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Regina Viginum
Adoratrices ( RVA )
Profesor: Martin Lavore
Lagarde
Tema: Blues y Jazz
Alumno: Huang Alejandro
Fecha de entrega: 04/10/13
Origen del Blues
La historia del blues se remonta al siglo XVII, en los EEUU. El blues se define como
el género folclórico de la población negra. EEUU era una colonia de Inglaterra que
traía esclavos desde África que habitaron mayoritariamente el sur de este país.
Estos trabajaban en las plantaciones de tabaco, algodón y arroz, por lo tanto no se les
permitía desarrollar sus religiones y sus familias eran separadas. Los negros tomaron
el eje rítmico de su música y lo juntaron con lo armónico y melódico de la música
europea.
Los primeros blues intentaban ser mensajes que iban de plantación en plantación para
transmitir noticias, pero a la vez demostraba lo que se sentía un esclavo. Lo religioso
surgió de otro genero llamado Gospel, que es una especie de música evangélica con
rituales africanos, que requieren mucho trabajo vocal.
Los primeros instrumentos eran rítmicos, luego empezaron a utilizar el banjo y la
guitarra acústica.
La estructura inicial del blues era monótona pero luego llego a ser armónica, ya que
estaba formada por doce compases en cuarto y quinto tono.
Lo blue note es una nota desafinada en una escala de cinco notas, llamada penta
tónica y es la mas importante porque es el sub-estilo que más influyo en la música
blanca de EEUU.
Los artistas mas reconocidos de este estilo musical son B.B. King, Muddy Waters,
Ottis Redding.
Blues, símbolo de una tristeza. Blues, historia de la esclavitud de un pueblo. Blues,
manifestación de una condición de vida. Blues, una manera de liberar los
sentimientos. Blues la música.
Contexto social
Los primeros instrumentos utilizados
BANJO PRIMITIVO
Este instrumento, estaba construido con una calabaza alargada que había sido secada
hasta conseguir que tuviera la dureza del plástico. Tenía cinco cuerdas cortadas de un
largo hilo de pescar de plástico atadas al palo de madera hueca hacía las veces del
mástil del instrumento. Cuatro de las cuerdas se extendían hasta el final del palo, y la
quinta estaba atada cerca del cuerpo del instrumento, con una longitud más corta que
elevaba el tono. Había un puente tallado a mano que mantenía las cuerdas separadas
de la tirante membrana de piel de cabra que cubría el corte efectuado a la calabaza, en
la lengua wolof el instrumento se llamaba halam, en la lengua de los músicos
africanos que la llevaron al sur de los Estados Unidos, tiene el nombre de Banjo.
Con el paso del tiempo el banjo sufrió cambias importantes. Para 1883 el Banjo se
había americanizado. La membrana de piel estaba ahora extendida sobre un armazón
redondo, en un principio de madera y más tarde de metal. El mango redondeado se
había reemplazado ahora por un mástil plano, y la cuerda corta se fijó al lado del
mástil con clavijas, primero de madera como en un tambor y cuando cambió, las
clavijas y el aro que la mantenían tirantes también fueron de metal a rosca. De este
modo el instrumento era más ruidoso y puesto que las cuerdas se podían tensar más,
sonaban en un tono más alto. Se había convertido en un banjo con sonido metálico.
El banjo junto con el violín fueron convirtiéndose en los instrumentos más comunes
de las plantaciones del sur. Y no fue en forma definitiva el instrumento que
conformaría el blues pero sí fue el instrumento que contribuyó a desarrollar las
técnicas que llegaron a formar parte de los antecedentes del blues. Se le podría
considerar como un estadio intermedio entre la música de los Griots (Cada lengua de
Africa del Sur posee una palabra diferente para designar "cantante", pero todas ellas
utilizan un termino más general, griot) y la de los primeros cantantes de blues.
En parte la razón para que el Banjo perdiera su papel central en la vida musical rural
afro americana se debe a que muchas piezas de su repertorio habían sido asumidas por
músicos blancos y se habían asociado con los espectáculos Minstrel (Espectáculo de
variedades, con artistas en su mayoría blancos, que incluía canciones y números
cómicos, generalmente imitando de forma burlona a los negros). También se puede
citar los cambios en el instrumento (el tono más alto y el tensado de las cuerdas, que
no podían producir una nota sostenida).
Parte instrumental sobre la múscia del blues
Con los primeros acompañamientos de guitarra hubo otra manera de resolver el
dilema. La guitarra desplazó en alto grado al Banjo y al violín, sobre todo al primero,
cuyo uso fue poco común entre los cantantes de Blues.
El blues era ante todo una música vocal y requería cierta calidad vocal en los
instrumentos. La flexibilidad de la guitarra satisfacía dicha exigencia. La afinación
mi-si-sol-re-la-mi- típica se alteraba tensando o destensando las cuerdas hasta que el
instrumento quedaba afinado a una cuerda. Los resultados fueron muy satisfactorios.
Con los primeros acompañamientos de la guitarra hubo otra forma de tocarla. Esto se
consiguió con la guitarra slack key, que eran populares en los estados unidos.
Esencialmente, la guitarra se afinaba en un acorde abierto y la melodía se tocaba
deslizando una barra de metal arriba y abajo por las cuerdas. Esta fue la solución a un
problema específico del blues que condujo a las diferentes afinaciones y estilos del
blues moderno.
Esta técnica fue también conocida con el nombre de knife-song, ya que se deslizaba
una hoja de cuchillo sobre las cuerdas, y el músico podía obtener un sonido lastimero
parecido a un gemido humano, o al de un field-holler. Aunque algunos guitarristas
utilicen este recurso de modo ocasional, y otros habitualmente, el hecho es que la
técnica se ha generalizado, lo cual indica la clara diferencia que siente el cantante de
blues por los sonidos dotados de calidades vocales.
Si bien posteriormente con el propio desarrollo del blues fueron utilizado un gran
número de instrumentos, (La jarra y el kazoo, que se reemplazó en los años treinta por
el bajo de una cuerda hecho con una tina de lavar invertida o un cubo de manteca de
cerdo, la tabla de lavar (todos estos instrumentos de percusión africanos), la guitarra
slide, hecha de una cuerda con alambre de escoba extendido a lo largo de una madera
o de la pared de una casa y que al pulsarla, sonaba y deslizaban una botella de cristal a
lo largo, tocada en los años treinta y cuarenta, muchos artistas del blues comenzaron
de esta manera.) los que dieron la pauta al inicio de este género musical.
Durante la década de los 90' así como en los 80', 70', 60' y 50', ha habido sólo un Rey
del blues - Riley B. King. Desde que B. B. empezó a grabar disco a finales de los 40,
ha editado más de 50 álbumes muchos de ellos considerados clásicos del blues, como
el álbum en directo definitivo de la historia del blues, editado en 1965.
Riley B. King nació en el 16 de septiembre de 1925, en una plantación de algodón en
Itta Bene, Mississippi, justo a las afueras de Indianola. Estaba acostumbrado a tocar
en un rincón de la Iglesia de la Calle Segunda para oyentes pasajeros y llegaría a tocar
en cuatro pueblos diferentes en una misma. Con su guitarra y dos dolares y medio en
el bolsillo, decide emigrar al norte, hacia Memphis, Tennessee, en 1947 para seguir
con su carrera musical.
La primera gran irrupción de King en el mundo de la música llegaría a principios de
1948 cuando ficha para el programa de radio de Sonny Boy Williamson en la KWEM
a las afueras de Memphis. “King's Spot”, patrocinado por Pepticon, un tonico para la
salud, llegó a ser tan popular que paso de durar 10 minutos a más de una hora y a
llamarse “Sepia Swing Club”.
B.B. necesitó un nombre de radio con gancho. El primero que se le ocurrió fue Beale
Street Blues Boy (Chico del Blues de la Calle de Véale) pero decide acortarlo para
quedar Blues Boy King, y posteriormente B.B. King. Curiosamente, la inicial de su
propio nombre es "B" nada más, no es una abreviación.
'Historia del Blues'
A mediados de los años 50 mientras B.B. realizaba en un baile en Twist, Arkansas, un
grupo de fans comenzaron a exaltarse. Dos hombres llegaron a las manos y en la
reyerta golpearon una estufa de queroseno, prendiendo fuego al vestíbulo. B.B. decide
salir del local por su propia seguridad, como todos le demás, pero entonces se dio
cuenta de que había dejado su guitarra de 30 dolares de aquel entonces dentro del
recinto, así que sin pensarlo dos veces corrió a salvar su más preciado tesoro,
salvándose milagrosamente de una muerte más que probable. Cuándo más tarde
averiguó que la pelea había sido a causa de una mujer llamada Lucille, decide bautizar
a su guitarra con ese mismo nombre.
Poco después llegaría su primer número uno, "Three O'Clock Blues", B. B. comenzó
a viajar por toda la nación, y desde entonces nunca ha parado, realizando un promedio
de 275 conciertos al año. Desde los circuitos pequeños en los cafés de pueblo, en los
teatros de los ghettos, hasta en las salas de baile de todo el país, desde en locales de
carretera hasta en los clubes de jazz, palacios del rock, halls de para orquestas
sinfónicas, conciertos en conservatorios, halls de prestigio tanto internacional como
nacional, B.B. ha llegado a ser el músico de blues renombrado y conocido de los
ultimos 40 años.
Con los años, B.B. ha desarrollado uno de los estilos que más rápidamente se
identifican en todo el mundo. Tomó prestamos de diferentes artistas como Lonnie
Johnson, Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walter, etc. y los integró con su
impresionante voz, sus bendings y su vibrato de mano izquierda, siendo estos sistemas
de tocar la guitarra componentes indispensables del vocabulario de cualquier
guitarrista de rock. Su economía de notas, el que todas y cada una de las notas cuenta
y tiene que expresar algo, han sido modelo para miles de instrumentistas, inclusive
Eric Clapton, George Harrison y Jeff Beck.
En sus 40 años como músico, los premios han sido múltiples, la lista nos llevaría
varios folios, pero destacaremos como más importantes sus ocho Premios Grammy y
su envestidura en el Blues Foundation Hall of Fame y en el Rock and Rocll Hall of
Fame. En definitiva, nos encontramos ante una de las grandes bestias del blues, de la
música negra y de la música general de todos los tiempos, comparable a Elvis, John
Lenon, Prince o Michael Jackson y que ha entrado aún en vida en la historia de la
música moderna.
Muddy Waters
McKinley Morganfield (alias Muddy Waters) nace en Rolling Fork (Mississipi).
Pasará los primeros años de su vida en una plantación, hasta que, en 1943, se muda a
Chicago. Allí, su amigo -y también músico- Bill Bill Broonzy le introduce en los
clubs musicales de la ciudad, donde pronto empieza a actuar.
En 1945, los hermanos Chess le contratan para su discográfica, Aristocrat Records,
donde empieza a trabajar como músico de acompañamiento para otros artistas. En
1948, lanza su primer disco: I Can´t Be Satisfied. Le siguen Screamin' and Cryin' y
Rollin' and Tumblin'. En 1950, el sello pasa a llamarse Chess Records. El cambio le
trae suerte a Muddy Waters, ya que su primera grabación con la nueva discográfica,
Rollin' Stone, se convertirá en un clásico.
Durante los siguientes ocho años, su nombre alcanzará, en repetidas ocasiones, las
primeras posiciones de las listas Rhythm and Blues, gracias a composiciones como
She Moves Me, Hoochie Coochie Man, Mannish Boy o I've Got My Mojo Working.
Se convierte en una figura de culto. Con el tiempo, sus canciones serán cantadas por
los Rolling Stones (que adoptan su nombre inspirándose en su canción), The Band o
Elvis Presley.
A mediados de los sesenta, su figura, promocionada por los grupos que forman parte
de la "Invasión Británica", adquiere proporciones míticas. En 1968 graba, junto a Bo
Diddley y Howlin Wolf, el disco The Super Blues Band. En 1976, es una de las
grandes estrellas del concierto de despedida de The Band. En 1978, actúa en la Casa
Blanca, a petición de Jimmy Carter.
Falleció el 30 de abril de 1983, después de sufrir un ataque de corazón en su casa de
Chicago.
Cuando se habla de blues muchos se imaginan a virtuosos guitarristas como Eric Clapton tocando
inspirados solos improvisados sobre una base musical repetitiva y triste. Por esto se sorprenden
cuando se dan cuenta que este estilo musical tiene un origen absolutamente folklórico, muy lejos
de las guitarras eléctricas distorsionadas. A veces sonidos tristes y otras felices, el blues rural
comenzó a grabarse a partir de 1923, y los músicos negros fueron los maestros que dibujaron
este lenguaje, que más tarde los músicos de rock echarían mano una y otra vez en busca de
inspiración.
Devidado de: Jazz, Gospel, rhythm & blues,rap, ska, reggae, rock and roll
Jazz
1. ¿Que es el Jazz?El jazz es un tipo de música dificil de definir. Como muchas otras artes se
explica a si mismo, y solo la experiencia de su audición permite comprenderlo.
LAS RAICES.
El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario
preciso, Estados Unidos, a raiz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo
XVII.
En el siglo XIX, la religión cristiana ( sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a
muchos de estos esclavos, que encontraron en los texos del Antiguo Testamento numerosas
analogias aplicables a su propia situacion y en las corales una forma de expresión musical.
Esos salmos se conoce como GOSPELL, canto religioso que adopta formas diversas: la prédica
del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.
El BLUES, El blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas < blue notes < ,
alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero el blues es mucho mas, hay quien lo
traduce por tristeza, aunque es mas acertado la la definición de los propios cantantes de blues: <
Blues is a feeling< , es una sensación, un sentimiento.
Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianistico, que sin llegar a ser jazz se
acerca mucho por su carácter dinámico y saltarin, es el RAGTIME.
El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura
afroamericana que se producea finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas
militares, la música de baile europea...Toda esta mezcla creará el transfondo sobre el que Jerry
Roll Morton se permitiria autoproclamarse < inventor del jazz<
CARACTERISTICAS
Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y
sincopas.
La improvisación. La forma mas comun de los temas de jazz clásico es la forma canción . El
musico de jazz al improvisar crea nuevas melodias, puede hacerlo adornando las melodias
existentes o creando nuevas lineas por encima de las armonias dadas, que están en la base de
toda la composición.
INSTRUMENTOS
El jazz es una música de raiz africana con elementos occidentales, esto se refleja en los
instrumentos.
- Ritmicos : Bateria, contrabajo.
- Melódicos : Piano, Trompeta, Saxofon, Guitarra.
AGRUPACIONES
-TRIO : Formado generalente por dos instrumentos rimicos (bateria y contrabajo) y uno melódico,
que suele ser el piano o la guitarra.
-CUARTETO : Es quizas la agrupacion mas caracteristica, consiste en añadir a la anterior un
instrumento de viento, trompeta o saxofor.
-BIG BAND : Las más comunes cuentan con una seccion de ritmo (piano, contrabajo, bateria y
guitarra) y otra de viento (saxofones, trompetas y trombones).
EVOLUCIÓN Y ESTILOS.
-Estilo Nueva Orleans.
Esta ciudad fue la cuna del jazz, aqui nació Jerry Roll Morton, que si bien no inventó el jazz, si fue
uno de los primeros musicos que tuvo conciencia de esa musica. En este primer jazz todavia se
aprecian claramente los lazos con la musica de pasacalle y con el ragtime.
-Nueva York y Chicago en los años veinte.
En los primeros años veinte el jazz encontró refugio en los locales de los traficantes de alcohol. Ya
en 1923 las orquestas de King Oliver y de Jerry Roll Morton comenzaron a grabar discos que
anunciaban el jazz <tradicional< que tendria en Louis Armstrong a su más popular representante.
Tambien era la epoca de Paul Witheman con su versión de < Rhapsody in Blue < y sobre todo la
orquestra de Duke Ellington.
-La era del swing.
En la segunda mitad de los años treinta el jazz alcanzó uno de sus grandes momentos de exito. El
estilo se conoce como < mainstream < ( corriente principal), época entermedia entre el jazz
tradicional y el jazz moderno.
-Los años cincuenta : bebop, coul y rhythm and blues.
En la relavivamente breve historia del jazz , apenas un siglo, los cambios han sido varios. Lo que
en principio parecian modas son en realidad estilos.
El club Minton´s Playhouse seria la cuna de un nuevo estilo, el bebop. Mientras tanto el rhythm
and blues, la forma más popular de la musica afroamericana, habia alcanzado un desarollo
imparable gracias a figuras como Ray Charles, Louis Jordan, fats Domino, o Chuk Berry .
-The New Thing.
Mientras una parte de la musica afroamericana alcanzaba una dimension como nunca se habis
conocido, el jazz veria el advenimento de la < New Thing < o Free Jazz, (improvisación). Aún hoy
el free jazz tiene más fama en Europa que en Estados Unidos. Buena parte de los musicos del
free jazz, exelentes instrumentistas, fuero poco a poco abandonando este callejón sin salida que
les conducia a una situación de incomprensión musical generalizada.
-Los años setenta.
Como en los años del bebop, surgirán de nuevo las polemicas y muchos consideraba a Miles
Davis y a su jazz-rock fuera del jazz o todo lo mas como un género menor. Los años setenta no
significaron, ni mucho menos, el final del jazz y de la musica afroamericana en general, sino una
nueva etapa de transición.
-Vuelta a los origenes.
Los años ochenta significaron en cierta manera un proceso de clarificación, Miles Davis regresó a
los escenarios tras una larga ausencia rodeado de musicos jovenes. El jazz recibia apoyo
insitucional, incluso en España el gobierno subvencionaba giras y conciertos.
En los años noventa el jazz está mas presente que nunca en la actualidad musical. El rap, la
recuperación del bebop, el revival del soul, los éxitos comerciales del funk, la aparición de nuevas
bandas del mas puro esstilo Nueva Orleans, la actualidd del blues o incluso el éxito en las
discotecas del acid jazz - son sintomas de la buena salud de esta musica con el nombre < Jazz< .
Louis Armstrong
(Nueva Orleans, 1900 - Nueva York, 1971) Trompetista, cantante y director de grupo de jazz
estadounidense. Para definir a este artista son especialmente adecuadas las palabras de Duke
Ellington, quien dijo que si había un auténtico Mr. Jazz, éste era sin duda Louis Armstrong.
Sus inicios musicales tuvieron lugar
en su ciudad natal, donde tocó con
diversos grupos hasta 1922, año en
que Joe King Oliver lo incorporó a
su Creole Jazz Band en Chicago,
donde se casó con la pianista de la
banda, Lilian Hardin. A raíz de sus
actuaciones en la capital de Illinois,
Fletcher Henderson lo invitó a
Nueva York en 1924 para tocar en
su big band, con la cual grabó
algunos discos que pusieron de manifiesto la creatividad y originalidad del músico. Su virtuosismo en
la improvisación ejerció una gran influencia en los músicos de jazz neoyorquinos.
En 1925 regresó a Chicago y fundó su propio grupo, un quinteto (The Hot Five) que posteriormente se
transformó en septeto (The Hot Seven), con el cual se convirtió en uno de los músicos de jazz más
reputados mundialmente y logró que en la década de 1920 Chicago compartiera la capitalidad
mundial del jazz con Nueva York, ciudad a la que regresó a finales de esa misma década, entre otros
motivos, para afianzar su carrera cinematográfica.Debutó en el cine con la aparición en la película Ex-
flame, el año en que también se separó de Lilian Hardin. En 1932 realizó una exitosa gira por el Reino
Unido, que repetiría al año siguiente, aunque en esta ocasión incluyó además en su itinerario
Dinamarca, Noruega y Holanda. En 1936, su popularidad era tal que decidió publicar una
autobiografía, que titulóSwing that music. Siete años después de su separación matrimonial obtuvo el
divorcio y se casó entonces con Alpha Smith. En 1939 participó en la realización de Swingin’ the
dream, una versión de El sueño de una noche de verano de William Shakespeare en clave de jazz. Tras
cuatro años de matrimonio, se divorció de su segunda esposa y contrajo terceras nupcias con Lucille
Wilson.El grupo de Armstrong, que había adquirido la forma de una big band tras su definitivo traslado
a Nueva York en 1929, experimentó una nueva transformación en 1947: redujo su número de
componentes a siete y cambió su nombre por el de Louis Armstrong and the All Stars. Con este
septeto participó en el Festival de Jazz de Niza (Francia) celebrado en el año 1948, que es considerado
como el primero de la historia. Seis años más tarde publicó una segunda autobiografía,Satchmo: My
live in New Orleans. Durante la década de 1950 dio conciertos en buena parte del mundo y efectuó
giras por África, Australia y Japón.Al margen de su faceta musical, Armstrong fue un hombre de
profundas convicciones políticas, que lo condujeron, por un lado, a condenar públicamente la
segregación racial y a cancelar una gira por la Unión Soviética como protesta contra el régimen
comunista gobernante. En 1964, el tema Hello, Dolly del musical homónimo le proporcionó su primer
número uno en las listas nacionales de éxitos. Al año siguiente, las autoridades municipales de su
Nueva Orleans natal le concedieron la llave de la ciudad. En 1970 se le rindió un homenaje en el
marco del prestigioso Festival de Jazz de Newport, en el que participaron figuras de la talla de la
cantante Mahalia Jackson, Dizzy Gillespie, Bobby Hackett o The Eureka Brass Band.
Jeorge Gershwin
Nació el 26 de septiembre de 1898 en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos).
Cursó estudios junto a compositores como Rubin Goldmark, Henry Cowell, Wallingford
Riegger y teórico ruso Joseph Schillinger. George Gershwin, con mínimos estudios
formales, quiso profundizar en la composición, ya que sus conocimientos eran más bien
intuitivos.
Fue rechazado como alumno por Igor Stravinsky y Nadia Boulanger. Cuando intentó ser
discípulo del compositor francés Maurice Ravel, le preguntó: "¿Cuánto dinero ganó usted
el año pasado?". "US$ 200.000", respondió el joven Gershwin. "Entonces yo debería tomar
clases con usted", respondió el maestro galo, rechazando su solicitud.
Con dieciséis años, fue pianista y promotor para una empresa de publicaciones musicales,
pero el éxito de su canción "Swanee" (1918) le llevó a formar parte de la Tin Pan
Alley (área de Nueva York donde se encontraban los editores de música más
importantes).
Casi todas las letras de sus canciones fueron escritas por su hermano Ira Gershwin, que
colaboró con él en varias revistas y musicales como George's White's Scandals (1920-
1924), Lady Be Good (1924), Funny Face (1927), y la sátira política Of Thee I
Sing (Acerca de ti canto, 1931), que fue la primera comedia musical que obtuvo
un Premio Pulitzer.
Sus canciones poseen invenciones armónicas no convencionales, y fue uno de los primeros
que empleó ritmos y melodías del jazz en sus composiciones. Entre ellas destacan 'The
Man I Love', 'I Got Rhythm' y 'Someone to Watch Over Me'. Cuando contaba 25 años,
compuso para Paul Whiteman su Rhapsody in Blue (1924), para piano y banda de jazz,
que orquestó más tarde el compositor Ferde Grofé. Esta obra sirvió de influencia en
compositores europeos y estadounidenses que comenzaron a utilizar en sus obras
melodías y patrones rítmicos del jazz.
Otras partituras de concierto de Gershwin son el Concierto en fa para piano y
orquesta (1925), el poema tonal An American in Paris (Un americano en París,
1928), Second Rhapsody (Segunda rapsodia, 1931), para piano y orquesta, y la
ópera Porgy and Bess (1935), basada en una novela de Du Bose Heyward.
George Gershwin falleció el 11 de julio de 1937 en Beverly Hills, California (Estados
Unidos).
Obras
Orquestales
Rhapsody in Blue (1924)
Piano Concerto in F (1925)
An American in Paris (1928)
Dream Sequence (1929)
Second Rhapsody (1931)
Cuban Overture (1932)
March from Strike Up the Band (1934)
Variations on "I Got Rhythm" (1934)
Catfish Row (1936)
Shall We Dance (1937)
Piano
Preludes For Piano (1926)
George Gershwin's Song-book (1932)
Opera
Blue Monday, (1922)
Porgy and Bess (1935)
Musicales
Primrose (1924)
George White's Scandals (1920–1924)
Lady, Be Good (1924)
Tip-Toes (1925)
Tell Me More! (1925)
Oh, Kay! (1926)
Strike Up the Band (1927)
Funny Face (1927)
Rosalie (1928)
Show Girl (1929)
Girl Crazy (1930)
Of Thee I Sing (1931)
Pardon My English (1933)
Let 'Em Eat Cake (1933)
Tell Me More : watch?
v=9SF4W3H4k9c
Parece música de las películas antiguas donde los personajes no hablaban y solo
podían esucharse la música de fondo y subtítulos. Me gusto mucho, muy alegre la
canción.
Tonight - Ira & George Gershwin: watch?v=v3XvWrm4Xzs
Parece que el vocalista canta de una forma romántica y apacionado, no me gusto
mucho la canción.
Louis Armstrong What A Wonderful World: watch?
v=m5TwT69i1lU&playnext=1&list=AL94UKMTqg-9Bi-_xgvrCUtUlWdKgbKKgi
Me parece una musica medio melancólica, me gusto la
canción.
