Aspetti del rapporto Pittura-Fotografia
Michele Catania
Quando nel 1839 i primi dagherrotipi fecero la loro comparsa, il
panorama economico dell'Europa, che dopo il Congresso di Vienna
(1814-1815) aveva visto ristabiliti i confini esistenti tra gli
Stati prima delle campagne di Napoleone, era in grande fermento.
Nuove scoperte nel campo della scienza e della tecnica, ed un
rapido sviluppo industriale avevano portato maggior benessere
economico alle masse, con il conseguente emergere di nuovi ceti
sociali. Nella pittura, l'uso del dipinto paesaggistico e la
ritrattistica (con una solida tradizione di status symbol),
riservati per molti secoli esclusivamente alla nobilt ed a pochi
altri eletti, si diffuse rapidamente nella media borghesia, creando
un terreno fertile all'avvento della nuova tecnica.
Messa a confronto con la pittura nella fedelt dell'imitazione ed
esattezza dei particolari riprodotti, essa venne largamente
utilizzata per sostituire le lunghe pose nei ritratti, nei paesaggi
e nelle scene urbane, rivoluzionando e cambiando il corso della
sperimentazione pittorica.
Nella ritrattistica, la fotografia, la quale forniva prodotti pi
accessibili e meno costosi, riscosse un rapido e grande successo
internazionale, sottraendo occasioni di lavoro ai pittori; la
domanda di ritratti divent enorme e nacque una nuova professione la
quale mise in crisi soprattutto il mondo artistico, che temeva la
possibile sostituzione dello strumento all'artista.
Ben presto, con il rivelarsi delle tecniche, apparve per
evidente che la fotografia non richiedeva alcuna capacit di disegno
o particolare maestria pittorica; chiunque disponendo del materiale
idoneo poteva riuscirvi quanto e meglio dello stesso Daguerre. Ci
si chiese allora, se dagherrotipi e talbotipie si sarebbero
inseriti nel mondo dell'arte sostituendo pittura ed incisione, ed
inoltre se la fotografia potesse essere considerata una qualche
forma d'arte.
Le risposte, in quei primi anni si orientarono soprattutto nel
ridimensionare la portata dell'invenzione da un punto di vista
estetico, nel confronto con la pittura tradizionale. Se da un lato
la fotografia rappresentava con assoluta precisione il soggetto
rappresentato, mancava di quelle qualit che la pittura aveva, in
primis il colore; poi l'interpretazione personale del pittore,
capace di rendere una maggiore complessit della realt, che
arricchita di tutte quelle sfumature che nessun apparecchio
meccanico poteva ancora rendere, lasciava trasparire un mondo
infinito di storia, personalit, sentimenti ed emozioni, dove
momenti e stagioni diverse potevano essere combinati assieme.
La stampa dell'epoca pubblic articoli in cui la fotografia
veniva suggerita come un utile sussidio, sostitutivo del disegno
nell'osservazione della realt; artisti e critici si espressero sul
valore estetico e sui limiti della sua imitazione, circoscrivendone
i confini. Pietro Selvatico, dalla cattedra all'Accademia di
Venezia, legittim il suo impiego assegnandogli la funzione di
strumento di educazione a vedere. Cesare Masini, accademico a
Bologna dal '45 al '71, nel 1862 dichiar che la fotografia deve
essere intesa come un servizio dell'arte, ma non sar mai Arte,
poich mentre la prima crea, essa unicamente riproduce.
Quasi tutti i pittori utilizzarono la "nuova tecnica" come
supporto mnemonico delle loro opere, o per indagare in particolare
sul chiaroscuro e sulle molteplici variet della luce; chi per
trarne spunto, chi per studio, chi come visione di anteprima
dell'opera, ma spesso in gran segreto, temendo di venire
criticati.
In Italia, lutilizzo di immagini fotografiche documentato per
Luigi Mussini (1813-1888), Filippo Palizzi (1819-1899), Domenico
Morelli (1823-1901), Gerolamo Induno (1825-1890), Eleuterio
Pagliano (1826-1903), Vincenzo Cabianca (1827-1902), Michele
Cammarano (1835-1920), Bernardo Celentano (1835-1863), Giuseppe
Abbati (1836-1868), Adriano Cecioni (1836-1886), Edoardo Dalbono
(1841-1915), Mos Bianchi (1845-1904), Giuseppe De Nittis
(1846-1884), Vincenzo Gemito (1852-1929), Paolo Vetri (1855-1937),
per citare solamente alcuni artisti.
La fotografia sviluppo' un numero sempre maggiore di immagini
dalle quali attingere modelli per le proprie opere; divenne
consuetudine lo scambiarsi fotografie di opere e di modelli, sia in
Italia che all'estero, con la massima attivit a Parigi e Londra.
Prosperavano professionisti di immagini per i pittori, e album di
repertori che affiancavano e sostituivano gli antichi libri di
modelli.
Nel 1854 venne fondata a Firenze la Ditta Alinari, la quale
dedic un settore della propria attivit alla riproduzione di
monumenti, sculture e dipinti, con una vasta serie di cataloghi di
materiale iconografico. Non pochi furono i "conservatori" che
videro in tutta questa massiva divulgazione, una invadenza e
velleit "artistica" della fotografia, la quale a loro detta
conduceva ad un degrado e svilimento dell'Arte.
Arcangelo Migliarini, funzionario alle Gallerie fiorentine,
fervido sostenitore della pittura, nel 1860 si oppose alle riprese
fotografiche Alinari nei musei della citt, affermando che anche le
pi belle fotografie fatte dal vero, risultano prive di anima e non
possono essere paragonate nemmeno con quadri di terz'ordine. Nel
1877, Camillo Boito si pronunci sull'uso della fotografia nel
riprodurre monumenti: "... da quando la fotografia s' fatta
abilissima nel cavare il ritratto veridico dei monumenti, paiono
diventati pi insulsi di prima".
Non pochi furono gli artisti che si videro criticati per aver
fatto uso di essa.
Filippo Carcano, Una lezione di ballo, 1865, olio su tela, cm.
129 x 164, Torino, Galleria Civica dArte Moderna e
Contemporanea.
Il milanese Filippo Carcano (1840-1911), considerato il
caposcuola del Naturalismo lombardo, venne contestato per aver
utilizzato delle immagini fotografiche nella realizzazione del
dipinto Una lezione di ballo, esposta a Brera nel 1865.
Telemaco Signorini, Ponte Vecchio a Firenze, olio su tela, cm.
130 x 152. Collezione privata.
Il Ponte Vecchio di Telemaco Signorini, all'Esposizione
Nazionale di Torino del 1880, venne giudicato un'imitazione
fotografica, carente di carattere.
Telemaco Signorini non solamente utilizzava la fotografia, ma
non ne faceva mistero, tanto da aver dichiarato nel 1874 in Cose
d'arte: "...La macchia [... ] nacque nel 1855, da tre artisti e non
dei peggiori in Italia, coadiuvata dalla fotografia, invenzione che
non disonora poi il nostro secolo e non ha colpa nessuna se
qualcuno decade in arte abusandone". Certamente il confine tra un
uso lecito (secondo i parametri dell'epoca), ed un eventuale abuso
della tecnica, era opinabile ed ancor pi, difficilmente
dimostrabile.
Fotografia dell'epoca ritoccata con colori ad olio.
Nella fotografia si iniziano ad elaborare diverse tecniche per
colorare, verniciare e sfumare le immagini, utilizzando grafite,
colori trasparenti e olio, spesso con il risultato di immagini
posticce e di dubbio gusto. Si interviene anche in fase di sviluppo
e stampa con effetti di sfocato, viraggi e trasparenze.
In Italia intanto, il Romanticismo del Carnovali e dell'Hayez,
dopo essersi diffuso in Lombardia, Piemonte, Liguria, Veneto,
Emilia, Toscana ed a Roma, aveva gi sperimentato nuove direzioni di
ricerca e cedeva il passo al Purismo di Antonio Bianchini ed al
Realismo di Courbet.
Per i pittori realisti, i quali ponevano la massima attenzione
alla descrizione minuziosa dei particolari, i temi e soggetti
tratti dalla realt quotidiana non potevano avere una qualsiasi
idealizzazione, come avveniva nel periodo precedente del
Romanticismo. L'interesse per la contemporaneit, esplicatesi
attraverso l'osservazione della realt e la sua rappresentazione, e
fino ad allora prevalentemente destinata alla descrizione di
personaggi straordinari o di nature idealizzate, and mutando;
fecero la loro comparsa le persone comuni nelle loro attivit
quotidiane, il paesaggio urbano e l'attivit agraria.
In Italia numerosi furono i fotografi provenienti dalla pittura:
Gioacchino Altobelli, Luigi Sacchi, Stefano Stampa, Pietro Poppi,
Luigi Mussini, Giuseppe Ambrosetti, Michele Danesi, Carlo Simelli,
Aurelio Tiratelli (dedito alla pittura e fotografia nella campagna
romana).
Aurelio Tiratelli, Campagna romana, olio su tela, cm. 53 x 136.
Collezione privata.
Il Vedutismo, il quale fu tra i primi campi d'applicazione del
dagherrotipo e del calotipo, contribuiva alla documentazione del
territorio ed ampliava le conoscenze geografiche del pubblico,
divenendo un valido strumento di alfabetizzazione visiva.
Una maggiore distinzione si fece in atto tra pittura e
fotografia, con l'avanzamento del vero nella cultura pittorica, e,
in quella fotografica, con il perfezionamento tecnico delle
attrezzature e dei materiali sensibili. Alle immagini di alta
definizione e uniche del dagherrotipo si affianc nel 1841 il
calotipo, che se meno incisivo nei dettagli, era ricco di densit
chiaroscurale e, cosa non da poco, riproducibile in pi copie. Nel
1848 si introdusse il processo all'albumina, nel 1851 il collodio;
si abbassarono progressivamente i tempi di esposizione fino ad
arrivare all'istantanea.
Nel 1871 venne messo a punto il processo negativo alla gelatina
bromuro d'argento che sostitu il collodio, nel 1888 entr in
circolazione la prima macchina fotografica con pellicola su rullo.
Si venne progressivamente a innescare un processo di scambio, con
fotografie che si ispiravano ai dipinti ed erano studiate dagli
artisti, e per la produzione illustrativa di quadri e disegni. La
fotografia imitava il linguaggio della pittura, e la pittura
cercava di utilizzare la fotografia da un punto di studio e di
controllo dell'immagine. La nuova invenzione costringeva i pittori
alla ricerca di un linguaggio nuovo, in cui l'imitazione accurata,
l'esattezza del dettaglio e della prospettiva, cos ammirati prima
della fotografia, venivano meno.
Nell'arte pittorica, dalle esperienze del Romanticismo e del
Realismo, che avevano rotto con la tradizione accademica, nacque
l'Impressionismo, in cui decadeva l'importanza del soggetto,
portando l'attenzione al colore ed alla soggettivit dell'artista,
le cui emozioni andavano esaltate e non pi contenute.
Il mondo fotografico veniva coinvolto da quei cambiamenti che
dovevano portare la pittura dall'impressionismo al divisionismo, al
cubismo, al futurismo, all'astrazione. Dopo aver utilizzato,
durante il periodo preraffaellita, il "combination printing" il
quale consentiva di realizzare vaste composizioni allegoriche, e lo
"sfumato" che si accostava alla pittura degli impressionisti, la
fotografia inizi grazie al miglioramento delle tecnologie
fotografiche a comprendere ed utilizzare il grande potenziale che
si celava nei procedimenti di ingrandimento e in quello di fissare
il movimento con l'istantanea.
Michele Catania
Bibliografia:
Il secondo 800 italiano. Le poetiche del vero, catalogo della
mostra, Mazzotta, Milano
1992ittori e Pittura dellOttocento Italiano, De Agostini, Novara
1997-1998
La pittura in Italia, LOttocento, Electa, Milano 1991, vol. II,
saggi: - R. Maggio Serra, I sistemi dellarte nellOttocento, pp.
629-652; - Silvia Bordini, Aspetti del rapporto pittura-fotografia
nel secondo Ottocento, pp. 581-601
Aaron Scharf. Arte e Fotografia. Einaudi Torino, 1979
