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OEscultura Música Fotografía Literatura Danza Cine Teatro Pintura Videojuegos Cómic
Cine GoreDe lo sombrío a lo sublimE
Cuarto número, 3era. Edición
PresidenciaRevista Cultural Prisma CA
Directores/EditoresOsmar PeñaValentina Moreno
Asistente editorialJessica Stein
Coordinador de publicidadCarlos Rodríguez
Coordinador del área de pin-tura/ilustraciónVicleny Chacón
Coordinador del área de teatroDaniel Muro
Coordinador del área de videojuegoJavier Letterer
Coordinador del área de cine y literaturaSusana González N.
RedactoresCarlos RodríguezSusana GonzálezMiguel Hidalgo (‘Merchigod Gil’)Javier LettererDaniel MuroValentina MorenoOsmar Peña
IlustradorAuny Moons
FotógrafoRoger Morales
Corrección ortográficaOsmar Peña
La revista cultural Prisma es una publicación artística y bi-mensual. El contenido publicitario o de redacción no refleja necesariamente la posición de los editores. Cada autor es totalmente responsable de lo que escribe. Prohibida la repro-ducción parcial o total del contenido de la revista sin previa autorización por escrito del grupo editorial.
Para enviarnos cualquier tipo de correspondencia física pue-des hacerlo a
Osmar A. Peña M.Apartado postal 54.001Ipostel UCVZona Postal 1053ACaracas, Venezuela.
Coordinación de redes Web 2.0Valentina MorenoOsmar Peña
Diseño gráficoSimón Rivero
Diseño gráfico publicitarioVicleny ChacónCarlos RodríguezAuny Moons
AgradecimientosGabriela Mesones, Tamara Mujica, María Karina de Gouveia, Mariana Fernández, Jonás Romero Gar-cía, Henry Álvarez, Nina Novak, Aida Blanco, Nelson Garrido, Carmen Moreno, Yakaly Di Roma, Ernesto Durán ‘Erune’, Graciela Yáñez, Vicente Ulive-Sch-nell, Ensamble Kumañí, Acisclo Hernández, Guiller-mo Londoño, Sahara Álvarez, Gladys Calzadilla, Producciones Palo de Agua, Frank Molina, Adriana Orellana, El Teatro de la Zurda, Daniel Tovar, Juan Coste, Dreamstime y a todos aquellos que han ayu-dado a que el nombre de Prisma se difunda como parte de la cultura venezolana y el mundo.
Tapa Final: Wuifer MárquezPortada: Jonathan Costa
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Prisma avanza y con ella avanzas tú. Creemos en el talento artístico nacional y creamos la plataforma para su exposición. Paulatinamen-te hemos promocionado con-cursos y talleres sacando a la luz a nuevos artistas, que más allá de motivarse por premios en metálico, lo hacen como una propuesta de exhibición ante Venezuela y el mundo.
El arte actual que vamos creando se mueve a nues-tra acelerada velocidad, las generaciones de relevo ac-tualizan las perspectivas con que se observa este agitado mundo. Por ello, nuestros ar-tistas nuevos son pieza funda-mental a la hora de rotar este prisma y generar una peque-ña luz que vaya iluminando realidades culturales no muy populares.
Por ello, rasgamos el velo ne-gro que muchas veces cubre al arte, mostrando realidades como la historia del cine gore o las historias originales de al-gunos cuentos antes de Dis-ney –previo a que este mag-nate comprase los derechos y
alterase gran parte de ellos-. Asimismo, nos arriesgamos a entrar al cementerio del sur para fotografiar y observar la realidad de magníficas es-tatuas que luchan contra el tiempo y el olvido.
También hemos explorado el momento en que la falta de tela se las arregla para con-feccionar arte de gran talle; temas como el teatro burles-que y el sexo en las cónsolas de videojuegos son corrientes en voga que se han llevado más de una mirada nocturna y montones de horas del pen-samiento a la luz del día.
Sin contar los infinitos kilóme-tros de tela que aún quedan por cortar, dejamos que ya comiencen a disfrutar de la cuarta edición de la Revista Cultural Prisma; Inteligente-mente juvenil.
AtentementeOsmar Peña y Valentina MorenoEditores de la Revista Cultural Prisma C.A
ESCULTURACementerio del SurEntrevista a Gladys Calzadilla
MÚSICA Soul MusicEnsamble Kumañí
FOTOGRAFÍA National GeographicArtistas NuevosEntrevista a Nelson Garrido
ESPECIALTrabajo del Ganador
LITERATURAPoemaEntrevista a Armando Rojas G.CuentoCrónica
PINTURA Entrevista al Ganador de PortadaArtistas NuevosMuralistas
CINEDisney Close UpFantasmoGore
VIDEOJUEGO Sexo en las ConsolasMario Bros
Ilustración: Dreamstime
DANZA Entrevista a Nina NovakCruz del Sacramonte
TEATROBurlesqueActos IndecentesAbsurdismo
CÓMIC Entrevista a Henry ÁlverezEl Mago de OsCulturas en el Cómic
Tristeza debería ser el principal sentimiento que brote en to-dos aquellos que caminen por un cementerio, pero las cur-vas en el mármol blanco, las líneas naturales, los rostros en las esculturas sobre los monumentos funerarios son capaces de encantarnos y conmovernos a través de una catarsis muy lejana a la sensación de visitar a los seres queridos, aquellos que no se encuentran ya entre nosotros. La muerte está pre-sente en este lúgubre lugar, pero también el arte y uno muy específico en la historia venezolana.
Es de conocimiento público que el Ilustre Americano- Guz-mán Blanco- deseaba convertir a Caracas en un pequeño París, fueron muchos los cambios que él realizó a la -abando-nada por el tiempo- capital, tratando de traer las costumbres cosmopolitas de una sociedad altamente artística. El centro de Caracas, que antes contenía el cementerio, fue adecua-do para ser una zona residencial y los difuntos fueron envia-dos al sur, lejos del casco urbano.
Este nuevo lugar de descanso final, inaugurado en 1875, te-nía un diseño europeo, las calles entre las tumbas permitían el paso de los visitantes para ver a sus seres queridos y las fa-milias más acaudaladas comenzaron a formar los mausoleos, monumentos y túmulos funerarios que ahora son capaces conmovernos como expresiones artísticas de estilo francés. El detalle en cada una de las esculturas es digno de ser admira-do con detenimiento, se notan los ojos llorosos en las vírgenes, las flores marchitas que envuelven las obras, la sangre en las heridas de los Cristos y cierta naturalidad viva en la mirada de los querubines, que acompañan a niños que fallecieron pre-maturamente. Las múltiples representaciones de la piedad, la Vírgen María sosteniendo a su hijo muerto, los ángeles con miradas de misericordia y las figuras de Jesús son las principa-les esculturas entre las lúgubres calles.
Por Susana González Nexans
el marmol del cementerio del sur
Ya para el año de 1982 el cementerio había sido decretado Monumento Histórico Nacional y en el año de 1989 Patrimonio Histórico y Artístico de la ciudad de Caracas. El mausoleo del ex presidente Joaquín Crespo corona la parte más alta del cementerio, sobresaliendo con sus veintiséis metros de altura, una gran obra arquitectónica con leones cuidando las puer-tas. Pero en la actualidad lo que quedan son ruinas, vitrales rotos y esculturas heridas por ladrones de tumbas y el paso del tiempo.
El estado de las maravillosas esculturas para los años 70’s era aún estable, las fotografías de ese período permiten admirar la maravilla de los escultores extranjeros y venezolanos, entre los criollos están los nombres de Eloy Palacios, Francisco Nar-váez, entre otros, los italianos: Pietro Ceccarelli, Victorio Ma-cho, figuran entre los europeos.
“La joven del Candil”, la obra de florentino Pietro Ceccarelli que adorna el monumento de la familia Fonseca. Un rostro perfecto, natural, de una joven que pareciera hacernos un gesto de silencio. Está vestida al estilo medieval y lleva en su brazo una lámpara, el simbolismo de la obra nos enseña como entra esta joven a una nueva vida. En fotos de años anteriores puede notarse que el monumento está preservado, su dedo índice se perdió al menos hace cincuenta años, pero en la actualidad la maleza invade la figura que se encuentra ocul-ta en la vegetación, haciendo su gesto más íntimo y secreto.
Pensando en el descuido que ataca a las esculturas, no se puede ignorar la situación presente. La inseguridad, así sea solo para llevar flores a los difuntos, es tan alta que la gente lo evita, las esculturas de la entrada, entre ellas el monumento a la familia Eraso, han sido víctimas del saqueo de tumbas, don-de el mármol y el bronce de las obras de arte ha ido desapa-reciendo, dejando sólo rastros de hermosas esculturas.
En la actualidad hay un pequeño boulevard en construcción que atraviesa por todo el centro del camposanto, hay escul-turas que han recibido atención de extraños, hay otros que ciertas familias mantienen y continúan utilizando. Pero si pa-seas por ese lugar tan hermoso como espeluznante, sentirás correr por ti la vibra del folklore venezolano, donde la cera de vela y las flores están a los pies de hermosas vírgenes, án-geles, querubines y Cristos, junto a la fe y la esperanza de la resurrección, un arte proveniente de una profunda necesidad humana.
Fotografía: Susana González Nexans
Gladys Calzadilla -como mu-chas personas de la ciudad de Caracas- creció con la idea de ser artista, hace 20 años estudió en la Cristóbal Rojas la carrera de artes grá-ficas, pero se dedicó a traba-jar como diseñadora gráfica en una consultora. A través de una cátedra en la Univer-sidad Simón Rodríguez con Carlos Rihera retomó el arte, llevó su portafolio a la actual UNEARTES y sin darse cuenta se encontró involucrada en “Arteproceso”.
En la Sala Rómulo Gallegos del CELARG, comenzó el vier-nes 3 de septiembre del año en curso, una exposición poco convencional, puesto que puedes entrar a la gale-ría y ver el proceso de crea-ción por parte de los artistas. “Arteproceso” se convirtió para todos los seleccionados en un trabajo arduo y emo-cional -donde todos los días desde temprano hasta muy tarde- continuaban creando hasta no poder separarse de sus obras, tanto así que la ex-posición que comenzaría en octubre estaba lista ya para su inicio en septiembre.
En el caso de Gladys, su obra está concentrada en la inno-vación de hacer que el dibujo sea tridimensional. Inicialmen-
Por Susana González N.
te la escultora estaba dedi-cada a la ilustración, pero en el proceso, puede decirse que llegó, a un punto inter-medio, donde la idea es dar-le volumen al dibujo, en sus palabras: “tiene movimiento, recorridos... el fin es que el es-pectador se confunda con el dibujo bidimensional, con el dibujo: ‘escultórico’.”
Esta artista tiene en su forma de trabajo la influencia de muchos maestros como Cris-tóbal Godoy; así también, de algunos extranjeros que inspi-raron su obra. Tal es el caso de “Las nubes” del norteame-ricano Alexander Calder, ubi-cadas en el Aula Magna, de la Universidad Central de Ve-nezuela.
Para ella: “lo mejor del arte es que no tiene que servir… nos la pasamos jugando en serio, volvemos a ser niños” así que cuando entramos a la gale-ría y la encontramos en su es-quina entre alambre, cobre, cd’s, latas y pintura, pode-mos ver la mirada de disfrute de la artista. Calzadilla, quien trabaja como profesora de la Universidad Nueva Esparta, es capaz de comprender la ne-cesidad humana de salir del mundo cuadrado en el cual vivimos y abordar el maravi-lloso mundo de las artes.
Las dimensiones son esencia-les para comprender la obra
de Calzadilla, puesto que ella juega con la línea de tal ma-nera, que trata de romper su plano para hacerla tác-til, para que de esa forma el ‘dibujo’ tenga sombra, volu-men y movimiento. La obra que presenta en la exposi-ción ‘Arteproceso’ lleva por nombre RED-282010, hacien-do referencia a las redes in-formáticas, conexiones entre nosotros y a su manera de ver que “todos somos un avatar en la red”.
La asimetría es importante en su obra, pero en medio de la disparidad debe encontrar equilibrio, para ella es impor-tante hacer ver que “cree-mos que somos anárquicos, pero en realidad somos una red”. Su obra se encuentra definida por lo extra pictórico y por una bidimensionalidad que te obliga a moverte y a entrar en la tercera dimen-sión.
El objetivo principal de esta ar-tista es crear a través de una línea muy delgada, entre la ilustración y la escultura, algo que en sus propias palabras sea “un mundo imposible”; pero al hacerlo mantiene la calidez necesaria que puede notarse en toda la exposición, “sumar energías vitales”, son obras que respiran a través de la fuerza de artistas como Calzadilla quien simplemente busca “jugar en serio”.
Fotografía: Susana González Nexans y Gladys Calzadilla
Orgullo de una razaPor Daniel Muro
Detroit, finales de los años 50. Época de pobreza para las capas bajas de la sociedad, incluyendo a la población negra: fuertemente margi-nada y discriminada. Los ar-tistas eran rechazados por las disqueras y por los medios de comunicación debido a su color de piel. Muchos se veían obligados a distribuir personalmente su propia mú-sica, sin apoyo alguno. Pocos lograron llevar sus creaciones a algún estudio, que comer-cializaba los temas habitual-mente sin beneficio para el artista. Su música se clasifi-caba como “Race music” o “Música de raza”.
Los obreros negros de De-troit lentamente cambiaron sus cantos de trabajo, here-dados de sus antepasados, mezclándolos con música po-pular hasta dar paso a lo que hoy conocemos como Blues. Este es mezclado con ritmos modernos, contemporáneos y elementos armónicos, con-virtiéndose en un género co-nocido como R&B (Rhythm & Blues): un estilo musical que alaba el deseo puro, las ne-cesidades físicas del hombre
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además de estilos derivados como el disco, con exponen-tes de la talla de Gloria Gaynor, Donna Summer e Isaac Hayes.
De estas influencias nacen grandesartistas como Michael Jackson y Whitney Houston. En los 80 surgen nuevos subgéne-ros como el retro soul y el quiet storm, para dar paso en los 90 a un sonido mucho más puro llamado neo soul, representa-do por Mary J. Blige, Lauryn Hill, Joss Stone, Amy Winehouse, Ali-cia Keys y James Morrison, en-tre otros.
Numerosos artistas contempo-ráneos han dejado ver en su música trazas de Soul o R&B, mezclando sus propios ritmos con sonidos urbanos y en la mayoría de los casos hip hop. Entre estos podemos destacar a Beyoncé, Usher, Akon, Rihan-na y Chris Brown. En Venezuela tenemos agrupaciones como Cunaguaro Soul, que nos trae rock con aires de los 60 y 70, no-tas de soul y un brillante sonido acústico; y Caracas Soul Con-nection, grupo liderado por los hermanos Franklin y Francisco Rojas, reconocidos percusionis-tas venezolanos que se unieron para crear un proyecto que fu-siona lo mejor del soul y del R&B de los 60, 70 y comienzos de los años 80, con ritmos latinos arre-glados de manera actual.
Según Peter Guralnick -crítico musical norteamericano- "El soul es la expresión de la solidaridad
negra, del orgullo de una na-ción que deseaba terminar con los siglos de segregación y quienes encontraron en es-tos cantos los fines prácticos para reclamar su identidad y espiritualidad”.
y la vida terrenal. Este nuevo ritmo es aceptado y reinven-tado por la juventud blanca, que lo mezcla con grandes dosis de country hasta crear lo que se llama Rock & Roll. Los jóvenes negros de todo el país enriquecen entonces esta nueva música, introdu-ciendo elementos del góspel -una tradición que resulta de la mezcla de música indíge-na africana con influencias religiosas de occidente y ha-ciendo evidente las emocio-nales, suplicantes, jubilosas y armoniosas voces formadas en la iglesia, como las de Ray Charles y Sam Cooke-. Así nace un nuevo género musi-cal: el Soul.
Para finales de los 60, el Soul alcanza su momento de máxima gloria. Artistas como James Brown, Aretha Franklin, The Supremes, Stevie Won-der y los mismos Ray Charles y Sam Cooke, se muestran en todo su esplendor, convirtién-dose en ídolos de masas inte-rraciales. Mientras la sociedad se debate en días de lucha, motines callejeros, concien-cia racial y líderes negros, la “Música del Alma” revaloriza los elementos tradicionales cobrando importancia y con-virtiéndose en un símbolo de la época. A principios de los 70, el soul comienza a decaer y al mismo tiempo a renovar-se, dando origen a diversos subgéneros como el soul sin-fónico y el soul psicodélico;
En la búsqueda de talentos que exploren y difundan nuestros valores artísticos, nos encontra-mos con el Ensamble Kumañí, agrupación de Cámara que se dedica a la interpretación de ritmos tradicionales con arre-glos propios. Este ensamble nace en el Grupo Experimen-tal de Música de la Escuela de Educación de la UCV, del que formaban parte entre otros: Marlon Marcano, Héctor Oro-peza y Erasmo Villarroel. Una vez que el grupo experimental se desintegrase, se unen a Kenny Guzmán, Frank Giraldo, Brigitte Zambrano y más recientemen-
te Frank Molina para formar en enero de 2005 el Ensam-ble (http://ensamblekumani.blogspot.com). El primer con-cierto fue el 14 de marzo del mismo año en la sede de las Voces Risueñas de Caraya-ca, estado Vargas.
Daniel Muro: ¿Qué tipo de música interpretan?Ensamble Kumañí: El Ensamble no tiene restricciones en co-lores musicales. En la música venezolana hay demasiadas variantes y en nuestro reper-torio -de más de cincuenta
piezas- aún no llegamos a cubrir todos los géneros, pero estamos abiertos a interpretar de todo. Con nuestra música abarcamos por completo la geografía nacional.
DM: ¿Han trabajado en cola-boración con otros artistas?EK: Sí, hemos hecho concier-tos con la participación de amigos en otros instrumentos como corno francés, flauta trasversa y mandolina. He-mos tenido participación de varios talentos jóvenes de la Escuela Técnica Artística Vo-ces de Carayaca, e inclusive a una niña de 11 años que se aprendió nuestros temas y que invitamos a cantar con nosotros.
DM: ¿Cuentan con apoyo ofi-cial de alguna institución pú-blica o privada?EK: Nuestros trabajos y con-ciertos son autogestionados. Sin embargo, formamos parte de los grupos de Cámara de la Orquesta Sinfónica Muni-cipal de Caracas, y ellos nos apoyan con algunos concier-tos. También hay que recono-cer y agradecer el apoyo de la Universidad Bolivariana de Venezuela, la Alcaldía del Municipio Liberta-dor y la Fundación Po-
rescatando y difundiendo la música venezolanaPor Daniel Muro
liedro de Caracas. Además tuvimos el apoyo de la Fun-dación Su Majestad El Cuatro en la producción ejecutiva de nuestro primer trabajo dis-cográfico.
DM:¿Cuántos trabajos disco-gráficos tienen hasta ahora?EK: En 2007 salió al mercado “Levantando Vuelo”, nuestro primer disco, compuesto por doce temas musicales de los cuales dos son inéditos, algu-nos son poco conocidos y el resto forma parte del acervo cultural venezolano. Actual-mente preparamos nuestro segundo disco, que espera-mos tener listo para diciem-bre. Estará compuesto por trece piezas, tres de las cua-les son inéditas. Ya está bas-tante adelantado, de hecho ya hemos grabado diez de los temas. Es bueno resaltar que la mayoría de los arre-glos los hacemos de manera grupal, es algo fundamental para nosotros. Nos reunimos, escuchamos ideas y propues-tas, y vamos creando todo el material. Así trabajamos.
DM: ¿Cuáles son sus próximos proyectos?EK: Estamos invitados por el Centro Cultural Latinoame-ricano Simón Bolívar en Min-sk, capital de la República de Bielorrusia, a un concier-to el 17 de diciembre por la conmemoración del falleci-miento del Libertador, junto
a la Orquesta Sinfónica de la Radio y Televisión Bielorru-sa; y a la participación en el "XXII Sollertinsky’s Internacio-nal Festival" en el marco de las celebraciones del Bicen-tenario de la proclamación de la Independencia de Ve-nezuela. También tenemos confirmada la grabación de dos programas televisivos de carácter documental. Esta-mos trabajando en arreglos orquestales para hacer un performance Kumañí sinfóni-co. Hay muchas ideas, inclu-so crear un trabajo electróni-co. Es importante resaltar que siempre hacemos conciertos de carácter didáctico en co-legios y liceos para sensibilizar a niños y adolescentes hacia la música como una activi-dad humana que brinda mu-chas oportunidades. Además
hacemos conciertos gratuitos en ancianatos y hospitales como parte de nuestra res-ponsabilidad social. Siempre estamos abiertos a recibir invitaciones de instituciones que quieran nuestra partici-pación.
DM: ¿Cómo ven al Ensamble Kumañí en el futuro?EK: Con bases sólidas, con buena proyección. Somos un grupo de amigos que nos reunimos semanalmente a compartir buenos momentos y crear algo que dejar para el futuro. Nos apoyamos en la amistad que nos une para continuar trabajando juntos. En el futuro hay mucho Ku-mañí, con muchas variantes. Además, si el 2010 fue un año fabuloso y muy satisfactorio, ¿por qué pensar que el 2011 no lo va a ser?
Fotografíaí: Ensamble Kumañí
La revista National Geographic nace en 1881 con la labor de juntar la escritura, los mapas y la fotografía, acercando a nosotros la sensa-ción de haber compartido por un momento con una barrera más allá de las páginas, un viaje a una realidad paralela, una historia que se va trazando en otro lugar del planeta. Una revista que en sus comienzos -como todo- fue en blanco y negro, con marcos de hojitas de laureles y portadas sin fotografías.
La creación de una revista sobre geografía es un proyecto muy ambicioso, por no decir que se trata de un tema difícil de digerir por los lectores si no se tiene una perspectiva intere-sante. La imagen gráfica forma parte funda-mental de todo proyecto editorial y realizan-do una pequeña investigación acerca del éxito en esta publicación, nos preguntamos ¿por qué o cómo una revista de geografía puede alcanzar a tener 9,4 millones de lec-tores mensualmente? La respuesta está en la frescura con que se presentan los datos, captar el dato interesante y curioso donde el lector encuentra el catch para no detener su lectura y dar vuelta a la página.
Ante la propuesta de encontrar temas no ex-plorados, la geografía nos demuestra su cua-lidad más atractiva: la facilidad de acercar otros lugares a nosotros... ¡qué mejor mane-ra que el medio de verlo sea vivirlo de forma que cale en nuestras mentes! La fotografía de la National Geographic se vale de un riesgo: penetrar la mente del lector, ser observada y quedar como una imagen con niveles de evocación a lo largo del tiempo.
La fuerza de la imagen no tiene un quiebre y la virtud de la fotografía brilla como el dia-mante más grande del mundo. El perfil a ser llenado: ser capaces de capturar vida, sen-timientos y más allá experiencias de vida. Es casi imposible dejar pasar por alto la foto-grafía de la chica de ojos verdes que centró
Por Osmar Peña
la portada de la edición nú-mero 167, que luego repetiría portada en el 2002 para ha-cerle seguimiento a la historia de esta mujer afgana que lu-chaba contra la represión en su país. La imagen rompe la memoria, se escabulle en el tiempo y logra que una histo-ria, una mujer, una fotografía, cale del fotorreportaje a la referencia común.
Las fotografías de cada edi-ción se manejan bajo la in-tervención de colaborado-res alrededor del mundo, se expone la vida en cada parte del planeta, se extrae un pedazo de vida exaltan-do costumbres, retratando realidades e historia. Nues-tro presente es el pasado de nuestros sucesores, pero al te-ner una competencia a nivel mundial, la calidad por mos-trar un material real, potente y con calidad de impacto es una meta no muy fácil de al-canzar, allí nace el riesgo tras el lente.
El sudor frío que puede des-cender por la espalda del fotógrafo que ha esperado horas por una toma perfecta ante una montaña helada, una avalancha, un volcán o los metros que han descendi-do para capturar la vida ma-rina debajo de las olas. Las tomas consecutivas del obtu-rador, la espera del momen-to correcto, las historias de los fotógrafos que esta revista ha
llevado a la fama sólo por una fotografía dan unas cuantas vueltas a la manzana.
Los ojos de un tigre, un ex-campo de concentración, un desierto lleno de buitres, un bloque de hielo que se cor-ta en forma de cruz, miles de fondos y situaciones han sido los protagonistas, ya que la cultura no sólo se compone por las personas que la inte-gramos, sino por su ambien-te y las huellas que dejan sus sombras: su historia. Tanto es así que ya existen sub-cate-gorías de la revista especiali-zadas como Historia y Viajes.
La forma de experimentar y poder transmitir estos corto-metrajes de vida, parece ser el viaje de algún reportero junto al fotógrafo y algún invitado especial como un intérprete o un guía. El fotorreportaje de la National Geographic se compone de dos realidades: fotografía y escritura. La ima-gen nos captura, nos llena de libertad para opinar, para in-tentar desquebrajar misterios creados por nosotros, pero las letras complementan esa verdad, esa realidad que se intenta transmitir desde hace más de dos siglos en las pá-ginas de la revista de marco amarillo y fotografía de alto calibre como portada.
Fotografía: Archivo Web
Revista Cultural Prisma: ¿Qué pensaste al momento de hacer la fotografía?Yakaly Di Roma: Esa foto la tuve en la mente por casi un mes an-tes de tomarla, quería obtener una imagen atrevida sin ser gro-sera, que fuera erótica sin ser por-nográfica, con elementos am-biguos capaces de ser vistos de diferentes maneras.
RCP: ¿Qué transmite esa fotogra-fía para ti? YDR: Más que transmitir, me gus-taría saber que mi foto despierta sensaciones y provoca efectos asociados al deseo que evoca la belleza y sensualidad femeni-na. Por supuesto que lo especial tiene que ver con usar elementos inesperados como la leche y los huevos de una manera sugeren-te a favor de la fantasía mascu-lina.
RCP: Define tu estiloYDR: Irreverente y llamativo. Mis fotos son un soporte para trans-mitir un mundo visual donde las palabras son sustituidas por imá-genes que proyectan persona-lidad. Suelo armar personajes, situaciones y conceptos, replan-teando la belleza desde otras perspectivas, condiciones y pre-guntas. No me gustan los mon-tajes, de hecho prefiero crear los escenarios delante de la cá-mara que en la computadora, creo que para que la ilusión se produzca, la imagen debe ser impecable.
Nombre: Yakaly Di RomaEdad: 22 añosReside: Isla de Margarita, Edo. Nueva Esparta, Vene-zuelaEmail: [email protected] Web: http://yakalydi-roma.weebly.comEstudia: Arte - Mención: Di-seño gráfico (8vo semestre).Título de la foto: No identifi-co mis fotos con títulos, dejo que ellas hablen solas.
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Nombre: Ernesto Durán (me hago llamar “Erune”)Edad: 21 añosCiudad: Nativo y Viviendo en Caracas – VenezuelaContacto: [email protected]ón: Diseño Gráfico (trabajando y estudiando)
Revista Cultural Prisma: ¿Qué pen-saste al momento de hacer esta foto?Ernesto Durán: Para ser sincero, sí, es cierto que normalmente pien-sas o tienes una vista previa de lo que quieres lograr en una fotogra-fía, pero si hay algo que he podi-do comprobar yo mismo es que muchas veces, la “magia” sucede cuando no la piensas. En el caso de esa fotografía, así fue, de hecho, estaba en pleno viaje, por tierras merideñas y esa foto la tomé en un momento que nos detuvimos para desayunar, lo cierto es que los mo-mentos muchas veces se nos vienen sin pensarlo, obviamente piensas en las básicas de composición en-cuadre, etc; pero a la larga lo que importa es que sepas ver, detallar, analizar. Lo demás es intrínseco.
RCP: ¿Qué transmite esa fotografía para ti?
ED: PAZ. Yo tengo una especia de “Ritual”, que va muy ligado a eso que me transmite una fo-tografía una vez que termino de editarla y cuando la subo a mi portafolio digital, suelo acom-pañarla con un texto bien sea poético, bien sea de reflexión, pero que sea lo que me trans-mite esa fotografía al momento. En el caso de esta foto, lo que me hace sentir es paz, es como ese estilo de vida tan sublime, tan sencillo pero a la vez tan “mágico” (no tengo otro térmi-no para identificar ese tipo de situaciones, lugares, etc) y lo espectacular del paisaje habla y transmite por si mismo, yo sólo fui el intermediario que lo con-firma.
RCP: Define tu estilo ED: Soy un Caminador. Un Via-jero. Considero que, en estos
momentos, soy un Fotógrafo de “aire libre”, mis mejores tomas han venido de situaciones to-talmente casuales, de momen-tos puntuales, pero creo que soy un fotógrafo que sabe ver, eso es todo. A futuro, quizá no muy lejano, y haciendo muchas pruebas, espero definir mi estilo con solidez. Hay varios campos dentro de la fotografía que me gustan, pero por los momentos considero que aún hay cosas por poner a prueba.
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Revista Cultural Prisma: ¿Qué pensaste al momento de hacer esta foto?Carmen Moreno: La idea surge por una frase budista que ha-bla de que el tiempo perfecto es el presente. Me gusta esa fi-losofía y trato de aplicarla a mi vida con muchísimo esfuerzo lo que se traduce en un factor de constante debate interior.
RCP: ¿Qué transmite esa foto-grafía para ti?CM: Precisamente mi preocupa-ción constante de que el tiem-po pasa y no espera por nadie, lo difícil que es dejarse llevar sin pensar en cuantos días pasen
porque el tiempo es relativo, cosa que choca con la idea to-talmente contraria con la que nos educan nuestros padres, pero que en realidad representa un desgaste para nuestra men-te y nuestro cuerpo, el recordar el pasado y desesperarnos pen-sando en el futuro.Refleja lo obvio: que a mi me si-gue importando el tiempo tal y como lo vemos los occidentales pero que sigo trabajandolo para verlo como sé que es mejor. Vi-viendolo en presente.
RCP: Define tu estilo CM: Uso muchos tonos, contras-tes y luces suaves que suelo al-
ternar con tonos pasteles, cross processing o el blanco y negro, según lo que me transmita la foto, uso lentes de desenfoque selectivo, para que la imagen luzca etérea, como un sueño. Muchas reflejan mi estado de ánimo, mis sentimientos, miedos, momentos de mucha paz, otros llenos de nostalgia; me gusta reflejar la soledad, pero la sole-dad que se disfruta, la esencia de los objetos más simples, foto-grafiar la naturaleza para mí es tan sublime como capturar a al-guien mientras danza, pero si tengo que definir mi es-tilo diria que nací siendo vintage.
Nombre: Carmen MorenoEdad: 36 añosLugar de residencia: Cara-cas, VenezuelaContacto: [email protected]ón: Fotógrafo inde-pendiente.
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Una persona, una imagen: Nelson Garrido. Este fotógra-fo tan importante para la movida actual puede pen-sarse como un personaje mis-terioso, pero contrariamente a eso no hay nada intenso en sus ojos, sino una calidez pro-pia de la persona anónima, del andino en el páramo, del pescador en la costa.
Nelson Garrido es un vene-zolano que ama su país, su visión es en sus propias pala-bras la de un “sector mino-ritario de Venezuela… muy honesto, es la visión de un in-dividuo que adora a su país”. La obra de Nelson Garrido es muy grande y extremada-mente variada, puede inclu-so asumirse que hay dos ‘Nel-son Garrido’, puesto que se conoce la obra del fotógrafo para la Fundación Bigott y su obra personal; simbólica, cru-da y seductora.
En éstas dos percepciones del autor podemos conocer dos facetas no sólo de su tra-bajo, sino de su vida, puesto que mucha gente cree que el hombre que se ha lanzado por todo el país, conociendo y capturando imágenes de
¿Quién soy yo? “una caja de resonancia de la gente que ha compartido conmi-go y yo tuve la suerte de conocer”
Por Susana González Nexans
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todo el imaginario venezola-no, de lo que él llama “devo-ción es una ilusión y mientras hay ilusión hay futuro” es uno diferente al que establece su obra con el siguiente trípo-de “religión, muerte y sexo”, cuando realmente son dos formas de mostrar la misma visión.
Una vez que comienza a co-nocerse la obra personal, producto de una descarnali-zación de los elementos que en determinado momento de su vida, limitaron y cas-traron la libertad de un joven que cuestionó desde un prin-cipio la limitación de horizon-tes. Para él “cada persona es un camino individual que hay que respetar” es por ello que su obra es su “exorcismo per-sonal para eliminar sus mie-dos”.
El dogma católico invade el arte simbólico de la fotogra-fía de Nelson Garrido, a la par
que también lo hace la queja a la institución que castra la individualidad. Las manifes-taciones populares son ca-paces de mostrarnos a los ojos los temores y amores de la sociedad venezolana, de presentarnos el alma de los rostros humanos, de ese fac-tor vivo en los ojos del traba-jador, del padre de tu ahija-do, del niño que viste crecer y que ahora te pide lo acom-pañes a tomarse unos tragos.
Hay en las dos otras partes del trípode cierta similitud al pensar en cual será el fin real de la expresión artística, en el caso de Garrido, es llegar a lo divino, acercarse a Dios. Entonces de una manera hu-mana y cercana a nosotros “la muerte; pequeña muerte” es la que se refiere al placer del sexo, capaz de encarar para el fotógrafo, el camino a Dios, sin institución “romper el peaje y comunicarse con Dios de manera individual”.
La queja -es por mucho- par-te de la obra de Garrido, pensando justamente en sus palabras “el silencio es com-plicidad”, se puede entender que en él se encuentra el es-píritu de una persona ardien-te por expresar sus opiniones, es en este caso, la expresión de una idea y tal como él dice “ las ideas siempre son invisibles”.
Si conseguimos una foto de la Fundación Bigott o una del trabajo persona de Nelson Garrido, vamos a encontrar la misma esencia, lo cual es en sus palabras: “Más allá de la bandera, del himno, el anóni-mo del páramo”… ¿quién soy yo? “una caja de resonancia de la gente que ha comparti-do conmigo y yo tuve la suer-te de conocer”.
ECOMOJI. Realizado por Jonathan Costa
Ganador “Arte de Portada” - 1er. Lugar: Jonathan Costa
TECHNOLOGY. Realizado por Jonathan Costa
ZINA. Realizado por Jonathan Costa
HOSPITALARIO, EL FRÍOPor Graciela Yáñez
Para Edmundo Bracho
gyv / brooklyn, 20 nov 2008
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Escondo mis manos en los bolsillos,entre mis piernas, en donde quepan
En vano intento protegerme un pocodel hielo que se siente en la ciudad
Me meto en cuanta cama acolchadame ofrezca una noche sin pesadillas
Colecciono amores como barajitas
A los que preguntan por qué tiembloles miento, “cosas del invierno”
y sólo tu libro, cuando me leosabe que el clima poco condicionael torpe movimiento de mis dedos
Algún día hablaremos sobre eso
No me quitan el sueño tus textos,de eso se encargaron otros
Tus poemas me guardan compañíaLos leo uno a uno, no me apuro
Es como hablar con alguien que me sabePor eso dosifico el placer
Aquí hablo con mucha gentepero me desnudo sola
y los lunares que tú no conocesaquí en mi Gran Manzana blanca
apenas el frío
los ve
La Revista Cultural Prisma tuvo la oportunidad conversar el respeta-do poeta venezola-no Armando Rojas Guardia sobre el inicio de su interés por la literatura y algunas de sus preocupacio-nes filosóficas. A continuación la charla.
V a l e n t i n a Moreno:¿Cómo in-fluyo tu padre, escri-tor y miembro del gru-po viernes, en tu interés por el trabajo creativo?
Armando Rojas Guardia: Sin el ejemplo paradigmático de mi padre creo que no hubie-ra sido posible mi vocación li-teraria, una tía mía, Albertina, sólia contar que a los 4 años de edad sentados los dos en el jardín de sus casa ella me preguntó ¿Armando cuando seas grande vas a ser poeta? Y yo le respondí, no no es que yo voy a ser, ya lo soy. Una frase como esa a los cuatro años de edad hubiera sido imposible sin el ejemplo de mi papá.
La vocación literaria surgió en mi desde muy temprano,
yo diría que desde mi prime-ra infancia yo sabia que a la hora de redactar una com-posición colegial o de leer en voz alta un texto, en esas dos materias yo era fuerte. Luego en la segunda mitad de la infancia y en la pubertad, la idea de entregarme a la lite-ratura se desvaneció, y em-pezaron a surgir otras metas posibles como alternativas profesionales, pero a los 15 años leyendo Poeta en Nue-va York de Federico Garcia Lorca,- que es un libro muy extraño y muy atípico dentro de la obra de Garcia Lorca,
porque en él , el autor paga una deuda irrenunciable
con el surrealismo y hay un barroquismo imagi-
nativo delirante- un libro extraño pero a mi me conmo-vió de una manera tan radical que yo me dije “ esto es lo que yo quiero ser, poeta” y empecé a escribir metódica y sistemáticamente.
Me daba miedo mos-trarle mis poemas a mi
papá pero mi mamá comenzó a alcahuetear-
me y le mostraba esos tex-tos a mi padre, un día ella lle-gó a mi cuarto, se sentó en mi cama, yo estaba sentado en la silla del escritorio y tuvimos una entrañable conversación sobre la poesía y así comenzó todo.
¿Con que otros autores reco-rriste ese camino de nuevo interés por la poesía?Bueno unos poetas venezo-lanos que yo leía muy con-cienzudamente, Rafael Ca-denas y Ramón Palomares, en mi primer poemario que es del año 1979, publicado ese año, tanto en la prime-ra como en la tercera sección de ese libro se
Armando Rojas Guardia: Pininos de un escritor
nota la influencia de Paloma-res. En la primera sección que se llama sol joven, hay un trasunto de la poesía de Palomares perneando todos esos textos, y en la tercera parte que se llama Oficio de vís-peras, se nota que el peso de la influencia de la poesía de Ca-denas. De Cadenas me entusiasmo una entrevista que leí en Papel Literario que me deslumbró, una entrevis-ta atípica porque Cadenas hablaba no desde la con-ciencia estética, sino desde la espiritualidad, eso me en-tusiasmo , entonces lo leí muy afanosamente alo largo de toda mi adolescencia.
Luego surgió en mí otra vo-cación, la vocación religiosa, desde los diez años empecé a acariciar mentalmente la idea de ser sacerdote y de ser sacerdote jesuita, a los 18 años decidí entrar al semina-rio jesuita y recuerdo que la conversación que tuve con el Provincial de Venezuela, que era la autoridad suprema de los jesuitas en el país, él me preguntó ¿Cuál de las dos vocaciones, la vocación re-ligiosa y la vocación literaria es en ti más decisiva? Y yo le dije sin duda que la vocación religiosa. De modo que a los 18 años entré al seminario je-
suita y estuve 4 años, dos años de novicia-do y dos años como
estudiante jesuita de Filoso-fía, luego al salirme de jesuita continué mis estudios de Filo-sofía, en Bogotá y en Fribur-go, no se me ocurrió estudiar Letras hasta cuando estaba terminando el segundo año de filosofía que mi papá me puso en contacto con Gusta-vo Diaz Solis, que es un gran cuentista y traductor venezo-lano.
Por otra parte mis viajes fue-ron experiencias decisivas, porque en Bogotá pude nu-trirme mucho de las expe-riencias de mis amistades en la Javeriana, y luego en Fri-burgo, la orientación filosófi-ca de la facultad era el aris-totelicotomismo, pero ya en Europa comenzó un malestar psíquico profundo y me la pa-saba encerrado en mi cuarto leyendo y estudiando, tenia
contacto con algunos amigo pero era un gran solitario. La filosofía entonces encauzo
una cantidad de pregun-tas sobre la vida y la reali-dad que yo me hacia.
¿Cómo compaginaba su visión filosófica con el catolicismo?Se abusa mucho de la creencia de que el Ca-tolicismo es una religión
eminentemenente dog-mática, un dogma es una
verdad cuya cristalización garantiza que una determi-nada doctrina no se desnatu-ralice, por ejemplo, la afirma-ción de que existe un Nirvana es n dogma para el budismo; el Catolicismo ¿cuáles son los dogmas, la Trinidad, la Encar-nación, la Redención, pero el catolicismo no debe im-poner a nadie esas verdades dogmáticas, ese ha sido el crimen histórico de la Iglesia Católica.
Armando Rojas Guardia es considerado una de las más grandes voces poéticas vivas del ámbito literario venezola-no, fundador del grupo litera-rio de los 80´s “Tráfico”, es au-tor de más de una veintena de libros entre los que desta-can “Del mismo amor ardien-do”, “Fuera de tiesto”, “El Dios de la intemperie”o “Ingrimo”, actualmente dicta una se-rie de talleres literarios con la Fundación Cultura Chacao y en su hogar.
Fotografía: Auny Moons
Siento sus pesadas botas pi-sotearme. Una estampida de nacionalismo –hoy desarrolla-remos al país- dicen, mientras oprimen mi garganta e inten-tan violarme con sus tubos de acero.
Finalmente eyaculo, un cho-rro de semen cayendo en el rostro del dictador Gómez y salpicando a las potencias extranjeras.
Los nutro, permito que me chupen, sus avariciosos dien-tes royendo mis venas hin-chadas, succionando mi co-razón.
Ellos padecerán, ellos verán los diablos que salen de mi alma.
Habrá fiesta, habrá regocijo, al final todos vestirán oro, sin percatarse de que los llevaré al hoyo negro, que mezclaré su sangre y sus huesos hasta convertirlos en un líquido ran-cio.
Soy un abanico de posibilida-des. Soy la libertad. Conmigo no habrá restricciones, no ha-brá moral. Todo lo pensarán, todo lo harán para beber de mi boca. Traicionarán, denun-ciarán, torturarán y matarán. Siempre vendrán pidiendo más. ¡Soy la droga perfecta!
Yo los espiaré. Me deslizaré bajo sus pies, oculto entre in-mensas capas de tierra. Sen-tirán mi presencia, el imán de la riqueza atrayéndoles con su canto de sirena:-¿Por qué no somos más adi-nerados? –preguntarán en voz alta-, ¿por qué no tengo una casa grande?
Estiraré mi barba mefistofé-lica para escurrir gotas que los alegrarán. Habrá inversión extranjera. Multiplicaré el em-pleo al antojo de sus políti-cos.
Las naciones desfilarán y ve-nerarán este país, incluso a veces el respeto será sincero.
Seré una lanza, un arma di-plomática. Tronarán los gri-tos en las salas de discusión, compraré alianzas y manten-dré la máquina aceitada y andando.
La orgía durará siglos. Crea-ré lagunas enteras de betún donde ellos se bañarán y beberán hasta saciarse. Los cuerpos se revolcarán ha-ciendo el amor en mi lodo de combustión y gula.
Algún día desfalleceré, pálido e incapaz de hacer girar el molino. Pero ellos no lo acep-tarán. Tratarán de reanimar-me, introduciendo tubos en cada centímetro de mi piel.
Y cuando se resignen y desis-tan en su tortura desespera-da de mi carne, jamás serán agradecidos. No mirarán la época pasada con satisfac-ción y placer. No verán lo pri-vilegiados que fueron.
Mientras me marchito y me seco, no puedo dejar de pensar en lo torpe y corto de vista que ha sido este grupo de seres aglomerados en un terruño que porta la cicatriz del Orinoco arañándole el Amazonas.
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Vicente Ulive-Schnell (Cara-cas, 1976).Narrador. Autor de Anécdotas de la decadencia caraque-ña, Caracas cruzada e Histo-rias de un arrabal parisino. Su nuevo manuscrito, de donde se extrae este texto, se intitula, Yo maté a Simón Bolívar.*Este texto es parte de un pro-yecto más extenso que será próximamente editado.
Por Vicente Ulive-Schnell
Fotografía: Auny Moons
Por María Karina De Gouveia
obras de arte plástica entre esculturas, murales y vitra-les y diversas estructuras que hacen de la arquitectura de sus edificios una de las más modernas de Venezuela y el continente. Igualmente, el conjunto de salas y auditorios son un abreboca antes de llegar al Aula Magna -la sala con mejor acústica de Amé-rica Latina- y la última esta-ción de un estudiante antes de graduarse.
Esta magnífica obra comenzó a construirse en 1944, estuvo a cargo del genio venezolano Carlos Raúl Villanueva, sien-do esta su máxima creación y puede considerarse un mu-seo en su totalidad. Sus espa-cios están hechos para que haya juegos con la luz natural y contacto cercano con la naturaleza. Al igual que cual-quier ciudad o pueblo, está llena de mitos y leyendas, de personajes que parecen mile-narios y fantasmales a la vez.
Lamentablemente, este pre-ciado y valioso lugar no es-capa del deterioro de sus
Caminando diariamente por sus calles y pasillos nos damos cuenta de su grandeza y be-lleza. Ella, que ha sido conce-bida para recibir diariamente a miles de personas y dejar-los ir al finalizar el día, es toda una ciudad. Se encuentra in-mersa en Caracas y cuenta con su propia colectividad, estructuras y un sistema polí-tico autónomo que permite que sus habitantes elijan a sus autoridades. Transitar por estas calles es parte de mi cotidianidad; ya sea como estudiante, como profesor o como trabajador, nos acos-tumbramos a vivir allí. Y cuan-do digo “vivir” lo digo en sen-tido literal; muchos sustituyen esta casa por su propio hogar, pues presta todos los servicios necesarios para esto: un co-medor que ofrece desayuno, almuerzo y cena; un sistema de transporte tanto interno como externo, entre otros.
La Ciudad Universitaria de Caracas no es sólo un patri-monio urbano sino patrimonio cultural de la humanidad. En ella se albergan más de cien
instalaciones así como del abandono por parte de las autoridades, que desde hace mucho tiempo hasta la ac-tualidad no se han encarga-do lo suficiente de preservar a esta pequeña urbe. Quizás es por esto que muchos la ven como un reflejo de nues-tro país.
Personalmente creo que to-dos los amantes de los pa-trimonios urbanos -y público en general- debemos tomar en cuenta las palabras de reconstructores de ciuda-des, como fue Villanueva. Fi-nalmente, acá los dejo con una cita extraída del diario El Nacional en su edición del 3 de Diciembre de 1953 y que muestra la más bella opinión de este arquitecto con res-pecto a su obra: “Ella ha sido diseñada con un límite de capacidad (…) La Ciudad Universitaria, cuando la termi-ne, debe ser conservada sin ninguna alteración. Sus jardi-nes son parte de su belleza y cuando los árboles crezcan más bella será todavía.”
Fin de la crónica
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Patrimonio universitario
Por María Karina De Gouveia
La Revista Cultural Prisma dentro de sus iniciativas para promover el talento nacio-nal y la creación de nuevas expresiones artísticas y cultu-rales, lanzó el concurso ‘Arte de portada’; con el cual se buscó encontrar nuevos ar-tistas y maneras de expresión con calidad nacional. Desde todos los rincones del país nos llegaron propuestas, ya sea desde fotógrafos en Yaracuy o pintores en la Isla de Mar-garita, el talento no encuen-tra las barreras que lo frene y he acá los frutos.
De todas las propuestas que nos llegaron, seleccionamos como ganador del primer lugar a Jonathan Costa, un artista que juntó la fotogra-fía y el diseño para crear una visión única de la ciudad de Caracas. Este joven de ape-nas 23 años de edad nos dejó apreciar, cada uno de los toques en su composición, desde el grueso de los puntos de tinta hasta los grupos de gente entre las edificaciones, marcando así algo único en su punto de vista. Y lo entre-vistamos para ahondar en su definición de que la ciudad es de una forma específica,
Por Osmar Peña
Fotografía: Jonathan Costa
muy antigua, ha cambiado demasiado... pero el smoke la ha vuelto gris, el descuido por parte de las personas y de sus gobernantes.
OP: ¿Es Caracas -para ti- sólo gente y edificios altos? Co-méntanos acerca de esta perspectiva que tomaste en la obra.JC: Sí, para mí eso es Cara-cas, gente y más gente; cada vez está mas superpoblada... ya no caben más edificios, ni casas; por eso en la obra ven todo saturado, los edificios combinados, etc. es a la vez unión y desorden, porque Ca-racas creció tan rápido que ahora estamos unos encima de otros.
OP: ¿Qué artistas forman par-te de tu inspiración?JC: Shin Tanaka, Simone Legno, Yuko Shimizu, Panda Crew
OP: Háblame de tu trayecto-ria como artista.JC: Por ahora estoy recién saliendo y dándome a cono-cer como artista; me gradué hace poco, gané el concur-so de mimobot en mención honorífica y cada día trabajo en mis ideas para plasmarlas en un papel o en la computa-dora, tengo muchos proyec-tos más para el futuro, pero como dicen... poco a poco.
OP: Háblame de las otras pie-zas que aparecen en el es-pecial. ¿Cuándo y cómo las creaste?JC: Esas piezas fueron creadas
una hace meses, y otra hace un año. En cuanto al signifi-cado, trato de dejar siempre algún mensaje en mis obras, tales como sentimientos y crí-ticas hacia el mundo.Mis piezas hablan por sí mis-mas, lo que más me gusta es que cada quien las interpre-ta a su manera, porque son el reflejo de lo que cada uno vive y cada experiencia que tienen las personas ante la vida.
OP: ¿Cómo te parece el arte en Venezuela?JC: Por los momentos su difu-sión es poca y no lo conozco mucho, opino que deberían dar un poco más de apoyo al arte en Venezuela, crear cul-tura de arte. Aquí he conoci-do mucha gente con talento que -desafortunadamente- se van porque tienen mucho más apoyo en el exterior que acá.
OP: ¿Dónde podemos saber más de ti? Puedes colocar tus blogs o páginas web.JC: En este blog pueden ver mis trabajos y ahí está el fa-cebook igual. http://usagi-bot.blogspot.com/
la ciudad para nuestro ga-nador del concurso es de la siguiente manera...
Osmar Peña: Háblame de la pieza, su significado, su estilo, su composiciónJonathan Costa: Esta pie-za está inspirada en el estilo de vida de la gran Caracas, cada espacio es un sub-mun-do de ideas y de diferentes clases sociales, combiné dis-tintos sitios porque siento que, lo que necesitamos en estos momentos es una unión entre las diferentes clases, los tras-fondos que tiene la imagen representan lo que es esta ciudad: caótica y ruidosa.
OP: ¿Por qué eliges la fusión entre fotografía e ilustración para el concurso ‘Arte de portada’?JC: Para darle un aspecto un poco más urbano a la com-posición.
OP: ¿Por qué eliges estos lu-gares de Caracas específica-mente? Y ¿Por qué Caracas?JC: Caracas es el lugar don-de nací y crecí, donde veo desde las cosas buenas y ma-las día a día, lo que observo cotidianamente en mi vida y los cambios tan radicales que posee la misma Caracas cuando te trasladas a dife-rentes municipios, parecen otros países, otro mundo.
OP: ¿Por qué el blanco y ne-gro?JC: El blanco y negro para mí es la representación de lo an-tiguo. Caracas es una ciudad
Residente en: La Trinidad, Caracas
Estudia: Ilustración
La ilustración se llama: Cernunnos
Técnica: acrílico, color y marcador
Inspiración: Esta ilustración fue inspi-rada en el Dios Cenunnos, el carac-terístico macho cornudo relacionado con la fertilidad en la cultura Celta.
En principio fue un concepto que evolucionó muy lejanamente a lo que tenía en mente; experimentan-do con las manchas de colores de acrílicos logre desarrollar el matiz de colores y las mezclas que se reflejan en la obra.
Contacto: [email protected]
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Residente en: San Tomé, Anzoátegui.
Estudia: Educación (UNEFA) e Ingeniería en Sistemas (UNA)
Título de la ilustración: “CORREN GRAVE RIESGO –los que esperan ‘divina’ muerte”–.
Técnica: Pintura sobre drywall (60 x 39 cm)
¿De dónde viene la inspiración para esta obra?: “…Hay pinturas a las que no me gus-ta describir; me gusta dejarlo a la interpre-tación de la gente... la pintura (como todo arte) debería estar para comunicar el men-saje por si misma… “
Contacto: [email protected]
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Inspiración: "La obra fue parte de una serie de ilustraciones co-misionadas que representaban los arcanos mayores del tarot, ésta es la carta de "la estrella" la cual representa el alma hu-mana, quise plasmarlas por medio de la representación de los tres aspectos mentales, el “yo” (la mujer desnuda en un cuerpo carnal); el “ello” (el niño juguetón que obtiene el placer que quiere sin importar las consecuencias); y el “súper-yo” (el cual se eleva a niveles superiores a los dos anteriores pero a la vez rige los planos inferiores de la conciencia).
Contacto: [email protected] y www.aunymoons.net
Residente en: Algún recóndito lugar del conciente colectivo
Estudia: Ilustración
La ilustración se llama: “La Estrella”
Técnica: Acuarela
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La imagen es sin lugar a du-das el símbolo con mayor car-ga en el ser humano, puesto que es a través de ella que se percibe el mundo en todos sus aspectos. Por medio de la visión, los colores y las formas se crea en nosotros una res-puesta particular, al apelar a ese universo conocido que guardamos en nuestro inte-rior, y ella es la base funda-mental del arte urbano.
El mural es una expresión an-tigua que ha ido evolucio-nando, como muchas otras expresiones del arte, con los avances sociales que en la actualidad se han convertido en símbolo de expresión urba-na y reivindicación social. La diversidad de los murales, los diferentes temas que tratan,
son un collage que muestra las ideas a través de una ópti-ca fresca e innovadora.
Caminar por las calles de Ca-racas involucra ser víctima del caos y el desastre propio de las grandes ciudades, en los muros siempre podemos encontrar expresiones artísti-cas, la pintura no es la única que forma parte de los mu-rales que decoran la ciudad, también los hay en cerámica, porcelana y otros materiales. Los estilos varían y aunque el mural histórico es el que pro-tagoniza las obras públicas, la queja social y otras visiones de mundo son las que vemos en los murales de producción independiente.
El nacionalismo y otras expre-siones sociales usan como herramienta de difusión todo tipo de manifestación artísti-ca que pueda acercarse a la población urbana. Las ca-lles de Caracas exhiben di-ferentes momentos de la his-toria venezolana, con cada gobierno se han resaltado unas figuras sobre otras, mos-trándose de esta manera en cada uno de los murales, el collage que muestra la diver-sidad cultural atrae todas las miradas y desafía la visión de todo lo que conocemos.
El mural tiende a una función más allá de la expresión artís-tica, ya sea de enseñanza o de información y la gran ma-
Por Susana González Nexans
yoría de las visiones urbanas se caracterizan por ser que-jas o expresiones sociales. Un grito el que queda represen-tado en las paredes y muros de Caracas cuando un joven con sólo sus stencils y la inten-sión de crear, elige un espa-cio blanco y en él plasma su visión de vida.
Son muchos quienes apoyan a estos muralistas, las crecien-tes tendencias sociales han brindado al arte espacios para que puedan crear. En la parroquia 23 de Enero de concentran una gran canti-dad de murales, en los cua-les el tinte político define las líneas que forman estas re-presentaciones de arte. Otros murales como los de la Uni-versidad Central de Venezue-la, fueron creados con fines estéticos y con otras líneas de estilo, como son los murales cinéticos tan representativos de la ciudad.
El mural de Patricia Van Da-len, en la vía de Santa Rosa de Lima, es una muestra de lo que son capaces de crear los artistas venezolanos en re-presentaciones artísticas. Por otro lado, la obra de Juvenal Raveno, ganador en el año de 2008 del Premio Nacional de Artes Plásticas, ubicado en la Av. Libertador, es un mural cinético que propone cierta estética que crea -en un amplio espacio- la visión de un arte que se fundamen-ta en la simetría y el equilibrio cromático.
La representación mural for-ma parte importante de la es-tética caraqueña y es gracias a ella que la ciudad posee las diferentes visiones que la ca-racterizan como una metró-polis moderna con muestras de arte urbano y actual.
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www.ISSUU.com/Revista PrismaRevistaculturalprisma.blogspost.comRevistaculturalprisma.tumblr.com
“Disney nos ha traído joyas de la animación en películas como Aladdin, La Bella y La Bestia y El Rey León. Tomando historias de escritores como Lewis Carroll o Char-les Perrault, siempre han llevado a la gran pantalla—y a la pequeña—mundos de fantasía y belleza incomparable. Pero estas historias ¿Siempre han sido así?”
Una corte real en un castillo, dos zapatos de hierro ca-lentados al rojo vivo son co-locados frente a una mujer. A ella se le obliga a pararse sobre ellos, lo que le quema los pies, el humo se hace vi-sible. La mujer -aterrorizada y adolorida al extremo- es en-tonces obligada a bailar con las zapatillas ardientes, hasta que muere de agotamiento.
La escena anterior no pro-viene de un manual de tor-turas de la Inquisición, ni de antiguos manuscritos sobre suplicios. Es el final original de Blancanieves y los Siete Ena-nos, como se le conocía en las regiones germánicas del siglo XVIII y como fue reco-pilado por los Hermanos Gri-mm. Al final, la venganza de Blan-canieves y el príncipe, triunfó
Por Javier Letterer
sobre la envidia de la Reina. Sin embargo, la historia ensal-zaba la venganza, además de mostrar un castigo cruel a una persona. Quizás fue pre-cisamente lo que pensó Wal-ter Elías Disney, fundador de la empresa que lleva su nom-bre. La historia de Blancanie-ves en sí era utilizable para realizar una película, pero Dis-ney tenía en cuenta que esta-ba dirigiéndose a un público de adultos y niños por igual. Además, su visión era una en la que podían existir mundos hermosos, llenos de fantasía. No había lugar en su mundo para la tortura ni la venganza. Si había que cambiar algo en Blancanieves para que fuera apta para todo público, pues se cambiaría.
En 1937 se estrenó la película original, que fue recibida con
ovaciones de una multitud de personas, incluyendo estrellas de cine. La historia fue cam-biada en varias cosas, pero la más notable es la Reina mu-riendo a causa de sus propias acciones malvadas: al caer un rayo en el risco donde se encontraba, éste se rompe y ella cae al vacío, y presumi-blemente es aplastada por una roca que instantes atrás intentaba arrojar sobre los enanos. El “castigo divino” a un villano es aceptable, puesto que los héroes no se vilifican: No es Blancanieves quien condena a su madras-tra al igual que Clayton en Tarzán se provoca la muerte cegado por su propia ira.
Así comienza la tradición de Disney de modificar las his-torias originales para darles un tono menos sombrío, fina-les felices y moralejas. Por su puesto, esto les permite tener un público amplio y mayores ganancias. Poniendo de lado la parte económica, que es de más evidente y harto co-nocida, demos un vistazo por algunas producciones que cambiaron entre su concep-ción original y las produccio-nes de Disney:
La Sirenita: En el cuento origi-nal de Hans Christian Ander-sen, la Sirenita termina con-vertida en espuma marina al no poder matar al Príncipe para recuperar su forma ori-ginal. La transformación de
sirena a humana es también extremadamente dolorosa.
La Bella Durmiente: La ver-sión más antigua conocida, de Giambattista Basile, nos cuenta como la princesa se despierta luego de haber sido violada por el príncipe, em-barazarse y dar a luz, cuando uno de los bebés le chupa el dedo, sacándole la aguja envenenada.
El Zorro y el Sabueso: La nove-la de Danniel P. Mannix es tre-mendamente triste, y una de las que más sufrió cambios. Basta decir que originalmen-te Tod (El Zorro) termina, tras años de evasión, trampas, pa-
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rejas y cachorros asesinados, muerto de cansancio esca-pando de Copper (El Sabue-so) en una persecución de dos días. El Amo de Copper entonces, tiempo después, le mata con su escopeta para irse a una casa de retiro.
Aunque Disney modifica las historias para hacerlas más felices—y más comercializa-bles—no se puede negar que siempre lo ha hecho de for-ma elegante, creando ver-daderas obras maestras, que mantienen el espíritu de sus fuentes originales, encantan-do la mente de cada nueva generación.
En una entrevista Jonás Romero García -director y guionista del cortometraje FANtas-mo- dijo estar harto del tema de la objetividad respecto a los medios de comunica-ción. ¿De qué se trata eso de ser objetivo? ¿Cómo lo logramos? ¿Quién nos dice que lo hemos logrado? Pero creo que lo más importante es saber cuál es el verdadero uso de la objetividad ¿Por qué la gente la añora tanto? Romero García nos dice que la gente debe aprender a confiar en el criterio y la perspectiva de quienes les quieren comunicar algo. Esta afirmación adquiere connotaciones particulares en el contexto de nuestra
Por Gabriela Mesones
actualidad: un país llevado como un programa de tele-visión, liderado por un show-man -Chávez- que maneja lo político en lo mediático de forma novedosa y efectiva.
FANtasmo es un corto que nos ofrece una fusión perfecta entre lo subjetivo y lo objetivo en lo mediático: opiniones y criterios particulares que defi-nen lo cotidiano a partir del encuentro de sus perspecti-vas. Porque no hay nada más objetivo que la realidad del día a día.
Realizado en el año 2009 por Jonás Romero García como proyecto de tesis para la es-cuela de Artes de la UCV, FANtasmo recibió mención honorifica. Más tarde se rea-lizaron varios intentos por proyectar la película en la Cinemateca y en el Centro Cultural Chacao, pero am-bos rechazaron el cortome-traje ya que consistía en un trabajo “ambiguo”.
Curioso, sin duda, pues es la parcialidad política en los me-dios lo que suele condenarse. Lo cierto es que los realizado-res lograron sus objetivos con un corto que no nos habla de política e historia, de datos y cifras, de apoyar o criticar; sino de la influencia que tie-ne la política en nuestro día a día, del protagonismo que tiene una persona en la vida de todos, pero que ninguno
verdaderamente conoce: del protagonismo que tiene un fantasma en la cotidiani-dad. Aunque haya tenido ciertos problemas de difusión, ganó el premio a la mejor película venezolana en el festival es-tudiantil Viart 2009 y fue inclui-do, en consecuencia, en la sección Radar de los Encuen-tros de Cine de América Lati-na de Toulouse, dedicada a lo mejor del cortometraje la-tinoamericano. Mejor pelícu-la del Festival de cine de los Altos Mirandinos 2009, selec-ción oficial en el Festival Do-cumenta Madrid 2009 y mejor documental del Festival Do-cumenta Caracas 2009, FAN-tasmo es una muestra intere-sante de nuestra actualidad comunicacional.
Fotografía: Fantasmo Film
Toda esa salsa de tomateguía fugaz hacia el cine
Estoy en el cine. A mi lado está un amigo que me invitó la entrada y que ve religiosa-mente cualquier película de terror que se le atraviese. Le pregunto si alguna vez siente miedo o asco... o algo. Siem-pre calmado, me exige silen-cio. Empieza la función. Pri-mera escena de Eden Lake (James Watkins, 2008). Todo parece tranquilo, pero sé que eso cambiará pronto.
El cine gore o splatter surge del teatro underground pa-risino en 1908. Le théâtre du Grand Guignol (Teatro del títere grande) ofrecía repre-sentaciones de torturas, ase-sinatos y violaciones; escan-dalizando a las sensibilidades más débiles y encantando a los de nervio más afilado. En formato cine, Intolerante (D. W. Griffith, 1916) mostraba decapitaciones y soldados atravesados por bayonetas. El trasfondo oscuro del cine negro y policial refortalecería el cine de terror a finales de los 50 e inicios de los 60 y el gore maduraría en clásicos como Psicosis (Alfred Hitch-cock, 1960) y Jigsaw (Val Guest, 1962). En Italia ya exis-tían documentales sensacio-
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Por Merchigod Gil
Por Merchigod Gil
nalistas tipo mondo, género equivalente al gore. Mondo cane (Gualpiero Jiacopetti, 1962) muestra crudamente las espeluznantes costumbres de varias culturas del mundo y acuña el término.
En 1963 aparece la llama-da primera película gore: Blood Feast de Herschel Gor-don Lewis. La trama es sim-ple como un hachazo. En un pueblo de USA asesinan y mutilan mujeres rubias. Las es-cenas transcurren entre des-tripamientos y chorros de san-gre. Para 1974, con The Texas Chain Saw Massacre de Tobe Hooper, el gore atraería sinnú-mero de fanáticos. En los 80 daría frutos como Friday the 13th (Sean S. Cunningham, 1980) y A Nightmare on Elm Street (Wes Craven, 1984).
A partir de 2004, la saga Saw de James Wan y la dupla Hostel (2006) y Hostel 2 (2007) de Eli Roth darían la cara por USA. No obstante, el gore más interesante es el marginado por las súper producciones hollywoodenses. Su excen-tricidad lo ha hecho mutar en formas de arte alterna, bifurcándose en subgéneros tan diversos e insólitos como el anime gore, exploitation gore, vampire gore e incluso porn gore.
En Asia también encontró refugio. ¿Ejemplos? El clási-co japonés Kwaidan (Masaki Kobayashi, 1964), de Taiwán
Ghost of the mirror (Tsu-shou Sung, 1974) y de India, Vaa-rena (Shyman Ramsay, 1988). El gore encajaría cómoda-mente en Corea y Japón, en la actualidad origen de céle-bres proyectos gore. Recor-demos Ichi the Killer (Takeshi Mike, 2001) basada en un manga, o el thriller Simpa-thy for Mr. Vengeance (Park Chan-Wook, 2002). Sin olvidar las taquilleras niponas Ringu (Hideo Nakata, 1998), Ju-On (Takashi Shimizu, 2003) y la producción hongkonesa The Eye (Danny Pang & Oxide Pang, 2003); cuyos respecti-vos éxitos han resultado en adaptaciones anglosajonas tolerables.
La literatura también ha ger-minado en obras maestras del celuloide. Carrie (Brian De Palma, 1972), Cujo (Lewis Te-ague, 1983) y Pets Sematary (Mary Lambert, 1989) basa-das en las novelas homóni-mas de Stephen King, que de por sí son buena muestra de narrativa gore. La saga sa-domasoquista Hellraiser, que cuenta con ocho entregas desde 1987 hasta 2006, son la repercusión fílmica de la no-vela The Hellbound Heart de Clive Baker, guionista y direc-tor del proyecto entero.
Sus detractores critican la exaltación de violencia grá-fica como único recurso seu-do-artístico. Sin duda el gore adopta una visión poco co-mún. Quizá por eso consigue
su expresión más pura en el circuito independiente. Los films gore que han desperta-do interés considerable, mu-chas veces terminan convir-tiéndose en clásicos de culto serie B. Pero eso no les resta pretensión de crítica social. La violencia se relaciona con emociones y pasiones huma-nas que nos conciernen a todos. Algunos -como espec-tadores- necesitan explorar-se interiormente a punta de adrenalina, como proceso análogo a contemplar pin-turas, escuchar música o leer poesía. Reflejarlo de manera visceral, exterioriza inquie-tudes complejas y las hace arte. Tal vez dentro de esa idea, el gore encuentre su jus-tificación plástica.
Al final, Eden Lake no fue tan buena. El fin de semana ro-mántico de una pareja se ve interrumpido brutalmente por una pandilla de adoles-centes. Las cosas pierden sus proporciones y las primeras gotas de sangre no tardan en aparecer. Mi amigo, defensor acérrimo de la violencia cine-matográfica, se aburrió. Faltó salsa de tomate, ese fue su veredicto.
The Nude Sims Page, donde es posible descargar todos los parches que en el caso más inocente, permiten ver tras la ropa del muñeco con sólo pisar una tecla, pero en otros, es posible bajar a ver-daderos profesores de kama-sutra. Sólo basta buscar “los Sims” en canales de Youtube, y aparecerán los muñequitos cumpliendo deseos. Jugue-mos a la casita moderna…
De hecho, tal ha sido el éxito de The Sims que han salido al mercado videojuegos explíci-ta y específicamente sexuales con una plataforma muy simi-lar: The Mansion Playboy es un videojuego para PlayStation 2, Xbox y PC, en el que el ju-gador se pone en el papel de Hugh Hefner -el fundador de The Playboy Enterprises- para dirigir su imperio. En ‘7 Sins’, por
en las consolas
El sexo vende -de eso no hay duda- y si el público meta son adolescentes para quienes explorar la Internet es igual a chicas de lolas descomuna-les y juegos adictivos, no es extraño que senos, cinturas y caderas, o al menos el reflejo manga de ellas, se desnude y brinque celebrando un nue-vo nivel.
Sin embargo, ¿cuál es la dife-rencia entre sugerir y explici-tar? Si bien en la mayor parte de los juegos el erotismo es un elemento constante (¿quién no se ha deleitado con la be-lleza casi poética de las chi-cas de Final Fantasy?) cuando el juego pasa a ser un medio para generar excitación, las cosas cambian, mucho más si son juegos “todo público” a los que se les puede descar-gar “parches” eróticos.
Por ejemplo, descargando ciertos cracks, el inofensivo juego de la “casita” The Sims, permite experimentar inci-tantes formas de “ñiqui ñiqui” que abarcan las más varia-das posturas e intercambios de parejas. Existe una página,
Por Valentina Moreno
Fotografía: Archivo Web
cena el temblar de los obje-tos y del dualshock no deja a la imaginación.
Cuando los juegos no son di-rigidos a adultos pueden ser sancionados, tal es el caso de ‘Hot Coffee’ de ‘GTA San Andreas’ que permitía “ayu-
dar” a LJ a “avanzar en su re-lación” con sus novias al pul-sar botones que lo llevaban a realizar diferentes posturas y aumentar su nivel de “exci-tación”. Este juego iba a ser eliminado de la versión final, pero RockStar simplemente bloqueó estas escenas de la versión que salió al mercado y poco después fue posible conseguir el parche.
También están aquellos que lo usan como un guiño como en ‘Duke Nukem 3D’, allí el sexo era un método a lo Pa-vlov para premiar al jugador, en los diferentes niveles po-dían verse prostitutas o stri-ppers que destapan sus pe-chos si el jugador les ofrece dinero. De más está decir lo machista que podía resultar un soldado gigante con la bandera de EE.UU. atrás visi-tando burdeles, cines pornos y pagando por ver lolas gi-gantes en close Up.
Pero lo que resulta innegable es que los juegos copian la vida humana, si consideramos que no hay problema con que el niño asesine a mansal-va todo lo que pase frente a su mira, resulta un poco doble moral el indignarse porque ve un par de senos y a su héroe gozando con ellos. El sexo está allí flotando en el aire, lo que no debería permitirse es enseñar a pagar por él como en ‘Duke Nukem’ o a pen-sar que mientras más chicas acumule su barrita de poder súper-macho va a ir crecien-do como en ‘Hot Coffee’. Obviamente tampoco debe-ría ser usado por las grandes empresas para vender más y tener a un pobre chico de catorce años, jugando horas al sexo con muñequitos.
su parte, es posible tomar el rol de un canalla anónimo cuyos objetivos pasan por ser un personaje conocido a nivel económico y sexual en la gran metrópolis de Apple City. También está ‘Singles’ un juego muy similar a los Sims en el que el objetivo es
coquetear (y acostarse) con la mayor cantidad de perso-nas sin ser descubierto.
Otro clásico del área es ‘God of War II’, en la versión para PSP del juego God of War: Chains of Olympus, Kratos (el héroe) se encuentra con dos voluptuosas chicas que lo re-ciben una sobre otra en una especie de granero, aunque la cámara no muestra la es-
simplemente como Jump-man y su objetivo consistía en rescatar a su novia Pauli-ne, cautiva por el gigantesco gorila Donkey Kong, quien arrojaba barriles a Jumpman y éste esquivaba dando brin-cos. Donkey Kong, además de introducir a dos de los per-sonajes más emblemáticos de la cultura tecnológica, constituyó un importantísimo precedente para todos los subsiguientes videojuegos del género de plataformas.
Sin embargo, el primer obstá-culo que debió saltar Mario para consolidarse en la figu-ra que es hoy en día, fue un tema de conceptos legales. Cuando Nintendo quiso co-mercializar Donkey Kong en Estados Unidos entre 1982 y 1983, ya existía un juego de
Mario: Por Merchigod Gil
Casi todos crecimos con Ma-rio. Quien nunca tocó un con-trol de Nintendo, al menos tuvo presente su presencia en el imaginario cultural pop de los últimos veinte años. Pocos saben quién es Shigeru Miya-moto, pero será difícil encon-trar a alguien que no haya oído hablar de Mario y Luigi.
Mario, ese fontanero bigotu-do, de gorra roja y braga azul ha estado saltando obstácu-los, matando koopas y resca-tando a la princesa Peach desde hace casi treinta años. Su primera aparición fue en el videojuego Donkey Kong (1981), diseñado por Shigeru Miyamoto para la casa nipo-na Nintendo en formato Ar-
cade. En esa ocasión, Mario era conocido
Atari cuyo personaje principal llevaba por nombre Jumpman. La directiva de mercadeo de Nintendo optó por rebautizar a Jumpman como Mario, por el alarmante parecido que el personaje guardaba con Ma-rio Segali, el para entonces dueño de las oficinas de Nin-tendo USA.
El éxito del personaje surgió de su carrera en solitario. En 1983, salió al mercado Mario Bros., en el que pudimos ver por prime-ra vez a su hermano Luigi, per-sonaje para ser utilizado por un segundo jugador. Pero el gran éxito llegaría con Super Mario Bros (1985), en el que Mario y Luigi deben recorrer una serie de escenarios del extraño Rei-no Champiñón e ir avanzado para rescatar a la Princesa.
Con el adictivo calipso electró-nico compuesto por Koji Kondo como soundtrack, Mario pron-to se convirtió en la franquicia más exitosa de Nintendo y sa-lieron al mercado las secuelas Super Mario Bros. 2 (1986) y Su-per Mario Bros. 3 (1988).
Mario, a través del tiempo, pa-reciera reinventarse y redes-cubrirse. Sus constantes apari-ciones y reediciones lo hacen más complejo. Con el arribo de nuevas tecnologías, Mario
cruzó la puerta hacia la ter-cera dimensión, nutriéndose con más bits, menos píxeles y mejores efectos especiales. Nuevos colores, nuevo brillo, nueva densidad. Nuevas mi-siones, nuevos poderes, nue-vas responsabilidades. Ha aparecido en por lo menos 200 juegos, y visitado todas las consolas de Nintendo, e incluso de otras compañías. La figura de Mario también ha tenido apariciones en otros medios: tal es el caso de varias series animadas y una película en 1993 para la Hollywood Pictures, con Bob Hopkins como Mario, John Le-guizamo como Luigi y Dennis Hopper como Bowser.
A veces en la pantalla apare-ce un ‘Game Over’ en apa-riencias definitivo. Pero Mario siempre reaparece. Es el gran sobreviviente de estas últimas tres décadas. Su eterno po-der es resucitar. Para el Wii, han aparecido una docena de juegos con el incansable personaje. Algunos de los tí-tulos más recientes son Super Mario Galaxy (2007), Mario Party 8 (2007), Mario & Sonic at The Olympic Winter Games (2009) y Super Mario Galaxy 2 (2010). Sea cual sea el próxi-mo avance en tecnología de
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videojuegos, Mario estará allí. Aunque muchos hayan veni-do y se hayan ido, él por el contrario seguirá aquí, destro-nando a lagartos déspotas. Todo eso y mucho más para salvar a su chica... y, por su-puesto, para entretener a la generación de turno.
Bailarina reconocida interna-cionalmente por su desempe-ño artístico y su dedicación a la enseñanza, Nina Novak se ha esforzado en formar baila-rines que vivan a través del arte, transmitiendo su amor por la danza. Se establece en Venezuela en el año ‘64 y participa en los inicios del Ballet del Teresa Carreño, formando parte de la junta directiva e impartiendo cla-ses a innumerables grandes artistas; crea su propia escue-la denominada “Fundación Ballet Clásico de Cámara”, donde actualmente conti-núa enseñando.
Tamara Mujica: Coméntenos sobre sus inicios en el ballet clásico.
Nina Novak: Las profeso-ras de gimnasia y de baile folklórico notaron que me movía distinto a los otros ni-ños y les dijeron a mis padres que debían meterme en la academia de ballet. Pidieron que me llevaran a la escuela
Por Tamara Mujica
“Hay danzas modernas que tienen muchos efectos visuales, pero se olvidan de la formación clásica. No hay disciplina. No siento nada cuando las veo, no me transmiten emoción y sin emoción, sin sentimiento, no hay arte.” NN
de Teatro Grande en Varso-via, que era la mejor de
Polonia. Allí aceptaban a niños de ocho años y yo tenía seis, por lo que tenía que espe-rar; pero luego con exámenes médi-cos, me aceptaron y desde ese mo-mento hasta hoy,
ha sido mi vida.
TM: ¿Cómo afectó la segunda guerra mun-
dial en su desarrollo profe-sional?
NN: ¡Muchísimo! Estuve cerca de la muerte muchas veces. Mi fe en los milagros y mi ca-rácter me salvaron. La expe-riencia de l ue hacía falta bue-na educación en el campo del ballet clásico, entonces comencé a dedicarme a eso cuando dejé de bailar. Es mi segunda profesión. He tenido la oportunidad de en-
señarle a grandes bailarines y da mucha satisfacción verlos obtener grandes logros.
Fotografía: Tamara Mujica
TM: ¿Cuál ha sido su presen-tación más significativa como bailarina?
NN: Recuerdo una presenta-ción en Chicago. ¡Los aplau-sos!, nunca los voy a olvidar. Una gran bailarina, Alexan-dra Danilova, tenía la rodilla mala y tenía que ejecutar el ballet Coppélia, pero no po-día y ninguna bailarina que-ría aprenderse en cuatro días todos los actos. El director me preguntó si yo podía ser ca-paz; como tenía destrozada mi familia en Polonia, nece-sitaba hacer carrera y decidí hacer su trabajo. Eso me ayu-dó a tener mejor posición y a ganar más dinero dentro de la compañía. Tampoco pue-do olvidar cuando volví a Po-lonia y mi familia y mi madre estaban en primera fila. Bailé Giselle y El Lago de los cisnes. Me fui como una niña des-trozada y regresé como una bailarina formada.
TM: Coméntenos sobre su pa-sión por la enseñanza.
NN: Primero mi pasión por mi profesión como bailarina vie-ne por la enseñanza. Siempre me ha interesado corregir y enseñar a los demás y cuan-do llegué a Venezuela me di cuenta que hacía falta bue-na educación en el campo del ballet clásico, entonces comencé a dedicarme a eso cuando dejé de bailar. Es mi segunda profesión. He tenido la oportunidad de enseñarle a grandes bailarines y da mu-cha satisfacción verlos obte-ner grandes logros.
TM: ¿Cuál es la posición ac-tual del ballet clásico en Ve-nezuela?
NN: No como me gustaría. El ballet clásico requiere esfuer-zo y disciplina, y el ballet mo-derno no es tan aplicado. Se olvidan que sin ballet clásico no hay nivel. Hay danzas mo-dernas que tienen muchos efectos visuales, pero se olvi-dan de la formación clásica. No hay disciplina. No sien-to nada cuando las veo, no me transmiten emoción y sin emoción, sin sentimiento, no hay arte. En mi opinión, si no tienes bien lograda la educa-ción clásica no puedes mos-trar bien los otros géneros de la danza.
Nina Novak se ha dedicado a vivir por y para el arte, for-mando así una relación sim-biótica en la que una sin la otra no funciona, no existe. Esto logra percibirse en su li-bro Nina Novak. El ballet, mi vida, mi pasión, el cual fue escrito en colaboración con la chilena Luisa Himiob, quien muy bien aclara en la intro-ducción “El tema central de-bía ser el ballet y lo demás era tangencial en la historia”, más que el relato de su vida y el ballet, nos presenta la vida del ballet en ella.
El flamenco es un arte lle-no de pasión y con mucha disciplina, pero muchos afir-man que este baile nace desde el corazón. Es una danza que necesita de la coordinación de movimien-tos estructurados: los pies, las piernas, las caderas, el talle o cintura, los brazos, las manos, los dedos, los hombros, la cabeza, la mi-rada… todo debe estar en perfecta armonía.
De sus orígenes no hay nada en concreto. Refe-rencias históricas apuntan a la transmisión oral de un arte muy antiguo con cuna en Andalucía, España en la rivera de Guadalquivir.
De España a Venezuela…Hace cuarenta años, los
padres de la profesora Aida Blanco arribaron a Venezue-la con el Ballet Nacional Es-pañol y desde entonces su madre decidió que no había mejor lugar para formar una familia. Fue así como direc-tamente desde Andalucía, tierra donde nació el Flamen-co, crearon la Escuela Cruz del Sacromonte, dispuesta a rescatar lo más puro de este arte sobre los pilares funda-mentales de la disciplina, la familia, el trabajo en equipo y la constancia.
Bailaora andaluza en tierras venezolanas…Desde los tres años de edad, Aida Blanco ha dedicado su vida a la Cultura Flamenca, y con más de veintiséis años en el medio, nos enseña un poco más sobre este arte:
Mariana Fernández: ¿Se pue-de definir el flamenco en una palabra, en una frase?Aida Blanco: Claro que es posible, el flamenco es una forma de vivir; sólo se le co-noce en el mundo por su ma-nifestación artística, pero en realidad es un estilo de vida completo.
MF: ¿Cuáles son los elemen-tos claves del flamenco?AB: En orden de aparición el cante, la guitarra y el baile; luego se le han incorporado otros instrumentos como el cajón, que es realmente au-tóctono de Perú y que fue traído al flamenco por el gui-tarrista Paco de Lucia.
MF: ¿Cómo ha sido su evolu-ción del Flamenco?AB: Lo separo en tres etapas:
“Si es flamenco es en vivo, solo en vivo es Flamenco” Por Mariana Fernández
Fotografía: Daniel Tovar
el ORIGEN donde se pasa-ba de generación en gene-ración sin ninguna intención artística; la EXPANSIÓN que es cuando se globaliza y por ende populariza, dando paso a las instituciones para formar bailaores; y la etapa de las MEZCLAS, lo que denominan nuevo flamenco, que es lo que se vive hoy, en donde el sentido del flamenco es en parte sustituido por el de las danzas contemporáneas.
MF: ¿Cuáles elementos de nuestra cultura crees que han influenciado tu baile flamen-co?AB: La ortodoxia deja poco espacio para incluir elemen-tos de la región donde este-mos. Creo que si he recibido algunas influencias, se han visto reflejadas en los méto-dos para enseñar más que en el baile en sí.
MF: ¿Cómo surgió la idea de la Escuela Cruz del Sacro-monte?AB: Luego de 30 años de vida artística mis padres decidie-ron emprender la dura labor de formar bailaoras que sólo vieran el flamenco como un complemento de su vida -una elección por así decirlo- no como un trabajo.
MF: ¿Cuál es el objetivo fun-damental de tu carrera?AB: Mi objetivo está claro: for-mar en baile y cultura flamen-
ca a quienes vienen, rega-lándoles un poco de lo que sabemos hacer para vivir.
MF: “Si es flamenco es en vivo, sólo en vivo es Flamen-co”. Háblanos un poquito so-bre este lema de la escuela.AB: Nuestras clases diarias, nuestros espectáculos y la for-mación de las alumnas se ba-san en la métrica, para poder bailar acá no te encuentras ni pistas, ni coreografías; acá se baila en vivo como nació el flamenco hace casi un mi-lenio.
MF: ¿Cómo ves el flamenco en Venezuela?AB: Muy colorido y con mu-cho énfasis en las puestas en escena, se bota la casa por la ventana en los espectácu-los, eso no se niega, pero la meca del flamenco siempre será Andalucía.
¿Cuál es tu baile favorito?La Solea sin lugar a dudas.
¿Qué recomiendas para em-pezar a bailar?Tiempo disponible y muchas ganas, lo demás se estudia.
¿Qué es lo más fácil y lo más difícil de bailar flamenco? He visto que lo más difícil es medir y francamente fácil no he descubierto nada aún.
En pocas palabras… Alma y técnica
La sátira en las tablas
Curvas, miradas, rostros angeli-cales desvistiendo sus cuerpos al son de la música, poca ropa con aire de viejos tiempos, afán por rememorar siglos pasados. Quizás esto es lo que llega a la mente de muchas personas al escuchar el término Burlesque, pero si nos vamos a los cimien-tos de este género teatral, po-demos encontrar que nació como una forma de entrete-ner al público adulto usando la comedia y la burla de doble sentido, factores que con el pasar de los años comenzaron a desaparecer.
Los primeros espectáculos bur-lesques se remontan a finales del siglo XIX en Gran Bretaña y Estados Unidos, con puestas escénicas de números musica-les, parodias y sketches con un trasfondo erótico; chicas con atuendos sexys para la época o con poca ropa; y donde se podían tratar temas tabú con un matiz jocoso. En el conti-nente americano se le dio el nombre de “by making fun of (riéndose de)” o “burlesquin”, donde se hacían burlas a ópe-
ras conocidas, dra-mas shakesperianos
o al comportamiento de las clases altas, usando la come-dia y la música para desafiar las reglas establecidas de la época. En Broadway comen-zaron a nacer espectáculos de este tipo con actores co-nocidos, llegando a conver-tirse en grandes éxitos de ta-quilla.
Para la década de 1860 el burlesque se encontraba en su gloria en los Estados Unidos. En 1868 llega a tierra america-na la obra teatral “Ixion” de Lydia Thompson, una parodia mitológica que mostraba a mujeres con ropa sexy y me-dias pantys desempeñando papeles masculinos, creando un gran revuelo entre la so-ciedad americana y un gran descontento entre los con-servadores. A pesar de esto, “Ixion” se convirtió en uno de los grandes favoritos de ese año, agotando la boletería en muchas funciones.
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Por Carlos Rodriguez
una gran producción musical con bella lencería, plumas y lentejuelas, donde el baile y los sensuales movimientos son las armas principales de las modernas vedettes. Una de las mayores representantes de este género hoy en día es la modelo y actriz estadouni-dense Dita Von Teese, cono-cida mundialmente por sus espectáculos de burlesque en los cabarets y los teatros más reconocidos del mundo debido a su estética de chi-ca pin up de los años 50.
El burlesque ha pasado de llevar risas y humor picante a hipnotizar a la audiencia con un sensual y erótico baile, probando que las tablas del teatro son capaces de resistir cualquier carcajada o sen-sual movimiento sin despren-derse del atractivo teatral en que nos han envuelto.
Esta racha de buena suerte se extendió hasta principios del si-glo XX, pero a mediados de la segunda década, el burlesque pierde popularidad, las pro-ducciones en Broadway cesan y muchos de los teatros insig-nes de este género cierran sus puertas. En ese momento estos espectáculos se trasladaron a lugares más pequeños y clan-destinos, en muchos de los ca-sos a cabarets donde continua-ban con los actos musicales, dándole protagonismo a la sen-sualidad. Así comienza a surgir una nueva forma de burlesque, en la que el cuerpo de la mujer, el erotismo y los desnudos son los protagonistas, dejando atrás la sátira y la comedia que ca-racterizaron a este género.
Con la nueva forma comienza a aparecer la llamada Vedette –estrella en francés-, que es la artista principal del espectácu-lo musical. Esta "estrella" puede cantar, actuar y principalmente bailar de forma sensual, mos-trando su cuerpo sin llegar a resultar pornográfico. Muchas vedettes llegaron a ser artistas reconocidas y muy respetadas, sobre todo en Europa y espe-cialmente en Francia, donde un buen número de los espec-táculos de cabaret alcanzó el éxito y el reconocimiento del público.
De esta manera nace lo que hoy conocemos como burlesque,
Por Daniel Muro
Comienza la función. La escenografía causa impacto de inmediato, recreando muy bien el espacio que intenta representar. Entran los actores a escena, atrapando la atención desde el primer instante. La calidad interpretativa con la que desenvuelven sus personajes nos sitúa en el centro del mismo juicio, rodeados de la acción y los prejuicios propios de la época. Lord Alfred Douglas sentado a la izquierda junto al Dr. Clarke. El Marqués de Quennsberry a la derecha junto al Dr. Carson. Los cuatro integrantes del jurado delante, fuera del escenario, dominando la acción desde su posición adelantada. Wilde, al centro, brillante e impertérrito, exponente permanente del esteticismo y desbordante de poesía en cada palabra que pro-nuncia.
Ir a ver “Actos Indecentes” es toda una experiencia. Producciones Palo de Agua reúne a Javier Vidal, Juan Carlos Alarcón, Karl Hoffmann, Rolando Padilla, Fernando Ivosky, Ebén Re-nan, Elvis Chaveinte, Christian McGaffney y Delbis Cardona, en la puesta escénica del texto original de Moisés Kaufman quien, conjuntamente con Michel Hausman, es quien asume la importante responsabilidad de dirigir el montaje. El resultado es claro y predecible: dos horas
y media de viaje sublime y delirante a través de los tres juicios que atravesó Wilde por amar en un tiempo equivocado a su adorado Bosie, bajo la mirada inquisidora y reprobadora del Marqués, padre del muchacho.
La obra, con una innegable calidad escénica que no deja espacio a las críticas ne-gativas, ha sido un fenómeno teatral en la escena nacio-nal de los últimos años. Lle-no total en cada una de las cinco funciones semanales, provocando una extensión de temporada durante cin-co semanas para un total de diecisiete, lo que representa ni más ni menos que ochenta y cinco funciones sin butacas vacías en apenas cuatro me-ses. Y es que la vida de Oscar Wilde es lo suficientemente apasionante para arropar a cualquiera que se permita disfrutar el espectáculo.
Este es, de hecho, uno de esos montajes que deberían disfrutarse al menos tres ve-ces: la primera para apreciar el conjunto, la pulcritud de la dramaturgia, las maravillosas actuaciones, la impecabili-dad escénica. La segunda para detenerse en los deta-lles, adentrarse en recovecos y permitirse un análisis más profundo de las reflexiones. Y finalmente la tercera, para sucumbir ante el placer or-gásmico contenido en cada frase de Wilde, precisar los ademanes, las inflexiones vo-cales, las posturas corporales propias de cada momento, descubriendo la profundidad que encierra aquella frase que reza “a veces podemos pasarnos años sin vivir en ab-soluto, y de pronto toda nues-
tra vida se concentra en un solo instante”, el instante en que estamos frente a la es-cena viendo a Wilde ser con-denado simplemente por ser quien es y no avergonzarse de aceptarlo.
No en vano Wilde se ha con-vertido, gracias a su inflexi-ble voluntad de afrontar con coraje los cargos en su con-tra en lugar de huir y emigrar como un cobarde, en un íco-no en la historia cultural de la homosexualidad. Pero su legado va mucho más allá de las preferencias sexua-les. Su discurso nos impulsa a defender el derecho a ser y hacer lo que sentimos correc-to, más allá de la “moralidad social” que constantemente nos condiciona. Y es que, tal como afirma el mismo Wilde, “es absurdo dividir a la gen-te en buena y mala. La gen-te es tan sólo encantadora o aburrida “. Sin embargo, “la sociedad perdona a veces al criminal, pero no perdona nunca al soñador“. Y eso, más que tácito, es completamen-te palpable en cada minuto del espectáculo.
“Actos indecentes”, hasta el 14 de noviembre en el Teatro Escena 8 de Las Mercedes. Definitivamente, no ir a verla sería un acto de Suma Inde-cencia.
Fotografía:Valentina Moreno
Pocas veces se encuentra uno con una puesta en es-cena tan vívida y personal como la presentada por el Teatro de La Zurda, nacido en el año 2008 y compuesta por un elenco que combina la experiencia y la frescura. La Zurda no es un grupo de teatro común: radicado en los Altos Mirandinos, presenta una propuesta que combina lo nativo, lo extranjero, lo clá-sico y lo vanguardista. Bajo la dirección de Edgar Mejías, el elenco compuesto por Maury Istillarte, Sylvia Peñaloza, Addi-son López, Patricia Chacín, Jenny Landaeta, Jhonatan Sansano, Nataly López, Ma-riela Arnal, Niafiola Cartaya y Pietro Granieri, le dan vida al escenario con sus actua-ciones que -llenas de fuerza e intensidad- no abandonan la gracia y la elegancia.
Desde el principio es posible darse cuenta del esfuerzo y la dedicación que cada uno de sus integrantes le imprime a su trabajo. Cada escena es repasada una y mil veces; cada línea, palabra, gesto y mirada son repetidos casi hasta la locura, buscando
Por Javier Letterer
Por Javier Letterer
un refinamiento que -aun-que parece inalcanzable- es conseguido con práctica y paciencia. Sin embargo, no escapan a los habituales con-tratiempos: horas nocturnas, cambios de planes inespera-dos, modificaciones menores y mayores de rutinas, líneas y pasos, dificultades y tragedias personales, todas superadas para ensayar fielmente cada martes y jueves, tras lo cual el grupo termina exhausto, pero listos a seguir la próxima vez.
Y es que, aunque lo parezca, el ímpetu y la energía que el director le imprime a la pues-ta son considerables. Cada actor es llevado hasta sus lí-mites y luego un poco más allá. Ser miembro de este grupo es, sin duda, un acto de esmero. Los gastos de vestuario, ma-quillaje, transporte, ele-mentos de escena, pu-blicidad y presentación corren por parte del gru-po. Sólo ellos, sin la ayu-da de alguna entidad mayor, llevan a escena cada montaje. El día del estreno, todos tienen los nervios de punta. Los preparativos comienzan temprano, revisando las luces, el sonido, la com-posición del escenario. Algunos dan vueltas re-memorando sus líneas, evocando monjes budis-
tas repitiendo mantras. Otros corren de aquí para allá, bus-cando cosas, trayendo otras. Cuando se acerca la hora comienza el ritual del maqui-llaje. Se colocan sus respec-tivos vestuarios. Pero al co-menzar la función es posible comprobar que, ciertamen-te, la paciencia y el esfuerzo rinden sus frutos.
Concluye cada función y los aplausos inundan la peque-ña sala durante algunos mi-nutos, dejando la impresión de haber presenciado algo más grande que lo que cabe sobre el tablado. La impre-sión de, tras olvidarse de la
existencia propia, haber visto otro mundo durante algo más de una hora, y convencerse de que las palabras realmen-te pueden tejer el destino.
Fotografía: Javier Letterer
En esta ocasión la Revista Cultural Prisma entrevista a Henry Álvarez, estudiante de 23 años de la carrera ‘Diseño Gráfico’ en el Colegio Univer-sitario Monseñor de Talavera y joven talento del dibujo y la ilustración, focalizado princi-palmente en la creación de cómics.
Daniel Muro: ¿Cómo fueron tus inicios como dibujante?Henry Álvarez: Comencé a dibujar desde pequeño por mi hermana. Ella me ponía a hacer círculos, luego les ha-cía ojos, nariz, boca y cabe-llo. Después agarraba cual-quier imagen y la reproducía. Desde el principio inventaba cosas, hasta que empecé en la onda de los cómics y les agarré cariño. Los com-praba, veía la historia, cómo va hecha una viñeta, el esti-lo de dibujo que me gusta o que me gustaría hacer. Con el paso del tiempo fui imagi-nándome historias distintas, que aún no se han contado. El primero de los cómics que todavía conservo lo hice a los diecisiete años. Cuando lo veo me doy cuenta cómo voy evolucionando.
Entrevista a Henry Álvarez
DM: ¿En tu proceso de crear un cómic primero va el dibujo, los personajes o las historias?HA: Lo he hecho de varias ma-neras. Puedo empezar a escri-bir una historia y después creo personajes, como también partir de un boceto de algún personaje o imagen y comen-zar a crear toda una historia. DM: ¿En qué te inspiras?HA: En el día a día. Hay dife-rentes puntos de donde partir, por ejemplo algún género mu-sical o de cine. Me encanta el suspenso, la ciencia ficción, los temas futuristas, apocalíp-ticos, sobrenaturales; esas son referencias para mí, tocadas desde un punto original sin ser más de lo mismo. Hay artistas que me gustan y que seguirán siendo referencia o parte de mi inspiración.
DM: ¿Cuántos cómics has creado?HA: Tengo 4 cómics, 1 carica-tura y 1 manga. La diferencia entre ellos está en el estilo de dibujos. También tengo uno que es una historia de vampi-ros, y es en el que más quiero trabajar ahorita.
Por Daniel Muro
DM: Observando un poco tu blog/portafolio de cómics (http://hpcomics.blogspot.com) he notado que en tus historias siempre hay ma-gia, poderes sobrenaturales, mundos paralelos, criaturas desconocidas… ¿A qué se debe?HA: Es lo que me gusta: la magia, fenómenos sobrena-turales, la evolución del ser humano llevada a un término fantástico en este presente pero que en cualquier mo-mento se podría dar, el de-sarrollo de la mente. Necesa-riamente tienes que saber de todo un poquito, investigar, porque el tema que estés de-sarrollando no puede partir totalmente de la fantasía, tie-nes que tener un poco de co-nocimiento. Con lo sobrena-tural se puede jugar mucho, hacer prácticamente lo que quieras. Me encanta el tema extraterrestre, ese es un pilar del cómic que también estoy haciendo ahora.
DM: ¿Algún rasgo caracterís-tico en tus cómics, una firma personal dentro de la historia o los dibujos?HA: La boca de las mujeres es muy particular, sus labios no son iguales a los que siempre ves, superior delgado e infe-rior voluptuoso, sino al revés. Además en mis historias siem-pre debe haber algo de tra-gedia: un por qué, un sacrifi-cio, un destino.
DM: ¿Qué artistas te inspiran?HA: Todd McFarlane, creador de Spawn, porque sus histo-rias son únicas. Greg Capullo y Michael Turner por su estilo de dibujos. Chris Bachalo, de Marvel Comics, porque sus di-bujos evolucionan a lo largo de una misma historia. Soy fa-nático de Humberto Ramos, tiene un estilo único y origi-nal... me gustaría seguirle los pasos y partir de su estilo de dibujo para perfeccionar el mío. DM: ¿Cómo ves el cómic en Venezuela?HA: Lamentablemente aquí no consigues fondos o apoyo para publicar. No hay un gru-po que se dedique a esto. Se puede hacer algo muy bue-no, pero la lógica te lleva a apoyar un tinte político para lograrlo. Casi todas las tiras cómicas que existen son traí-das de fuera, y las pocas ca-ricaturas en los periódicos son políticas o sociales. DM: ¿Has pensado hacer al-gún cómic que -sin tocar te-mas políticos- tenga impacto social y logre algo más que entretener?HA: Eso se ve mucho en los cómics: un mensaje sublimi-nal, un trasfondo, algo que además de hacerte reír o llo-rar te ponga a pensar. Con los ojos cerrados haría con-ciencia ecológica, ahorro energético, conservación del medio, algo que te muestre un futuro apocalíptico que -si no nos ponemos las pilas- puede suceder.
Ilustración: Henry Álvarez.
aspecto que pudo imaginar: “Algo entre Elvis Presley y lo que llevaría un proxeneta” (sic).
Otro ejemplo puede ser ‘The Falcon’, un superhéroe afro-americano, quien combatía el crimen tras una máscara...Pero que ocultaba un pasa-do oscuro como proxeneta. Y por supuesto, si no es africa-no ni afroamericano, ha de ser caribeño. ¿Quizás Haití? Pues conocemos a ‘Brother Voodoo’, quien combate el crimen con poderes de ma-gia negra.
En Marvel, algún escritor pa-reció notar que no había un héroe Irlandés. Decidieron crear a ‘Shamrock’ (Trébol de tres hojas), una heroína cuyo superpoder era la bue-na suerte. Por supuesto, su
en elPor Javier Letterer
En el cómic y el manga, pode-mos encontrar por lo general superhéroes, brujas, castillos, viajes espaciales, batallas a muerte y un sinfín de situa-ciones, a la par de diversas y extrañas. También pode-mos encontrar otros mundos -diferentes al nuestro- o rea-lidades alternativas al univer-so que conocemos. Y por su-puesto, una infinita variedad de personajes, de todos los planetas, épocas, planos de existencia, razas y países.
Por supuesto que no es un trabajo fácil darle a cada caracter su propia personali-dad. Como dice Winston “El Lobo” Wolf en Pulp Fiction: “Que seas un personaje no significa que tengas perso-nalidad”. Pero de eso no ha-blaremos acá. Lo que nos in-teresa en ésta entrega es la curiosa situación en la que encontramos a algunos su-jetos, cuyas nacionalidades están definidas por la historia o el diálogo, pero que al pa-recer los creadores quisieron darle ése toque extra que nos permita saber realmente bien de dónde provienen.
Sin entrar mucho en de-talle sobre las personas de razas africanas o des-cendientes, puesto que
con una ojeada rápida pue-de uno darse cuenta que la descripción artística no suele ser políticamente correcta y puede rayar en lo racista—o incluso serlo de plano—vea-mos algunos ejemplos de cómo los dibujantes y escrito-res han sido, a veces, un poco demasiado explícitos.
Podemos encontrar un ejem-plo extravagante sobre las personas de raza africana en ‘Tyroc’, un superhéroe que fue creado por DC Cómics para representar a dicha et-nia, faltante en todas las edi-ciones de la casa. Pero el lí-der de DC para el momento era Murray Boltinoff, quien en más de una ocasión demos-tró un racismo terrible. Tyroc era africano, ex-esclavo y segregacionista racial. El di-bujante confesó que odiaba tanto al personaje que le dibujó con el peor
identidad secreta era Molly Fitzgerald, un nombre asom-brosamente irlandés, y para que no quede ninguna duda, su poder provenía de bans-hees. Y por supuesto, es peli-rroja.
Un poco más al Sureste se en-cuentra Alemania, y es de es-perar que los artistas tuvieran una idea negativa sobre los alemanes durante el perío-do de 1939 a 1945. Es en esta época que nace ‘Capitán America’, quien es, eviden-temente norteamericano, no quedan dudas. ¿Su enemi-go? Un ex-terrorista nazi que trabajaba directamente para Hitler, Red Skull.
Una vez terminada la segun-da guerra mundial, ya los alemanes no representaban un peligro, por lo que el este-reotipo del nazismo debería estar en el pasado. Así que nace el superhéroe alemán que puede controlar el rayo, llamado… Blitzkrieg (Guerra relámpago).
Casos más interesantes son los hermanos Sun, Chang, Ho, Lin, y Han Tao-Yu, quienes vie-nen desde China a combatir el mal en la forma de Collec-tive Man. Está de más men-cionar que China es un país comunista ¿o no? Y Collec-tive Man se hace más fuerte si canaliza la fuerza de todos los habitantes de China.
Para cerrar, se puede decir que en Japón las cosas son muy diferentes, pero no por
ello los creadores de manga están exentos de estereoti-pos. En un manga en el que se confrontan líderes del mundo en un torneo de ‘Mahjong’, Alemania es representada por nada más y nada menos que Hitler.
El cómic como medio de en-tretenimiento, como arte y como forma de llevar historias de una manera única y espe-cial, se caracteriza por la exa-geración de las situaciones y los rasgos de las cosas. Sobra decir se exagera, a veces, más de lo necesario, pero es divertido de todos modos.
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