycenae (alrededor 1250 A.C.),
con sus dos bestias enormes custodiando la entrada a la ciudad
fortificada, es una escultura monumental excepcional de este
tiempo. La máscara de oro batido de Agamenón es memorable
por su sugerencia de los grandes héroes de las leyendas
homéricas. Igualmente, la máscara que fue hallada con tazas de
oro, dagas, pectorales y otros objetos en las tumbas y
sepulcros del eje de Mycenae. La puerta del León en Mycenae
Escultura de la antigua Grecia
Alrededor del año 600 A.C., Grecia desarrolló una de las grandes civilizaciones
de la historia del mundo. Escultura se convirtió en una de las más importantes
formas de expresión para los griegos. La creencia griega de que el hombre es
la medida de todas las cosas muestra claramente lo que significa la escultura
griega. La figura humana fue el tema principal de todo el arte griego. Por lo
tanto, los escultores en Grecia buscaban constantemente mejores formas de
representar la figura humana. Por lo tanto, los griegos desarrollaron una
figura de pie de un hombre desnudo, denominado la Kouros Apollo. El Kouros
sirve para representar dioses y héroes. Igualmente, la Kore o figura de pie de
una mujer cubierta, era más agraciada y fue utilizada para retratar doncellas
y diosas. La figura femenina con alas, o Nike, se convirtió en la personificación
de la victoria. Un hecho trascendente del a escultura griega es que los
escultores concentraban sus energías en un número limitado de problemas lo
que podría haber ayudado a traer los rápidos cambios que se produjeron en
la escultura griega entre el siglo VII y el último 4to siglo A. C. Así, el cambio
desde la abstracción al naturalismo, de figuras simples a las realistas, ocurrió
durante este período. Por lo que, las figuras más adelante tienen proporciones
normales al pararse o sentarse fácilmente en poses perfectamente
equilibradas.
Kuros de Aristodico
Escultura Etrusca y Romana
La escultura y el arte griego habían sido exportadas a Italia
mucho antes que los romanos gobernaran la tierra. Por los
siglos 7 y 6 A.C. los etruscos se asentaron firmemente en
Italia, por lo que, cientos de objetos han sido y todavía se
encuentran en extensos cementerios etruscos. Algunas de las
esculturas y muchos floreros son griegos, mientras que otros
son traducciones etruscas animadas de forma griega. Muchas
pequeñas figuras de bronce de los campesinos, guerreros o
dioses demuestran el gran talento de los etruscos como
metalúrgicos y escultores. Por ello, Roma se benefició de la
doble herencia artística de la escultura griega y etrusca. Así,
la inventiva de los escultores romanos fueron agregados a
este patrimonio. De igual manera, las contribuciones más
importantes de los escultores romanos fueron los retratos.
El Apolo de Veyes
Escultura Cristiana
La escultura de este periodo se asemejó al arte de Roma. De allí que los
sarcófagos (cofres funerarios) encontrados en Italia son todos romanos en
tipo, aunque reciben un significado especial por temas, señales o símbolos
importantes para los cristianos. La Escultura, sin embargo, no era una forma
natural de expresión para los primeros cristianos. Esto fue así porque uno de
los diez mandamientos prohíbe la realización de imágenes (tallado). Así, muchos
de los primeros cristianos interpretaban este mandamiento, tal como los
hebreos, en el sentido de que consideraban un error hacer cualquier imagen de
la figura humana. Finalmente las autoridades de la iglesia decidieron que este
arte podía servir cristianismo. Por lo que, fue sólo la fabricación de ídolos
(dioses falsos), lo que era considerado como una violación del mandamiento.
Existen relativamente pocos ejemplos de escultura realizada en los primeros
1.000 años del cristianismo. Entre estos raros ejemplos están los altares
portátiles, relicarios (contenedores para restos de santos cristianos y
mártires), cálices y otros objetos utilizados en los servicios del culto cristiano.
Éstos fueron formados con gran cuidado y a menudo fueron hechos de
materiales preciosos. Por lo que, los artistas escultores utilizaban el medio
frágil y hermoso del marfil de muchas maneras. Habían tallas en relieve para
pequeños altares o como cubiertas para los evangelios, la Biblia o libros de
rezo. Figuras pequeñas, independientes representaban la virgen y el niño
Jesús, ángeles, o Santos.Escultura de Santa Bárbara
Escultura Gótica
Después del siglo XII, la escultura había cambiado gradualmente
de las abstracciones claras y concentradas del arte románico a
una apariencia más natural y realista. Por lo tanto, las figuras
humanas en proporciones naturales fueron talladas en alto
relieve en portales y columnas de la iglesia. Como más hábiles
los escultores góticos, también adquirieron mayor libertad e
independencia. Más tarde las figuras góticas se muestran mucho
más realistas que las realizadas durante el románico y los
períodos góticos anteriores. Las caras de las estatuas tienen
expresión, y sus vestiduras les cubren de una manera natural.
Cientos de tallas en las grandes catedrales góticas por toda
Europa occidental presentan aspectos de la fe cristiana en los
términos que cada cristiano podía entender.
Ángel de la sonrisa
Escultura Renacentista
En el mar Mediterráneo, sobresale la península italiana, en la
encrucijada de varios mundos, que había sido el corazón del
imperio romano. Por lo tanto, Roma era el centro del mundo
cristiano occidental. Después, el noreste de Italia, especialmente
Venecia, se convirtió en la puerta de entrada para el cercano
Oriente. Por lo tanto, los artistas italianos no aceptan
completamente los estilos góticos que dominaron el arte en la
Europa occidental. La razón es que los artistas italianos fueron
afectados por los restos de la edad clásica y expuestos a la
influencia oriental del arte bizantino. Así, ya en el siglo XIII los
italianos plantaron las semillas de una nueva era tal como lo
fue el renacimiento. Aunque los elementos del arte Bizantino y
medieval contribuyeron mucho a la formación de la escultura del
Renacimiento, artistas italianos estaban interesados en revivir
el clásico enfoque de este arte.
Piedad, Miguel Ángel
Escultura Barroca
La escultura en el siglo XVII continuó siendo tratada con la
misma amplia variedad de problemas escultóricos que sus
antecesores del Renacimiento, con la figura humana como una
forma de expresión. Sin embargo, reaccionaron, contra el
manierismo de los escultores de finales del siglo XVI.
Trabajaron más bien para lograr un retorno a la mayor fuerza
de Miguel Ángel, a la energía y la agilidad de la escultura del
siglo XV. Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680) fue, como Miguel
Ángel, un artista talentoso de la escultura barroca. En una
larga y productiva carrera, él fácilmente se convirtió en la
figura dominante en su país y uno de los artistas más
importantes de Europa durante un período brillante y creativo.Apolo y Dafne – Bernini
Escultura del Rococó
Las cualidades básicas del arte del siglo XVII fueron llevadas
adelante en el siglo XVIII pero fueron transformadas para el
gusto de una generación diferente. El término “rococó” sugiere
la preferencia por efectos más ligeros y decorativos en
escultura y en todas las artes. Jean Baptiste Pigalle (1714-85)
y Étienne Maurice Falconet (1716-91) muestran la misma
destreza técnica que Bernini, pero sus figuras son ligeras y
alegres. La habilidad en su trabajo delicado, con su pequeñas,
dulces figuras de movimientos dulces y agraciados, representan
un cambio notable de la fuerte intensidad religiosa de la obra
de Bernini.
Cupido de Edmé Bouchardon
Escultura Neoclásica
La escultura del Neoclásico y Romántico, se consolida en el
siglo XVIII, mientras Clodion (1738-1814) y otros escultores del
rococós estaban aún activos. Esta dirección, llamada neoclásica
busca describir el retorno deliberado a la temática y estilo
clásico, duró en fuerza durante casi un siglo. El cambio puede
verse en la obra del destacado escultor Jean Antoine Houdon
(1741-1828), por lo tanto, la estatua de George Washington
podría compararse a un retrato de un emperador romano.
Por su parte, el movimiento romántico fue creciendo, aún
cuando muchos artistas aún preferían trabajar en la tradición
clásica en las academias. En la década de 1860 el joven escultor
llamado a Auguste Rodin fue rechazado tres veces de la École
des Beaux-Arts, la Academia de París. Al final del siglo fue el
escultor más famoso en Francia y en la mayor parte de Europa.
Antonio Canova: Perseo con la cabeza de Medusa
Escultura del siglo XX
El siglo XX fue una época de experimentación con nuevas ideas,
nuevos estilos y nuevos materiales. Estudios de la figura
humana dieron lugar a nuevos temas tales como los sueños,
ideas, emociones, así como también el estudio de la forma y el
espacio. De igual manera, se utilizaron materiales como el
plástico, cromo y acero soldado, así como cajas, piezas rotas
de automóvil y piezas de muebles viejos. Igualmente, los
escultores del siglo XX, tienen una gran deuda con Rodin,
debido a su tremenda producción y variedad que inspiró una
nueva generación de escultores para expresar nuevos
pensamientos en una forma de arte que había estado repitiendo
viejas ideas durante 200 años. Aunque los sucesores de Rodin
tienden a alejarse de su realismo y sus temas literarios, sus
innovaciones tuvieron una influencia muy importante.
Umberto Boccioni, Formas únicas de continuidad en el espacio
Escultura Moderna y Posmoderna
Desde la década de 1960, el llamado arte moderno ha sido
reemplazado por el arte contemporáneo o el postmodernismo. A
diferencia de los anteriores los escultores modernistas y
posmodernista de hoy (por ejemplo, los artistas Pop como
Claes Oldenburg, Robert Indiana y los artistas Neo-Pop como
Jeff Koons, no dudan en utilizar una amplia variedad de
materiales, imágenes y métodos de exhibición. Sin embargo,
estos estilos tienden a ser más localizados, por lo que, como
tendencia actual entre los movimientos del arte contemporáneo
está en desconfiar de las grandes ideas y el internacionalismo
de los movimientos de arte moderno del siglo XIX y mediados
del siglo XX.Jeff Koons, Balloon Dog
Tipos de Esculturas
Escultura Exenta
Es rodeada por todos lados por el espacio.
Escultura Ecuestre
Una estatua de una persona a caballo, como la de Giambologna (1529-
1608) de Cosimo de’ Medici en Florencia. Tal vez la mayor estatua
ecuestre es la del jinete de bronce de estilo barroco de Falconet en
San Petersburgo la Plaza decembrista: un monumento al zar Pedro el
grande y una obra maestra de ruso de la escultura, aunque creado por
un francés.
Escultura en Relieve
Es de bajorrelieve abarcando alto relieve y relieve hundido, donde sigue
siendo el diseño a un segundo plano, generalmente piedra o madera.
Longitud completa
Las dos versiones del David de Donatello y Miguel Ángel, suele
ser un retrato en tres dimensiones de representación de
longitud completa de una persona.
De Busto
generalmente representa sólo la cabeza, cuello y hombros, es
el caso del busto de George Washington (1788) Jean-Antoine
Houdon (1741-1828).
Dinámica
• Grupal
• Los/las estudiantes observan video de la historia de la escultura.
• Presentan al curso elementos y características presentes en los videos y se vinculan con la realidad actual nacional.
• Se registra en el cuaderno/croquera lo descubierto en los videos.
Videos
• https://youtu.be/JRQY4LLX9t8
• https://youtu.be/Bdvgkc95cV4
• https://youtu.be/fx5dy81ExwM