il CANTIERE MUSICALERivista del Conservatorio Niccolò PaganiniAutorizzazione Tribunale di Genova n.10/2006 del 21 aprile 2006

Genova - Anno V, Numero 17 (X/48) MAGGIO 2010 Lele Luzzati

scelgono i legni già affettati sulle mensole della stagionatura, lilavorano e ne misurano la risonanza. È bello allora, per unavolta, che la musica sia per gli alberi, e non il contrario. A quanti non potranno partecipare alla visita scientifico-musicale pomeridiana, dedicheremo invece in orario seraleuno specifico locale all’interno dell’istituto in cui saràpossibile ripercorrere il percorso attraverso foto e schedetecniche e in cui sarà allestito uno spazio dedicato alla costru-zione degli strumenti musicali, alle particolarità dei legni sceltiper ognuno di essi, alle loro stagionature, venature, essenze… Non mancheranno naturalmente i consueti concerti all’aperto(sino alla mezzanotte), nell’auditorium e nelle aule (sino almattino) che hanno caratterizzato negli ultimi anni questo ap-prezzato appuntamento di inizio estate. Un solstizio che segnal’inizio della lunga stagione degli esami e chiude, al tempostesso, le attività pubbliche di fine anno: i saggi di classe (3-24maggio), innanzitutto, che rappresentano il più tradizionale edimportante momento di esibizione di tutti gli studenti; larassegna “Antichi cortili giovani talenti” (26-30 maggio), giuntaalla terza edizione e specificamente dedicata alla valorizza-zione e alla reciproca conoscenza degli studenti dei conserva-tori italiani e stranieri; i concerti finali (1-12 giugno) cheimpegnano i migliori allievi del Paganini sui palcoscenici diPalazzo Spinola di Pellicceria, del Museo Edoardo Chiossone,della Sala del Munizioniere di Palazzo Ducale, dell’Oratorio diSant’Erasmo di Sori, dello stesso Conservatorio; l’esibizione,infine, il 14 giugno al Teatro Carlo Felice, dell’Orchestra degliAllievi del Conservatorio affiancati per l’esecuzionedell’Ouverture 1821 dalla Fanfara della brigata alpinaTaurinense!

Patrizia Conti

Una “notte bianca”tra musica e biodiversità

Le Nazioni Unite hanno procla-mato il 2010 Anno Internazionaledella Biodiversità per celebrare lavita sulla terra e il valore che labiodiversità ha per le nostre vite.Alla diversità biologica, dunque, ilConservatorio Paganini dedicheràquest’anno la sua attenzione

(come già accaduto negli scorsi anni in occasione degli anniinternazionali della filatelia o dell’astronomia) per contribuirea questa importante celebrazione dal suo particolare punto divista - quello musicale - in occasione della Festa Europea dellaMusica, il 21 giugno. Musica e ambiente, dunque, comeconnubio utile ad amplificare il messaggio del rispetto dellaBiodiversità. Fra le possibili suggestioni, si è scelto il tema delle piante: lavarietà di piante secolari del parco di Villa Bombrini a cuisiamo così tanto (felicemente) abituati da poterci permetteredi degnarle di poco più di uno sguardo; le piante e i fiori cosìcome sono state interpretate dai musicisti nei secoli; maanche le piante nel loro insieme e nella loro varietà che, fra itanti servigi che rendono all’uomo, hanno la particolarità diprodurre uno dei beni più necessari ai musicisti: il legno. La nostra Festa della musica 2010 (la notte bianca…) si snoderàdunque attraverso un percorso che avrà inizio nel pomeriggiodi lunedì 21 giugno con una visita guidata del parco durante laquale le osservazioni scientifiche curate dal prof. Mauro Mariottie dalla dott.ssa Claudia Turcato dell’Orto Botanicodell’Università di Genova saranno intervallate da piccoli “tributi”musicali resi da studenti e docenti del Paganini alle piantestesse. Da sempre, infatti, gli alberi si ascoltano da “morti”; i liutai

In questo numero:≠ Antichi Cortili Giovani Talenti 2010 ≠ Chopin e i suoicoetanei ≠ Un’orchestra di violoncelli ≠ Il Quartetto diCremona al “Paganini” ≠ Gli spartiti in braille di MassimoDonati regalati al “Paganini” ≠ Al Conservatorio, gli spartitiper arpa di Maria Luigia Giannuzzi ≠ Paura di suonare≠ Omaggio a Luigi Cortese ≠ Operamania - Percorsi nelmondo dell’Opera ≠ Elisabetta Garetti ≠ CarmelaBongiovanni ≠ Un grande abbraccio attraverso l’arte≠ «Spazio per libera espressione» ≠ A bocce ferme?≠ Diabolus in musica ≠ La crisi dei teatri ≠ Gregg Miner,presidente dell’ Harp Guitar Foundation, ospite nella patriadi Taraffo ≠ I Sei quartetti per archi attribuiti a BeethovenAnhang 2 ≠ La settimana internazionale del flauto dolce≠ EstOvest: un viaggio nella musica di oggi ≠ Il giro delmondo in 80 mani ≠ Federica Astengo premiata a Cervo

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Al via la terza edizione della rassegna musicale

Antichi CortiliGiovani Talenti 2010Genova con i suoi splendidi palazzi e i suoi giardini, quelliancora segreti e quelli che pian piano stanno uscendo dai loronascondigli, angoli quasi incontaminati e ricchi di magia, cheaspettano ogni giorno di essere svelati, guardati e vissuti.Anche con questo spirito prende il via la terza edizione dellarassegna musicale “Antichi Cortili GiovaniTalenti”, dal 26 al 30 maggio, quest’annoper la prima volta organizzata intera-mente dal Conservatorio Paganini, conil patrocinio di MIUR e AFAM, il contri-buto della Provincia e in collaborazionecon il Museo Diocesano, il MuseoSant’Agostino e il Museo d’Arte OrientaleEdoardo Chiossone. Cinque giorni diconcerti, protagonisti giovani e giovanis-simi musicisti provenienti da conservatoriitaliani e stranieri (Nizza, Georgia USA eLugano), che rivestiranno cortili e palazzigenovesi di musica, con i più svariatistrumenti e con un repertorio vastissimo chetocca tutte le epoche, dal barocco al novecento,con brani di musica da camera, sinfonica, lirica. E natu-ralmente con le formazioni più diverse, dall’orchestradi fagotti all’orchestra sinfonica, dal duo “classico”con pianoforte alla coppia inusuale di arpa e clari-netto del Conservatorio di Nizza, dal quartettod’archi tradizionale a quello, curioso, di contrab-bassi dell’Università della Georgia. Con in più unconcerto straordinario del “nostro” ormai celebreQuartetto di Cremona nel Salone del Conservatorio(sabato 29, ore 18.15), che si esibirà in parte nellasua formazione di base, in parte sedendo alfianco di quattro studenti del Paganini, alla finedi un percorso di formazione svoltosi nelcorso di questo anno accademico con l’interaclasse di musica d’insieme per archi. Insomma, Genova diventa un palcoscenico dacalcare, con l’incanto degli scenari più affasci-nanti. “Un’idea portante della rassegna è la sceltadel contesto – dice il Direttore del ConservatorioPatrizia Conti - tutti luoghi d’arte che permettono aigenovesi e ai turisti di seguire un tracciato di estremo valore;dal troppo sconosciuto chiostro del Museo Diocesano alfascino delle sculture orientali del Museo Chiossone, dall’at-mosfera quasi campestre del chiostro di Sant’Agostino all’au-sterità del cortile di Palazzo Doria Spinola. Con passaggi nellasala concerti del conservatorio, per alcuni eventi che non siprestano troppo bene ad un’esecuzione en plein air e in unodei cortili di Via Garibaldi, cuore artistico della città chenon poteva essere trascurato”.

Un progetto importante, che oltre ad aprire il sipario sullebellezze della nostra città vuole valorizzare i talenti nostrani (enon solo), aiutarli ad emergere, a vivere l’esperienza fonda-mentale dell’esecuzione pubblica e del confronto e accompa-gnarli nel loro cammino verso la professione, lunga, dura, maricca e stimolante. “L’idea di Nando Dalla Chiesa era proprioquesta – continua Patrizia Conti – quando, insieme al nostroconservatorio, ideò la manifestazione nel 2008: aiutare tutti ivalidissimi ragazzi che lui aveva avuto modo di conoscere edapprezzare durante la sua esperienza di Sottosegretario, condelega su tutto il settore dell’alta formazione artistica e

musicale.E ora tocca a noi portare avanti questa lodevole inizia-tiva.” Tra i protagonisti, sempre per rimanere in temadi valorizzazione dei migliori talenti, anche alcuni deivincitori del Premio Nazionale delle Arti che ha

coinvolto studenti di tutti i conservatori italiani:Arianna Rossi, vincitrice del Premio arpa, del

Conservatorio di Torino, che inaugurerà larassegna mercoledì 26 al Museo diSant’Agostino (ore 17); e Anna MariaSotgiu (vincitrice del Premio cantomoderno) in scena venerdì 28 al Museo

Chiossone alle ore 17, in duo con PietroMartinelli al contrabbasso. Ma vediamo nel

dettaglio le “cinque giornate”, a partire dal 26:oltre ad Arianna Rossi, suoneranno il “PaganiniChorus Clarinet” diretto da Giuseppe Larucciaal Museo Diocesano (ore 18.15) e il duo arpa-clarinetto Daphnè Milio e Adam Eljasnski aPalazzo Doria Spinola (ore 21). Giovedì 27, “InTrio” del conservatorio Paganini al MuseoChiossone (ore 17), il Quintetto di fiati del con-servatorio di Cuneo al Diocesano (ore 18.15) eil “Florentia Saxophone Quartet” del conserva-torio di Firenze a Palazzo Doria Spinola (ore21). Venerdì, oltre al duo Sotgiu-Martinelli,l’orchestra del Paganini diretta da AntonioTappero Merlo con il violoncello solistaMartina Romano si esibirà nel salone delconservatorio (ore 18.15).Sabato 29 in programma il già citatoconcerto straordinario del Quartetto diCremona, mentre al Museo Chiossone(ore 17) si esibiranno Caterina Zattera

(violino) e You Jin Park (pianoforte) delconservatorio di La Spezia; a Palazzo Doria

Spinola (ore 21) suoneranno invece il“Quartetto University Georgia” di “Hugh Hodgson School ofMusic” e il “Quartetto d’Archi” del conservatorio diAlessandria. Ultimo giorno domenica 30, con l’ “Henry PurcellRecorder Consort” del conservatorio della Svizzera Italiana aPalazzo Rosso (ore 11) e con la “Fagottorchestra” dell’IstitutoMusicale “Mascagni” di Livorno diretta da Paolo Carlini alMuseo di Sant’Agostino (ore 17). Tutti i concerti sono adingresso libero.

Barbara Catellani

Si ringrazia il Comune di Genova perla gentile concessione del cortile diPalazzo Rosso e dell’immagine grafica.

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ilCMN°17 2010

Marco Vincenzi racconta la masterclass del collegaPietro De Maria

Chopin e i suoi coetaneiMi fa un certo effetto entrare al “Paganini” con Pietro De Mariaper la sua masterclass di fine aprile: ogni volta che ci incon-triamo, infatti, mi viene in mente la prima volta che l’ho visto(e ascoltato) al Conservatorio Superiore di Ginevra nel 1985.Lui aveva appena superato l’esame di ammissione per seguireil Cours de perfectionnement et virtuosité di Maria Tipo, concui io stavo frequentando l’ultimo anno. Le lezioni si svolge-vano con cadenza mensile: da una volta all’altra, la nostra inse-gnante ci chiedeva di portare sempre qualcosa di nuovo. A DeMaria chiese di preparare un Etude-Tableau a sua sceltadall’op. 39 di Rachmaninov: il mese dopo, Pietro arrivò con inove Studi (a memoria), dicendo con assoluta semplicità che– non sapendo quale scegliere – li aveva “letti” tutti! Questo fuil suo ingresso in una delle classi di pianoforte più prestigiosed’Europa: in quello scorcio di anno – per lui il primo, per mel’ultimo a Ginevra – avemmo comunque modo di entrare inconfidenza. Da parte mia, apprezzai – oltre alle doti musicali epianistiche non comuni del mio amico – l’altrettanto noncomune modestia, che è una sua caratteristica ancora oggi,nonostante un’importante carriera in pieno svolgimento:Premio “Dino Ciani”, Premio “Géza Anda”, concerti in tutto ilmondo, integrale di Chopin in uscita per la Decca con recen-sioni entusiastiche dopo ogni CD…Ci sono una quindicina di ragazze e ragazzi che attendononell’aula 8 la prima mattina: è previsto che ognuno di lorofaccia due lezioni con Pietro De Maria. In questo modo, chiriuscirà a studiare dopo la prima lezione proverà a mettere inpratica i consigli ricevuti, beneficiando di un’ulteriore verificada parte dell’insegnante. Il clima è molto disteso: i nostrialunni si rendono conto di suonare davanti a un concertistache si mette costantemente alla tastiera, ma che è anche undidatta paziente e disponibile a lavorare con loro. L’autore piùpresente è naturalmente Chopin, di cui vengono portati adascoltare diversi Studi, Notturni, i primi tre Scherzi, le ultimedue Ballate, la Berceuse, la Barcarola; seguono Schumann

(Pezzi fantastici,Novellette, Scene delbosco), Mendelssohn(Fantasia) e Liszt(un paio di Studi).Unica eccezione alrepertorio romanticoè il Quinto Concertodi Beethoven, presen-tato da un corsistaproveniente daCatania: la master-class è infatti apertaanche agli esterni.La prima cosa che faDe Maria dopo averascoltato attenta-

mente ogni allievo è un rapido inquadramento stilistico delbrano. Per quanto riguarda Chopin, viene sempre evidenziatala chiarezza della redazione pianistica, che lascia relativamentepoco spazio a “libertà” fuori luogo. Spesso è citato Bach comepunto di partenza della creatività chopiniana: ad esempio, ilprimo Studio dell’op. 10 è visto come una rivisitazione ingran-dita del primo Preludio del Clavicembalo ben temperato.L’accostamento era già stato fatto da Alfredo Casella, ma DeMaria insiste sulla grandiosità che non deve diventare pesan-tezza: e qui inizia a suggerire diversi approcci alla tecnicadegli arpeggi e delle estensioni, senza mai perdere di vista laqualità del suono. Nel caso del terzo Scherzo, invece, l’atten-zione è concentrata sulla sezione intermedia, dove il solenne“corale” nel registro medio-grave deve integrarsi con laliquidità degli arabeschi in quello acuto: bisogna cambiare lasonorità, ma non il tempo. Si può dire che emerga una visione“classica” di Chopin, in linea con il rispetto della scrittura edella forma: perché non osservare le piccole varianti nell’espo-sizione del tema della quarta Ballata o non mantenere inalte-rato il tactus della Berceuse? La vera libertà di Chopin stanelle minime sfumature dei suoi testi, che vanno studiati afondo in edizioni filologicamente attendibili e mai affrontatisuperficialmente.Più in generale, appare chiara l’impronta della grande scuoladi Maria Tipo, della quale mi sembra in certi momenti dirivivere le lezioni. Alla cura del suono, De Maria riserva un’at-tenzione continua: i concetti di appoggio, rilassamento, morbi-dezza sono ripetuti – con garbo – alla maggior parte degliallievi. La tecnica strumentale è sempre messa al servizio diuna particolare resa sonora, così come i movimenti delbraccio e l’elasticità del polso, che deve servire da “ammortiz-zatore” sulla tastiera. Il pedale è concepito in relazione altocco, ma sovente ci rendiamo conto di come la risonanza delpianoforte debba essere calibrata in base alla condottaarmonica e di come si possano “allungare” certe pedalizzazionitradizionali senza che si creino squilibri. Insomma, si arriva al-l’ultimo pomeriggio con la sensazione di aver trascorsoqualche giorno nella bottega di un raffinatissimo e generosoorafo, che ha messo a disposizione degli studenti (e di queidocenti che hanno voluto partecipare) alcuni – preziosi –segreti della sua arte.

Marco Vincenzi

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Francesco Galligioni e Paolo Ognissanti. Mentre per il conser-vatorio di Bolzano erano presenti i professori Lucio LabellaDanzi e Nicola Baroni.«Il gruppo di violoncellisti di Bolzano è già stato formato datempo: avevamo fatto anche alcuni concerti in Alto Adige,spiega Nicola Baroni: «avendo frequentato il “Paganini” comecommissario d’esame, ho avuto modo di verificare l’altissimolivello dei vostri allievi. E parlandone col vostro direttore, ènata l’idea d’una collaborazione. Il lavoro è stato concentratoin due giorni, ma credo sia stato molto fruttuoso. Questi“scambi” d’esperienze didattiche e interpretative sono giàrodati, ad esempio un gruppo di clarinettisti genovesi èvenuto mesi fa a Bolzano, ed anche i dipartimenti di musicaelettronica dei due conservatori hanno avuto già occasione dicollaborare». Per noi Genova non è esattamente dietrol’angolo, ma è senz’altro un’esperienza da ripetere».

GDM

In collaborazione con il conservatorioClaudio Monteverdi di Bolzano

Un’orchestra di violoncelliSedici violoncellisti in scena: è accaduto lo scorso 8 maggio,nella sala concerti del “Paganini”. Erano studenti e docenti delconservatorio di Bolzano e di Genova, che proponevanol’esito concertistico di un laboratorio-incontro nato nell’am-bito di una collaborazione didattico artistica avviata con ilConservatorio Claudio Monteverdi già nell’ottobre 2009. Il concerto, aperto con l’esecuzione della celeberrima ariainiziale della Bachiana Brasileira n. 5 di Heictor Villa Lobos, havisto l’esibizione degli studenti altoatesini Omar FlavioCareddu, Sara Langes, Erwin Moroder, Federica Ragnini, CarloVettori, insieme ai loro colleghi genovesi FedericoBragetti, Simone Cricenti, Melissa Del Lucchese, Laura Monti,Matteo Piccardo, Martina Romano, Masis Shahbazians e PaolaSiragna. Docenti del “Paganini” coinvolti, Matteo Ronchini,

Il Quartetto di Cremonaal “Paganini”Prosegue fruttuosamente ormai da alcuni anni il rapportotra il più importante quartetto d’archi genovese, il“Quartetto di Cremona”, ed il conservatorio Paganini.Quest’anno sono stati programmati nove incontri con glistudenti di Quartetto, cinque dei quali aperti anche allealtre classi e all’utenza esterna. Ultimo appuntamento,anche questo accessibile al pubblico, sabato 29 maggio, apartire dalle ore 15. Alle 18.15 il Quartetto si esibirà, pressola Sala Concerti del “Paganini”, sia nella consueta forma-zione, sia al fianco di altrettanti studenti genovesi.Riportiamo una breve testimonianza firmata da uno deipartecipanti agli incontri.

Poco prima di entrare nell’aula di organo dove i Cremona ciavrebbero tenuto lezione, eravamo tutti un po’ agitati: suonaredi fronte a un quartetto di tale livello non è cosa da tutti igiorni. Poi, dopo qualche minuto, l’atmosfera si è via via fattamolto più rilassata: eravamo di fronte sì a dei “mostri” dellostrumento ma soprattutto a dei giovani come noi, cresciuti

nelle stesse nostre aule, anche se con qualche anno in più emolto più “arrivati”. Un approccio molto disteso, lontano dallarigidità e dal timore che molti altri musicisti del loro calibroavrebbero potuto incutere. Rotto subito il ghiaccio, le due oredi incontro sono volate e ci hanno lasciato una grandeemozione e un’esperienza che sicuramente molti di noi vor-rebbero ripetere. Straordinari artisti, di loro ci ha colpito sopraogni cosa la grande disponibilità e la capacità di trasmettercicon molta semplicità e immediatezza l’arte di suonare inQuartetto.

Stefano Sancassan

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ilCMN°17 2010

Gli spartiti in brailledi Massimo Donati regalatial “Paganini”

Il 16 febbraio dell’anno scorso è mancato mio padre,Massimo Donati. Si era diplomato in Musica Corale alConservatorio “G. Verdi” di Torino nel 1961 e in pianofortenel 1963 qui a Genova.Ha dedicato tutta la sua vita alla musica: era pianista,organista, ha diretto per moltissimi anni il coro di SantaSabina ed ha insegnato musica in quelli che una volta sichiamavano Istituti Magistrali, impartendo da semprelezioni private di pianoforte e canto.Per lui l’insegnamento era una vera e propria vocazione.Riusciva a tirare fuori il meglio da ogni suo allievo. Moltedelle sue allieve e dei suoi allievi, crescendo sono diventativeri amici e alle volte, ai concerti GOG, incontro suoi exstudenti.Certo era parecchio severo: ha provato ad insegnare piano-

Al Conservatorio,gli spartiti per arpadi Maria Luigia GiannuzziSette faldoni di spartiti per arpa sola, tra libri e manoscritti:

materiale prezioso, che è stato recentemente donato al conser-

vatorio di Genova.

Si tratta del Fondo Giannuzzi, un centinaio di spartiti che il

figlio dell’arpista Maria Luigia Giannuzzi, Massimo Lauricella –

anch’egli docente al Paganini – ha voluto offrire al conserva-

torio in cui la madre ha insegnato per quarant’anni.

Maria Luigia Giannuzzi, classe 1921, pugliese di nascita ma

cresciuta a Firenze (città di cui aveva mantenuto, anche in

tarda età, l’inequivoca-bile inflessione), èmancata nel 1999.Concertista militante, ingioventù aveva suonatoper molti anni in triocon Severino Gazzellonie Bruno Giuranna.Trasferitasi a Genova inquanto vincitrice dicattedra al conservato-rio, qui aveva cono-sciuto il suo collegacoetaneo, poi compagno

per la vita, Sergio Lauricella, noto compositore che per moltianni diresse il conservatorio di Genova.

forte a mio fratello Andrea, ma lo sport era per lui troppopiù allettante. Mia sorella Marcella, all’età di otto anni, glidisse che la sgridava già abbastanza come papà, cimancava solo che lo facesse anche come insegnante. Conme ha avuto più fortuna. Più o meno.Ricordo la sua passione per i grandi pianisti del passato:Rubinstein, Horowitz, Gilels, Backhaus... ricordo i suoigiudizi sempre molto critici sui pianisti che andavamo adascoltare assieme. Lo faceva, credo, per incoraggiarmi efarmi credere che non era impossibile guadagnarsi davivere suonando. In realtà, in me provocava la reazioneopposta: avevo troppa paura di deluderlo. Ricordo la suapazienza quando cercava di inculcarmi nozioni di armo-nizzazione e improvvisazione.Ricordo il mio stupore quando mi correggeva la diteggia-tura. Il mio papà era non vedente e, come il mio insegnante- il maestro Pasquero - aveva questa sensibilità nell’ascoltoassolutamenteincredibile. Tra lecose che ci halasciato, ci sono isuoi spartiti etrattati musicaliin braille. Alcuniabbiamo decisodi tenerli perricordo, gli altrisiamo felici didonarli alConservatorio diGenova affinchècostituiscano ilprimo nucleo diun fondo chepossa servire amusicisti nonvedenti.

Alessia Donati

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Suono da 32 anni il corno inglese nell’orchestra del Teatro Carlo Felice.In tutti questi anni, oltre all’attività musicale in orchestra, musica da camera e solisticae insegnamento, sono sempre stato attratto da esperienze che permettessero lacrescita e lo sviluppo personale, e questo mi ha dato l’opportunità di conoscere nuovimodelli che si sono rivelati molto utili per la mia carriera professionale e non solo.So che alcuni o molti di voi si trovano a disagio nel momento in cui devono eseguireun brano musicale in pubblico sia che suonino con altri sia che suonino da soli, mentrealtri trovano difficoltà nel concentrarsidurante la preparazione, oppure non sisentono a proprio agio con lo strumento indi-pendentemente dallo studio e dal tempo chevi dedicano.A volte si parla di disagio, a volte di paura eanche di panico paralizzante che ci impedi-scono di realizzare tutto quello che siamo ingrado di fare.In tutti questi anni mi sono confrontato conqueste realtà quasi quotidianamente e la per-cezione che ci potesse essere un modo diversodi affrontare un esecuzione, mi ha sempre ac-compagnato. La mia ricerca mi ha fatto viverenumerose e importanti esperienze, dalTraining autogeno sino alla meditazioneprofonda, dallo Yoga e altre tecniche energetiche naturali, passando anche attraversola Psicanalisi, arrivando infine alla Programmazione Neurolinguistica, sperimentandoe approfondendo metodologie che mi permettessero di pensare e agire efficacemente.Tutto questo è sfociato in una quasi naturale selezione di diverse tecniche che hannodato a me ed ad altri musicisti una nuova chiave di accesso al nostro mondo interiore,sia in ambito musicale che in quello personale. Tutto questo mi ha permesso disuperare quelle paure che a volte potevano essere paralizzanti o anche quel disagioche risolto mi permetteva di esprimere completamente quello che io desideravo.Ed è proprio questo che voglio trasmettere a tutti gli studenti del conservatorio che lodesiderano, in modo che possano superare il più presto possibile quel disagio ed af-frontare la loro vita musicale avendo a disposizione maggiori risorse che danno lorola possibilità di essere più liberi nelle loro esecuzioni.In questi anni ho vissuto esperienze che mi hanno fatto comprendere che le nostrepaure, timori e anche fobie, se correttamente osservate e utilizzate possono diventareun valido strumento che ci permette di raggiungere risultati eccellenti durante un’ese-cuzione. Nella mia carriera ho numerosi esempi di esecuzioni nelle quali la mia paurasi trasformava in quella che a me piace definire “magia dell’esecuzione” dove si pre-sentavano soluzioni sia tecniche che espressive mai sperimentate nella fase di prepa-razione. E questo si rendeva possibile quando appunto la paura, il panico dapalcoscenico, si trasformavano in una profonda concentrazione e presenza nell’esecu-zione.La nostra mente ha delle incredibili capacità e ognuno di noi può trovare la propriachiave di accesso a queste capacità.Un esempio che penso tutti voi abbiate vissuto è questo: “a casa sto studiando unpasso, il passo viene, arrivo a lezione e lo sbaglio e la frase: ”ma a casa mi

La parola a Claudio Binetti

Al termine della recente prima del “Tristan und Isolde” sotto i riflettori del teatro Carlo Felice, il direttore Gianluigi Gelmettilo ha invitato sul palcoscenico a raccogliere il plauso del pubblico, unico strumentista ad avere questo privilegio. Un gesto si-gnificativo, che dà la cifra della qualità interpretativa di Claudio Binetti, primo corno inglese dell’orchestra di Genova. Binettiha incontrato gli studenti del “Paganini” per raccontare la sua esperienza e si è offerto di intraprendere un percorso che esplorila tecnica - frutto di anni d’approfondimento - mirata a superare il panico da palcoscenico.

Paura di suonareveniva!!!!” automaticamente esce dalle nostre labbra.”Quello che vi voglio proporre è di cominciare a osservare con uno sguardo diversoquesti eventi in modo da comprendere cosa accade nel momento in cui eseguite per-fettamente un passo fra le mura della vostra stanza, e cosa accade quando l’esecu-zione è di fronte all’insegnante o di fronte al pubblico. Questa diversa osservazione cida la possibilità di comprendere la condizione interiore che avevate nella vostrastanza, e successivamente trasportarla in classe o su un palcoscenico.

Penso che sarà capitato a tutti di essere difronte a un passo di tecnica molto difficile, enonostante le numerose ore di studiorimanere bloccati sempre allo stesso punto enon riuscire a trovare la via d’uscita. Poiaccade all’improvviso che ci si concentra suun’altra nota, o si lascia stare il passo peralcuni giorni e improvvisamente , il problemaè superato! … cosa è accaduto? Molto sem-plicemente è accaduto che ci eravamobloccati su una reale difficoltà, la nostramente ha cominciato a pensarla come insu-perabile e ci ha impedito di andare oltreperché (ricordiamolo sempre) la nostra partenon conscia, è molto ubbidiente, per cui senoi pensiamo di non riuscire a fare una de-

terminata cosa, la nostra vita farà di tutto per soddisfare questa nostra convinzione.Torniamo al nostro esempio: nel momento in cui io lascio “riposare” il passo, oppuresposto la mia attenzione su un altro punto è come se creassi un distacco tra quello cheio ero convinto di non riuscire a fare e il mio interno, creando una nuova situazione,nella quella quello che prima appariva impossibile ora lo è.Per cui il nodo centrale del nostro lavoro è proprio un’osservazione delle nostre con-vinzioni limitanti attraverso uno sguardo diverso da quello che abbiamo usato sinora.Se noi abbiamo paura di suonare in pubblico, o a un esame, o davanti all’insegnante,è proprio perché abbiamo fissato qualche convinzione che ci dice che non ce lapossiamo fare.. e il paradosso sta proprio qui: è proprio la paura di non farcela lachiave per avere successo. Se io ho paura di non riuscire ad eseguire uno studio èproprio perché sono in grado di eseguirlo, perché se non lo fossi, non avrei paura dinon farcela.. accetterei la mia condizione e cercherei di fare altre cose. Mentre ildesiderio di realizzare una determinata cosa ci indica che noi la possiamo raggiun-gere, altrimenti non avremmo questo desiderio.Se io desidero fare un bel concerto è perché sono in grado di suonare bene e so cheho le possibilità per farlo. Per cui una volta che ho dedicato il tempo necessario perstudiare un brano musicale devo essere nelle condizioni di eseguirlo.. però per alcunidi noi non è sempre così, entrano in gioco alcune convinzioni che ci impediscono divivere questa realtà.Questo non vuol dire eliminare le paure, anche perché le paure sono molto utili, matrasformarle per avere a nostra disposizione e utilizzare tutti gli strumenti cheabbiamo appreso nel corso del nostro studio.

Claudio Binetti

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ilCMN°17 2010

Nell’ambito della rassegna “Cimiteri storici”

Omaggio a Luigi Cortese Concerto dedicato a Luigi Cortese, nel Salone dei Concerti delConservatorio. L’appuntamento è per il 5 giugno (ore 16:30).La manifestazione è organizzata dal Comune di Genova che,nell’ambito delle iniziative sui “Cimiteri storici” ogni annodedica una giornata ad un artista importante sepolto nelPantheon del Cimitero di Staglieno. Per il settore musicale datempo è avviata la collaborazione con il Conservatorio che giàalcuni anni fa dedicò un concerto a Camillo Sivori.Il programma del 5 giugno, introdotto dal direttoredell’Istituto Patrizia Conti e da Roberto Iovino, prevede i DueCanti Persiani op. 8 per voce, flauto e pianoforte, il Capriccioop. 43 per violino e pianoforte, i Cinque Canti Popolari op. 47per voce e pianoforte, il Salmo VIII op. 21 per voce, flauto, vio-loncello e pianoforte. Si esibiranno Chiara Bisso (voce), MarioTrabucco (violino), Gina Fontana (flauto), Federica Vallebona(violoncello) e Caterina Picasso (pianoforte).Compositore, didatta, pianista, organizzatore, Luigi Cortese(1899 – 1976) ha costituito una presenza importante nelpanorama musicale italiano di primo Novecento. Formatosialla scuola di Casella, ma con proficui contatti con la Parigidegli anni Venti, ha elaborato uno stile “mediterraneo”,raffinato ed elegante, perseguito con coerenza morale al difuori di ogni moda o corrente del tempo. La sua produzionespazia dal teatro alla musica sacra, dal settore sinfonico a

quello cameristico. Sul piano organizzativo è stato il fondatoree direttore artistico per decenni del “Premio Paganini” e dal1951 al 1964, il direttore dell’allora Liceo Musicale Paganini,l’odierno Conservatorio.Le pagine proposte nel programma riflettono assai bene l’ele-ganza e la raffinatezza del discorso musicale cortesiano. I Due canti Persiani risalgono al 1932 e si basano su altret-tante quartine del poeta persiano Omar Khayamm tradotte infrancese da Franz Toussaint e in italiano (dal francese) dallostesso Cortese. Il settore vocale da camera è certamentequello più interessante nella intera produzione del composi-tore genovese: qui si aggiunge il flauto che svolge un ruoloconcertante cantando e dialogando con la voce. I CantiPopolari del 1973 rappresentano invece una rara escursionedi Cortese in atmosfere e ambiti sonori del tutto differenti disapore appunto popolari e dialettali. Al 1964 risale il Capriccioper violino e pianoforte che appartiene ad una serie di paginestrumentali da camera avviate nel 1955 con la bella Sonata percorno: lavori pensati anche (è il caso del Capriccio e diIntroduzione e allegro per flauto) in funzione di Concorsi in-ternazionali.Infine, il Salmo VIII per voce femminile, flauto, violoncello epiano forte op. 21 scritto nel 1943 ed eseguito a Venezia nel1946 al IX Festival In ternazio nale di Musica Contem poranea èfra le pagine sacre più interessanti. Opera di scarna essen -zialità, alimen tata, come già l’oratorio David, da una ge nuinareligiosità. La presenza di un trio strumentale accanto allavoce consente al compositore un discorso più articolato sulpiano della elaborazione tematica, del dialogo e del colore.

Un nuovo volume firmato da Marco Jacoviello

Operamania - Percorsi nelmondo dell’Opera

L’essenza della nostra civiltà ènella musica, e l’opera, fino alNovecento inoltrato, ha avutola capacità di rappresentarla.Su questa e molte altre veritàriflette Marco Jacoviello nellasua recente pubblicazione“Operamania. Percorsi nelmondo dell’opera” (Mimesisedizioni, 238 pagine, 18 euro). Un gesto d’amore e un gridod’allarme, in punta di penna,sul patrimonio “a rischio” delmelodramma, su un prodottoculturale popolare chedovrebbe rappresentare il

vertice del genio italiano, la nostra storia ed i valori e disvaloridi quattro secoli, e che viceversa giace in uno stato di preca-rietà desolata grazie alla palese, aggressiva impreparazione

degli amministratori, e grazie all’equivoco della logica dimercato, che insegue l’utile e penalizza le valenze culturali,estetiche e pedagogiche del teatro musicale.Forma di civiltà, rito collettivo in cui potersi riconoscere,“l’opera è poesia”. E scandisce i tempi del vivere, “perché è co-stituita su una consapevolezza umana: l’insoddisfazione del lin-guaggio verbale, che non corrisponde all’intera portata dellacomunicazione, e che chiede alla musica di rappresentare ildinamismo degli affetti della vita”. È quanto Jacovielloribadisce, con lo slancio del cultore appassionato e la metodo-logia analitica dello studioso. Nell’humus personale d’una for-mazione filosofica, l’autore innesta i propri interessimusicologici realizzando otto percorsi d’approfondimento, at-traverso altrettanti capitoli. Dal rapporto tra opera e societàalla “fenomenologia della diva” dove è analizzato il senso delsacro che storicamente permea il melodramma, “quintessenzadelle religioni senza dio”, fino alla contaminazione “eccellente”tra melodramma e cinema, tra palcoscenico e pellicola. Un libro per tutti, portatore d’un messaggio alla fine ottimista.In quanto, come sottolinea Marco Jacoviello, “in un mondoche naufraga per crisi finanziarie globalizzate, materialismiostentati e incancrenite presunzioni dell’apparente (…) lamusica e l’opera attivano accanto alla seduzione della bellezzaun grande motivo di speranza”.

Giorgio De Martino

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Chiunque ami lamusica, a Genova,già la conosce: apartire dal 2000 èstata per molti anni– e recentemente ètornata ad essere –primo violino del-l’orchestra del teatroCarlo Felice, imbrac-ciando lo splendido“Stradivari” del1709 Nachez diproprietà dellafamiglia Costa. MaElisabetta Garetti èanche, da que-st’anno, docente diviolino presso ilnostro conservatorio. Dopo esperienze didattiche aPiacenza, Bolzano (dove era anche “spalla” dell’orchestraHaydn) ed Alessandria, si è trasferita al “Paganini”, ed inquella che ormai è diventata la “sua” città. «L’impatto è stato ottimo, l’accoglienza che mi è stata riservataè notevole, sono soddisfatta della scelta che ho fatto. Honotato che in questo conservatorio c’è molto interesse a valo-rizzare gli allievi, c’è una attenzione speciale, mirata, alle po-tenzialità dei singoli studenti. L’ho potuto cogliere ancheattraverso la testimonianza diretta di due miei giovani allievidi Alessandria che hanno voluto seguirmi a Genova. Hanno ve-rificato la vivacità delle attività, la presenza di occasioni con-certistiche stimolanti. Inoltre sono particolarmente contentidel lavoro in orchestra, con il Maestro Tappero Merlo. Infondo, gli allievi fanno vita di conservatorio ancora di più deldocente, e mi confermano che si trovano bene!» A quando risale il tuo primo concerto a Genova?«Intorno alla fine del 1997. Poi ho suonato saltuariamente neidue anni successivi e, dal 2000, ho collaborato stabilmente. Alprincipio, non abitando a Genova, era molto faticoso perchévagavo tra Piacenza, Parma, Genova, e tante altre città. Dagennaio 2010 ho ripreso il mio ruolo di “spalla” al CarloFelice».Da questo duplice osservatorio, come valuti lo stato di salutedella musica “non di consumo”?«In conservatorio dovremmo creare figure professionali di altaqualità finalizzate in buona parte al lavoro in orchestra: unascuola giustamente selettiva, altamente specializzata, di livellouniversitario. Ma per chi? Per quale struttura, per qualeorchestra in Italia? La situazione è inquietante, a tal punto chei miei allievi migliori io li indirizzo all’estero. Ad esempio perAdele Viglietti, quattordicenne estremamente promettente(uno dei due allievi che mi hanno seguita da Alessandria), ho

Nuovi e prestigiosi acquisti nel parco docenti del conservatorio di Genova

Elisabetta Garettigià strutturato unpercorso a Vienna,in modo che si per-fezioni ed abbia unapossibilità di affer-marsi e vedere rico-nosciuti i proprimeriti.Viviamo in mezzo aforti contraddizioni.Da un lato il conser-vatorio affronta unariforma che progettadi dare una forma-zione anche adallievi che magarinon faranno ilmusicista di profes-sione ma che lavore-

ranno nell’ambito della musica. Ma i teatri nel frattempochiudono, e le scuole sembrano interessarsi sempre menoall’arte dei suoni. Dunque la nostra riforma, così attesa, ai finiprofessionali cosa serve? In che modo aiuterà i musicisti?Dovremmo chiederlo al nostro Governo! Purtroppo sono gio-coforza molto polemica, col mio Paese».E lasciare l’Italia?«Ci ho pensato spesso. Ho anche avuto l’occasione, di recente,sia di andarmene a Tolosa, sia in Germania. Non l’ho fattoesclusivamente per motivi familiari, per una serie di legamiche non mi hanno permesso di cambiar vita… Sono sceltefacili quando hai vent’anni, dopo è tutto più complesso». Ma hai scelto Genova, una città non semplice, soprattuttovenendo da Parma… «Però al Carlo Felice fino a qualche anno fa ho potuto lavorarecon grandi direttori e grandi registi, in grandi produzioni, inun teatro che è tra i più belli d’Europa. Certo, oggi è abbando-nato a se stesso e sottoutilizzato. A volte, tra colleghi, si riflettesul fatto che avendo toccato il fondo, non può che attenderciuna rinascita. Ma il futuro è preoccupante. Sono cosciente divivere una brutta epoca, ancor più per la mia generazione,cresciuta negli anni ’70 ed ’80 con ben altre prospettive mache oggi vede di fronte a sé il rischio di uno svuotamentodella propria professionalità. Rischiamo di diventare giullari dicorte». Una risposta, una reazione, può arrivare proprio da un luogocome il conservatorio?«Certo, ma siamo una goccia nel mare. A Roma, talvolta, pare

quasi che non abbiano le idee chiare su cosa sia davvero unastruttura scolastica come questa. Che, paradossalmente sia unbene? Se volessero davvero metterci il naso, potrebbero finireper distruggerci!».

GDM

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ilCMN°17 2010

La biblioteca del conservatorio ha una nuova responsabile

Carmela Bongiovanni«La biblioteca del Paganini rappresenta un patrimonio straordina-rio! Il conservatorio deve esserne fiero, perché all’interno di VillaBombrini, grazie a lasciti e donazioni, si è accumulato un patri-monio eccezionale. Tra cui minimo seimila manoscritti musicali,oltre a due armadi colmi di musica manoscritta ancora da riordi-nare ed inventariare. Materiale che potrebbe riservare anchequalche sorpresa importante».Nonostante l’entusiasmo, è una situazione difficile, tutta da rior-ganizzare, quella che ha ereditato Carmela Bongiovanni, diven-tando responsabile della biblioteca musicale del conservatorio. «Non nascondo che sulle prime mi sono quasi spaventata: questaè una biblioteca bellissima, con circa 100.000 documentimusicali, ma la mole di lavoro che necessità è enorme.Comunque non mi sono persa d’animo e ho cominciato tutto dacapo. C’è tantissimo da fare, a tutti i livelli, da una ricognizionecompleta del materiale nella sua completezza, alla necessità di ri-cartellinare le singole unità bibliografiche». Tutto da sola? «Con l’aiuto di tre giovani collaboratrici: una validissima esperta,la dottoressa Stefania Peddis, davvero preziosa, e due studentesse,entrambe molto brave. Con Stefania Peddis abbiamo riavviato lacatalogazione in SBN… Nonostante gli ostacoli, perché la catalo-gazione deve avvenire telematicamente, e la connessionewireless non è sempre affidabile. A catalogo ho oltre 34.200unità, ma è solo una piccola porzione di quanto in realtà c’è. Inpassato, ogni dieci unità veniva dato un numero di inventario».Quali i “tesori” di questa biblioteca? A parte il materiale paganiniano, noto a tutti, ricchissimo è sia ilFondo Antico che quello Moderno. Uno dei miei predecessori,Mario Pedemonte, molti anni fa aveva realizzato una cosa meravi-gliosa, un indice per nome di compositore, coi numeri di inven-tario sui libroni di ingresso: strumento oggi importantissimo,perché i libri ante 1940 non hanno numero di inventario, ed èfondamentale per noi avere questeschede… Anche per poter inventa-riare il materiale, in quanto SBN nonaccetta una scheda che non abbianumero di inventario!». Quale fronte la sta impegnando dipiù in questi giorni? Sono concentrata soprattutto sulfronte del Fondo Moderno, è quelloche ha maggior bisogno di cure,quello che viene utilizzato tutti igiorni dai musicisti e dagli insegnanti.Lo schedario cartaceo è attualmente in fase di totale e capillareriordino. Parallelamente abbiamo riavviato da sei mesi la citata ri-catalogazione in SBN. Solo che il lavoro è tantissimo, ci vorreb-bero non tre, ma un esercito di collaboratori». Per una informatizzazione completa è immaginabile una data?«Attualmente ho informatizzato 3200 volumi. Dunque il tre percento. Tuttavia sto verificando che stiamo inserendo in computerle schede più rapidamente del previsto. Entro la fine di que-

st’anno solare ne avremo inserite più di duemila. Significa cheentro cinque anni saremo a dodici, forse tredicimila unità.Numeri coi quali si può iniziare a ragionare: la “base” moderna,quella che viene richiesta quotidianamente, sarà accessibile –tramite internet – alle case private dei singoli. E il Fondo Antico?«Per fortuna ha goduto di una importante iniziativa catalograficada parte di Salvatore Pintacuda, un catalogo realizzato nel lontano1966. Rappresenta una buona base su cui partire. Grazie al“Pintacuda” ricevo richieste da tutto il mondo! Abbiamo pensato,insieme al direttore, di farne una scansione ed inserirlo inInternet, in modo tale da poter effettuare ricerche via webrealmente “sul” catalogo, nel quadro del progetto di Mediateca delconservatorio. Mediateca che si estenderà dalla musica contem-poranea a questa tipologia di strumenti d’indagine. Grazie alla dif-fusione del “Pintacuda”, la biblioteca è conosciuta ad esempioanche in Australia, da dove la settimana scorsa ho ricevuto unarichiesta da parte di un musicista. È un inventario, nel senso chele schede – al contrario, talvolta, di quelle del Fondo Antico rea-lizzate dal Pedemonte – sono prive di incipit musicale. Ma restaper noi un prezioso e quotidiano strumento di lavoro». Quali a suo avviso le priorità di questa biblioteca? «Dopo aver portato allo stesso livello di documentazione ilFondo Antico e quello Moderno, bisognerà rapidamente dare lapossibilità agli esterni di consultare e poter accedere al prestito,accedere dunque ai servizi della biblioteca. Per quest’anno devofare una ricognizione, un inventario topografico, ma l’intentoprimario è mettere a disposizione di chiunque, questa che èl’unica biblioteca musicale della Regione». Un bilancio del suo percorso professionale nei conservatori.«Le biblioteche di cui mi sono occupata sono profondamentediverse una dall’altra. A Sassari mi sono trovata a gestire una bi-blioteca esclusivamente moderna, in una posizione logistica

splendida ma assai poco frequen-tata… Una cattedrale nel deserto,insomma. A La Spezia non c’erapressoché nulla, mentre a Piacenzaho trovato un centro vivo, con moltarichiesta, ma una biblioteca chesoffriva per mancanza di spazio. Quia Genova tutto è più stimolante, mabisogna lottare con… una montagnadi libri! C’è tanto da lavorare e tantoanche da studiare. La biblioteca è sot-

toutilizzata rispetto alle sue potenzialità ed alla sua importanza,in relazione alla qualità delle sue collezioni del Sei, Sette edanche Ottocento. Qui non c’è solo la storia della musicagenovese, ma la storia della musica tout court. Ci sono autografidi Galuppi, copie coeve di Boccherini, e moltissimo materialeadespoto, in attesa di essere attribuito, che potrebbe riservaresorprese. Spero che la biblioteca possa ricevere anche in futurotutte le attenzioni che merita».

GDM

Dopo aver studiato chitarra e composizione si è diplomata in musica corale edirezione di coro presso il Conservatorio di Musica di Padova. Si è inoltrediplomata in Paleografia e Filologia Musicale presso l’omonima Scuola diCremona (Università degli Studi di Pavia; relatrice: Prof.ssa Maria Caraci) e siè laureata in lettere moderne, con una tesi in storia della musica, pressol’Università degli Studi di Genova (relatore: Prof. Giorgio Pestelli). Nel 1992ha vinto il concorso ordinario per esami e titoli a posti di Bibliotecario Musicalepresso Conservatori di Stato (prima classificata). Dal 1992 è Bibliotecariapresso Conservatori di Stato: prima a Sassari, poi a La Spezia ed a Piacenza,ed infine a Genova. Dall’anno accademico 2007/’08 è docente a contrattopresso l’Università di Genova di Biblioteconomia e bibliografia musicale.

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Progetti e bilanci dell’Associazione ValentinaAbrami - Musica in Movimento

Un grande abbraccioattraverso l’arte A un anno dalla sua istituzione, l’Associazione ValentinaAbrami – Musica in Movimento presenta i due eventi che,nel nostro intendimento, dovranno rappresentare - ogni annoe per chiunque lo desideri - la possibilità di ritrovarsi uniti inun grande abbraccio, vissuto attraverso l’arte. Un ricordo chepassi attraverso le persone, non una puracelebrazione. Un momento di raccogli-mento, certo, ma anche di profonda rifles-sione, che segni il punto del lavoro che èstato fatto e di quello che si farà, nel nomedi Valentina.L’unico modo che noi sentiamo possibileper prenderci una bella rivincita neiconfronti di un destino francamente incom-prensibile. Il percorso intrapreso daValentina attraverso la sua formazione pluri-disciplinare - musica, danza e teatro - il suopersonale approccio metodologico e le suepeculiarità umane hanno costituito il puntodi riferimento da cui l’Associazione èpartita, di slancio, concretizzando iniziativecome queste: A Bogliasco, dunque, lunedì 7 giugno alleore 21, la serata dedicata alla voce e ai bambini, dal titoloConcerto 7 giugno - per Valentina (in occasione della suadata di nascita). Si terrà alle ore 21 presso la Chiesa di S. Chiara.Partecipano l’EnsembleVox Antiqua, diretto da MarcoBettuzzi, con Luca Soattin al liuto e chitarra barocca, MatteoRabolini alle percussioni; il Genova Vocal Ensemble diRoberta Paraninfo; il Coro delle classi della Scuola Elementaredi Bogliasco, preparati e diretti da Edoardo Valle, vincitoredella Borsa di studio Valentina Abrami 2009.Nel salone del Conservatorio poi, alle ore 21 di martedì 6luglio (anniversario della sua scomparsa), la seconda edizionedi Suoni, corpi e parole in movimento, il grande eventopensato come sintesi delle sue passioni di sempre, in cui gliamici, i nuovi compagni di viaggio e possibilmente tantigiovani, possano scoprire l’incanto del vivere la musica, ladanza e il teatro, nella magia di un’unica serata, e nel nome diValentina. Siamo convinti che, anche quest’anno, si tratterà di un “attimosospeso nel tempo, cioè una di quelle occasioni in cui iltempo, per rispetto alla grandezza dell’evento e dello spirito,si ritrae e fa dimenticare, a noi che di tempo siamo fatti, lasua legge inesorabile del prima e del poi, del sùbito e delnon-ancora, e ci lascia liberi di essere e di volere ciò chedavvero siamo e vogliamo”(Gianluigi Massidda).Questa serata, ospiterà due brevi ma importanti momenti: l’as-segnazione della seconda Borsa di studio ValentinaAbrami e la proclamazione dei brani vincitori della prima

fase (“Comporre”) del nuovo progetto biennale dal titoloLiguria in Coro 2010/2011.La Borsa di studio Valentina Abrami - assegnata da unacommissione composta da rappresentanti dell’Associazione edel Conservatorio Paganini di Genova - ha premiato, nel 2009,il più interessante progetto di didattica musicale presentato daun docente, Nel corrente anno scolastico questo lavoro statrovando la sua effettiva realizzazione presso la DirezioneDidattica Statale di Bogliasco, scelta come referentedell’Associazione. Così si intende fare anche in futuro, concadenza annuale, offrendo ai bambini di Bogliasco, Sori ePieve Ligure, a plessi alternati, la possibilità di lavorare su un

nuovo progetto musicale, con un docentequalificato.Liguria in coro 2010/2011 è invece unampio progetto, pensato e realizzato in colla-borazione con l’Accademia vocale diGenova e si tratta di un’operazione che,almeno in Liguria, non ha precedenti. Unprogetto biennale pensato in diverse fasi(“Comporre”,“Dirigere”,“Cantare”) edestinato alle Scuole Primarie e alle ScuoleSecondarie di primo e secondo grado dellaregione, che si pone come obiettivospecifico lo sviluppo della didattica musicaleapplicata al coro e la relativa formazione diinsegnanti e direttori. Coinvolgerà i cori sco-lastici già attivi e stimolerà i docenti aformarne di nuovi, dopo aver aperto spazicreativi ai compositori.

l’Associazione ha lavorato e lavora ad altre iniziative culturali. Fra queste meritano di essere citate: - l’inaugurazione, il 12 giugno 2009, in collaborazione con il

Comune e la Direzione didattica statale di Bogliasco, i“Giardini Valentina Abrami”.

Si tratta di uno spazio della città recuperato e che i bambinitrasformeranno in un luogo di incontro, di approfondimentodidattico e di amore per la natura- la promozione, per l’autunno prossimo, di uno spettacolo di

teatro musicale su testi di Caproni, pensato e composto daRiccardo Dapelo e finanziato dalla Provincia di Genova;

- una rassegna coreutica - in collaborazione con LILT - incui le scuole di danza della regione possano proporre inpubblico il lavoro svolto durante l’anno.

Per qualsiasi approfondimento sui Bandi e sulle iniziativedell’Associazione, per la fruizione di materiali audio/video sue con Valentina, nonché per informazioni sulle modalità asso-ciative rimandiamo ai seguenti indirizzi:

web: www.associazionevalentinaabrami.itwww.valentinamusicainmovimento.it

e-mail: info@associazionevalentinaabrami.itpresidente@associazionevalentinaabrami.it

Vorremmo infine ricordare che, anche quest’anno, è possibiledestinare il proprio 5x1000 all’Associazione indicando sulladichiarazione dei redditi: il nome Associazione ValentinaAbrami - Musica in Movimento e il codice fiscale90057090103

Marco Bettuzzi

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ilCMN°17 2010

Sei nel parco del “Paganini”, guardi la villa. Sulla destra, faccicaso, spicca un pannello metallico, una specie di lavagnaimpalata nell’asfalto, sulla cui cima troneggia la scritta “Spazioper libera espressione”. Partorita sotto l’effetto di qualche de-magogica sbronza, l’iniziativa dell’Amministrazione cittadina di“farci esprimere” posizionando questi grotteschi pannelli neiparchi genovesi, risalente a qualche anno fa, è a dir pocoridicola. E si merita il risultato (vedi foto) riscontrabile a VillaBombrini, ma anche nei giardini di piazza Alimonda ed altrove. Il “Cantiere Musicale” no. Da quasi dieci anni tenta con tutte lesue forze di essere se-riamente uno “spazioper libera espres-sione”. Un foglio (anzi12, a volte anche 24)dove raccontare le ini-ziative del “Paganini”ma anche dove far cir-cuitare idee, sollecita-zioni, riflessioni,critiche. Dove,parlando di musica, siparla giocoforza ditutto (compresa lapolitica. Perché farecultura significa farepolitica). Come i lettori più af-fezionati avrannopotuto notare, loscorso numero dellarivista è uscito conforte ritardo ecorredato d’un avvisoposticcio. A dire ilvero il “Cantiere” harischiato di peggio.

«Spazio per libera espressione»Poi il Presidente, insieme al CdA del conservatorio statale, haoptato per la pinzatura d’una “pecetta” in cui prendeva ledistanze dai contenuti della vignetta incriminata. Questi, i fatti.Spiacevoli (soprattutto per i ritardi che hanno causato alla dis-tribuzione) ma comunque utili, in quanto hanno stimolato unvivace dibattito interno alla redazione e poi allargato aglistudenti e non solo, sollecitando una serie di riflessioni su untema delicato e importante.

Giorgio De Martino

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A bocce ferme?Il Cantiere Musicale ha forse inaugurato un’epoca nuova; c’è inquesta prospettiva qualcosa che mi mette addosso energia esperanza. Non mi vergogno di sembrare un’idealista: amo profonda-mente la condizione in cui diverse teste si mettono a collaborare inmodo libero e sincero; inoltre covo sempre la speranza, fin dallanascita del Cantiere, che la nostra rivista possa essere, oltre a unabella vetrina, anche una palestra di vivere civile e di elaborazioneartistica. Mi sembra che sia nata per questo: per parlare del nostroconservatorio e di quello che c’è intorno, della musica e del lavoroche la produce. La recente crisi scatenata dal “caso Voicings”, risolta fortunatamentecon grande maturità da parte di tutti, invita ora a considerazionimolto interessanti. Anzi, l’atmosfera che fa da sfondo al nostroscambio di opinioni potrebbe presentarsi particolarmente pulita eariosa, proprio perché il fondamentale rispetto di cui tutti hannogoduto permette di analizzare le cose nel vivo, senza paura. Colgo quindi l’occasione per descrivere qualcosa che vedo apparireassai spesso e che secondo me intossica pericolosamente la nostravita, nella speranza di riuscire ad evitarlo nel caso del Cantiere. È unatteggiamento che definisco “desiderio di giocare a bocce ferme”. Losi vede ovunque, anche in quest’epoca così dinamica e democratica:dovremmo valorizzare le differenze, che rendono attive le idee e lerelazioni, e invece soggiaciamo quasi sempre alla fretta di definire,risolvere, agire. Morta la curiosità, c’è piuttosto un forte bisogno didifesa, che si risolve in attacco. Non per nulla il battibecco sembraspesso l’unico modo per affrontare le questioni, sia nel lavoro, sia inpolitica, sia nelle relazioni personali. Lo strumento principale diquesta pratica perversa e pigra è la scure bipenne della “classifica-zione” e della “dietrologia”: la prima permette di inquadrare l’inter-locutore con certezza, la seconda insegna a decodificare subito quelche fa o dice secondo il suo presunto schieramento. Ecco quindi le“bocce ferme”: tutto è già definito, come in un copione mal fatto,quindi non vale la pena di analizzare oltre gli atti e le parole. Dicerto si fa presto, ma si entra in una prospettiva triste e spesso inu-tilmente violenta.Sarà che a me piace tanto quando le persone mi stupiscono, magaridimostrandosi migliori di quanto immaginavo, sarà forse che unavita da musicista e da insegnante abitua a valutare le vibrazioni…ma trovo questa pratica insopportabile. Preferisco fronteggiarel’errore che la pigrizia e la superficialità.Vorrei un mondo in cui le persone pensassero a fondo prima diparlare e di scrivere, ma poi lo facessero con coraggio; un coraggiocivile, per cominciare, ma volendo anche il coraggio artistico di cuiparla Baudelaire, quello che spinge l’artista ad “accomplir juste cequ’il a projeté de faire”. Nella precisione con cui si cerca la parolaper esprimersi c’è l’energia di chi legge e interpreta il mondo, c’è laconsapevolezza della complessità e delle ragioni che portano adiversi piani di ascolto o di lettura. C’è anche la fiducia nel cercaregli altri, pronti ad incontrarli, a spiegarsi e ad ascoltare: un’energiache dovrebbe innervare l’arte, ed è anche fondamento di ogni verapassione politica. Non c’è poi tanta distanza, a guardar bene.Vorrei anche un mondo in cui chi legge si prendesse il tempo digodersi la lettura e i concetti che esprime, tenesse conto delcontesto e dello stile con cui le cose vengono scritte, avesse fiduciaa sua volta nella buona fede di chi scrive, e poi avesse la possibilitàe la voglia di spiegare il proprio dissenso. Vorrei bocce in movimento e gioco pulito… In fondo, questi sono i ritmi naturali della vita degli umani, e sarebbemolto bene seguirli: si pensa, si cambia, si sceglie, si costruisce, sisbaglia… Si fatica, insomma.

La vera arte della comunicazione è un piacere ignoto a chi rincorrei successi facili o il clamore televisivo, ma potrebbe essere più fami-gliare a chi accetta la fatica di scrivere o di leggere. Ecco perché ilCantiere Musicale potrebbe essere l’utile palestra di chi ha qualcosada dire, soprattutto perché non è un giornale schierato o privato, maesprime la vita di una grande scuola pubblica. Mi auguro che sipossa raccontare questa vita in tutti i suoi aspetti e secondo i diversipunti di vista, con energia vera, senso di responsabilità, creatività,rigore, pazienza e fiducia fra i collaboratori. Si cercherà tutti di nonsbagliare, ma senza rinunciare a gestire una libertà di espressioneche è l’unico presupposto per vivere ed agire utilmente, con atteg-giamento attento ma anche chiaro ed energico, quando serve.Per quanto mi riguarda, questo è il solo modo in cui mi sentirei utilee in cui sono capace di immaginare un rapporto costruttivo con ilettori e i collaboratori. Soprattutto è il solo modo onesto di collabo-rare con i nostri studenti e con i giovani musicisti, che spero semprepiù numerosi sulle pagine del Cantiere e vicini alla vita di redazione.Li aspetto, anche perché dovrebbero dare garanzia di vivacità: fare le“bocce ferme” a loro non giova di sicuro!

Tiziana Canfori

Diabolus in musicaNel 1902, Maurice Emmanuel ed Emile Vuillermoz furono espulsi im-provvisamente dal Conservatorio di Parigi, dove studiavano compo-sizione. Non avevano scritto parolacce sulle pareti dei corridoi,sfasciato i banchi, lanciato gavettoni addosso agli insegnanti inredingote e tuba. Non erano antenati dei bulli d’oggidì, insomma.Erano colpevoli di aver violato un decreto del direttore, ThéodoreDubois, che proibiva agli allievi di andare ad ascoltare una novitàoperistica in scena quell’anno all’Opéra-Comique: il Pelléas etMelisande di Claude Debussy. Cacciati da scuola per essersi dimo-strati studenti intellettualmente curiosi, interessati alla musica delproprio tempo, oltre che a quella già archiviata sugli scaffali. Chiaveva ragione, l’austero direttore conservatore o gli scapigliatiscolari progressisti? Per nulla scoraggiati dalla punizione, Emmanuele Vuillermoz diventeranno due tra i più eminenti critici e musicologifrancesi della prima metà del Novecento. Testardi e recidivi, pubbli-cheranno entrambi una monografia su Debussy. Dubois, oggi, lo ri-cordiamo solo per un accademico trattato di contrappunto ancorain un uso nelle classi di composizione; Debussy, invece…Sarebbe istruttiva una storia della musica raccontata per censure,divieti, condanne, anatemi. Si scoprirebbe che sono tanti i calci deipotenti nel sedere dei musicisti. Simbolici, o reali, come quello chel’Arcivescovo Colloredo fece dare dal barone Karl von Arco al suoKonzertmeister diciassettenne Wolfgang Amadeus Mozart. L’episodioè notissimo. Il giovane Mozart aveva sempre mal digerito le soffo-canti direttive di Colloredo sull’estetica della musica religiosa.Quando l’Arcivescovo mostrò tutto il suo disprezzo per il musicistafacendolo sistemare al tavolo con la servitù, Mozart, da tempo esa-sperato, si ribellò. E Karl von Arco, allora, sfoderò il piede baronesco.Quello che, per noi, oggi, è uno dei massimi compositori di sempre,fu trattato, dalla corte di Colloredo, come un fastidioso moscone.Una storia della musica raccontata per espulsioni e condanne ci ri-velerebbe, insomma, che il diavolo ha posseduto il corpo dellamusica molto prima che se ne riconoscesse apertamente la vocerauca e parlante al contrario nel rock. Questa storia della musicaproibita, infatti, dovrebbe, doverosamente, iniziare con un capitolosull’intervallo di quarta eccedente, il famigerato tritono. Che i tratta-tisti medievali definirono, appunto, diabolus in musica, documen-tando così, per la memoria dei posteri, la prima apparizione

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ilCMN°17 2010

luciferina sulla terra dei suoni. Più che un principio della teoriamusicale del Medioevo, un vero e proprio imprinting della musicaoccidentale, se è vero che l’emancipazione della dissonanza –colpevole, poveretta, di essere solo un armonico un po’ più lontanodegli altri – arriverà solo con Schönberg e la seconda Scuola diVienna (ma anche con lo Stravinskij della Sagra della primavera).Ed emancipazione definitiva, poi? Chi scrive ha visto con i propriocchi, negli anni ’90 del secolo scorso, buona parte di pubblico ab-bandonare il teatro pochi minuti dopo l’inizio del Pierrot lunaire,che è datato 1912. Abbonati e abbonate elegantissimi accucciarsi e,a quattro zampe, sgusciare via rapidamente, tra le gambe imbaraz-zate dei rimasti in sala, dalle file della platea: sembrava la scena di unfilm di Buñuel. Non c’è da stupirsi, del resto, perché è la musica co-siddetta “contemporanea” a rappresentare, oggi, il diavolo in musica:quasi totalmente bandita dai calendari operistici e dalle stagioni con-certistiche, pochissimo studiata e insegnata nei conservatori.Ampiamente incisa da coraggiose case discografiche totalmente con-sacrate alla causa (Kairos, Naïve, Col legno…), magari, ma noncomprata. Mauricio Kagel ha sintetizzato bene la condizione tipicadel compositore contemporaneo – anche di quello che, come lui, invita fu riconosciuto e affermato: «La società non ha bisogno di noi.» La verità della cose viene sempre alla luce con lampante chiarezzanelle situazioni limite. E sono le dittature, alla fine, a dimostrare cheschierarsi pro o contro il Pelléas di Debussy, scacciare da corteMozart a pedate nel didietro, tirare ortaggi addosso a John Cage (èaccaduto a Genova negli anni ’70), non è solo un’oziosa faccenda digusti musicali; sono le varie liste di “musica degenerata” a dimostrareche, nelle note messe in fila sul pentagramma, è in gioco la messa indiscussione o meno di valori collettivi, e che chi compone prendesempre posizione, volente o nolente, all’interno di una qualchequerelle des bouffons. Che può oscillare tra gli estremi dellaraffinata polemica consumata solo su giornali e riviste specializzate,e della tragedia. Mentre per le istituzioni politiche, culturali, religiose,scolastiche, nella musica – nell’arte in generale – si annida sempre,potenzialmente, qualche pericoloso diabolus.

Massimo Pastorelli

La crisi dei teatriSiamo il Paese del melodramma: l’opera dovrebbe essere il nostrofiore all’occhiello, se nel mondo si parla l’italiano, lo si deve inbuona parte al nostro patrimonio musicale. Eppure, probabilmente,in nessun Paese civile il teatro musicale versa in condizioni piùdrammatiche che nel nostro con le Fondazioni sull’orlo del falli-mento e un intero sistema al collasso. Per la cultura l’Italia spende1,8 miliardi di euro annui a fronte degli 8,5 della Francia e deglioltre 5 di Spagna e Germania…. La Scala riceve 44 milioni di euroannui come contributo statale contro i 120 dell’Opera di Stato diBerlino e i 166 dell’Opera di Parigi: cifra, questa, di poco inferiore aquella ricevuta da tutte le Fondazioni Italiane messe insieme.Una situazione difficile che il recente decreto-legge varato dalministro Bondi (e criticato anche nella sua area politica) non solonon aiuta a risolvere, ma rischia di aggravare aumentando polemichee tensioni.È vero che i teatri italiani, troppo spesso, spendono eccessivamenteed è vero che una revisione dei contratti nazionali ed aziendali è as-solutamente improrogabile. Il periodo delle vacche grasse è finito datempo e in tutti i settori si è chiamati a maggior rigore e a sacrifici.Ma vedere nelle spese per il personale fisso l’unica causa deldissesto è fuorviante. Anche la classe politica, ad esempio, deve, inmaniera trasversale, recitare il “mea culpa”. Manca, praticamente da

sempre, una vera politica culturale: i Teatri si barcamenano senzacertezze economiche, i finanziamenti statali arrivano a gestioneinoltrata, è praticamente impossibile (se non ci sono forti sponsorprivati, vedi la Scala) riuscire a programmare a lungo termine. Si vivee si spende alla giornata. Manca, ancora, una consuetudine dei teatria collaborare fra loro, in termini di programmazione, di coprodu-zioni, di controllo sui cachet. E troppo spesso le nomine dei sovrin-tendenti e dei direttori artistici sono soggette non a valutazionimeritocratiche, ma a opportunità partitiche. In questo contesto la situazione del Carlo Felice è ancor piùdelicata. Come è noto dopo quasi due anni di commissariamento, afine maggio si dovrebbe tornare alla gestione ordinaria. Da più partisi insiste su questa necessità: lo dicono da mesi Comune e Regione,lo dicono da qualche settimana anche i sindacati in rappresentanzadei dipendenti. Lo afferma lo stesso commissario Giuseppe Ferrazza.La conclusione dell’iter straordinario è però tutt’altro che automa-tica. Dipenderà da quel che gli Enti locali (e l’eventuale cordata diprivati) sapranno assicurare per la sopravvivenza del Teatro nel cuibilancio c’è un buco di circa tre milioni di euro. Dopo due anni dicommissariamento, infatti, la salute del Teatro non è certo migliorata.E’ vero che è stato risolto il problema del Fondo Pensioni: a chiuderela vertenza una volta per tutte, però, sono stati Comune e Regionecon tre milioni di euro ciascuno. Ma al di là del Fondo, il Teatro èrimasto nelle condizioni economiche iniziali, non solo, ha vistoscendere sensibilmente il proprio livello artistico. E manca unaqualsiasi programmazione per il prossimo futuro.Il Teatro genovese (probabilmente pensato troppo in grande per ilbacino di utenza e le casse locali) ha un numero di dipendenti fra ipiù bassi: 329 contro 337 di Bologna, 354 di Torino, 434 di Napoli,631 di Roma e 802 della Scala. Il costo del personale nel 2008 èstato di 18.550.584 euro superiore al finanziamento dello Stato(15.661.076 euro) e percentualmente superiore a quello di Teatricon maggior numero di dipendenti (Bologna ha speso 17.712.799,Napoli 21.722.427 euro): il che può derivare tanto da una gestionepoco oculata delle risorse, quanto dalla necessità di dover ricorrerea straordinari a fronte di un organico ridotto; nello stesso anno iricavi sono stati 3.261.325 euro. Premesso che nessun teatro puòpareggiare i bilanci con i ricavi della produzione artistica, certo èche ci sono sproporzioni che vanno in qualche modo corrette ondeevitare il baratro. Al progetto di rilancio lavora Salvatore Filippini La Rosa, avvocatogenovese specializzato in diritto dello spettacolo, collaboratore diteatri stranieri dall’Opera di Berlino all’Opera di Città del Capo.Dovrebbe presentare a giorni un nuovo progetto industriale. Si parladi una riduzione dei costi con un migliore sfruttamento dellerisorse, di un incremento della produzione guardando al modellotedesco senza avere la pretesa, come lo stesso avvocato ha sottoli-neato, di impiantarlo in un contesto assolutamente diverso.I Teatri sono l’espressione della società in cui agiscono: l’equazione“più spettacoli meno costi” funziona laddove tutte le variabilivengano armonicamente riviste e corrette. Il che significa: revisionedelle spese (i costi fissi del personale e i costi di produzione con lacreazione di compagnie stabili che non si inventano dall’oggi aldomani), impostazione di un repertorio solido che si può ottenerenell’arco di alcuni anni, creazione e mantenimento di allestimenti dariproporre periodicamente. Tutto possibile, ma non in tempiimmediati perché c’è bisogno di molto lavoro e di cambiare lamentalità non solo all’interno del teatro. Insomma la crisi va affron-tata con un progetto ad ampio respiro, ma, anche con scelteimmediate, a partire dall’individuazione di un sovrintendente capace.

Roberto Iovino

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Contributo a cura della pianista Ljuba Moiz

Gregg Miner, presidente dell’ Harp Guitar Foundation,ospite nella patria di Taraffo

Mercoledì 28 Aprile al Best Western City Hotel di Genova, si èsvolto uno straordinario incontro promosso dall’appassionatocollezionista, studioso e musicofilo Franco Ghisalberti che,grazie ad una attenta e costante ricerca, è riuscito a reperire unaventina di Chitarre-Arpa costruite dalla metà dell’800 ai nostrigiorni, dando vita ad una esposizione di questi ormai raristrumenti mai vista prima a Genova.Il suo impegno è stato ripagato da una viva partecipazione diappassionati e specialisti, tra i quali il presidente dell’ HarpGuitar Foundation, Gregg Miner, venuto appositamente da LosAngeles vincendo la sfida del capriccioso vulcano islandese cheha imperversato durante il suo viaggio.In questa occasione le testimonianze di un’epoca in cui laChitarra-Arpa faceva parte delle tradizioni musicali genovesi,oggi quasi dimenticate, e lo straordinario revival di interesse ericerca che questo strumento sta conoscendo oltreoceano sisono innestati, svelando un mosaico che a poco a poco siricompone nella consapevolezza di radici culturali da riscopriree valorizzare.Tra le Chitarre-Arpa esposte per l’occasione erano presenti: 10chitarre del liutaio Settimio Gazzo, costruite nel periodo 1911-1919, 3 del liutaio Priano degli anno 20, 1 chitarra di OresteCandi, 1 di Victorin Drasseg, 1di Giorgio Bianchi del 1932, 1diFrancesco Poggi del 1924, 1 di Luigi Auciello, 1 di AdolfoGiacinti, 2 del liutaio genovese “contemporaneo” AntonelloSaccu. Di particolare rilevanza la presenza di una Chitarra-Arpadi Gazzo del 1916 con piedistallo amovibile originale, apparte-nuta alla famiglia Taraffo e suonata dal fratello Pietro, attual-mente di proprietà della famiglia Cagetti, che gentilmente l’hamessa a disposizione.Quasi tutte le chitarre esposte sprigionano un lembo di storia difamiglie genovesi e di ciò che era la musica a livello popolare,tanto che alcuni si costruivano da soli questi strumenti, come èavvenuto per la chitarra “autoprodotta” da Giorgio Bianchi, figliodi Benedetto, fondatore e presidente dell’ex Banco di SanGiorgio. Due strumenti costruiti dal liutaio contemporaneogenovese Antonello Saccu, meritano un’attenzione particolare:una chitarra a 20 corde, costruita per un appassionato chedivide la sua vita tra il lavoro di postino e la devozione per

questo strumento, e una Chitarra-Arpa disegnata e ricreata peril famoso chitarrista genovese Beppe Gambetta, che riproducequella di Taraffo , completa di piedistallo amovibile.Gambetta, che ci ha regalato la sua presenza, oltre a mettere adisposizione 3 chitarre della sua collezione, ha simpaticamenteintrodotto l’amico Gregg Miner, presidente dell’Harp GuitarFoundation di Los Angeles che, durante il suo soggiornogenovese, ha visitato liutai e collezioni private, e, grazie allagentile disponibilità del Conservatorio Paganini, ha vissuto l’e-mozione di tenere per la prima volta nelle sue mani la chitarradi Pasquale Taraffo custodita nel Conservatorio Paganini.Durante l’incontro, Miner, esperto musicologo oltre che colle-zionista, ha catturato il pubblico con una affascinante lezione-conferenza sulla storia della Chitarra-Arpa e sull’importanzainternazionale della figura di Pasquale Taraffo nell’evoluzione diquesto strumento.Miner, dopo una accuratissima ricerca che lo ha assorbito permolti anni, ha scritto una lunga dissertazione storica ed etimo-logica che ha segnato l’inizio del suo vasto sito www.harpgui-tars.net, dedicato interamente alla Chitarra-Arpa. Oggi possiamodefinire con questo termine uno strumento che abbia almenouna corda libera non situata sul manico principale, e che nellevarie elaborazioni può presentare un numero variabile di bassiaggiunti “volanti” accordabili a piacimento, da pizzicarsi comecorde vuote. La parola “Arpa” è uno specifico riferimento aqueste ultime e non ha alcun rapporto con il tono, l’estensione,il volume, la forma, la struttura, o qualsiasi altra caratteristica diquesto strumento.La Chitarra-Arpa ha una storia lunga e affascinante: dalla metàdel 1600, anche se chiamata con nomi diversi nel corso dellastoria del mondo, è riemersa almeno una volta ogni secolo inluoghi diversi e per vari scopi musicali, alcuni obsoleti, altri no.Il nome di “Chitarra-Arpa” nasce ufficialmente nel 1891, quandoJ.Hansen brevetta a Chicago una chitarra (presente nella colle-

Franco Ghisalberti, Patrizia Conti e Gregg Miner in Conservatorio:Miner sta provando la chitarra di Pasquale Taraffo

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zione di Miner) con 6 corde più 4 volanti. Per la prima volta sulbrevetto è scritto che le corde basse sono preposte ad esserepizzicate: ciò è importante perché ancora oggi qualcuno pensache questi bassi fossero aggiunti solo per produrre vibrazioniper simpatia. Nel 1895 il norvegese Kris Knutsen inventa inAmerica una chitarra con due manici di cui uno contiene i tastie le sei corde principali mentre le corde volanti sono situate sulsecondo manico che è cavo. È sorprendente la somiglianza tra questo strumento con quellicostruiti da Settimio Gazzo, di cui si ha la prima documenta-zione nei primi del ‘900: dal momento che dal 1890 al 1920 lachitarra arpa conosce una grande voga sia negli Stati Uniti chein Europa è tuttora difficile stabilire chi abbia inventatorealmente questo strumento o “chi ha copiato chi”. L’aspettopiù interessante è comunque dato dalla grande diffusione chequesti strumenti ebbero contemporaneamente in Europa eOltremare. Per quel che ci riguarda più da vicino, è quasi certo cheSettimio Gazzo costruì dai primi anni del 1900 chitarre arpa perTaraffo: quella donata alla città di Genova dalla figlia del grandechitarrista fu creata nel 1909, quando la collaborazione fraTaraffo e Gazzo era già cominciata. Quando e in quale dei duenacque l’ispirazione di inventare una chitarra a 14 corde? Forse il grande talento di Taraffo e le linee cromatiche dei bassiche “sentiva nella sua testa” richiedevano non meno di ottobassi che egli accordava discendendo cromaticamente.Probabilmente fu lui stesso a ideare il piedestallo amovibile persostenere questo tipo di chitarra, oggetto unico nel suo genereche, oltre ad essere bello esteticamente, permetteva al suono dicadere dall’alto e di propagarsi meglio.Per suonare questo strumento così complesso, Taraffo hadovuto elaborare ed inventarsi una tecnica unica e raffinatis-sima. Studi fatti ascoltando al rallentatore e osservando i video,confermano l’uso di tecniche esecutive mai usate in altre partial mondo, come tremoli particolarissimi e movimenti rotatoridel braccio per toccare i bassi volanti in tempi rapidissimi senzanemmeno guardare la mano destra. Lo stesso Miner ha riferitoche quando sono stati sentiti per la prima volta negli Stati Unitii dischi di Taraffo, rimasterizzati da Ghisalberti, gli ascoltatoripensarono che i chitarristi fossero due o più, ritenendo impos-sibile che un solo esecutore potesse trarre una così riccadinamica ed una sonorità così ampia e intensa. E neppureavevano mai sentito un tale “virtuoso” di chitarra arpa che ful’unico e il più grande al mondo nel suo genere: infatti altri chi-tarristi come Mozzani e Maccaferri, potevano suonare almassimo 2 o 3 bassi aggiunti, invece degli 8 che lui utilizzava.Miner ha fatto alcune esemplificazioni tecniche sulla chitarra diBeppe Gambetta ed ha ricordato che Taraffo non ha lasciatopartiture scritte della sua musica, e che purtroppo oggi nonesiste alcun chitarrista classico in grado di suonare questostrumento con tale maestria. Citiamo le sue parole: “Oggi si è aperto un bellissimo e nuovocapitolo sulla Chitarra-Arpa; sarebbe bello trascrivere fedel-mente le sue rielaborazioni e composizioni direttamente dall’a-scolto dei suoi dischi per far rivivere e riproporre la suamusica”. A questo proposito Miner si è dimostrato entusiastaall’idea di collaborare con me e Ghisalberti ad un progettocomune di riscoperta della musica di Taraffo, della sua statura di

interprete, compositore e fedeletrascrittore di opere liriche,ricreando la partitura dellaSinfonia della Norma diVincenzo Bellini direttamentedall’ascolto della sua incisione, eanalizzandola anche anche dalpunto di vista tecnico-esecutivo.

Il sito www.harpguitars.net come punto di riferimentofondamentale per i cultori della chitarra arpa Gregg Miner ha subito il fascino della Chitarra-Arpa sin daragazzo: l’incredibile passione e l’impegno che ha dedicato allostudio, alla ricerca, alla collezione ed alla valorizzazione diquesto strumento ne ha fatto il principale esperto riconosciutoin questo campo.Nel 2004 ha ideato e creato un immenso sito interamentededicato alla Chitarra-Arpa: un prezioso archivio in continuaevoluzione, unico nel suo genere, nonché il fulcro centrale ditutto il mondo web relativo a questo strumento. Comprendepagine interessantissime e dettagliate sulla storia, gli interpreti,l’iconografia la discografia e la liuteria antica e contemporanea,video, e un forum dedicato alla comunità degli appassionati ditutto il mondo. Impressionanti le pagine dedicate alle accorda-ture storiche e moderne, (tra le quali vi è anche quella dellaChitarra Gazzo di Taraffo) dove è possibile esaminare anche lequelle dei liuti rinascimentali. Esiste una sezione dedicata allaparticolare notazione usata per la Chitarra-Arpa, con la possibi-lità di consultare antiche partiture, come gli studi per 6 o 12corde di Joseph Farbach di Vienna, di metà Ottocento, oltre chele tablature moderne.Miner gestisce e aggiorna costantemente questo portale con unlavoro di continua ed incessante ricerca, ed è felice di collabo-rare, raccogliere documentazione e materiale da tutti gli appas-sionati e specialisti che desiderano arricchire e divulgare lastoria della Chitarra-Arpa. Grazie a questo sito, è nata la strettacollaborazione e l’amicizia con Franco Ghisalberti, il quale hacontribuito in modo determinante alla creazione della paginadedicata a Pasquale Taraffo, catalizzando l’attenzione internazio-

Gregg Miner, Franco Ghisalberti, Ljuba Moitz, Beppe Gambetta,Enrico De Filippi

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nale sulla figura del grandissimo chitarrista genovese. Qui sipossono trovare accuratissime notizie biografiche,storiche, tuttala sua discografia (di cui sono riportate tutte le etichette a 78giri), fotografie, locandine e recensioni internazionali, nonchéun raro video. Interessanti anche i capitoli sugli strumenti deiliutai genovesi Gazzo, Candi, etc., sui chitarristi genovesi e sulbackground culturale della sua epoca. L’esplorazione di questosito è affascinante e coinvolgente: un’avventura musicale chegrazie a internet non mai avrà fine.

Harp Guitar Foundation e il suo “gathering”Nel 2009, dopo 5 anni di crescita del sito web, è stata creataL’Harp- Guitar Foundation,di cui Gregg Miner è presidente, resapossibile in gran parte dal sostegno dei 200 abbonati e benefat-tori che hanno contribuito al sito ed alla sua formazione. Èun’associazione no-profit che nasce per preservare, sostenere, earricchire il mondo della chitarra arpa, ampliandone la docu-mentazione storica, e per servire la comunità mondiale di ap-passionati di questo strumento, i suoi esecutori, ricercatori,collezionisti, liutai e restauratori, e proiettare la Chitarra-Arpanel futuro anche attraverso esperienze di nuova musica, nuoviinterpreti e nuove scoperte. Importantissimo appuntamento annuale è l’Harp GuitarGathering, un Festival che raduna i cultori della Chitarra-Arpa,cominciato nel 2003 in Virginia grazie all’idea del famoso chitar-rista Stephen Bennet: in questa occasione si radunò una mareadi Chitarre-Arpa mai vista in precedenza. Sulla scia del successodi questo primo incontro l’appuntamento è divenuto annuale,ed è stato organizzato nell’Oregon, in Florida etc, accogliendoentusiasti partecipanti provenienti da ogni parte del mondo,(Inghilterra, Canada, Belgio, Giappone, etc.) che, animati daldesiderio e della gioia del ritrovarsi e del “fare musica” insieme,danno vita a una full immersion di incontri, conferenze, eseminari. L’8° Harp Guitar Gathering si terrà a Indianapolispresso l’Athenaeum Theatre il prossimo Novembre 2010.www.harpsguitars.net

Gregg Miner - “Alla ricerca del suono perduto”il museo e i dischi Gregg Miner è un collezionista, interprete, e musicologo, maanche un restauratore e costruttore di strumenti rari e introva-bili. La sua formazione musicale comprende i più rari generi: ha

studiato chitarra classica, rock, jazz, liuto, mandolino e arpaclassica (studiando con la famosa Mildred Dilling). Il suodesiderio di poter suonare ogni strumento che trovava lo haportato ad rivolgere il suo interesse e a collezionarne variecentinaia: qualche strumento storico che non è stato possibilereperire, è stato addirittura commissionato ai più abili liutai peressere ricostruito fedelmente. Molti strumenti della sua colle-zione sono pezzi unici. Il suo museo “The Miner Museum ofVintage, Exotic and Just Plain Unusual Musical Instruments”, vi-sitabile in parte “virtualmente” sul sito www.minermusic.com èuna sorprendente miniera strumentale che comprendecentinaia di esemplari a corde catalogati per famiglia, anno egenere: Chitarre- Arpa, (tra cui una di Settimio Gazzo,ed unaMozzani,oltre a quelle di Knutsen, Dyer,e Gibson) Mandolini (dicui un Mandolino-Arpa di Monzino), Cetre, Arpe, Liuti, Dolceole,Orpharium e Meloarpe, strumenti etnici e esotici come Banjos,Ukuleles e Balalaike, oltre a molti ibridi insoliti come ilPianophone, ed il Miner-Cello di sua invenzione, e altri ancora,“ad infinitum”. Animato dal desiderio non solo di possedere questi splendidistrumenti, ma di viverne la rinascita sonora, Miner ha restauratopersonalmente e ricreato la tecnica, la prassi esecutiva ed ognisfumatura stilistica di ognuno di essi, rendendoli protagonisti diincisioni discografiche.Di estremo interesse è la raccolta in 2CD, “A Christmas Collection”, nella quale si possono ascoltare levoci ormai perdute e dimenticate di Cetre, Arpe, Octophoni,Mandocelli, Chitarrone, Viola Da Gamba, Tromba Marina, e natu-ralmente Chitarre-Arpa: un centinaio di strumenti rari che, sottole sensibili dita di Miner, riprendono vita in un percorsomusicale quanto mai affascinante.La sua versatilità interpretativa è sorprendente come la raffina-tezza dei suoi arrangiamenti dei canti popolari e tradizionalinatalizi: in particolare il Corale “Joy of Man’s Desiring “perMandolino, Mandocello, Mandola e Mando-Basso colpisce per lavibrante vitalità; “The Ukrainian Bell Carol” per Balalaika sopranoe basso e Bandura, così come un canto provenzale del 17thsecolo “Bring a torch, Jeannette, Isabella” suonato con unaChitarra- Arpa Dyer del 1920 (in assoluto uno dei sui strumentipreferiti), evocano atmosfere antiche di grande suggestione. Ilibretti allegati ai Cd sono curati nei minimi particolari con bel-lissime fotografie, cenni storici e accordatura di ogni strumento,che fanno di questa registrazione discografica una mini enciclo-pedia sonora e visivapreziosa per ogni ap-passionato. “…Quandotrovo uno strumentopenso alla storia cheha alle spalle, pensoche è stato suonato eamato da qualcuno chenon ho mai incontrato,di un’altra epoca eluogo, ed questo è perme l’elemento di piugrande magia...”.www.minermusic.com

Ljuba Moiz

www.ljubamoiz.net

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Affidata ad un quartetto genovese

La prima esecuzione pubblica dei Sei quartetti per archiattribuiti a Beethoven Anhang 2

(Kinsky-Halm Anhang 2, Hess Anhang 7, Bruers 300, Biamonti Nota aggiunta II-44, Köchel Anhang 291a- C. 20-05)

Sconosciuti, ineseguiti, e colpiti da una storia travagliata ecomplessa; tanto che l’ultima informazione concernentequesti quartetti per archi è quella che si trova sul catalogo diGiovanni Biamonti, nel 1968 ovvero sia che “questi quartettisi trovano nella Deutsche Staatsbibliothek di Berlino.Attribuiti una prima volta a Mozart, poi, dal De Saint Foix, a Beethoven. Autenticità dubbia”. E questo è tutto. Questi quartetti furono menzionati per la prima volta nel1893 dal celebre editore italiano residente a Vienna AugustoArtaria. Qualche mese prima della sua morte Artaria decise dicompilare un inventario di tutti i manoscritti conservati nellasua casa di edizioni, poiché quello eseguito da Guido Adler treanni prima era troppo succinto e vago.Al numero 92i dei suoi manoscritti, Artaria nota comeun’opera di Mozart “ 6 quatours pour violon, il est douteuxqu’ ils aient été composés par Mozart. Inédites.” alla suamorte il figlio vendette le collezioni della Casa al maggiorofferente. In questo modo le coppie dei quartetti furono ac-quistati dal professor Koster.Rispondendo alla domanda dei due musicologi francesiTheodore de Wyzewa e Georges de Saint-Foix, Koster rese ac-cessibili quattro dei sei quartetti sotto forma di partitura nel1913. La prima guerra mondiale, scoppiata l’anno seguente,non permise di proseguire oltre gli studi; e nel frattempo i ma-noscritti furono acquistati dalla Deutsche Staatsbibliothek diBerlino. Theodore de Wyzewa muore nel 1917, e il conteGeorges de Saint-Foix proseguì da solo la sua biografia suMozart, riuscendo ad accedere a tutte le sei coppie di Koster.Sorprendentemente pubblicherà i risultati di questi studi su“La Rivista Musicale Italiana” nel 1923, con l’ar-ticolo “Nouvelle contribution à l’ étude desoeuvres inconnues de la jeunesse deBeethoven” . Così, nel 1923, risultò che questi quartettifurono attribuiti a Beethoven e non a Mozart.Secondo lo studioso francese furono scrittiattorno al 1790-1792, poco prima del definitivoabbandono della città di Bonn da parte diBeethoven, quando ancora il compositoresuonava la viola dell’orchestra della CappellaElettorale.Nel centenario della morte di Beethoven, Heinrich Wollheim,membro dell’Orchestra da Camera e dell’’Opera di Berlino,realizzò nell’agosto e nel settembre 1926 una nuova partituradi questi quartetti. Purtroppo non riuscì a realizzare nessunaesecuzione pubblica.Ritornati nelle mani di Georges de Saint-Foix e nuovamentedescritti su un numero de “La Revue Musicale”, nel 1927, perla prima volta vengono studiate le somiglianze fra questi

quartetti ed altre opere di Mozart e di Beethoven. In partico-lare un tema che procede identicamente nel primomovimento del quartetto Anhang 2 numero cinque, e un temadel primo dei tre quartetti per pianoforte violino viola e vio-loncello WoO 36, nonché un tema simile che trovasi neiquartetti attribuiti a Mozart K. Anhang 20.07.

Dopo il 1927, più nulla. Le partiture di Koster perdute, lecopie di Wollheim disperse.Durante la seconda guerra mondiale tutte le collezioni dellabiblioteca di Berlino vengono disperse in piccole città dellaGermania; nonostante le gravi perdite la partitura dei seiquartetti ritorna nella capitale della Germania nell’ immediatodopoguerra.Richieste nel 2006 dal musicologo francese Michel Rouch, chetanto si è impegnato per la ricerca circa le opere spurie delMestro di Bonn, le fotocopie arrivarono nello stesso disordinein cui si trovavano catalogate nella biblioteca di Berlino. La ri-costruzione, l’analisi dei singoli movimenti, la revisione nell’ottica di una prima esecuzione mondiale hanno richiestodiversi mesi di lavoro.Non ultima anche la scoperta che questi sei quartetti indicatinel catalogo di Mozart come Köchel Anhang 20-06, condivide-vano falsa catalogazione sovrapponendosi ai “sei quartetti ca-

pricciosi”, attribuiti a Mozart ed invecerivelatisi opera di Georg Anton Mederitsch,detto Gallus, solidissimo compositore viennesenato prima di Mozart è morto dopoBeethoven, autore di ben il 44 quartetti.La prima esecuzione pubblica della serieAnhang 2 è avvenuta presso la basilica di SanSiro di Struppa, presso Genova, il giorno 8maggio 2010. In questa occasione, presenti lostesso Michel Rouch, Graziano Denini, revisoredi queste pagine, e il presente relatore, furono

suonati, il primo, il secondo, e il quarto quartetto della serie. La prima esecuzione pubblica è stata affidata alla quartettodegli Arconauti ovvero Barbara Bosio, 1° violino Igor Biagini 2°violino Maddalena Vitali viola, Felicina Pillosu violoncello; unquartetto di genovesi che ha dato e darà ancora lustro all’arteed alla nostra città, impegnandosi con la registrazione diquesti inediti per la Casa Discografica Inedita, nonché nelle re-gistrazione integrale di t