RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA

Martes 26 de agosto de 2014 • 7:00 p.m.Riohacha, Salón Sierra Nevada, Centro Cultural de la Guajira

Miércoles 27 de agosto de 2014 • 6:30 p.m.Valledupar, Auditorio Consuelo Araújo Noguera, Biblioteca Departamental Rafael Carrillo Lúquez

Jueves 28 de agosto de 2014 • 7:00 p.m.Cartagena, Centro de Formación para la Cooperación Española

Viernes 29 de agosto de 2014 • 7:00 p.m.Montería, Auditorio Los Fundadores, Universidad del Sinú

Jueves 18 de septiembre de 2014 • 7:45 p.m.San Andrés, Hotel Sunrise

Martes 21 de octubre de 2014 • 7:00 p.m.Pasto, Centro Cultural Leopoldo López Álvarez

Jueves 6 de noviembre de 2014 • 7:00 p.m.Leticia, Auditorio Banco de la República

Domingo 9 de noviembre de 2014 • 11:00 a.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

JAVIER OCAMPO, saxofón (Colombia)ALEJANDRO RUIZ, marimba (Colombia)

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o

fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga

apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e

intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

El concierto de Javier Ocampo en Cartagena cuenta con la colaboración de

Los conciertos realizados en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango están autorizados por laDirección Administrativa de la Secretaría de Gobierno de Bogotá, mediante la Resolución 071 del 14 de

febrero de 2014.

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Javier Ocampo inició su carrera musical en la Banda Juvenil de Villamaría (Caldas) y recibió mención laureada y grado de honor como maestro en saxofón en el Conservatorio Antonio María Valencia de Cali. Luego de su debut como solista, a los 18 años, con la Banda Sinfónica Nacional de Colombia y tras haber ganado diferentes concursos nacionales, viajó becado para continuar sus estudios en el Conservatoire de Musique et Danse de Bourges (Francia), donde obtuvo medalla de oro en saxofón y en música de cámara, el Primer Prix Regional y felicitaciones y honores durante su ciclo de perfeccionamiento en el instrumento. Posteriormente fue becado por la Universidad Estatal de Arizona (Estados Unidos) para realizar sus estudios de doctorado, los cuales concluyó en 2011 bajo la tutela del reconocido saxofonista Timothy McAllister.

Dentro de los múltiples premios que ha recibido, se destacan: Primer premio Intérpretes del Próximo Milenio (Bogotá, Colombia); primer premio, Jóvenes Intérpretes Filarmónica del Valle (Cali, Colombia); Jóvenes Intérpretes Banco de la Republica (Bogotá, Colombia); Saxofonista Confederación de Música de Francia (París, Francia); Mejor obra latinoamericana (Ciudad de México, México); segundo puesto, Concurso Panamericano de Saxofón (San José, Costa Rica), y primer premio, Concurso Latinoamericano de Saxofón Perusax 2011.

Ha ofrecido recitales y conciertos como solista en Centro y Sur América, Estados Unidos y Europa. También ha trabajado, grabado y producido para importantes sellos discográficos, con diferentes ensambles en Colombia, Estados Unidos y Francia. En 2011 grabó Concomitant: Modern Latin American Music for Saxophone, disco que plasma un trabajo de investigación desarrollado junto a siete importantes compositores de la región y que muestra la variedad y riqueza del repertorio latinoamericano para saxofón.

Javier Andrés Ocampo se ha dado a conocer como uno de los jóvenes saxofonistas más activos, emprendedores y comprometidos con el desarrollo del repertorio moderno para el saxofón en América Latina. En la actualidad se desempeña como artista Yamaha, profesor de saxofón y jefe del área de vientos en el Conservatorio Antonio María Valencia de Cali. Además, es miembro de la junta directiva de la Asociación Latinoamericana de Saxofonistas ALASAX.

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Músico percusionista, egresado de la Universidad EAFIT de Medellín y alumno de clases de marimba en Estados Unidos, Europa y Japón. Ha tocado marimba y percusión en diferentes orquestas, bandas y grupos de cámara de su país natal, Colombia, y ha participado como intérprete y profesor en festivales nacionales e internacionales de música, con énfasis en marimba y percusión.

Ha ofrecido recitales en calidad de solista en teatros de su país y del extranjero, así como en la radio y la televisión. También ha intervenido en producciones discográficas en la ciudad de Medellín y en el resto del país. Participó en el Primer Concurso Latinoamericano de Marimba Keiko Abe, realizado en México, donde obtuvo el segundo lugar. Ha sido profesor de percusión en la Universidad de Antioquia y la Universidad EAFIT en Medellín.

Actualmente es integrante de planta de la Orquesta Filarmónica de Medellín y presta asesoría a los estudiantes de percusión en la Academia Filarmónica de Medellín (AFMED) de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Antioquia. Al mismo tiempo, adelanta estudios de maestría en música en la Universidad EAFIT. Su deseo es especializarse en marimba poniendo un grano de arena en el vasto panorama musical que ofrece el instrumento, teniendo siempre presente el legado del ancestral “piano de la selva”: la marimba de chonta. Con ella, Ruiz quiere reafirmar el sentido de pertenencia a su cultura colombiana y hacerlo extensivo a la cultura latinoamericana y de otras latitudes. Recientemente salió al mercado su primer disco compacto, La marimba de los compositores colombianos, Vol.1 MAROMA.

Actualmente se dedica a su escuela, ARZ Marimba, cuyos objetivos principales son compartir experiencias y aunar esfuerzos para aportar al posicionamiento y crecimiento en el nivel de interpretación y apreciación de la marimba como instrumento serio de concierto.

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INTERMEDIO

DAVID MASLANKA (n. 1943)

JACOB TER VELDHIUS (n. 1951)

WILLIAM PENN (1943-2005)

AKIRA YUYAMA (n. 1932)

JUAN DAVID OSORIO (n. 1985)

CARLOS GRÄTZER (n. 1956)

Song for Davy, “The Old Year is Past” de Song Book

Hymn Tune with Four Variations de Song Book

Evening Songde Song Book

The Garden of Love

DiversionesAn Interrupted Serenade

Perpetual Motion

Divertimento

Pachamama

Transmutango

CONCIERTO No. 74

PROGRAMA

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NOTAS AL PROGRAMA

Por Óscar Murcia

En la música del compositor norteamericano David Maslanka (n. 1943) se enfrentan dos aproximaciones a la composición que definen la sonoridad general de las obras de su catálogo. Por una parte, defiende la técnica compositiva, ya que ésta es el núcleo donde las ideas y los reflejos del compositor se ejercitan y maduran. Por otra, defiende también la intuición, que, según él, ayuda a equilibrar el impulso creativo por medio de la aceleración de dicho proceso, el cual no es más que una forma de balancear el campo de maniobra del compositor entre el proceso precompositivo y el resultado musical1. Desde esta perspectiva, su música resulta ser una amalgama de referencias diversas en donde el lirismo más sentido, lleno de un gran impulso rítmico, se encuentra acoplado a su sentido por las sonoridades memorables; esto la hace notable por sus cualidades poéticas y espirituales.

Además de su importante labor como compositor, por más de veinte años Maslanka ha sido conferencista y profesor en diferentes universidades de los Estados Unidos. A partir de 1990, se ha dedicado exclusivamente a la composición y vivido casi exclusivamente de comisiones como compositor en residencia e invitado de varias universidades y festivales de música contemporánea en Estados Unidos.

El principal material musical de Song Book (1998) proviene de la fascinación de Maslanka por los corales de Johann Sebastian Bach. Desde la década de 1990, y como una forma de autodisciplina musical y espiritual, decidió estudiar las melodías de sus corales de una forma casi monástica, analizando e interpretando cada una de sus líneas melódicas y la forma en que estas interactúan en el tejido musical. Siendo este análisis un preámbulo —un calentamiento, si se quiere— a las sesiones de composición, de algún modo resultaron incorporadas a su lenguaje melódico y armónico. En palabras del propio compositor,

[…] con cada nuevo repaso soy más consciente de las relaciones de cada línea, de cómo una melodía prestada (la melodía del coral) genera las otras tres melodías en el mismo espacio, y de cómo todas las voces juntas generan un patrón de movimiento armónico. Estoy fascinado por el proceso de estas piezas y por cómo se han convertido en una importante influencia en mi forma de componer.2

De esa manera, todos los movimientos que hacen parte de Song Book están relacionados con los corales de Bach, pero lo son de tal forma que su contexto litúrgico se pierde y se favorece una sonoridad general que expresa una emoción o estado anímico específico y que expande las intenciones originales del coral. Los movimientos de la obra son breves y aunque hoy solamente se tocarán tres, están estructurados de la siguiente manera3:

Song for Davy: Es una revisión de la melodía del coral Das alte Jahr vergangen ist y está pensada a partir de la experiencia personal del compositor, ya que fue escrita en un periodo de transición personal y musical. Lost: Basado en el coral Herr, ich habe misgehandelt, el movimiento trata de expresar el sentimiento de estar perdido y de buscar ayuda. Hymn Tune with Four Variations: Es el único movimiento que utiliza de forma literal la melodía original del coral. Tomando como base la melodía 1 Maslanka, David. Thoughts on Composing (1988). http://davidmaslanka.com/thoughts-on-composing-1998/ [Consultada el 3 de julio de 2014].2 Maslanka, David. Song Book (1998). Notas introductorias a la obra, escritas por el compositor y encontradas en el archivo PDF de la partitura. http://davidmaslanka.com3 Íbid.

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4 Información obtenida en la página del compositor, www.jacobtv.net [Consultada el 6 de julio de 2014].

del Werde Munte, mein Gemute, cada variación es una aceleración constante y sucesiva de la misma, que evoluciona paulatinamente hacia un desorden caótico. Serious Music —in memoriam Arthur Cohn—: Es la pieza más larga de la obra y está dedicada a Arthur Cohn, jefe de la sección de música seria (de ahí el título) de la editorial Carl Fischer, que publica la obra de Maslanka desde mediados de la década de 1970. Summer Song: Es, en palabras del propio compositor, «una pieza dulce, que no requiere de mayor explicación». Song for Alison: Movimiento dedicado a su esposa. Evening Song: último movimiento basado vagamente en la sonoridad de la música del siglo XIX, más exactamente en los Intermezzi, Op. 116 de Johannes Brahms.

El compositor holandés Jacob Ter Veldhius (n. 1951) —también conocido como JacobTV— es una de las voces más importantes de la música contemporánea holandesa de los últimos treinta años debido a su aproximación despreocupada y sin prejuicio al establecimiento de la música académica de vanguardia. Músico de rock con disfraz de académico, forajido de la escena musical contemporánea, su obra no teme utilizar un lenguaje armónico descaradamente tonal junto a la sonoridad urbana y agresiva del hip-hop, sin descuidar un marcado interés por la cultura popular y masiva que proporciona el pop norteamericano —y que constituye su obsesión personal—. La aproximación musical de JacobTV resulta mejor descrita por él mismo: «Yo sazono mi música con azúcar»4. Esto hace que sea uno de los compositores europeos más interpretados en la actualidad, con más de mil presentaciones por año alrededor del mundo.

JacobTV inició su formación en el Conservatorio de Groninga, donde estudió composición y música. Recibió el Premio de Composición de Holanda en 1980, galardón que le ayudó a establecer su nombre dentro de los más interesantes y atractivos de la música académica holandesa, mérito que alcanzó al mezclar por partes iguales melodías atractivas y al revelar su gran facilidad para conectarse con el público. En los años siguientes, JacobTV se empeñó en buscar un lenguaje musical propio en la medida en que su música no se ajustaba a los cánones estéticos de la música académica de vanguardia, pero tampoco a las estrictas y herméticas reglas del jazz y del rock. Fruto de esa búsqueda son Insomnia (1986), Drei stille Lieder (1991) y Diverso il tempo (1991), obras que lo ayudaron a posicionarse como uno de los autores más promisorios de la música de vanguardia holandesa. Además de esto, hizo un nombre gracias a su trabajo con medios audiovisuales, específicamente en el cine, al escribir la música para varias películas y largometrajes.

En 1992 fue compositor en residencia de los famosos cursos de verano de la ciudad de Darmstadt, y en 1995 su obra Les Soupirs de Rameau inauguró lo que él mismo dio en llamar sus boombox, obras en las cuales a los instrumentos tradicionales se contraponían grabaciones de campo que incluían varias de las obsesiones estéticas de JacobTV: muestras de discursos políticos, comerciales, documentales y música urbana, entre otras.

En 1999, la obra Grab It! para saxofón tenor y boombox le dio a JacobTV el reconocimiento internacional del que hoy goza y por el cual es invitado a diversos festivales de música contemporánea alrededor del mundo. Además de sus boombox, su catálogo se complementa con creaciones para formatos instrumentales más convencionales (cuartetos de cuerdas, música para orquesta, obras concertantes) en donde confluyen el lenguaje tonal tomado de la música del clasicismo y del romanticismo, el minimalismo norteamericano y el lenguaje improvisativo del jazz y del rock.

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Basada en el poema homónimo del poeta místico inglés William Blake, Garden of Love (2001) propone una interacción del saxofón soprano y la banda electrónica pregrabada, a manera de un diálogo donde existen momentos de acuerdo (unísonos rítmicos y melódicos) y momentos de desacuerdo (comportamientos imitativos), pactando un discurso en que la electrónica —guiada principalmente por el texto recitado del poema de Blake— y el saxofón se funden en gestos rítmicos y narrativos. La influencia rítmica de la música popular junto al lenguaje diatónico expuesto por el saxofón caracterizan una obra en donde el componente musical se ve complementado por el interés del compositor por expresar una agenda política específica en la que utiliza los elementos de la cultura popular norteamericana de una forma similar a lo que Andy Warhol hizo en las artes visuales, esto es, utiliza literalmente modelos culturales como una forma de denuncia del medio en donde estos se elaboran y desarrollan.

El jardín del amorWilliam Blake

“Me dirigí al jardín del amor,y observé lo que nunca viera:

una capilla habían construido en su centro,allí donde yo solía jugar rodeado de verdor.Las puertas de la capilla estaban cerradasy escrito en la puerta se leía: “No lo harás”,

de modo que presté atención al jardín del amor,que tantas amables f lores ofreciera.

Y vi que estaba cubierto de sepulcros,y lápidas se erguían donde f lores debieran crecer.Sacerdotes de hábito negro cumplían sus rondas,enlazando con espinas mis sueños y anhelos.” 5

El estilo musical del compositor norteamericano William Penn (1943-2005) se caracteriza por cubrir una gran variedad de géneros. El jazz, la música académica contemporánea y la música para medios audiovisuales, entre otras, se dan cita en sus obras y logran darles un estilo único y personal, en el cual la intensidad dramática se ve apoyada por una propuesta melódica, armónica y textural novedosa que ayuda a cohesionar todo el discurso musical. Su estilo conecta ideas líricas, teatrales y experimentales con ideas propias de la música popular.

Penn inició su formación como compositor en la Universidad de Buffalo, donde estudió música renacentista, teatro musical y serialismo. Obtuvo su título de pregrado en composición en 1964 y de maestría en 1967, y amplió sus estudios en composición en la Universidad Estatal de Michigan, donde recibió su doctorado en 1971. Ha combinado su labor de docente en diversas universidades norteamericanas (Eastman School of Music, Universidad de Connecticut, Universidad de Arizona y otras) con su labor de compositor, y su trabajo ha sido interpretado por diversas orquestas y agrupaciones de cámara, como la Orquesta Sinfónica de Atlanta, la Sinfónica de Tucson y la Sinfónica de Indianápolis. También es reconocido su trabajo en música para medios, habiendo orquestado y escrito para películas, documentales, series de televisión, la escena y el teatro. Este trabajo ha sido reconocido y premiado en diversas ocasiones: más de veinticinco premios de la ASCAP tanto en la categoría de música académica como en la de música ligera, y reconocimientos varios, como el National Endowment for the Arts y los premios Meet the Composer. 5 Traducción del poema de William Blake.

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La principal idea detrás de Diversions6 está en enfrentar en una misma obra formatos instrumentales inusuales o poco convencionales. La obra aprovecha la naturaleza rítmica y ágil de ambos instrumentos, ya que sus dos movimientos tienen la indicación de moto perpetuo7. Asimismo, tienen motivos que funcionan a manera de conectores que se mueven entre ambos instrumentos y que en algunos momentos se encuentran en unísonos breves. El primer moto perpetuo presenta un pasaje en legato tocado por el saxofón, junto a una sección fuerte y enérgica interpretada por la marimba. El segundo está basado en conceptos que se pueden asociar a las técnicas de compositores como Steve Reich. Un movimiento rápido que se centra en el contraste tímbrico de ambos instrumentos es un movimiento que va de principio a fin sin pausas, un verdadero moto perpetuo.

Al igual que su compatriota Toru Takemitsu, Akira Yuyama (n. 1932) pertenece a la generación de compositores japoneses cuya música tuvo relevancia en Occidente hacia mediados de la década de 1950 y principios de 1960, debido a la curiosa mezcla de elementos japoneses y occidentales. Esta mezcla pretendía explorar las posibilidades de los instrumentos de la música occidental pero sin perder la cualidad mística de la música tradicional japonesa. Visto desde esta perspectiva, la de Yuyama no pretende ser una música folclórica adornada con gestos musicales occidentales, sino más bien quiere encontrar un punto intermedio en donde los elementos característicos de ambas tradiciones logren un lenguaje unificado y rico en texturas y armonías; una música que reúna las largas tradiciones musicales de Oriente y Occidente en un mismo punto de encuentro.

Akira Yuyama inició su formación como compositor en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio (hoy llamada Universidad de Artes de Tokio). Ganador en dos ocasiones del Premio de Composición organizado por la cadena nacional NHK, la música de Yuyama atrajo la atención de varias orquestas y agrupaciones en Japón y en el extranjero debido a su originalidad y a su lenguaje con personalidad, ya que en ella se encontraban elementos tanto de la música tradicional japonesa como de la música occidental de vanguardia. Obtuvo su título de compositor en 1954 y desde ese momento se estableció como músico independiente, posicionando su nombre de forma rápida dentro de la escena musical japonesa. Entre otros cargos y reconocimientos que ha recibido se destacan el de miembro directivo de la Sociedad Japonesa de Derechos de Autor y el Premio del Sol Naciente en cuarto grado, que le confirió el gobierno japonés en el año 2003.

Comisionada en 1968 por la afamada percusionista japonesa Keiko Abe, Divertimento es una obra que exige a ambos instrumentistas un gran virtuosismo y un evidente despliegue de técnica y concentración.8 Compuesta a partir del tema y variaciones, establece la forma rondó como estructura principal del discurso musical, tomando como base estructuras melódicas provenientes de la música tradicional japonesa, pero enriquecidas con un lenguaje armónico que se acerca al de la música occidental. El resultado es más que diciente, según palabras del propio compositor:

[…] me dediqué entonces a componer una obra que combianaría la marimba, instrumento con una estructura rica en armónicos, con el saxofón, otro instrumento

6 Información obtenida en la página del percusionista David Lockeridge, www.davidlockeridge.com [Consultada el 4 de julio de 2014].7 Se llama moto perpetuo —o perpetuum mobile— a la técnica consistente en un movimiento continuo de notas sin interrupción o con pocas pausas, usualmente en un tempo rápido y preciso, y que utiliza, por lo general, una misma figura rítmica.8 www.edinboro.edu [Consultada el 5 de julio de 2014].

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con una estructura rica en armónicos junto a una naturaleza fluida y lírica, en un intento por traer la efervescencia y la energía abrasadora de la marimba.9

El lirismo y virtuosismo de Divertimento la han constituido una de las piezas más importantes y más interpretadas del repertorio para saxofón y percusión en el siglo XX.

El compositor antioqueño Juan David Osorio (n. 1985) es probablemente una de las voces más originales e importantes de la música contemporánea colombiana. Debido en gran parte a su formación previa como cantante lírico y también a su interés por la música tradicional colombiana, la música de Osorio posee una sonoridad única y muy personal en la que el timbre y las posibilidades de los diferentes grupos instrumentales se mezcla perfectamente con la sensación de solidez y de un importante poder comunicativo con el oyente. Tal interés por el timbre y por el poder comunicativo de la música está mejor expresado en palabras del propio Osorio: «Cuando me enfrento a la composición de una obra, me comparo con un pintor, dado que éste parte de una paleta completa de colores para buscar contrastes y texturas diferentes y así dar sentido a la composición artística»10. Ese sentido que busca Osorio resulta evidente en la sonoridad de sus obras, que hermana la música de finales del siglo XIX y principios del XX con la tradicional colombiana.

Además de tomar clases de canto lírico, su formación se vio complementada gracias a su interés en la música vocal, que lo llevó a hacer parte de diversas agrupaciones corales de la ciudad de Medellín, como el coro Tonos Humanos y el coro de cámara Arcadia. Adelantó estudios con énfasis en Composición en la Universidad EAFIT de Medellín, con el maestro Andrés Posada. Sus obras, de amplio reconocimiento local e internacional, se han estrenado en importantes escenarios y han sido interpretadas por ensambles de cámara y orquestas de renombre del país, como la Orquesta Filarmónica de Medellín, la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Sinfónica EAFIT, y el ensamble de percusión Percanto, al igual que por algunas agrupaciones extranjeras, como el Cuarteto de Cuerdas Assai, el grupo Arte Latino (radicado en Viena) y la Orquesta de Chelos de Venezuela, entre otros.

La música de Osorio ha recibido varios reconocimientos y premios a nivel nacional, entre los que se destacan el obtenido en 2008 en la Quinta Convocatoria de Becas de Creación y Cultura de la Alcaldía de Medellín, con la obra Missa Martii XVI para soprano, coro y orquesta, y el obtenido en 2012 en la misma convocatoria de la Alcaldía de Medellín con la Rapsodia para flauta y orquesta. Actualmente, Osorio cursa la maestría en Dirección de la Universidad EAFIT.

Para muchos pueblos indígenas andinos, la deidad incaica Pachamama (“Madre tierra”) representa el núcleo de su principal sistema de creencias. En su cosmovisión, se trata de «la personificación de la tierra, descrita como una diosa fértil; por consiguiente, la naturaleza, el hombre y la Pachamama viven relacionados; son uno solo»11. Bajo el concepto de Madre tierra, Osorio propone una obra en la que se exploran las diferentes posibilidades tímbricas del instrumento dentro de los límites de un lenguaje armónico que mezcla el atonalismo libre y la tonalidad no funcional12. Dividida en tres secciones, cada una de ellas expone un carácter

9Información obtenida de la página del Oregon Percussion Ensemble, http://pages.uoregon.edu/musicweb/F2003/031201_Oregon_Percussion_Ensemble_Notes.pdf [Consultada el 5 de julio de 2014].10 www.almamusicalalaire.com/2012/09/juan-david-osorio-promueve-la-musica.html [Consultada el 3 de julio de 2014]11 http://www.lapatriaenlinea.com/?t=la-pachamama&nota=154993 [Consultado el 4 de julio de 2014].12 Información de la obra proporcionada por el propio compositor.

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específico y diferenciador marcado por la utilización del instrumento. La primera sección es enérgica y rítmica y utiliza los bloques sonoros y los desplazamientos rítmicos como principales materiales compositivos. La segunda ofrece un contraste gracias a su carácter más tranquilo y meditativo, con notas largas ejecutadas en trémolo que se alternan con algunos efectos sobre las placas de la marimba. La tercera sección funciona a manera de recapitulación retomando la energía y ritmo iniciales para conducir la obra a un final explosivo.

Carlos Grätzer (n. 1956), compositor argentino, es uno de los más importantes representantes de la música académica de vanguardia latinoamericana de su generación debido a su particular visión de la música y a sus intereses particulares en el timbre y el ritmo como motores fundacionales de su obra. La utilización de ensambles acústicos convencionales (orquestas, grupos de cámara, solistas) en la obra de Grätzer se complementa con el empleo de medios electrónicos e informáticos como una forma de ampliar posibilidades sonoras habituales además de introducir en el discurso musical un componente teatral y gestual que potencia la experiencia de la música nueva en el oyente.

Este bonaerense obtuvo su primera formación musical de su padre, el reconocido pedagogo austriaco radicado en Argentina Guillermo Grätzer, quien fuera alumno de Paul Hindemith. Sus intereses y habilidades musicales se vieron favorecidos por un ambiente familiar marcado por el arte, la música y la cultura; la música, en particular, fue fortalecida por la literatura y el cine, siendo este último el campo donde desarrolló parte de su vena creativa, con la realización de varios cortos y animaciones que obtuvieron cierto reconocimiento en su ciudad natal. En 1984, obtuvo una beca del gobierno francés para adelantar estudios de perfeccionamiento en el Conservatorio Superior de Música de París, lugar donde tomó clases de composición con Ivo Malec y Carlos Roque Alsina. Participó como becario en los cursos de verano de Darmstadt, en 1986, y fue elegido participante en los cursos de Informática Musical para Compositores, del IRCAM, en 1989.

Las obras de Grätzer han sido estrenadas y premiadas en diversos concursos y festivales de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Su música ha sido interpretada, además, por los más reconocidos ensambles y orquestas de Europa y Norteamérica: el Ensemble ALEA, el Ensemble Intercontemporain y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia han sido sus intérpretes recurrentes.

En Transmutango (1999), Grätzer ofrece su propia versión del tango argentino trasladado a una formación instrumental que no suele estar relacionada con este tipo de música (en este caso, saxofón y marimba)13. La obra toma del tango su esencia rítmica, ya que está basada en las células rítmicas características de la música popular rioplatense. El compositor propone dichas células rítmicas añadidas a la estructura original del tango como una forma de imitar el espacio en donde esta música se interpreta originalmente; estos espacios capturan la energía interpretativa básica de las plazas de Buenos Aires, aspecto que Grätzer rescata como principal elemento estructurador del discurso musical.

13 Información obtenida en la página del compositor, www.carlosgraetzer.com/ [Consultada el 7 de julio de 2014].

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