Fernanda Acosta FragosoLineasTinta sobre papel albanene/fotografíaPolíptico de 12 piezas

Laura AndersonJulia y LauraExhibition copy (edition of 5)C Print on fiber paper framed in hand carved with silver leaf and black laquer43.18x55.88cmSigned and numbered on the back of the print

Julia Pastrana, (1834-1860) mujer indígena nacida en Sinaloa, México. Fue una talen-tosa artista que cantaba en inglés, español

y francés. Julia tenía una voz mezzo-soprano, tocaba la guitarra y era bailarina. Se le conocía por su amor al prójimo y por su generosidad a proyectos de beneficencia. Se presentó ante pú-blicos en todo Europa y Estados Unidos. Julia sufría de hipertricosis lanuginosa congénita ge-neralizada y severa hyperplasia gingival, por lo cual su cuerpo y cara estaban completamente cubiertos de una capa gruesa cabello y tenía su quijada extendida. Después de su muerte, su cuerpo fue embalsamado y exhibido durante mas de 100 años y posteriormente almacenado en la Colección Schreiner en la Universidad de Oslo, Noruega.

En respuesta a Julia inicié una investigación y correspondencia con académicos de la Universi-dad de Oslo y el National Committee for Ethical Evaluation of Research on Human Remains de Oslo, Noruega para presentar el caso de Julia Pastrana ante el comité para evaluación con el fin de que sea repatriada a México para su entierro.

Después de casi 10 años de esfuerzos, en Fe-brero de 2013 en la Universidad de Oslo, la cus-todia de Julia Pastrana fue transferida a México, yo representé el Estado de Sinaloa. Julia Pastra-na fue enterrada el 12 de Febrero en Sinaloa de Leyva, Sinaloa, México.

Proyectos adicionales están en desarrollo para conmemorar y reflexionar acerca de los temas relacionados con su historia. Entre ellos se in-cluye un documental, un libro y obras transdisci-plinarias en colaboración con artistas y músicos internacionales.

Daniela AparicioNow you’re giving me the lookÓleo sobre tela90x70cm2014

Estas tres obras son parte de Tweens, serie en la que he estado trabajando desde el verano 2014

cuyo nombre nace cuando leo El Señor de los Anillos y Tolkien menciona que Frodo es un tween. No es un adulto aún pero tampoco es un teen. “He’s in between”.

Personalmente yo creo estar en medio de algo, en un umbral, en un limbo no tangible entre la adultez y la adolescen-cia tardía. No soy completamente adul-ta pero ya no soy adolescente, y, por otra parte, sé que no soy la única y esta inquietud me llevó a iniciar esta serie.

En Tweens, que está principalmente construida por retratos (aunque actual-mente trabajo en un libro de artista) para los que seleccioné a amigos cer-canos, a mis hermanos, a personas con las que realmente tengo una conexión que sí importa y con la que nos retroali-mentamos y crecemos juntos. La identi-dad, el vínculo afectivo, la necesidad de pertenecer pero también la necesidad de ser individuos que buscan, de cier-to modo, la alienación, son los temas principales de esta serie, además de la necesidad de representar y así enten-der mi contexto socio-político. Somos jóvenes híbridos, ambiguos, mayorita-

Daniela AparicioMultiplayer

Óleo sobre tela120x90cm

2015

riamente universitarios, que buscamos algo y estamos en un perpetuo proceso de construcción. Hijos de la cultura mexi-cana que es en fundamentalmente híbri-da, somos además de la generación de los 90’s, y hemos sido inevitablemente influenciados por la cultura estadouni-dense.

El primer cuadro de la serie, Now you’re giving me the Look, retrata a Cecilia Bre-ña y María José Kelly, dos mujeres con las que tengo un importantísimo vínculo, a muchos niveles, y que son sin duda de las personas más cercanas que tengo. El título viene de una canción (como usual-mente nombro mis obras) de Metronomy, The Look, por que esa canción forma par-te de un momento importante del 2014,

y sobre todo, del verano cuando la foto que sirvió de modelo para el cuadro fue tomada, en una fiesta.

Multiplayer es una de las piezas más im-portantes de la serie. Retrata a mis her-manos, Manuel y Alfredo Aparicio, que tienen la misma edad y que sin duda me han construido más de lo que puedes imaginar cuando eres una niña de tres años y de la nada nacen dos hermanos. Ellos son una gran parte de mi forma de ser y me atrevo a decir que de mi existen-cia, no por ser mis hermanos y por la san-gre, pero por ser dos de los pilares funda-mentales de mi todo. Decidí que quería pintarlos jugando Nintendo por ser una actividad que, en nuestra vida de herma-nos, desde la infancia, nos ha unido, se-

parado, divertido, hecho llorar, ganar, perder, lanzar los controles contra la pared y morirnos de risa. Actualmen-te jugamos cuando podemos, pero casi siempre juntos, y entre más viejos sean los juegos, mejor.

Finalmente, el único autorretrato de la serie. Jeanne d’Arc fue una obra que particularmente me tomó tiem-po en idear, tal vez por que el autorretrato es compli-cado, por que siempre es difícil verse y de cierto modo exponerte a la mirada del otro, y peor aún, tu propia mirada. Se titula así por una canción de Arcade Fire, Joan of Arc, pero también por que en cuando era niña me gustaba jugar a los caballeros, a las aventuras, a los dinosaurios y a los astronautas. Recuerdo haber tenido particularmente una fascinación por Juana de Arco, que conocí en una campaña de Age of Empires II y por la pe-lícula de Luc Besson, protagonizada por Milla Jovovich. Mi padre me hizo una armadura de papel cascarón, con todo y flor de lis y espada de madera. Recuerdo ese epi-sodio con especial cariño. Hoy en día ya no encuentro la armadura y la espada es muy pequeña, pero siempre voy a tener un afecto especial por esa historia, que fue parte de mi infancia y sin duda me ayudó a desarrollar mi personalidad, restándole importancia al hecho de no ser una niña cliché.

El nombre está en francés y no en inglés como en la canción de Arcade Fire, para hacer referencia a la edu-cación que recibí, en un liceo francés, y que es una de los hechos más importantes de mi personalidad, esta mezcla de la mezcla de la mezcla, más que mestizaje, más que hibridación, la confusión que a veces se puede tener, los revoltijos lingüísticos, los amigos que se van y que vienen.

Hay otro cuadro en esta serie que se llama I’m Aqua-rius, también por una canción de Metronomy, que retra-ta a Isabel Palacios-Macedo, una de mis mejores ami-gas. Lo pueden ver en http://danielaaparicio93.wix.com/daniela-aparicio

Daniela AparicioJeanne D’ArcÓleo sobre tela100x80cm2015

La contemplación de la naturaleza, en el transcurso de la historia, se ha re-presentado en el arte plástico, de

muy diversas formas. En mi caso, las dos pinturas al óleo que están viendo, forman parte de dos series diferentes, y tienen como motivo de reflexión el paisaje.

En la primera obra titulada “Joshua Tree” que pertenece a la serie “Del desierto y otras historias” iniciada en el 2010, bus-co la fuerza y las entrañas de la misma tierra, con una cromática mas viva, un tanto agresiva.

Silvia BarbescuJoshua Tree120x150cm2010

Silvia BarbescuCerezoÓleo sobre tela200x100cm2014

“El Cerezo” pertenece a la siguiente serie de “Jardines Fantásticos” que empecé en 2013. En esta pintura, pretendo evocar la delicadeza y vulnerabilidad de la natura-leza frente a la invasión del humano.

Son dos obras que hablan de mi visión, percepción y sensibilidad que ofrezco a la interpretación del espectador.

El paisaje es un tema en el arte plástico, que toma independencia y fuerza de re-presentación a partir del siglo XVII. An-teriormente, formaba parte de la compo-sición como escenografía o soporte para temas considerados más importantes.

Norma BarragánÁntasMetal SoldadoVariables (9 piezas negras)

Me gusta pensar en mi obra como una especie de anti códigos, que se revelan

como testimonio de nuestra ma-nera de estar, de transitar, toman-do a la arquitectura como aliado imprescindible, convirtiéndonos de espectador en co-autor de las lecturas, cualquier ubicación que les demos o que tomemos tienen una connotación precisa, como las

manecillas de un reloj. Elijo esta ocasión las estructuras, que inten-tan descifrar los límites que con-tienen lo posible de nuestro an-dar, estas estructuras pretenden que nuestro andar se mantenga en lo marginal, son una estructu-ra desde la cual puedes mirar, de ninguna manera son estructuras para mirar.

Yuritzin BarrientosVidenteAcrílico sobre madera60x50 cm Vidente surge como un augu-

rio desde que era una niña me ha fascinado la idea de

mantener una cierta conexión con el lado instintivo que el humano posee, como una revelación ante la insistencia de idear el mundo a partir totalmente de una postura lógico-racional.

Me gusta creer que no todo tie-ne que ser explicable, que hay co-sas o situaciones que se escapan de nuestro entendimiento y por lo

tanto de nuestro control. Sólo así me es posible entrar en el terri-torio de la fantasía, no como una evasión de lo real sino como otra ventana desde la cual las posibili-dades se potencializan y los lími-tes se trastocan.

Adriana CalatayudAnatomía fragmentada Iimagen78x90cm2011

Adriana CalatayudAnatomía fragmentada IVimagen54x68cm2011

Adriana CalatayudAnatomía fragmentada Vimagen82x53.2cm2011

Dibujos realizados sobre distintas capas de papel albanene. Abordan algunas maneras de entender las-

relaciones entre individuos como un jue-go de control, dominio y reducción del Otro. Se trata de una mirada en torno a diversos imaginarios de cosificación, ani-malización, y segmentación.

María CampigliaSobre el tacto: Serie 1 El encanto de convertir al Otro en otro: Imaginarios de reducción y cosifica-ción. (fragmento).Políptico Varias medidas

Vinil cortado que recupera la forma exacta de la sombra proyectada al medio día por el grupo de palmas

que están en el patio 8 de la Biblioteca Vasconcelos. (Que pueden verse a través de este vidrio).

María CampigliaSombras de palmas del patio 8 de la Biblioteca Vasconcelos.Vinil cortado montado en vidrio1m x 23.33m

Ady Carrión PargaCafé a las 5:00pmCarbón, grafito y pastel sobre tela185x200cm2004

En la superficie del lienzo, en su materialización se integra realidad, hay acción. Las cate-

gorías se superponen y se crea un imaginario tangible. Enfrentarse con el dibujo es tomar decisiones, seguir caminos, es acompañar una acción integradora y transforma-dora.

Cuando dibujo algún objeto, me pregunto por aquello que me hace verlo como tal. Su unidad, su completitud, sus proporciones ergonómicas me resultan menos certeras cuando me dispongo a dibujarlo. Al trazar, me interesa cuestionar su carácter de unidad y construyo así, en el dibujo, una

Ady Carrión PargaCarbón, grafito y pastel sobre tela150X150cm2004

unidad fragmentaria, un todo que se significa como tal en tanto par-te, y que remite a una dinámica fractal a nivel del concepto. Y esta parte convertida en todo, esta unidad fragmentaria, crece en el

dibujo hasta dimensiones huma-nas. El objeto dibujado constitu-ye una realidad que transforma el espacio en torno suyo y crea una atmósfera habitable.

Ady Carrión PargaTrabajo de Mujeres IEstambre bordado sobre tela115x140cm2012

Yo dibujo. Doña Rosita borda. Su mamá teje. Una vecina cose, lava y plancha. La obra se vuelve reali-

dad a partir de este evento integrado por colaboraciones de mujeres, que se con-vierten en el asunto de la obra misma. La obra no puede existir al margen de estas dinámicas.

Ady Carrión PargaTrabajo de Mujeres IIEstambre bordado sobre tela115x140cm2012

Mi dibujo se proyecta más allá de la su-perficie y se convierte en una realidad, una realidad por principio dibujada que hace posible la coincidencia de catego-rías distintas y la multiplicidad de relacio-nes formales-conceptuales, una realidad en la que la comunidad se ve envuelta y, quizás incluso, transformada.

Ana Bell Chino GuzmánContrastes Educativos (Mashup de Lucio Cabañas y Elba Esther Gordillo)Intervención in situ (fotocopias)400x250cm

Karla Aileen de Jesús ReynaRed de ColectivosBitácora ilustrativa31x23cm

Paloma Díaz AbreuHazmatAcrílico sobre tela141x176cm2003

Paloma Díaz AbreuAcrílico sobre tela141x176cm2003

Serie Pintando la imagen-movimiento. (basa-da en un video de Pina Bausch)

Es una serie que busca establecer diálogos entre la imagen filmada y la pintura, involucrando reflexiones filosóficas que tienen que ver con la duración, la imagen afección, la imagen subjetiva y la sensación.

Pinto con acuarelas sobre papel secuencias e instantes del cine y de videos de artistas con-temporáneos, con la idea de darles existencia en una segunda memoria, que es pictórica. Incluyo vídeos de mi propia autoría que también me inte-resa trasladar al espacio de la pintura.

Lo que uno obtiene al pintar fragmentos, esce-nas y secuencias de películas, son cortes fijos o inmóviles que al desplegarse en uno o distintos planos, crean una lectura continua donde encon-tramos un antes, un durante y un después y en realidad esto es lo que me interesa principalmen-te: romper con el instante único y privilegiado que siempre ha fundamentado a la pintura pre-sentando dos o tres instantes en secuencia para buscar una suerte de temporalidad.

Mónica DowerPrimera, segunda y tercera secuencia de Café Miller

Acuarela sobre papel104x74cm

Uti non abuti comenzó siendo una exposi-ción individual de obra generada durante mi periodo de formación en la Esmeralda.

(2002 - 2007). Al finalizar ésta, mis intereses y pa-siones exigían otra forma para ser contenidos. Así surgió la idea de hacer como tesis una com-pilación de mi propia colección de libros, imáge-nes y textos, una decantación de lo que me era significativo en el terreno del arte en esos mo-mentos para darle forma de ensayo por un lado y collage por el otro. Al final un libro… Uno del tipo interactivo y lúdico que se pudiera transfor-mar en escultura, texto o imagen con sólo darle la vuelta.

Uti non abuti (del latín: Use pero no abuse) se convirtió entonces en una colección de citas,

recortes, imágenes, objetos, ideas y literatura. Un gabinete de curiosidades donde aparecen a manera de capítulos, movimientos, momentos y personajes del campo del arte importantes para mi práctica artística. El Land Art, grupo CoBrA, Rembrandt, Humboldt, Kafka, William Blake, en-tre muchos otros figuran en este libro de citas. El monstruo como creación, también aparece como una constante…

Una mirada a las distintas formas de mirar. En palabras de Mr. Frick, un autorretrato desde la mirada del otro.

Alejandra EspañaLibro de Artista2014

Fabiola Fragoso“Hermana”Cinta negra gafer sobre muro400x200cm2015

Esta obra gráfica es una reflexión en torno a las relaciones entre herma-nas, por medio del cabello se gene-

ra un código para una comunicación no verbal. La escena ilustra un instante de tensión, los cabellos comienzan a distan-ciarse para realizar un tejido que poco a poco se descompone. Simboliza el ins-tante previo a la separación.

Los cuerpos mantienen posturas opues-tas, mientras uno se encuentra inclinado venerando y cuidando el vínculo que aun las une físicamente, la otra mantiene una postura firme que solo espera el momen-to en el que tengan que separarse.

Mi trabajo es una reflexión sobre los vín-culos generados por las personas, la ma-nera en la cual el código funciona como

medio para el intercambio de sentimien-tos, lo cual incita a la interpretación de nuevas posibilidades de entendernos como seres sociables.

Mi búsqueda también se compone de la implementación de materiales como las cintas, en este caso la cinta funciona como un símbolo de unión, teniendo la particularidad de una permanencia efí-mera. El uso de estos materiales ha pro-piciado que mi obra gráfica pueda tran-sitar por otros soportes para generar una atmosfera con el entorno.

Blanca Estela GonzálezSin títuloÓleo sobre tela100x101cm La obra parte de los estados abstrac-

tos reflejos internos manifestados a través del paisaje para poder visua-

lizarlos de una manera completa, en el que lo que observamos sea la impresión de algo que podemos enfrentar, envol-ver, contener y finalmente interpretar. El Todo es la suma de los pedazos rotos y la suma de los pedazos rotos se manifiesta en el Todo.

Gabriela González LealDualidadEscritos a máquina de 1978, cabello sintético, grafito y lápices de colores sobre papel71x109cm2013

Parto de la obra de mi fallecido padre, Fidencio González Montes escritor y periodista (1954-2012); de las huellas

de su escritura, de sus manuscritos crean-do una relación íntima entre su disciplina (Literatura) y la mía (Dibujo); entre pala-bra y trazo. Los escritos de su juventud, sus libretas y borradores que apilaba en su estudio son reciclados, reapropiados y llevados a una nueva interpretación, ya no como lectura sino como líneas. Con la re-apropiación de estos documentos me he valido para “narrar” historias visuales a través de la palabra escrita dejando atrás su lecturabilidad. Me interesa habi-tar el lenguaje como una segunda piel,

extraer las huellas del tiempo, el polvo, sus rayones y dibujos como apuntes. El objetivo principal es otorgar un nuevo sentido gráfico-visual a las letras, las pa-labras. Sostener una colaboración entre texto e imagen de manera que la palabra escrita pierda su sentido de lectura y se transforme en delgadas líneas de dibujo, en textura y movimiento. Estos manuscri-tos solo se unieron a un extenso campo de pensar LA PALABRA ESCRITA de una manera diferente.

Gabriela González Leal Paráfrasis del silencioLitografía a dos tintas y Chiné Collé sobre papel112x68cm2013

Carmen HernándezDialéctica (como puedo te amo)

Marmol negro y bronce2 piezas tamaño natural

1997

Esta escultura de Mármol Negro Monterrey, es un fragmento del grupo escultórico llamado “Dialécti-ca” (“Como puedo te amo”) que consta de cuatro

figuras humanas en distintos materiales. Estos perso-najes son bellos de por sí, pero no pueden ser felices, dependen siempre de algo o alguien para ello, a pesar de tenerlo todo, por ello “penden literalmente”, el estar colgados es un sinónimo de dependencia, no represen-tan de ningún modo tortura alguna.

Mónica HerreraApropiación de espacios imaginariosGrabado en punta seca sobre transfer en cajas de tortillas.Medidas variables2014 -2015

Es una serie de piezas que exploran ideas de cambio en el espacio pú-blico, proyectándolo como un lugar

a un tiempo caótico y utópico en el que por medio de intervenciones ficticias a través del grabado se genera un paisaje que contrasta lo “natural” y lo urbano.

Utilizando cajas de cartón de tortillas horneadas, la obra recupera materiales familiares y cotidianos desplegándolos a manera de construcciones incompletas como registro de una experiencia de la ciudad.

Jimena ManzanaresInhibidores selectivos de la recaudación de serotonina201410 piezas cerámicas de lentes, punta seca43x53cm

De la serie in (di) visible2014tinta china y madera2 piezas de 38x38cm

De la serie in (di) visible aguatinta/aguafuerte56x46cm28x23cm cada una

La forma en que miramos (lite-ralmente) o no al mundo mo-dela nuestra existencia en él.

os lentes ajustan la visión para per-cibir una realidad consensuada, democrática, como todos dicen que es. Con la visión “corregida” soy un ser funcional pero, ¿quién soy con mi miopía? ¿sólo un ser enfermo? ¿un habitante momen-táneo de una realidad alterna?

Los antidepresivos adecúan las emociones de quienes los to-mamos, a estándares de común acuerdo con la mayoría. Nos per-miten contactar con el día a día de los demás y caminar a su lado. Pero ¿quien soy cuando no los tomo? ¿puede ser la tristeza otra versión de la existencia? ¿cómo es

que esas diminutos átomos orga-nizados me aclimatan a la socie-dad?

Estas piezas tratan de la percep-ción de las cosas, eje fundamental de mi obra.

La ubicuidad de las moléculas y su imperceptibilidad constituyen otra faceta de la misma moneda. ¿Cómo siendo parte de todo, na-die repara en ellas de forma ha-bitual? Los anillos de crecimiento de los árboles constituyen un ejer-cicio de salto entre las escalas de la percepción, entre su estructura macroscópica (que por sí misma denota el transcurrir del tiempo) y su estructura molecular, repleta también de ciclos.

Alejandra Jimena MedinaXx18Serie de 3 playeras intervenidas con bordadoMedidas varias

El rencor es un veneno que te tomas y esperas que el otro se muera. Las otras fueron personas que invadie-

ron, de buena o mala manera, mi cabe-za. Este fue un proceso en el que quería deshacerme de su influencia sobre mí, de su presencia en mis pensamientos pues poco a poco echaban raíces que se dis-torsionaban con el paso del tiempo. De-cidí expulsarlas, pero al ver que no podía apartarlas por completo, al menos bus-caba llevarlas de manera externa, donde podía controlarlas. Me apropié de la ima-gen y por lo tanto de la idea de esa per-sona, en ese momento, dejaron de tener importancia pues se volvían algo tan co-

mún como un estampado en la camisa. Dejaban su identidad para convertirse en la mía. Perdieron todo significado ante-rior y se convirtieron en la suma de ex-periencias que tuve mientras las usaba. Realicé, que el rencor que había sentido en un principio, no tenía que haber sido dirigido a ninguna de ellas. Así como no debe haberlo en este tipo de exhibicio-nes, pues aislar a las mujeres para hablar de temas relacionados a las mismas, no hace sino alejarnos más de la equidad de género.

Carmen Mendoza ChavezMatorral3Hilo sobre tela74x44cm

PinoHilo sobre tela130x150cm

Reconocimiento busca desa-rrollar el genero autorretra-to, entendiéndolo no tanto

como la representación <fiel> de mi imagen, si no como un ejercicio de auto reconocimiento. La pieza se basa en fotografías tomadas en modo ráfaga con la intención de captar mi imagen sin controlar la pose. Transferir la fotografía a di-bujo supone un estudio de la figu-

ra, una auto exploración en don-de la idealización se trata de dejar atrás para dar paso a una nueva forma de ver el cuerpo. La imagen final, vulnerable e intima, busca re-presentar el contraste que hay en-tre el manejo de poses de la vida pública/social y la espontaneidad desprovista de intenciones ajenas a la comodidad que toma lugar en la privacidad.

Georgina MierReconocimiento

Carbón sobre papel2 piezas de 116x81cm

El trabajo que se está exponiendo en la Biblioteca Vasconcelos, pertenece a una seria que continuo trabajando

titulada ‘’ A LA UNIDAD DEL PUEBLO AL BARRIO DE LA COCODRILA ENAMO-RADA’’, es un trabajo autorreferencial el cual tomo como ejes el amor, la aventura, la amistad y la lucha social. Me interesa entender sucesos que parten de mi for-ma de vivir, de comprender al mundo en historias de mi día a día que a su vez se relacionan con mi interacción con otros personajes.

Jocelyn Nieto GonzálezLa GuapaÓleo sobre tela3 lienzos de 70x180cm

De repente un día te das cuenta que el techo sobre tu cabeza no es seguro, que al no ser propieta-rio del lugar en donde vives difícilmente podrás

tener certeza de su seguridad y estabilidad; cuando esto pasa, lo primero que recorre tu mente es que esa sensación de desprotección te deja indefenso, y com-prendes la dimensión e importancia de tener un hogar. Todo espacio realmente habitado contiene la esencia del concepto de hogar, porque allí se unen la memo-ria y la imaginación, para intensificarse mutuamente. En el terreno de los valores forman una comunidad de memoria e imagen, de tal modo que la casa no sólo

Teresa OlmedoLa casa es un cuerpo de imá-genes que dan ilusión de estabilidadLinóleo e hilografía. 76x56cm

se experimenta a diario, al hilvanar una narración o al contar nuestra propia historia, sino que, a través de los sueños, los lugares que habitamos impregnan y conser-van los tesoros del pasado. Así pues la casa representa una de las principales formas de integración de los pen-samientos, los recuerdos y los sueños de la humanidad. Sin ella, el hombre sería un ser disperso. La casa tras-ciende la inmediatez y se coloca como uno de los dere-chos fundamentales de cualquier ser humano, pues sin ella la existencia misma pierde sentido, camino e inten-ción. La casa se torna en símbolo de cada sujeto, en ella vemos de modo subjetivo aquéllas cosas que amamos, que deseamos, interpretamos en esa simple imagen la totalidad de la existencia humana y el sentido de nues-tra humanidad, nuestra casa será el escenario en el cual se desarrolla nuestra vida y será hasta que lo hagamos nuestro, hasta que lo construyamos que tendrá sentido para nosotros: «No habitamos porque hemos construi-do, sino que construimos y hemos construido en la me-dida que habitamos, es decir, en cuanto que somos los que habitan» (Heidegger, 1951). Esto debe dejar claro que la importancia de la casa no solo esta protección que brinda, sino y sobre todo en la sensaciones que provoca en sus habitantes, es el espacio que fielmente refleja a sus ocupantes.

Teresa OlmedoLa casa es sin duda alguna un ser privilegiado

Linoleo e hilografía14x19cm

Los recuerdos de las antiguas moradasLinoleo e hilografía

14x19cm

Exlibris de la casaLinoleo e hilografía

14x29cm

Mi proceso está habitado de personajes autobio-gráficos, personajes del pasado y del presente, especialmente mujeres, ya que provengo de una

familia en donde la imagen de la mujer es numerosa e importante como proveedora de autoridad y soporte. Mi familia esta compuesta por tres hermanas y mi ma-dre; yo ocupo el lugar de hermana mayor y la niña re-presentada es la menor. Cuando dibuje esta pieza, me encontraba en medio de un proceso psicoterapéutico en el que revisaba e integraba las partes perdidas de mi personalidad, se trataba de un proceso de autoco-nocimiento a partir de entender mis conflictos neuróti-cos, gracias a este proceso pude distinguir claramente los tres grandes bloques en mi proceso creativo y en mi vida, el ausente, la infancia y el autorretrato; a todo este proceso le he llamado “El dibujo sin ti”, procesado en cuadernos de bitácora y depositado en un libro de artista y dibujos de estas dimensiones. El dibujo sin ti

nació primero por el juego de re-presentar una reali-dad ausente pero con el tiempo se fue complejizando y se convirtió en una herramienta de autoconocimiento por medio de la cual, aún hoy día, reviso e integro par-tes perdidas de mi personalidad. Menciono esto último para enfatizar que mi historia de vida es una parte im-portante como material creativo que nutre mi trabajo. Creo que a través del arte se puede llegar al enriqueci-miento y comprensión del mundo interior de una per-sona; a la profundización de conocimientos a través del juego de la experiencia y la creación. En mi caso, eso sí, el arte ha significado un refugio de sanación, me brindó a través del dibujo un vehículo para expresar, jugar, aprender, descifrar, entender, exponer, compartir y estar en un proceso de transformación, me interesa un arte que te permita dar un salto al mundo interior, descifrarlo y comprenderlo para aprender.

Dinora PalmaSin títuloTinta sobre papelDíptico 110x90cm c/u

Triana PareraPelaoGrabado con linoleo78x53cm2014

La curiosidad constante hacia el comportamiento humano, me lleva a enfocar parte de mi

obra a la representación de éste en diferentes contextos.De esta manera la gráfica me ha

permitido poder experimentar con las diversas formas de reproduc-ción, la interpretación personal de mi realidad inmediata.

Triana PareraTripolarGrabado en linoleo90x60cm2014

Deny RamosWatashi wa monsutaTransfer sobre telaMedidas varias

Deny RamosSerie Grow UpCollagePolíptico de 35x49cm – 35x28cm2015

Karla Ricárdez De la serie cont-angentes: EvaAluminio a la cera perdida40x35x95cm2015

Karla RicárdezDe la serie Construcciones arbóreas: Isabella y MelissaCerámica de alta temperatura y componentes orgánicos40x40x40cm2014

De la serie Construcciones arbóreas: SofíaCerámica de alta temperatura y componentes orgánicos38x38x30cm2014

De la serie Construcciones arbóreas: LulúCerámica de alta temperatura y componentes orgánicos38x38x23cm2014

Carla Jean RippeyIn another country (la otra)Espejo / marco / impreso vintageSerie de 132012

Hace unos años hice una obra pare-cida a esta, juntando marcos viejos (de la Lagunilla, más que nada), pá-

ginas de un catálogo de muestras de pa-pel tapiz y fragmentos de unos carteles chinos de los años cuarenta (anunciando cigarros e hilo de coser, creo, o algo por el estilo). En la primera obra quería dar la idea de ventanas a un lugar desconocido, donde el viajero ve fragmentos de esce-nas que no entiende bien, y quizás por eso encuentra más fascinante. La primera versión se llamaba Turismo.Después decidí hacer otra obra con los

retazos que me quedaron del primero. Agregué a los retazos dos marcos con es-pejos antiguos intervenidos con la foto-

copia de una geisha decimonónica vién-dose en un espejo. Esta vez los collage fueron más complejos porque los retazos que me quedaron no eran muy grandes y para llenar los marcos tenía que hacer una composición de varios. En el proce-so me salió un constante de dos muje-res asomándose, encontrándose y quizás volviéndose a perder. Imaginé que cada una estaba pensando en la otra, o quizás una era la imagen espejo de la otra. Esta vez puse dos títulos: In another country (otra forma de decir Turismo) y “La otra”, -una referencia a las dos mujeres que aparecen y desaparecen en la obra.

Ofelia Rivera VázquezLa negraAcrílico sobre madera35x46cm2014

Mi interés por las muñecas comenzó en la fabrica de juguetes de mi padre, donde trabajé desde muy pequeña, durante aquellos años de infancia

me fue difícil diferenciar entre la imaginación y la indus-tria. Al pintarles la cara, ponerles el cabello, empaque-tarlas, ensamblar las piezas: brazos, torsos, cabeza, ojos y piernas fueron para mí, el límite entre la realidad y la fantasía. En estas dos piezas, presento la imagen de las muñecas

como el depositario de las fantasías y los deseos más íntimos y secretos, que alguien o todos experimentan al otorgarle a los objeto inanimados un anima ,y, que al mismo tiempo logra producir la ilusión de instintos primarios como la protección o la maternidad.

Ofelia Rivera VázquezLa dama con negraÓleo sobre tela60x60cm2014

Fernanda RoblesTrapitos al SolPatchwork2mx1.5m

Esta pieza consiste en la unión de 80 prendas de ropa reco-lectadas. Para su realización

se pidió que entregaran una pren-da favorita ó representativa. Se puede contemplar de ambos

lados, en el frente vemos cuadra-dos de 6x6 pulgadas y a la vuelta está la prenda completa.La confección de la pieza tiene

como referente las colchas de

Patchwork –técnica empleada por mujeres afroamericanas de estra-tos sociales bajos- y habla sobre la unión de personas cercanas a mí, que entre sí pueden ó no cono-cerse pero que al final conforman una comunidad a partir de sus prendas más íntimas.

Michelle SáenzOfeliaTransfer sobre papel japonés110x120cm

Mi pintura es un discurso dinámico que hasta este momento abreva una reflexión en torno a la anima-

lidad, el deterioro humano y el colapso global. Este discurso conformado de asociaciones significantes libres, persigue una construcción que además de que abreva la lección alquímica de la pintura con referencia clásica, replantea un simu-lacro de luces tímbricas, álgidas toxicas que amalgaman una fantasía de orden expresionista en donde el cuerpo frag-mentado enuncia “la cabeza cercenada” como una cita con la historia de la pintu-ra, la muerte, la destrucción ecológica y una licencia poética para otorgar una me-jor vida a los caídos, como problemáti-cas constantes de esta aventura pictórica que es la que comparto, sinceramente, sin menoscabo de conciencia.

Patricia SorianoDe la serie paisaje-colapsoÓleo sobre madera40x40cm2014

Patricia SorianoOtredadÓleo/ tela50x50cm2014

Patricia SorianoRenacimientoÓleo/ tela47x47cm2014

Patricia SorianoKrishna inicialÓleo/ tela50.3x50.3cm2014

Patricia SorianoCarne por principio IÓleo sobre tela48x45cm2014

Patricia SorianoCarne por principio IIÓleo sobre tela48x45cm2014

Sofía TàboasFlores con humoGrafito y papel algodón50x70cm2007

Pertenece a una serie de dibujos reali-zados con grafito sobre papel de al-godón, dónde exploré algunas apro-

ximaciones a flores imaginarias, la idea de obstrucción, huella y memoria, son elementos que aparecen en esta serie, este es uno de esos dibujos que muestra una fracción enigmática de un paisaje.

Mariana VelazcoEnredos y entramados...Acrílico sobre craft200x160cm

Mariana VelazcoY no llegamos a nada...Acrílico sobre craft200x160cm

La abstracción y la expresión me per-miten concientizar y conocer mis emociones. Sin embargo, se requie-

re planear y calcular la cantidad de ele-mentos dentro del cuadro, para crear una composición en base a un sistema.Este trabajo, provocó que me acercara

aun más a mí misma.Cuesta encontrarse entre tantas imá-

genes. Por eso retorno a mi origen, en busca de una explicación al único destino que es la muerte. Todo lo demás, a don-de nos dirigimos, depende de nuestras acciones. Acción- reacción, del goteo a la mancha, de la mancha a la atmósfera y de la atmósfera a un espacio sistémico que contiene secretos que intentan bal-conear el comportamiento humano.

Me baso en mis experiencias de vida, y cuestionamientos de ellas, y sé que traigo conmigo a la muerte; un movimiento en falso, y el sistema se interrumpe o se cae. En el mejor de los casos, se interrumpe. Por eso es preciso cuidarla.

“Enredos y entramados” e “Y no llega-mos a nada”, es una alegoría a la comu-nicación humana. Como puede ser un cableado inútil, que provoque cortos o queme resistencias y provoque distancia-miento, como puede ser un lindo entra-mado que cubra y proteja dicho entendi-miento, así como aparenta ser reclamo, hay cancelaciones y cerraduras que enal-tecen no sólo desesperación, sino una in-terrupción, así no se llega a nada.

Lucía VidalesEl ascensoÓleo y encausto / maderaDíptico de 120x61cm por cada uno En esa nube, puedo ver el rostro de mi inquisidor,

del que me observa y se ríe de mí, del que se pien-sa a salvo de sí mismo desde la altura de su verga.

Aunque no los vea, se que en la oscuridad se esconden mis ridículos miedos y mis deseos más grotescos, todas son imágenes y aquel que los mira es cómplice.Recordando los retablos flamencos, un díptico opera

como unidad fragmentaria, una presencia del pasado, quizá de la infancia, llena de otras que no sé si recuer-do o imagino. No podría explicar qué es para mi ser niña en este mundo, cuál es el mundo de una niña, pero temo saberlo y haberlo vivido.

Lucía VidalesLas tribulaciones de San Antonio

Óleo sobre tela140x170cm

La pintura puede abordar el problema del cuerpo de una manera particular si se la piensa ella misma como cons-

trucción material, procesual, acumulativa, de capas, transparencias y opacidades, costras, desgarramientos. Una materiali-dad que construye la mirada, se deja ver y no, y nos mira en tanto imagen. El cuer-po de la mujer ha sido también construi-do culturalmente como algo a ser mos-trado u oculto, objetualizado, deseado. Las tribulaciones de San Antonio ha sido un tema a ese respecto recurrente desde el siglo X en la historia de la pintura oc-cidental, la literatura, la gráfica y el cine para representar la lucha entre el bien y el mal. El relato presenta de manera mi-sógina a la mujer y su cuerpo como ten-tación diabólica, satanizándola junto con monstruos y enigmas.

Aquí, en cambio, el cuerpo aparece de manera autorreferencial, desdoblado. Un cuerpo mutilado muestra su propia cabeza, la cual mira su cuerpo como si fuera de otro, busca hacer cómplice al espectador de ésta mutilación y autorre-conocimiento. El paisaje entre perturba-do y lúdico, entre la voluptuosidad y lo ruinoso, no es un escenario claro de una lucha bipolar entre el bien y el mal, sino un tránsito impreciso, un devenir híbrido. La tribulación no viene de la naturaleza ni del demonio, sino del imaginario, la gue-rra, la destrucción y mutilación realizada por los propios seres humanos, donde las mujeres aparecen como testigos, puesta en juego de sí mismas, elementos centra-les de sus propias tribulaciones.

Lidia VillavicencioMi piel es tu pielPiel curada de cerdo intervenida con tatuaje / registro fotográfico75x55cm

Kim Young SunNabilaAcrílico sobre tela120x60cm

PalomaAcrílico sobre tela 120x60cm

Kim Young SunMi bebeLapiz en papelPolíptico de 16.25x5x4cm