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ESCULTURA MONUMENTAL
MAGDALENA ABAKANOWICZ
FRANCISCO LEIRO
ANTONIO LÓPEZ GARCÍA
BEVERLY PEPPER
GEORGE RICKEY
TOM OTTERNESS
BLANCA MUÑOZ
13 de febrero - 21 de marzo de 2020
Primera parte
Segunda parte
ESCULTURA MONUMENTAL
Magdalena AbakanowiczFrancisco Leiro
Antonio López GarcíaBlanca MuñozTom OtternessBeverly PepperGeorge Rickey
Martín ChirinoJuan GenovésRed GroomsTony Matelli
Josep Riera i AragóDavid Rodríguez Caballero
Kenneth Snelson
26 de marzo - 30 de abril de 2020
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MAGDALENA ABAKANOWICZ
Magdalena Abakanowicz (Falenty, Polonia, 1930 - Varsovia, Polonia, 2017) es reconocida como una de las voces más sin-gulares y potentes del arte contemporáneo. Sus instalaciones y esculturas, a la vez bellas e inquietantes, son un recordatorio de la fragilidad de la condición humana. La artista vivió una infancia traumática en la Polonia ocupada durante la Segunda Guerra Mundial. Esta experiencia marcó su constante preocupación por asuntos existenciales y su inconfundible lenguaje escultórico. Sobre esa etapa, ella misma dijo: “Cuando tenía 12 años, en 1942, solo podía escapar de la crueldad humana ence-rrándome en mi misma (en un mundo de sueños e imaginaciones)”. Este género de evasión, autodefensa ante la omnipresente propaganda y destrucción, marcaron su producción artística durante décadas.
A lo largo de su vida, la obra de Abakanowicz ha sido expuesta en más de 150 muestras individuales en Europa, Norteamérica, Sudamérica, Japón, Corea del Sur y Australia. En 1999 The Metropolitan Museum of Art de Nueva York celebró una exposi-ción titulada “Abakanowicz on the Roof”, una monográfica de la artista en la terraza del museo. Ese mismo año, los Jardines del Palais Royal de París acogieron otra gran exposición de la artista. Entre numerosos premios y distinciones Abakanowicz ha recibido siete doctorados honorarios de universidades en Europa y Estados Unidos, también ha sido nombrada Coman-dante de las Orden de las Artes y las Letras de Francia y Caballero de la Orden al Mérito de la República Italiana. Ha sido reconocida con el prestigioso premio International Sculpture Center’s Lifetime Achievement en 2005, así como la Gran Cruz del Mérito (Großes Verdienstkreuz mit Stern) de la República Federal alemana en 2010. Entre junio y septiembre de 2020 la Tate Modern de Londres le dedicará una gran retrospectiva.
En los últimos treinta años, Abakanowicz ha desarrollado un gran número de instalaciones escultóricas site-specific que han ido incorporando figuras y elementos de escala creciente. Entre ellas podemos destacar “Negev”, The Israel Museum, Jerusalén, Israel (1987); “Space of Dragon”, Olympic Park, Seúl, Corea del Sur (1985); “Becalmed Beings”, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, Japón (1993); “Space of Unknown Growth”, Europos Parkas, Vilna, Lituania (1997-98); “Unrecognized”, Citadel Park, Poznan, Polonia (2002); “Space of Stone”, Grounds for Sculpture, Hamilton, Nue-va Jersey, Estados Unidos (2003), y su última gran obra pública, “Agora”, un grupo escultórico compuesto por 106 figuras únicas de hierro fundido de más de dos metros y medio de altura instaladas permanentemente en el Grant Park de Chicago desde 2006. El trabajo de Abakanowicz puede encontrarse en numerosas colecciones públicas y museos incluyendo: MoMA (Nueva York, Estados Unidos), Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos), Tate Modern (Londres, Reino Unido), Centre Georges Pompidou (París, Francia), Los Angeles County Museum (Los Ángeles, Estados Unidos), Nasher Sculpture Center (Dallas, Estados Unidos), Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington DC, Estados Unidos), The Israel Museum (Jerusalén, Israel), Hiroshima City Museum of Contemporary Art (Hiroshima, Japón), National Gallery of Art (Washington DC, Estados Unidos), Kyoto National Museum of Modern Art (Kioto, Japón), Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (París, Francia), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museum of Contemporary Art (Chicago, Estados Unidos) y Stedelijk Museum (Ámsterdam, Holanda), entre otros.
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Standing Figures, 2000, bronce, 168 x 51 x 36 cm c/u
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FRANCISCO LEIRO
Podemos considerar el trabajo del escultor Francisco Leiro (Cambados, Pontevedra, 1957) como una metáfora sobre la fragilidad humana. Hay en Leiro una predisposición hacia la ambivalencia entre el sujeto y el objeto, así como entre el lenguaje literal y el figurativo. Podemos afirmar que su trabajo tensa la distancia entre signo y significado. El estilo inconfundible de Leiro, aunque atraviesa por diferentes etapas, siempre obedeciendo a una figuración expre-sionista, mantiene como referente fundamental la utilización de la figura humana. Como dice Rafael Argullol en el texto que escribió para el catálogo de su exposición Purgatorio (Galería Marlborough, Madrid, 2014): “el cuerpo, entendido en su totalidad y en su profundidad, incorpora en sí mismo el universo entero, incluido aquello invisible o intangible. Su lenguaje escultórico apunta al movimiento del cuerpo humano, a sus gestos, a sus expresiones, a la experiencia humana ya sea existencial, cultural o mítica”. Valiéndose de recursos historicistas, en su escultura a menudo se yuxtaponen formas figurativas con otras biomórficas o constructivistas, lo que da origen a piezas con connotaciones alegóricas. El retrato psicológico de los personajes es asi-mismo un factor importante en la escultura de este artista, así como la utilización de elementos narrativos. La pieza que presenta en esta exposición de granito y hierro fundido, entra dentro de su obra de corte más esquemático y formalista. Entre sus exposiciones más importantes cabe destacar: “Roteiro”, Tabacalera, Madrid (2019); “Francisco Leiro”, CAC, Málaga (2018); “Francisco Leiro. Human Resources”, Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2013); “Re-taule”, Palau de la Música Catalana, Barcelona (2008); “Diálogos de Silencio”, Dag Hammarskjold Plaza, Instituto Cervantes, Nueva York, Estados Unidos (2005); “Francisco Leiro”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Pala-cio de Cristal, Madrid (2004); “Francisco Leiro”. Museo de Arte Moderna da Bahia, Salvador de Bahía, Brasil (2004); “Francisco Leiro”. Marlborough Chelsea, Nueva York, Estados Unidos (1997). Su obra está presente en colecciones de todo el mundo: Akron Art Museum (Ohio, Estados Unidos), Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Com-postela), Colección Fundación La Caixa (Barcelona), Museo de Arte Contemporáneo MACBA (Barcelona), Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano (Valladolid) y Museo Marugame Hirai (Kagawe, Japón).
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Escorrodoira, 2019, hierro y granito, 220 x 185 x 110 cm
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ANTONIO LÓPEZ GARCÍA
Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 1936) es uno de los mayores exponentes del Realismo pictórico y es-cultórico en el ámbito artístico internacional. López acomete sus motivos más habituales, como son los interiores o la figura humana, sus paisajes y vistas urbanas, principalmente de Madrid buscando captar la esencia del objeto, la persona o paisaje representado. En 2008 Antonio López culminó su primer encargo de escultura monumental pública en solitario. Estas esculturas son el retrato de su nieta Carmen, dormida y despierta, que Antonio realiza en 1999 y 2000 a tamaño natural y que más tarde decide llevar a tamaño monumental por el significado y simbología que alcanzarían al aumentar sus dimensiones. Mien-tras que en el tamaño natural de estas piezas sentimos la delicadeza y fascinación que produce un ser recién nacido, las monumentales se convierten en metáforas de lo misterioso del ser en conexión con los ciclos naturales del día y la noche. Estas obras, La Noche y El Día, se instalan en la que fue su primera ubicación en la estación de Atocha de Madrid. Estas esculturas le inspiraron para comenzar a trabajar en distintas obras escultóricas centradas en la figura humana a escala monumental. En abril de 2008, el Museum of Fine Arts de Boston le dedica una exposición individual que tiene gran eco en el panorama de la crítica internacional. El artista está preparando una gran exposición de pintura y escultura que se celebrará próximamente en Marlborough Nueva York.
Entre sus últimas exposiciones individuales destacan: “Antonio López García. Il silenzio della realtà. La realtà del silen-zio”. Palazzo Chiericati, Vicenza, Italia (2014-2015); “Antonio López García, Caravaggio, Cena per due”. Pinacoteca di Brera, Milán, Italia (2014); “Antonio López Master of Realism”. Exposición Itinerante: The Bunkamura Museum of Art, Tokio; Nagasaki Prefectural Art Museum, Nagasaki, Japón; Iwate Museum of Art (2013), Japón; “Antonio López”. Fundación Sorigué, Lleida (2012); “Antonio López”, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (2011).
Su trabajo se encuentra en colecciones de todo el mundo como: MoMA (Nueva York, Estados Unidos), Centre Georges Pompidou, (París, Francia), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Fundación Juan March (Madrid), Fundación ICO (Madrid), Patrimonio Nacional (Madrid), Colección Masaveu (Madrid y Oviedo), The Museum of Fine Arts (Boston, Estados Unidos), Artium (Vitoria), JP Morgan Chase Manhattan Bank (Nueva York, Estados Unidos), Musée National d’Art Moderne (París, Francia), Nagasaki Prefectural Museum of Art (Nagasaki, Japón), Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber (Caracas, Venezuela), The Baltimore Museum of Art (Maryland, Estados Uni-dos) y The Cleveland Museum of Art (Ohio, Estados Unidos), entre otros.
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Carmen despierta (El día), 2008, bronce, edición de 3, 245 x 209 x 246 cm Carmen dormida (La noche), 2008, bronce, edición de 3, 240 x 191 x 225 cm
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BLANCA MUÑOZ
El trabajo de Blanca Muñoz (Madrid, 1963) se caracteriza por el equilibrio de volúmenes y los juegos de luces sobre el metal, su lenguaje se mantiene sólido e inconfundible ya sea trabajando a escala monumental o en piezas de pequeño formato. La escultora ha expuesto a lo largo de los últimos veinticinco años en lugares como el Museo Reina Sofía o el Museo del Prado además de sus individuales en Colonia, Nueva York o París. Blanca Muñoz recibe el Premio Nacional de Grabado en 1999. En 2019 ha sido nombrada académica de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ha sido ga-lardonada además con el Primer Premio de Escultura Bancaixa (Valencia, 2000) o el Primer Premio I Bienal de Escultura Riofisa (Madrid, 2001). En el año 2014 recibió, de la Fundación BBVA, la primera convocatoria de las becas Leonardo. Una gran escultura colgante de Blanca Muñoz preside el vestíbulo de la Fundación Masaveu de Madrid. Su obra está presente también en numerosos museos y colecciones, entre los que cabe destacar: Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes (Roma, Italia), Calcografía Nacional Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Ma-drid), Biblioteca Nacional (Madrid), Palacio de la Zarzuela (Madrid), Museo de L’Almodi (Valencia), la Quinta Colo-rada (México DF, México), Museo del Cabildo Insular de la Palma (Santa Cruz de Tenerife), Museo de Bellas Artes de Álava (Vitoria), Museum Würth (Künzelsau, Alemania), Fundación Coca-Cola (Madrid), Colección Caja de Burgos (Burgos), Ayuntamiento de Pamplona (Pamplona), Fundación Bancaja (Valencia), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Banco de España (Madrid), Fundación Bilbao-Arte (Bilbao), Museo Würth (La Rioja) y Fundación Juan March (Madrid).
Entre sus últimas exposiciones individuales destacan: “Vaivén”, Galería Marlborough, Madrid (2018), “Recapitulación”, Galería Marlborough, Barcelona (2016), “El universo transparente” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Sala Espacio Uno, Madrid, (2014), “Circunnavegación” 1990-2013”, Sala de Exposiciones Alcalá 31, Madrid (2013), “Cue-va de Estrellas” sala la Gallera, Valencia (2010), “Blue Dance” Marlborough Gallery Chelsea (2009) y su presencia en la exposición colectiva “Women to Watch 2018: Heavy Metal” National Museum of Women in the Arts, Washington, Estados Unidos (2018), entre otras.
Algunas de sus esculturas públicas más importantes son: Géminis en la Torre Cepsa de Norman Foster (Madrid), Persei-das II en el Parque de la Curva de Glorieta (Bilbao), Panta rei en la Plaza del Siglo (Málaga) y Eclíptica en el Palacio de Congresos (Badajoz).
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Cueva de Montesinos II, 2006-2019, acero inoxidable, 220 x 360 x 252 cm
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TOM OTTERNESS
El trabajo de Tom Otterness (Wichita, Kansas, Estados Unidos, 1952) se inspira en las imágenes de la iconografía moderna. A través de estas figuras el artista puede transmitir mensajes profundos sobre la condición humana sin que el espectador se sienta ofendido o amenazado. Las conocidas y enormemente originales obras de Tom Otterness le han convertido en uno de los artistas americanos más populares de hoy en día. Sus emblemáticas figuras – compuestas por conos, esferas y cilindros – se presentan en una amplia variedad de composiciones. Las formas tienen un efecto de líneas universales, manteniéndose a la vez, muy expresivas. Cada una se identifica en su propia creación reflejando temáticas inspiradas en la historia del arte, fábulas, alegorías o eventos de la actualidad. Otterness es uno de los artistas dedicados a la escultura pública más apreciados y prolíficos de Estados Unidos. En 2004, el artista presentó una serie de exposiciones de obra monumental al aire libre, comenzando por la aclamada “Tom Otter-ness on Broadway”, que incluía 25 esculturas de bronce.
Entre sus obras públicas más importantes se encuentran: Life Underground, 14th Street Subway Station ACEL Lines y 8th Avenue, Metropolitan Transportation Authority, Nueva York, Estados Unidos (2004), con una obra pública per-manente de más de 100 esculturas en el Metro de Nueva York; Other Worlds, Hamad International Airport, Doha, Qa-tar (2014); Creation Myth, Memorial Art Gallery Centennial Sculpture Park, Rochester, Nueva York, Estados Unidos (2013); Otterness’s Playground, Silver Towers, Nueva York, Estados Unidos (2010); DNA, University of Florida, Gains-ville, Florida, Estados Unidos (2007); Dumpty, Macy’s Thanksgiving Day Parade, Nueva York, Estados Unidos (2005); El Coqui Gigante de Las Cavernas del Río Camuy, Parque de Los Cavernas del Río Camuy, Camuy, Puerto Rico (2004); Untitled, Museum Beelden aan Zee, The Museum Foundation, Scheveningen, Holanda (2004). Podemos destacar entre sus exposiciones más recientes: “Tom Otterness: Metal on Paper”, Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2015); “Tom Otterness: Creation Myth”, Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2014); “Tom Otterness in Grand Rapids: The Gardens to the Grand”, Frederick Meijer Gardens and Sculpture Park, Grand Rapids, Michigan, Estados Unidos (2006); “Free Money on Park Avenue”, Park Avenue y calle 57, Nueva York, Estados Unidos (2003); “Tom Otterness”, Galería Marlborough, Madrid (1999).
Sus obras están presentes en numerosos museos como: MoMA (Nueva York, Estados Unidos), Whitney Museum of American Art (Nueva York, Estados Unidos), The Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York, Estados Unidos), Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, Estados Unidos), Dallas Museum of Art (Dallas, Texas, Estados Unidos), The Miyagi Museum of Art (Sendai, Japón), Miami Art Museum (Miami, Florida, Estados Unidos), The Israel Museum (Jerusalén, Israel), Institut Valencia d’Art Modern, IVAM (Valencia), Centro Julio González (Valencia) y Museo Rufino Tamayo (Ciudad de México, México).
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Kissing Spheres (Large), 2016, bronce, edición de 3, 190,5 x 132 x 89 cm
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BEVERLY PEPPER
La estadounidense afincada en Italia Beverly Pepper (Nueva York, Estados Unidos, 1922) ha desarrollado una carrera como escultora a lo largo de más de siete décadas. Pionera en el uso artístico del acero industrial Cor-ten, Pepper tam-bién ha trabajado con hierro fundido, bronce, acero y piedra para crear piezas monumentales siempre en diálogo con el entorno natural o urbano. Es conocida por proyectos adscritos al Land art y por su manejo del equilibrio a través de la tensión y de las proporciones. Junto con el paisaje, el paso del tiempo es otro elemento esencial de su lenguaje, en sus piezas siempre está presente el deseo de trascendencia, de crear algo más allá de su época. Su trabajo está presente en numerosos museos y colecciones del mundo entre los que destacan: The Metropolitan Mu-seum of Art (Nueva York, Estados Unidos), The Whitney Museum of American Art (Nueva York, Estados Unidos), Natural Art Gallery (Washington D.C., Estados Unidos), Albertina Museum (Viena, Austria), Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, Nueva York, Estados Unidos), Brooklyn Museum, (Nueva York, Estados Unidos), The Jewish Museum (Nue-va York, Estados Unidos), Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park (Grand Rapids, Míchigan, Estados Unidos), Fine Arts Museums of San Francisco (San Francisco, Estados Unidos), Centre Georges Pompidou (París, Francia), Hirschorn Museum and Sculpture Garden (Washington, Estados Unidos), The Walker Art Center (Minneapolis, Minnesota, Estados Unidos), The Smithsonian (Washington D.C., Estados Unidos), Les Jardins du Palais Royal (París, Francia) o el Palazzo degli Uffizi (Florencia, Italia). Condecorada como Caballero de la Orden de las Artes y las Ciencias en Francia, Pepper también recibió el Alexander Calder Prize.
Entre sus obras públicas e intervenciones en el paisaje más célebres destacan: el Beverly Pepper Park (Todi, Perugia, Italia), el Parque Sol i Ombra (Barcelona), los Manhattan Sentinels (Federal Plaza, Nueva York, Estados Unidos), Den-ver Monoliths (Denver Art Museum, Denver, Colorado, Estados Unidos), Palingenesis (Credit Suisse, Horgen, Suiza), Spazio Teatro Celle, Omaggio a Pietro Porcinai (Pistoia, Italia), Walls of Memory, for my Grandmother (Europos Par-kas, Vilna, Lituania). Sus exposiciones recientes más relevantes han sido: “Drawn into form: Sixty years of Drawings and Prints by Beverly Pepper”, Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - Grand Rapids, Michigan, Estados Unidos (2018); “Beverly Pepper: New Tabletop Sculptures”; “Beverly Pepper: Curvae in Curvae II”, Marlborough Fine Art Gallery, Londres, Reino Unido (2014); “Beverly Pepper all’Ara Pacis”, Roma, Italia (2012); “Beverly Pepper: Curvae in Curvae”, Marlborough Chelsea, Nueva York, Estados Unidos (2012); “Metamorphoses”, Marlborough Chelsea, Nueva York, Estados Unidos (2010) y “Art Gallery of the Graduate Center”, The Graduate Center, City University of New York, Nueva York, Estados Unidos (2007).
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Ptolemy’s Wedge II, 2005, acero cortén, edición de 4, 305 x 35 x 38 cm
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Wedge Tree, 2005, acero, 282 x 61 x 30,5 cm
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GEORGE RICKEY
George Rickey (South Bend, Indiana, Estados Unidos, 1907 – Saint Paul, Estados Unidos, 2002) comenzó a experimen-tar con las estructuras de metal durante su servicio en la Segunda Guerra Mundial. El contacto con el equilibrio y el dinamismo de aquellos mecanismos fue el comienzo de un camino creativo que le llevó a convertirse en uno de los más importantes representantes de la escultura cinética internacionalmente. La obra de Rickey incorpora no solo el movi-miento, sino el tiempo como elemento fundamental, sus obras no están motorizadas, por lo tanto el espectador tiene que esperar para ver la escultura “completa” también en su dimensión dinámica. A este proceso hay que añadirle los retos que plantean las esculturas pensadas para ser expuestas al aire libre tanto en entornos urbanos como en plena naturaleza. El artista ha recibido distinciones honorarias de nueve instituciones, fue elegido como miembro del National Institute of Arts and Letters (1974) y recibió la Gold Medal of Sculpture de la American Academy of Arts and Letters. La obra de Rickey está presente en colecciones públicas y privadas de todo el mundo incluyendo: The J. Paul Getty Mu-seum (Los Ángeles, Estados Unidos), Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York, Estados Unidos), Hara Museum of Contemporary Art (Tokio, Japón), The High Museum of Art (Atlanta, Estados Unidos), Los Angeles County Museum of Art (Los Ángeles, Estados Unidos), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos) The Museum of Fine Arts (Dallas, Estados Unidos), MoMA (Nueva York, Estados Unidos) The National Gallery (Edimburgo, Es-cocia), The National Gallery of Art (Washington DC, Estados Unidos), New Orleans Museum of Art (Nueva Orleans, Estados Unidos), Ruckversicherungs-Gesellschaft (Múnich, Alemania), Städel Museum (Francfort, Alemania) o la Tate Gallery, (Londres, Reino Unido). Entre sus exposiciones más importantes destacan: “George Rickey: Sculpture from the Estate”, Marlborough Fine Art, Londres, Reino Unido (2017); “George Rickey: Selected Works from the Estate 1954-2000”, Marlborough Gallery, Nueva York (2016); “George Rickey: Esculturas”, Galeria Marlborough, Barcelona (2015) o “Deux Américains à Paris. Sculptures de George Rickey et Kenneth Snelson”, Palais Royal, París, Francia (2004). Se proyecta una gran exposición que tendrá lugar en otoño de 2020 en Park Avenue (Nueva York, Estados Unidos).
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Two Lines Up Excentric Gyratory II, 1998, acero inoxidable, 320 x 254 x 254 cm
FOTOGR A F ÍA /
Pg. 8: Roberto Varela
Pg. 11: Roberto Quintero
Pg. 12: María López Moreno
Pgs 14, 15: Raúl Muñoz
Pg. 16: Arturo Muñoz
Pg. 19: Oak Taylor-Smith
Pgs. 27, 29: Pierre Le Hors
Pg. 30: TGL
Obras a la venta de:
Impresionistas y Postimpresionistas;
Maestros europeos del siglo XX;
Expresionistas alemanes; artistas americanos de la posguerra
Madrid / GALERÍA MARLBOROUGH, S.A.
Orfila, 5
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COORDINACIÓN DE EXPOSICIÓN / Anne Barthe
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