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B A R R O C O N A I T Á L I A

A arte Barroca desenvolveu-se no séc. XVII, num período muito importante da história da civilização ocidental, pois nele ocorreram mudanças que deram nova feição à Europa da Idade Moderna.

Para entender melhor os acontecimentos desse século, é preciso buscar suas origens em fatos do séc. XVI. O mais importante deles foi, sem dúvida, a reforma Protestante, que teve início na Alemanha e, a seguir, expandiu-se por muitos outros países.

Embora tenha sido um movimento de caráter religioso, a Reforma teve conseqüências que ultrapassaram as questões de fé, pois provocaram alterações em outros setores da cultura européia. Uma delas foi favorecer o surgimento dos estados nacionais e dos governos absolutos, pois propunha que cada nação se libertasse da submissão ao papa.

No entanto, a Igreja Católica, logo se organizou contra a Reforma Protestante. Na verdade, desde o início do século XV havia um movimento dentro da Igreja que pretendia eliminar os abusos nos mosteiros e fortalecer a vida espiritual. Mas foi somente no séc. XVI que essa reação ganhou um caráter de Contra-Reforma, em virtude da convocação do Concílio de Trento.

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Com os trabalhos conciliares e a atuação das grandes ordens religiosas, entre elas a Companhia de Jesus, a Igreja católica retomou sua força e novas e grandes igrejas foram edificadas. Outra vez então, a arte é vista como um meio de propagar o catolicismo e ampliar sua influência.

A arte barroca originou-se na Itália, mas não tardou a erradicar-se por outros países da Europa e a chegar também ao continente americano, trazida pelos colonizadores portugueses e espanhóis. Entretanto, ela não se desenvolveu de maneira homogênea. Houve grandes diferenças entre os artistas e entre as obras produzidas nos diferentes países.

Alguns princípios gerais podem ser indicados como caracterizadores dessa concepção artística: as obras barrocas romperam o equilíbrio entre o sentimento e a razão ou entre a arte e a ciência, que os artistas renascentistas procuram realizar de forma muito consciente; na arte barroca, predominam as emoções e não o racionalismo da arte renascentista.

Suas características gerais, na pintura, são: → Ausência de Cenário (lugar);

→ Contraste entre luz e sombra; → Exagero;

→ Dramaticidade Teatral; e→ Sofrimento.

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A PINTURA BARROCA NA ITÁLIA

De modo geral, as características da pintura barroca podem ser resumidas em alguns pontos principais. O primeiro é a disposição dos elementos dos quadros, que sempre forma uma composição em diagonal. Além disso, as cenas representadas envolvem-se em acentuado contraste de claro-escuro, o que intensifica a expressão de sentimentos. Quanto ao assunto, a pintura barroca é realista, mas a realidade que lhe serve de ponto de partida não é só a vida de reis e rainhas de cortes luxuosas, mas também a do povo simples.

Dentre os pintores barrocos italianos, um dos mais expressivos é o pintor Michelangelo Meresi da Caravaggio (Milão, 29 de Setembro de 1571 – Porto Ercole, comuna de Monte Argentario, 18 de Julho de 1610) foi um pintor Italiano atuante em Roma, Nápoles, Malta e Sicília, entre 1593 e 1610. É normalmente identificado como um artista Barroco, estilo do qual ele é o primeiro grande representante. Caravaggio era o nome da aldeia natal de sua família, que ele adotou como nome artístico.

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CARAVAGGIO:

A BELEZA NÃO É PRIVILÉGIO DA ARISTOCRACIA

Caravaggio não se interessou pela beleza clássica que tanto encantou o Renascimento. Ao contrário, procurava seus modelos entre os vendedores, os músicos ambulantes, os ciganos, enfim, entre as pessoas do povo. Para ele não havia a identificação, tão comum na época, entre beleza e classe aristocrática.

O que melhor caracteriza a pintura de Caravaggio é o modo revolucionário como ele usa a luz. Ela não aparece como reflexo da luz solar, mas é criada intencionalmente pelo artista, para dirigir a atenção do observador.

                                                  

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Deposição de Cristo, 1602.

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A conversão de São Paulo, a caminho de Damasco, (1600-1601), Santa Maria del Popolo, Roma

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A Ceia de Emaús, 1602, National Gallery, Londres.

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A crucificação de São Pedro

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Sacrifício de Isaac

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A deposição de Cristo

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Degolação de João Batista

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Esta pintura foi feita em óleo sobre tela 125cm x 101cm. Esta exposta na Galeria Borghese, Roma (Itália).

Caravaggio procura traduzir nessa obra a dramaticidade das personagens nas próprias cores e linhas traçadas. A cabeça decepada de Golias é considerada um autorretrato do próprio pintor, atormentado pela perseguição, inclemente de seus adversários.

Características da obra: Desequilíbrio, contraste do claro e do escuroA imagem a cima e assimétrica e a imagem é idealista.

Passa a mensagem de guerra, raiva. Também passa a mensagem de Davi arrancando a cabeça de Golias

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N a r c i s o

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O c u p i d o d o r m i n d o

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A arquitetura barroca é caracterizada pela complexidade na construção do espaço e pela busca de efeitos impactantes e teatrais, uma preferência por plantas axiais ou centralizadas, pelo uso de contrastes entre cheios e vazios, entre formas convexas e côncavas, pela exploração de efeitos dramáticos de luz e sombra, e pela integração entre a arquitetura e a pintura, a escultura e as artes decorativas em geral. O exemplo precursor da arquitetura barroca geralmente é apontado na Igreja de Jesus em Roma, cujo projeto foi de Giacomo Vignola e a fachada e a cúpula de Giacomo della Porta. Vignola partiu de modelos clássicos estabelecidos pelo Renascimento, que por sua vez se inspiraram na tradição arquitetônica da Grécia e da Roma antigas. As diferenças introduzidas por ele foram a supressão do transepto, a ênfase na axialidade e o encurtamento da nave, e procurou obter uma acústica interna eficaz. A fachada se tornou um modelo para as gerações futuras de igrejas jesuítas, com pilastras duplas sustentando um frontão no primeiro nível, e um outro frontão, maior, coroando toda a composição. O interior era originalmente despojado, e seu aspecto atual é resultado de decorações no final do século XVII, destacando-se um grande painel pintado no teto com o recurso da arquitetura ilusionística.

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Jacob van Campen: Prefeitura de Amsterdã

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Catedral de Santiago de Compostela, fachada de Fernando de Casas Novoa

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João Frederico Ludovice: Mosteiro e Palácio Real de Mafra

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John Vanbrugh: Palácio de Blenheim, Woodstock

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Interior da igreja da Abadia de Melk

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Claudio de Arciniega: Catedral Metropolitana, Cidade do México

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O teatro barroco herdou os avanços renascentistas na construção de cenários com perspectivas ilusionísticas, o que estava ligado à revivescência da arquitetura clássica. Arquitetos como Vincenzo Scamozzi, Sebastiano Serlio, Bernardo Buontalenti e Baldassare Peruzzi haviam participado ativamente da concepção de cenários de impacto realista, seja por meio de painéis pintados, o que era mais comum, seja com construções realmente tridimensionais sobre os palcos, e pelo fim do século XVI a cenografia se tornara uma parte importante na representação teatral. Ao longo do século seguinte adquiriu relevo ainda maior, e como os cenários teatrais não estavam sujeitos às limitações da arquitetura real, desenvolveu-se uma linha de cenários altamente fantasiosos e bizarros, onde a imaginação encontrou um terreno livre para se manifestar. À medida que os cenários móveis se tornavam mais complexos, da mesma forma evoluíam as casas teatrais, até então construções temporárias ou de proporções modestas. O primeiro grande teatro permanente fora erguido em Florença em meados do século XVI. O primeiro proscênio permamente surgiu em 1618 no Teatro Farnese em Parma, sob a forma de uma derivação de um arco de triunfo. Fixos, limitavam a visão do público à regra da perspectiva central, que correspondia simbolicamente à visão do governante, um reflexo da ideologia absolutista.

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Giacomo Torelli: Cenário para Andromède, de Corneille, 1650. Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque

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O cenário era quase inexistente. O cenário era um palco sem cenário, sem cortina ou de uma cortina, colocada em uma parede da caneta, em frente à porta. Tinha algumas portas que os atores entravam e saíam. O público deve imaginar o lugar onde a ação através das palavras dos personagens. Na segunda metade do século XVII, o cenário foi desenvolvido sob a influência de empresas italianas.

As funções costumava ser muito longo, com início nas primeiras horas da tarde para aproveitar a luz solar e durou várias horas. O show consistiu em:

• uma loa (On verso)• o ato primeira comédia• um aperitivo• o segundo ato da comédia• um aperitivo ou uma cantada de dança• o terceiro ato da comédia• um final (dança).

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Aura barroca teve um importante papel no complemento da arquitetura, tanto na decoração interior como exterior, reforçando a emotividade e a grandiosidade das igrejas.

Destaca-se principalmente as obras de Bernini, arquiteto e escultor que dedicou sua obra exclusivamente a projeção da Igreja Católica, na Itália. A principal característica de suas obras é o realismo, tendo-se a impressão de que estão vivas e que poderiam se movimentar.

As esculturas em mármore procuraram destacar as expressões faciais e as características individuais, cabelos, músculos, lábios, enfim as características específicas destoam nestas obras que procuram glorificar a religiosidade.

Multiplicavam-se anjos e arcanjos, santos e virgens, deuses pagãos e heróis míticos, agitando-se nas águas das fontes e surgindo de seus nichos nas fachadas, quando não sustentavam uma viga ou faziam parte dos altares.

Santo André, de François Duquesnoy, basílica de São Pedro

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Monumento a Richelieu, de François Girardon, Igreja da Sobornne, Paris

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A escultura barroca é marcada por um intenso dramatismo, pela exuberância das formas, pelas expressões teatrais e pela luz e movimento. As figuras que exibem dramatismo, faces expressivas e roupas esvoaçantes.

Na Itália, destacou-se o trabalho de Bernini. Em Portugal, António Ferreira e Machado de Castro foram os escultores de maior relevo. No Brasil tornou-se célebre o Aleijadinho.

A escultura barroca contraria a idéia anterior do Renascimento: a sobriedade e racionalidade das formas. Este pensamento não se demostrou apenas na escultura mas também na pintura, moda, escrita e mesmo no modo de vida das pessoas.

Um excelente exemplo da escultura típica do Barroco é o O Êxtase de Santa Teresa do consagrado escultor, Jean Lourenzo Bernini.

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“O Êxtase de Santa Tereza”, é a obra prima de Bernini e marca o auge do estilo barroco. Ele chegou a construir uma capela como cenário para expo-la, incluindo balcões pintados nas paredes, cheios de “espectadores” em relevo.

Enquanto viveu, Santa Tereza tinha visões e ouvia vozes, acreditando que havia sido trespassada pelo dardo de um anjo, que lhe infundiu o amor divino.

Ela descrevia sua experiência mística em termos que beiravam o erótico. “A dor foi tão grande que gritei; mas ao mesmo tempo senti uma doçura tão infinita que desejei que a dor durasse para sempre.”

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A escultura de Bernini, em mármore, representa a santa desfalecida numa nuvem, expressando na face uma mistura de êxtase e exaustão. Como a Igreja da Contra-Reforma sublinhava a importância de seus membros reviverem a Paixão de Cristo, Bernini tentava induzir os fiéis a uma intensa experiência religiosa, lançando mão de todos os artifícios operísticos para criar um ambiente totalmente artístico na capela.

A santa e o anjo parecem flutuar nas ondulações das nuvens, banhados por raios dourados que jorram de uma abóbada celeste pintada no teto da capela. O virtuosismo do artista com a textura faz a “carne” do mármore branco parecer estremecer de vida, e igualmente convincentes são as plumas das asas do anjo e a inconsistência das nuvens. Todo o altar palpita de emoção, drama e paixão.

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Bernini (1598-1610) foi mais que um escultor do período barroco. Foi também arquiteto, pintor teatrólogo, compositor e cenógrafo de teatro. Caricaturista brilhante, quando não estava esculpindo em mármore, com a mesma facilidade com que modelava a argila, escrevia comédias e óperas. Mais que qualquer outro artista, ele deixou sua marca em Roma, com suas fontes, sua arte religiosa e seu projeto da Basílica de São Pedro.

Filho de escultor, aos 25 anos de idade Bernini esculpiu no mármore seu notável “Davi”. Diferentemente de Michelangelo com seu “Davi” em que a força é puxada para cima, Bernini extrai da pedra o movimento tensional e captura o momento de torção máxima. Mordendo os lábios num esforço violento, o Davi de Bernini transmite a força prestes a ser libertada, causando em quem está diante da estátua um ímpeto de se esquivar. Essa energia explosiva, dinâmica, sintetiza a arte barroca e envolve o espectador em seu movimento e emoção, ameaçando irromper de seu confinamento físico.

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“Davi”, Bernini, Galleria Borghese, Roma

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As características principais são o dinamismo, a monumentalidade, a expressividade, o naturalismo e o dramatismo. Os retratos de personagens são realistas e expressam os sentimentos e inclusive as paixões, e a utilização da perspectiva acentua o poder e a força da composição.

Além dos retratos e do busto, observa-se a representação de imagens religiosas e de santos para a decoração de espaços interiores religiosos e palacianos ou no espaço exterior, como fontes e praças.

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O Rapto de Proserpina

a excelência do tratamento do mámore dá a este uma textura que parece a da pele humana.

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Satyr e Nimpha

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Apollo e Daphne Thomas Baker

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Bacanal

Fonte "os quatro rios"

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Medusa

Alma do Diabo