LAS TEORÍAS DEL ARTE

El problema de crear una obra de arte, ha sido una preocupación común a todos los artistas e historiadores detodas las culturas.

A lo largo de la historia, cada cultura a sabido solucionar el problema de diferentes maneras y de diversasformas, fundamentándose principalmente en su cultura propia y en la tradición heredada de las anteriores quela influyeron.

Podemos hacer un repaso a estos conceptos teóricos básicos de cada cultura.

Grecia

En la Grecia clásica, el arte quiere ser un reflejo de la Belleza Ideal, basado en aquel momento en un estrictocumplimiento de unas determinadas reglas, normas y proporciones, que permitieran un reflejo, sublimado,pero fiel de la realidad.

Este concepto clásico del arte, amparado en la búsqueda de un ideal de belleza fijo y normativo, se vuelve arepetir en la Historia tantas veces como vuelve a reivindicarse el valor del arte clásico, así en la época delRenacimiento o a fines del siglo XVIII, en pleno auge Neoclásico.

Edad Media

La Edad Media no sólo carece de teorías sobre las artes visuales, sino que muy frecuentemente al arte se leconsidera culpable de producir ídolos, lo cual y dada la mentalidad profundamente religiosa que define estaépoca, provoca una de las tendencias mas fuertemente iconoclastas de la Historia.

El arte en cualquier caso es durante este periodo una forma de honrar a Dios, y es esta capacidad de suscitar ladevoción en el creyente lo que otorga mayores valores a la obra de arte.

Siglo XIX

A partir del siglo XIX, todas estas interpretaciones del concepto del arte, diferentes entre si, pero muy establesa lo largo de sus respectivos periodos, se dislocan definitivamente en un subjetivismo pleno, consecuencia dela multitud de movimientos artísticos y de las innumerables propuestas renovadoras. De ahí, definiciones tanambiguas que en realidad lo que vienen a decir es que no es posible definir actualmente con concreción lo quees realmente el arte.

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Tampoco la valoración del artista ha sido la misma a lo largo de la historia. En la época clásica y la EdadMedia, la labor artística ( la "techné" de los griegos, "ars" para los latinos) era considerada una mera actividadartesanal y sus autores no tenían mas relevancia que un carpintero o un buen agricultor. Habrá que esperar alRenacimiento para que se empiece a reconocer la labor artística como una actividad intelectual, si bien,todavía en época Barroca no se habrá conseguido plenamente. En la época Moderna aparece la figura delautor independiente cuya labor, totalmente libre, pretende desprenderse incluso de cualquier tipo demecenazgo.

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Una vez solucionado el problema de la creación de la obra de arte, resulta imprescindible crear unasherramientas con las cuales podamos analizarla y valorarla en todos sus parámetros. Surgen entonces lasdistintas "Tendencias Historiográficas".

Formalismo

A finales de siglo XIX se impone la primera de las grandes corrientes historiográficas de nuestra disciplina: elFormalismo. En ella se defiende el arte como Forma, en un impulso intelectual por deslegitimar las tendenciasidealistas derivadas de la filosofía y que entendían la experiencia estética como una experiencia sentimental.Postura esta también defendida por los románticos.

La forma tiene una importancia decisiva en el análisis y estudio de la obra de arte, y desde luego el campo dela experiencia estética y de la investigación en la Historia del Arte, no podría realizarse sin un adecuadoanálisis de la forma.

Iconografía

Su principal objetivo es buscar el significado de las artes visuales.

Se trata de establecer en el análisis de cada obra tres niveles de interpretación:

Identificar lo representado ( nivel preiconográfico )• Identificar el tema y sus valores simbólicos, alegóricos, etc( nivel iconográfico)• Identificar el significado, es decir, los conceptos, ideas, valores, etc, que se trataban de transmitir (niveliconológico)

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Sociología del arte

También se ha desarrollado una interpretación histórica del arte desde los presupuestos del materialismohistórico, vinculando la obra de arte con la estructura económica, social, cultural, política, etc.

Esta visión tiene por ello en cuenta el ciclo vital de toda obra de arte: surgida en el seno de un determinadocontexto histórico y revivida por el espectador en otros tantos y sucesivos contextos históricos. En este sentidose tienen en cuenta las circunstancias, sus mecenas, el público al que va dirigida, las circunstancias políticas,la ideología predominante con su intención propagandística y las circunstancias económicas.

Psicología del arte

Se deriva en dos tendencias: aquella que incide especialmente en la psicología del autor, y que por tantoexplica la obra del arte a partir del carácter de la inspiración o de los avatares vitales del artista; y aquella otraque se preocupa mas bien de la psicología del receptor.

Estructuralismo

Para el estructuralismo todo es lenguaje, desde el momento mismo en que se afirma la preeminencia delmismo sobre el conocimiento.

El estructuralismo parte de la idea básica de que existen una serie de estructuras básicas, muchas veces noaparentes que hacen posible la interpretación de un fenómeno concreto, bien sea en el campo de la lingüística,la psicología, la didáctica, o la historia. En el campo del arte, la obra en si se convierte en un medio decomunicación mas, con su significante (sería la parte material, la obra en si) y su significado ( su aportacióntemática).

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TÉCNICA Y LENGUAJES DEL ARTE

Una vez analizada la teoría del arte ( o sea, la creación de la obra de arte intelectualmente hablando y suanálisis), abordamos la creación plástica y física de la obra de arte en si, para ello debemos determinar loselementos esenciales que vienen a definir cada una de las expresiones artísticas. Fundamentalmente en los tresámbitos artísticos más universales ( arquitectura, escultura y pintura).

ARQUITECTURA

La arquitectura es ante todo una determinada concepción del espacio interior de un edificio. De ahílógicamente la necesidad de estudiar esos elementos formales, que interrelacionados de una u otra manera,dará lugar a los distintos estilos o movimientos artísticos que van desarrollándose a lo largo de su historia.

PRINCIPALES ELEMENTOS FORMALES

Estudio de la planta• Materiales constructivos• Elementos sustentantes• Cubiertas. Techumbres, bóvedas, cúpulas.• La luz y el color• El volumen• La proporción y la armonía•

La planta

En el estudio de la arquitectura el primer elemento a tener en cuenta es la planta. Es decir, el dibujoarquitectónico de un edificio representado en sección horizontal. Su importancia radica en el hecho de ser lamejor representación de la disposición y distribución del espacio arquitectónico, así como de la particulararticulación de todos sus elementos formales. Sobre una planta puede establecerse el eje predominante en laconcepción del espacio, diferenciando en tal caso, entre otros, edificios en los que predomina el ejelongitudinal (como en las basílicas) o el eje centralizado (plantas circulares, en forma de cruz griega,poligonales, etc.). Sobre la planta se indica también la forma de los soportes y también las cubiertas, porejemplo, si son bóvedas de arista, en cuyo caso se señala con línea discontinua en cada uno de los tramos; o decrucería, con trazos en aspa.

Materiales constructivos

Los materiales constructivos, condicionan enormemente la factura del edificio, así como la sensación externae interna que producen en el espectador. Entre los materiales mas utilizados a lo largo de la historia se puedehablar del adobe, la madera, la piedra, el mármol, el ladrillo o el hierro.

Elementos sustentantes

Son todos aquellos que contribuyen a la correcta tectónica del edificio. Permiten por tanto la elevación demuros y pisos y la posible construcción de cubiertas.

Los más significativos son:

Columna.− es un pié derecho de sección circular

Pilares.− pié derecho exento aunque en este caso de sección poligonal

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Dinteles.− es una pieza horizontal que soporta una carga, dando así origen a estructuras que denominamos"arquitrabadas" o "adinteladas".

Arcos.− en este caso se trata de una pieza curva, de muy distintas formas, que sirve igualmente comoelemento sustentante, si bien aveces puede no tener mas que un efecto ornamental.

Cubiertas

Se trata genéricamente de todo aquel sistema de cierre de la parte superior de una construcción. Puede ser:

Techumbres planas.− es decir, sin elementos curvos y habitualmente de madera

Bóvedas.− cubiertas arqueadas normalmente construidas en piedra

Cúpulas.− bóvedas semiesféricas. Normalmente cubren un espacio cuadrado, cuyo apoyo según sea unaplanta circular o poligonal, se realiza respectivamente de unas piezas denominadas pechinas o trompas.

La Luz y el Color

Los efectos directos o indirectos de la luz, tanto en el interior como en el exterior de los edificios, contribuye ala modelación espacial de dichos ámbitos, creando sensaciones diversas en el espectador, que van desde unefecto de agitación y tensión espacial por el juego de contrastes; a la sensación simbólica de la luz en elperiodo gótico, llena de una concepción de divinidad e irrealidad; hasta la serenidad que transmiten losespacios ampliamente iluminados con focos de luz generosa y homogénea.

Asimismo el color también anima los muros y los espacios, y otorga valores simbólicos o funcionales a laarquitectura.

El volumen

El juego de masas y los volúmenes externos de un edificio, también tienen su importancia estética e inclusosimbólica, y pueden considerarse por tanto, elementos propios del lenguaje arquitectónico.

En el caso de un castillo se trata de simbolizar a través del imponente aspecto exterior, el poder de laautoridad, ubicándose además en este caso sobre los riscos y las rocas del altozano, lo que contribuye a realzarla sensación de poder y dominio.

Del mismo modo, el poder religioso utiliza torres, que simboliza la ascensión hacia Dios.

La proporción y la armonía

Se trata de atender de una determinada manera a la ordenación o concordancia de las distintas partes de unedificio en relación a su totalidad. Así, si se pretende una arquitectura que resalte criterios de proporcionalidaden base a supuestos de belleza ideal, se intentará lograr el equilibrio de las proporciones de todo el edificio, esdecir de la armonía, utilizándose entonces un modulo, que mantenga la relación equilibrada de medidas entretodos los elementos del edificio.

Por el contrario, hay ocasiones en que se puede pretender justo lo contrario, concretamente es frecuente entodos aquellos movimientos anti−clásicos, que precisamente quieren romper con los cánones deproporcionalidad y con el ideal de armonía, así ocurre con el Manierismo.

ESCULTURA

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La escultura, en un principio, se hallaba vinculada a la arquitectura. Por este motivo, le restaba autonomía.Posteriormente comenzó a tomar importancia la escultura exenta, que es la que empezamos a tratar.

PRINCIPALES ELEMENTOS FORMALES

Materiales• Volumen• Proporcionalidad• Movimiento• Composición• Masa• Valores visuales• Color•

Materiales

La utilización de distintos materiales para la realización de una obra de escultura resulta determinante, ya quecada uno proporciona una calidad táctil diferente, transmitiendo de esta manera sensaciones completamentedistintas en cada caso, que son las que en última instancia traducen un determinado lenguaje artístico en elámbito de la escultura.

Estas calidades táctiles dependerán por tanto del material propiamente dicho en que se ha trabajado la obra ytambién del tratamiento dado a las superficies externas de ese material.

Los materiales habitualmente empleados son: madera, bronce, mármol, piedra, hierro, terracota, caliza,alabastro, oro, plata marfil, etc.

La utilización de diverso material condiciona la expresión estética de la obra, ya que cada uno ofrece distintascalidades de dureza, compacidad, ductilidad, frialdad, impenetrabilidad, suavidad, y sus contrarios,sensaciones todas ellas transmitidas al espectador a través del tacto, sentido este primordial para un correctoanálisis de la obra escultórica, aunque por norma general, en los museos está prohibido tocar las esculturas.

Volumen

La escultura es tridimensional y por ello comporta un volumen. No obstante su estrecha vinculación a laarquitectura durante muchos siglos, le privó en gran medida de esta capacidad de manifestar su plenavolumetría, y con ello de desarrollar en plenitud su propia esencia. No obstante, la escultura exenta debe servista desde sus múltiples puntos de vista y debe ser capaz de crear espacio a su alrededor.

Mientras estuvo ligada a la arquitectura como un simple ornamento, hablamos de una cierta limitaciónvolumétrica, puesto que la obra a penas sobresale del muro y de esa manera no crea espacio alrededor, con loque no dispone mas que de un solo punto de vista hacia el espectador (frontalidad). Ocurre así con la esculturamonumental egipcia o la escultura románica.

Por el contrario, la escultura clásica, la escultura moderna o la escultura gótica desarrollan su volumetría. Eneste sentido es significativo el proceso que se desarrolla precisamente en esta última, que rompe con latradición románica y permite "liberar" a la escultura de la arquitectura, gracias precisamente a su tratamientovolumétrico: las figuras se adelantan del plano de muro, se interrelacionan creando espacio alrededor,aumenta el número de puntos de vista e introducen un cierto movimiento que potencia la volumetría.

Movimiento

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Puesto que la escultura exenta es tridimensional y comporta un volumen, es lógico que se tenga enconsideración como uno de sus elementos característicos, la disposición de sus figuras, es decir, la sensaciónde movimiento o de reposo que es capaz de transmitir al espectador. Esta particular configuración de unaescultura exenta o bien de todo un grupo escultórico determina así mismo la composición de la obra.

Hay así esculturas carentes de movimiento, que buscan de esa manera una actitud contemplativa por parte delespectador. Se trata de figuras rígidas, estáticas, de una marcada frontalidad, que suelen vincularse arepresentaciones de la divinidad, ya que esta misma rigidez comporta una sensación distante, imperturbable,hierática, que sobrecoge al espectador. Por el contrario, cuando se quiere transmitir una sensación demovimiento a la escultura, se suelen utilizar múltiples recursos: multiplicando las líneas de fuga, jugando conel vuelo de los paños o del cabello o utilizando el contraposto ( alternancia simétrica de partes del cuerpo enmovimiento y partes en reposo), etc.

Composición

La composición puede adoptar múltiples soluciones, aunque siempre primando dos tendencias mas comunes:las composiciones cerradas, cuando la escultura se recoge por si misma limitando su capacidad demovimiento, o abierta, justo al revés, cuando la escultura se abre hacia el exterior, bien por medio de suspropias formas, de su organización del movimiento, de su expresividad, etc. potenciando de esta forma sumovimiento.

Proporcionalidad

Lo mismo que se vio en el apartado referente a la arquitectura, la escultura también puede basar sus ideales debelleza en criterios de proporcionalidad. De hecho a lo largo de la historia, la investigación sobre diferentesmódulos de proporcionalidad ha sido constante.

No obstante, también en este caso ha habido movimientos y estilos que han pretendido justamente locontrario, estableciendo a su vez módulos de proporción.

Como ocurría en la arquitectura, cada una de estas propuestas coincide con tendencias clásicas oanti−clásicas respectivamente.

Masa

El concepto de masa se refiere a la distinta sensación de peso que provoca una obra escultórica. Se tratalógicamente, de una visual, ya que a nadie se le ocurriría pesar físicamente las esculturas. Pero es indudableque hay obras que podemos considerarlas de mucha masa, de gran pesadez, rotundas, compactas, mientrasotras son por el contrario, livianas o ingrávidas, de poca masa. En cualquier caso depende de una diferentemanipulación de la materia escultórica. Un caso extremo y de una indudable genialidad plástica sería eltratamiento particular de la masa que alterna la materia y la "no−materia", el vacío.

Valores visuales: la luz. El color.

La Luz.− el escultor ha de tener en cuenta siempre la luz que va a recibir la escultura, para convertirla en unelemento mas de su expresión plástica.

En primer lugar debe contar con que cada material empleado responde de forma distinta a la irrupción de laluz. No es entonces la misma calidad táctil que adquiere una escultura.

Por otro lado, el escultor maneja la luz en su provecho al materializar su obra. En tal sentido orienta planos ysuperficies, dispone concavidades y convexidades, pule o no la pieza, etc.

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El color.− el escultor utiliza muchas veces el color como otro elemento expresivo. Justamente las esculturasclásicas estaban coloreadas con una intencionalidad de mayor realismo, y asimismo las esculturas románicaslo estaban igualmente, aunque en este caso con una intencionalidad expresiva. El error de las etapasposteriores fue creer que aquellas esculturas eran originariamente como se encontraron, es decir, carentes depolicromía, aunque era así por que la habían perdido. Por ello también, a partir de esas etapas (renacimiento yneoclasicismo principalmente) se inicia un periodo "acromático" en la escultura que prácticamente llega hastala época contemporánea; excepción hecha de la imaginería barroca española que precisamente por culpa deesa moda impuesta fue menospreciada en los siglos posteriores.

No obstante el color en la escultura ha sido a lo largo de los siglos, fundamental. Contribuye a subrayar enocasiones su realismo; en otras ocasiones potencia su expresividad, otras, adquiere valores simbólicos, y porúltimo es también por sí mismo un valor estético, independiente y por tanto complementario de los que sonimplícitos a la escultura.

El relieve

Pero como señalamos al principio de este apartado, no toda la escultura es de bulto redondo. Aunque el relievetambién es tridimensional, la imagen está adherida a un plano, sobresaliendo de este en mayor o en menormedida. Según como sobresale de dicho plano se diferencian los distintos tipos de relieve: altorrelieve,mediorrelieve o bajorrelieve. Cuando el bulto no sobresale, sino que por el contrario se rehunde en el plano,se habla, no muy propiamente, de huecorrelieve.

PINTURA

La pintura es, sin duda, la más popular de las artes visuales. La información referida a la pintura esextensísima en la actualidad, por un lado producto de la crítica, por otro de un afán divulgativo por llegar algran público. A ello habría que añadir, además, todos los manifiestos o escritos propios de las vanguardiaspictóricas del siglo XX, realizadas por los propios pintores.

PRINCIPALES ELEMENTOS FORMALES

La materia pictórica• La línea• El color• La luz• La composición• Volumen• Perspectiva•

Materia pictórica

Cuando hablamos de materia pictórica, nos referimos específicamente, al soporte que se utiliza para realizarla pintura (muro, lienzo, madera, papel, etc.), así como los elementos que sirven de aglutinante a la coloración,tales como aceite, clara de huevo, agua, etc.

Todo ello le otorga a la pintura, en última instancia, una determinada textura, es decir, unas cualidadestáctiles, que es lo que viene a determinar la materia pictórica. En este sentido, cabe hablar de unos valoresescultóricos en la pintura, captados en este caso a través del sentido de la vista. Asi, podremos hablar decuadros con una textura lisa, pastosa, mate, brillante, rugosa, etc. A veces es tan densa de material que, comoocurre en ocasiones con obras contemporáneas, llega a hablarse precisamente de pintura "matérica ".

La pintura de los Primitivos flamencos se caracteriza, entre otros aspectos, por la utilización que se hace con

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singular maestría del aceite, como elemento aglutinante de la pigmentación. Su soporte habitual es la madera,con lo que se obtiene un resultado pictórico sorprendente por su brillantez y finura, consiguiendo unastexturas especialmente finas y pulidas. También se consigue un detallismo pormenorizado tanto en lospliegues del ropaje como en el resto.

Por el contrario, la pintura contemporánea, sobre todo desde el movimiento Informalista, busca la rupturatradicional del lenguaje pictórico y muchas veces a través del tratamiento de texturas en el cuadro.

La línea

La línea en un cuadro permite la identificación y el reconocimiento de las formas, pero su valor expresivotiene importancia en sí mismo, al ser un componente esencial en la transmisión de un mensaje pictórico.Según su trazo varía su expresión plástica:

El trazo continuo y cerrado completa una imagen acabada y tiene un propósito descriptivo.

El trazo grueso y vehemente tiene un carácter fuertemente expresivo.

El trazo abierto plantea una intencionalidad imaginativa y poética.

El trazo curvilíneo transmite siempre componentes sensuales.

Por otra parte, el trazo predominante en una obra tiene a su vez una significación simbólica: si predomina lalínea vertical, se identifica en ocasiones con la elevación mística; si predominan las líneas triangulares lasensación de equilibrio; sí la circular, la línea de perfección, etc.

La línea finalmente, influye también en el ritmo de la obra, pudiéndose diferenciar obras mas estáticas oagitadas.

El volumen

En realidad se trata de una ficción de la pintura, ya que ésta es siempre bidimensional, si bien eso no implicaque el autor quiera engañar al ojo del espectador, transmitiendo una sensación de tridimensionalidad, es decirde volumen, como si de una escultura se tratara. Evidentemente, este efecto se busca en obras de carácterrealista, que acentúan la sensación de solidez, de peso en los objetos representados. Siguiendo el símilescultórico, se trataría de modelar las imágenes. Los medios para conseguirlo son múltiples, así en ocasionesse modela con la luz, en ocasiones con el color, en otras es la línea, o incluso los efectos de perspectiva, que sison muy violentos, como ocurre con los escorzos, también contribuyen al modelado de las figuras.

La perspectiva

Mediante la perspectiva se simula la profundidad( la tercera dimensión), siendo por ello uno de los aspectosmas sobresalientes de la pintura, ya que al no ser esta sino bidimensional, la posibilidad de imitar o simular latridimensionalidad siempre ha sido para los artistas un reto apasionante.

En cierto modo, acabamos de ver como el volumen en un cuadro ya introduce la tercera dimensión, peropuede no ser suficiente para recrear un espacio real en su profundidad. La perspectiva crea profundidad en elconjunto del cuadro y no solo en un objeto (volumen), transformando la obra en una ventana abierta al espacioimaginario.

A lo largo de la historia las formulaciones de perspectiva han sido muchas, dependiendo de los conocimientostécnicos y de la intencionalidad de los artistas.

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Perspectiva medieval: es prácticamente inexistente ya que carece de sentido. El arte de la Edad Media, en sugran mayoría es simbólico, ideográfico, intelectual, y por tanto no pretende representar la realidad. Alcontrario. En todo caso, la distancia se representa en ocasiones disminuyendo el tamaño de los objetos quepretenden aparecer en segundo plano.

Perspectiva lineal: es característica del primer Renacimiento. Se trata en realidad de una formulaciónmatemática fruto de las investigaciones técnicas que definieron la labor de los artistas del momento.

La profundidad se crea trazando un haz de líneas que configuran una pirámide, cuyo vértice es el punto defuga de las mismas.

El geometrismo resultante de la composición envara y encorseta las figuras y no es totalmente fiel a larealidad, si bien es cierto que ópticamente crea la ilusión visual de la profundidad.

Perspectiva aérea: es la gran aportación de Leonado Da Vinci al campo de la experimentación científica en elmundo de la pintura.

Tiene en cuenta la esfericidad del órgano visual ( que no ofrece visiones planas como la perspectiva lineal)considerando además la importancia que tiene la existencia del aire en la visión de las cosas. Por su causa:

Se modifican los contornos y perfiles de los objetos (sfumato)• Se pierde nitidez en la visión con la distancia.• Los colores palidecen con la profundidad, con una tendencia a la acumulación de tonos fríos en losfondos y especialmente de azules.

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El color

La esencia misma de la pintura es el color. El color además, tiene valor en sí mismo, por su expresión plástica,que es siempre diferente para cada uno de ellos, dando lugar a sensaciones bien distintas en cada caso. En estesentido, no es la misma sensación plástica la que nos produce un rojo fuerte que un azul pálido.

Pero si cada color tiene su propio valor, todavía será mas interesante estudiar la importancia plástica de cadauno relacionado con el resto. Para ello, debemos tener en consideración una primera clasificación de loscolores en primarios y secundarios.

Los primarios son aquellos que no pueden reducirse a otros por que no son producto de ningunamezcla. Son el amarillo, el rojo y el azul.

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− los secundarios o binarios surgen cuando los primarios se mezclan entre sí:•

naranja = amarillo + rojo

violeta = azul + rojo

verde = amarillo + azul

A su vez, cada secundario contrasta plásticamente realzándose entre sí, con el primario que no entra en sucomposición de tal forma que podemos hablar de los siguientes colores complementarios:

Azul Naranja

Rojo Verde

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Amarillo violeta

Estos seis colores pueden subdividirse además en cálidos y fríos:

cálidos serían amarillo, naranja y rojo• fríos el violeta, azul y verde•

Los cálidos expanden luz, avanzan hacia el espectador, son colores salidos, lo que explica que la pinturaacademicista los reserva para crear perspectiva en primer plano, y que en la actualidad las señales luminosasde los semáforos los aprovechen para prohibir el paso. Son también utilizados con pretensiones de emotividady fuerza sensorial en los cuadros.

Los fríos por el contrario absorben la luz, son entrantes y se alejan del espectador. Por ello suelen crearprofundidad, permiten el paso en el lenguaje lumínico de los semáforos, y son así mismo utilizados conintencionalidad intelectual o racionalizadora en la obra:

Existe, además, la posibilidad de asociar infinitamente los colores en la paleta del pintor, creandoarmonías y tonalidades que también adquieren su valor por si mismos, pero que además contribuyen acompletar la propia armonía del cuadro en su conjunto, es decir, en su composición.

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Los colores tiene además un valor simbólico, que aveces va ligado a fundamentos psicológicos y aveces a la tradición hereditaria de las distintas culturas. En este sentido, el azul y el blanco, pueden sersímbolos de pureza, el amarillo de divinidad, el rojo de vida o pasión el negro de muerte, etc.

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Los colores en un cuadro no se perciben aisladamente, si no asociados los unos a los otros, de ahí queel efecto de un color pueda variar sustancialmente sobre la percepción del espectador según como estécombinado con el resto de colores.

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La luz

La luz en pintura no es, lógicamente, la luz natural que, como vimos, era aprovechada directamente en laescultura. En este caso se trata de una luz representada, ilusoria.

Por ello mismo, el autor puede tratarla como quiera, utilizándola en su provecho como elemento de expresióno de composición.

Así la luz diáfana y homogénea transmite sensación de equilibrio y armonía.

La luz contrastada tiene un carácter más expresivo y dinámico.

La luz cenital contribuye a la articulación de composiciones ordenadas y estáticas.

La luz oblicua crea movimiento y acentúa la profundidad.

La composición

Determina la ordenación de todos los elementos del lenguaje pictórico en el conjunto del cuadro. No se tratapor tanto de una simple ordenación de las figuras e imágenes de la obra, si no de la articulación de todos loselementos de la expresión plástica y de la sensación que en conjunto ello nos produce.

Las posibilidades compositivas de una obra son, por tanto, casi infinitas porque además influyen en ellaaspectos como la perspectiva, la luz, el color, la línea, las formas, la interrelación expresiva, la disposicióngeneral de todos los elementos, etc., muchas veces combinados entre sí.

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Predominan dos tendencias generales, las composiciones cerradas y las abiertas Las primeras utilizan todossus elementos plásticos para converger hacia el centro del cuadro subrayando así su estabilidad y anulandocualquier indicio de movimiento en la obra. Las abiertas por el contrario divergen hacia los extremos delcuadro, agitando toda la estructura compositiva y dinamizando las escena.

Los recursos compositivos utilizados son: Composiciones piramidales, que se utilizan siempre con laintención de transmitir una sensación de armonía y equilibrio lo que las convierte en las preferidas demovimientos clásicos.

Composiciones oblicuas, fomentan la sensación de movimiento, lo que explica su utilización en estilos comoel manierismo o el barroco.

Otros tipos de composiciones: centrífugas, centrípetas, simétricas, laterales o asimétricas, zig−zag, dobleaspa o cruz de San Andrés, etc.

ARTES DECORATIVAS

Las artes decorativas son las también llamadas "artes aplicadas" y que durante mucho tiempo se considerabanartes menores y se les otorgaba un carácter meramente artesanal frente al mayor valor intelectual que se lesdaba a las demás.

El ámbito de las artes decorativas se orienta precisamente al estudio de toda esta producción artística que noestá incluida en el campo de la arquitectura, la escultura o la pintura.

Valoración histórica

Su origen histórico se haya en los albores de la civilización por que el primer objeto de cerámica o el primeradorno, incluso del hombre paleolítico, habría que incluirlo dentro de este terreno.

Su apreciación artística, por el contrario, es mucho más reciente. Prácticamente desde el renacimiento, seexaltan las llamadas artes mayores como reflejo de valores intelectuales, desechando las demás como vulgaresproductos artesanales. La infravaloración de estos últimos se ha mantenido constante en nuestra civilizaciónoccidental, llegando incluso a nuestros días, en que sigue siendo difícil incluir en los manuales y libros de arteobras de vidrio o marroquinería.

En el Modernismo se revalorizará extraordinariamente el papel del objeto decorativo en el mundo del arte. Yaen el siglo XX, será igualmente decisiva la aportación del movimiento Racionalista, elevando al rango de obrade arte el objeto industrial fabricado en serie.

Clasificación

Se han realizado numerosas clasificaciones siendo la mayoría válidas y a la vez discutibles.

En general podrían distinguirse las siguientes:

Los metales (rejería, platería y orfebrería)• Las maderas (techumbres y armaduras de madera, el mueble)• Los cueros (cordobanes, guadamecíes, encuadernación)• Los textiles (tejidos, alfombras, tapices, bordados y encajes)• Las piedras duras (el mosaico)• Materiales blandos (yeserías, estucos)• Las artes del fuego (cerámica, esmalte, vidrio y vidriería, azulejería)•

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Los marfiles• Los papeles (miniaturas, grabados)• Distintos materiales (juguetes, abanicos)•

ESTUDIO DE LAS TÉCNICAS, LENGUAJE Y PRINCIPIOS FUNDAMENTALES DEL ARTEDESDE EL ROMÁNICO HASTA EL SIGLO XX

Analicemos ahora la evolución de los principios fundamentales del arte, en cada una de estas etapas de laHistoria del Arte.

ROMÁNICO

Introducción

El arte románico fue un arte sencillo, sincero y austero, un arte campesino.

Su máximo exponente era la pequeña iglesia, lugar de concentración donde el hombre, aislado del mundoexterior, elevaba su espíritu hacia Dios. La iglesia románica era un alzarse la tierra hacia el cielo. La entrada auna iglesia románica, se entendía como una peregrinación desde la nave (la tierra) hasta el altar (el cielo). Eneste recinto, la luz era tenue, y el espacio estaba simbólicamente iluminado por la mano del terriblePantócrator, representación de la justicia divina.

Principios fundamentales del arte

El símbolo

Alegorismo y simbolismo, eran los conceptos teóricos básicos de la Edad Media. Cada signo hace referencia auna cosa: el humo, por ejemplo, es signo de fuego. También existen elementos, que, por convención, evocanla idea de otros. Entonces se habla de símbolo. Por ejemplo, el león, se ha utilizado como símbolo de SanMarcos.

El símbolo puede ser una imagen o una figura con la que se representa un concepto intelectual. Este es el casodel ángel, entendido como una imagen del espíritu celestial. Se dota a las formas de un sentido figurado, esdecir, el sentido propio o inmediato de las cosas se reviste con un segundo sentido no explícito.

La alegoría

La Edad Media, fue ante todo alegórica, ya que utilizaba sistemas de símbolos para la representación de todaciencia, concepto o suceso. La representación simbólica de ideas abstractas mediante figuras, grupos defiguras o atributos, es lo que se conoce como alegorismo.

Los encargados de confeccionar los complicados programas alegóricos, fueron los teólogos. Ellos eranquienes determinaban el sentido figurado de todos los signos.

La belleza invisible

El mundo creado, comprendía dos órdenes: el de la naturaleza y el del arte. Ambos tenían un valor simbólico.Toda forma material, toda figura visible y toda composición era considerada como imagen de la bellezainvisible, pura e inmortal.

La belleza era lo eterno de las cosas y en ella se incluían tres órdenes.

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El primero, la belleza del mundo sensible, de las formas individuales.• El segundo, la belleza ideal e inmaterial, que es el arte• El tercero, que se encuentra en el corazón de toda belleza, lo inefable, lo incomprensible, lo infinito,aquello a lo que solo se podía acceder a través de la alegoría.

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Observemos, como los teóricos medievales, estaban gravemente influidos por las tesis filosóficas griegas, enparticular por Platón, que también consideraba estos estados de belleza.

Teoría del arte

Pintura

La función

La pintura románica era, ante todo, mural. Su función consistía en ilustrar historias que tenían como objetivoinstruir (pedagogía) y perpetuar el recuerdo.

Las vastas proporciones de los edificios y la distancia a la que los espectadores contemplaban las obras, obligóa que las figuras fueran grandes y numerosas.

Temática

En la casa de Dios, el artista pintaba la vida de Jesucristo. Los motivos preferidos eran la Virgen con el niñorodeada de los ángeles y santos; y el Pantócrator, que representaba la imagen de Dios todopoderoso sentadoen la cúpula celestial, enmarcado en un óvalo y dirigiendo la oración.

Los temas se repetían constantemente, con los mismos títulos t casi en el mismo orden y disposición.Podemos entender esa repetición como debida a los cánones estéticos que impusieron los padres de la iglesiacristiana y que eran inquebrantables.

La pintura jugó el papel de la educación social. La técnica pictórica, se subordinaba a la función pedagógica.Los escritores, los sabios y los teólogos, eran quienes elegían los temas; indicaban los personajes y actitudesesenciales que había que reproducir.

Recursos estilísticos

Bastaba con que las figuras fueran puramente esquemáticas. No era necesario que la pintura observase lanaturaleza en sus mas mínimos detalles. A través de la técnica se perseguían ciertos efectos contrarios alnaturalismo.

Así se situaba el personaje principal mas avanzado que los demás, según una ordenación jerárquica, seorganizaban perspectivas imaginarias, es decir, todo se situaba en un mismo plano, olvidando el efecto visualde la perspectiva, y las figuras se distribuían en diferentes estadios de forma gratuita.

El románico siempre mantuvo cierta geometrización y abstracción. El espacio era ordenado según una buenadisposición de las diferentes partes de la composición y, aunque se conocían las proporciones exactas, en lapráctica se prefería la viva intuición la fantasía y los adornos.

Lo que realmente importaba era el contenido intelectual del arte, es decir, la significación espiritual de lasescenas representadas.

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Escultura

Tipología

En el románico había dos tipos de escultura.

El primero era la talla en madera que se limitaba al tema de la Virgen con el niño ("Virgen Teotocos") y altema de la "Majestad" o Cristo Rey Crucificado, todavía vivo y vestido con túnica.

Ambos temas se caracterizaban por la policromía, la inspiración bizantina, el hieratismo, la majestuosidad yla sobriedad.

El segundo tipo lo componían las realizadas en piedra. Entre ellas destacaban los bajorrelieves de los capitelesde los claustros.

El capitel

Los capiteles presentaban una carácter muy plano, y unas escenas de gran sencillez compositiva.

Fundamentalmente había cuatro tipos de capiteles: corintio− romanos, ornamentales, figurativos e historiados.

Los figurativos presentaban formas irregulares, pero simétricas, de plantas o animales extraños.

Los historiados representaban escenas de reyes o del cristianismo, como la Epifanía, la Revelación, losMilagros y las Parábolas.

La portada

Las características formales de la pintura, se traspasan a la escultura, así, ambas se convirtieron en uncomplemento ornamental de la arquitectura.

Los mayores conjuntos de escultura se situaron en las portadas, para lo que se aprovechaba la estructura de losarcos, del tímpano y de la fachada. Con la imposición del modelo francés, llegaría la distribución de los temasen la portada. En el tímpano, era donde se representaban las escenas principales. Allí se situaba elPantócrator, la Virgen y los Apóstoles. Las figuras humanas y animales se adaptaban al esquema compositivoy arquitectónico, reforzando el sentido ornamental.

El estilo

Se buscaba una mínima expresión en la posición y en los gestos de la figura y también en el rostro, lo que dalugar a las desproporciones características de este periodo.

El arte se admiraba en función de los temas que materializaba. Era un arte figurativo, basado en programasiconográficos. Estos programas, eran realizados principalmente, por y para los clérigos, e inspiraban idolatríasin olvidar que también, era una arte estilista y esotérico.

A medida que avanzó el estilo, se fue produciendo una cierta independencia de la escultura respecto a laarquitectura.

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Arquitectura

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El espacio exterior

Hasta el siglo X, lo que interesaba de la construcción, era el interior. A partir del románico, el exterioradquirió una significación que nunca antes había tenido.

Un recurso importante eran las cubiertas, generalmente bóvedas de cañón o de crucería, que ahora seresaltaban desde el exterior con el cimborrio. De esta manera, las diferentes partes de una iglesia, se resaltabandesde el exterior ganando majestuosidad y elegancia. También iba a evolucionar el claustro convirtiéndose enel lugar donde habitualmente se situaban los principales conjuntos escultóricos.

En el caso de Italia, los claustros presentaban dobles columnas que sostenían los típicos arcos de medio punto,y conformaban un espacio ornamentado a base de mosaicos geométricos. Las torres de forma poligonal,cuadrada o cilíndrica, se convertían en uno de los rasgos más característicos de la arquitectura románica.

De igual modo, las ventanas presentaban la antigua sencillez, pero ahora se adornaban con finas columnillasque sostenían pequeños arcos. Los sencillos recursos decorativos, a base de menudas columnas con capitelesculpido, eran repetidos de forma incesante, según el gusto románico por la geometrización.

El espacio interior

En cuanto a los interiores, hay una nueva articulación del espacio. Este se organizaba en tramos, y se extiendeel hábito de colocar las obras sobre criptas subterráneas y cubiertas por bóvedas. Las plantas en forma de cruzlatina con brazos transversales, se impondrían en las construcciones sagradas. De esta manera, se consiguió unespacio interno de mayores dimensiones.

Todos los números y proporciones tenían un valor alegórico. La iglesia era la imagen de la Jerusalén celestey su estructura era el cuerpo de Cristo, símbolo de la perfección.

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GÓTICO

Introducción

El arte gótico fue la culminación del arte románico, nació con la consolidación de una cultura urbana y unaburguesía rica y próspera. Era el arte contemporáneo de la filosofía Escolástica, la aparición de launiversidades, los primeros compendios enciclopédicos, la literatura de Dante y el "Ars Nova" musical.

Todo ello se concentró para dar nacimiento a la catedral gótica. La casa de Dios mas humana nunca jamásconstruida.

En la catedral gótica, el hombre se acercó tanto a Dios, que pareció querer igualarle.

Principios fundamentales del arte

La casa de dios

El sentido alegórico del arte medieval, culminó en la catedral gótica, la cual debe entenderse como unaimagen o representación de la realidad sobrenatural. La catedral era la casa de Dios, el umbral del paraíso,allí donde lo sobrenatural se manifestaba por encima del mundo físico.

El alegorismo se presenta como la interpretación espiritual de lo real visible, y se considera a este último

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como la imagen de un mundo superior lleno de misterios.

Una lógica petrificada

La catedral, mas que un bosque de símbolos, era una lógica petrificada, dónde el espacio se configura a basede líneas geométricas y estructuras funcionales. Es una unidad perfecta, sin juntas irregulares, sin defectos deconstrucción.

La belleza arquitectónica se evidenciaba a la vez en la materia y en la forma.

Los principales elementos estéticos eran la armonía de la composición y la grandeza de las dimensiones.Todo ello provocaba el estremecimiento por lo sublime.

En la Edad Media, el arte era un saber hacer. Suponía la transformación de una materia, para convertirse enuna producción.

El simbolismo

En la naturaleza, el hombre era la obra mas perfecta. En el arte lo era la iglesia. Era habitual comparar laplanta de una iglesia con una gran cuerpo humano con los brazos extendidos en cruz. Así, y según elalegorismo, la catedral se convertía en la proyección geométrica del hijo de Dios sobre la cruz.

La composición arquitectónica se basa en la simetría, principio teórico que derivaba en la proporción. Todoslos temas constructivos tenían un carácter alegórico. Así, las columnas y los pilares eran los obispos que porla rectitud de su vida elevaban la bóveda de la iglesia hasta el cielo.

El número jugaba un papel fundamental, y también las formas geométricas. El macrocosmos universal estabasimbolizado por una esfera o un círculo, mientras que el microcosmos humano se inscribe en un cuadrado.

Por su forma, el conjunto de la iglesia, era un vasto cuadrado que, debido a las líneas verticales de pilares ytorres, tendía a la pirámide.

La estabilidad y la belleza se hallaban en la perfección de las formas geométricas como manifestacionesalegóricas de un mundo superior.

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PINTURA

Las ideas

La evolución de la pintura es paralela a la de la filosofía. De las imágenes significativas, esquemáticas yrepresentativas del Platonismo, se pasó al Aristotelismo, donde el ideal universal se simbolizaba en formasindividualizadas y emotivas.

De aquí se evolucionó a un empirismo en el que el valor universal se sacrificaba al individualismo absolutonacido con el declive de la Edad Media.

Las formas

El arte como la naturaleza, crea formas ordenadas que tienden a la belleza, al bien y al ideal divino y aspira aalcanzar un resultado perfecto y proporcionado.

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Cuando se imita un modelo, además de la belleza formal se adquiere así mismo una belleza imitativa. Perotambién se valora el genio personal y espontáneo del artista. La obra debía representar lo mejor posible alSanto o al demonio para transmitir piedad o desconfianza.

El gótico internacional

La escuela de Siena, que se preocupaba por la anatomía realista y el volumen de la figura, desarrolló elnaturalismo y la expresión de los sentimientos. Aspectos que llegaron a Francia. Junto a los avances de laperspectiva también se dio paso a la Pintura Gótica Internacional, que se caracterizaba por el dominio técnico,el sentido ornamental, los fondos dorados de los temas religiosos y una observación minuciosa de larealidad, que influiría en los artistas flamencos.

La pintura flamenca

La pintura flamenca desarrolló un realismo que intentaba reflejar la psicología de los personajes a través desus retratos. Con los hermanos Van Eyck se extendió la técnica de óleo, y con ella la sensación de perspectiva,tanto en los interiores como en los exteriores.

Todo lo real se había convertido en individual y singular. Esto se tradujo en una pintura minuciosa y objetivaque llevaba hacia la afirmación del individuo, fundamento del humanismo renacentista.

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Escultura

El Humanismo

En el arte gótico, la escultura estaba vinculada a la catedral. El marco arquitectónico continuaba siendoimportante, pero luego adquiriría autonomía.

La evolución del pensamiento teológico, llevó a una nueva valoración de la figura humana, la cual se veríacomo obra de Dios. Las formas eran cada vez más naturales, se abandonaron las rígidas y estáticas figurasrománicas, a favor de los grupos de figuras relacionadas entre sí y con cierto movimiento.

A la vez los temas tradicionales, adquirieron un mayor carácter humano gracias a los gestos naturales y lavinculación sentimental de los personajes.

El naturalismo

Se utilizaban materiales muy variados, ya no se empleaba solo la piedra y la madera, sino también elalabastro, el yeso y el mármol. Se buscaba la belleza ideal como reflejo de la divinidad, lo que se traducía enfiguras sencillas de un naturalismo idealizado.

El hombre del gótico buscaba en la naturaleza el sentido cristiano de la revelación y veía en el acercamiento almundo sensible, el camino para alcanzar la salvación.

En los retablos prosperó el sentido narrativo de las escenas, las cuales desarrollaban temas extraídos de lasvidas de la Virgen y de los Santos.

Todas las representaciones estaban basadas en determinados libros como los Evangelios Apócrifos, o la Bibliade los pobres, entre otros. En el norte de Francia se crearon unos prototipos de figuras con rostrostriangulares, expresión sonriente y ojos rasgados, que dominarían la escultura durante un largo periodo.

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El retrato

En los sepulcros se muestra un carácter nuevo de gran monumentalidad donde, además de la figura yacente, serepresenta complejos programas iconográficos. El camino hacia una mayor expresividad conduce hacia unrealismo en que los rostros eran ya retratos de las personas representadas.

Se reflejaba el sentimiento y la aptitud del personaje, así como también su condición social.

El virtualismo y la perfección técnica unidas al realismo y a la expresividad abrieron el camino de la esculturarenacentista.

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Arquitectura

La funcionalidad

Muchos de los elementos de la construcción gótica se encuentran ya anunciados en el siglo XII, en laarquitectura Cisterciense. Sus principales características eran la absoluta funcionalidad de los elementosconstructivos, la austeridad en la decoración y la utilización de una estructura de muros y pilares gruesos, quese abandonarían después.

A la economía de elementos el gótico añade el sentido de equilibrio del conjunto, en un espacio unitario degrandes dimensiones.

La estructura

El arco ojival también llamado apuntado se adaptó del arte Cisterciense. Estaba formado por dos arcos que alcruzarse terminaban en punta. Si los arcos se cruzaban en diagonal forman la bóveda de crucería, tambiéntradicional, pero que en el gótico se multiplica y diversifica dando lugar a nuevos y notables sistemasestructurales.

También se tomaron los modelos de planta de las iglesias y de los monasterios Cluniacienses, situados en lasafueras de las poblaciones.

Los elementos sustentantes y de descarga de pesos, como son los contrafuertes y los arbotantes, aligeraban losmuros y permitían que el conjunto ganase altura.

Los hitos

Hay dos aspectos de la arquitectura gótica sin precedentes en la historia.

El primero es la dignidad estética que se daba a la estructura del edificio.

El segundo es la diafanidad de los muros que filtraban la luz a través de las vidrieras dando la sensación detransparencia.

Los estilos

En la evolución de la arquitectura religiosa se distinguían varias etapas.

El gótico temprano, que tenía su origen L'Ille de France y que se caracterizaba por las fachadas en•

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"H". Su máximo exponente es "Notre Damme" de París.El gótico pleno o clásico, dónde se definían todas las aportaciones técnicas y estéticas presentes, porejemplo en las catedrales francesas de Reims y Amiens.

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El gótico radiante, caracterizado por el refinamiento de los elementos con su expansión hacia el surde Francia, se generó el gótico del Midi.

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El auge de Italia en el siglo XIV produjo el gótico mediterráneo: Gótico horizontal frente al modelovertical francés.

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Finalmente, en el siglo XV, surgió el gótico flamígero o florido, que cubría los edificios de fantasíasdecorativas las cuales también se adaptaban a la arquitectura civil.

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La sociedad en la que nacía el arte gótico veía, progresivamente, al hombre como centro del mundo, siendoesta la principal tesis filosófica del Renacimiento incipiente.

RENACIMIENTO

Introducción

El Renacimiento, periodo histórico que abarca los siglos XVI y XVII, concentró el mayor número de geniosartísticos que jamás una época haya dado a luz.

Aquellos artistas fueron los frutos iluminados de una nueva concepción de la vida, que colocó al hombre en elcentro del mundo.

Mas que un "renacimiento" fue una "revolución". De ella surgió una nueva cultura, cuyo producto másexquisito sería el Hombre. A partir de aquel momento, decir "hombre" sería equivalente a decir "cultura". Ydecir "cultura" sería decir "arte".

Principios fundamentales del arte

Las ideas

Variedad y unidad histórica

El renacimiento abarca muchos siglos de historia y fue protagonizado por artistas de personalidad muydiferente. Cada uno de estos momentos, lugares y personas presenta sus particularidades.

El Renacimiento puede verse como un conjunto opuesto a la Edad Media, que le precede, y al Barroco, que lesigue. Así, el arte del Renacimiento presenta una unidad que lo individualiza. Comparando esculturas y obrasarquitectónicas de diferentes periodos del Renacimiento, realizadas por autores de procedencias muy alejadas,se puede, no obstante, encontrar características formales muy parecidas.

El arte no es mas que el deseo de expresar alguna cosa. Por esta razón, en cada época de la historia existe unavoluntad común a todos los hombres que la viven. Y esta voluntad común es la que confiere una unidad a lasobras de cada estilo.

Arte científico

Todos los artistas del Renacimiento compartían la afirmación de que el arte, hasta entonces considerado untrabajo manual, era una ciencia. Así, creían que el intelecto era una facultad indispensable para crear obras dearte. Pero si el artista debía poseer conocimientos científicos para poder crear arte, el espectador también teníaque poseer la suficiente educación como para poder entenderlo. De esta manera, las obras de arte delRenacimiento no fueron concebidas para gente corriente, sino para un reducido público, formado por hombres

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ricos, cultos y sofisticados.

Botticeli es un claro exponente de ello. Su "Primavera" no ha sido interpretada satisfactoriamente hasta haceunos poco años. Y ha resultado uno de los artistas más enigmáticos de la historia. El interés expresivo delartista fue, a veces, en detrimento de una correcta aplicación geométrica o de una proporción adecuada en susobras, pero le convirtió, por otra parte, en un creador revalorizado siglos mas tarde por los simbolistas.

Estudio de la naturaleza

El objetivo de todos los artistas del Renacimiento era la imitación de la naturaleza. Así lo subrayan lostratados artísticos de la época.

La imitación de la naturaleza tenía que ser verosímil. Los objetos pintados debían parecerse al máximo a losobjetos reales y, además, la forma de pintar tenía que ser segura y científica.

Para conseguir una correcta imitación de la naturaleza, los artistas se convirtieron en sus propios maestros, yse dedicaron a estudiarla de manera detallada. El hecho de tener que estudiar la estructura del cuerpo humanoles convertiría en expertos en anatomía.

El artista−científico mas ejemplar del Renacimiento fue Leonardo Da Vinci. El él parecen confluir laobservación incansable del científico y la genialidad sutil del artista que estudió sistemáticamente lasproporciones del cuerpo, tanto humano como animal, y que examinó a fondo las leyes mecánicas delmovimiento.

Un método de representación. La perspectiva.

Para conseguir imitar correctamente la naturaleza no bastaba con estudiar su estructura, sin que también habíaque saber copiarla. Este objetivo se lograba aplicando la geometría y la óptica del arte. De esta manera losartistas del Renacimiento idearon un método para reproducir fielmente la realidad, que denominaronperspectiva lineal.

Mediante el estudio minucioso de la naturaleza y la invención de un método para reproducirla, se consiguióque el arte fuera un conocimiento mas, como lo son las matemáticas o la astronomía. Los artistas delRenacimiento confiaban plenamente en las facultades humanas y pensaban que, a través de cálculos,proporciones numéricas y modelos geométricos, podrían conocer la naturaleza hasta el punto de poderreproducirla fielmente. Así, el hombre era la unidad de medida y sus proporciones le servían para diseñar unaescultura o para calcular las medidas de un edificio considerado bello.

El modelo clásico

Bello significaba acorde con las reglas del arte griego, es decir, simétrico, armónico y proporcionado. Estaadmiración por el arte clásico es otra de las características comunes a todos los artistas del Renacimiento. Unode los momentos de esplendor de Italia fue la época del imperio romano. Por ello, aquel periodo resultabafundamental para los renacentistas italianos. De hecho, la palabra "renacimiento" significa "volver a nacer".

En resumen, puede afirmarse que entre los artistas del Renacimiento existían unas ideas comunes sobre cómoera el mundo y cómo tenía que ser el arte. Esta unidad en sus obras es lo que suele llamarse estilo.

Las técnicas

La perspectiva

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La perspectiva es un método de dibujo para representar las cosas en el espacio. Dicho de una forma mastécnica, se trata de un procedimiento para representar gráficamente objetos tridimensionales y sus relacionesespaciales en una superficie plana.

A lo largo de la historia, los artistas han plasmado esto de maneras muy diferentes porque también se hanmovido por intereses diferentes.

En general, y hasta el Renacimiento, los artistas querían pintar las cosas, no solo como las veían, sino tambiéncomo sabían que eran. Los egipcios por ejemplo, combinaban una versión de perfil y otra frontal, pararepresentar la figura humana.

Los griegos, en cambio, no dibujaban las cosas como sabían que eran, si no que empezaron a dibujarlas tal ycomo las veían. Los griegos fueron los primeros en descubrir lo que se llama el "escorzo", que parte de la ideade que una persona nunca puede ver de una vez un objeto en sus totalidad. Si observamos algunos piesdibujados por los griegos, vemos que el artista dibujó lo que se ve desde un determinado punto sin tener encuenta todo lo que sabía sobre aquel pié.

En la época medieval las intenciones de los artistas cambiaron. Se sabe que la mayoría de pinturas yesculturas se hicieron para ilustrar las doctrinas de la Iglesia y de la Historia Sagrada.

No pretendían copiar las cosas como son, sino explicar una historia o representar un pensamiento.

En la época del Renacimiento el objetivo del artista era llevar a cabo una copia fiel, exacta y veraz de larealidad. Así, resultó inevitable la aparición en el dibujo de la perspectiva lineal.

La perspectiva lineal

El método de la perspectiva lineal puede explicarse de la siguiente manera: imagina que de cada punto de unobjeto que estas mirando sale, en línea recta, un rayo de luz, y que estos rayos de luz, unidos en tu ojo, formanla imagen del objeto que ves. Imagina ahora que entre el objeto y tu ojo colocas un cristal que corta los rayosde luz. En este cristal dibuja el objeto uniendo los puntos por los cuales los rayos atraviesan dicho cristal.Ahora sitúa dos objetos de igual altura y anchura a diferentes distancias y dibújalos en el cristal. Verás que eldibujo que forma el objeto que está mas lejos será mas pequeño que el que forma el objeto que está situadomas cerca. Esta es la primera regla de la perspectiva.

Gracias a la geometría, los artistas aprendieron a dibujar los objetos en perspectiva. El arquitecto Brunelleschifue el descubridor de la construcción geométrica exacta. En cambio, fue Alberti el que, en sus famosostratados de arte, proporcionó a los artistas las aplicaciones más sencillas de este método.

En los artistas del periodo de transición entre el gótico y el Renacimiento, se encuentran ya los primeros pasoshacia una construcción espacial infinita, constante y homogénea así, Giotto, por ejemplo, abandonó laconcepción medieval de la pintura contemplando sus tablas nos da la impresión de estar presenciando unhecho real, puesto que percibimos aire entre las figuras y nos parece que estas pueden moverse libremente porese espacio imaginario que es la pintura.

Una de las primeras pinturas realizadas enteramente a partir de las reglas matemáticas descubiertas porBrunelleschi fue "La Santísima Trinidad" de Masaccio. En esta obra no sólo intuimos un espacio entre lasfiguras, como sucedía con Giotto, sino que si las borrásemos, nos encontraríamos ante un espacio infinito yhomogéneo. En esta pintura de Masaccio hay un espacio preexistente, anterior a las cosas, y en función delcual éstas se ordenan.

La obra de Fra Angélico, otro pintor del Renacimiento temprano, constituyó una alternativa pictórica a la fría

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geometría de Masaccio. Fra Angélico aplicó el racionalismo basado en la perspectiva de Masaccio, peroincluyó un detallismo y un preciosismo, fundamentalmente en el color, al gusto aún goticista del momento. Elresultado fue una pintura mas idealista que tendría su culminación en Boticcelli.

La fría racionalidad perspectiva de Masaccio fue recogida por Paolo Uccello, que pasaría a la historia por serel pintor que más experimentó en el campo de la perspectiva. En "La Batalla de San Romano", Paolo Uccellorepresentaba los caballos en escorzo, usaba diferentes puntos de fuga, señalaba múltiples direcciones con laslanzas o creaba fondos por planos.

Objeciones a la perspectiva lineal

Hoy en día, aún se emplea la perspectiva lineal en la pintura, pero se sabe que, al aplicarla, lo que quedadibujado en el cuadro no refleja la realidad tal y como es, ni tampoco tal como la vemos. La perspectiva linealpresupone que nosotros, al mirar, lo hacemos con un solo ojo y fijamente. Sin embargo miramos con los dosojos en movimiento.

Además, generalmente, cuando miramos no nos encontramos frente a un espacio, sino dentro de él.

Y como nuestra retina es cóncava, la imagen que percibe el ojo no es la del objeto en la realidad.

Hoy sabemos que la realidad no puede imitarse. Por eso los artistas del siglo XX idearon otras maneras derepresentar los objetos tridimensionales en el plano.

Un ejemplo muy extremo de ello es el "Cubismo".

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Pintura

El arte como ciencia

Todas la obras de arte del Renacimiento poseen unas características comunes debido a que los artistas tienenideas comunes que quieren expresar.

La primera y más importante de estas ideas es la voluntad de hacer de él arte una ciencia. Esto se consigueconstruyendo el cuadro a partir de las reglas matemático−geométricas de la perspectiva.

Para conseguir un arte regular y mesurado, los renacentistas utilizaron una línea de dibujo clara, delimitada ycontinua.

Podemos apreciar dicha línea al observar un cuadro muy de cerca. Entonces nos damos cuenta de que laslíneas que configuran el motivo tienen un sentido y que son la línea de un dedo o la línea de una nariz.

Pero si tenemos en cuenta la claridad buscada por el Renacimiento, podríamos afirmar que el "sfumato",técnica creada por Leonardo Da Vinci, no es típicamente renacentista.

El "sfumato" diluye los contornos de las cosas, desdibujándolas y presentándolas como si las viésemos através de una cortina de humo.

La delimitación del contorno

Los artistas del Renacimiento buscaban una pintura clara y nítida; por eso siempre delimitaban el contorno de

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las cosas, aunque al hacerlo resultara forzado.

Por ejemplo, dibujaban con todo detalle objetos que, por estar muy alejados de punto de vista del espectador,aparecían muy desdibujados en la visión real.

Este deseo de delimitar cada una de las formas puede apreciarse hasta en los detalles más insignificantes,como los ornamentos de un vestido o los pelos de una barba, que parecerán siempre, mas que pintados,dibujados.

Los objetos representados

En el arte del Renacimiento cada objeto representado tiene sentido y significado por sí mismo. De estamanera, los objetos en un cuadro pueden verse representados de forma independiente. Sin tener que estar alservicio de un motivo único. Comprobaremos que al aislar entre sí los mencionados objetos, éstos nos parecenperfectamente acabados.

Un artista renacentista siempre podía emplear colores contrastados, pues la unidad del cuadro no estribaba enel tono del color, sino en la composición. Cuando se limpiaron las pinturas de Miguel Ángel en la CapillaSixtina, se descubrió que, originalmente, habían utilizado colores muy vivos.

Otra de las características del estilo renacentista es la representación de la profundidad mediante planossucesivos, como si se tratara de diversas capas. En la pintura renacentista no existe una conexión directa entrelos planos; la totalidad de la escena puede ser captada con una sola mirada.

El marco y la luz

Un cuadro renacentista es un cuadro cerrado. Es decir, un cuadro cuya acción empieza y termina siempredentro de los límites del marco. Los objetos aparecen ordenados respecto a un eje vertical y otro horizontal.Ambos ejes equilibran la escena sin que advirtamos en ella tensión alguna. Así da la sensación de que elcuadro es una porción de mundo con existencia propia.

La luz del Renacimiento nunca será focal, ya que distorsionaría los objetos, sino que será siempre uniforme.

En resumen, la concepción del arte renacentista es lineal, plana, cerrada, hecha a partir de unidadesindependientes y clara.

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Escultura

La silueta

Las características de la escultura del Renacimiento son las mismas que las de la pintura y las de laarquitectura, pero se expresan de una manera distinta.

Aunque en la escultura no haya líneas, existe un método lineal de hacer esculturas que caracteriza la formarenacentista. Es una escultura hecha para la mano, como si el espectador en lugar de mirar la escultura tuvieraque tocarla. Ello se consigue delimitando muy bien la silueta de la figura y creando un punto de vistaprincipal.

No por casualidad, la primera gran obra escultórica del renacimiento fue un relieve, nos referimos a laspuertas de bronce del baptisterio de San Giovani, realizadas Ghiberti, el mismo Ghiberti afirmó haber

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intentado copiar en ellas la naturaleza con un detallismo obsesivo, y haber usado las reglas de la perspectivapara organizar los espacios y calcular las proporciones y el tamaño de sus figuras.

También Donatello cultivó el relieve en sentido pictórico. El trabajo por planos, que las leyes de laperspectiva favorecen en la pintura, fue adoptado en el relieve, de manera literal.

La escultura del Renacimiento nace con Donatello. Este artista combinaba en sus obras la sobriedad goticistay una gestualidad contenida muy clásica con un interés realista y un deseo muy moderno de expresar lainterioridad del personaje.

Técnica escultórica

La estructura de planos sucesivos se consigue en una escultura estableciendo una cara frontal de la obraperfectamente acabada. Así, siempre existe un punto de vista desde el cual todo tiene estabilidad.

La escultura del Renacimiento se encuentra delimitada por un marco ficticio, que la contiene y queproporciona su unidad. El escultor obtiene la forma de la escultura extrayendo materia del bloque de piedraoriginal. Este método de trabajo limita en cierta medida las posibilidades de creación.

Podemos observar este principio técnico en los "non finito" de Miguel Angel, esculturas inacabadas en las quepuede apreciarse cómo el escultor sacaba la forma del bloque de piedra.

La luz y la forma

El escultor renacentista conseguía el efecto de claridad y armonía deseado mediante el uso de una luz clara yuniforme.

Respondiendo a las características generales del arte de aquella época, se pretende una obra lineal, plana,cerrada, hecha de unidades independientes y clara.

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Arquitectura

El efecto espacial

Se ha dicho con razón, que el efecto de una habitación de bellas proporciones tiene que percibirse aunque secamine por ella con los ojos cerrados. La arquitectura renacentista buscó siempre un efecto espacial, nuncavisual. En un edificio del Renacimiento nunca se incluirán estímulos para el ojo, independientes y diferentes,que puedan dificultar la captación del conjunto del edificio.

En un edificio renacentista, todo tenía que venir determinado por el elemento geométrico más riguroso. Loimportante en un edificio del Renacimiento era la estructura, o sea, aquello que ya estaba dibujado en planta.

Revolución en la arquitectura: Brulleneschi

Filippo Brunelleschi, primero y mas emblemático de los arquitectos del Renacimiento, fue el descubridor delos principios de la perspectiva. Además de inaugurar el renacentismo en arquitectura, Brulleneschi introdujoel estilo en la escultura y la pintura.

La primera obra arquitectónica considerada renacentista es el pórtico del Hospital de los Inocentes, donde suautor, Brunelleschi, puso en práctica los principios de la perspectiva lineal. Así, creó en este pórtico una

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sucesión de planos en profundidad que hacían converger todas las líneas arquitectónicas en un único punto,constituyendo una pirámide visual.

La iglesia de San Lorenzo y la iglesia del Santo Spíritu, construidas posteriormente por Brunelleschi, sontambién de un racionalismo extremo.

De todas formas, la tipología de la iglesia que se impuso no fue creada por Brunelleschi, sino la de nave única,que usó otro de los grandes arquitectos del Renacimiento, Leone Battista Alberti.

Las proporciones humanas

En estas obras de Brulleneschi puede apreciarse otra de las características de la arquitectura del Renacimiento;un sistema de proporciones riguroso e inflexible.

Para el Renacimiento, la proporción extraída de los principios del arte clásico era el elemento estético masimportante. Así, se utilizó frecuentemente el llamado "rectángulo de sección áurea", descubierto por losgriegos y usado en el Partenón.

De la misma manera, basándose en la autoridad de Vitruvio, se estableció también una armonía entre lasproporciones del cuerpo humano y la arquitectura.

Principalmente se adoptaron los órdenes griegos como elemento arquitectónico.

Durante los inicios del Renacimiento, se empleó con mayor frecuencia el orden corintio, más decorativo yornamentado que los demás. En cambio, durante el alto Renacimiento se usó mas la simplicidad del dórico.

Siguiendo la antigua practica romana, los arquitectos renacentistas superpusieron con frecuencia los órdenes.Usaban uno diferente para cada planta del edificio, empezando por el mas pesado y duro, correspondiente alorden dórico, y ascendiendo hasta el más ágil y decorativo, representado por el corintio. Este sistema deproporciones dotaba de unidad a todo el edificio, pero también otorgaba independencia a cada uno de loselementos que lo componían.

La belleza, según Alberti, era la armonía de un conjunto de partes independientes unidas entre sí para formarun todo, del cual nada puede extraerse o añadirse sin perjuicio.

La luz y la forma

El arquitecto renacentista buscaba siempre una luz homogénea. En el interior de sus recintos reinaba una luzdifusa y uniforme. Se puede afirmar que la forma arquitectónica renacentista es como la del resto de las artes;es decir: lineal, plana, cerrada, hecha de unidades independientes y clara.

El paradigma de la arquitectura renacentista es la cúpula de la catedral de Florencia, de Brunelleschi. En ellael autor utiliza sus conocimientos técnicos, científicos y arqueológicos para crear una obra.

BARROCO

Introducción

El arte barroco fue considerado durante largo tiempo un arte degenerado, extravagante, excesivo, inclusoanómalo.

Fueron los estudios de la moderna teoría del arte lo que dieron su justo lugar a este estilo, convirtiendo "lo

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barroco" en una categoría estética opuesta a "lo clásico".

Con el barroco, la belleza dejó de ser el patrimonio de lo recto, lo claro, lo simétrico, lo uniforme y lo quieto,para admitir también lo curvo, lo ambiguo, lo irregular, lo variado y el movimiento.

Principios fundamentales del arte

El barroco en la historia

El barroco puede entenderse como período histórico o como categoría estética. Es decir, puede entenderse porbarroco todo el arte producido durante el siglo XVII, o también puede entenderse el barroco como una formaparticular de ver el arte. Esto se basa, sobre todo, en la potenciación de la libertad, la individualidad y laexpresión y, en este sentido, pueden encontrarse ejemplos de arte barroco en todas las épocas.

El arte creado durante este periodo es muy diverso y solo puede contemplarse bajo un criterio unificado, si lorelacionamos con el trasfondo cultural, intelectual y social. Partiendo del barroco podemos distinguir cuatrograndes tendencias artísticas.

La primera de estas tendencias artísticas tiene su origen en la emergencia suscitada por laContrarreforma y en la necesidad de encontrar un arte que fuera adecuado para la expresión religiosadel momento. La Iglesia Católica Romana, después del Concilio de Trento, adoptó una posturapropagandística, según la cual el arte tenía que servir como medio para estimular la fe en la Iglesia. Elarte barroco, nacido de esta voluntad era sensual a la vez que espiritual. Daba un tratamientonaturalista al arte para hacerlo más accesible al público, y se servía del dramatismo y la ilusión paraestimular la piedad y la devoción. Era un arte que quería transmitir la impresión de esplendor en lodivino. Se encuentran grandes ejemplos de este arte al servicio del poder de la Iglesia en Italia y enFrancia.

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La segunda gran tendencia artística del periodo barroco nace de la consolidación de las monarquíasabsolutas y de la consiguiente pérdida de poder de la aristocracia. Así, las monarquías se dedicaron aconstruirse palacios a escala monumental, a la manera clásica, para mostrar el poder y la grandiosidaddel Estado. En cambio, los aristócratas quisieron distinguirse socialmente con una exquisitez tal que,rozaron lo artificial y lo exagerado, creando un arte al estilo "Manierista". En Francia se hallangrandes ejemplos de este arte al servicio del monarca absoluto.

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La tercera gran tendencia artística del periodo barroco tiene su razón de ser en la cristalización de unapoderosa clase media que, a partir de entonces, empezaría a tener un papel en el patrocinio del arte.Aquella burguesía encontraba especial gusto en el realismo y deseaba representar su entorno.

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Creó así nuevos géneros artísticos, como son el bodegón, las escenas populares o los retratos de familia. Losgrandes ejemplos de este arte al servicio de la burguesía se encuentran el Holanda y Alemania.

La cuarta y última gran tendencia que se puede encontrar durante el periodo barroco tiene su origenen el nuevo interés hacia la naturaleza y en la ampliación del horizonte intelectual del hombre,motivado por el desarrollo de la ciencia y la exploración del globo terrestre.

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Un importante elemento de este trasfondo intelectual fue el paisaje empleado como recurso pictórico, en elcual el hombre generalmente aparecía con una figura diminuta en una naturaleza inmensa.

El arte como creación

La idea del arte barroco, entendido como categoría estética, se caracterizó por el abandono de la creencia deque el arte debía imitar la naturaleza, puesto que era en la naturaleza donde se encontraban la perfección y lariqueza máximas.

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Los artistas barrocos creían que el arte podía dar a las cosas una belleza que éstas no poseían en la naturaleza.Por ello opinaban que el artista no debía representar la naturaleza tal como se ve. El arte, según el artistabarroco, era una mezcla de imitación y creación.

Otra característica del arte barroco es la aspiración a una mayor expresión individual del artista. así, su artetenía un carácter subjetivo y personal. El artista barroco tenía una idea de la belleza muy diferente de aquellaproporción armonía y racionalidad, características de las teorías clásicas. Creía que el contraste, la tensión, laoscuridad o la complicación también podían ser bellos.

En conjunto, podría decirse que el arte barroco gusta de lo vivo y de la animación basándose mas en laespontaneidad que en la razón y el control de las normas establecidas.

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PINTURA

La pintura con manchas

En un estilo como el barroco, en el cual se valoran el azar y la libertad, el arte cultiva principalmente losvalores visuales y es siempre la luz lo que forma los objetos.

La pintura barroca es una pintura hecha básicamente a base de manchas, puesto que los pintores barrocos nodeseaban marcar las siluetas ni delimitar las cosas con claridad, sino que intentaban siempre desdibujar loscontornos.

Velázquez, el gran representante del barroco en España, es un claro ejemplo de este expresionismo. Velázquezpintaba con "manchas" y recreaba la realidad con unos pocos trazos. Pintaba únicamente aquellas líneasesenciales que son necesarias para que el ojo se forme la imagen de lo representado. Por eso, cuando se miransus cuadros de cerca, las imágenes desaparecen y el cuadro se convierte en unas pocas manchas de color.

Entrar en el cuadro

El artista barroco buscaba la profundidad en sus obras porque gustaba de desvalorizar la superficie yconvertirla en algo falto de significado.

Para conseguirlo, el artista forzaba las conexiones entre los planos. Ello obliga al espectador a relacionar losplanos y a internarse en el cuadro. El medio más eficaz para dar la impresión de profundidad es a través deescenas de movimiento. De ahí que el artista barroco pintase frecuentemente grandes grupos llenos deagitación.

El artista barroco no quiso que la mirada del espectador se quedase en la superficie del cuadro, para evitarlo,empleó todos los recursos pictóricos a su alcance, y llevó así al espectador a internarse en su obra pararecorrerla.

Buscar el infinito

Un cuadro barroco es una forma abierta, es decir, una forma que constantemente alude a lo que la rodea, a loque está fuera de ella. Un cuadro barroco tiende siempre hacia lo ilimitado y lo infinito.

El artista barroco se valía de diferentes recursos para conseguir el movimiento: estableció una composición endiagonal, evitó delimitar una vertical y una horizontal que organizasen el cuadro ( como era habitual en elRenacimiento ), y buscó un desequilibrio entre las dos mitades de la tela.

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El color del arte barroco adoptó una unidad de tonos que es la que gradualmente da unidad al cuadro. Por otrolado, la luz emana generalmente de un único punto y provocaba un contraste muy acusado entre una parteclara y otra más oscura (claroscuro). Caravagio fue el artista barroco que más explotó la luz. Éste creó unaescuela de pintores y es, sobre todo, conocido por su tenebrismo y dramatismo.

Las innovaciones técnicas en el campo de la luz realizadas por Caravagio influenciaron a Rembrant, uno delos gigantes de la historia del arte. Rembrant adaptó el forzado claroscuro de Caravagio para descubrir elinterior y la vida psíquica de las figuras que representaba, acentuando las texturas físicas y modelando laexpresión de la cara.

Buscar el instante

En una pintura barroca, que busca la sensación del instante de algo que pasa o se mueve, la unidad la dasiempre el conjunto.

Los objetos no son nunca independientes. Si aislamos estos objetos dejarían de tener sentido como tales. Enresumen, puede afirmarse que la forma de arte barroco es pictórica, profunda, abierta, unitaria y oscura.

La excepción a esta regla se encuentra en la pintura que, realizada durante el periodo barroco, no cultivó laforma de arte barroca, si no que prefirió seguir con la idea clásica del arte renacentista.

El artista más importante de esta tendencia fue el francés Poussin. Rubens, en cambio, puede ser consideradoel artista que mejor plasmó la forma barroca en la pintura. Cultivó mejor que nadie el movimiento,fundamentándolo en el uso de la composición en diagonal y la línea curva.

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ESCULTURA

La contorsión y la irregularidad

La escultura barroca tuvo las mismas características que la pintura y la arquitectura de este periodo. Tambiénencontramos en ella el deseo de borrar la silueta, por que esta cierra la figura y la delimita demasiado.

Para conseguirlo, los escultores barrocos forzaron una posición muy poco corriente del personaje representadoy evitaron siempre la simple posición horizontal. La luz también se utilizó con el mismo fin, procurando queno fuese uniforme, para que los límites de los objetos quedasen en la oscuridad y desapareciesen con elclaroscuro.

Los escultores barrocos buscaban la irregularidad que, por ejemplo, los pliegues de un vestido sobresalieran oque los objetos representados fuesen vistos desde puntos de vista poco corrientes. Ello complica la silueta y nopermite identificarla. También complica la luz, puesto que impide que esta llegue a todas partes por igual.

El movimiento

Los escultores barrocos rompieron con la idea de molde que cultivó Miguel Angel y quisieron recuperar laidea de modelaje, técnica que siempre da como resultado una forma más dinámica.

Este sentido dinámico y esta búsqueda de movimiento se consiguen abriendo la escultura en dos direcciones,creando tensión en ella y usando elementos que parecen siempre continuar hacia el infinito. Un ejemplo deello son las columnas salomónicas en forma de espiral.

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El uso de estos recursos provoca que el espectador tenga la sensación de estar dentro de un espacio, en el cuales espectador debía internarse. Así, el escultor barroco más importante, Gian Lorenzo Bernini, fue también unarquitecto avanzado.

Como escultor, Bernini llenó con tal fuerza el arte del siglo XVII , que eclipsó a cualquier otro escultor de esteperiodo. Quizás su obra escultórica más conocida sea el "David", en el cual se observa la característica másimportante de la forma barroca: la sensación de instante y de movimiento.

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ARQUITECTURA

La integración de las artes

Durante el periodo barroco, la arquitectura la pintura y la escultura estaban integradas en un conjuntodecorativo. Ello hizo que la arquitectura se convirtiera en el marco idóneo para acoger a la escultura y a lapintura. De esta manera, la arquitectura, como la escultura, se hizo pictórica, mientras que la pintura sevolvió ilusión.

Los techos barrocos, por ejemplo, están disueltos en escenas pictóricas que lo transforman en algo inmaterial.De esta manera, crean una ilusión celestial de progresión hacia el infinito. Las fachadas de los edificios, encambio, se prolongan hacia los lados gracias al uso de masas y superficies cóncavas y convexas muy fluidas yactivas.

Borromini fue el arquitecto que mejor consiguió trabajar los elementos de la ondulación de la fachada. Loscombinaba con formas derivadas geométricamente de óvalos, heptágonos o hexágonos irregulares, creandoespacios realmente intrincados.

Un eje integrador

Un edificio barroco tiene siempre un eje o punto de vista parcial, y unos ejes independientes y secundarios,que lo enriquecen y diversifican. Este eje central conduce al espectador que entra en un edificio barroco haciaun recorrido, que suele terminar en su centro.

Generalmente, en este centro hay una cúpula que concluye el itinerario y conecta de nuevo al espectador conel espacio exterior. Así, las plantas barrocas sueles estar centralizadas y suelen adoptar la cúpula la cual,colocada en el punto central enlaza lo finito con lo infinito.

Bernini fue el mayor escultor barroco y un arquitecto muy conocido. En su famoso Templete, puedeapreciarse el uso de la llamada Columna Salomónica, que da la sensación de elevarse en espiral hacia elinfinito.

Otro posible recorrido espacial es aquel que termina en la pared frontal, donde, en el caso de las iglesias, suelehaber un retablo profusamente ornamentado. Este crea el efecto de un decorado teatral e invita al espectador aparticipar en la escena, así como a adentrarse en ella.

Urbanismo

Un edificio barroco se expande hacia fuera, hacia lo que le rodea. Si tiene otros edificios al lado o alrededor,son incorporados como si formaran parte del edificio barroco en sí. Incluso el paisaje parece estardeterminado por la concepción de la obra arquitectónica.

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Bernini fue el creador de la urbanización de la plaza de San Pedro del Vaticano. Las galerías columnatas deesta plaza parecen los dos brazos de la Iglesia que acogen a los creyentes.

Versalles, ideado por el arquitecto Le Vau, el pintor Le Brun y el creador de jardines Le Nôtre, fue la obraarquitectónica donde mejor se consiguió la direccionalidad del barroco y la integración del edificio en elentorno.

ROMANTICISMO

Introducción

El surgimiento del romanticismo es inseparable del fracaso de los ideales neoclásicos. El nuevo espíritu es elresultado de la tensión entre las aspiraciones del hombre a la unidad y armonía con el universo y laimposibilidad de realizar sus ideales en el mundo. De ahí el desconsuelo, pero también el titanismoromántico.

Principios fundamentales del arte

Nacimiento del sujeto

El arte romántico arrancó del fracaso del neoclasicismo en su intento de restituir la unidad del mundodesarticulada por la irrupción de la subjetividad moderna, y configuró el dominio de lo estético tal y como loconcebimos actualmente.

Definitivamente abolidas en lo metafísico y en lo político las viejas certezas de la religión y la filosofíatradicionales, el hombre moderno quedó solo frente a un mundo caótico.

Así, el punto de partida del arte romántico sería siempre el sujeto, libre de toda imposición externa, entregadoa los fantasmas, terrores y obsesiones de su mundo interior.

Subjetividad romántica

De la valorización del sujeto nace la ruptura de los artistas románticos con las normas uniformadorasimpuestas por las academias y su orgulloso deseo de plasmar artísticamente su interioridad.

A este orgullo de la propia individualidad corresponden el plano social la aparición del sentimientonacionalista y patriótico, con su particular valoración del arte autóctono.

Del orgullo de la propia individualidad procede, también, el culto romántico al genio, cuya personalidad podíallegar a ser más importante que la obra misma, y la valoración del arte casi exclusivamente por suoriginalidad.

Pero la reclusión del hombre moderno en su subjetividad, su alejamiento de la naturaleza, y de Dios, fueronsentidos por el artista romántico como una mal, y vividos dolorosamente.

El deseo de fusión del individuo con el todo cósmico es el anhelo que transmiten la mayor parte de las obras;la imposible realización del mismo confirió al romanticismo su carácter trágico.

Esta imposibilidad explica también la idealización y el gusto por otras épocas históricas u otras latitudes,donde esa compenetración entre los subjetivo y lo cósmico parecía haberse realizado.

Así mismo, justificaba el culto romántico por la enfermedad, la locura o la muerte, estados en los que esa

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reintegración del yo en el todo se producía, ya fuese transitoria o definitivamente.

Lo sublime romántico

El deseo de integración del artista en el todo se expresó plásticamente representando lo infinito en la obra, yafuese en su tema, ya mediante una sensualidad embriagadora o una composición que se desarrollaráilimitadamente.

En todo ello influyó decisivamente el progresivo desplazamiento de la belleza como categoría estéticafundamental, en beneficio de lo sublime.

Frente a la belleza proporcionada y armónica, era sublime todo lo que, excediendo las proporciones humanas,resultaba inconmensurable y provocaba una mezcla de terror y placer.

Lo sublime constituyó, pues, el origen de la estética romántica de lo oscuro, neblinoso, nocturno, vago einforme, y la fórmula utilizada para representar lo suprasensible o lo absoluto.

Para el romántico, la obra de arte se convertía en la presencia de lo infinito en lo finito y, por tanto, enmanifestación de lo absoluto por delante de la verdad filosófica.

Originalidad de la obra, genialidad del artista y carácter absoluto del arte son algunas de las ideas estéticasdel romanticismo, cuya vigencia puede constatarse aún actualmente.

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PINTURA

Formación del espíritu romántico

La diversidad de estilos pictóricos habitualmente englobados dentro del romanticismo resulta de una riquezadesconcertante.

Ello se debe a que el romanticismo, mas que como un estilo artístico, debe ser definido como un estado delalma.

Por otra parte, dicho estado espiritual se caracterizó también, entre otras cosas, por la importancia queconcedía a la personalidad individual y a las particularidades nacionales.

Con todo, ese espírito anti−académico y subjetivista se manifestó casi siempre casi siempre a través de unosmismos rasgos.

El romanticismo inglés

El espíritu romántico empezó a formarse probablemente en la Inglaterra de la segunda mitad del siglo XVIII,coincidiendo con el ascenso de la clase burguesa al poder económico.

Al igual que en Francia, la nueva sensibilidad concedía a los sentimientos burgueses el papel protagonista enla pintura.

Pintores como Hogart, Reynolds o Gainsborough no pintaban ya monarcas o emperadores, sino simplesciudadanos en el ejercicio de su profesión o cumplimiento de su labor doméstica.

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El contacto habitual de la burguesía británica con la naturaleza a través de sus propiedades rurales ocupaba asímismo un lugar preferente en la pintura inglesa de dicho periodo.

El gran paisajismo romántico, donde la naturaleza es protagonista, puede considerarse un invento inglés.

John Constable fue el pintor, que inspirándose en los flamencos, convirtió a la naturaleza, con sus cambiosclimáticos y atmosféricos, en el principal tema del cuadro; llegó incluso a plasmar accidentes tanimperceptibles como una suave brisa, variaciones de luz o formas cambiantes de las nubes.

Junto a esta sensibilidad por la naturaleza, un gran respeto por su pasado caracterizó este espíritu inglés.Buscaron inspirarse en el pasado anterior a las invasiones romanas, es decir, en la tradición autóctona quedurante la Edad Media produjo el estilo gótico.

Abadías e iglesias góticas en ruinas se convirtieron desde entonces en tema favorito de los pintoresrománticos ingleses.

Romanticismo alemán

El protagonismo de la naturaleza y la exploración del inconsciente se combinaron en Alemania con unareligiosidad ferviente, lo que dio origen a la más alta cultura literaria, musical, filosófica y plástica de laépoca.

La nueva sensibilidad romántica se manifestó también en Alemania como recuperación de su pasadoautóctono o gótico. Catedrales en ruinas y representaciones de un pasado medieval idealizado acapararon asíla atención de numerosos artistas alemanes.

En muchos pintores, como Caspar David Friedrich, las ruinas evocaban también el carácter efímero de lasobras humanas frente al infinito inabarcable de la naturaleza.

El mundo natural en su eternidad y belleza, era contemplado como manifestación de lo Absoluto o de ladivinidad, y sustituía a la iconografía religiosa tradicional.

Frente al empirismo y al materialismo de la Ilustración, el Romanticismo alemán reivindicó la existencia deun mundo de espíritus y el contacto del hombre con lo sobrenatural.

Caminantes meditabundos o viajeros que parecen presentir la inminencia del mas allá se convirtieron así enprotagonistas de la pintura.

Dicho protagonismo es compartido por los niños más cercanos por su inconsciencia a ese reino de loextraordinario, que los románticos intentan explorar.

El tiempo en que la divinidad y lo espiritual estaban presentes entre los hombres quedó atrás con el fin de laEdad Media, idealizada por los pintores alemanes.

De ahí la fascinación romántica por la enfermedad y la muerte, únicos caminos hacia ese universo, que laclaridad del pensamiento y de la luz diurna convierten en invisible.

La pasión de lo absoluto se manifestó durante el Romanticismo alemán en la concepción de una obra de artetotal, capaz de conjugar todas las disciplinas artísticas particulares.

Romanticismo francés

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Debido a la radicalidad de sus principios, el romanticismo alemán ejerció una gran influencia en Francia apartir del primer decenio del siglo XIX.

En Francia, el romanticismo tuvo el carácter de una escuela pictórica, caracterizada por su gran colorismo, elgusto por la composición dinámica y el exotismo de sus temas.

Dicha sensibilidad, que denota el anhelo romántico de lo infinito, aparecía en ocasiones con el ropaje de lavieja escuela neoclásica, como en el caso de Ingres.

La primera gran obra romántica es "La balsa de la Medusa", de Theodore Géricault, donde, tras el relato deun acontecimiento contemporáneo, alentaba un indefinible anhelo metafísico.

El aliento metafísico se tradujo plásticamente en las grandes pasiones expresadas por los personajes, ya setratase de abatimiento o de esperanza.

El movimiento vertiginoso y el vivo colorido fueron también expresión de este anhelo de la obra deDelacroix.

En este pintor tal vez el mayor entre sus contemporáneos, aparecía también el gusto de los románticos por losviajes y los temas exóticos, así como su defensa de la libertad.

Goya y el romanticismo español

En España, el romanticismo, si bien prácticamente no existió como sensibilidad mayoritaria, contó con unespíritu de excepción: el pintor aragonés Francisco de Goya.

Ya desde su juventud, Goya manifestó una preferencia por la vida popular y las costumbres nacionales, que leaproximaban al gusto romántico.

El romanticismo de Goya fue, no obstante, mas patente en sus testimonios de la Guerra de la Independencia,ejecutados con una libertad compositiva y un cromatismo extraordinarios.

Pero su carácter romántico se manifestó sobre todo en "Pinturas Negras", donde expresaba su atracción por elmundo de la irracionalidad y la superstición.

Durante el último periodo de su vida, Goya se convirtió en el más romántico de los artistas europeos,expresando sus fantasmas interiores y su mundo onírico en la serie de la "Quinta del Sordo".

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ESCULTURA

Escultura romántica

Al contrario de lo que sucede con la severidad neoclásica, el dinamismo y la sentimentalidad románticas seexpresaron dificultosamente a través de la arquitectura y escultura.

Sin embargo, otros valores de la nueva sensibilidad se manifestaban en estatuas y edificios, lo que justifica lareferencia a una escultura y una arquitectura románticas.

La defensa de la libertad, el dinamismo compositivo y la expresión de grandes pasiones caracterizaron la obrade Jean−Baptiste Carpeaux.

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Todo ello puede aplicarse también a la figura de David d'Angers.

En otros casos, la estatuaria recurrió a la utilización consciente de los estilos de otras épocas o incluso otrasculturas, estrategia también muy frecuente en la arquitectura.

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ARQUITECTURA

Arquitectura romántica

Fueron características del historicismo romántico las construcciones al estilo gótico, utilizado conscientementepor su valor nacionalista, democrático e incluso espiritual. No faltaron tampoco edificios que incorporaronelementos procedentes de la arquitectura de otras latitudes, expresando el gusto romántico por el exotismo.

El romanticismo prolongó, incluso, la reproducción de edificios clásicos, sí bien de forma mucho másnostálgica, teatral e idealizada que durante el neoclasicismo.

Dicha idealización alcanzó su grado máximo en construcciones surgidas de la más febril imaginación y delgusto romántico por las leyendas y los cuentos de hadas.

A pesar de todo, los estilos imitados, como el caso del gótico, inspiraron a su vez soluciones técnicasavanzadas, que pasarían a enriquecer la arquitectura moderna.

REALISMO E IMPRESIONISMO

Introducción

Junto a las diversas formas del romanticismo, durante el siglo XIX se desarrolló también un arte realista.

Concebida como una reacción anti−romántica, el realismo tiene así mismo su origen en el sujeto burgués, alque la revolución ha convertido en protagonista, aunque ahora en sus vertientes más materialistas ypragmáticas.

El arte realista es una traducción perfecta del positivismo científico de la época.

Principios fundamentales del arte

Mentalidad realista

Los estilos artísticos denominados realismo e impresionismo obedecían a una misma voluntad de reaccióncontra el Romanticismo, si bien retomaban alguno de sus motivos fundamentales.

Con el romanticismo los artistas habían aprendido a contemplar la naturaleza como algo sagrado,convirtiéndola en protagonista de sus obras.

Por esta misma razón, la naturaleza romántica remitía siempre mas allá de sí misma a una substrato invisiblede la realidad que se identificaba con la misma subjetividad del artista.

El progreso de las ciencias naturales, propiciado por la misma concepción romántica y su reflejo en lafilosofía positiva, produciría un giro en el arte de finales del siglo XIX.

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Para Auguste Comte, filósofo del positivismo, el saber humano debía renunciar al conocimiento de lascausas últimas y limitarse a estudiar la realidad tal y como se manifiesta a los sentidos.

Realismo impresionista

La reducción de la realidad a su manifestación sensible constituye también el fundamento de los estilosrealista, impresionista, y divisionista o puntillista.

La voluntad de artistas y escritores realistas consistía en presentar la realidad tal como aparecía, renunciandoa toda idealización, interpretación o indagación más allá del mero fenómeno.

Dicha voluntad fue llevada hasta sus últimas consecuencias por el impresionismo, cuya aspiración estribabaen reproducir en la tela la impresión de la luz sobre nuestra retina.

En efecto, es el cerebro quién percibe los objetos, construyendo los mismos a partir de los datos sensibles,enriquecidos por la imaginación y la memoria de anteriores experiencias.

Pero el realismo extremado de los impresionistas pretendió plasmar únicamente el conglomerado caótico desensaciones que el cerebro organiza posteriormente en la percepción.

Nuevos horizontes del realismo

La voluntad de plasmar tan solo las múltiples sensaciones de la percepción se manifestó particularmente en lastécnicas de puntillismo y el divisionismo, donde los objetos aparecían no tal como son, sino como se ofrecen ala retina humana.

El descubrimiento de la fotografía contribuyó en un primer momento a estimular la vocación realista de losartistas que realizaron su trabajo con la ayuda de material fotográfico.

Si embargo, el perfeccionamiento de la técnica fotográfica empujó a los artistas hacia nuevos caminos, másallá de la mera imitación de la realidad visible.

En ello, así como en su organización, al margen de los círculos artísticos oficiales y su militanciaanti−tradicionalista, el impresionismo fue ya un precedente de las Vanguardias del siglo XX.

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PINTURA Y ESCULTURA

Los primeros realistas

Hacia 1850, la tendencia simbólica y escapista de la escuela romántica fue sustituida en Francia por unacorriente realista.

Según los pintores de esta escuela, la realidad cotidiana no era tan desagradable como para ocultarla o huirde ella.

Los protagonistas de la pintura realista eran campesinos o ciudadanos de la clase media, captadosgeneralmente durante sus ocupaciones habituales o sus esparcimientos.

Theodore Rousseau fue uno de los primeros pintores que huyó de la idealización romántica de la naturaleza.

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Junto a él, Corot cultivó también una aproximación al paisaje desprovista de toda intención escenográfica y dela carga subjetiva y simbólica característica del romanticismo.

Sin abandonar esta fidelidad a la naturaleza tal como se ofrecen a los sentidos, Millet consiguó captar, además,el sentimiento de los personajes que viven en contacto con la misma.

En el otro extremo de Millet, también los trabajadores de las fábricas y la nueva clase proletaria fueronentonces protagonistas de la pintura, como en el caso del dibujante Daumier.

El crudo realismo de Daumier tuvo su equivalente escultórico en la obra del belga Meunier, poblada demarineros y otros personajes de humilde extracción social.

Courbet y Manet

El gran pintor realista fue sin lugar a dudas Gustave Courbet, cuya pintura estuvo dominada por la presenciade personajes de la clase media.

En su momento, las obras de Courbet escandalizaron al público con la banalidad y la crudeza de los temasescogidos.

Lo más notable del arte de Courbet era su fidelidad a la impresión inmediata, así como su desafío a los valorespictóricos tradicionales defendidos por la burguesía más reaccionaria.

Dichas actitudes serían heredadas por Manet, pintor cuya originalidad invalida toda clasificación, y que seencargará de transmitirlas, a su vez, a los impresionistas.

En las obras de Manet el tema escogido, generalmente banal, se supeditaba a la libertad en la exploración delos recursos prácticos.

Por su independencia creativa, lo cotidiano de sus temas y el predominio de los valores exclusivamentepictóricos en su obra, Manet abrió las puertas a la pintura contemporánea.

La técnica impresionista

El deseo, ya presente en Courbet y en Manet, de captar la realidad al margen de toda idealización fue llevadoal extremo por el impresionismo.

Así, los pintores impresionistas intentaron reproducir en el cuadro la percepción inmediata de los objetos, entoda su instantaneidad y su pureza.

Ello resultó posible gracias a la plasmación en el cuadro de las modulaciones irrepetibles de la luz y el coloren un determinado instante.

Los impresionistas cultivaron, pues, la pintura al aire libre o a plein−air y desarrollaron una técnica que lespermitía reproducir con fidelidad sus percepciones inmediatas de la naturaleza.

Dicha técnica consistía en pintar mediante pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores puros, prescindiendoprácticamente del uso del negro.

La escuela impresionista

El descubrimiento de la técnica impresionista se ha atribuido a Monet y a Renoir, que se reunieron en 1867

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para realizar diversas pinturas a plein−air.

Después de ver rechazadas sus obras en el salón de 1874, Renoir y otros pintores reunidos en torno a Monetexpusieron sus trabajos en una sala propiedad del fotógrafo Nadar.

A raíz de esta exposición, el grupo de Monet aceptó la denominación de impresionistas, que un críticoburgués había lanzado hacia ellos en tono peyorativo.

Durante toda su vida Monet siguió utilizando la técnica que consiste en yuxtaponer manchas de color paraproducir la ilusión de la luz natural en un determinado instante.

Renoir cultivó así mismo esta técnica, cuyo objetivo consistiría en captar el aire, la atmósfera concreta de untiempo y un lugar, aunque más tarde volvió al uso del color negro y el dibujo.

Dicha captación del momento instantáneo fue alcanzada también magistralmente por Rodín, en un medio taninapropiado para ello como la escultura.

Así, Rodín dejaba sin definir los contornos de sus esculturas , en las que aparecían improntas digitales,creando un efecto análogo a la disolución de las formas en la pintura impresionista.

Uno de los artistas más sensibles del primer núcleo impresionista fue Sisley, especialmente dotado para pintarsosegados paisajes fluviales.

Una serena melancolía se desprende de las vistas de Paría, ejecutadas por Pissarro, pintor que terminó poradherirse al puntillismo de Seurat.

Otro de los mas destacados pintores impresionistas fue Degas, conocido por las obras en que reflejabaambientes hasta entonces tan insólitos como las carreras de caballos o la danza.

Por la rapidez de sus movimientos, caballos, jinetes y bailarinas ofrecieron a Degas un pretexto tan adecuadocomo la propia naturaleza para captar la luz de un determinado instante.

No obstante si bien lo fue su vocación, la técnica de Degas no resultó casi nunca rigurosamente impresionista,como puede apreciarse en particular en sus obras ejecutadas al pastel.

Desarrollos del impresionismo

Junto al abandono de Renoir y Degas, el desarrollo de la técnica impresionista por Seurat y Signac precipitó ladescomposición del grupo.

Después de un laborioso estudio, Seurat llegó a la conclusión de que existía una técnica mejor para reproducirel efecto que produce sobre la retina humana la luz reflejada en los objetos.

Dicha técnica, denominada puntillismo, consistía en aplicar sobre la tela pequeñas pinceladas de color,separadas entre sí y de forma que solo los colores complementarios entrasen en contacto.

El ojo humano se encargaba de configurar los colores y las formas de la realidad percibidas en el cerebro. Así,la pintura había logrado reproducir la pura imagen retiniana de los objetos.

Con su experimentación de la técnica pictórica cada vez más desligada del asunto del cuadro, Impresionismoy Puntillismo, anticiparon ya las Vanguardias y el arte del siglo XX.

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VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DEL

SIGLO XX

ARQUITECTURA

La crisis que dio lugar al inicio de la arquitectura contemporánea tuvo su origen en la llamada RevoluciónIndustrial, que en el campo arquitectónico se tradujo en el descubrimiento de nuevos materiales deconstrucción y el consiguiente empleo de nuevas técnicas constructivas.

El hormigón, el hierro, el acero, el aluminio, el cristal posibilitan esta transformación.

Hacia principios de siglo, el "art. Nouveau" propuso un lenguaje estético que adaptó influencia muyeclépticas, dando a sus edificios el carácter de organismos casi naturales. En la arquitectura modernistadomina la línea ondulante y asimétrica, con motivos ornamentales muy barrocos. En la obra de Antoni Gaudíabundan, por ejemplo, las formas abstractas, los arcos parabólicos y las superficies retorcidas.

Poco a poco se fue abandonando la decoración y la ornamentación modernista cuando cayeron en un puroformulismo y apareció el Racionalismo funcionalista, con sus tendencia a realzar la racionalidad y lafuncionalidad de los edificios, en los que domina el ángulo recto, el esquema geométrico y las estructuras dehormigón armado y cristal.

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ESCULTURA

En sus inicios, la escultura contemporánea, no hizo mas que perpetuar, pese a algunas innovaciones, loscánones estéticos del ideal greco−romano y renacentista.

DIFERENTES TENDENCIAS:

Cubismo, Surrealismo, Cinética, Naturalismo expresionista, Realismo dramático, Escultura Polimatérica.

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PINTURA

El cubismo

Uno de los primeros movimientos artísticos del siglo XX surgió de la revolución cubista, la mayor revoluciónpictórica de nuestro siglo.

En su primera fase ( Cubismo analítico), los pintores cubistas descomponen la realidad, pintándola desdevarias perspectivas simultáneas y tratando de encajar las irregulares formas de la geometría del espacio.

En su segunda fase (Cubismo sintético), y con el desarrollo paralelo de la técnica fotográfica, el pintor cubistase siente liberado de su obligación de representar la naturaleza y puede dedicarse libremente a la erección deformas geométrico−abstractas.

Futurismo

El futurismo proclamó un nuevo cánon de belleza plástica.

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Se prefiere reflejar el modernismo de la época pintando objetos de vanguardia como coches, trenes y otrosobjetos modernos.

El fauvismo

El principio esencial de los fauvistas consiste en la construcción del espacio pictórico por medio de colorespuros aplicados sin modelos no claroscuros, de lo que resultan telas cargadas de sensualidad.

El expresionismo

En el Expresionismo se valora, ante todo, los contenidos y las actitudes emocionales. La composición se hacedesgarrada y el color, violento, adquiere tonos simbólicos. El pintor busca producir un choque emocional enel espectador, despertarle del letargo de la banalidad cotidiana.

El Dadaísmo

Hacia finales de la primera guerra mundial surgió un revolucionario y subversivo movimiento artístico,imaginativo, anarquizante, irrespetuoso y antidogmático, que se dio en llamas "Dadá", palabra que nosignifica nada preciso. Los dadaístas se interesaron por el arte como un medio provocador que les permitiríaenfrentarse al sentido común, a la religión, a la ley, a la moral, a cualquier ortodoxia. Con ello trataron defundir arte y vida, de crear una nueva forma de vivir en la que el arte no fuera lo excepcional, sino locotidiano.

El Surrealismo

Continuador en cierto modo del Dadaísmo, el Surrealismo surgió como movimiento a la vez literario ypictórico. En su pintura, onírica y subjetiva, los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible yconsciente, explorando desde diversos lados las honduras del inconsciente.

El antecedente más inmediato de los Surrealistas fue Giorgio de Chirico, creador de un tipo de pintura al quellamó pintura metafísica y en el que triunfa un mundo misterioso, extrañamente inmóvil, lleno de maniquíes.

En Dalí, empezó siendo una forma de pintar con un método propio (el método "paranoico−crítico"), lo que lepermitió realizar obras muy personales en las que combina elementos oníricos e insólitos con formas realesdibujadas con una precisión casi hiperrealista.

La Abstracción

La principal característica del arte abstracto es el hecho de que prescinde de cualquier vínculo con la realidadnatural u objetiva, aunque esta realidad puede ser, naturalmente el punto de partida de la inspiración delartista. El arte abstracto rechaza la representación de las apariencias de la naturaleza y las sustituye por líneasformas y colores. A veces, utiliza también otros materiales, como fragmentos de objetos naturales yartificiales, arrancados del medio ambiente que les es propio y colocados en nueva dimensión en la quepierden sus características objetivas y utilitarias para convertirse en meras referencias plásticas, en objetosestéticos.

El ruso Wassili Kandinsky descubrió las posibilidades de la abstracción al comprobar casualmente el interésplástico que presentaba una pintura vista del revés, lo que le llevó a realizar la primera obra abstracta.

Neoplasticismo

También llamado " De Stijl" busca un lenguaje formal hecho a base de líneas rectas y figuras geométricas

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donde el orden y la pureza sustituyan a la oscuridad y al caos. La tendencia formalista de este movimiento hasido asimilada en la arquitectura, en las artes aplicadas y en el diseño industrial.

Parecidas características tienen los movimientos pictóricos rusos del Suprematismo y el Constructivismo.

El arte "Naif"

Un lugar un tanto aparte ocupa el Primitivismo, tendencia inspirada en el modo de pintar espontáneo, natural,anticonvencional, ingenuo (de ahí el apelativo de Naif) de los pueblos primitivos, de los niños y de losenajenados mentales. Esta ingenuidad de los primitivistas es explicable en algunos casos porque sus autores,al margen de todo intelectualismo y aún a veces en el desconocimiento de las técnicas pictóricas, entroncarondirectamente con la tradición popular; en otros casos es explicable por la psicología individual de sus autores.

Últimas tendencias

En los últimos años, la situación del arte es muy fluida, coexistiendo diferentes modos de entender la pintura:el Informalismo, el Op−art., el Pop−art., el Hiperrealismo, el Arte Conceptual, y un último eclepticismo deraíz abstracta o figurativa (Transvanguardia, etc.).

BIBLIOGRAFÍA

"Enciclopedia de los conocimientos"•

Ed. OCÉANO 1997

− " Historia del Arte" ; Azcarate Ristori, Pérez Sánchez, Ramírez Ed. ANAYA 1995

" La Pintura del Renacimiento" ; Manfred Wundram•

Ed. TASCHEN 1997

"Ver y Comprender la Pintura" ; Bernard Rancillac•

Ed. CÍRCULO DE LECTORES 1992

"Grandes Maestros de la Pintura Clásica"•

Ed. CÍRCULO DE LECTORES − DEBATE

"Diccionario del Arte" ; Ian Chilvers•

Ed. CÍRCULO DE LECTORES

" Historia Universal del Arte"•

Ed. SALVAT 1997

− "Historia del Arte" ; Martínez Buenaga, Martínez Prades, Martínez Verón Ed. ECIR S.A. 1998

"Enciclopedia Larousse GEL Ilustrada"•

Ed. Larousse 1988

40

INTRODUCCIÓN

El siguiente trabajo titulado "Lenguajes, técnicas, teoría y principios fundamentales del arte desde elRománico hasta el siglo XX", se haya dividido en dos partes. A saber:

Una primera parte en la que se exponen de manera bastante amplia lo que se entiende por teoría del arte ylenguaje del arte en cada una de las artes estudiadas (arquitectura, pintura, escultura y artes aplicadas). Esfundamental esta parte para entender la segunda sección del trabajo, que se basa en el estudio de todos estosparámetros en las artes de las diferentes épocas y estilos.

La idea fundamental que quiero transmitir es que todos estos términos (lenguaje, técnicas, teoría y principiosfundamentales del arte), surgen en primera instancia de la cultura de la época, y que cada época se opone a laanterior en mayor o menor medida, y que todos estos conceptos agrupados han sido estudiados como la"Filosofía del Arte", y es el punto de vista filosófico el que más he acentuado en la exposición del trabajo.

He querido hacer notar con ello que es realmente la filosofía y el pensamiento de la época la que influye demanera decisiva y notoria en las creaciones artísticas, desde la rígida moral religiosa católica de la EdadMedia, hasta el absoluto reaccionismo del arte Abstracto del siglo XX.

No he querido introducir en el estudio otras artes como la música o la literatura, dado que con ello el trabajose extendería en demasía; ello no indica que no haya, que los hay y muy patentes, nexos de unión entre las tresartes "madres" y la música, como el símil típico que se realiza entre la tonalidad clásica impuesta a finales delRenacimiento y la perspectiva desarrollada en el mismo periodo por la pintura, por ejemplo.

ÍNDICE TEMÁTICO

INTRUDUCCIÓN• BIBLIOGRAFÍA•

Iª PARTE

LAS TEORÍAS DEL ARTE

Grecia• Edad Media• Siglo XX• Formalismo• Iconografía• Sociología del Arte• Psicología del Arte• Estructuralismo•

TÉCNICAS Y LENGUAJE DEL ARTE

ARQUITECTURA

ESCULTURA

PINTURA

ARTES DECORATIVAS

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IIª PARTE

ROMÁNICO

Introducción•

Principios fundamentales del arte

El símbolo• La alegoría• La belleza invisible•

Teoría del Arte

PINTURA

La función• Temática• Recursos estilísticos•

ESCULTURA

Tipología• El capitel• La portada• El estilo•

ARQUITECTURA

El espacio exterior• El espacio interior•

GÓTICO

Introducción•

Principios fundamentales del arte

La casa de Dios• Una lógica petrificada• El simbolismo•

PINTURA

Las ideas• Las formas• El gótico internacional• La pintura flamenca•

ESCULTURA

El humanismo•

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El naturalismo• El retrato•

ARQUITECTURA

La funcionalidad• La estructura• Los hitos• Los estilos•

RENACIMIENTO

Introducción•

Principios fundamentales del arte

Las ideas• Arte científico• Estudio de la naturaleza• La perspectiva• El modelo clásico• Técnicas• La perspectiva• La perspectiva lineal• Objeciones a la perspectiva lineal•

PINTURA

Arte como ciencia• La delimitación del contorno• Los objetos representados• El marco y la luz•

ESCULTURA

La silueta• Técnica escultórica• La luz y la forma•

ARQUITECTURA

El efecto espacial• Revolución de la arquitectura. Brunelleschi• Proporciones humanas• La luz y la forma•

BARROCO

Introducción•

Principios fundamentales del arte

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El barroco en la historia• El arte como creación•

PINTURA

La pintura con manchas• Entrar en el cuadro• Buscar el infinito• Buscar el instante•

ESCULTURA

La contorsión y la irregularidad• El movimiento•

ARQUITECTURA

La integración de las artes• Un eje integrador• Urbanismo•

ROMANTICISMO

Introducción•

Principios fundamentales del arte

Nacimiento del sujeto• Subjetividad romántica• Lo sublime romántico•

PINTURA

Formación del espírito romántico• El romanticismo inglés• El romanticismo alemán• El romanticismo francés• Goya y el romanticismo español•

ESCULTURA

La escultura romántica•

ARQUITECTURA

La arquitectura romántica•

REALISMO E IMPRESIONISMO

Introducción•

Principios fundamentales del arte

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Mentalidad realista• Realismo impresionista• Nuevos horizontes del realismo•

PINTURA Y ESCULTURA

Los primeros realistas• Couvert y Manet• La técnica impresionista• La escuela impresionista• Desarrollos del impresionismo•

VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

ARQUITECTURA

ESCULTURA

PINTURA

El cubismo• El futurismo• El fauvismo• El expresionismo• El Dadaismo• El surrealismo• La abstracción• Neoplasticismo• Arte "Naif"• Últimas tendencias•

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