de còmics: historia de una concepción

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de còmics 1r premio nacional de cómic betty blues enciclopedia universal clismón nunca me has gustado death note el cuervo s. houdini. el rey de las esposas hugo pratt: la mano de dios por qué he matado a pierre planetary spaghetti bros. rigoberto picaporte y compañía el gabinete del doctor salgari novedades recomendadas .

cómic tecla

artículo JAUME VILARRUBÍ Y DAVID CUADRADOGracias a Núria Pi, Toni Feliu y Miriam Huguet del Servei de

Biblioteques de la Diputació de Barcelona por su colaboración

de còmics: historia de una concepciónPublicada en mayo del año 2007, esta bibliografía selectiva incluye, obviamente, en tanto que es bibliografía y selectiva, una selección de unos 350 cómics y libros sobre cómics editados en España y disponibles en el mercado a fecha de enero de 2007, cuando se cerró una selección que ha seguido unos criterios determinados, detallados más adelante. También podemos decir que se trata de un libro de portada mayoritariamente roja, que pesa unos 311 gramos, que huele a papel satinado con toques de cola y cuyo tamaño es algo mayor que el de un azulejo de pared convencional. También existe una versión electrónica en PDF, descargable libremente desde aquí: de còmics El grueso de la obra está formado por las selecciones de cómics adultos e infantiles divididas geográficamente. Además, se incluyen dos apartados: Teoría y historia de los cómics y Recursos digitales y, como mandan los cánones, unos útiles índices de autores y títulos al final de la obra. Cada obra listada en la bibliografía viene acompañada de un comentario que cumple diversas funciones que pueden variar según la necesidad de la obra: describir el argumento, situar la importancia de la obra en el medio, nombrar otras obras interesantes del mismo autor o temática, nombrar premios recibidos, describir las características de edición para facilitar una adquisición coherente (especialmente en el caso de historias en diversos volúmenes que se continúan de uno a otro, por ejemplo), etc. El hecho de plantearse hacer una bibliografía selectiva no es algo excepcional ni un hecho aislado ni un plan genial concebido después de horas de deliberación. Es más bien la culminación de un impulso, inherente en todo bibliotecario aficionado al cómic, nacido de la absoluta falta de fuentes de información sobre este medio que nos apasiona. Cabe decir que gracias a Internet se ha logrado paliar en algo esta falta de información a través de los esfuerzos de otros aficionados que han creado una envidiable y saludable red de blogs informativos que, no obstante, no tienen la fiabilidad de otras fuentes como podrían ser las revistas.

1BIBLIOTECA CENTRAL TECLA SALA CÓMIC TECLA 23 (JUNIO / SEPTIEMBRE 07)

http://www20.gencat.cat/docs/CulturaDepartament/DGCC/Documents/Arxiu/SIS/bibliografia tematica - comics.pdf

http://www20.gencat.cat/docs/CulturaDepartament/DGCC/Documents/Arxiu/SIS/bibliografia%20tematica%20-%20comics.pdf

JAUME VILARRUBÍ Y DAVID CUADRADO

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Así, llegados a este punto, había dos cosas claras: 1. En la gran mayoría de bibliotecas con un buen fondo de cómic (o especializadas en él) suele haber una persona aficionada (y por tanto conocedora en mayor o menor medida del medio) responsable de éste, ya sea bibliotecario, auxiliar, conserje o incluso director. 2. La dificultad de desarrollar un fondo de cómic para personas desconocedoras de este medio, aunque esa sea su voluntad. De ahí que para nosotros realizar esta bibliografía se convirtiese en una tarea primordial prácticamente desde la misma creación del grupo, capitalizando así nuestros esfuerzos de los últimos años. La utilidad de esta herramienta se nos antoja muy amplia: para la biblioteca que invierte regularmente parte de su presupuesto en cómics, para aquella que igual no se ha atrevido nunca a comprarlos por desconocimiento, o incluso para la que ni se había planteado nunca comprarlos y se decide al tener esta bibliografía en sus manos… Así que: una vez superados los años en los que el cómic era visto como un arte menor e infantil, las bibliotecas ya no tienen excusa para no tener en sus estanterías una colección de cómics mínimamente decente, ya sea a través de esta bibliografía o bien a través de otras fuentes, ya que tampoco pretendemos establecer un canon. Sabemos que nuestra selección, como todas, es imperfecta y muy discutible pero estamos seguros de que es una colección básica de cómics suficientemente coherente y equilibrada. EL ORIGEN El primer antecedente de nuestra bibliografía cabe buscarlo en el primer número de este mismo boletín, donde David Cuadrado afirmaba con osadía:

A la vista está que la bibliografía anunciada nunca llegó a realizarse como tal, aunque parte del trabajo desarrollado fue luego embrión de lo que sería luego a su vez embrión de esta concepción bibliográfica de la que hablamos. Así, una de las primeras decisiones del recién nacido Grupo de Cómic del COBDC (Grupcòmic) fue asumir el reto de la bibliografía de cómic como primera gran tarea de equipo. Así, después de una serie de reuniones, cafés, llamadas de teléfono y cruces de correos se llegó a elaborar el precedente directo de la obra que nos ocupa, un trabajo que se llegó a presentar públicamente en un encuentro entre editores y bibliotecarios moderado por nuestro amigo y colaborador Antoni Guiral en el Saló Internacional del Cómic de Barcelona del 2004.

Encuentro entre editores y bibliotecarios del Saló Internacional del Còmic de Barcelona

BIBLIOTECA CENTRAL TECLA SALA CÓMIC TECLA 23 (JUNIO / SEPTIEMBRE 07) 2


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Aquella versión primeriza de la bibliografía que coordinaron Hèctor Calvet, Jaume Villarrubí y David Cuadrado abarcaba tan solo los autores españoles y latinoamericanos y, coincidencias de la vida, utilizaba los colores rojo y negro, al igual que la versión definitiva ahora editada por la Generalitat de Catalunya. La intención era ir publicando, en línea y en formato PDF, mediante diferentes entregas, todo el espectro geográfico del mercado (autores europeos, autores ingleses y norteamericanos, autores japoneses...) , realizando, posteriormente, actualizaciones anuales. Finalmente, debido a la falta del tiempo necesario para emprender semejante tarea, lo único que se actualizó fue el diseño, quedando el resto del proyecto en el limbo, hasta que el Servei de Cooperació Bibliotecària de la Generalitat de Catalunya nos hizo a través de Jordi Llobet una propuesta de colaboración que se ha materializado en De còmics: bibliografia selectiva.

Hay que recordar también que la Generalitat había realizado hace algunos años una bibliografía sobre cómics que resultaba ya bastante desfasada debido a la especial idiosincrasia del medio: tiradas muy limitadas, escasez de reediciones de obras clásicas, irrupción de nuevas editoriales, cambios en los derechos de edición de las grandes editoras norteamericanas, etc. Generalitat pretendía la creación de una nueva bibliografía con más medios y recursos, con comentarios en todas las obras listadas, y todo ello en un libro de diseño atractivo y moderno. La propuesta era irrechazable ya que nos liberaba de las tareas de edición, nos daba mayor difusión y cobertura y nos ofrecía la posibilidad de contar con el asesoramiento de un librero y de un experto, tarea para la cual escogimos a Jose A. Serrano y Antoni Guiral. EL CRITERIO DE SELECCIÓN Antes de comenzar a realizar la bibliografía en si, teníamos que dejar bien claro el criterio que íbamos a seguir, para ser, ante todo, coherentes. Para ello establecimos una serie de premisas básicas a seguir: -La finalidad de la selección es crear un fondo equilibrado e interesante para una sección de cómic de una biblioteca pública con el objetivo de servir de herramienta a los profesionales de las bibliotecas en las tareas de selección de fondo de cómic. -Quedan excluídas, por razones obvias, todas las obras no disponibles en el mercado, así como aquellas que debido a su formato no son adecuadas para una biblioteca, como las ediciones en grapa. -Debido a la gran variedad de usuarios potenciales y sus gustos y necesidades particulares, esta selección ha de incluir las diferentes corrientes estilísticas del medio, así como las diferentes épocas, incluyendo desde clásicos hasta últimas novedades. -Sólo los autores que consideremos claves tendrán recogidas más de una obra en la selección. Aprovecharemos los comentarios para recomendar otras obras del mismo autor, ya tenga una o más obras incluidas, cuando así lo consideremos. Obviamente, siempre nos basamos en unos criterios de calidad (que son siempre subjetivos en mayor o menor medida) al proponer las obras a formar parte de esta bibliografía.

Primera versión de la bibliografía (autores españoles y latinoamericanos), presentada en el Saló del 2004 y que no llegó a colgarse en la red.



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LA REALIZACIÓN El proceso de realización fue simple pero muy costoso. Tuvimos que hacer listas, discutirlas y volver a rehacerlas una y otra vez. El primer escollo era ponerse de acuerdo en los títulos, ya que si bien en algunos no había discusión posible (Paracuellos, Spirit, Píldoras azules...), en otros no llegábamos a un acuerdo unánime. Al final, tras arduas batallas en defensa o en contra de aquel título que uno encontraba imprescindible y otros prescindible o directamente infumable y sin que llegara la sangre al río, aunque casi, conseguimos llegar a un consenso entre todos los miembros del grupo y nuestros dos expertos. No pocas veces nos hemos tenido que repetir que no se trataba de escoger lo mejor de lo mejor sino de seleccionar lo mejor de cada movimiento, procedencia y tendencia. Había de haber clásicos y novedades, shojo mangas y nouvelle-manga, cómic de género y cómic de autor, etc. Una vez consensuados los títulos volvían a caer algunos por estar descatalogados y volvían a proponerse otros que acababan de publicarse, para desesperación de Jordi Llobet, coordinador bibliográfico de Generalitat, y es que nuestro afán perfeccionista provocó varios retrasos en las fechas previstas inicialmente. Con las listas finalizadas quedaba por afrontar otra ardua tarea: los comentarios. Así que repartimos las obras entre todos y nos pusimos a comentar y comentar (unos más que otros, todo sea dicho) y posteriormente a corregir y corregir, lo cual lleva no poco tiempo, como bien saben Antoni Guiral y Jose A. Serrano. Una vez estuvo todo más o menos listo hubo uno de los momentos más difíciles en la concepción de esta herramienta, y fue cuando desde la Generalitat nos instaron a cortar las colecciones (una decisión con la que algunos estuvimos más y otros menos de acuerdo) para que el resultado final fuera un listado menos costoso y más adecuado a la realidad presupuestaria de las bibliotecas catalanas no especializadas en cómic, circunstancia que llevó a corregir no pocos comentarios para incluir frases del tipo: “La sèrie completa consta de 10 volums” ó “Sèrie en curs de publicació; fins a finals de 2006, han aparegut 19 volums”. Así también evitábamos que ciertas colecciones de más de 30 volúmenes, como Ranma, descompensaran la selección. De ahí que de casi todas las colecciones en más de un volúmen se recomiendan tan solo el primer o primeros números. También se decidió, paralelamente, ponderar algunas obras sobre otras con el siguiente símbolo: la compra de todas las obras así señaladas suma un total de 2.500 euros, cantidad que consideramos razonablemente asumible para muchas de nuestras bibliotecas. CONCLUSIONES El momento actual parece bastante propicio en cuanto a la difusión del cómic se refiere ya que a la gran diversidad de obras de calidad publicadas recientemente se ha de sumar la atención por parte de los medios generalistas, que poco a poco van normalizando la presencia del cómic, así como de las instituciones, cuyo máximo ejemplo es la reciente creación del Premio Nacional de Cómic. Las bibliotecas públicas tampoco han quedado atrás y siguen aportando su granito de arena para la dignificación del medio, y en España podemos encontrar fondos especializados de gran envergadura en la Biblioteca Regional de Murcia, la Biblioteca Central Tecla Sala de L’Hospitalet o la Biblioteca Ignasi-Iglèsies Can Fabra de Barcelona. Además, servicios centrales con una larga trayectoria y prestigio como el del Servei de Biblioteques de la Diputació de Barcelona, que recientemente dobló el presupuesto destinado a la compra centralizada de cómics para todas sus bibliotecas, marcan una esperanzadora pauta a seguir. La verdad es que en estos últimos años el panorama del cómic en las bibliotecas públicas españolas ha sufrido un cambio espectacular que esperemos sea inexorable e irreversible. Por poner datos a nuestras palabras basta fijarse en las estadísticas de las bibliotecas públicas de la provincia de Barcelona, cuyo fondo total de cómic (adulto + infantil) ha pasado de los 40.780 ejemplares de finales de 2000 a los 151.945 de finales del 2006 (más del triple). Los préstamos de cómic también han aumentado de manera espectacular en este período: de los 90.132 préstamos de 2000 a los 343.550 de 2006. Vamos a recordar ya por última vez que la pretensión de esta bibliografía no es acertar sino orientar y dejar claro que se trata de una aproximación a lo que sería el fondo ideal de una biblioteca pública mediana, con equilibrio entre tendencias, procedencias, géneros, autores, etc. Luego cada cuál es libre de opinar sobre qué falta o qué sobra, de hecho nosotros mismos a título personal pondríamos alguna obra que no está y quitaríamos alguna que sobra según nuestro parecer, pero ahí está la gracia de esta bibliografía, que ha de ser juzgada como un todo, ya que así ha sido concebida. Finalmente nos gustaría remarcar que esta bibliografía es una herramienta y como tal, necesita de operarios que la hagan funcionar y le saquen provecho, así que sin vosotros y vuestro criterio para determinar el alcance de su uso tan solo son un puñado de papeles más, con un peso de 311 gramos y un ligero olor a papel satinado a cola.


1r Premio Nacional de Cómic

Max (Francesc Capdevila) Barcelona, 1956 Autor de historietas e ilustrador, sus cómics se publican habitualmente en diversos países europeos y americanos. Ha publicado dieciocho álbumes de historietas por los cuales ha obtenido diversos premios, entre ellos el premio Ignatz (EEUU, 1999) y el Gran Premio del Saló Internacional del Còmic de Barcelona (2000). En 2002 fue seleccionado para la gran exposición Maîtres de la bande dessinée européenne, en la Biblioteca Nacional de París. Es además fundador y codirector de la prestigiosa revista semestral de historieta y gráfica de vanguardia NSLM, coeditada desde Palma de Mallorca y Madrid por Inrevés Edicions y Ediciones Sins entido. Su trabajo como ilustrador incluye carteles, portadas de libros y de discos, ilustraciones para prensa, revistas y libros infantiles. Entre sus trabajos destacan las portadas para The New Yorker Magazine (EEUU), el diseño para un reloj Swatch (1997), o el CD Haïkus de pianos para Pascal Comelade. En el campo de la animación ha dirigido varios videoclips animados para Radio Futura y Los Planetas, y un episodio de la serie Microfilmes (Canal Cinemanía, 1999), serie premiada con un Laus en el 2000. Sus ilustraciones le han valido diversos premios, entre ellos el Premio Nacional de Ilustración Infantil y Juvenil en 1997 y un Premio Junceda en 2004 por el libro de arte Espiasueños/Dreamspy/Chasseur de rêves, recopilación de sus mejores trabajos como ilustrador. Su último cómic es Hechos, dichos, ocurrencias y andanzas de Bardín el Superrealista (junio de 2006). Desde 1984 vive en Mallorca. http://www.maxbardin.com

el autor

“Bardín el Superrealista” nace en el fanzine La Más Bella en 1997, se hace adulto en NSLM y se desarrolla con el paso del tiempo en los más dispares e inesperados soportes: fanzines como Idiota y Diminuto, Amaniaco y Recto, revistas como Creativa o El Víbora, suplementos dominicales como El País de las Tentaciones, volúmenes antológicos como Comix 2000 y hasta boletines y tarjetas postales.” (Yexus. Max: Mitos, realidad y sueño. Dolmen, 2007).

Precisamente Hechos, dichos, ocurrencias y andanzas de Bardín el Superrealista, tomo recopilatorio de las aventuras de este personaje editado por La Cúpula, ya consiguió los premios de la pasada edición del Saló del Còmic a la mejor obra, dibujo y guión. La nota de prensa del Ministerio de Cultura afirma que “el jurado considera BARDÍN, EL SUPERREALISTA una obra gráficamente deslumbrante, con un guión original y repleta de referencias literarias, filosóficas y cinematográficas. El autor llega a la cumbre de su dilatada trayectoria profesional con un cómic que marca un antes y un después en la historieta española.”

la obra

CRONOLOGÍA DEL PRIMER PREMIO NACIONAL DE CÓMIC 4 de abril de 2006 Se aprueba en el Congreso, con 295 votos a favor y 0 en contra, la propuesta de creación del Premio Nacional de Cómic. (*) 20 de marzo de 2007 Se convoca el Premio correspondiente al 2007 (publicado en el BOE de 27 de marzo de 2007). 22 de mayo de 2007 Se aprueba la normativa que regula la concesión del Premio (publicado en el BOE de 20 de junio de 2007). 24 de septiembre de 2007 Se designa el Jurado para la concesión del Premio. Forman el jurado Rogelio Blanco Martínez (Director General del Libro, Archivos y Bibliotecas) como Presidente; Mónica Fernández Muñoz (Subdirectora General de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas) como Vicepresidente; Pedro López Martínez (Asociación de los Autores de Cómic de España), Laura Pérez Vernetti (Federación de Asociaciones de Ilustradores Profesionales), Eloy Rubio Bravo (Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros), y Antoni Guiral Conti (Asociación de Críticos y Teóricos de la Historieta de España), como vocales propuestos por las entidades correspondientes; Carmen Olivié González del Rivero, Ana Miralles López, Federico Moreno Santabárbara y Carles Santamaría Martínez, como vocales propuestos por el Director General del Libro, Archivos y Bibliotecas entre personas relacionadas con el mundo de la cultura y la edición (publicado en el BOE de 17 de octubre de 2007). 19 de noviembre de 2007 Se otorga el Primer Premio Nacional de Cómic a Francesc Capdevila, Max, por su obra Hechos, dichos, ocurrencias y andanzas de Bardín el Superrealista, editada por La Cúpula. (**) (*) Ver Cómic Tecla 19 para más detalles. (**) Reseña de Jaume Vilarrubí en Cómic Tecla 20.


http://www.maxbardin.com/

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BETTY BLUES / Renaud Dillies

Ponent Mon. 80 p. Color. Cartoné. 20 €

El jazz tiene algo que conecta con nuestro interior. Muchos tenemos la huella indeleble del jazz como noches de club, madrugadas etílicas, opacas por la niebla del tabaco... A esa imagen prototípica contribuyeron en gran medida figuras titánicas de la época dorada del jazz como Chet Baker o Billie Holiday (de la que, recordemos, tenemos un buen retrato de la mano de Muñoz y Sampayo). Algo tiene ese mundo que ha atraído al cómic en numerosas ocasiones. Partiendo de ese ambiente bohemio y romántico de los Estados Unidos de los años 30, Renaud Dillies construye una ficción sobre Rice Duck, un patito trompetista, y su tempestuosa relación con Betty. El desencuentro entre ambos -él, músico que sólo vive por la emoción de tocar; ella, perdida entre sus sentimientos y deslumbrada por el dinero de sus pretendientes- marca su relación y su destino final. Rice no será el único idealista de la trama: pronto conocerá a Bowen, un búho de aspiraciones anarquistas con el que se verá metido en diversos líos: personajes, en definitiva, que buscan seguir sus ideales y encontrar su lugar en el mundo. Fascina el trazo onírico de Dillies, que fluctua entre la expresividad del manga, la creación de un ambiente cargado y barroco de un Edward Gorey, y el uso de animales antropomorfizados con buen resultado. Dillies planifica bien las transiciones en la secuencias de sueño y compagina bien los momentos en que la acción se divide en dos líneas argumentales paralelas. Con todo, la intensidad inicial del argumento parece diluirse hacia el final y deja todo el peso de la obra en manos del carisma de los personajes. Magnífica edición de Ponent Mon para esta obra.

JOSÉ OLIVER


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ENCICLOPEDIA UNIVERSAL CLISMÓN. BIENVENIDO AL MUNDO / Miguel Brieva

Random House Mondadori. 142 p. Color. Rústica. 16.90 €

Miguel Brieva (Sevilla, 1974) es un autor de historietas de excepción. Lo es literalmente: el lector descubre en su obra formas y contenidos inusuales en el medio. En realidad, inusuales y punto. Arraigado en la mejor tradición de la sátira, Brieva lleva años desplegando en sus viñetas y textos una visión demoledora de nuestra sociedad, en nombre de valores éticos y criterios intelectuales cuya ausencia señala con rotundidad gráfica y agudeza. Ha ido constituyendo, así, una obra estimulante y desgarrada a un tiempo, que ha pasado de los modestos cauces de la autoedición en su revista Dinero a las colaboraciones en periódicos y revistas de gran difusión. Enciclopedia Universal Clismón. Bienvenido al mundo reúne en un álbum bien nutrido una generosa muestra de su malintencionada y certera mirada sobre lo real. El libro —lo advierte su título— está organizado como una enciclopedia, es decir, como un compendio de conocimientos ordenados alfabéticamente. Combina textos —definiciones de diccionario, relatos, comentarios tajantes, máximas— con ilustraciones e historietas de unas pocas viñetas o de varias páginas, de modo que unos y otras se complementan o superponen para componer conjuntamente una colección de sarcasmos e ironías. La presentación es la de un libro ilustrado. El contenido, una reflexión humorística sobre las miserias y despilfarros en que nos consumimos mientras consumimos. Demasiada letra para los usos del lector de historietas y dibujos poco complacientes con sus gustos. Es que la obra aspira a algo muy distinto del entretenimiento convencional: se propone incomodar, inducir a la cavilación, sacudir nuestras complacencias mediante el humor. Por algo ofrece una definición de éste que lo exalta como “la manera más seria, consecuente y gozosa de afrontar la complejidad de la existencia” (p. 59). Brieva emplea encarnizadamente las armas del trastrueque, la exageración y la paradoja para desnudar algunas verdades fundamentales. Sus textos, breves, contundentes y efectivos, no andan por tanto lejos en intención y hasta en puntería de los de Chesterton. Como él, se regocija en la confrontación con lo consabido y presupuesto, sabedor de que lo que casi todos aceptan como sentido común no es sino prejuicio insensato convenientemente publicitado. Para hacer visibles los sinsentidos de nuestro modo de vida, Brieva ilustra sus reflexiones con dibujos que calcan a menudo la estética de la publicidad o de las colecciones de cromos infantiles de antaño. Su trazo es, pues, intencionadamente desfasado, porque dicha gramática de la sempiterna maravilla, que nutrió pasadas credulidades pero hoy resulta artificiosa, aparece indisimuladamente como un embellecimiento falsario, una perpetua mentira que garantiza la pervivencia de muchas falacias en interés de los menos. Los textos que completan las viñetas enuncian con el mismo entusiasmo de mensaje comercial trasnochado las excelencias de nuestros más temidos desastres ecológicos, económicos o sociales. De este modo, con mirada sesgada o distanciada, tergiversando, manipulando y volviendo del revés como calcetines imágenes y discursos dominantes, su parodia revela lo que por lo general velan la costumbre y la comodidad. Miguel Brieva nos da la bienvenida a las realidades del mundo con actitud muy alejada de la complacencia beata de las enciclopedias ilustradas para niños. Quizá en un mundo más sensato sus invenciones no tendrían gracia ni capacidad para desbaratar credulidades. En éste, las tienen abundantes.

JUAN MANUEL DÍAZ DE GUEREÑU


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NUNCA ME HAS GUSTADO / Chester Brown

Astiberri. 190 p. B/N. Rústica. 18 €

La traducción de Nunca me has gustado es una excelente noticia para el lector de cómics español. La obra, que Chester Brown terminó de dibujar en 1993 y que desde entonces ha conocido sucesivas ediciones, se cuenta entre lo mejor que ha publicado el canadiense. Que ya es decir, porque estamos hablando del autor de El Playboy y Louis Riel, entre otros títulos. Componen Nunca me has gustado escenas de la infancia y la adolescencia del autor, que completan un conmovedor autorretrato emocional de aquel chaval que, como cualquiera en el tránsito hacia la madurez, no sabía cómo arreglárselas con los demás ni consigo mismo. No despliega una historia que pueda resumirse en un arco argumental claro, con su planteamiento, su nudo y su desenlace, sino que acumula las situaciones y las anécdotas, de modo que la obra tiene un aspecto fragmentario, de evocación discontinua. En dichas anécdotas prescinde por lo general de la voz narrativa, dejando que los gestos torpes, los diálogos poco elegantes de los personajes y los pensamientos y ocurrencias del protagonista expresen las dimensiones de su mundo. Motivos recurrentes en todas ellas son la perplejidad y el bloqueo emocional. El joven Chester se fabrica una coraza de silencios e impasibilidad para librarse de las burlas en el colegio o eludir el trato difícil con las chavalas de la vecindad, y para esquivar también el compromiso con una madre que siempre aparece sola y al borde del desequilibrio y que, en los márgenes de esta historia de adolescentes, se constituye en uno de los personajes más conmovedores y desgarrados de la obra. En Nunca me has gustado se suceden las escenas que aparentemente no conducen a nada pero que, por lo mismo, traducen con claridad los desconciertos y las decepciones que puntúan el laborioso trayecto del madurar. Una escena recurrente es la del protagonista y su hermano desmadejados en el sofá viendo aquellas monótonas series televisivas de los setenta, en una bendita inactividad que los libra del fastidioso compromiso de continuar viviendo. Brown dibuja la obra con trazo suelto y sencillo, estilizando personajes y escenarios aunque a veces detalle éstos. Juega a conciencia con las posibilidades expresivas que ofrece el diseño variado de las páginas, de modo que el número y la colocación de las viñetas en cada una se convierten en uno de los elementos expresivos más elocuentes de su relato. Muestra, con diálogos anodinos o de repente insólitos, la soledad y la confusión íntima, de modo que, sobre el fondo tranquilo del acontecer cotidiano, con sus monotonías y sus aburrimientos, desnuda las angustias y los miedos. Pocas historietas han sabido traducir la turbación y el dolor de la memoria con tanta claridad y tanta fuerza. JUAN MANUEL DÍAZ DE GUEREÑU


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DEATH NOTE / Tsugumi Ohba y Takeshi Obata

Glénat. 12 vol. 200 p. B/N. Rústica. 7 €

Es posible que cuando la justicia y el crimen danzan una astuta tarantella, las parcas aplaudan. Aunque en este caso, los mortales giros de la danza serían contemplados no por una parca, sino por shinigamis, los imponentes dioses de la muerte de la mitología japonesa. Y yo también aplaudo, aunque lo haría más a menudo si habitualmente no tuviese las manos ocupadas con un nuevo opus de esta obra que me ha conquistado. Soy “Deathnoteadicta” sin remedio ni ganas de desengancharme. Hacía tiempo que una saga no me producía tantas sensaciones encontradas y tal excitación. (“Tengo que seguir leyendo, tengo que seguir leyendo…”, se balancea una vocecilla en algún lugar de mi cerebro, sin ver la hora en que pueda salir del trabajo para continuar el manga en el bus). La culpa de esta desazón es del guionista Tsugumi Ohba, que nos presenta una historia con numerosos e ingeniosos giros, orquestada con una tensión palpable. Seguro que a estas alturas ya sabéis de qué trata, así que no me extenderé al presentaros DEATH NOTE. Light Yagami, un estudiante modélico, encuentra por casualidad un cuaderno en cuya cubierta se hayan las palabras “Death note”. Supuestamente, si en él escribes el nombre de una persona, ésta morirá. Light se muestra receloso hasta que comprueba su autenticidad. Es entonces cuando recibe la visita de Ryuk, el shinigami dueño del cuaderno, y cuando decide crear un mundo mejor, sin violencia, haciendo “limpieza” de todo tipo de criminales. Pronto, la gente le conocerá como “Kira”, el justiciero, y será venerado en la red, donde el anonimato permite que las personas puedan expresarse sin prejuicios. Pero ¿es lícito matar para obtener un mundo idílico? Desde la Interpol no se cree así, así que contratan al más famoso (y anónimo) detective, el excéntrico y brillante L. Una vez que las artimañas de L para capturar a Kira se ponen en marcha, nos veremos envueltos en una frenética batalla intelectual. Ohba incide en una lucha llevada al terreno psicológico, donde la resistencia de los dos capacitados jóvenes hace que el guión resulte extremadamente interesante. La manipulación por parte de ambos es perpetua, y se recrea saltando entre la dicotomía que forman la justicia y la inmoralidad. Gráficamente, puede decirse que Takeshi Obata nos deleita con un dibujo muy cuidado, lleno de pormenores que confieren profundidad a las escenas. Su estilo es fino y se recrea en los detalles. Sus personajes son carismáticos y los rostros (especialmente los de Light y L) expresan emociones que van más allá de las palabras. Esta serie japonesa es una de las últimas que han provocado una conmoción mundial: adaptación animada, película, videojuegos y merchandising - me pirro por conseguir una réplica inocente del Death Note. ¿Por qué este éxito? Bajo mi punto de vista, este manga es una soberbia obra donde ilustración y guión danzan parejos, y la macabra historia del Death Note se convierte en un exquisito baile que sólo puede tener de techo el de la Ópera de Viena. ¿Quieres bailar?

FÁTIMA ELÍAS

Extraído de Fancómic: blog de cómic de las Bibliotecas Municipais da Coruña


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EL CUERVO VOL. 1 A 3 / Lax

Norma. 96 p. B/N. Cartoné. 10 €


Cuando acabé de leer el primer número de El Cuervo, pensé que era evidente que acababa de encontrarme con una de esas raras piezas geniales que, no se sabe bien por qué, parecen condenadas a pasar desapercibidas (dije lo mismo en su día de Strangehaven y lo sigo pensando). Después de leer los volúmenes 2 y 3, y confirmar esas primeras impresiones en cuanto a su calidad, que no sólo no disminuye, lo cual es ya un gran mérito, sino que además aumenta a cada entrega, me sentía en el deber de devolverle al tipo este todo el placer que me había ofrecido, así que la única manera de hacerle justicia es esta reseña que, aviso, no es nada imparcial. El Cuervo es un tipo huraño, malhumorado, cínico, de gran sentido del humor, amante de los placeres banales al más puro estilo Carvalho, fumador empedernido y lector compulsivo de Gallimard (es notable el sentido homenaje que el autor hace a esta editorial especializada en, como no, novela negra). Un buen día y por cosas de esas del destino, o mejor dicho, de los avances tecnológicos, nuestro protagonista decide cambiar de trabajo. En realidad se ve obligado a hacerlo, y casi por azar decide hacerse detective, dejando atrás su oficio en tareas de mantenimiento de relojes analógicos. El Cuervo es una suerte de síntesis del polar, género negro genuino francés caracterizado por un fuerte realismo social, donde el autor, amplio conocedor del género, hace gala de multitud de recursos narrativos, clichés y patrones, homenajes y reivindicaciones, tramas perfectamente cronometradas y finales muchas veces surrealistas. Como leí por ahí, El Cuervo, sin dejar de tener mucho de Néstor Bulma, Sam Pezzo, Alack Sinner, muchas veces nos recuerda más a Jerónimo Puchero o a Manuel Montano. Aunque sea anecdótico, me parece otro logro del autor la utilización de bocadillos iconográficos, si bien esto ya lo hemos visto de siempre en el Mortadelo de Ibáñez cuando se querían usar palabras malsonantes, aquí se logra hacer con sutileza y con un ingenio exquisito. Si bien el escenario principal donde transcurren las desventuras de nuestro héroe es París, éste puede desplazarse a lugares tan dispares como el Amazonas, Québec, los Alpes, o la isla de Madeira. El Cuervo es capaz de todo para resolver secuestros, asesinatos, seguir la pista de los antiguos alumnos de la escuela de San Eustaquio, investigar a mediáticos presentadores de televisión endiosados, poner en jaque a todo el sistema penitenciario francés, y si surge la ocasión, darse alguna que otra alegría ya sea con elegantes señoritas o con sensuales y voluminosas amas de casa; eso sí, con nocturnidad pero sin premeditación ni alevosía. La vida de un detective es impredecible y hay que encajar los golpes como vienen. El autor lionés, Christian Lacroix, Lax, es la primera vez que publica en nuestro país (según me consta), y lo hace de la mano de Norma editorial, que al tener que encajar este título dentro de su colección de Comics Noir, ha tenido que reducir considerablemente las planchas originales, concebidas para formato álbum, lo cual hace en ocasiones farragosa su lectura: hay abundantes textos que al reducirse se hacen merecedores de muy buena vista a la vez que el dibujo también se resiente. Lax hace gala de gran ingenio y un particular sentido del humor muy ácido y corrosivo que cuadra perfectamente con sus historias y con ese blanco y negro de líneas sucias, quebradas, y gruesas, con abundantes manchas que ayudan a crear ambientes en ocasiones sugerentes y en ocasiones opresivos. Con estos tres volúmenes (cada uno contiene dos álbumes de 48 páginas) se alcanza la edición francesa y quedamos a la espera que el autor produzca más material. Recomiendo fervientemente la web el personaje, muy cuidada, original y divertida: http://lechoucas.dupuis.com/ Y para acabar una definitoria cita usada por El Cuervo en el tercer volumen de la serie, en este caso del novelista y dialoguista Michel Audiard: Es mejor irse con la cabeza gacha que con los pies por delante.

JAUME VILARRUBÍ

http://lechoucas.dupuis.com/

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S. / Gipi

Sinsentido. 110 p. Color. Rústica con solapas. 16 €

Al morir su padre, Gian Alfonso Pacinotti, Gipi, historietista además de ilustrador y autor de cortometrajes, pensó que dibujar un cómic acerca de aquél le serviría para dar cauce a su dolor, a la espera de reunir el valor necesario para sacar del rincón donde la depositó la urna con sus cenizas. Compuso así una memoria del fallecido que al mismo tiempo conforma una elegía gráfica que abre nuevas sendas a la expresión en el medio. Emplea en ella recursos ya usuales en la literatura confesional, como velar el nombre propio —Sergio, tras la inicial S.— desde el título; o como los desconocimientos, los titubeos acerca de la exactitud de algún dato y las contradicciones entre versiones del mismo suceso, propios de las memorias personales. Y también traduce a términos puramente visuales otros procedimientos narrativos: así, los tachones en el texto rotulado, que sugieren una escritura espontánea, o las repeticiones y ecos entre escenas que reaparecen como motivos en su rememoración. Todo en la obra logra, gracias a estos recursos, un aire de veracidad y de emoción fuertemente sentida que alcanza al lector y lo implica en el duelo. Gipi, con igual actitud de franqueza, tampoco elude la reflexión acerca del modo de ajustar los mecanismos de la memoria y los del cómic: ¿por qué dibujar una escena desde fuera —se pregunta en un pasaje— cuando uno la vivió? El dibujante no calla, así pues, la contradicción íntima que resulta de querer exponer de modo directo y sin mediaciones su recuerdo del fallecido y de recurrir, pese a ello, a las convenciones narrativas que el medio le impone para lograr la legibilidad y alcanzar al ánimo del lector. Gipi inserta recuerdos a partir del relato de una excursión de pesca con S. y otros familiares que acabó interrumpida por la fuerza. El dibujante recurre indistintamente a su propia memoria y a lo que su padre le contó, de modo que, engranando relatos dentro de relatos, asociándolos al arbitrio del sentimiento, consigue evocar toda una vida. No es sin duda casual que el episodio de base narre una separación forzada, la que impusieron unos soldados que detuvieron a S. por haber penetrado sin permiso en terreno militar, ni que el primer relato de S., el del bombardeo de Pisa en 1943, muestre los efectos devastadores de una violencia inesperada. Por alguna razón, en su elegía abundan los momentos en que el mundo impuso su violencia y cambió la vida de S. En el momento del adiós definitivo, acuden a Gipi imágenes que plasman el sinsentido de las grandes heridas que quiebran cada existencia. Las dibuja con trazo intenso, con vigor y acierto, como homenaje ante la urna. JUAN MANUEL DÍAZ DE GUEREÑU


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HOUDINI. EL REY DE LAS ESPOSAS / Jason Lutes y Nick Bertozzi

Astiberri. 96 p. Bitono. Cartoné. 16 € Un libro inteligente. Una historia sencilla complementada con información que nos lleva a sacar varias conclusiones. Una: que el formato de novela gráfica puede ser algo más que publicar una página de cómics tras otra; las aportaciones del prólogo y del epílogo no son gratuitas, son complementarias e idóneas para comprender la fuerza de un fenómeno, en este caso, la intensidad profesional del mago y escapista Harry Houdini; y, si quieren hacerme caso, lean primero la historieta, luego el epílogo y, finalmente, el prólogo. Houdini. El rey de las esposas es un libro de una producción que roza el prodigio en cuanto a producto compacto, que va más allá de un diseño elegante para entrar a formar parte del contenido de la obra. Dos: que Jason Lutes estructura con mucho mimo su historia, planteándola casi en tiempo real, utilizando al máximo los recursos informativos para, sin necesidad de confeccionar una biografía completa y hagiográfica del interfecto, exponernos sus características básicas, humanizándolo sin reservas, definiendo algunos de sus defectos y virtudes sin entrar a juzgarle. Tres: que Lutes, de nuevo, controla el tempo con mano si no maestra sí con la habilidad suficiente como para utilizar los recursos narrativos de manera que le permitan conseguir su objetivo. Su diagramación de página es, casi, una clase magistral de por qué y para qué utilizar un número determinado de viñetas en cada página y por qué y para qué se han escogido unos planos y no otros. Incluso se permite utilizar los planos subjetivos para mostrar sensaciones íntimas, aunque quizá sean las 16 páginas que van desde que Houdini inicia su número hasta que lo completa el mejor compendio de cómo se puede controlar el tiempo en una historieta y dirigir las sensaciones del lector moviendo las teclas y los hilos justos. Cuatro: que Bertozzi sintetiza las expresiones de sus personajes con un grafismo sencillo y efectivo que se ayuda muy bien del bitono, y que recurre a explotar símbolos gráficos más propios de la historieta humorística e incluso de los dibujos animados, sin que la puesta en escena se resienta por ello. El suyo es, también, un estilo plano e incluso frío, pero perfectamente acoplado al tono de la historia. Cinco: que el valor de una anécdota está en su tratamiento, lo que le permite a Lutes no estirar innecesariamente la historia, sino concentrarse en los puntos básicos que, por un lado, definen a los personajes y, por otro, ayudan a avanzar el argumento y a mantener ese sentido del “misterio” que acompañó la actividad de Houdini. Seis: que, tal vez, la obra se resienta precisamente de todos estos atributos, en el sentido de que se trata de una puesta en escena general excesivamente fría y previsible, por el control exhaustivo de la narración y el tempo ya señalados, que no deja espacio para la sorpresa ni rendija para ningún tipo de giro argumental. Siete: que con todo ello, Houdini. El rey de las esposas es una buena historieta para adultos que consigue, y no es poco, generar atención hacia un tema que para algunos, como el que esto suscribe, no despierta excesivo interés. ANTONI GUIRAL


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HUGO PRATT: LA MANO DE DIOS / Ángel de la Calle

Dolmen. 160 p. B/N. Rústica con solapas. 10 €

Tercera entrega, tras las monografías dedicadas a Max y a Hermann, de la colección Viñetas de Dolmen editorial, en esta ocasión dedicada a la figura de Hugo Pratt, tal vez el más importante autor nacido en Europa en toda la historia del medio. La aproximación a la vida y obra de Pratt nos llega de la mano de Ángel de la Calle, creador en los últimos años de obras como Tina Modotti una mujer del siglo XX o “Diarios de festival”, que abandona aquí el pincel (aunque no del todo, si tenemos en cuenta el particular tipo de dedicatorias que he tenido la suerte de verle hacer en diferentes presentaciones del libro) para ofrecernos otra de sus múltiples facetas. Labor ésta de analista/historiador/crítico que no será puntual en su caso, ya que en un breve espacio de tiempo veremos en las librerías otra monografía firmada por él, dedicada en esta ocasión a El hombre enmascarado. Volviendo a Hugo Pratt: la mano de Dios lo primero que puede decirse es que Ángel de la Calle demuestra un conocimiento milimétrico de la vida y la obra del creador de Corto Maltés; hecho éste que quienes hemos tenido la suerte de estar alguna vez en su estudio ya “intuíamos” al ver estantes repletos de las más variadas ediciones de la obra del autor veneciano. Aunque no sirve con conocer al dedillo un tema: hay que saber procesarlo y comunicarlo; y en esto es donde verdaderamente destaca la labor de Ángel de la Calle. Hace unos días, en la presentación de la colección Viñetas en las jornadas del cómic de Avilés, Yexus decía con buen criterio que uno de los principales aciertos de este Hugo Pratt: la mano de Dios era la propia estructura del libro. Ángel divide la monografía en cuatro partes claramente diferenciadas: primero hace un repaso a la biografía de Pratt, después analiza su obra, sigue con un tercer apartado en el que expone una personal teoría sobre la importancia de Pratt como autor y finaliza con una bibliografía comentada en la que, además de mencionar las distintas obras, recomienda aquellas ediciones que considera más afortunadas. En la primera parte, la biográfica, Ángel va describiendo el itinerario vital que convirtió a aquel joven, nacido en Rimini pero que decidió ser veneciano, en un personaje en sí mismo. La segunda, la de análisis de la obra, es aquélla en la que podemos decir que Ángel de la Calle juega con ventaja: si para biografiar a Pratt utiliza como armas, además del conocimiento de causa, una prosa amena y una cierta socarronería en la forma de contar las cosas, ¿quién mejor que un autor para desmenuzar la obra de otro autor? Ello le permite a Ángel un nivel de análisis que, desgraciadamente, nos está vedado al resto de los mortales que no disponemos del bagaje que da el saber en primera persona “cómo se hacen la cosas”. Pero con todo ello, la parte más interesante del libro es sin duda la tercera: aquella en la que Ángel de la Calle explica cómo, en el mundo del cómic, el concepto de autoría cambia con Pratt. No voy a desvelar aquí los argumentos que se esgrimen en el libro, pero sí que debo añadir que resulta una de las reflexiones más lucidas e interesantes que he podido encontrar en escritos relacionados con el mundo de las viñetas en mucho tiempo. Compruébenlo ustedes mismos. NORMAN FERNÁNDEZ


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POR QUÉ HE MATADO A PIERRE / Alfred y Olivier Ka

Ponent Mon. 112 p. Color. Cartoné. 20 €

Existen dos corrientes dentro del grupo de autores de cómics que nos explican historias autobiográficas en sus álbumes. Por un lado tenemos a aquellos que hablan de sus vicisitudes cotidianas con un cierto sentido del humor como Lewis Trondheim en Mis circustancias o Marjane Satrapi en Persépolis, y, por otro, a los que tratan sus experiencias más bien traumáticas para sacar fuera todo su dolor y su rabia como David B en La ascensión del gran mal o Debbie Dreschler en La muñequita de papá. Por qué he matado a Pierre pertenece a esta última categoría. Olivier Ka decide contarnos de manera totalmente explícita un terrible episodio de su infancia que, si durante mucho tiempo pareció no tener importancia, ahora se ha convertido en una pesada carga, algo que condiciona su vida actual. Con la ayuda de Alfred y sus dibujos, reconstruye el antes y el después de ese suceso que le ha marcado y del que ahora necesita desprenderse, liberarse, para poder continuar viviendo con normalidad. Ka nos hace de guía por los momentos más entrañables de su niñez, marcada por unos padres hippies y liberales y unos abuelos católicos y conservadores, hasta llegar al momento del abuso para después continuar hablándonos de su adolescencia y su juventud, y de cómo un solo hecho, aparentemente insignificante, ha conseguido romper todo lo anterior. Pese a lo complicado del tema los hechos se nos explican tal y como son, y el personaje del abusador - el al principio amable y progre cura Pierre - nos provoca más lástima que rabia. No cae nunca en la lágrima fácil ni en el tópico, y esto se agradece sobremanera. Ka deja que sea el lector quien juzgue lo sucedido. No se trata de machacar al verdugo ni de hacerse la víctima. Se trata de dejar a un lado la culpa y la vergüenza para poder seguir mirando hacia adelante. De aquellos cómics que no se olvidan fácilmente. Por qué he matado a Pierre ganó el Premio del Público a la mejor obra en el pasado Festival de Angoulême.

BEATRIZ GARCÉS


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PLANETARY / Warren Ellis y John Cassaday

Norma. 304 p. Color. Cartoné. 26 €

Hace ya unos cuantos años, Planeta sacó en formato grapa los 12 números del primer ciclo de Planetary. Yo que ya llevaba años desencantado con los superhéroes (perdonadme los que os sintáis afectados, pero yo viví en mis carnes las épocas de Byrne, Miller, etc, y eso marca mucho cuando estás en la edad de marcar) jamás hubiera prestado atención a este título si no llega a ser por una excelente reseña aparecida en el número 21 de la extinta revista U allá por septiembre del 2000. Sin ella jamás hubiera caído rendido y seducido a los pies de, para mí, uno de los mejores títulos del género de la década. Lo siento pero lo tenía que decir, se lo debo. Planetary es una agencia secreta (o mejor dicho, súpersecreta) que presuntamente pertenece a un complejo lobby, sobre el que se irán dando pistas poco a poco. Su objeto es el de rastrear la historia secreta de este siglo XX para confeccionar una supuesta guía planetaria, aunque no se sabe muy bien con qué fin. Como ven, hay una constante que lo envuelve todo: parece ser que, se supone que, podría ser que, es muy probable que, quizás, quizás, quizás… Como en el mito de la caverna, vamos elaborando nuestras propias elucubraciones con las sombras que intuimos. Planetary está liderado por tres miembros con extraordinarios poderes: Elijah Snow, Jakita Wagner, y The Drummer. También se habla de un cuarto miembro que además fue el fundador y que en palabras de los propios protagonistas podría ser cualquier persona entre Bill Gates y Adolf Hitler. Descifrar la identidad de este cuarto hombre será una de las subtramas más interesantes del tomo. Elijah Snow es el personaje sobre el que se articula toda la obra, y a través de sus amnesias y parciales recuperaciones de memoria (al igual que le ocurre al protagonista de otro celebre cómic, XIII) iremos descubriendo, a modo de pinceladas, que dentro de un argumento se esconde otro mayor. Planeta siguió publicando la serie hasta llegar al número 20, cuando alcanzó a la edición americana. Actualmente, la obra continua publicándose todavía en su país de origen, aunque a un ritmo muy lento debido sobre todo a la lentitud del dibujante (un autor de los de moda y con multitud de proyectos en danza), que se encuentra ahora en un punto de espera hasta que salga el esperado número 27, que es el que pondrá colofón y punto final a Planetary. A los que no puedan esperar a ver la continuación de la serie les recomiendo que visiten esta página web (http://home.earthlink.net/~rkkman/frames/index.html), donde podrán saciar su curiosidad con incluso un pequeño avance del guión de este deseado último número. Durante todo este tiempo han salido varios números especiales, de entre los cuales sólo quiero destacar un team-up con Batman: Noche en la tierra, que me parece excelente (y en el que aparecerán varios Batman diferentes: el de Miller, el de Kane, el de Adams…). Eso sí, ahora sólo lo encontrarán los que puedan rastrear librerías y mercadillos. Warren Ellis firma aquí su mejor obra hasta la fecha, introduciendo multitud de interesantísimos conceptos e ideas (se nota que es un gran lector de Ciencia Ficción), y rindiendo homenaje a un variopinto elenco de personajes clásicos: desde el Doctor Strange, pasando por los cómics Pulp de la época, hasta Superman o Los cuatro fantásticos, y llegando al mismísimo Matrix. El autor consigue el punto justo de equilibrio entre diálogos, silencios, y textos de apoyo, que consiguen mantener en todo momento el interés y crear una atmósfera trepidante cuando es necesario. Por su parte Cassaday está más que correcto a los lápices, aunque a veces da una sensación de irregularidad y de que podría dar un poco más de sí, como luego ha demostrado en otras series como Yo soy legión. La edición de Norma es de lujo, muy cuidada, con tapa dura e interesantísimos extras (incluyendo una pequeña historia inédita). Y como dicen estos arqueólogos de lo imposible: Es un mundo extraño, Conservémoslo así.

JAUME VILARRUBÍ


http://home.earthlink.net/%7Erkkman/frames/index.html

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SPAGHETTI BROS. / Carlos Trillo y Domingo Mandrafina

Planeta-DeAgostini. 208 p. B/N. Cartoné. 11,95 €

Centobucchi no es una familia al uso, es la familia, y cuando hablamos de la mafia eso son palabras mayores. ¿Qué no haría un hermano por su familia? Imagínense lo mejor y lo peor pero, eso sí, siempre con la mejor de las intenciones. Ambientado en los Estados Unidos de los precarios años 30 de nuestro pasado siglo XX, se nos presentan las aventuras de la familia Centobucchi, en estos años que vinieron marcados a fuego por el crack del 29, por la ley seca y por el estraperlo, años de jazz y cine mudo, esos años que fueron tan bien retratados por el cine que parece que sucedieron en blanco y negro, y que autores como Chandler o Hammett elevaron a obra de arte. Américo es el cabeza visible de la familia. Es un capo con todas las de la ley, no la oficial sino la oficiosa, lidera el hampa y tiene fama de cruel, despiadado y crápula, valores que le reportarán un estatus de respeto dentro de los diferentes clanes. Américo es religioso, y ama a una mujer por sobre de todas las otras: su mamma. Y es que ya lo sabemos: madre sólo hay una y a ti te encontré en la calle. Francesco es el segundo hijo de la familia. Es el único que goza del total respeto de Américo y puede influirle sobremanera. Esto es debido a Dios, a Dios y a los hábitos que Francesco decidió colgarse de joven. Desde su iglesia predicará la palabra del señor contra viento, marea, y balas. Antonio es el hermano menor; Américo lo odia visceralmente porque lo considera culpable de la muerte de su madre, fallecida en el parto. Por otra parte, éste será agente de policía, lo que convertirá su relación en imposible e irreconciliable. Caterina, una de las dos hermanas, ha culminado una carrera meteórica como actriz de cine, gracias a sus dotes para la interpretación y a otras habilidades un tanto más que dudosas que no relataremos ahora. El estrellato la ha conocido con el pseudónimo de Gipsy Bone. Y para acabar nos encontramos con Carmela, quizás la hermana de personalidad más compleja, sufrida y triste ama de casa de día, y cruel y fría asesina de noche. Alrededor de estos personajes se irá hilvanando muy ingeniosamente una tragicomedia en cortos actos de 8 páginas cada uno (como curiosidad: todos los títulos de dichos actos hacen referencias cinematográficas proponiendo un juego al lector). Cada tomo contiene 24 actos y la serie constará de 24 tomos que recopilan los 15 álbumes publicados originalmente en Francia desde los años noventa. Planeta ha anunciado que la edición española constará de cuatro tomos, cuidadosamente publicados en una excelente edición en tapa dura (a menor tamaño que la original, pero que no afecta en absoluto su lectura) y con un papel de gramaje excelente para reproducir este blanco y negro, que nada tiene que ver con el maldito satinado tan extendido hoy en día. Una obra ejecutada ejemplarmente con calidad y oficio a partes iguales, de la que muchos jóvenes autores deberían tomar nota. Carlos Trillo es uno de los guionistas argentinos más reputados y con una carrera más sólida y reconocida a la espalda, un guionista con oficio y con muchísimo talento que tras el golpe de estado que sufrió Argentina en 1976 se vio forzado a exiliarse en el país galo donde ha desarrollado gran parte de su carrera. Domingo Mandrafina, es uno de los dibujantes argentinos más bien dotados, maestro del banco y negro. En la línea de la nunca suficientemente valorada escuela de Alex Toth, consigue retratar perfectamente los ambientes más sórdidos de los bajos fondos neoyorquinos encajando a la vez perfectamente con este particular humor negro de Trillo que empaña toda la obra. Hay que mencionar que en nuestras bibliotecas quizás encontremos el siguiente título: Viejos Canallas, un excelente Spin off de Spaghetti Bros premiado en Angoulême al mejor guión en 1999, y que aquí fue publicado por Norma. Así que ya me están todos leyendo esta obra sino quieren vérselas con Américo Centobucchi. No duden que se lo hará pagar. Quizá incluso sepa donde viven… Hay que tener cuidado con este tipo, créanme. JAUME VILARRUBÍ


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SUPER HUMOR CLÁSICOS VOL. 4 RIGOBERTO PICAPORTE Y COMPAÑÍA / Robert Segura

Ediciones B. 192 p. Color. Cartoné. 13,95 € Después de un período de haberse dedicado casi exclusivamente a sus dos franquicias más rentables, Mortadelo y Filemón y El Capitán Trueno, parece ser que Ediciones B por fin se ha percatado de que hay vida más allá dentro del fondo editorial perteneciente a la extinta e histórica Editorial Bruguera, de la cual ostenta sus derechos (y cuyo título-marca ha rescatado recientemente pata una línea de libros de bolsillo): la presente antología es buena muestra de ello. Durante décadas, los tebeos del sello Bruguera reinaron en calidad de amos y señores casi indiscutibles de los quioscos españoles. Ello permitió la creación de la llamada “escuela Bruguera”, que abarca varias generaciones de historietistas. La primera es la que maduró entre la segunda mitad de los años 40 del siglo pasado y los primeros 50: Cifré, Peñarroya, Escobar, Vázquez, “Jorge”, etc. La segunda surgió a partir de finales de los 50, cuando algunos autores de la primera desearon “autonomizarse” e intentar la aventura editorial independiente con la 1ª época de Tío Vivo –aunque, tras el fracaso de dicha aventura, se viesen forzados a regresar a la casa madre-, lo que motivó, para reemplazarlos, la aparición de una nueva hornada de talentos que incluye a Ibáñez, Raf, Nené Estivill, Gosset… y, por supuesto, a Robert Segura. Al igual que sus compañeros de generación, Segura llega a Bruguera en un momento en que la censura en los tebeos se ha hecho más estricta –a causa de la nueva normativa para las publicaciones infantiles y juveniles implantada por los poderes franquistas a partir de 1955– y por consiguiente los personajes de Pulgarcito ya han perdido buena parte de la carga crítica y la “mala leche” que los hizo populares pocos años atrás. Autores como Ibáñez intentaron paliar estas restricciones, que mermaban la creatividad de los artistas, aplicando argumentos basados en el slapstick o la típica comedia de la época del cine mudo con sus guardias de la porra y sus persecuciones. Pero en la obra de su contemporáneo Segura sí se puede hallar cierta crítica social: la relativa a cierta “clase media” que empezaba a despuntar a finales de los 50 y que protagonizará la llamada “era del desarrollo” a partir de la siguiente década con su 600, su televisor en blanco y negro y su lavadora automática, todo ello pagado en cómodos plazos. En Rigoberto Picaporte, solterón de mucho porte, su serie más recordada -y no en vano, la que da título a esta recopilación-, Segura satiriza sin piedad al empleado de oficina que, en pos de un ascenso de status social, anhela ganarse el corazón de una joven de familia adinerada, la pija Curruquita, cosa que jamás logrará, al fracasar continuamente en sus intentos de impresionar a ésta y a su “mamuchi”, Doña Abelarda, prototipo de la suegra feroz, tan celebrada en innumerables chistes.

[Continúa en la página siguiente…]


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[…Viene de la página anterior] En Los señores de Alcorcón y el holgazán de Pepón hallamos otro ácido retrato de otro delicioso cliché de la sociedad ibérica de entonces (y que poco ha cambiado hasta nuestros días): Pepón, el “vago profesional” que intenta vivir sin dar golpe a expensas de su hermana y el marido de ésta, el irascible Arturo, eternamente empeñado en hacer “sentar la cabeza” a su cuñado; todo un antecesor de los hippies y similares marginados que surgirían entrados ya los “felices 60” y del que podemos hallar un descendiente actual en Martín, el yerno gorrón de Martínez, el facha de Kim. Segura siempre fue considerado como un gran especialista en crear personajes jóvenes, ya fuesen adultos aún no llegados a la madurez -como en las dos series recién citadas-, niños -como en La alegre pandilla- o adolescentes. Con Piluca, niña moderna -aparecida en los años 60 en la revista femenina Sissi- y Lily -para el semanario, también femenino, de igual título en los 70- Segura ejerce un retrato ingenuo pero chispeante de las quinceañeras de la época. Y con La Panda -que se beneficiaría en las páginas del Super Pulgarcito de los primeros 70 de varias aventuras de “continuará” guionizadas por el debutante pero ya prometedor Andreu Martín- esbozaría el equivalente ibérico de la pandilla de Archie, clásico de clásicos del cómic USA protagonizado por teenagers. Sin duda, el talento de Segura para dibujar chicas bonitas -tal como se ve en sus chistes protagonizados por esbeltas féminas en las páginas de las publicaciones brugueriles de humor para adultos DDT (antes de convertirse en revista juvenil) y Can Can- le hace merecedor del título de “Dan DeCarlo -uno de los artistas clave de Archie- catalán”. La presente edición, pese a ofrecer una buena selección de los diversos personajes nacidos del lápiz de Segura, adolece de algunos defectos propios de otras recopilaciones similares de la editorial: la mayoría de las páginas de las diversas series del autor han sido recopiladas “a saco”, sin orden cronológico alguno -pese al mérito de incluir la primera historieta de cada una de dichas series-, escaneándose buena cantidad de las mismas directamente a partir de ejemplares de la Colección Olé. Se incluye una de las aventuras largas de La Panda, La isla de los chalados, con el primer capítulo de la misma omitido, defecto que ya arrastraba a raíz de su publicación en álbum Olé. Asimismo, y pese al cordial prólogo de Francisco González Ledesma y al no menos entrañable epílogo del propio Segura, se echa en falta un buen artículo introductorio, a cargo de algún especialista en la materia, que analice en detalle la vida y obra de nuestro historietista. Aún así, este volumen es un merecido homenaje a uno de los escasos supervivientes de la escuela de humor Bruguera; el que esto escribe tuvo la grata y emotiva experiencia de encontrarse con el mismo -forzosamente apartado de la profesión tras abandonar Ediciones B la producción propia de tebeos allá por 1998- en el curso de la sesión de dedicatorias que ofreció durante el pasado Saló del Còmic de Barcelona. Se rumorea que Ediciones B tiene en cartera futuros volúmenes dedicados a autores clásicos de Bruguera, y sólo nos queda desear que éste goce de la suficiente acogida como para que Raf, Peñarroya, Cifré, Vázquez (pese a problemas legales que parece que hay con sus herederos), Estivill, Martz Schmidt, Jaume Rovira y tantos otros sean igualmente objeto de sendas antologías. Sí, hay vida más allá de Mortadelo y Trueno, y Ediciones B lo sabe perfectamente. ALFONS MOLINÉ


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EL GABINETE DEL DOCTOR SALGARI / Santiago Valenzuela

Astiberri. 104 p. B/N. Rústica con solapas. 16 €


Que Santiago Valenzuela es uno de nuestros autores más originales y prolíficos está lejos de ser un secreto. Su nuevo trabajo, El gabinete del doctor Salgari ratifica con creces tal afirmación. Intentar explicar quién es Santiago Valenzuela para aquellos que no le conozcan reconozco que no me resulta fácil. Además, como ya explicaba yo en un boletín anterior de este Cómic Tecla, es inútil tratar de explicar algo que alguien ya ha explicado antes, y mejor que tú; por ello, me he permitido apropiarme de parte de las palabras que Yexus le dedicaba a Valenzuela en el libro Nuevas Miradas sobre el cómic español más joven que editamos en la Semana Negra de Gijón hace un par de años. Estas son: “No es fácil asociar a Valenzuela con una determinada filiación ética o estética dentro del panorama nacional de los autores recientes. Porque su quehacer no incide particularmente en el experimento gráfico, habitual en casi todo muestrario de nuevas promesas, ni su estética participa de esa síntesis tan al uso en sus compañeros de generación y de páginas. Tampoco prima en su obra la vivencia intimista ni el apunte más o menos autobiográfico: no podían estar más lejos de la realidad propia o ajena las experiencias que desgrana con todo lujo de detalles. Y no es tanto la reflexión interior como los actos o las palabras lo que define la esencia de sus personajes. Sin dejarse tentar por la pura gratificación plástica o el atractivo marchamo de la modernidad, más bien se concentra en la escrupulosa edificación de un ambicioso cosmos personal. Tan ambicioso en el contenido como en el continente. Del continente dan fe sus voluminosos álbumes, una producción regular que apenas iniciada ya sobrepasa las 500 páginas y se proyecta sin dudar hacia un futuro distante. Mientras la ambición del contenido queda patente en esa lúcida visión de la condición humana que nos ofrece bajo la distorsionada óptica del esperpento. No es el único artífice de universos particulares entre los nuevos autores, claro está, pero la mayoría del resto no excede un ámbito más bien limitado cuando no se ciñen únicamente a la esfera de lo personal. Tampoco es dueño exclusivo del relato de cierta densidad y ribetes fantásticos —surgiendo el inmediato referente de Luis Durán— pero realmente es difícil sobrepasar a Valenzuela en lo desmesurado y vasto de su proyecto. Una desmesura, sin embargo, que se encauza y dosifica en un controlado flujo creativo capaz de brindar algo al lector que no tema sumergirse en la densidad de sus páginas: riqueza conceptual, originalidad y una consistencia a toda prueba.” El gabinete del doctor Salgari nos ofrece, corregidas y aumentadas, todas esas cualidades que Yexus destacaba en su texto. La obra consiste en un fresco desmedido en el que una serie de personajes en distintos mundos y tiempos nos van contando parte de su periplo vital a través de una narración con unos profusos textos de apoyo, siempre en primera persona. Cada una de las historias que componen el volumen es un apasionante ejercicio narrativo en sí misma; ejercicio que el autor completa a través de los textos que aparecen como prólogo y epílogo (consistentes en un informe en el que el doctor al que se menciona en el título “psicoanaliza” las historias que conforman el libro) en los que, en el trasfondo de su ironía, Valenzuela reflexiona sobre el proceso creativo basándose en su propia obra. Gráficamente El gabinete del doctor Salgari está resuelto con un dibujo que, pese a que a primera vista pueda parecer que resulta constreñido por la profusión de textos, Valenzuela resuelve con especial brillantez gracias a la meticulosidad de sus lápices, la agilidad de la planificación o la increíble profundidad de campo de sus planos. En resumen, nos encontramos ante una obra muy poco habitual, en la que conviene resaltar además la buena edición que Astiberri realiza de la misma.

NORMAN FERNÁNDEZ (con la inestimable colaboración de YEXUS)

Autores españoles y sudamericanos

Autores europeos

novedades recomendadas


Benlloch, Kike; Blanco, Diego. Pinche mundo. Polaqia. 72 p. B/N. Rústica. 9,50 € Blenstein, Luis; Trigo, Ramón. Historias de los niños sobrenaturales. Edicions de Ponent. 92 p. B/N. Rústica. 15 € Calo. Recluta con alien… y dos historietas más. Dibbuks / Aleta. 40 p. Color. Rústica. 5,95 € Calpurnio. El bueno de Cuttlas: esto no es un cómic. Glénat. 208 p. Color. Rústica con solapas. 19,95 € Campos, Pura; Douglas, Phillip. Esther y su mundo vol. 1. Glénat. 112 p. Color. Cartoné. 17,95 € Carlös. Ocurrió cerca de tu casa: sabe dios. RBA Libros. 64 p. Color. Cartoné. 11 € Carmona Moral, Olga. Normal. Dibbuks. 80 p. B/N. Rústica. 10 € Casanova, Nacho. Autobiografía no autorizada vol. 1. Bang Ediciones. 128 p. B/N. Rústica. 12 € Clavé, Florenci. El cartero siempre llama dos veces. Glénat. 56 p. B/N. Cartoné. 12,95 € Durán, Luis. Volátil. Edicions de Ponent. 248 p. B/N. Rústica con solapas. 24 € Fontdevila, Manel. La parejita: cazadores de ofertas. RBA Libros. 64 p. Color. Cartoné. 11 € García, Jorge; Martínez, Fidel. Hacerse nadie. Ariadna. 64 p. B/N. Rústica con solapas. 12 € Juan, Ana. Demeter. Edicions de Ponent. 96 p. B/N. Cartoné. 21 € Martín, Óscar. Solo: mundo caníbal. Edicions de Ponent. 248 p. B/N y color. Rústica. 24 € Martín, Sebas. Aún estoy en ello. La Cúpula. 120 p. B/N. Rústica. 9,95 € Meixide, Andrés. Thom. Factoría K de Libros. 64 p. Color. Cartoné. 14 € (Disponible también en gallego) Pallarés, Albert. Baldomero: todo está fatal. RBA Libros. 64 p. B/N. Cartoné. 11 € Pastor, Jordi. Encuentro. Edicions de Ponent. 64 p. B/N. Rústica. 12 € Raule; Ibáñez, Roger. Jazz Manynard vol. 1: home sweet home. Diábolo. 48 p. Color. Cartoné. 16,95 € Saracino; De Isusi. Historias del olvido. Dolmen. 128 p. B/N. Cartoné. 15 € Trillo, Carlos; Breccia, Enrique. Alvar Mayor vol. 2 (de 4). Norma. 160 p. B/N. Rústica. 14 € Trillo, Carlos; Mandrafina, Domingo. Spaghetti Bros vol. 2 y 3. Planeta-DeAgostini. 208 p. B/N. Cartoné. 11,95 € Valenzuela, Santiago. El gabinete del doctor Salgari. Astiberri. 104 p. B/N. Rústica. 16 € Zecchin, Feliciano G. Rail King. Edicions de Ponent. 64 p. Color. Rústica con solapas. 16 €

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Autores japoneses

Baku, Yumemakura; Taniguchi, Jiro. La cumbre de los dioses vol. 1 y 2. Ponent Mon. 328 / 336 p. B/N y color. Rústica. 18 € Daisuke, Nishijima. Diên Biên Phu. Glénat. 176 p. B/N. Rústica. 10 € Hata, Kenjirô. Hayate: mayordomo de combate vol. 3. Glénat. 192 p. B/N. Rústica. 7,50 € Imaizumi, Yoshiharu; Taniguchi, Jiro. Seton vol. 1 y 2. Ponent Mon. 288 / 272 p. B/N y color. Rústica. 18 € Kubo, Tite. Bleach vol. 13 a 16. Glénat. 184 / 200 / 192 p. B/N. Rústica. 7,50 € Kyu-Sok, Choi. Informe sobre el ecosistema de la ciénaga. La Cúpula. 276 p. Color. Rústica con solapas. 24 €

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Ohba, Tsugumi; Obata, Takeshi. Death Note vol. 9 a 12 (de 12). Glénat. 200 / 192 p. B/N. Rústica. 7,50 € Punch, Monkey. Lupin the third vol. 5 (de 5). Mangaline. 576 p. B/N. Rústica. 9,95 € Sakaguchi, Hisashi. Ikkyu vol. 3 y 4. Glénat. 328 / 336 p. B/N. Rústica. 12 € (en català) Sato, Syuho. Say hello to Black Jack vol. 13. Glénat. 208 p. B/N. Rústica. 8,95 € Sekikawa, Natsuo; Taniguchi, Jiro. La época de Botchan vol. 6. Ponent Mon. 300 p. B/N. Rústica. 18 € Takahashi, Rumiko. Lamu (Urusei Yatsura) vol. 13. Glénat. 408 p. B/N. Rústica. 12 € Tezuka, Osamu. Astroboy vol. 19. Glénat. 208 p. B/N. Rústica. 7,50 € INFANTIL Tezuka, Osamu. Black Jack vol. 3 a 6 . Glénat. 304 / 320 p. B/N. Rústica. 12 € VV.AA. Robot vol. 1. Glénat. 164 p. Color. Rústica con solapas. 25 € Yazawa, Ai. Nana vol. 13 a 15. Planeta-DeAgostini. 200 / 192 p. B/N. Rústica. 7,95 € / 6,95 € Yudetamago. Musculman vol. 6 a 10 (de 18). Glénat. 376 / 336 / 384 / 368 p. B/N. Rústica. 10 € INFANTIL (en català) Cara, Diego. Jesús Redondo, forjado en tinta. Colectivo D. Tebeos. 256 p. B/N y color. Rústica con solapas. 16 € De la Calle, Ángel. Hugo Pratt: la mano de dios. Dolmen. 160 p. B/N. Rústica con solapas. 10 € De Salazar, Eduardo. Los Buscema (héroes en su bruma). Sinsentido. 72 p. B/N. Rústica con solapas. 10 € Fernández, Norman. Hermann: la pasión de narrar. Dolmen. 96 p. B/N. Rústica con solapas. 8 € Guiral, Antoni. Del tebeo al manga: una historia de los cómics vol. 2: tiras de humor crítico para adultos. Panini. 208 p. Color. Cartoné. 19,95 € McCabe, Joseph. Junto al rey del sueño: conversaciones con Neil Gaiman y sus colaboradores. Norma. 300 p. B/N y color. Rústica con solapas. 18 € Moliné, Alfons. Novaro (el globo infinito). Sinsentido. 76 p. B/N. Rústica con solapas. 10 € Schmidt, Jérôme; Delpierre, Hervé Martin. Los mundos manga. Océano. 184 p. Color. Rústica con solapas. 26 € Serradilla, Eduardo. Daredevil: demonios y oscuridad. Dolmen. 304 p. B/N. Rústica con solapas. 16,95 € Van Hamme. El gran libro del manga. Malsinet. 544 p. B/N. Rústica. 16,50 €

Teoría y práctica del cómic

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