HISTORIA DEL CINE

El cine es arte y también industria y ha ido evolucionando como máquina de contar historias. ABAZIN (años 50) - ¿QUÉ ES EL CINE? Este autor puso énfasis en señalar los mensajes de crisis y abordó el cine como una especie de hecho antológico, destacando determinados autores y movimientos que ponían en crisis el modelo establecido.

BURCH (años 70) – Modo de representación institucional (Cine clásico Hollywood). Ejemplo: las formas de vanguardia alteran ese modelo de representación institucional. -Técnica del montaje: aborda el cine como relato.

*Definición de cine: representación de lo real que parezca verosímil, una fotografía de lo real. Registro de determinados actores que simulan ser reales. “Lo Real y Su representación” es algo muy antiguo, proviene de Aristóteles, “La Poética” es uno de los primeros estudios críticos sobre lo real, la narrativa. -Estructura Aristotélica: Presentación – Nudo – Desenlace (representación institucional). Establece que hay dos modelos de representación básicos (dos modos de imitar la vida).

-MÍMESIS: modo dramático de representación.

-DIÉGESIS: modo narrativo de representación (propio del teatro).

Diferencias: la mímesis se produce sin mediación, en un aquí y ahora mismo tiempo y espacio. En la diégesis sí hay intermediación. Una instancia enunciadora, el narrador. La mímesis se encarga de mostrar y la diégesis de contar. El cine utiliza ambas.

Toda historia es contada a través de un modelo narrativo. Está en pasado porque hay alguien que lo cuenta. el cine cuenta mostrando, el lenguaje son las imágenes que tienen que ver también como otras artes.

BARTHES: el cine es escritura y hay que tratarlo como tal y se registra a través del montaje. El teatro es actualización y se actualiza constantemente. En el cine en cambio un relato cinematográfico es un objeto. El cine es diégesis pero en esa diégesis se inserta la mímesis. Al principio el modelo de cine era primitivo, no se contaban historias, es un registro de la realidad. Ejemplos: Hermanos Lumiere, “La Llegada del tren”, es una fotografía en movimiento.

En vez de mostrar fotografías en movimiento se prefirió mostrar la espectacularidad de ciertos acontecimientos (Electrocutar a un elefante). Las películas son cada vez más espectaculares. Se prefirió contar “El Regador Regado” – se cuenta una historia. Vienen la sociabilidad que tiene el cine para contar historias (estructura Aristotélica, personajes, acontecimientos, relato y un tiempo).

El cinematógrafo se podía convertir en un dispositivo para contar historias. No había aparecido el montaje, pero sí el plano secuencia. El cine se decidió por contar, posteriormente se convierte en

un relato donde se puede contar una historia con la aparición del montaje. El cine empezó a ser estructura, Diégesis. Ejemplo: Napoleón (Abeldán), Montaje dividido en planos.

Fase a fase, secuencia a secuencia, construye un relato compuesto de dos categorías básicas: historia y discurso. El autor francés Genette estableció esta distinción, dice que en todo relato se distinguen dos categorías, primero se empezó llamando contenido (historia), es lo que se cuenta; y la expresión (discurso), cómo se cuenta.

El tiempo de la historia casi siempre es mayor al tiempo del discurso, porque el cine apela a la elipsis. Genette en el contenido y la expresión ambos tienen forma y sustancia. La forma es la historia del contenido y se compone de acción, personajes, tiempo y espacio. La sustancia es el modo determinado que cada autor concreto tiene para combinar esta categoría de las formas.La expresión también tiene forma y sustancia. La forma de la expresión es el sistema de signos al que pertenece el relato. La sustancia es la naturaleza material de los significantes que configuran el discurso narrativo. Posteriormente Gennete y otros autores esta distinción la sintetizan en historia y discurso. El relato se compone en historia y discurso. El lenguaje del cine es elíptico, es decir, usa la elipsis. En ocasiones el tiempo de la historia es igual al tiempo del discurso. En el diálogo o en el plano secuencia. Hay otras veces en las que el tiempo del discurso es mayor al tiempo de la historia, aunque es raro que ocurra. Ejemplos: en las repeticiones.

ELEMENTOS DEFINIDORES DE UN RELATO

Graudeaul y Metz establecen una serie de elementos de reconocimiento de un relato.

-Clausura: en tanto que objeto material, es algo que podemos ver y repetir. En tanto objeto material el relato cinematográfico está clausurado y tienen principio y final. El principio conlleva a ese final y la historia se va contando en dirección a ese final. La sucesión de acontecimientos de un relato cinematográfico se va sucediendo hacia el final, hacia esa clausura. Esta clausura lo que manifiesta es que el relato forma un todo opuesto al mundo real. Puede ser un mundo de fantasía o uno más parecido al nuestro pero que se rige por sus propias reglas, esto se denomina poética de los mundos posibles. Incluso cuando un relato clausurado trata de mostrarnos lo real, se opone a la realidad, el espectador sabe que no es real.

Hay que diferenciar entre final y clausura, o un final cerrado y abierto y clausura. En el relato hay una doble temporalidad porque se distingue el tiempo de los hechos narrados y el tiempo del acto narrativo en sí. Se pueden distinguir las historias contadas cronológicamente de cómo es mostrada. Metz dice que el relato transforma un tiempo en otro tiempo, transforma una historia en el tiempo del discurso y esto distingue al relato de la descripción, una descripción sobre todo si es visual transforma un espacio en tiempo y también lo distingue de la imagen, por ejemplo la fotografía que no es un relato y transforma un espacio en otro espacio. Hay más tiempo del discurso en tiempo de la historia si hay una demora en la narración.

-Todo relato es un discurso: todo relato cinematográfico es un discurso, Jakobson define discurso como una serie de enunciados que remite necesariamente a un sujeto de la enunciación que organiza al relato. Graudeaul dice que no todo discurso es un relato.

-La percepción del relato irrealiza la cosa narrada: A partir de que el espectador se encuentra ante un relato sabe que no es algo real, que hay una estancia enunciadora que nos lo cuenta.

-un relato es un conjunto de acontecimientos: el acontecimiento es la unidad fundamental de todo relato porque todo relato es un conjunto de acontecimientos, un sucederse de acontecimientos. Es un conjunto cerrado de acontecimientos. El relato es un discurso cerrado que viene a irrealizar una secuencia temporal de acontecimientos.

-el relato cinematográfico sonoro es un doble relato: la utilización del sonido puede hacer cambiar el sentido de la imagen, se puede oponer a ella o complementarla.

En el S.XIX donde se contextualiza la aparición del cine es el siglo de la industrialización, la máquina, donde apareció la máquina de coser, máquina d vapor, automóvil…etc. Ya existía un dispositivo de proyección en el S. XVII llamado la linterna mágica, inventada por Kirscher. Este principio de la linterna mágica y cámara oscura se fue aprovechando a lo largo del tiempo. A finales del S.XVIII se popularizó la proyección a partir de trucos de magia de espíritus, todo dibujado puesto que no existía todavía la fotografía. Había un tipo de espectáculo que se llamaba panorama, en una plaza se proyectaban imágenes fijas. Se proyectaban paisajes, batallas y en gran formato. Daguerre se ganaba la vida con estas producciones.

La investigación de Plateau fue muy importante, como el principio de la integración del movimiento en 1832. Aparece el Fenaquistiscopio. Al mismo tiempo aparece el Zootropo. En 1920 apareció la primera imagen fotográfica por Niepce. Se asoció con Daguerre. Consiguieron rebajar la exposición de la fotografía de 14 horas a 30 minutos, más adelante la redujeron a 10 minutos. A partir de 1850 esta exposición se redujo de 10 min. a menos de un segundo. La técnica que se utilizaba para revelar las fotografías era bastante cara, costosa y delicada, era el procedimiento del colodión húmedo. Marey investigaba el movimiento animal, humano…etc y hizo una serie de inventos fotográficos. En 1880 se empezó a utilizar la gelatina de bromuro de plata, que permitía una exposición más breve de una centésima de segundo. Unos años después Kodak desarrolló la primera película fotográfica. La primera película fotográfica fue la base para el kinetoscopio de Eddison. El primer producto inventado por Eddison fue el Kinetoscopio. Unos años antes de la invención del Kinetoscopio, el invento de Reynaud ya proyectaba imágenes en movimiento. El teatro óptico, espectáculos de dibujo. Raynaud es considerado el padre d los dibujos animados. Este tipo de teatro se hacía con el Praxinoscopio.

En 1895 se logró proyectar en EE.UU. las primeras imágenes del Kinetoscopio, justo en la fecha en la que los hermanos Lumiere iban a proyectar las primeras imágenes cinematográficas (la llegada del tren a la estación). El kinetoscopio y el cinematógrafo no tenían nada que ver. Aunque las primeras imágenes del cinematógrafo eran imágenes cotidianas de los Lumiere, el cine desde los inicios empezaba a registrar la vida. Los Lumiere formaron a decenas de operadores que no solo

iban a exhibir las películas sino que realizaban películas en los países donde estaban. Los primeros géneros cinematográficos estaban muy evocados a mostrar la realidad que ocurría. Al mismo tiempo de esto, en Europa, Edison había desarrollado una manera de proyectar las imágenes del kinetoscopio, un nuevo dispositivo llamado Vitascopio. El Vitascopio se orientó hacia la espectacularidad como combates de boxeo, peleas de gallos o el erotismo.

Dos autores hablan de una serie de características que integran el cine en el contexto cultura de la época y que hizo que tuviese ese éxito cultural. Son seis características:

-el cine aparece relacionado con el desarrollo de la vida urbana y esa vida permite el desarrollo de nuevos espectáculos, nuevas formas de entretenimiento.

-el cine tiene como objeto central el cuerpo humano, es el centro de visión de las películas.

-se reconoce en el cine un tipo d público masificado, esto es, es más importante la colectividad q el individuo.

-el cine tiene un impulso a fijar, definir y representar momentos aislados de diversión o atracción.

-el cine comienza a proponer una progresiva indefinición de los límites de la realidad y sus representaciones.

-el cine se inserta en la aparición d una cultura comercial y un deseo d consumir que potencia nuevas formas d diversión.

Modo de representación primitivo

N.Bürch – Película Méliés

1. autarquía del encuadre

2. no continuidad del montaje

3. no clausura

Escuela de Brighton

Grupo de cineastas en Inglaterra. En cuanto al discurso y procedimientos de contar a través de la imagen ya se utilizaba el montaje con cierto matiz narrativo, con cierta coherencia. Se unían los planos para contar historias. Había aportaciones a la expresión porque también se utilizaban en dramáticos y humorísticos. Utilizaban grandes acercamientos de cámara con una finalidad gramática. Había películas cortas de persecuciones, y ese montaje entre perseguido y perseguidor se usaba con fines humorísticos. La persecución se repitió en las películas cómicas de la época.

Pathé se dedicaba a distribuir fonógrafos y vio en el cine una posibilidad de ampliar su negocio. Contrató a Fernando Zecca es el que se encarga de hacer película y formar a cámaras y directores. Pathé contaba las mismas historias que ya se contaban porque las copiaba todas las películas de éxito de la época. Fue un gran industrial que incluso Melies terminó trabajando para él. Aparte de copiar esas películas, empezó a hacer películas, dramas reales basados en la realidad, por ejemplo el alcoholismo, la historia de un crimen, huelga…etc. Era un cine que podríamos llamar hoy en día documental, se trataba de mostrar la realidad. El tipo de cine de Pathé tuvo gran éxito comercial que exportaba sus películas por Francia y parte del mundo. Se extendía horizontalmente en cuanto a producción, exhibición y de la construcción de grandes salas de cine en ciudades.

En esta época, 1908, los espectáculos populares estaban bien diferenciados con los de la burguesía. Los culturales eran los espectáculos burgueses. Después de copiar películas e historias había agotado el modelo Pathé que empezó en 1900, mínimo coste, máximo rendimiento. Había cierto interés por los intelectuales en ese medio, el cine, para contar historias. Esas necesidades se unieron y Pathé junto con financieros de la época fundaron la Film D´art. Se le quería dar un toque artístico a estas películas, por lo tanto contrató a grandes artistas de la época como escritores, dramaturgos….etc. Se contrataron actores profesionales y con renombre internacional del teatro burgués como Sara Bernard, actriz famosa inglesa. Estas películas destinadas a un público medianamente culto, eran grandes producciones porque se gastaban mucho dinero en decorados, atrezzo…etc. Fundamentalmente contaban un tipo de historias que se basaban en historias de origen literario, tanto novelístico como dramático (de teatro), adaptaciones de obras teatrales y novelas.

Se contaban acontecimientos históricos reales tales como La Reina Elizabeth. De esta forma el cine empezaba a tener el matiz de obra de arte. La primera película de film d´art fue en 1908 que se llamó El Asesinato del Duque de Guise. Fue un gran acontecimiento en la época porque no solo se proyectó esa película sino que se acompañó de pantomima, recitación de un poema y de un ballet. De algún modo no es extraño que fuera por esa época cuando aparecieron los primeros escritos de textos de reflexión sobre el cine, como por ejemplo el texto de Canudeau. En Italia las adaptaciones que se hacían eran sobre todo de mitos clásicos grecolatinos y adaptaciones de obras de Shakespeare en Italia. En Noruega y países nórdicos el tipo de film d´art que se hacía fueron dramas basados a veces en su tradición literaria. Las historias sobre la Roma clásica son destacables porque influyeron en el tipo de cine posterior. Los dramas nórdicos dieron lugar a lo que se llamó el estilo internacional. Las grandes producciones que poco después, antes de los años 20, se hicieron en Hollywood tenían como referencia las grandes producciones del film d´art y del cine italiano. Se habla del “colosal italiano”, películas de romanos. En Alemania el cine tuvo su particularidad pero sobre todo se hacían historias originales con argumentos originales, sin adaptaciones realizados por artistas de prestigio de la época. En Alemania se llamó Autoren Film. Los principios básicos de este film era:

-era verdadero arte, destinado a un público burgués.

-los actores eran profesionales que luego se establecería en Hollywood el star system.

-eran superproducciones, había que invertir en decorados, grandes espacios para conseguir un producto que diese una rentabilidad.

-los cánones del género dramático y el desarrollo del drama, la forma de hacer cine se fue instaurando por ese estilo.

-estos films eran largometrajes. El canon de duración se estableció de hora y media a dos horas.

-hubo un trasvase de directores, actores y técnicos europeos hacia EEUU.

Esto fue sobre 1908 a 1915. El film d´art tal y como se estableció de principios duró poco por muchos factores, pero principalmente porque eran películas con poco dinamismo que no conectaban con el público de la época. Estas características si quedaron en el cine posterior. Todavía no estaba plenamente en el modelo de representación institucional. A partir de 1910 el modo de representación primitivo se fue transformando en modo de rep. Institucional. A partir de aquí el cine que ya estaba representado como arte, las vanguardias empezaron a interesarse por ese medio. El modo de rep. Institucional se empezó a imponer a partir de los últimos trabajos de Griffith.

(VER DOCUMENTAL LOS ORIGENES DEL CINE EN ESPAÑA)

DOCUMENTAL MI OFICIO

Dreyer: 1889. Empresa telégrafos. Se convirtió en periodista y conoció la industria cinematográfica. Editó las películas de la época. En 1917 probó como director. Su primera película fue “El aprendizaje”. Diseñó sus propios decorados. La segunda película Blad af satans bog 1919. Después rueda películas en Dinamarca, noruega… la primera película fue “El amo de la casa”.

Se centró en hacer la película de “Juana de Arco”. Falconetti se unió con Dreyer para rodar la película de Juana de Arco. Era una película muda. Un profesor d Falconetti trabajó con los actores de teatro. Se dice que es una película vanguardista, algo falso, no es una película para teóricos del cine sino película con contenido humano con un mensaje para una mente abierta. En realidad son personajes que fueron como nosotros pero encerrados en los problemas políticos y religiosos de la época.

Compró su teatro en parís pero se arruinó. Se fue a buenos aires donde perdió lo que le quedaba de su fortuna. Se acercó al misticismo, la actriz de Juana de arco murió dramáticamente en 1946.

Dreyer preparó su próximo trabajo sonoro, Vampiry 1931. Escogió un edificio abandonado para crear efectos de luz acordes con la película. Es una película realista envuelta en una atmosfera extraña. Hay una mezcla entre misticismo y realismo. Se van quitando líneas de dialogo, frases, palabras para q las intenciones sean mas claras. Sufrió una depresión y entro en una clínica mental en las afueras de parís. Trabajó en diferentes proyectos que no salieron a la luz. Abandonó sus trabajos en Francia y retornó al periodismo para BT. Cambió el titulo d director por el de periodista.

Película Vredens dag 1943. Ritmo pausado con el propósito d expresar el pulso lento y enfatizar la mentalidad con la q luchó. Lisbeith Movin trabajó con Dreyer en esta película.

En algunas escenas introdujo planos largos deslizados q seguían al os actores. Dies Irae. Se lanzó a una obra d Somins una pieza d cámara llamada Dos seres. En el rodaje hubo diferentes entre el productor y Dreyer y fracasó. Rodó una serie d cortos entre ellos uno en el q colaboró con Olsen y ruedan una serie d planos en una motocicleta con unos soportes que incluyen para darle más realismo.

Se fue a Hollywood y trabajó el resto d su vida en el guión d la película d Jesús. Trató el fervor religioso y divino. Nos acerca a un entendimiento d la divino, explicación natural d lo sobrenatural. Gestionó el cine con éxito ya que fue nombrado director de este después de esta película. Gertrud 1964. El guión no estaba dividido por escenas, es continuo. Los travellings no estaban dispuestos por Dreyer. Se empezaba a crear poco a poco la escena de la forma más natural para actores y Dreyer.

EL ESTILO INTERNACIONAL

Está asociado a una manera de contar. En los primeros trabajos de Dreyer se ve un control de los recursos. Ese estilo internacional se utilizaba de una manera estandarizada a partir de 1913. Si bien es cierto que había autores como Dreyer que lo asumían de forma creativa y poética en el sentido de conducción de una historia a su manera. Sus historias eran para todos los públicos que controlaban el código estandarizado de 1913. Previo a esto, a través del film d´art se establecieron una serie de criterios como la importancia de la historia adaptando las historias que se contaban, obras clásicas, la búsqueda d un público d clase burguesa, intentando que en el cine se tuviese ese status quo artístico.

En Alemania se creó unos meses antes de la IGM la UFA, interesaba promover el cine alemán como medio de propaganda, se estableció una política d realización d películas dirigida. Se contaba no solo con cineastas alemanes sino que también se fichaban cineastas de otros países como por ejemplo Chekoslovakia, Austria…

En EEUU previo al declive del cine francés el desarrollo de la cinematografía se había visto un poco detenido por Edisson y la llamada guerra de patentes. Edisson se alió con sus competidores y formaron un trust, conjunto de empresas que actuaban de manera monopolítica. Cobraban cánones a los nickelodeones.

*Los independientes: eran empresarios de nickelodeones. Producían sus películas en Hollywood. Hacían películas influidas en parte por el film d´art sobre todo a nivel de que sabían para ganar dinero tenían que hacer grandes producciones. También se empezó a establecer un sistema de estrellas y se profesionalizó la creación de argumentos y se formaron técnicos, con lo cual ya tenían todas las fases cinematográficas cubiertas incluso la distribución porque tenían sus propias

salas. Las películas influenciadas por el film d´art y de cineastas procedentes de Europa que llegaron después de la IGM. El estilo de películas fue de estilo internacional. La manera de contar historias se hacía con el mismo modelo en EEUU que en Europa.

En Hollywood era una fábrica d historias basadas en el modelo d representación institucional. En Europa en los años 20 después de la IGM estaba influenciada por las vanguardias artísticas y se empezó a investigar por ese terreno, surrealismo, futurismo, expresionismo. El expresionismo en cuanto al contenido no se apartaba del estilo internacional, eran modificaciones expresivas q estaban vinculadas a las vanguardias, al cubismo en concreto.

El montaje de las películas estaba establecido y fue un caso paradigmático y tuvo gran éxito artístico y de público, como ejemplo El nacimiento de una nación, primera película considerada obra de arte por sus contemporáneos. Para calificarla de obra d arte tenía que haber un código establecido, es decir, este autor es un artista porque controla toda la técnica creativa del arte cinematográfico. Esta película estaba basada en una novela, de hecho la historia que se contaba en este tipo de modelo tiene que ver con la tradición literaria y teatral. De hecho Eisenstein, director de la vanguardia soviética, escribió un artículo donde establecía una comparación entre el cine y la literatura tomando como referente al propio Griffith de Nacimiento de una nación y a Digens.

Eisenstein ponía acento en la construcción espacial, continuidad, sobre todo en unos planos concretos en los que aparecía una señora en la playa llorando y un señor en una isla desierta. El hecho de que el espectador uniera esas dos imágenes distintas.

Basándose en la clave de comparar literatura y cine, Einsestein decía que en ambas se anima al espectador a vivir las mismas pasiones en ambas. Ambas muestran en el espectador los mismos sentimientos buenos y sentimentales, hacen estremecer al espectador ante el vicio, destacan lo extraordinario de lo aparentemente cotidiano. Estos elementos son elementos del folletín, género literario popular de la época. El estilo internacional que se terminaría imponiendo tenía una tradición por detrás de contar historias de la que bebía el propio cine. A nivel estructural las estructuras del folletín influyeron en el cine. También había adaptaciones directas de folletines de la época, fantomas, que tuvieron mucho éxito en Francia en 1913.

Más allá de la adaptación directa lo importante es que las estructuras narrativas del folletín permearon en el cine. En el folletín se saltaban las pasiones y el sentimiento. El folletín es una novela por entrega que se publicaba en periódicos. El final era un relato episódico y quedaba en suspense en muchas ocasiones. Se contaba un episodio en que el final terminaba en el punto alto para que se volviese a comprar el siguiente número de la novela para mantener la intriga. Es una estructura que luego se mantuvo en la telenovela. La exaltación de las pasiones y el sentimiento, tenía cierto carácter moralizante y la idea de que de lo cotidiano puede surgir lo extraordinario.

En cuanto a la estructura del folletín vinculada a la acción y a una causalidad en la acción se puede sintetizar en que eran estructuras episódicas cuyas tramas tenían fuerte conexión causal y se daba en torno a la intriga y el suspense. Los momentos seleccionados en el discurso para contar la

historia eran momentos de climax emocional. Se seleccionaban momentos de la historia con climax y se describían dejando en elipsis los momentos no climáticos en los que no había tensión. Por otra parte se describían situaciones llamativas. Esta estructura del folletín se convierte en el eje del estilo internacional. Esto permea con el relato cinematográfico después del llamado film d´art. Estas características se trasladan de la siguiente forma:

-las películas muestran una concentración episódica entre secuencias.

-se plantean las secuencias con su planteamiento, nudo y desenlace. Como ejemplo una película canónica del 29 y película contemporánea del 79. Ejemplo de “La diligencia” y “Apocalipsis”. La diligencia se plantea en una serie de secuencias, concentración de la narración en momentos intensos.

-concentración de la narración en momentos intensos

-los espacios se muestran de manera arquetípica como en el folletín. Lugares utópicos. Como ejemplo: el poblado de la diligencia o cualquier poblado de película del oeste.

-la caracterización de los personajes son arquetípicos. Se dan tipos de personajes que luego se popularizan. Como ejemplo: en la diligencia, el cowboy, en cuanto al vestuario e incluso a personalidad.

-se gana posición modalizante, hay una dicotomía clara y presentada d modo sencillo entre el bien y el mal.

El teatro era lo más cercano al cine en esta época. También el cine tenía que ver con el bodeville. Lo que influye en el este estilo internacional es un género teatral de entonces que se llamaba Melodrama, que a finales del S.XIX era lo que se imponía. El Melodrama teatral no es exactamente de sentimentalismo exacerbado sino que tenía otras características.

-exacerbaba las pasiones, aventura y acción.

-desarrollaba el carácter arquetípico de los personajes.

-condensaba el drama en situaciones climáticas.

-destacaba el exotismo y la espectacularidad visual. Se podía ver por ejemplo como dos trenes chocaban entre sí. Se buscaba lo visual, el efectismo.

El melodrama se relaciona con el estilo internacional cinematográfico entre otros por los siguientes elementos:

-la composición del espacio escénico.

-el movimiento de los personajes en el espacio.

-distintas tendencias interpretativas, desde la gestualidad más grandilocuente de muchos melodramas hasta una interpretación más realista.

-en el melodrama la luz eléctrica se usó antes en el teatro que en el cine. Fue una revolución en la escena teatral antes de que el cine la usase. Había una tradición corta lumínica en este género.

-hay espectacularidad. El melodrama surgió en la Revolución Francesa donde se hacían muchos efectos especiales con cambios de escenario, explosiones…etc.

-El cine como arte narrativo y espectacular que convierte lo cotidiano en espectáculo.

Estos patrones se mantuvieron y se mantienen en el cine internacional en todos los países, si bien, asumiendo las tradiciones populares históricas o tradicionales de cada país que luego se fueron universalizando con el ir y venir de películas d un país a otro. Hacia 1913 este estilo ya se había impuesto, la figura del narrador desaparecía en este año y fue sustituido por los intertitulos narrativos que explican aquello que no se puede mostrar en la película, visual y verbalmente.

A partir de 1910 el dominio de las técnicas del montaje fundamentalmente con finalidad dramática empezó a considerarse como demostración de la creatividad del director. Esta técnica del montaje, su dominio se ve claramente en la película de El nacimiento de una nación.

TEXTO MODO REPRESENTACION INSTITUCIONAL NOEL BÜRCH

Antes de la revolución rusa la población era subdesarrollada. Era una sociedad desigual dominada por una aristocracia que veía cine. El desarrollo del cine en Rusia fue muy lento, prácticamente no había producción. El cine estaba dominado por la gran potencia, Francia, por Pathé. La aristocracia rusa era muy aficionada a un determinado cine francés, el cine pornográfico de la época. A partir de la revolución después de que Lenin dijese de que el cine era el arte más importante, se estableció una política por parte de los revolucionarios de desarrollar el cine en la unión soviética. Era gente procedente del teatro que en cuanto a técnica era avanzado para esa época. Destaca la figura de Meyer, director de escena y q influyó mucho en ciertos cineastas. Las escuelas fundadas por el estado producían y dirigían películas. Se experimentó con ese medio al que la revolución quería tenerlo como fundamental para la conciencia política e ideológica. Kulechov, efecto con su nombre. Fotografiaba a un actor en una situación y las mezclaba con imágenes de escenarios u actores y eso le daba un sentido, con otras imágenes adquiría otro distinto.

*Vertov: cineasta que se aleja del modo de representación institucional. Ya existía un modelo y lo cuestionaba y se enfrentaba a él, sobre todo porque decía que el verdadero cine era aquel q registraba lo real y q despertaba la conciencia ideológica a través d lo real. Explica la teoría del cine ojo.

*Eisenstein: cuestiona el modelo de una manera menos radical.

*Pudovkin: aunque formalmente y a nivel histórico y cultural se acerca y se mantiene dentro del modelo institucional, las cuestiona de otra manera. Las aborda desde un punto ideológico. A través de crear la sensación en el espectador y buscar el drama, despierta la conciencia ideológica. Presenta básicamente en todos sus relatos a personajes que encuentran esa conciencia.

*Dovjenko: pide la participación del espectador y se aleja del cine narrativo.

VIDEO

Vertov: experimenta en su laboratorio. Tras la revolución hay un nuevo arte q es tb el medio más eficaz para llegar a las masas. Su afán d explorar un medio al servicio d una sociedad nueva le lleva a realizar su obra más personal, el hombre con la cámara. Su teoría del cine ojo, usar la cámara con un ojo fílmico más rápido k el ojo humano para explorar el caos q llena el universo.

Del hombre con la cámara, retrata la ciudad d san Petersburgo donde practica distintas técnicas d grabación. Elabora nociones d montaje a partir dl concepto d intervalo. En la película entusiasmo experimenta con el sonido, primera película de montaje sonoro. Es una película estalinista donde utiliza procedimientos venidos de montajes poéticos. Hay q distinguirlo d los mas cineastas porque es el que tiene una imagen documental en los primeros años de producción. Película la sexta parte del mundo.

Eisenstein le ataca ser un cineasta de cine ojo, impresionista cuando lo q hace falta un cine q represente el golpe al espectador encarnado por Potempkin. El acorazado potempkim. En el caso soviético hay una vanguardia artística y por otra parte política. Lo curioso del cine soviético es q durante un tiempo se unen esos dos sentidos. Son cineastas q intentan experimentar con la forma

y al mismo tiempo intentan apoyar una sociedad distinta q acaba d surgir. Vertov no fue un cineasta muy famoso.

Pudovkin es un cineasta más narrativo, d cine clásico, es celebre por su relación con el montaje y sin embargo es un cineasta q pasa desapercibido salvo en círculos importantes de cine documental. El documenal no es un genero en los años 20 o 30 y Vertov está considerado como un cineasta d segunda categoría. en los años 80 cuando se intenta hacer un cine d propaganda se forma un grupo q se llama Vertov. En varios ocasiones d la historia Vertov es un referente.

*Diferencias entre Vertov y los demás: Hace un cine documental, filma la realidad, no usa actores. Lo ideológico siempre está presente, es un cine para despertar conciencia. La experimentación formal, se cuestiona el modelo vigente. Por otro lado lo ideológico, se cuestiona con una utilización ideológica y una intervención social. En Vertov hay menos narrativa que por ejemplo en Pudovkin.

Einsestein: en 1926 se enseñaba el Acorazado potempkin. Fue conocida como una obra maestra y se convirtió en la abanderada de la vanguardia soviética. Los artistas se comprometieron con el arte de al revolución soviética. Hubo futurismo, subrealismo…etc. se declaran producir nuevas formas al servicio de la revolución. Hay obsesión por desmontar la representación burguesa. La revolución de 1917 interrumpe sus estudios d ingeniería y se mete a soldado. Hasta el más sabio se equivoca – montaje. Su necesidad d incorporar arte necesitaba de un nuevo medio, el cine. En la huelga se aplican elementos q interrumpen la acción y hacen q el espectador abandone su pasividad. Un plano ejemplo son tomas en paralelo en un matadero. Lo q le hace película moderna es su estilo d secuencias. En el acorazado hay una suma d efectos en montaje q provocan las sensaciones del espectador. Se convirtió en un personaje celebre en su país y el mundo entero. Octubre fue una película q seguía la sintexis d sus experiencias en las anteriores películas.

El montaje intelectual. Se le permite jugar con la aparición d una serie d elementos con los q no podría contar en otro tipo d montaje. En sus 3 primeras películas se había puesto un sistema d cine q no había en sus tiempos. A partir d octubre tendrá más dificultades para llevar a cabo sus proyectos. Alegato a la colectivización agraria. En 1930 firma un contrato con la paramount. Ninguno d sus guiones es aceptado al principio. Viaja a mexico para rodar Que viva mexico. De regreso a la unión soviética coincide con el alzamiento d Stalin al poder. Alexander Nevski se convierte en su triunfo. Realiza una epopeya patriótica en un ejercicio d clasicismo. la película no pudo verse hasta el 58. Murió d un ataque al corazón.

Se plantea un conflicto entre planos. El conflicto entre planos de este autor hace que se rompa la continuidad y el espectador sea consciente del montaje y se intensifiquen las emociones. Cuestiona la transparencia. El montaje de atracciones interrumpe la acción principal, para insertar otros planos en otro lugar q no tiene nada q ver, son metáforas visuales. Hace q el espectador se fije y le provoque determinadas sensaciones. El montaje de atracciones se basa más en lo formal, visual. El montaje intelectual es un desarrollo del montaje de atracciones. Hace más referencia al

contenido q el otro q hace más referencia al visual. Despertar los sentimientos. Quiere despertar determinada conciencia a través de las sensaciones.

Pudovkin y pudenko: el cine era un arte nuevo y los jóvenes se lanzaron para realizar formas más exclusivas. Kulechov crea el laboratorio experimental. Vertov reclama la muerte del cine de ficción. Representan los logros más grandes de la vanguardia soviética. Pudovkin nació en 1983 en una ciudad rusa. Capturado regresa a moscu y estudia con kuleschov. Trabaja a las ordenes d kulechov en los cines. Rueda 3 films q se convierte en clásicos. El estilo emerge en la madre, como todos los directores sovieticos, el montaje es ideológico destinado a crear una imagen de coherencia. Consiste en crear emociones en el espectador. Las posibilidades d unir las imágenes sirven para q progrese la acción dramática y provocar una respuesta emocional en el espectador. Un recurso habitual es la repetición d determinadas imágenes, recurso formal. Ritmo y musicalidad esencial para él. Es el mejor director d actores dl cine mudo soviético. El tema principal la importancia del personaje individual. Tempestad sobre Asia película. Supo narrar con usos simbolicos d los objetos y elementos mas abstractos. Los elementos se funden con la ética revolucionaria y hay una fuerza poética.

Dovjenko nace en ucrania, hijo d campesinos. A principio d los 20 lo envían a berlin donde descubre las vanguardias artísticas. Ha unido el amor d la tradición d su tierra con la influencia europea. Comienza a hacer cine en el 26 pero 2 años mas tarde hace una producción Zvenigora, historia d la revolución en Ucrania. Son experiencias revolucionistas, dadaístas…etc. es un estilo d montaje q obliga al espectador a hacer esfuerzos para encajar las estructuras. La peli recorre varios siglos mezclando pasado, presente y leyenda. El espectador debe organizar mentalmente el texto. Los personajes existen como tipos, la madre, soldado, campesino, trabajador situados al mismo nivel q los caballos los cuales también pueden hablar. La tierra la peli mas conocida en la q el estilo alcanza el máximo grado. El mundo natural y el ser humano forman parte d un todo. Se recuerda a Dreyer por su estilo pero nunca relacionados entre sí en cuanto a planos. Dovchenko, película recolección del grano.

Hay un personaje individual. se muestran los personajes como individuos q desarrollan la conciencia política al enfrentarse a ciertos acontecimientos, tema general d casi todas sus películas. En pudovkin si hay continuidad. Mantiene la causalidad igual q el modo d representación. La diferencia del cine de pudovkin al cine clásico d Hollywood es la conciencia política, ideológica. Se mantiene dentro del modo y rompe un poco el ritmo.

En Dovjenko : la discontinuidad, desfragmentación y pedir participación del espectador para q le dé sentido.

PRÁCTICA LA DILIGENCIA

Personajes colectivos: apaches (solo un indio con nombre propio: Gerónimo) q tienen más importancia q otros personajes, mujeres, caballería

Dos criterios principales: personajes y ambiente. Son factores de importancia narrativa.

Hay que seguir una serie de criterios:

*Criterio anagráfico: una identidad definida, nombre propio.

*Criterio de relevancia: peso q el elemento en cuestión asume en la narración. La medida en la cantidad d historias q reposa sobre ese elemento. Los indios podrían formar parte del ambiente si no tuviesen el peso narrativo q tienen en esta película. Puede ser peso sobre personajes humanos,

animales o sobre un colectivo. La relevancia del personaje se puede manifestar de manera activa o pasiva. Puede manifestarse como iniciativa en el enfrentamiento d los acontecimientos o como sumisión a esos acontecimientos.

En el modo d repres institucional, el lenguaje se ve a través del actuar o el sufrir.

El actuar se declina en distintas formas:

-el hacer; el verdadero actuar

-el hacer hacer (hacer hacer a otros, la manipulación, influencia, dominio sobre otros)

-decir (todo diálogo es acción). Las palabras provocan tb acontecimientos.

-hacer decir (el hacer hablar d uno mismo). En ocasiones un personaje determina la propia acción d los demás personajes.

-mirar como presupuesto d la acción.

-hacer mirar

El sufrir: aquello a quienes se hace hacer, hace decir; personajes q reciben la acción d otros. Dallas por ejemplo es expulsada del pueblo y está en función d la señora Malorie.

*Criterio de focalización: atención q se le pone a los distintos elementos en un proceso narrativo. Algunos personajes tienen más importancia q otros xq se le reservan más número d planos. Por ejemplo Ringo concentra en torno a él y su objetivo al resto d los personajes.

Ringo, dallas, señora mallory, señor picoc, doctor, jugador, geronimo, indios, caballería, mujeres d la liga d la justicia

*Ambiente: son todos los elementos q pueblan la trama narrativa y q actúan como su trasfondo. Es aquello q está en la imagen q no son personajes. Todo aquello q puebla la trama más allá d la presencia identificada y focalizada d los personajes. Actúa como trasfondo d las acciones d los personajes.

Hay dos tipos de ambiente:

-el entorno: la atmósfera, sin establecer una relación espacio-temporal con los otros personajes. El tipo de decorado, ambiente rico o pobre, detallado o poco detallado. No estamos hablando d un lugar para la acción sino como el trasfondo.

-la situación: donde operan los personajes. Es lo más relevante porque los personajes operan en las coordenadas espacio-temporales. Esa situación caracteriza tb a los personajes. Normalmente van a ser ambientes históricos, y además de históricos se puede decir q puede hablarse d ambientes caracterizados o ambientes típicos. Ambientes típicos serían tales como La Diligencia, cualquier película d género en un ambiente típico.

Personajes como categoría fundamental del relato cinematográfico: vamos a ver los personajes desde 2 perspectivas:

-fenomenológica: observar al personaje como si fuera persona. La más cercana a la visión q tiene el guionista. Hay un efecto d verosimilitud con el espectador. Se le asume como un individuo dotado d perfil emotivo, intelectual y unas actitudes. También verlo como una gama d comportamiento. Los personajes pueden ser:

-planos: ejemplo el Banquero en la diligencia.

-Lineales. Esto es porque es el mismo personaje tanto al principio como al final.

-Redondo: son más complejos. Ringo y Dallas ejemplo.

-lineales: uniforme, bien calibrado, ejemplo señora embarazada q mantiene sus principios.

- Contrastado; inestable, ejemplo del jugador o el comisario. Estáticos y dinámicos. Estables constantes; más q constante está en constante evolución. Estático Mr. Pico.

-formal: entender la personaje como rol. No lo entenderemos por su personalidad sino por el tipo q encarna. La función q cumple un personaje en la narración. Es un personaje codificado. Pueden ser personajes:

-activos o pasivos. Fuente directa d la acción, opera en primera persona. Pasivo lo contrario.

-influenciador o autónomo: hace hacer a los demás, se dedica a provocar acciones sucesivas. El autónomo hace directamente, sin mediaciones.

-modificador mejorador o degradador o conservador. Opera activamente en la narración y actúa como motor de esa narración. Trabaja para cambiar las situaciones y puede trabajar tanto en positivo como en negativo. El conservador querrá mantener la situación; actúa como punto d resistencia y su misión será la conservación del equilibrio o restaurar el orden amenazado. Según quiera conservar el equilibrio o restaurar el orden amenazado será: conservador protector o conservador frustrador. Los indios son por ejemplo personajes modificadores en sentido degradador y la caballería serían conservadores frutradores xq frustran el intento d los indios.

-protagonista o antagonista: ambos son fuentes del hacer y del hacer hacer. Sus lógicas son contrapuestas e incompatibles. Se entiende al personaje protagonista como aquel q sostiene la orientación del relato. El antagonista se opone a ella y además en esa posición manifiesta una posibilidad d orientación contraria. Si contamos la narración desde el punto de vista del antagonista la orientación d la historia sería la inversa a la del protagonista.

Esta clasificación se basa en una tipología de valores. Un personaje puede tener distintos rasgos dependiendo de la posición q ocupe. En La Diligencia destacan dos roles típicos del cine d Hollywood d los años 30-40. Estos dos roles son el héroe oficial y el héroe fuera de la ley. El oficial puede ser el comisario, policía…etc. Fuera de la ley es Ringo en este caso. El héroe fuera de la ley representa la parte d la sociedad norteamericana q x encima d la ley está el sentido d justicia d los pioneros q iban a conquistar el oeste.

HISTORIA DEL CINE:

Perspectiva fenomenológica: personaje como persona. Asumirlo como un individuo dotado con un perfil individual, personal y un gama de comportamientos. No llevará a juzgar su personalidad

Personajes planos: lineal, no varía personalidad

Personaje redondo: completo, que evoluciona, varia

Personaje lineal o contrastado:

Lineal: uniforme, bien calibrado

Contrastado

Estático o dinámico:

Estático: estable, contraste

Dinámico: en constante evolución, cambiante

Otra manera de abordar el personaje es desde la perspectiva formal, entender al personaje como rol. Entenderemos al personaje por el papel que encarna en la narración, no lo veremos como una persona, sino como lo que desempeña.

Personajes activos o pasivos:

Activo: fuente directo de la acción

Pasivo: objeto de la acción de otros

Personajes influenciador o autónomo:

Influenciador: personaje que se hace hacer a los demás, provoca acciones sucesivas

Autónomo: personaje que hace directamente, sin mediaciones

Personaje modificador o conservador

Modificador: opera activamente en la narración y actúa como motor en la narración. Puede ser en positivo o en negativo. Si es en positivo será modificador mejorador y si es en negativo será modificador degradador.

Conservador: opera para mantener la narración. Conserva el equilibrio de la situación o restaura el orden amenazado. Según quiero conservar el equilibrio o restaurador será:

Conservar el equilibrio: conservador protector

Restaurar el equilibrio: frustrador

Personajes protagonistas y antagonistas: ambas son fuentes del hacer y también del hacer hacer, pero sus lógicas son contrapuestos.

Protagonista: sostiene la orientación del relato

Antagonista: se opone a eso, manifiesto una posible orientación inversa

Heroe oficial y héroe fuera de la ley

Hereo oficial: dentro de la ley (abogado, profesor). Representa la creencia del pueblo EEUU en el sistema

Heroe fuera de la ley: es el justiciero solitario, por encima de la ley está el sentido de la justicia

Los acontecimientos: En todo relato sucede algo, sucede, y ese sucede transforma.

La concatenación de los acontecimientos va marcando su desarrollo y transformación. Los podemos dividir en dos categorías según el agente q los provoca:

-acciones: si la gente q lo provoca es un agente animado, un personaje La que vienen de los personajes.

-sucesos: si el agente q lo provoca es un factor ambiental o colectividad anónima. Lo provoca la naturaleza: terremotos, catástrofes…etc.

-perspectiva fenomenológica: La acción como comportamiento relacionado con el personaje como persona. La acción como comportamiento. Es analizar un suceso, con lo que uno sabe, de manera más cercana. Comportamiento: actividad de alguien.

En este sentido se puede distinguir multitud de categorías, se pueden poner muchos adjetivos. (Personaje como persona).

Voluntario o involuntario.

Consciente o inconsciente: inconsciente es más del pensamiento.

Individual o colectivo: comportamiento puede ser propio de un individuo o de muchos individuos, comportamiento común.

-perspectiva formal: La acción relacionada con el personaje como rol, La acción como función: relacionarla con el personaje como rol.

Función: tipos de acciones que a pesar de sus variantes los personajes cumplen y van cumpliendo de relato en relato. Pasamos del plano fenomenológico a una perspectiva más formal.

Existen ya una serie de Funciones y categorías.

1. La privación: Privar a alguien de algo. AL principio del relato algo o alguien sustrae del personaje algo que se resulta vital (la libertad personal, la persona amada, un objeto mágico). Al personaje le falta algo. Se sitúa al inicio del relato, provoca transformación.

2. El alejamiento: está relacionado con el ambiente, el espacio. Confirma una pérdida, el personaje es alejado del lugar de origen y por otro lado está función denota que el personaje busca una solución, un remedio de ese alejamiento.

a. Expulsión

b. Repudio

c. Ocultamiento

3. El viaje: El héroe hace un viaje para rescatar a la princesa, por ejemplo. Puede ser físico o mental, psicológico (Pueden sufrir transformaciones durante el viaje)

a. La Búsqueda: que conlleva un viaje físico.

b. La investigación: porque conlleva una serie de paradas. Ej: La investigación que realiza Becker en Blade Runner, realiza una investigación, interroga a uno, a otro, es decir, va investigación y desarrolla esa serie de paradas. En todos estos viajes, existe un viaje mental.

4. La Prohibición: el personaje tiene prohibido actuar, puede manifestarse como reflejo de privación inicial y relacionada con ella puede haber dos posibles respuestas.

a. El respeto: estar de acuerdo.

b. La infracción: puede romper la prohibición.

5. La Obligación: el personaje se siente obligado a hacer la acción. Esto genera conflicto con el deber y asumir la prohibición. Se manifiesta con el deber.

6. El engaño: existe dos tipos.

a. Trampa.

b. Delación: chivato

c. Disfraz

i. Existe dos tipos de respuesta al engaño

1. Desesmacaramiento

2. Connivencia

Transformaciones:

En todo relato sucede algo a alguien que produce transformaciones. El acontecimiento no solo detalla lo k ocurre en el relato, sino que también mueve el relato, gracias a la sucesión de acontecimientos. Esta sucesión se produce desde la más simple de las acciones (ej. Cambio de escenario). Las transformaciones son cambios (fenomenológicos) y procesos (formal)

Fenomenológico: cuestionas concretas k le pueden pasar al cualquier persona. Se pueden ver desde:

Personaje: porque el sufre el cambio. Pueden verse esos cambios:

En el carácter

De actitud (Modo de hacer el personaje)

Individual

Colectivo

Desde la propia acción: motor del cambio

Hay dos tipos de transformaciones:

De necesidad: proceden de un orden de una relación de acontecimientos causal, son transformaciones lógicas.

De sucesión: concatenación temporal, por sucederse en el tiempo. Son cronológicas.

Dependiendo de cual predomine dará lugar a un relato u otro:

de pensamiento: acontecimientos encadenados de forma lógica. Relaciones causales.

De la mirada: se organizan tras la sucesión y la acumulación de acontecimientos.

Formal: todas las películas tienden a:

Mejoramiento. Según los acontecimientos que se vayan desarrollando a favor de los deseos del protagonista

Dispórico: todo va en contra de él pero consigue su objetivo

Eupórico: todo le va a favor y lo supera

Empeoramiento