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ENG

The music from Erwin Schulhoff, Paul Hindemith, Hans Gál, to Werner Heider and Edison Denisov, reflects our common European identity. By working on it, it takes us back to that time, just as a scent can. Even though neither of us lived or experienced that era, we have a hint of the past in us. We are a small part of this history and cannot ignore it. Both of us live far away from our cultural heritage on an island in the middle of the Atlantic Ocean, and that experience allows us to reflect on our original culture from a new perspective. The listener will hear Middle-European culture very clearly in this music, for example in the beginning of Paul Hindemith’s Sonata. Likewise, the text of the poem written on the score before the last movement underlines the mood for this whole CD:

“Your task, it is, amidst confusion, rush and noiseTo grasp the lasting, calm, and meaningfulAnd finding it anew, to hold and treasure it.”

From the Poem The Posthorn (Dialogue) Author: Paul Hindemith

The nostalgic reflection and hope for the future in this poem give me a feeling of stability in a world of many changes. The warm sound of the alto saxophone expresses this feeling, and that sound has always enchanted and captured me. Without that sound I might not have chosen my profession with such profound conviction. In my life as a classical saxophonist I have always aimed for an even and warm tone.

My pianist, Aladár Rácz, introduced me to the works of Hans Gál, his fellow countryman, with whose pieces he is very familiar and which he has played for a long time. In Gál’s piece, Suite, Op.102, the soft, warm sound of the alto saxophone can be fully experienced.

This CD contains saxophone music from Middle- and Eastern Europe composed between the years 1930-1970. The oldest piece, Hot-Sonate, is from the year 1930, around the time when the youngest composers on this CD were born – Edison Denisov in 1929 and Werner Heider in 1930. This collection reflects well Europe’s turbulent mood during the middle of the last century; one of a World War and civil and social rebellions. These historical events did not pass quietly by these composers – in fact, three of them, Hindemith, Gál and Schulhoff, were persecuted by the Nazis during and after 1933. Hindemith managed to escape to the USA and Gál to Britain, but Schulhoff did not survive.

Three of the works on this CD have at least a hint of jazz in them, highlighting the influence jazz had on that composer. As suggested by their titles, these are the works of Schulhoff (Hot-Sonate) and Werner Heider (Sonata in Jazz). Likewise, jazz can be noted in Denisov’s Sonata, for example the walking bass-line that sounds like a plucked bass, and in the piano’s bass notes in the third movement.

I hope you will enjoy listening to the works of these great composers as much as Aladár and I enjoyed playing them.

Guido Bäumer

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A product of the 19th century, but definitively associated with

the music of the 20th century, the saxophone is far more likely

to be associated with the bustle and colour of clubs and dance

halls than with the more restrained atmosphere of the recital

room or concert hall.

The works on this disc span a period of 40 years (1930-70), and

each seems to pose a question about how the saxophone might

behave in a recital. Is it to be contained by good manners and

formal decorum, or allowed to imbue the recital with something

of the jazz club? The responses of these five composers owe

something to their political and cultural circumstances, but

can also be seen in more general terms as responses to the

phenomenon of the saxophone in the 20th century as an icon of

a new and popular musical culture.

The Suite for Alto Saxophone and Piano, Op.102b (1949) by

Hans Gál (1890-1987) seems determined to draw the instrument

away from the hedonistic world of jazz. An Austrian who studied

in Vienna, Gál developed a significant reputation as both

composer and teacher in Austria and Germany, before the rise

of the Nazis caused him to leave for Edinburgh, where he spent

the second half of his life. Written near the beginning of his time

in Edinburgh, the style of the Suite, despite occasional touches

of more Straussian harmony, is firmly rooted in an essentially

conservative Austro-Germanic tradition.

The first movement sets the tone, with elegant arches of melodic

writing and an uncluttered texture of supporting piano chords.

The Furioso which follows changes of the mood but maintains

the same clarity of structure and texture. The third movement

is a graceful minuet and the final Burla contains jaunty music in

6/8 which seems to reflect Gál’s earlier successes as a composer

of comic opera.

If Gál seems intent on presenting the saxophone as part of the

ordered world of Germanic chamber music, the Hot-Sonate

(1930) of Erwin Schulhoff (1894-1942) offers an alternative view.

Schulhoff was a Czech composer of German descent whose

creative life represents something of a stylistic odyssey. His early

works were distinctly Romantic,

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but he later embraced Expressionism, Dadaism, jazz and finally

a simpler style influenced by Soviet Realism, to which he was

politically inclined. He was arrested by the Nazis in 1939 and

died of tuberculosis in a concentration camp.

The first movement of Hot-Sonate shows jazz influences

in its syncopations and figurations. It shares with Gál an

elegance of melody and accompaniment, but uses more up-

to-date harmonies including whole-tone colours. The second

movement takes us a little closer to the jazz club, with its

displaced accents and bluesy harmonies. But it is only in the

third movement, where the saxophone is marked lamentuoso

ma molto grottesco and accompanied by 7th chords, that the

music really seems to free itself from the good manners of the

concert hall. The final movement alternates fast rhythmic music

with lively cross rhythms, and a mellower style referring back to

the first movement. It is through such formal devices that the

free spirit of jazz is brought into the more controlled world of

the classical sonata.

The Sonata by Paul Hindemith (1895-1963) was not written

specifically for the saxophone, but for the alto horn (the composer

specifying French horn and alto saxophone as alternatives).

Composed in 1943, it was part of Hindemith’s project to write

sonatas for all the wind instruments. Like Schulhoff, Hindemith’s

early compositional career was influenced by Late Romanticism

and Expressionism. But in the 1920s, his music became the

exemplification of Neue Sachlichkeit (New Objectivity): a reaction

against the excesses of late Romanticism and a response by

younger German composers to the new social conditions after

World War I.

The first movement is built around the gentle style and flowing

rhythms of the opening melody. Like the first movement, the

second is in a clear ABA shape, but much livelier, with plenty of

contrapuntal activity in the piano. The middle section is built

from 16 repetitions of the same rhythmic phrase, and the final

part of the movement seems intent on further development

rather than simple return, giving the movement structural

energy. The brief third movement adopts a slow, formal style,

with dotted rhythms, highly characteristic of Hindemith.

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The finale is prefaced by Hindemith’s own poem, The Posthorn

(Dialogue). The music seems to follow the form of a dialogue,

the movement beginning with an extended passage for piano

alone in fast compound time, rather like a gallop. When the

saxophone enters, it does so with music at a much slower (though

related) speed, and in the final section both musics combine.

The posthorn of the poem harks back to the past. Like Schulhoff

and Gál, Hindemith’s career in Germany was interrupted by

the Nazis, and this work was written while he was an exile in

the USA. If not specifically conceived for the instrument, the

saxophone gives authentic voice to the tone of nostalgia in

the work; it is particularly affecting that the instrument most

strongly associated with the New World is used here to convey

longing for the old world – for a Germany which seemed lost for

ever.

Werner Heider (b.1930) was born in Bavaria, and has been

involved as both composer and performer with experimental and

contemporary musical ideas, as well as jazz and improvisation,

giving his output a wide frame of reference. His Sonata in

Jazz (1954) is a relatively early work, and in some ways seems

to refer back to the world of Schulhoff’s Hot-Sonate. The first

movement builds up from its opening material – a syncopated

chordal gesture in the piano and a rising and falling flourish in

the saxophone – into a sonata-form like structure. The second

movement develops the languid side of jazz, with a swinging

melodic ballad. The brief middle section uses rhythmic unisons

and seems to imply a quiet tutti saxophone section. The final

movement takes up a livelier jazz trope with a main melody

based on an endless stream of notes, reminiscent of Bebop.

Four clear statements of this melody are interspersed with more

developmental versions of the material, including a short but

dramatic piano ‘solo’ before the final melodic statement.

The development of jazz in Germany, such a vibrant force

in the 1920s, was interrupted by Nazi suppression. A similar

situation pertained in the Soviet Union, and for composers of

the generation of Edison Denisov (1929-1996) both jazz and the

avant-garde were regarded by the authorities as inappropriate

for Soviet composers.

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Denisov, one of the most important of the generation of

Soviet composers after Shostakovich, was a figurehead for

contemporaries and younger colleagues who were seeking to

explore the then forbidden musical developments in the West.

When Denisov wrote his Sonata for Alto Saxophone and

Piano in 1970 the saxophone was little known in Soviet Russia,

and it was a visit to Moscow by its dedicatee and first performer

Jean-Marie Londeix which stimulated the composer to write the

work. If both Schulhoff and Heider in their different ways put

jazz materials into a frame which might broadly be characterised

as neo-classical, Denisov, with his parallel interest in both jazz

and the Western European avant-garde, moves the idea of a

jazz-influenced saxophone sonata into new territory. The pitch

material combines 12-note rows with elements of jazz-inspired

harmonies and extended playing techniques, some familiar

from jazz (the growl), but others more associated with the

avant-garde (multiphonics and quarter-tones).

The first movement is built from three waves of material,

including the alternation of the saxophone with punctuating

piano chords, repeated note gestures, and places where

the instruments play together but with different rhythmic

subdivisions, creating a more complex texture. The contrasting

second movement, written without bar lines, has a free,

improvisatory feel for the saxophone, the piano only making a

very muted appearance towards the end. In the final movement,

the jazz influence comes to the fore. It is in distinct sections,

each built on an ostinato bass in the piano and generating the

feel of a rhythm section; this forms the basis for many allusions

to jazz ensemble scoring.

Denisov’s combination of the freedom and exuberance of jazz

with his own musical language makes a fitting conclusion to

the disc, demonstrating an approach to the saxophone sonata

which balances the colours of the jazz club with the control of

the recital room.

Hugh Collins Rice

Text by Hugh Collins Rice / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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Guido Bäumer (Saxophone) was born in Germany. At a young

age, he entered the Musikhochschule in Bremen, Germany,

obtaining a teaching degree for saxophone and flute. Guido

then studied at the Musikhochschule Basel in the concert class

of Professor Iwan Roth, where he achieved a concert diploma par

excellence for saxophone.

Guido then completed a post-graduate degree from the Bowling

Green State University of Ohio, USA, achieving the prestigious

Artist’s Certificate.

He has participated in various masterclasses, and has been a

participant and a winner of several competitions in Germany

and France.

Guido is a member of the Icelandic Saxophone Quartet, which

has been active since 2006 and which is celebrated in Iceland.

Guido also plays with diverse chamber music groups and

orchestras in Iceland, such as Caput-Neue Musikensemble and

the Iceland Symphony Orchestra.

Aladár Rácz (Piano) was born in Bucharest, Romania, from

Hungarian roots. He started his musical education at the George

Enescu Music School in Bucharest, and then moved on to the

Academy of Music in Bucharest.

After completing his degree, he soon completed his post-

graduate studies at the Academy of Music in Budapest, Hungary.

Aladár has participated in numerous masterclasses, and has

been a participant in and winner of international competitions

in Spain and Italy, among others.

Aladár takes an active part in Icelandic musical life, performing

as a soloist, a chamber musician, and as an accompanist.

Notable performances include the Brahms Piano Concerto No.1

and Beethoven’s Piano Concerto No.1 with the North Iceland

Symphony Orchestra.

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Aladár Rácz Guido Bäumer

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FRA

La musique d’Erwin Schulhoff, Paul Hindemith, Hans Gál, Werner Heider et Edison Denisov reflète notre identité européenne com-mune. En nous penchant sur cette identité, nous nous retrouvons transportés dans un moment précis, à l’instar d’une odeur ou d’un parfum. Même si aucun d’entre nous n’a vécu ou connu cette époque, nous avons un soupçon du passé en nous. Nous sommes une petite partie de cette histoire et nous ne pouvons l’ignorer. Nous vivons tous deux loin de notre patrimoine culturel, sur une île au milieu de l’océan Atlantique, et cette expérience nous permet de réfléchir à notre culture d’origine. L’auditeur retrou-vera très clairement les couleurs de l’Europe centrale dans cette musique, par exemple au début de la Sonate de Paul Hindemith. De même, le texte du poème incorporé dans la musique avant son dernier mouvement reflète l’esprit de l’ensemble du CD.

« Votre tâche, au milieu du tumulte et du bruitest de saisir le durable, le calme, l’essentiel,

et l’ayant retrouvé, de le conserver et le chérir. » Extrait du poème Das Posthorn (Dialogue) auteur : Paul Hindemith

La réflexion nostalgique et l’espoir en l’avenir dans ce poème m’apportent une sensation de stabilité dans un monde en proie à de nombreux changements. Le son chaud du saxophone alto exprime ce sentiment, et ce son m’a toujours enchanté et captivé. Sans ce son, je n’aurai sans doute pas choisi ma profession avec une telle conviction profonde. Dans ma carrière de saxophoniste classique, j’ai toujours recherché un ton équilibré et chaleureux.

Mon pianiste, Aladár Rácz, m’a présenté des œuvres de Hans Gál, son compatriote, dont il est très familier et qu’il a joué à maintes reprises. Dans la pièce Suite op. 102 de Gál, le son chaud et feutré du saxophone alto est au premier plan.

Ce CD présente des musiques d’Europe centrale et orientale composées entre les années 1930-1970. La pièce la plus ancienne, Hot-Sonate, date de 1930, vers l’époque où les plus jeunes compositeurs de ce CD sont nés - Edison Denisov en 1929 et Werner Heider en 1930. Cette collection reflète l’atmosphère turbulente de l’Europe au milieu du dernier siècle, entre guerres mondiales et révoltes civiles et sociales. Ces événements historiques n’ont pas épargné ces compositeurs - en fait, trois d’entre eux, Hinde-mith, Gal et Schulhoff, ont été persécutés par les nazis pendant et après 1933. Hindemith a réussi à s’échapper aux USA et Gál en Grande-Bretagne, mais Schulhoff n’a pas survécu.

Trois des œuvres sur ce CD comportent un soupçon de jazz, et soulignent l’influence de cette forme musicale sur le compositeur. Comme suggéré par leurs titres, ce sont les œuvres de Schulhoffs (Hot-Sonate) et Werner Heiders (Sonata in Jazz). De même, le jazz est présent dans la Sonate de Denisov, par exemple la ligne de basse qui sonne comme une contrebasse en pizzicato, et dans les notes graves du piano dans le 3e mouvement.

J’espère que vous écouterez les œuvres de ces grands compositeurs avec autant de plaisir qu’Aladár et moi en avons eu à les jouer.

Guido Bäumer

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Création du XIXe siècle mais définitivement associé à la musique

du XXe siècle, le saxophone évoque davantage l’atmosphère des

clubs et des cabarets que celle, plus sobre, des salles de concert

et récital.

Les œuvres proposées sur ce disque couvrent une période de

quarante ans (1930-70) et chacune envisage la manière dont le

saxophone peut se comporter dans le cadre d’un récital. Sera-t-

il contraint par les bonnes manières et la bienséance ou pourra-

t-il au contraire insuffler l’atmosphère du club de jazz  ? Les

réponses de ces cinq compositeurs doivent certainement à leurs

circonstances politiques et culturelles, mais peuvent également

être vues de manière plus générale comme des réponses au

phénomène du saxophone à travers le XXe siècle, instrument

symbole d’une culture musicale nouvelle et populaire.

La Suite pour Saxophone Alto et Piano op.102b (1949) de

Hans Gál (1890-1987) semble déterminée à tirer l’instrument

loin du monde hédoniste du jazz. Un Autrichien ayant étudié

à Vienne, Gál a développé une réputation importante à la fois

comme compositeur et enseignant en Autriche et en Allemagne,

avant la montée du nazisme qui le fit partir pour Edimbourg, où

il a passé la deuxième moitié de sa vie. Écrit durant les premières

années de sa vie à Edimbourg, le style de la Suite, malgré

certaines touches d’harmonie straussienne, est solidement

ancré dans une tradition austro-germanique essentiellement

conservatrice.

Le premier mouvement donne le ton, avec des arches élégantes

d’écriture mélodique et un accompagnement sobre au piano.

Le Furioso qui suit modifie l’humeur, mais maintient la même

clarté de structure et texture. Le troisième mouvement est

un menuet gracieux et la Burla finale introduit une musique

enjouée en 6/8 qui semble refléter les succès antérieurs de Gál

comme compositeur d’opéra comique.

Si Gál semble vouloir présenter le saxophone dans le cadre

de l’univers ordonné de la musique de chambre germanique,

la Hot-Sonate (1930) d’Erwin Schulhoff (1894-1942) propose

une vision alternative. Schulhoff était un compositeur tchèque

d’origine allemande dont la vie créative fut une véritable

odyssée stylistique. Ses premières œuvres étaient clairement

romantiques, mais il a ensuite embrassé l’expressionnisme, le

dadaïsme, le jazz et enfin un style plus simple influencé par le

réalisme soviétique, vers lequel il était politiquement incliné.

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Il fut arrêté par les nazis en 1939 et mourut de la tuberculose

dans un camp de concentration.

Le premier mouvement de Hot-Sonate montre ses influences

jazz dans ses syncopes et figurations. Il partage avec Gál une

élégance de la mélodie et de l’accompagnement, mais utilise

des harmonies plus à jour, avec des nuances de gammes par ton.

Le deuxième mouvement nous porte un peu plus près du club

de jazz, avec ses accents déplacés et ses harmonies blues. Mais

c’est seulement dans le troisième mouvement, où le saxophone

est marqué lamentuoso ma molto grottesco et accompagné

par des accords de 7ème, que la musique semble vraiment se

libérer des bonnes manières de la salle de concert. Le dernier

mouvement alterne musique rythmée rapide avec des rythmes

croisés entraînants, et un style plus doux renvoyant au premier

mouvement. C’est à travers de tels dispositifs formels que l’esprit

libre du jazz est transporté dans le monde plus contrôlé de la

sonate classique.

La Sonate de Paul Hindemith (1895-1963) n’a pas été écrite

spécifiquement pour le saxophone, mais pour le cor alto (le

compositeur précisant cor français et saxophone alto comme

alternatives). Composée en 1943, elle faisait partie du projet de

Hindemith visant à écrire des sonates pour tous les instruments

à vent. Comme Schulhoff, le début de carrière de Paul Hindemith

a été influencé par le romantisme tardif et l’expressionnisme.

Mais dans les années 1920, sa musique est devenue l’exemple

même de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité)  : une

réaction contre les excès du romantisme tardif et une réponse

des jeunes compositeurs allemands aux nouvelles conditions

sociales après la Première Guerre mondiale

Le premier mouvement est construit autour du style léger et des

rythmes fluides de la mélodie d’ouverture. Comme le premier

mouvement, le second est clairement dans une forme ABA,

mais beaucoup plus animé, parsemé d’activité contrapuntique

dans le piano. La section du milieu est construite à partir de

16 répétitions de la même phrase rythmique, et la dernière

partie du mouvement semble déterminée à la poursuite

du développement plutôt qu’à un simple retour, donnant

au mouvement son énergie structurelle. Le bref troisième

mouvement adopte un style formel

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lent, avec des rythmes pointés, très caractéristiques de

Hindemith. Le finale est préfacé par un poème de Paul Hindemith

lui-même, Das Posthorn (Dialogue). La musique semble suivre la

forme d’un dialogue ; le mouvement commence par un passage

prolongé pour piano à tempo rapide, un peu comme un galop.

Lorsque le saxophone entre, il le fait à un rythme beaucoup plus

lent (mais connexe), et dans la section finale les deux musiques

se combinent. Le posthorn du poème renvoie au passé. Comme

Schulhoff et Gál, la carrière de Hindemith en Allemagne a été

interrompue par les nazis, et cette œuvre a été écrite alors qu’il

était en exil aux Etats-Unis. Bien que non spécifiquement conçue

pour l’instrument, le saxophone donne une voix authentique à

la tonalité nostalgique de cette œuvre. Il est particulièrement

touchant que l’instrument le plus fréquemment associé au

Nouveau Monde soit utilisé ici pour exprimer la nostalgie du

vieux monde, pour une Allemagne qui semblait perdue à jamais.

Werner Heider (b.1930) est né en Bavière et a évolué à la fois

comme compositeur et interprète dans l’univers musical

expérimental et contemporain ainsi que le jazz et l’improvisation,

ce qui confère à son œuvre un vaste cadre de référence. Sa

Sonata in Jazz (1954) est une œuvre relativement précoce et

à certains égards semble renvoyer au monde de la Hot-Sonata

de Schulhoff. Le premier mouvement se développe à partir du

thème d’ouverture – des accords de piano syncopés et un motif

montant et descendant au saxophone  – vers une forme de

sonate. Le deuxième mouvement développe le côté langoureux

du jazz, avec une ballade mélodique pleine de swing. La brève

section du milieu utilise des unissons rythmiques et semble

impliquer une section tutti saxophone tranquille. Le dernier

mouvement prend un motif de jazz vibrant avec une mélodie

principale basée sur un flot ininterrompu de notes, rappelant

le Be-bop. Quatre déclarations claires de cette mélodie sont

entrecoupées par des versions de développement, dont un

solo de piano court mais spectaculaire avant la déclaration

mélodique finale.

Le développement du jazz en Allemagne, une force si dynamique

dans les années 1920, a été interrompu par le régime nazi. Une

situation similaire s’est développée en Union soviétique pour les

compositeurs de la génération d’Edison Denisov (1929-1996),

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le jazz et l’avant-garde étant, aux yeux des autorités,

inappropriés pour les compositeurs soviétiques. Denisov,

l’un des plus important compositeurs de cette génération en

URSS après Chostakovitch, était une figure de proue pour les

contemporains et les plus jeunes musiciens qui cherchaient

à explorer les développements musicaux occidentaux alors

interdits.

Lorsque Denisov a écrit sa Sonate pour saxophone alto et piano

en 1970, le saxophone était peu connu en Russie soviétique

et ce fut une visite à Moscou par son dédicataire et première

interprète, Jean-Marie Londeix, qui a incité le compositeur à

écrire cette œuvre. Si Schulhoff et Heider placent, à leur propre

manière, des éléments de jazz dans un cadre qui pourrait être

caractérisé comme néo-classique, Denisov, avec son intérêt à

la fois pour le jazz et l’avant-garde d’Europe occidentale, fait

progresser l’idée d’une sonate influencée par le saxophone jazz

vers de nouveaux territoires. La pièce combine des éléments

d’harmonies d’inspiration jazz et des techniques de jeu variées,

certaines venues du jazz (le growl), mais d’autres plus associées

à l’avant-garde (polyphoniques et quarts de tons).

Le premier mouvement est construit à partir de trois vagues

de matériel, dont l’alternance du saxophone et des accords

de piano, des répétitions de notes et des instances où les

instruments jouent ensemble mais avec différentes subdivisions

rythmiques, créant une texture plus complexe. Le deuxième

mouvement contrasté, écrit sans barres de mesure, offre une

sensation d’improvisation libre pour saxophone, le piano faisant

une brève apparition très atténuée vers la fin. Dans le dernier

mouvement, l’influence du jazz prend le devant. Il comporte des

sections distinctes, chacune construite sur une basse ostinato

dans le piano donnant la sensation d’une section rythmique  ;

ceci forme la base de nombreuses allusions à l’écriture pour

ensemble jazz.

La manière dont Denisov combine la liberté et l’exubérance du

jazz avec son propre langage musical apporte une conclusion

appropriée à ce disque, et illustre une approche de la sonate

pour saxophone équilibrant l’atmosphère du club de jazz avec

celle de la salle de récital.

Hugh Collins Rice

Trad. : Yannick Muet

Texte de Hugh Collins Rice (Trad. : Yannick Muet)/Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com

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Guido Bäumer (Saxophone) est né en Allemagne. Il a rejoint

la Musikhochschule de Brême en Allemagne à un jeune âge, et

obtenu un diplôme d’enseignement pour saxophone et flûte.

Guido a ensuite étudié à la Musikhochschule de Bâle dans la

classe de concert du professeur Iwan Roth, où il a obtenu un

diplôme avec excellence pour saxophone.

Guido a ensuite complété un diplôme d’études supérieures à

l’Université de Bowling Green State en Ohio, Etats-Unis, obtenant

le prestigieux Certificat d’Artiste.

Il a participé à diverses classes de maître et a remporté plusieurs

concours en Allemagne et en France.

Guido est membre de l’Islandic Saxophone Quartet, actif depuis

2006 et réputé en Islande. Guido joue également avec divers

groupes de musique de chambre et des orchestres en Islande,

comme Caput-Neue Musikensemble et l’Orchestre symphonique

d’Islande.

Aladár Rácz (Piano) est né à Bucarest, en Roumanie, d’ascendance

hongroise.

Il a commencé son éducation musicale à l’école de musique

de George Enescu à Bucarest, puis est passé à l’Académie de

Musique de Bucarest.

Après avoir obtenu son diplôme, il a terminé ses études

supérieures à l’Académie de musique de Budapest, en Hongrie.

Aladár a participé à de nombreuses classes de maître, et a

remporté des concours internationaux en Espagne et en Italie,

entre autres.

Aladár prend une part active dans la vie musicale islandaise,

comme soliste, musicien de chambre, et accompagnateur. Ses

performances notables incluent le concerto pour piano n°1

de Brahms et le concerto pour piano n°1 de Beethoven avec

l’Orchestre symphonique du nord de l’Islande.

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DEU

Die Musik von Erwin Schulhoff, Paul Hindemith, Hans Gál, bis hin zu Werner Heider und Edison Denisov reflektiert unsere gemein-same europäische Identität. Indem wir uns damit befassen, versetzt es uns zurück in jene Zeit, genau wie es ein Duft vermag. Auch wenn keiner von uns damals gelebt hat, tragen wir einen Hauch dieser Vergangenheit in uns. Wir sind ein kleiner Teil dieser Geschichte und können uns darüber nun mal nicht hinwegsetzen. Beide von uns leben weit entfernt von unserem kulturellen Erbe auf einer Insel mitten im atlantischen Ozean und es ist diese Erfahrung, die es uns ermöglicht sich unserer ursprünglichen Kultur durch neue Wege zu entsinnen. Der Zuhörer wird die mitteleuropäische Kultur mehr als deutlich in der Musik heraushören, bei-spielsweise in der Eröffnung von Paul Hindemiths Sonate. Ebenso unterstreicht der Text des Gedichts, das den letzten Satz einleitet, die Stimmung der ganzen CD.

„An dir ist‘s hinter Eile, Lärm und Mannigfaltdas Ständige, die Stille, Sinn, Gestalt

zurückzufinden und neu zu bewahren.“ Aus „Das Posthorn (Zwiegespräch)“ von Paul Hindemith

Die nostalgische Reflektion und Hoffnung für die Zukunft in diesem Gedicht geben mir ein Gefühl von Stabilität und Sicherheit in einer Welt voller Veränderungen. Der warme Klang des Alt-Saxofons drückt dieses Gefühl aus und es war dieser Klang, der mich schon immer bezaubert und fasziniert hat. Ohne diesen Klang hätte ich meinen Beruf wohl nicht mit solcher Überzeugung er-wählt. Als klassischer Saxofonist habe ich in meinem Leben immer nach einem gleichmäßigen und warmen Klang getrachtet. Mein Pianist, Aladár Rácz, hat mich an die Werke von Hans Gál herangeführt, einem Landsmann, mit dessen Stücken er sehr ver-traut ist und die er seit langem spielt. In Gáls Stück, Suite op. 102, kommt der weiche und warme Klang des Altsaxofons vollends zur Geltung.

Diese CD umfasst Saxofonmusik aus Mittel- und Osteuropa der Jahre 1930 bis 1970. Das älteste Stück, die Hot-Sonate, ist aus 1930, jener Zeit, in der die jüngsten Komponisten auf dieser CD geboren wurden – Edison Denisov im Jahre 1929 und Werner Heider im Jahre 1930. Die Sammlung spiegelt die turbulente Stimmung Europas Mitte des letzten Jahrhunderts wieder, der eines Weltkriegs, wie auch ziviler und sozialer Aufstände. Diese historischen Ereignisse sind nicht spurlos an den Komponisten vorüber gegangen – tatsächlich wurden drei von ihnen, Hindemith, Gál und Schulhoff, von den Nationalsozialisten nach 1933 verfolgt. Hindemith gelang es in die USA, Gál nach Großbritannien zu flüchten, Schulhoff jedoch überlebte nicht. Drei Werke dieser CD haben einen Hauch von Jazz an sich, und zeugen somit vom Einfluss des Jazz auf den jeweiligen Komponisten. Wie in den Titeln bereits angedeutet wird, handelt es sich hierbei um die Hot Sonate von Schulhoff und die Sonate in Jazz von Werner Heider. Auch in Denisovs Sonate wird der Einfluss des Jazz spürbar, beispielsweise in der laufenden Basslinie, welche wie ein gezupfter Bass erklingt, als auch in den Bassnoten des Pianos im dritten Satz.

Ich hoffe, dass Sie das Hören der Werke dieser großartigen Komponisten genauso genießen, wie Aladár und ich es beim Spielen taten.

Guido Bäumer

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Das Saxofon wird, trotz seiner Wurzeln im 19. Jahrhundert, definitiv mit der Musik des

20. Jahrhunderts assoziiert und gilt vielmehr als Repräsentant des regen Treibens in

Clubs und Tanzsälen, als der zurückhaltenden Atmosphäre von Konzerthallen.

Die Werke auf dieser CD stammen aus einem Zeitraum von vierzig Jahren (1930-1970)

und sie alle scheinen die Frage aufzuwerfen, wie sich ein Saxofon während eines

Konzertes präsentiert. Muss es von “guten Manieren” und förmlichem Anstand geprägt

sein, oder ist es erlaubt in das Konzert einen Hauch Jazzclub zu tragen? Die Antworten

der fünf Kompo-nisten haben mit ihren jeweiligen politischen und kulturellen

Umständen zu tun, können aber auch als allgemeine Antwort auf das Phänomen

Saxofon als Symbol einer neuen und populä-ren Musikkultur im 20. Jahrhundert

gesehen werden.

Die Suite für Altsaxofon und Klavier op. 102b (1949) von Hans Gál (1890-1987)

scheint es sich zum Ziel gesetzt zu haben das Instrument aus der hedonistischen

Welt des Jazz loszulösen. Als Österreicher, der in Wien studierte, entwickelte Gál

eine erhebliche Reputation, sowohl als Komponist, als auch als Lehrer in Österreich

und Deutschland, bevor der Aufstieg der Nationalsozialisten ihn dazu zwang nach

Edinburgh zu fliehen, wo er seine zweite Lebenshälfte verbrachte. Geschrieben kurz

vor seiner Zeit in Edinburgh, ist die Suite stilistisch, neben zeitweiligen harmonischen

Einflüssen die eher an Strauss erinnern, fest in den hauptsächlich konservativen

österreichisch-deutschen Traditionen verwurzelt.

Der erste Satz legt, mit eleganten Bögen in seiner Melodiegestaltung und einer

aufgeräumten Textur von begleitenden Klavierakkorden, die Stimmung fest. Das

Furioso, welches auf einen Wechsel der Stimmung folgt, behält dieselbe Klarheit der

Struktur und des Aufbaus bei. Der dritte Satz besteht aus einem anmutigen Menuett

und das Finale Burla ist unbeschwerte Musik im 6/8 Takt, die uns an Gáls frühere Erfolge

als Komponist der komischen Oper erinnert.

Während Gál vorgehabt zu haben scheint das Saxofon als Teil der geordneten Welt der

deutschen Kammermusik zu präsentieren, so bietet die Hot-Sonate (1930) von Erwin

Schulhoff (1894-1942) eine alternative Sicht der Dinge. Schulhoff war ein tschechischer

Komponist deutscher Abstammung, dessen kreatives Leben eine stilistische Odyssee

ist. Seine frühen Werke waren merklich im Geist der Romantik geschrieben, später

jedoch wandte er sich dem Expressionismus, Dadaismus, Jazz und schließlich einem,

vom sozialistischen

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Realismus, mit dem er nebenbei erwähnt politisch liebäugelte, geprägten, einfacheren

Stil zu. Im Jahre 1939 wurde er von den Nationalsozialisten gefangen genommen und

starb daraufhin in einem Konzentrationslager an Tuberkulose.

Der erste Satz der Hot-Sonate zeigt deutliche Einflüsse des Jazz mit seinen Synkopen

und Verzierungen. Diese Eleganz der Melodie und ihrer Begleitung finden wir auch

bei Gál wieder, wobei er auf modernere Harmonien, einschließlich Klangfarben

voller Ganztöne, zurückgreift. Der zweite Satz bringt uns mit seinen versetzten

Akzenten und Blues-Harmonien näher an die Jazz-Clubs. Und endlich im dritten

Satz, in dem das Saxofon als lamentuoso ma molto grottesco bezeichnet wird und

dabei mit Septakkorden begleitet wird, scheint sich die Musik wirklich von den guten

Manieren eines Konzertsaals zu befreien. Der Schlusssatz wechselt zwischen schneller,

rhythmischer Musik mit lebhaften Gegenrhythmen und einem reiferem Stil, welcher

wieder auf den ersten Satz verweist. Es sind genau solch formale Stilmittel, die den

freien Geist des Jazz in die allzu kontrollierte Welt der klassischen Sonate bringen.

Die Sonate von Paul Hindemith (1895-1963) wurde nicht spezifisch für das Saxofon

geschrieben, sondern für das Althorn (der Komponist legte selbst das Waldhorn und das

Alt-Saxofon als Alternativen fest). Komponiert im Jahre 1943 war es Teil von Hindemiths

Projekt Sonaten für alle Blasinstrumente zu schreiben. Wie Schulhoff war Hindemiths

frühe Karriere als Komponist von der Spätromantik und dem Expressionismus geprägt.

Es waren jedoch die 1920er Jahre, in denen seine Musik zum Paradebeispiel der Neuen

Sachlichkeit wurde: eine Reaktion auf die Exzesse der Spätromantik und eine Antwort

junger deutscher Komponisten auf die neuen sozialen Bedingungen nach dem Ersten

Weltkrieg.

Der erste Satz umfasst den sanften Stil und die fließenden Rhythmen der

Eingangsmelodie. Wie auch im ersten Satz, finden wir im zweiten Satz eine deutliche

ABA-Satzform, jedoch weitaus lebendiger und mit viel kontrapunktischer Aktivität

des Klaviers. Der mittlere Abschnitt setzt sich aus 16 Wiederholungen der selben

rhythmischen Phrase zusammen und der Schlussteil des Satzes führt die Entwicklung

fort, anstatt einfach zum Beginn zurückzukehren und verleiht dem Satz dadurch

strukturelle Energie. Der kurze dritte Satz ist in einem langsamen, formalen Stil mit

punktierten Rhythmen geschrieben, ein typisches Merkmal von Hindemith.

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Das Finale wird durch Hindemiths eigenes Gedicht Das Posthorn (Zwiegespräch)

eingeleitet. Die Musik scheint der Form eines Dialogs zu folgen, wobei der Satz mit

einem erweiterten Solo des Klaviers in schneller zusammengesetzter Taktart beginnt,

beinahe als eine Art Galopp. Beim Einsatz des Saxofons wird die Bewegung deutlich

ruhiger (wenn auch angelehnt an das Ursprungstempo), und im Schlussteil verbinden

sich die beiden Gegensätze.

Das Posthorn des Gedichts greift auf die Vergangenheit zurück. Wie bei Schulhoff und Gál

wurde Hindemiths Karriere in Deutschland durch die Herrschaft der Nationalsozialisten

unterbrochen und seine Werke entstanden daher in der Zeit seines Exils in den USA.

Obwohl nicht speziell für Saxofon geschrieben, so verleiht das Instrument der Nostalgie

des Stückes einen authentischen Klang; es ist besonders auffallend, dass gerade jenes

Instrument, das am stärksten mit der Neuen Welt assoziiert wird, die Sehnsucht nach

der Alten Welt, und einem Deutschland, welches für immer verloren zu sein schien,

zum Ausdruck bringt.

Werner Heider, geboren 1930 in Bayern, war als Komponist und Interpret

experimenteller und zeitgenössischer Musik, sowie im Jazz und der Improvisation

aktiv und verfügte somit über ein breites Betätigungsfeld. Seine Sonata in

Jazz (1954) ist ein verhältnismäßig frühes Werk, das sich in gewisser Weise auf die

Klangwelt von Schulhoffs Hot-Sonate zu beruft. Der erste Satz entwickelt sich aus

dem Tonmaterial der Eröffnung – einem synkopischen, akkordischen Motiv im Klavier

und einer aufsteigenden und wieder fallenden Girlande im Saxofon – hin zu einer

Struktur, die einer Sonate ähnelt. Der zweite Satz betont die träge Seite des Jazz mit

einer schwingenden, melodischen Ballade. Der kurze mittlere Abschnitt verwendet

rhythmische Einklänge und erinnert an eine leise Tutti-Gruppe von Saxofonen.

Der letzte Satz bedient sich eines lebhafteren Jazz-Stereotyps bestehend aus einer

Hauptmelodie, die aus einem wahren Strom von Noten besteht und an Bebop erinnert.

Vier deutliche Einsätze dieser Melodie werden mit durchgearbeiteten Versionen der

selbigen abgewechselt, einschließlich eines kurzen, aber dramatischen, Klaviersolos,

das kurz vor dem abschließenden Einsatz der Hauptmelodie erklingt.

Die Entwicklung des Jazz in Deutschland, welcher in den 1920er Jahren noch eine

lebendige Kraft darstellte, wurde durch die Unterdrückung der Nazis jäh unterbrochen.

Vor einer ähnlichen Situation standen Menschen in der Sowjetunion, wie z.B.

Komponisten der Generation von Edison Denisov (1929-1996). Denn

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Jazz, wie auch die Avantgarde, wurden von der Obrigkeit als unangemessen für

sowjetische Komponisten erachtet. Denisov war einer der wichtigsten sowjetischen

Komponisten der Generation nach Shostakovich, ein Vorbild für Zeitgenossen und

jüngere Kollegen, die danach trachteten die damals verbotenen musikalischen

Entwicklungen im Westen zu entdecken.

Als Denisov seine Sonate für Altsaxofon und Klavier im Jahr 1970 verfasste, war

das Saxofon im sowjetischen Russland wenig bekannt. Erst mit dem Besuch des

Widmungsträgers und Erstaufführenden Jean-Marie Londeix in Moskau wurde der

Komponist angeregt das Werk zu schreiben.

Während Schulhoff und Heider auf unterschiedliche Weise Jazz-Material in einem

neo-klassischen Rahmen gefasst haben, so beschreitet Denisov, gleichermaßen

geprägt von sowohl Jazz als auch westeuropäischer Avantgarde, mit seiner Idee einer

vom Jazz beeinflussten Sonate für Saxofon neue Wege. Das Tonmaterial kombiniert

12-Tonreihen mit Elementen jazziger Harmonien und erweiterten Spieltechniken.

Einige sind uns vom Jazz (Growling) bekannt, andere assoziiert man mehr mit der

Avantgarde (Mehrklänge und Vierteltöne).

Der erste Satz baut auf drei Wellen von Material auf. Dazu gehört das Wechselspiel

zwischen Saxofon und den akzentuierenden Akkorden des Klaviers, sich wiederholende

Motive und Stellen, an denen die Instrumente gemeinsam, aber mit unterschiedlichen

rhythmischen Unterteilungen spielen, und dadurch eine komplexere Struktur

erzeugen. Der kontrastierende zweite Satz, in dem keine Taktstriche vermerkt sind,

gibt Freiraum für improvisatorisches Spiel des Saxofons, wohingegen das Klavier nur

einen sehr gedämpften Kurzauftritt gegen Ende des Satzes hat.

Im Schlusssatz kommt der Einfluss des Jazz am stärksten zum Vorschein. Der Satz

ist unterteilt in verschiedene Abschnitte und jeder baut auf einen ostinaten Bass im

Klavier auf, was dem Hörer das Gefühl einer Rhythmusgruppe vermittelt; dies bildet

die Grundlage für viele Anspielungen auf typische Elemente in Jazz Ensembles.

Denisovs Kombination der Freiheit und Ausgelassenheit des Jazz mit seiner eigenen

musikalischen Sprache bildet auf dieser CD einen passenden Abschluss und zeigt uns

einen Ansatz zu einer Saxofonsonate, in der die Balance zwischen den Farben eines

Jazzclubs und der Kontrolle eines Konzertsaales anwesend ist.

Hugh Collins Rice

Übersetzung: Bianca Boos

Dieses Werk von Hugh Collins Rice (Übers. Bianca Boos)/Odradek Records, LLC ist lizensiert unter einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.

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Guido Bäumer (Saxofon) wurde in Deutschland geboren.

Nach dem Studium an der Musikhochschule in Bremen mit

Lehrdiplomabschluss für Saxofon und Querflöte, setzte er seine

Studien an der Musikhochschule in Basel, Schweiz, bei Iwan

Roth fort. Dort erlangte er das Konzertdiplom für Saxofon

mit Auszeichnung. Anschließend studierte er in den USA an

der Bowling Green State University in Ohio und schloss seine

Studien mit dem „Artist Certificate“ ab.

Er nahm an verschiedenen Meisterkursen und Wettbewerben in

Deutschland und Frankreich teil.

Guido ist Mitglied des isländischen Saxofonquartetts, das seit

2006 besteht und in Island sehr angesehen ist. Außerdem spielt

Guido regelmäßig in verschiedenen Kammermusikgruppen

und Orchestern in Island, wie z. B. mit dem Caput- Neue Musik

Ensemble und dem isländischen Sinfonieorchester.

Aladár Rácz (Klavier) wurde in Rumänien geboren, ist von

ungarischer Abstammung und begann seine Klavierausbildung

an der Musikschule „Georges Enescu“ in Bukarest. Danach

studierte er an der Musikhochschule in Bukarest und

machte anschließend ein weiterführendes Studium an der

Musikhochschule in Budapest, Ungarn.

Er nahm an Meisterkursen und Wettbewerben teil und ist

Preisträger u. a. in Spanien und Italien.

Aladár ist auf vielfältige Weise im isländischen Musikleben aktiv,

sowohl als Solo-Pianist, als auch als Solist mit Orchestern oder

als Kammermusiker und Korrepetitor. Aladár hat unter Anderem

Brahms Klavierkonzert Nr. 1 und Beethovens Klavierkonzert Nr.

1 mit dem nord-isländischen Sinfonieorchester aufgeführt.

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Photos: Tommaso Tuzj

www.odradek-records.com

Recorded at Víðistaðakirkja in Hafnarfjörður, Iceland on Nov. 14th 2009 & May 7th 2010

Alto-Saxophone: Selmer-Paris, Super Action IIPiano: Bösendorfer Grand

Sound Engineer, Editing & Mixing: Halldor Vikingsson / Fermata Recordings

Mastering: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris.

Special thanks to Vigdís Klara Aradóttir for her assistance.