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Museo de
LOUVRE
El gran museo del Louvre no siempre ha sido un museo en sus oriacutegenes fue concebido
como un palacio Castillo medieval palacio de los reyes de Francia museo desde hace dos siglos el
palacio del Louvre desarrolla su arquitectura a traveacutes de maacutes de 800 antildeos de historia Desde la Edad
Media su evolucioacuten ha sido excepcional marcada a la vez por los grandes eventos de la historia de
Francia y por la sucesioacuten de arquitectos y decoradores que han dejado su marca
El Gran Louvre hoy- El proyecto Grand Louvre representa maacutes de quince antildeos de
trabajos (1981-1999) Su ambicioacuten es a la vez museoloacutegica arquitectural y urbana se trata de
ampliar y modernizar el museo del Louvre y el Museo de Artes decorativas de mejorar el palacio y
de abrir el conjunto sobre la ciudad Es el arquitecto chino americano Ieoh Ming Pei que toma a
cargo la primera gran parte de la concepcioacuten de modernizacioacuten del museo Su proyecto con la
construccioacuten de una gran piraacutemide en el centro de la Cour Napoleoacuten estaacute expuesto en el palacio del
Eliacuteseo en 1983 y provoca una gran poleacutemica desde el principio Una simulacioacuten de tamantildeo natural
es proyectada y realizada en 1985 El proyecto recibiraacute entonces la aprobacioacuten definitiva La
piraacutemide del arquitecto Pei rodeada de juegos de agua que marca la entrada del nuevo museo solo
constituye por consiguiente una pequentildea parte de una renovacioacuten y de ampliacioacuten sin precedentes
LAS OBRAS MAacuteS IMPORTANTES DEL MUSEO
ANTIGUumlEDADES ORIENTALES Y EL ISLAM MESOPOTAMIA
Coacutedigo de las leyes de Hammurabi Susa
Primera mitad del siglo XVIII antes de C
Basalto - alto 225 m
El Coacutedigo de Hammurabi creado en un antildeo 1692 aec (seguacuten la cronologiacutea breve) es uno de los
primeros conjuntos de leyes que se han encontrado y uno de los ejemplos mejor conservados de este
tipo de documento de la antigua Mesopotamia y en breves teacuterminos se refiere a la conocida frase
laquoojo por ojo diente por dienteraquo Este texto no responde a la acepcioacuten legalista del derecho (derecho
continental) sino maacutes bien al derecho jurisprudencial (en ingleacutes common law) recopila de manera
impersonal las decisiones de justicia del rey A menudo se lo sentildeala como primer ejemplo del
concepto juriacutedico de que algunas leyes son tan fundamentales que ni un rey tiene la capacidad de
cambiarlas Las leyes escritas en piedra eran inmutables Este concepto pervive en la mayoriacutea de
los sistemas juriacutedicos modernos
Estas leyes al igual que sucede con casi todos los coacutedigos en la Antiguumledad son consideradas de
origen divino como representa la imagen tallada en lo alto de la estela De hecho anteriormente la
administracioacuten de justicia recaiacutea en los sacerdotes que a partir de Hammurabi pierden este poder Por otra parte
conseguiacutea unificar criterios evitando la excesiva subjetividad de cada juez
Al rey Hammurabi (1728 adc ndash 1686 adc seguacuten la cronologiacutea breve o 1792-1750 adc seguacuten la cronologiacutea media) le
parecioacute que el cuerpo de leyes de su territorio se teniacutea que escribir para complacer a sus dioses A diferencia de muchos
reyes anteriores y contemporaacuteneos no se consideraba emparentado con ninguna deidad aunque eacutel mismo se llama laquoel
favorito de las diosasraquo El Coacutedigo de Hammurabi fue tallado en un bloque de diorita de unos 250 m de altura por
190 m de base y colocado en el templo de Sippar igualmente se colocaron varios otros ejemplares a lo largo y ancho
del reino El objeto de esta ley era homogeneizar juriacutedicamente el reino de Hammurabi De este modo dando a todas las
partes del reino una cultura comuacuten se podiacutea controlar el todo con mayor facilidad
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Durante las diferentes invasiones de Babilonia el coacutedigo fue trasladado hacia el 1200 adc a la ciudad de Susa (en
Elam) actualmente en el Jusistaacuten (Iraacuten) En esta ciudad fue descubierto por la expedicioacuten que dirigioacute Jacques de
Morgan en diciembre de 1901 Fue llevado a Pariacutes Francia donde el padre Jean-Vincent Scheil tradujo el coacutedigo
iacutentegro al franceacutes Posteriormente el coacutedigo se puso en exhibicioacuten en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se encuentra
hasta la fecha
El Coacutedigo de Hammurabi se presenta como una gran estela de basalto de 225 metros de alto En lo alto hay un medio
relieve que representa a Hammurabi de pie delante del dios del Sol de Mesopotamia Shamash principal de la ciudad
suacutemera de Larsa Debajo aparecen inscritos en caracteres cuneiformes acadios leyes que rigen la vida cotidiana
ANTIGUumlEDADES EGIPCIAS
El ldquoescriba sentadordquo Encontrado en Sakkara
Cuarta o quinta dinastiacutea 2600 - 2350 antes de C
Calcaacutereo pintado ojos incrustados de cristal de roca en
cobre
Alto 537 cm largo 44 cm profundidad 35 cm
Esta famosiacutesima estatua fue encontrada en el cementerio del Antiguo Imperio en
Saqqara lamentablemente en condiciones tales que la identidad del personaje
representado sigue siendo desconocida Nadie duda que se trataba de un hombre
importante a juzgar por la calidad excepcional de su estatua notable por el
admirable tratamiento del rostro y del cuerpo y la cuidadosa incrustacioacuten de los
ojos en anillos de cobre La posicioacuten de las manos listas para escribir no debe
engantildearnos no se trata de un sencillo empleado de oficina en efecto las maacutes
antiguas estatuas de escribas son efigies de priacutencipes con responsabilidades
poliacuteticas elevadas Los colores originales la vivacidad de la mirada y la
inteligencia de la fisonomiacutea desempentildean un papel importante en la prestancia de
esta obra
La Gran Esfinge Encontrada en Tanis
Granito alto 183 m largo 480 m
A 23
La gran estatua tallada en un solo bloque de granito rosado representa
un faraoacuten con cuerpo de leoacuten imagen que ha sido bautizada con el
nombre de esfinge seguacuten el ceacutelebre monstruo griego que en la
arquitectura religiosa egipcia bordea los caminos de procesioacuten y
protege los pasos Eacuteste es admirable por sus cualidades plaacutesticas y la
fineza de la ejecucioacuten de los detalles Varios reyes inscribieron
sucesivamente sus nombres en eacutel La inscripcioacuten legible maacutes antigua es
la de Amenemhat II (1929 - 1895 antes de C) Esta esfinge fue
esculpida probablemente bajo su reinado Sin embargo algunos
detalles (como la forma de la toca) incitan a algunos a atribuirle una
fecha bastante maacutes antigua (hacia 2620 antes de C) a comienzos del
Antiguo Imperio Si fuese el caso esta esfinge monumental seriacutea tambieacuten uno de los escasos testimonios de la estatuaria
real de esa eacutepoca remota
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ANTIGUumlEDADES GRIEGAS ETRUSCAS Y ROMANAS
Las obras que reuacutene este departamento estaacuten repartidas entre las tres civilizaciones griegas etruscas y romanas Estas
ilustran la actividad artiacutestica de una vasta regioacuten principalmente alrededor del mar Mediterraacuteneo cuya historia se
extiende desde la eacutepoca neoliacutetica (IV milenario antes de JC) hasta el siglo VI de nuestra era
Estatua femenina llamada ldquoDama de Auxerrerdquo Creta ()
Hacia 630 antes de C
Calcaacutereo - Alto 75 cm - Ma 3098
Escultura griega realizada en piedra de pequentildeo tamantildeo (65 cm de altura) perteneciente al
conocido como periodo arcaico La identificacioacuten y los oriacutegenes exactos de esta estatuilla
encontrada en 1907 en las reservas del museo de Auxerre son auacuten un misterio Sin embargo se trata
de la maacutes perfecta ilustracioacuten del estilo dedaacutelico que marca la renovacioacuten de la escultura sobre
piedra en el mundo griego del siglo VII antes de C El rostro en U la pesada cabellera escalonada y
su estricta frontalidad definen ese estilo que debe su nombre convencional al ingeniero Deacutedalo a
quien se atribuiacutean en la antiguumledad las maacutes remotas estatuas
Torso masculino llamado ldquoTorso de Miletordquo Mileto
Hacia 480-470 antes de C
Maacutermol - Alto 132 m - Ma 2792
Este colosal torso ilustra la transicioacuten entre el arcaiacutesmo y el clasicismo Como el Couros
arcaico es un hombre de pie desnudo en posicioacuten frontal pero ha perdido la rigidez del
Couros donde el peso del cuerpo estaacute artificialmente repartido entre las dos piernas Sin
duda empleado en el decorado del teatro romano de Mileto este torso perteneciacutea a una
estatua con el brazo derecho probablemente avanzado La movilidad de la postura y la
asimetriacutea muscular hacen la estatua maacutes realista
Apolo ldquosauroacutectonordquo (Copia romana seguacuten un original de Praxiacuteteles creada hacia 350
antes de C)
Maacutermol - Alto 149 m - Ma 441
Apolo estaacute representado aquiacute con la apariencia de un joven cazador de lagartos (sauroacutectono)
gesto cuya exacta significacioacuten si bien evoca las virtudes purificadoras del dios nos es
desconocida En todo caso tanto la innovacioacuten del tema como las audacias del estilo son
notables y nos revelan el arte de Praxiacuteteles El artista desarrolla aquiacute su tema predilecto el joven
desnudo posee anchas caderas que se oponen mediante una composicioacuten en forma de arco al
apoyo necesario el aacuterbol elemento de un naturalismo innovador
ldquoVictoria de Samotraciardquo Samotracia (isla al norte del Egeo)
Hacia 190 antes de C
Maacutermol gris de Lartos para el barco maacutermol de
Paros para la estatua
Alto 328 m (con las alas)
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La Victoria alada de Samotracia tambieacuten conocida como Victoria de
Samotracia y Nikeacute de Samotracia es una escultura en bulto redondo
perteneciente a la escuela rodia del periodo heleniacutestico Se encuentra en el
Museo del Louvre Pariacutes En griego la estatua se denomina Nike tes Samothrakes
Tiene una altura de 245 cm y se elaboroacute en maacutermol hacia el 190 adC Procede
del santuario de los Cabiros en Samotracia Algunos expertos la atribuyen con
cierta probabilidad a Pithoacutekritos de Rodas Fue descubierta en 1863 en la isla de
Samotracia (Samothraki en griego) por el coacutensul franceacutes Charles Champoiseau
un arqueoacutelogo aficionado
Aunque cuando se descubrioacute se pensoacute que fue mandada esculpir por Demetrio
Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de
Ptolomeo Soacuteter en el antildeo 306 adC porque figuraba en las monedas emitidas del
294 al 288 adC la datacioacuten de la escultura hacia comienzos del siglo II antes de
Cristo hace maacutes loacutegico pensar que en realidad se labroacute para celebrar las victorias
sobre Antiacuteoco III Megas
La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un naviacuteo que
actuacutea de pedestal de la figura femenina cuyo cuerpo presenta una leve y
graciosa torsioacuten Va envuelta en un fino chitoacuten y un manto ropajes que se
adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomiacutea tratamiento eacuteste que recuerda a
la denominada teacutecnica de laquopantildeos mojadosraquo atribuida a las obras de Fidias El
manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas
dando lugar a una composicioacuten muy caracteriacutestica en otras figuras femeninas de la misma eacutepoca
Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo esta vez gozoso tan caracteriacutestico de la escuela escultoacuterica
rodia una de las maacutes barrocas del helenismo
Marinetti en el manifiesto futurista publicado en Le Figaro en 1909 utilizoacute esta obra para condensar su ataque a la
estatuaria y por extensioacuten al arte tradicional de tipo clasicista en beneficio de un nuevo arte que rindiese culto a los
progresos teacutecnicos de la industrializacioacuten connotados por la velocidad y las maacutequinas Asiacute puede leerse que laquoun
automoacutevil de carreras es maacutes hermoso que la Victoria de Samotraciaraquo
Hay que precisar que una de sus alas al menos en parte no es original sino producto de una restauracioacuten
Como curiosidad cabe sentildealar que la conocida marca deportiva Nike toma su nombre y su logo (en forma de ala) en
honor a eacutesta escultura
ldquoVenus de Milordquo Milo (islas Ciacutecladas)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 202 m
La Afrodita de Milos (griego Αφροδίτη της Μήλου) maacutes conocida como Venus de
Milo es una de las estatuas maacutes representativas del periodo heleniacutestico de la escultura
griega Representa a Afrodita (Venus para los romanos) diosa del amor y la belleza
Esculpida en maacutermol en un tamantildeo ligeramente superior al natural el autor es anoacutenimo
aunque tradicionalmente se ha atribuido a Praxiacuteteles Actualmente se encuentra en el
Louvre de Pariacutes
La estatua se encontroacute en dos pedazos en 1820 en la isla egea de Melos llamada tambieacuten
Milo por un campesino denominado Yorgos Cerca de la estatua se encontraron un
fragmento de un antebrazo y la mano con una manzana y estos restos son considerados
parte de sus brazos Yorgos la escondioacute de las autoridades pero fue descubierto
posteriormente por funcionarios turcos que requisaron la escultura
Un oficial naval franceacutes Jules Dumont reconocioacute su valor y arregloacute su compra para el
embajador franceacutes en Turquiacutea el Marqueacutes de Riviere Despueacutes de alguacuten trabajo de
reparacioacuten la estatua fue presentada al Rey Luis XVIII en 1821 Finalmente el Rey la
entregoacute al Museo del Louvre en Pariacutes donde todaviacutea se muestra hoy a la admiracioacuten
puacuteblica
La autoriacutea no estaacute clara porque junto a ella se encontraron otros fragmentos con inscripciones que mencionaban a dos
artistas de Antioquiacutea llamados Agesandros y Aleixandros aunque se desconoce si eacutestos eran lo autores de la obra o de
otros pedestales colocados maacutes tarde junto a la estatua Se ha llegado a atribuir incluso a Scopas escultor claacutesico del
siglo IV adC aunque en ella no se detecta el pathos caracteriacutestico de este autor
Despueacutes de haber hallado la estatua se hicieron numerosas tentativas para reconstruir su postura aunque nunca se
restauroacute
Tiene una altura de 204 cm y se labroacute en maacutermol de Paros posiblemente hacia finales del siglo II antes de Cristo Estaacute
tallada en fragmentos algo usual en la eacutepoca a imitacioacuten de las esculturas crisoelefantinas del periodo claacutesico
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Desnudo combatiendo llamado el ldquoGladiador
Borgheserdquo Antium (Italia)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 157 m
La estatua de guerrero conocida como Gladiador Borghese entra en esta
coleccioacuten italiana a principios del siglo XVII cuando Nicolas Cordier la
restaura reemplazando el brazo derecho que faltaba Firmada sobre el
tronco del aacuterbol por Agasias de Eacutefeso hijo de Dositheos la obra estaacute
impregnada de las buacutesquedas de Lisipo gran artista del bronce del siglo IV
antes de C Pero la musculatura acentuada lleva la huella del estilo de
Peacutergamo Agasias supo revivir el heroiacutesmo atleacutetico de Lisipo mezclaacutendolo
con el patetismo del periodo heleniacutestico
Michelangelo Buonarroti llamado Miguel
Angel (1475-1564)
Esclavo moribundo Roma 1513-1515
Estatua inacabada maacutermol - A 209 m
Miguel Angel es probablemente por la grandeza de su genio el
escultor maacutes ceacutelebre y los dos Esclavos del Louvre las estatuas maacutes
conocidas del departamento de Esculturas La odisea de estas obras
resume la gran lucha que tuvo Miguel Aacutengel para realizarlas Fueron
disentildeadas para el primer proyecto del colosal monumento funerario de
Julio II (1505) y propuestas para el segundo (1513) pero finalmente
fueron descartadas por los sucesores cuando tras la muerte del papa
cambiaron la concepcioacuten del proyecto debido a problemas
econoacutemicos Julio II que habiacutea sontildeado con un mausoleo aislado en
San Pedro de Roma no tuvo maacutes que una arcada monumental en San
Pedro con Cadenas donde se encuentra el ceacutelebre Moiseacutes
contemporaacuteneo de los Esclavos Regalados por Miguel Aacutengel al
exiliado florentino Roberto Strozzi quien rindioacute vasallaje al rey de
Francia los Esclavos llegaron a Francia en manos del escultor y fueron
instalados sucesivamente en los castillos del condestable de
Montmorency en Ecouen y en el de Richelieu Es posible que
representen a las provincias sometidas o tal vez a las artes sometidas a
la esclavitud tras la muerte del papa o maacutes simplemente que
participen del triunfo eterno del pontiacutefice Tambieacuten pueden representar las pasiones dominadas o bien seguacuten el modelo
platoacutenico pueden ser una imagen del alma humana encadenada por las pesadumbres del cuerpo Los Esclavos como
los otros cuatro de la academia de Florencia que se realizaron maacutes tarde hacia 1531-1532 jamaacutes fueron acabados Lo
inacabado es un tema recurrente en Miguel Angel quien necesitaba tanto de las incertidumbres de una carrera como de
la insatisfaccioacuten de una inalcanzable buacutesqueda de lo absoluto Esta es la causa por la que el maestro considera lo
inacabado como una obra en siacute misma y por tanto digna de aparecer en una donacioacuten Es posible que esto sea asiacute
porque las huellas de las herramientas para trabajar el maacutermol (picos y puntas limas y escofinas treacutepanos y gradinas)
son el reflejo del combate contra la materia en el que se basa toda escultura
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P I N T U R A S
Eugegravene Delacroix (1798-1863)
La Libertad guiando al Pueblo (28 de julio
1830)
1830
Lienzo - A 260 m L 325 m
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por
Eugegravene Delacroix pintado en 1830 y conservado en el Museo
del Louvre de
El lienzo representa una escena del 27 de julio de 1830 en la
que el pueblo de Pariacutes levantoacute barricadas El rey Carlos X de
Francia habiacutea suprimido el parlamento por decreto y teniacutea la
intencioacuten de restringir la libertad de prensa Los disturbios
iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocoacute en
una revolucioacuten seguida por ciudadanos enojados de todas las
clases sociales No existioacute un uacutenico cabecilla Por eso Delacroix representa a la Libertad como guiacutea que conduce al
pueblo Tampoco esta representada de una forma abstracta sino que es una figura alegoacuterica muy sensual y real
Hay una estructura en forma de piraacutemide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo
en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle El ligero pincel de Delacroix y la fuerza
luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros Para aumentar la tensioacuten y el movimiento antildeadioacute contrastes
complementarios junto a la oposicioacuten de los claroscuros El color para Delacroix no solo teniacutea un valor de
representacioacuten sino sobre todo un significado emocional propio con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo
el sentimiento y la disposicioacuten de aacutenimo de las personas
Se utilizan colores paacutelidos con pinceladas sueltas destacando el azul el rojo y el blanco de la bandera
Personajes
En el cuadro aparecen joacutevenes adultos clase obrera burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que como ya se
ha dicho en este caso se identifica tambieacuten con Francia y es representada como una mujer empuntildeando un fusil de la
eacutepoca (rasgo realista) y con el pecho al descubierto hecho este uacuteltimo que escandalizoacute a criacuteticos y a parte de la sociedad
de la eacutepoca Entre los muertos del primer plano (abajo a la derecha del espectador) aparecen tambieacuten soldados leales a
Carlos X
El personaje del sombrero es un burgueacutes en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participoacute en los hechos
En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribioacute a su hermano He comenzado un cuadro de tema moderno una
barricada y si no he luchado por la patria por lo menos pintareacute para ella Aunque como era habitual en los
romaacutenticos Delacroix criticaba a la pequentildea burguesiacutea por su estrechez de miras eacutel mismo procediacutea de una familia de
la alta burguesiacutea y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas Por otra parte asiacute como fue
revolucionario en 1830 adoptoacute una postura contrarrevolucionaria en 1848 en la que comienza a emerger la clase obrera
(ese antildeo Marx publica su Manifiesto Comunista) En cualquier caso como ocurrioacute con David fue un autor poliacuteticamente
comprometido
La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos
siacutembolos revolucionarios el gorro frigio y la bandera tricolor que el nuevo reacutegimen -a pesar de ser monaacuterquico- adoptoacute
nuevamente En segundo plano a la derecha del espectador encontramos Notre-Dame de Pariacutes en una de cuyas torres
ondea la bandera revolucionaria quizaacutes para afirmar el sometimiento de la iglesia que habiacutea sido uno de los apoyos de
la restauracioacuten borboacutenica
Composicioacuten
La composicioacuten del cuadro es claramente piramidal presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de
Geacutericault obra en la que posiblemente se inspira Argan ha sentildealado que al igual que en la balsa laquoel plano de apoyo es
inestable construido con vigas inestables (la barricada) y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el
movimiento de la composicioacutenraquo que acaba culminando en una persona que agita algo en el caso de la balsa un harapo y
en este una bandera No obstante este mismo autor sentildeala que aunque hay similitudes tambieacuten hay diferencias y asiacute en
mientras que en la obra de Geacutericault el movimiento es de delante hacia atraacutes en la Libertad es todo lo contrario (hacia el
espectador) Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo parecen tambieacuten
haber influido en esta obra por las asimetriacuteas las diagonales y los estallidos de color
Junto a la figura alegoacuterica de la Libertad se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis
desnudo de la persona muerta que hay en primer plano abajo a la izquierda iquestEs un cuadro alegoacuterico o histoacuterico No
parece que sea ninguna de las dos cosas por cuanto que lo uacutenico alegoacuterico es la figura de la mujer-libertad-patria y
tampoco representa un hecho concreto real Para Argan es simplemente un cuadro laquorealistaraquo que auacutena alegoriacutea y
realidad Theacuteophile Thoreacute elogioacute la obra y refirieacutendose a la mujer dijo laquoiquestEs una muchacha del pueblo iquestEs el genio de
la libertad Es ambas cosas [] La verdadera alegoriacutea debe tener el doble caraacutecter de ser una figura viviente y un
siacutemboloraquo
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La obra estaacute impregnada de movimiento no solo por los gestos dramaacuteticos de los personajes y por la
composicioacuten en diagonales sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran
en la base de la composicioacuten y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiracioacuten del autor
por Rubens Por otra parte la luz lo refuerza pues es una luz dramaacutetica y compleja con zonas iluminadas y otras en
penumbra pero cuyo origen no se vislumbra La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral pero
a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido humeante y nuboso que dota de maacutes inquietud a la
composicioacuten No obstante ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogeacuteneas en tonos de bronce ndashcomo
en Caravaggio- pues incorpora con gran maestriacutea maacutes fuerza y variedad cromaacutetica como por ejemplo el azul de la
bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad Lo que pone de manifiesto que
Delacroix domina tambieacuten el color del que fue un fino estudioso
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
La Virgen de las Rocas (1483-1486)
Lienzo cimbrado - A 199 m L 122 m
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos
cuadros de Leonardo da Vinci pintados con ideacutentica composicioacuten
pictoacuterica con oacuteleo sobre madera La versioacuten del Louvre fue
transferida a lienzo desde el panel original de madera pero la de
Londreacutes auacuten permanece sobre la tabla Es bastante grande de 200 x
120 centiacutemetros
El 25 de abril de 1483 con los hermanos pintores Evangelista y
Giovanni Ambroglio de Predis por un lado y Bartolomeo Scorione
prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepcioacuten
por otra se estipuloacute el contrato para un retablo a colocar sobre el
altar de la capilla de la Confraternidad en la iglesia de San Francesco
Grande Esta capilla habiacutea sido fundada en el siglo XIV por Beatriz
de Este esposa de Galeazzo I Visconti y quedoacute destruida en 1576
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de
las Rocas La obra debiacutea celebrar la Inmaculada Concepcioacuten El
contrato preveiacutea tres pinturas que debiacutean estar acabadas el 8 de
diciembre por un precio de 800 liras que se pagariacutean a plazos hasta
febrero de 1485 La tabla central debiacutea representar a la Virgen con
Nintildeo y dos profetas y aacutengeles las otras dos cuatro aacutengeles cantores
y muacutesicos
La Virgen estaacute en el centro con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista La Virgen le estaacute mirando A su izquierda
hay un aacutengel sentado maacutes abajo que la Virgen Maacutes abajo estaacute el nintildeo Jesuacutes sentado que tambieacuten mira al pequentildeo La
Virgen predomina en la imagen
Leonardo eligioacute pintar un momento apoacutecrifo de la infancia de Cristo cuando Juan el Bautista nintildeo (San Juanito)
hueacuterfano refugiado dentro de una gruta y protegido por un aacutengel encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto
De acuerdo con la interpretacioacuten tradicional de las pinturas representan a la Virgen Mariacutea en el centro empujando a
Juan hacia Jesuacutes que estaacute sentado con el aacutengel Uriel Jesuacutes estaacute bendiciendo a Juan que extiende su mano en un gesto
de oracioacuten En este cuadro tal como lo pinta Leonardo Juan reconoce y venera al Nintildeo como Cristo En la versioacuten del
Louvre Uriel apunta a Juan y con una leve sonrissa mira ligeramente hacia el espectador Este gesto falta en la versioacuten
londinense en la que el aacutengel mira al nintildeo y no hace ninguna sentildeal con el dedo Otra diferencia entre la versioacuten de
Londres y la de Pariacutes es que en la de la National Gallery aparecen atributos que faltan en la del Louvre como los halos
y la tradicional vara cruciforme de Juan Esto clarifica la identificacioacuten de los nintildeos Jesuacutes y Juan y fueron antildeadidos por
otro artista posiblemente despueacutes de la muerte de Leonardo
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Retrato de Monna Lisa (1479 - antes de 1550)
llamada la GIOCONDA (1503-1517)
Tabla - A 77 cm L 53 cm
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En este sentido es importante recordar en cualquier caso hasta queacute
punto la cuestioacuten del realismo de la representacioacuten del modelo estaacute
relacionado con la identidad de este modelo Y hasta el diacutea de hoy auacuten no
sabemos si Leonardo da Vinci representoacute con fidelidad un modelo existente
si idealizoacute el retrato de una mujer de su entorno o si imaginoacute por completo
un tipo de mujer universal
La Gioconda es el retrato maacutes famoso de la historia y quizaacutes el cuadro maacutes
famoso de la pintura occidental Su fama se debe probablemente a las
muacuteltiples referencias literarias a las diversas interpretaciones sobre la
protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911
Es ademaacutes la uacuteltima gran obra de Leonardo si se tiene en cuenta que siguioacute
retocaacutendola hasta sus uacuteltimos antildeos
Teacutecnica
Leonardo dibujoacute el esbozo del cuadro y despueacutes aplicoacute el oacuteleo diluido en
aceite esencial La teacutecnica se conoce como Sfumato la cual consiste en
prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo
todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce
una impresioacuten de inmersioacuten total en la atmoacutesfera lo cual da una sensacioacuten
de tres dimensiones a la figura
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de aacutelamo extremadamente
fraacutegil recubierta por varias capas de enlucido Se conserva en una urna de
cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial
para evitar los reflejos La caacutemara que alberga el cuadro estaacute disentildeada para
mantener una temperatura constante de 20ordmC y 50 de humedad relativa lo cual busca garantizar las condiciones
oacuteptimas para los cuidados de la pintura
La pintura tiene una grieta de 12 centiacutemetros en la mitad superior probablemente debido a la eliminacioacuten del marco
original aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo dicha
grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX En la actualidad se ha determinado que es estable
y no ha empeorado con el tiempo
Descripcioacuten de la obra
La dama estaacute sentada en un silloacuten y posa sus brazos en los apoyos del asiento En sus manos y sus ojos puede verse un
claro ejemplo caracteriacutestico del esfumado y tambieacuten puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar
sensacioacuten de volumen
Aparece sentada en una galeriacutea vieacutendose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas La galeriacutea
se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes cuando hizo su viaje a
Milaacuten El paisaje posee una atmoacutesfera huacutemeda y acuosa que parece rodear a la modelo Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porcioacuten del Lago de Como sin haber llegado a conclusiones definitivas Por otro lado
en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilizacioacuten que podriacutea estar sentildealando la importancia de la
ingenieriacutea y la arquitectura
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmaacutetica Sobre la cabeza
lleva un velo signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas El brazo izquierdo descansa sobre una
butaca La mano derecha se posa encima de este brazo Esta postura transmite la impresioacuten de serenidad y de que el
personaje retratado domina sus sentimientos
Enigmas
Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo creando pasiones
en muchos autores e investigadores Pese a la gran cantidad de preguntas las respuestas a las mismas no suelen ser del
todo convincentes dejando abierto el debate Especialmente durante los siglos XIX y XX las teoriacuteas acerca del origen
de la modelo la expresioacuten de su rostro la inspiracioacuten del autor y otras tantas han tomado gran protagonismo y obligan
a un anaacutelisis histoacuterico y cientiacutefico profundo
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintoacute la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla
directamente y soacutelo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro El juego de sombras potencia la
sensacioacuten de desconcierto que produce la sonrisa No se sabe si parece sonreiacuter o si es una sonrisa llena de amargura
El ojo humano tiene una visioacuten fotoacutepica foacutevea o directa y la escotoacutepica o perifeacuterica La primera sirve cuando se trata
de percibir detalles pero no para distinguir sombras que es la especialidad de la segunda Leonardo pintoacute la sonrisa de
la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visioacuten perifeacuterica Para ilustrar el efecto puede concentrarse
la mirada en una sola letra sobre una paacutegina impresa y comprobar lo difiacutecil que resulta reconocer el resto de letras
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el
momento de posar
El tiacutetulo del cuadro
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
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El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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Durante las diferentes invasiones de Babilonia el coacutedigo fue trasladado hacia el 1200 adc a la ciudad de Susa (en
Elam) actualmente en el Jusistaacuten (Iraacuten) En esta ciudad fue descubierto por la expedicioacuten que dirigioacute Jacques de
Morgan en diciembre de 1901 Fue llevado a Pariacutes Francia donde el padre Jean-Vincent Scheil tradujo el coacutedigo
iacutentegro al franceacutes Posteriormente el coacutedigo se puso en exhibicioacuten en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se encuentra
hasta la fecha
El Coacutedigo de Hammurabi se presenta como una gran estela de basalto de 225 metros de alto En lo alto hay un medio
relieve que representa a Hammurabi de pie delante del dios del Sol de Mesopotamia Shamash principal de la ciudad
suacutemera de Larsa Debajo aparecen inscritos en caracteres cuneiformes acadios leyes que rigen la vida cotidiana
ANTIGUumlEDADES EGIPCIAS
El ldquoescriba sentadordquo Encontrado en Sakkara
Cuarta o quinta dinastiacutea 2600 - 2350 antes de C
Calcaacutereo pintado ojos incrustados de cristal de roca en
cobre
Alto 537 cm largo 44 cm profundidad 35 cm
Esta famosiacutesima estatua fue encontrada en el cementerio del Antiguo Imperio en
Saqqara lamentablemente en condiciones tales que la identidad del personaje
representado sigue siendo desconocida Nadie duda que se trataba de un hombre
importante a juzgar por la calidad excepcional de su estatua notable por el
admirable tratamiento del rostro y del cuerpo y la cuidadosa incrustacioacuten de los
ojos en anillos de cobre La posicioacuten de las manos listas para escribir no debe
engantildearnos no se trata de un sencillo empleado de oficina en efecto las maacutes
antiguas estatuas de escribas son efigies de priacutencipes con responsabilidades
poliacuteticas elevadas Los colores originales la vivacidad de la mirada y la
inteligencia de la fisonomiacutea desempentildean un papel importante en la prestancia de
esta obra
La Gran Esfinge Encontrada en Tanis
Granito alto 183 m largo 480 m
A 23
La gran estatua tallada en un solo bloque de granito rosado representa
un faraoacuten con cuerpo de leoacuten imagen que ha sido bautizada con el
nombre de esfinge seguacuten el ceacutelebre monstruo griego que en la
arquitectura religiosa egipcia bordea los caminos de procesioacuten y
protege los pasos Eacuteste es admirable por sus cualidades plaacutesticas y la
fineza de la ejecucioacuten de los detalles Varios reyes inscribieron
sucesivamente sus nombres en eacutel La inscripcioacuten legible maacutes antigua es
la de Amenemhat II (1929 - 1895 antes de C) Esta esfinge fue
esculpida probablemente bajo su reinado Sin embargo algunos
detalles (como la forma de la toca) incitan a algunos a atribuirle una
fecha bastante maacutes antigua (hacia 2620 antes de C) a comienzos del
Antiguo Imperio Si fuese el caso esta esfinge monumental seriacutea tambieacuten uno de los escasos testimonios de la estatuaria
real de esa eacutepoca remota
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ANTIGUumlEDADES GRIEGAS ETRUSCAS Y ROMANAS
Las obras que reuacutene este departamento estaacuten repartidas entre las tres civilizaciones griegas etruscas y romanas Estas
ilustran la actividad artiacutestica de una vasta regioacuten principalmente alrededor del mar Mediterraacuteneo cuya historia se
extiende desde la eacutepoca neoliacutetica (IV milenario antes de JC) hasta el siglo VI de nuestra era
Estatua femenina llamada ldquoDama de Auxerrerdquo Creta ()
Hacia 630 antes de C
Calcaacutereo - Alto 75 cm - Ma 3098
Escultura griega realizada en piedra de pequentildeo tamantildeo (65 cm de altura) perteneciente al
conocido como periodo arcaico La identificacioacuten y los oriacutegenes exactos de esta estatuilla
encontrada en 1907 en las reservas del museo de Auxerre son auacuten un misterio Sin embargo se trata
de la maacutes perfecta ilustracioacuten del estilo dedaacutelico que marca la renovacioacuten de la escultura sobre
piedra en el mundo griego del siglo VII antes de C El rostro en U la pesada cabellera escalonada y
su estricta frontalidad definen ese estilo que debe su nombre convencional al ingeniero Deacutedalo a
quien se atribuiacutean en la antiguumledad las maacutes remotas estatuas
Torso masculino llamado ldquoTorso de Miletordquo Mileto
Hacia 480-470 antes de C
Maacutermol - Alto 132 m - Ma 2792
Este colosal torso ilustra la transicioacuten entre el arcaiacutesmo y el clasicismo Como el Couros
arcaico es un hombre de pie desnudo en posicioacuten frontal pero ha perdido la rigidez del
Couros donde el peso del cuerpo estaacute artificialmente repartido entre las dos piernas Sin
duda empleado en el decorado del teatro romano de Mileto este torso perteneciacutea a una
estatua con el brazo derecho probablemente avanzado La movilidad de la postura y la
asimetriacutea muscular hacen la estatua maacutes realista
Apolo ldquosauroacutectonordquo (Copia romana seguacuten un original de Praxiacuteteles creada hacia 350
antes de C)
Maacutermol - Alto 149 m - Ma 441
Apolo estaacute representado aquiacute con la apariencia de un joven cazador de lagartos (sauroacutectono)
gesto cuya exacta significacioacuten si bien evoca las virtudes purificadoras del dios nos es
desconocida En todo caso tanto la innovacioacuten del tema como las audacias del estilo son
notables y nos revelan el arte de Praxiacuteteles El artista desarrolla aquiacute su tema predilecto el joven
desnudo posee anchas caderas que se oponen mediante una composicioacuten en forma de arco al
apoyo necesario el aacuterbol elemento de un naturalismo innovador
ldquoVictoria de Samotraciardquo Samotracia (isla al norte del Egeo)
Hacia 190 antes de C
Maacutermol gris de Lartos para el barco maacutermol de
Paros para la estatua
Alto 328 m (con las alas)
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La Victoria alada de Samotracia tambieacuten conocida como Victoria de
Samotracia y Nikeacute de Samotracia es una escultura en bulto redondo
perteneciente a la escuela rodia del periodo heleniacutestico Se encuentra en el
Museo del Louvre Pariacutes En griego la estatua se denomina Nike tes Samothrakes
Tiene una altura de 245 cm y se elaboroacute en maacutermol hacia el 190 adC Procede
del santuario de los Cabiros en Samotracia Algunos expertos la atribuyen con
cierta probabilidad a Pithoacutekritos de Rodas Fue descubierta en 1863 en la isla de
Samotracia (Samothraki en griego) por el coacutensul franceacutes Charles Champoiseau
un arqueoacutelogo aficionado
Aunque cuando se descubrioacute se pensoacute que fue mandada esculpir por Demetrio
Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de
Ptolomeo Soacuteter en el antildeo 306 adC porque figuraba en las monedas emitidas del
294 al 288 adC la datacioacuten de la escultura hacia comienzos del siglo II antes de
Cristo hace maacutes loacutegico pensar que en realidad se labroacute para celebrar las victorias
sobre Antiacuteoco III Megas
La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un naviacuteo que
actuacutea de pedestal de la figura femenina cuyo cuerpo presenta una leve y
graciosa torsioacuten Va envuelta en un fino chitoacuten y un manto ropajes que se
adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomiacutea tratamiento eacuteste que recuerda a
la denominada teacutecnica de laquopantildeos mojadosraquo atribuida a las obras de Fidias El
manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas
dando lugar a una composicioacuten muy caracteriacutestica en otras figuras femeninas de la misma eacutepoca
Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo esta vez gozoso tan caracteriacutestico de la escuela escultoacuterica
rodia una de las maacutes barrocas del helenismo
Marinetti en el manifiesto futurista publicado en Le Figaro en 1909 utilizoacute esta obra para condensar su ataque a la
estatuaria y por extensioacuten al arte tradicional de tipo clasicista en beneficio de un nuevo arte que rindiese culto a los
progresos teacutecnicos de la industrializacioacuten connotados por la velocidad y las maacutequinas Asiacute puede leerse que laquoun
automoacutevil de carreras es maacutes hermoso que la Victoria de Samotraciaraquo
Hay que precisar que una de sus alas al menos en parte no es original sino producto de una restauracioacuten
Como curiosidad cabe sentildealar que la conocida marca deportiva Nike toma su nombre y su logo (en forma de ala) en
honor a eacutesta escultura
ldquoVenus de Milordquo Milo (islas Ciacutecladas)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 202 m
La Afrodita de Milos (griego Αφροδίτη της Μήλου) maacutes conocida como Venus de
Milo es una de las estatuas maacutes representativas del periodo heleniacutestico de la escultura
griega Representa a Afrodita (Venus para los romanos) diosa del amor y la belleza
Esculpida en maacutermol en un tamantildeo ligeramente superior al natural el autor es anoacutenimo
aunque tradicionalmente se ha atribuido a Praxiacuteteles Actualmente se encuentra en el
Louvre de Pariacutes
La estatua se encontroacute en dos pedazos en 1820 en la isla egea de Melos llamada tambieacuten
Milo por un campesino denominado Yorgos Cerca de la estatua se encontraron un
fragmento de un antebrazo y la mano con una manzana y estos restos son considerados
parte de sus brazos Yorgos la escondioacute de las autoridades pero fue descubierto
posteriormente por funcionarios turcos que requisaron la escultura
Un oficial naval franceacutes Jules Dumont reconocioacute su valor y arregloacute su compra para el
embajador franceacutes en Turquiacutea el Marqueacutes de Riviere Despueacutes de alguacuten trabajo de
reparacioacuten la estatua fue presentada al Rey Luis XVIII en 1821 Finalmente el Rey la
entregoacute al Museo del Louvre en Pariacutes donde todaviacutea se muestra hoy a la admiracioacuten
puacuteblica
La autoriacutea no estaacute clara porque junto a ella se encontraron otros fragmentos con inscripciones que mencionaban a dos
artistas de Antioquiacutea llamados Agesandros y Aleixandros aunque se desconoce si eacutestos eran lo autores de la obra o de
otros pedestales colocados maacutes tarde junto a la estatua Se ha llegado a atribuir incluso a Scopas escultor claacutesico del
siglo IV adC aunque en ella no se detecta el pathos caracteriacutestico de este autor
Despueacutes de haber hallado la estatua se hicieron numerosas tentativas para reconstruir su postura aunque nunca se
restauroacute
Tiene una altura de 204 cm y se labroacute en maacutermol de Paros posiblemente hacia finales del siglo II antes de Cristo Estaacute
tallada en fragmentos algo usual en la eacutepoca a imitacioacuten de las esculturas crisoelefantinas del periodo claacutesico
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Desnudo combatiendo llamado el ldquoGladiador
Borgheserdquo Antium (Italia)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 157 m
La estatua de guerrero conocida como Gladiador Borghese entra en esta
coleccioacuten italiana a principios del siglo XVII cuando Nicolas Cordier la
restaura reemplazando el brazo derecho que faltaba Firmada sobre el
tronco del aacuterbol por Agasias de Eacutefeso hijo de Dositheos la obra estaacute
impregnada de las buacutesquedas de Lisipo gran artista del bronce del siglo IV
antes de C Pero la musculatura acentuada lleva la huella del estilo de
Peacutergamo Agasias supo revivir el heroiacutesmo atleacutetico de Lisipo mezclaacutendolo
con el patetismo del periodo heleniacutestico
Michelangelo Buonarroti llamado Miguel
Angel (1475-1564)
Esclavo moribundo Roma 1513-1515
Estatua inacabada maacutermol - A 209 m
Miguel Angel es probablemente por la grandeza de su genio el
escultor maacutes ceacutelebre y los dos Esclavos del Louvre las estatuas maacutes
conocidas del departamento de Esculturas La odisea de estas obras
resume la gran lucha que tuvo Miguel Aacutengel para realizarlas Fueron
disentildeadas para el primer proyecto del colosal monumento funerario de
Julio II (1505) y propuestas para el segundo (1513) pero finalmente
fueron descartadas por los sucesores cuando tras la muerte del papa
cambiaron la concepcioacuten del proyecto debido a problemas
econoacutemicos Julio II que habiacutea sontildeado con un mausoleo aislado en
San Pedro de Roma no tuvo maacutes que una arcada monumental en San
Pedro con Cadenas donde se encuentra el ceacutelebre Moiseacutes
contemporaacuteneo de los Esclavos Regalados por Miguel Aacutengel al
exiliado florentino Roberto Strozzi quien rindioacute vasallaje al rey de
Francia los Esclavos llegaron a Francia en manos del escultor y fueron
instalados sucesivamente en los castillos del condestable de
Montmorency en Ecouen y en el de Richelieu Es posible que
representen a las provincias sometidas o tal vez a las artes sometidas a
la esclavitud tras la muerte del papa o maacutes simplemente que
participen del triunfo eterno del pontiacutefice Tambieacuten pueden representar las pasiones dominadas o bien seguacuten el modelo
platoacutenico pueden ser una imagen del alma humana encadenada por las pesadumbres del cuerpo Los Esclavos como
los otros cuatro de la academia de Florencia que se realizaron maacutes tarde hacia 1531-1532 jamaacutes fueron acabados Lo
inacabado es un tema recurrente en Miguel Angel quien necesitaba tanto de las incertidumbres de una carrera como de
la insatisfaccioacuten de una inalcanzable buacutesqueda de lo absoluto Esta es la causa por la que el maestro considera lo
inacabado como una obra en siacute misma y por tanto digna de aparecer en una donacioacuten Es posible que esto sea asiacute
porque las huellas de las herramientas para trabajar el maacutermol (picos y puntas limas y escofinas treacutepanos y gradinas)
son el reflejo del combate contra la materia en el que se basa toda escultura
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P I N T U R A S
Eugegravene Delacroix (1798-1863)
La Libertad guiando al Pueblo (28 de julio
1830)
1830
Lienzo - A 260 m L 325 m
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por
Eugegravene Delacroix pintado en 1830 y conservado en el Museo
del Louvre de
El lienzo representa una escena del 27 de julio de 1830 en la
que el pueblo de Pariacutes levantoacute barricadas El rey Carlos X de
Francia habiacutea suprimido el parlamento por decreto y teniacutea la
intencioacuten de restringir la libertad de prensa Los disturbios
iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocoacute en
una revolucioacuten seguida por ciudadanos enojados de todas las
clases sociales No existioacute un uacutenico cabecilla Por eso Delacroix representa a la Libertad como guiacutea que conduce al
pueblo Tampoco esta representada de una forma abstracta sino que es una figura alegoacuterica muy sensual y real
Hay una estructura en forma de piraacutemide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo
en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle El ligero pincel de Delacroix y la fuerza
luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros Para aumentar la tensioacuten y el movimiento antildeadioacute contrastes
complementarios junto a la oposicioacuten de los claroscuros El color para Delacroix no solo teniacutea un valor de
representacioacuten sino sobre todo un significado emocional propio con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo
el sentimiento y la disposicioacuten de aacutenimo de las personas
Se utilizan colores paacutelidos con pinceladas sueltas destacando el azul el rojo y el blanco de la bandera
Personajes
En el cuadro aparecen joacutevenes adultos clase obrera burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que como ya se
ha dicho en este caso se identifica tambieacuten con Francia y es representada como una mujer empuntildeando un fusil de la
eacutepoca (rasgo realista) y con el pecho al descubierto hecho este uacuteltimo que escandalizoacute a criacuteticos y a parte de la sociedad
de la eacutepoca Entre los muertos del primer plano (abajo a la derecha del espectador) aparecen tambieacuten soldados leales a
Carlos X
El personaje del sombrero es un burgueacutes en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participoacute en los hechos
En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribioacute a su hermano He comenzado un cuadro de tema moderno una
barricada y si no he luchado por la patria por lo menos pintareacute para ella Aunque como era habitual en los
romaacutenticos Delacroix criticaba a la pequentildea burguesiacutea por su estrechez de miras eacutel mismo procediacutea de una familia de
la alta burguesiacutea y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas Por otra parte asiacute como fue
revolucionario en 1830 adoptoacute una postura contrarrevolucionaria en 1848 en la que comienza a emerger la clase obrera
(ese antildeo Marx publica su Manifiesto Comunista) En cualquier caso como ocurrioacute con David fue un autor poliacuteticamente
comprometido
La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos
siacutembolos revolucionarios el gorro frigio y la bandera tricolor que el nuevo reacutegimen -a pesar de ser monaacuterquico- adoptoacute
nuevamente En segundo plano a la derecha del espectador encontramos Notre-Dame de Pariacutes en una de cuyas torres
ondea la bandera revolucionaria quizaacutes para afirmar el sometimiento de la iglesia que habiacutea sido uno de los apoyos de
la restauracioacuten borboacutenica
Composicioacuten
La composicioacuten del cuadro es claramente piramidal presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de
Geacutericault obra en la que posiblemente se inspira Argan ha sentildealado que al igual que en la balsa laquoel plano de apoyo es
inestable construido con vigas inestables (la barricada) y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el
movimiento de la composicioacutenraquo que acaba culminando en una persona que agita algo en el caso de la balsa un harapo y
en este una bandera No obstante este mismo autor sentildeala que aunque hay similitudes tambieacuten hay diferencias y asiacute en
mientras que en la obra de Geacutericault el movimiento es de delante hacia atraacutes en la Libertad es todo lo contrario (hacia el
espectador) Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo parecen tambieacuten
haber influido en esta obra por las asimetriacuteas las diagonales y los estallidos de color
Junto a la figura alegoacuterica de la Libertad se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis
desnudo de la persona muerta que hay en primer plano abajo a la izquierda iquestEs un cuadro alegoacuterico o histoacuterico No
parece que sea ninguna de las dos cosas por cuanto que lo uacutenico alegoacuterico es la figura de la mujer-libertad-patria y
tampoco representa un hecho concreto real Para Argan es simplemente un cuadro laquorealistaraquo que auacutena alegoriacutea y
realidad Theacuteophile Thoreacute elogioacute la obra y refirieacutendose a la mujer dijo laquoiquestEs una muchacha del pueblo iquestEs el genio de
la libertad Es ambas cosas [] La verdadera alegoriacutea debe tener el doble caraacutecter de ser una figura viviente y un
siacutemboloraquo
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La obra estaacute impregnada de movimiento no solo por los gestos dramaacuteticos de los personajes y por la
composicioacuten en diagonales sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran
en la base de la composicioacuten y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiracioacuten del autor
por Rubens Por otra parte la luz lo refuerza pues es una luz dramaacutetica y compleja con zonas iluminadas y otras en
penumbra pero cuyo origen no se vislumbra La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral pero
a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido humeante y nuboso que dota de maacutes inquietud a la
composicioacuten No obstante ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogeacuteneas en tonos de bronce ndashcomo
en Caravaggio- pues incorpora con gran maestriacutea maacutes fuerza y variedad cromaacutetica como por ejemplo el azul de la
bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad Lo que pone de manifiesto que
Delacroix domina tambieacuten el color del que fue un fino estudioso
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
La Virgen de las Rocas (1483-1486)
Lienzo cimbrado - A 199 m L 122 m
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos
cuadros de Leonardo da Vinci pintados con ideacutentica composicioacuten
pictoacuterica con oacuteleo sobre madera La versioacuten del Louvre fue
transferida a lienzo desde el panel original de madera pero la de
Londreacutes auacuten permanece sobre la tabla Es bastante grande de 200 x
120 centiacutemetros
El 25 de abril de 1483 con los hermanos pintores Evangelista y
Giovanni Ambroglio de Predis por un lado y Bartolomeo Scorione
prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepcioacuten
por otra se estipuloacute el contrato para un retablo a colocar sobre el
altar de la capilla de la Confraternidad en la iglesia de San Francesco
Grande Esta capilla habiacutea sido fundada en el siglo XIV por Beatriz
de Este esposa de Galeazzo I Visconti y quedoacute destruida en 1576
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de
las Rocas La obra debiacutea celebrar la Inmaculada Concepcioacuten El
contrato preveiacutea tres pinturas que debiacutean estar acabadas el 8 de
diciembre por un precio de 800 liras que se pagariacutean a plazos hasta
febrero de 1485 La tabla central debiacutea representar a la Virgen con
Nintildeo y dos profetas y aacutengeles las otras dos cuatro aacutengeles cantores
y muacutesicos
La Virgen estaacute en el centro con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista La Virgen le estaacute mirando A su izquierda
hay un aacutengel sentado maacutes abajo que la Virgen Maacutes abajo estaacute el nintildeo Jesuacutes sentado que tambieacuten mira al pequentildeo La
Virgen predomina en la imagen
Leonardo eligioacute pintar un momento apoacutecrifo de la infancia de Cristo cuando Juan el Bautista nintildeo (San Juanito)
hueacuterfano refugiado dentro de una gruta y protegido por un aacutengel encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto
De acuerdo con la interpretacioacuten tradicional de las pinturas representan a la Virgen Mariacutea en el centro empujando a
Juan hacia Jesuacutes que estaacute sentado con el aacutengel Uriel Jesuacutes estaacute bendiciendo a Juan que extiende su mano en un gesto
de oracioacuten En este cuadro tal como lo pinta Leonardo Juan reconoce y venera al Nintildeo como Cristo En la versioacuten del
Louvre Uriel apunta a Juan y con una leve sonrissa mira ligeramente hacia el espectador Este gesto falta en la versioacuten
londinense en la que el aacutengel mira al nintildeo y no hace ninguna sentildeal con el dedo Otra diferencia entre la versioacuten de
Londres y la de Pariacutes es que en la de la National Gallery aparecen atributos que faltan en la del Louvre como los halos
y la tradicional vara cruciforme de Juan Esto clarifica la identificacioacuten de los nintildeos Jesuacutes y Juan y fueron antildeadidos por
otro artista posiblemente despueacutes de la muerte de Leonardo
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Retrato de Monna Lisa (1479 - antes de 1550)
llamada la GIOCONDA (1503-1517)
Tabla - A 77 cm L 53 cm
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En este sentido es importante recordar en cualquier caso hasta queacute
punto la cuestioacuten del realismo de la representacioacuten del modelo estaacute
relacionado con la identidad de este modelo Y hasta el diacutea de hoy auacuten no
sabemos si Leonardo da Vinci representoacute con fidelidad un modelo existente
si idealizoacute el retrato de una mujer de su entorno o si imaginoacute por completo
un tipo de mujer universal
La Gioconda es el retrato maacutes famoso de la historia y quizaacutes el cuadro maacutes
famoso de la pintura occidental Su fama se debe probablemente a las
muacuteltiples referencias literarias a las diversas interpretaciones sobre la
protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911
Es ademaacutes la uacuteltima gran obra de Leonardo si se tiene en cuenta que siguioacute
retocaacutendola hasta sus uacuteltimos antildeos
Teacutecnica
Leonardo dibujoacute el esbozo del cuadro y despueacutes aplicoacute el oacuteleo diluido en
aceite esencial La teacutecnica se conoce como Sfumato la cual consiste en
prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo
todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce
una impresioacuten de inmersioacuten total en la atmoacutesfera lo cual da una sensacioacuten
de tres dimensiones a la figura
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de aacutelamo extremadamente
fraacutegil recubierta por varias capas de enlucido Se conserva en una urna de
cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial
para evitar los reflejos La caacutemara que alberga el cuadro estaacute disentildeada para
mantener una temperatura constante de 20ordmC y 50 de humedad relativa lo cual busca garantizar las condiciones
oacuteptimas para los cuidados de la pintura
La pintura tiene una grieta de 12 centiacutemetros en la mitad superior probablemente debido a la eliminacioacuten del marco
original aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo dicha
grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX En la actualidad se ha determinado que es estable
y no ha empeorado con el tiempo
Descripcioacuten de la obra
La dama estaacute sentada en un silloacuten y posa sus brazos en los apoyos del asiento En sus manos y sus ojos puede verse un
claro ejemplo caracteriacutestico del esfumado y tambieacuten puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar
sensacioacuten de volumen
Aparece sentada en una galeriacutea vieacutendose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas La galeriacutea
se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes cuando hizo su viaje a
Milaacuten El paisaje posee una atmoacutesfera huacutemeda y acuosa que parece rodear a la modelo Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porcioacuten del Lago de Como sin haber llegado a conclusiones definitivas Por otro lado
en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilizacioacuten que podriacutea estar sentildealando la importancia de la
ingenieriacutea y la arquitectura
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmaacutetica Sobre la cabeza
lleva un velo signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas El brazo izquierdo descansa sobre una
butaca La mano derecha se posa encima de este brazo Esta postura transmite la impresioacuten de serenidad y de que el
personaje retratado domina sus sentimientos
Enigmas
Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo creando pasiones
en muchos autores e investigadores Pese a la gran cantidad de preguntas las respuestas a las mismas no suelen ser del
todo convincentes dejando abierto el debate Especialmente durante los siglos XIX y XX las teoriacuteas acerca del origen
de la modelo la expresioacuten de su rostro la inspiracioacuten del autor y otras tantas han tomado gran protagonismo y obligan
a un anaacutelisis histoacuterico y cientiacutefico profundo
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintoacute la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla
directamente y soacutelo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro El juego de sombras potencia la
sensacioacuten de desconcierto que produce la sonrisa No se sabe si parece sonreiacuter o si es una sonrisa llena de amargura
El ojo humano tiene una visioacuten fotoacutepica foacutevea o directa y la escotoacutepica o perifeacuterica La primera sirve cuando se trata
de percibir detalles pero no para distinguir sombras que es la especialidad de la segunda Leonardo pintoacute la sonrisa de
la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visioacuten perifeacuterica Para ilustrar el efecto puede concentrarse
la mirada en una sola letra sobre una paacutegina impresa y comprobar lo difiacutecil que resulta reconocer el resto de letras
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el
momento de posar
El tiacutetulo del cuadro
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
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El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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ANTIGUumlEDADES GRIEGAS ETRUSCAS Y ROMANAS
Las obras que reuacutene este departamento estaacuten repartidas entre las tres civilizaciones griegas etruscas y romanas Estas
ilustran la actividad artiacutestica de una vasta regioacuten principalmente alrededor del mar Mediterraacuteneo cuya historia se
extiende desde la eacutepoca neoliacutetica (IV milenario antes de JC) hasta el siglo VI de nuestra era
Estatua femenina llamada ldquoDama de Auxerrerdquo Creta ()
Hacia 630 antes de C
Calcaacutereo - Alto 75 cm - Ma 3098
Escultura griega realizada en piedra de pequentildeo tamantildeo (65 cm de altura) perteneciente al
conocido como periodo arcaico La identificacioacuten y los oriacutegenes exactos de esta estatuilla
encontrada en 1907 en las reservas del museo de Auxerre son auacuten un misterio Sin embargo se trata
de la maacutes perfecta ilustracioacuten del estilo dedaacutelico que marca la renovacioacuten de la escultura sobre
piedra en el mundo griego del siglo VII antes de C El rostro en U la pesada cabellera escalonada y
su estricta frontalidad definen ese estilo que debe su nombre convencional al ingeniero Deacutedalo a
quien se atribuiacutean en la antiguumledad las maacutes remotas estatuas
Torso masculino llamado ldquoTorso de Miletordquo Mileto
Hacia 480-470 antes de C
Maacutermol - Alto 132 m - Ma 2792
Este colosal torso ilustra la transicioacuten entre el arcaiacutesmo y el clasicismo Como el Couros
arcaico es un hombre de pie desnudo en posicioacuten frontal pero ha perdido la rigidez del
Couros donde el peso del cuerpo estaacute artificialmente repartido entre las dos piernas Sin
duda empleado en el decorado del teatro romano de Mileto este torso perteneciacutea a una
estatua con el brazo derecho probablemente avanzado La movilidad de la postura y la
asimetriacutea muscular hacen la estatua maacutes realista
Apolo ldquosauroacutectonordquo (Copia romana seguacuten un original de Praxiacuteteles creada hacia 350
antes de C)
Maacutermol - Alto 149 m - Ma 441
Apolo estaacute representado aquiacute con la apariencia de un joven cazador de lagartos (sauroacutectono)
gesto cuya exacta significacioacuten si bien evoca las virtudes purificadoras del dios nos es
desconocida En todo caso tanto la innovacioacuten del tema como las audacias del estilo son
notables y nos revelan el arte de Praxiacuteteles El artista desarrolla aquiacute su tema predilecto el joven
desnudo posee anchas caderas que se oponen mediante una composicioacuten en forma de arco al
apoyo necesario el aacuterbol elemento de un naturalismo innovador
ldquoVictoria de Samotraciardquo Samotracia (isla al norte del Egeo)
Hacia 190 antes de C
Maacutermol gris de Lartos para el barco maacutermol de
Paros para la estatua
Alto 328 m (con las alas)
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La Victoria alada de Samotracia tambieacuten conocida como Victoria de
Samotracia y Nikeacute de Samotracia es una escultura en bulto redondo
perteneciente a la escuela rodia del periodo heleniacutestico Se encuentra en el
Museo del Louvre Pariacutes En griego la estatua se denomina Nike tes Samothrakes
Tiene una altura de 245 cm y se elaboroacute en maacutermol hacia el 190 adC Procede
del santuario de los Cabiros en Samotracia Algunos expertos la atribuyen con
cierta probabilidad a Pithoacutekritos de Rodas Fue descubierta en 1863 en la isla de
Samotracia (Samothraki en griego) por el coacutensul franceacutes Charles Champoiseau
un arqueoacutelogo aficionado
Aunque cuando se descubrioacute se pensoacute que fue mandada esculpir por Demetrio
Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de
Ptolomeo Soacuteter en el antildeo 306 adC porque figuraba en las monedas emitidas del
294 al 288 adC la datacioacuten de la escultura hacia comienzos del siglo II antes de
Cristo hace maacutes loacutegico pensar que en realidad se labroacute para celebrar las victorias
sobre Antiacuteoco III Megas
La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un naviacuteo que
actuacutea de pedestal de la figura femenina cuyo cuerpo presenta una leve y
graciosa torsioacuten Va envuelta en un fino chitoacuten y un manto ropajes que se
adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomiacutea tratamiento eacuteste que recuerda a
la denominada teacutecnica de laquopantildeos mojadosraquo atribuida a las obras de Fidias El
manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas
dando lugar a una composicioacuten muy caracteriacutestica en otras figuras femeninas de la misma eacutepoca
Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo esta vez gozoso tan caracteriacutestico de la escuela escultoacuterica
rodia una de las maacutes barrocas del helenismo
Marinetti en el manifiesto futurista publicado en Le Figaro en 1909 utilizoacute esta obra para condensar su ataque a la
estatuaria y por extensioacuten al arte tradicional de tipo clasicista en beneficio de un nuevo arte que rindiese culto a los
progresos teacutecnicos de la industrializacioacuten connotados por la velocidad y las maacutequinas Asiacute puede leerse que laquoun
automoacutevil de carreras es maacutes hermoso que la Victoria de Samotraciaraquo
Hay que precisar que una de sus alas al menos en parte no es original sino producto de una restauracioacuten
Como curiosidad cabe sentildealar que la conocida marca deportiva Nike toma su nombre y su logo (en forma de ala) en
honor a eacutesta escultura
ldquoVenus de Milordquo Milo (islas Ciacutecladas)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 202 m
La Afrodita de Milos (griego Αφροδίτη της Μήλου) maacutes conocida como Venus de
Milo es una de las estatuas maacutes representativas del periodo heleniacutestico de la escultura
griega Representa a Afrodita (Venus para los romanos) diosa del amor y la belleza
Esculpida en maacutermol en un tamantildeo ligeramente superior al natural el autor es anoacutenimo
aunque tradicionalmente se ha atribuido a Praxiacuteteles Actualmente se encuentra en el
Louvre de Pariacutes
La estatua se encontroacute en dos pedazos en 1820 en la isla egea de Melos llamada tambieacuten
Milo por un campesino denominado Yorgos Cerca de la estatua se encontraron un
fragmento de un antebrazo y la mano con una manzana y estos restos son considerados
parte de sus brazos Yorgos la escondioacute de las autoridades pero fue descubierto
posteriormente por funcionarios turcos que requisaron la escultura
Un oficial naval franceacutes Jules Dumont reconocioacute su valor y arregloacute su compra para el
embajador franceacutes en Turquiacutea el Marqueacutes de Riviere Despueacutes de alguacuten trabajo de
reparacioacuten la estatua fue presentada al Rey Luis XVIII en 1821 Finalmente el Rey la
entregoacute al Museo del Louvre en Pariacutes donde todaviacutea se muestra hoy a la admiracioacuten
puacuteblica
La autoriacutea no estaacute clara porque junto a ella se encontraron otros fragmentos con inscripciones que mencionaban a dos
artistas de Antioquiacutea llamados Agesandros y Aleixandros aunque se desconoce si eacutestos eran lo autores de la obra o de
otros pedestales colocados maacutes tarde junto a la estatua Se ha llegado a atribuir incluso a Scopas escultor claacutesico del
siglo IV adC aunque en ella no se detecta el pathos caracteriacutestico de este autor
Despueacutes de haber hallado la estatua se hicieron numerosas tentativas para reconstruir su postura aunque nunca se
restauroacute
Tiene una altura de 204 cm y se labroacute en maacutermol de Paros posiblemente hacia finales del siglo II antes de Cristo Estaacute
tallada en fragmentos algo usual en la eacutepoca a imitacioacuten de las esculturas crisoelefantinas del periodo claacutesico
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Desnudo combatiendo llamado el ldquoGladiador
Borgheserdquo Antium (Italia)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 157 m
La estatua de guerrero conocida como Gladiador Borghese entra en esta
coleccioacuten italiana a principios del siglo XVII cuando Nicolas Cordier la
restaura reemplazando el brazo derecho que faltaba Firmada sobre el
tronco del aacuterbol por Agasias de Eacutefeso hijo de Dositheos la obra estaacute
impregnada de las buacutesquedas de Lisipo gran artista del bronce del siglo IV
antes de C Pero la musculatura acentuada lleva la huella del estilo de
Peacutergamo Agasias supo revivir el heroiacutesmo atleacutetico de Lisipo mezclaacutendolo
con el patetismo del periodo heleniacutestico
Michelangelo Buonarroti llamado Miguel
Angel (1475-1564)
Esclavo moribundo Roma 1513-1515
Estatua inacabada maacutermol - A 209 m
Miguel Angel es probablemente por la grandeza de su genio el
escultor maacutes ceacutelebre y los dos Esclavos del Louvre las estatuas maacutes
conocidas del departamento de Esculturas La odisea de estas obras
resume la gran lucha que tuvo Miguel Aacutengel para realizarlas Fueron
disentildeadas para el primer proyecto del colosal monumento funerario de
Julio II (1505) y propuestas para el segundo (1513) pero finalmente
fueron descartadas por los sucesores cuando tras la muerte del papa
cambiaron la concepcioacuten del proyecto debido a problemas
econoacutemicos Julio II que habiacutea sontildeado con un mausoleo aislado en
San Pedro de Roma no tuvo maacutes que una arcada monumental en San
Pedro con Cadenas donde se encuentra el ceacutelebre Moiseacutes
contemporaacuteneo de los Esclavos Regalados por Miguel Aacutengel al
exiliado florentino Roberto Strozzi quien rindioacute vasallaje al rey de
Francia los Esclavos llegaron a Francia en manos del escultor y fueron
instalados sucesivamente en los castillos del condestable de
Montmorency en Ecouen y en el de Richelieu Es posible que
representen a las provincias sometidas o tal vez a las artes sometidas a
la esclavitud tras la muerte del papa o maacutes simplemente que
participen del triunfo eterno del pontiacutefice Tambieacuten pueden representar las pasiones dominadas o bien seguacuten el modelo
platoacutenico pueden ser una imagen del alma humana encadenada por las pesadumbres del cuerpo Los Esclavos como
los otros cuatro de la academia de Florencia que se realizaron maacutes tarde hacia 1531-1532 jamaacutes fueron acabados Lo
inacabado es un tema recurrente en Miguel Angel quien necesitaba tanto de las incertidumbres de una carrera como de
la insatisfaccioacuten de una inalcanzable buacutesqueda de lo absoluto Esta es la causa por la que el maestro considera lo
inacabado como una obra en siacute misma y por tanto digna de aparecer en una donacioacuten Es posible que esto sea asiacute
porque las huellas de las herramientas para trabajar el maacutermol (picos y puntas limas y escofinas treacutepanos y gradinas)
son el reflejo del combate contra la materia en el que se basa toda escultura
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P I N T U R A S
Eugegravene Delacroix (1798-1863)
La Libertad guiando al Pueblo (28 de julio
1830)
1830
Lienzo - A 260 m L 325 m
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por
Eugegravene Delacroix pintado en 1830 y conservado en el Museo
del Louvre de
El lienzo representa una escena del 27 de julio de 1830 en la
que el pueblo de Pariacutes levantoacute barricadas El rey Carlos X de
Francia habiacutea suprimido el parlamento por decreto y teniacutea la
intencioacuten de restringir la libertad de prensa Los disturbios
iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocoacute en
una revolucioacuten seguida por ciudadanos enojados de todas las
clases sociales No existioacute un uacutenico cabecilla Por eso Delacroix representa a la Libertad como guiacutea que conduce al
pueblo Tampoco esta representada de una forma abstracta sino que es una figura alegoacuterica muy sensual y real
Hay una estructura en forma de piraacutemide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo
en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle El ligero pincel de Delacroix y la fuerza
luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros Para aumentar la tensioacuten y el movimiento antildeadioacute contrastes
complementarios junto a la oposicioacuten de los claroscuros El color para Delacroix no solo teniacutea un valor de
representacioacuten sino sobre todo un significado emocional propio con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo
el sentimiento y la disposicioacuten de aacutenimo de las personas
Se utilizan colores paacutelidos con pinceladas sueltas destacando el azul el rojo y el blanco de la bandera
Personajes
En el cuadro aparecen joacutevenes adultos clase obrera burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que como ya se
ha dicho en este caso se identifica tambieacuten con Francia y es representada como una mujer empuntildeando un fusil de la
eacutepoca (rasgo realista) y con el pecho al descubierto hecho este uacuteltimo que escandalizoacute a criacuteticos y a parte de la sociedad
de la eacutepoca Entre los muertos del primer plano (abajo a la derecha del espectador) aparecen tambieacuten soldados leales a
Carlos X
El personaje del sombrero es un burgueacutes en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participoacute en los hechos
En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribioacute a su hermano He comenzado un cuadro de tema moderno una
barricada y si no he luchado por la patria por lo menos pintareacute para ella Aunque como era habitual en los
romaacutenticos Delacroix criticaba a la pequentildea burguesiacutea por su estrechez de miras eacutel mismo procediacutea de una familia de
la alta burguesiacutea y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas Por otra parte asiacute como fue
revolucionario en 1830 adoptoacute una postura contrarrevolucionaria en 1848 en la que comienza a emerger la clase obrera
(ese antildeo Marx publica su Manifiesto Comunista) En cualquier caso como ocurrioacute con David fue un autor poliacuteticamente
comprometido
La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos
siacutembolos revolucionarios el gorro frigio y la bandera tricolor que el nuevo reacutegimen -a pesar de ser monaacuterquico- adoptoacute
nuevamente En segundo plano a la derecha del espectador encontramos Notre-Dame de Pariacutes en una de cuyas torres
ondea la bandera revolucionaria quizaacutes para afirmar el sometimiento de la iglesia que habiacutea sido uno de los apoyos de
la restauracioacuten borboacutenica
Composicioacuten
La composicioacuten del cuadro es claramente piramidal presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de
Geacutericault obra en la que posiblemente se inspira Argan ha sentildealado que al igual que en la balsa laquoel plano de apoyo es
inestable construido con vigas inestables (la barricada) y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el
movimiento de la composicioacutenraquo que acaba culminando en una persona que agita algo en el caso de la balsa un harapo y
en este una bandera No obstante este mismo autor sentildeala que aunque hay similitudes tambieacuten hay diferencias y asiacute en
mientras que en la obra de Geacutericault el movimiento es de delante hacia atraacutes en la Libertad es todo lo contrario (hacia el
espectador) Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo parecen tambieacuten
haber influido en esta obra por las asimetriacuteas las diagonales y los estallidos de color
Junto a la figura alegoacuterica de la Libertad se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis
desnudo de la persona muerta que hay en primer plano abajo a la izquierda iquestEs un cuadro alegoacuterico o histoacuterico No
parece que sea ninguna de las dos cosas por cuanto que lo uacutenico alegoacuterico es la figura de la mujer-libertad-patria y
tampoco representa un hecho concreto real Para Argan es simplemente un cuadro laquorealistaraquo que auacutena alegoriacutea y
realidad Theacuteophile Thoreacute elogioacute la obra y refirieacutendose a la mujer dijo laquoiquestEs una muchacha del pueblo iquestEs el genio de
la libertad Es ambas cosas [] La verdadera alegoriacutea debe tener el doble caraacutecter de ser una figura viviente y un
siacutemboloraquo
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La obra estaacute impregnada de movimiento no solo por los gestos dramaacuteticos de los personajes y por la
composicioacuten en diagonales sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran
en la base de la composicioacuten y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiracioacuten del autor
por Rubens Por otra parte la luz lo refuerza pues es una luz dramaacutetica y compleja con zonas iluminadas y otras en
penumbra pero cuyo origen no se vislumbra La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral pero
a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido humeante y nuboso que dota de maacutes inquietud a la
composicioacuten No obstante ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogeacuteneas en tonos de bronce ndashcomo
en Caravaggio- pues incorpora con gran maestriacutea maacutes fuerza y variedad cromaacutetica como por ejemplo el azul de la
bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad Lo que pone de manifiesto que
Delacroix domina tambieacuten el color del que fue un fino estudioso
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
La Virgen de las Rocas (1483-1486)
Lienzo cimbrado - A 199 m L 122 m
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos
cuadros de Leonardo da Vinci pintados con ideacutentica composicioacuten
pictoacuterica con oacuteleo sobre madera La versioacuten del Louvre fue
transferida a lienzo desde el panel original de madera pero la de
Londreacutes auacuten permanece sobre la tabla Es bastante grande de 200 x
120 centiacutemetros
El 25 de abril de 1483 con los hermanos pintores Evangelista y
Giovanni Ambroglio de Predis por un lado y Bartolomeo Scorione
prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepcioacuten
por otra se estipuloacute el contrato para un retablo a colocar sobre el
altar de la capilla de la Confraternidad en la iglesia de San Francesco
Grande Esta capilla habiacutea sido fundada en el siglo XIV por Beatriz
de Este esposa de Galeazzo I Visconti y quedoacute destruida en 1576
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de
las Rocas La obra debiacutea celebrar la Inmaculada Concepcioacuten El
contrato preveiacutea tres pinturas que debiacutean estar acabadas el 8 de
diciembre por un precio de 800 liras que se pagariacutean a plazos hasta
febrero de 1485 La tabla central debiacutea representar a la Virgen con
Nintildeo y dos profetas y aacutengeles las otras dos cuatro aacutengeles cantores
y muacutesicos
La Virgen estaacute en el centro con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista La Virgen le estaacute mirando A su izquierda
hay un aacutengel sentado maacutes abajo que la Virgen Maacutes abajo estaacute el nintildeo Jesuacutes sentado que tambieacuten mira al pequentildeo La
Virgen predomina en la imagen
Leonardo eligioacute pintar un momento apoacutecrifo de la infancia de Cristo cuando Juan el Bautista nintildeo (San Juanito)
hueacuterfano refugiado dentro de una gruta y protegido por un aacutengel encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto
De acuerdo con la interpretacioacuten tradicional de las pinturas representan a la Virgen Mariacutea en el centro empujando a
Juan hacia Jesuacutes que estaacute sentado con el aacutengel Uriel Jesuacutes estaacute bendiciendo a Juan que extiende su mano en un gesto
de oracioacuten En este cuadro tal como lo pinta Leonardo Juan reconoce y venera al Nintildeo como Cristo En la versioacuten del
Louvre Uriel apunta a Juan y con una leve sonrissa mira ligeramente hacia el espectador Este gesto falta en la versioacuten
londinense en la que el aacutengel mira al nintildeo y no hace ninguna sentildeal con el dedo Otra diferencia entre la versioacuten de
Londres y la de Pariacutes es que en la de la National Gallery aparecen atributos que faltan en la del Louvre como los halos
y la tradicional vara cruciforme de Juan Esto clarifica la identificacioacuten de los nintildeos Jesuacutes y Juan y fueron antildeadidos por
otro artista posiblemente despueacutes de la muerte de Leonardo
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Retrato de Monna Lisa (1479 - antes de 1550)
llamada la GIOCONDA (1503-1517)
Tabla - A 77 cm L 53 cm
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En este sentido es importante recordar en cualquier caso hasta queacute
punto la cuestioacuten del realismo de la representacioacuten del modelo estaacute
relacionado con la identidad de este modelo Y hasta el diacutea de hoy auacuten no
sabemos si Leonardo da Vinci representoacute con fidelidad un modelo existente
si idealizoacute el retrato de una mujer de su entorno o si imaginoacute por completo
un tipo de mujer universal
La Gioconda es el retrato maacutes famoso de la historia y quizaacutes el cuadro maacutes
famoso de la pintura occidental Su fama se debe probablemente a las
muacuteltiples referencias literarias a las diversas interpretaciones sobre la
protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911
Es ademaacutes la uacuteltima gran obra de Leonardo si se tiene en cuenta que siguioacute
retocaacutendola hasta sus uacuteltimos antildeos
Teacutecnica
Leonardo dibujoacute el esbozo del cuadro y despueacutes aplicoacute el oacuteleo diluido en
aceite esencial La teacutecnica se conoce como Sfumato la cual consiste en
prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo
todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce
una impresioacuten de inmersioacuten total en la atmoacutesfera lo cual da una sensacioacuten
de tres dimensiones a la figura
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de aacutelamo extremadamente
fraacutegil recubierta por varias capas de enlucido Se conserva en una urna de
cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial
para evitar los reflejos La caacutemara que alberga el cuadro estaacute disentildeada para
mantener una temperatura constante de 20ordmC y 50 de humedad relativa lo cual busca garantizar las condiciones
oacuteptimas para los cuidados de la pintura
La pintura tiene una grieta de 12 centiacutemetros en la mitad superior probablemente debido a la eliminacioacuten del marco
original aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo dicha
grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX En la actualidad se ha determinado que es estable
y no ha empeorado con el tiempo
Descripcioacuten de la obra
La dama estaacute sentada en un silloacuten y posa sus brazos en los apoyos del asiento En sus manos y sus ojos puede verse un
claro ejemplo caracteriacutestico del esfumado y tambieacuten puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar
sensacioacuten de volumen
Aparece sentada en una galeriacutea vieacutendose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas La galeriacutea
se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes cuando hizo su viaje a
Milaacuten El paisaje posee una atmoacutesfera huacutemeda y acuosa que parece rodear a la modelo Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porcioacuten del Lago de Como sin haber llegado a conclusiones definitivas Por otro lado
en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilizacioacuten que podriacutea estar sentildealando la importancia de la
ingenieriacutea y la arquitectura
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmaacutetica Sobre la cabeza
lleva un velo signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas El brazo izquierdo descansa sobre una
butaca La mano derecha se posa encima de este brazo Esta postura transmite la impresioacuten de serenidad y de que el
personaje retratado domina sus sentimientos
Enigmas
Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo creando pasiones
en muchos autores e investigadores Pese a la gran cantidad de preguntas las respuestas a las mismas no suelen ser del
todo convincentes dejando abierto el debate Especialmente durante los siglos XIX y XX las teoriacuteas acerca del origen
de la modelo la expresioacuten de su rostro la inspiracioacuten del autor y otras tantas han tomado gran protagonismo y obligan
a un anaacutelisis histoacuterico y cientiacutefico profundo
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintoacute la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla
directamente y soacutelo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro El juego de sombras potencia la
sensacioacuten de desconcierto que produce la sonrisa No se sabe si parece sonreiacuter o si es una sonrisa llena de amargura
El ojo humano tiene una visioacuten fotoacutepica foacutevea o directa y la escotoacutepica o perifeacuterica La primera sirve cuando se trata
de percibir detalles pero no para distinguir sombras que es la especialidad de la segunda Leonardo pintoacute la sonrisa de
la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visioacuten perifeacuterica Para ilustrar el efecto puede concentrarse
la mirada en una sola letra sobre una paacutegina impresa y comprobar lo difiacutecil que resulta reconocer el resto de letras
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el
momento de posar
El tiacutetulo del cuadro
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
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El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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La Victoria alada de Samotracia tambieacuten conocida como Victoria de
Samotracia y Nikeacute de Samotracia es una escultura en bulto redondo
perteneciente a la escuela rodia del periodo heleniacutestico Se encuentra en el
Museo del Louvre Pariacutes En griego la estatua se denomina Nike tes Samothrakes
Tiene una altura de 245 cm y se elaboroacute en maacutermol hacia el 190 adC Procede
del santuario de los Cabiros en Samotracia Algunos expertos la atribuyen con
cierta probabilidad a Pithoacutekritos de Rodas Fue descubierta en 1863 en la isla de
Samotracia (Samothraki en griego) por el coacutensul franceacutes Charles Champoiseau
un arqueoacutelogo aficionado
Aunque cuando se descubrioacute se pensoacute que fue mandada esculpir por Demetrio
Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de
Ptolomeo Soacuteter en el antildeo 306 adC porque figuraba en las monedas emitidas del
294 al 288 adC la datacioacuten de la escultura hacia comienzos del siglo II antes de
Cristo hace maacutes loacutegico pensar que en realidad se labroacute para celebrar las victorias
sobre Antiacuteoco III Megas
La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un naviacuteo que
actuacutea de pedestal de la figura femenina cuyo cuerpo presenta una leve y
graciosa torsioacuten Va envuelta en un fino chitoacuten y un manto ropajes que se
adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomiacutea tratamiento eacuteste que recuerda a
la denominada teacutecnica de laquopantildeos mojadosraquo atribuida a las obras de Fidias El
manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas
dando lugar a una composicioacuten muy caracteriacutestica en otras figuras femeninas de la misma eacutepoca
Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo esta vez gozoso tan caracteriacutestico de la escuela escultoacuterica
rodia una de las maacutes barrocas del helenismo
Marinetti en el manifiesto futurista publicado en Le Figaro en 1909 utilizoacute esta obra para condensar su ataque a la
estatuaria y por extensioacuten al arte tradicional de tipo clasicista en beneficio de un nuevo arte que rindiese culto a los
progresos teacutecnicos de la industrializacioacuten connotados por la velocidad y las maacutequinas Asiacute puede leerse que laquoun
automoacutevil de carreras es maacutes hermoso que la Victoria de Samotraciaraquo
Hay que precisar que una de sus alas al menos en parte no es original sino producto de una restauracioacuten
Como curiosidad cabe sentildealar que la conocida marca deportiva Nike toma su nombre y su logo (en forma de ala) en
honor a eacutesta escultura
ldquoVenus de Milordquo Milo (islas Ciacutecladas)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 202 m
La Afrodita de Milos (griego Αφροδίτη της Μήλου) maacutes conocida como Venus de
Milo es una de las estatuas maacutes representativas del periodo heleniacutestico de la escultura
griega Representa a Afrodita (Venus para los romanos) diosa del amor y la belleza
Esculpida en maacutermol en un tamantildeo ligeramente superior al natural el autor es anoacutenimo
aunque tradicionalmente se ha atribuido a Praxiacuteteles Actualmente se encuentra en el
Louvre de Pariacutes
La estatua se encontroacute en dos pedazos en 1820 en la isla egea de Melos llamada tambieacuten
Milo por un campesino denominado Yorgos Cerca de la estatua se encontraron un
fragmento de un antebrazo y la mano con una manzana y estos restos son considerados
parte de sus brazos Yorgos la escondioacute de las autoridades pero fue descubierto
posteriormente por funcionarios turcos que requisaron la escultura
Un oficial naval franceacutes Jules Dumont reconocioacute su valor y arregloacute su compra para el
embajador franceacutes en Turquiacutea el Marqueacutes de Riviere Despueacutes de alguacuten trabajo de
reparacioacuten la estatua fue presentada al Rey Luis XVIII en 1821 Finalmente el Rey la
entregoacute al Museo del Louvre en Pariacutes donde todaviacutea se muestra hoy a la admiracioacuten
puacuteblica
La autoriacutea no estaacute clara porque junto a ella se encontraron otros fragmentos con inscripciones que mencionaban a dos
artistas de Antioquiacutea llamados Agesandros y Aleixandros aunque se desconoce si eacutestos eran lo autores de la obra o de
otros pedestales colocados maacutes tarde junto a la estatua Se ha llegado a atribuir incluso a Scopas escultor claacutesico del
siglo IV adC aunque en ella no se detecta el pathos caracteriacutestico de este autor
Despueacutes de haber hallado la estatua se hicieron numerosas tentativas para reconstruir su postura aunque nunca se
restauroacute
Tiene una altura de 204 cm y se labroacute en maacutermol de Paros posiblemente hacia finales del siglo II antes de Cristo Estaacute
tallada en fragmentos algo usual en la eacutepoca a imitacioacuten de las esculturas crisoelefantinas del periodo claacutesico
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Desnudo combatiendo llamado el ldquoGladiador
Borgheserdquo Antium (Italia)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 157 m
La estatua de guerrero conocida como Gladiador Borghese entra en esta
coleccioacuten italiana a principios del siglo XVII cuando Nicolas Cordier la
restaura reemplazando el brazo derecho que faltaba Firmada sobre el
tronco del aacuterbol por Agasias de Eacutefeso hijo de Dositheos la obra estaacute
impregnada de las buacutesquedas de Lisipo gran artista del bronce del siglo IV
antes de C Pero la musculatura acentuada lleva la huella del estilo de
Peacutergamo Agasias supo revivir el heroiacutesmo atleacutetico de Lisipo mezclaacutendolo
con el patetismo del periodo heleniacutestico
Michelangelo Buonarroti llamado Miguel
Angel (1475-1564)
Esclavo moribundo Roma 1513-1515
Estatua inacabada maacutermol - A 209 m
Miguel Angel es probablemente por la grandeza de su genio el
escultor maacutes ceacutelebre y los dos Esclavos del Louvre las estatuas maacutes
conocidas del departamento de Esculturas La odisea de estas obras
resume la gran lucha que tuvo Miguel Aacutengel para realizarlas Fueron
disentildeadas para el primer proyecto del colosal monumento funerario de
Julio II (1505) y propuestas para el segundo (1513) pero finalmente
fueron descartadas por los sucesores cuando tras la muerte del papa
cambiaron la concepcioacuten del proyecto debido a problemas
econoacutemicos Julio II que habiacutea sontildeado con un mausoleo aislado en
San Pedro de Roma no tuvo maacutes que una arcada monumental en San
Pedro con Cadenas donde se encuentra el ceacutelebre Moiseacutes
contemporaacuteneo de los Esclavos Regalados por Miguel Aacutengel al
exiliado florentino Roberto Strozzi quien rindioacute vasallaje al rey de
Francia los Esclavos llegaron a Francia en manos del escultor y fueron
instalados sucesivamente en los castillos del condestable de
Montmorency en Ecouen y en el de Richelieu Es posible que
representen a las provincias sometidas o tal vez a las artes sometidas a
la esclavitud tras la muerte del papa o maacutes simplemente que
participen del triunfo eterno del pontiacutefice Tambieacuten pueden representar las pasiones dominadas o bien seguacuten el modelo
platoacutenico pueden ser una imagen del alma humana encadenada por las pesadumbres del cuerpo Los Esclavos como
los otros cuatro de la academia de Florencia que se realizaron maacutes tarde hacia 1531-1532 jamaacutes fueron acabados Lo
inacabado es un tema recurrente en Miguel Angel quien necesitaba tanto de las incertidumbres de una carrera como de
la insatisfaccioacuten de una inalcanzable buacutesqueda de lo absoluto Esta es la causa por la que el maestro considera lo
inacabado como una obra en siacute misma y por tanto digna de aparecer en una donacioacuten Es posible que esto sea asiacute
porque las huellas de las herramientas para trabajar el maacutermol (picos y puntas limas y escofinas treacutepanos y gradinas)
son el reflejo del combate contra la materia en el que se basa toda escultura
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P I N T U R A S
Eugegravene Delacroix (1798-1863)
La Libertad guiando al Pueblo (28 de julio
1830)
1830
Lienzo - A 260 m L 325 m
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por
Eugegravene Delacroix pintado en 1830 y conservado en el Museo
del Louvre de
El lienzo representa una escena del 27 de julio de 1830 en la
que el pueblo de Pariacutes levantoacute barricadas El rey Carlos X de
Francia habiacutea suprimido el parlamento por decreto y teniacutea la
intencioacuten de restringir la libertad de prensa Los disturbios
iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocoacute en
una revolucioacuten seguida por ciudadanos enojados de todas las
clases sociales No existioacute un uacutenico cabecilla Por eso Delacroix representa a la Libertad como guiacutea que conduce al
pueblo Tampoco esta representada de una forma abstracta sino que es una figura alegoacuterica muy sensual y real
Hay una estructura en forma de piraacutemide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo
en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle El ligero pincel de Delacroix y la fuerza
luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros Para aumentar la tensioacuten y el movimiento antildeadioacute contrastes
complementarios junto a la oposicioacuten de los claroscuros El color para Delacroix no solo teniacutea un valor de
representacioacuten sino sobre todo un significado emocional propio con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo
el sentimiento y la disposicioacuten de aacutenimo de las personas
Se utilizan colores paacutelidos con pinceladas sueltas destacando el azul el rojo y el blanco de la bandera
Personajes
En el cuadro aparecen joacutevenes adultos clase obrera burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que como ya se
ha dicho en este caso se identifica tambieacuten con Francia y es representada como una mujer empuntildeando un fusil de la
eacutepoca (rasgo realista) y con el pecho al descubierto hecho este uacuteltimo que escandalizoacute a criacuteticos y a parte de la sociedad
de la eacutepoca Entre los muertos del primer plano (abajo a la derecha del espectador) aparecen tambieacuten soldados leales a
Carlos X
El personaje del sombrero es un burgueacutes en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participoacute en los hechos
En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribioacute a su hermano He comenzado un cuadro de tema moderno una
barricada y si no he luchado por la patria por lo menos pintareacute para ella Aunque como era habitual en los
romaacutenticos Delacroix criticaba a la pequentildea burguesiacutea por su estrechez de miras eacutel mismo procediacutea de una familia de
la alta burguesiacutea y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas Por otra parte asiacute como fue
revolucionario en 1830 adoptoacute una postura contrarrevolucionaria en 1848 en la que comienza a emerger la clase obrera
(ese antildeo Marx publica su Manifiesto Comunista) En cualquier caso como ocurrioacute con David fue un autor poliacuteticamente
comprometido
La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos
siacutembolos revolucionarios el gorro frigio y la bandera tricolor que el nuevo reacutegimen -a pesar de ser monaacuterquico- adoptoacute
nuevamente En segundo plano a la derecha del espectador encontramos Notre-Dame de Pariacutes en una de cuyas torres
ondea la bandera revolucionaria quizaacutes para afirmar el sometimiento de la iglesia que habiacutea sido uno de los apoyos de
la restauracioacuten borboacutenica
Composicioacuten
La composicioacuten del cuadro es claramente piramidal presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de
Geacutericault obra en la que posiblemente se inspira Argan ha sentildealado que al igual que en la balsa laquoel plano de apoyo es
inestable construido con vigas inestables (la barricada) y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el
movimiento de la composicioacutenraquo que acaba culminando en una persona que agita algo en el caso de la balsa un harapo y
en este una bandera No obstante este mismo autor sentildeala que aunque hay similitudes tambieacuten hay diferencias y asiacute en
mientras que en la obra de Geacutericault el movimiento es de delante hacia atraacutes en la Libertad es todo lo contrario (hacia el
espectador) Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo parecen tambieacuten
haber influido en esta obra por las asimetriacuteas las diagonales y los estallidos de color
Junto a la figura alegoacuterica de la Libertad se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis
desnudo de la persona muerta que hay en primer plano abajo a la izquierda iquestEs un cuadro alegoacuterico o histoacuterico No
parece que sea ninguna de las dos cosas por cuanto que lo uacutenico alegoacuterico es la figura de la mujer-libertad-patria y
tampoco representa un hecho concreto real Para Argan es simplemente un cuadro laquorealistaraquo que auacutena alegoriacutea y
realidad Theacuteophile Thoreacute elogioacute la obra y refirieacutendose a la mujer dijo laquoiquestEs una muchacha del pueblo iquestEs el genio de
la libertad Es ambas cosas [] La verdadera alegoriacutea debe tener el doble caraacutecter de ser una figura viviente y un
siacutemboloraquo
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La obra estaacute impregnada de movimiento no solo por los gestos dramaacuteticos de los personajes y por la
composicioacuten en diagonales sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran
en la base de la composicioacuten y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiracioacuten del autor
por Rubens Por otra parte la luz lo refuerza pues es una luz dramaacutetica y compleja con zonas iluminadas y otras en
penumbra pero cuyo origen no se vislumbra La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral pero
a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido humeante y nuboso que dota de maacutes inquietud a la
composicioacuten No obstante ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogeacuteneas en tonos de bronce ndashcomo
en Caravaggio- pues incorpora con gran maestriacutea maacutes fuerza y variedad cromaacutetica como por ejemplo el azul de la
bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad Lo que pone de manifiesto que
Delacroix domina tambieacuten el color del que fue un fino estudioso
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
La Virgen de las Rocas (1483-1486)
Lienzo cimbrado - A 199 m L 122 m
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos
cuadros de Leonardo da Vinci pintados con ideacutentica composicioacuten
pictoacuterica con oacuteleo sobre madera La versioacuten del Louvre fue
transferida a lienzo desde el panel original de madera pero la de
Londreacutes auacuten permanece sobre la tabla Es bastante grande de 200 x
120 centiacutemetros
El 25 de abril de 1483 con los hermanos pintores Evangelista y
Giovanni Ambroglio de Predis por un lado y Bartolomeo Scorione
prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepcioacuten
por otra se estipuloacute el contrato para un retablo a colocar sobre el
altar de la capilla de la Confraternidad en la iglesia de San Francesco
Grande Esta capilla habiacutea sido fundada en el siglo XIV por Beatriz
de Este esposa de Galeazzo I Visconti y quedoacute destruida en 1576
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de
las Rocas La obra debiacutea celebrar la Inmaculada Concepcioacuten El
contrato preveiacutea tres pinturas que debiacutean estar acabadas el 8 de
diciembre por un precio de 800 liras que se pagariacutean a plazos hasta
febrero de 1485 La tabla central debiacutea representar a la Virgen con
Nintildeo y dos profetas y aacutengeles las otras dos cuatro aacutengeles cantores
y muacutesicos
La Virgen estaacute en el centro con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista La Virgen le estaacute mirando A su izquierda
hay un aacutengel sentado maacutes abajo que la Virgen Maacutes abajo estaacute el nintildeo Jesuacutes sentado que tambieacuten mira al pequentildeo La
Virgen predomina en la imagen
Leonardo eligioacute pintar un momento apoacutecrifo de la infancia de Cristo cuando Juan el Bautista nintildeo (San Juanito)
hueacuterfano refugiado dentro de una gruta y protegido por un aacutengel encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto
De acuerdo con la interpretacioacuten tradicional de las pinturas representan a la Virgen Mariacutea en el centro empujando a
Juan hacia Jesuacutes que estaacute sentado con el aacutengel Uriel Jesuacutes estaacute bendiciendo a Juan que extiende su mano en un gesto
de oracioacuten En este cuadro tal como lo pinta Leonardo Juan reconoce y venera al Nintildeo como Cristo En la versioacuten del
Louvre Uriel apunta a Juan y con una leve sonrissa mira ligeramente hacia el espectador Este gesto falta en la versioacuten
londinense en la que el aacutengel mira al nintildeo y no hace ninguna sentildeal con el dedo Otra diferencia entre la versioacuten de
Londres y la de Pariacutes es que en la de la National Gallery aparecen atributos que faltan en la del Louvre como los halos
y la tradicional vara cruciforme de Juan Esto clarifica la identificacioacuten de los nintildeos Jesuacutes y Juan y fueron antildeadidos por
otro artista posiblemente despueacutes de la muerte de Leonardo
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Retrato de Monna Lisa (1479 - antes de 1550)
llamada la GIOCONDA (1503-1517)
Tabla - A 77 cm L 53 cm
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En este sentido es importante recordar en cualquier caso hasta queacute
punto la cuestioacuten del realismo de la representacioacuten del modelo estaacute
relacionado con la identidad de este modelo Y hasta el diacutea de hoy auacuten no
sabemos si Leonardo da Vinci representoacute con fidelidad un modelo existente
si idealizoacute el retrato de una mujer de su entorno o si imaginoacute por completo
un tipo de mujer universal
La Gioconda es el retrato maacutes famoso de la historia y quizaacutes el cuadro maacutes
famoso de la pintura occidental Su fama se debe probablemente a las
muacuteltiples referencias literarias a las diversas interpretaciones sobre la
protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911
Es ademaacutes la uacuteltima gran obra de Leonardo si se tiene en cuenta que siguioacute
retocaacutendola hasta sus uacuteltimos antildeos
Teacutecnica
Leonardo dibujoacute el esbozo del cuadro y despueacutes aplicoacute el oacuteleo diluido en
aceite esencial La teacutecnica se conoce como Sfumato la cual consiste en
prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo
todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce
una impresioacuten de inmersioacuten total en la atmoacutesfera lo cual da una sensacioacuten
de tres dimensiones a la figura
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de aacutelamo extremadamente
fraacutegil recubierta por varias capas de enlucido Se conserva en una urna de
cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial
para evitar los reflejos La caacutemara que alberga el cuadro estaacute disentildeada para
mantener una temperatura constante de 20ordmC y 50 de humedad relativa lo cual busca garantizar las condiciones
oacuteptimas para los cuidados de la pintura
La pintura tiene una grieta de 12 centiacutemetros en la mitad superior probablemente debido a la eliminacioacuten del marco
original aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo dicha
grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX En la actualidad se ha determinado que es estable
y no ha empeorado con el tiempo
Descripcioacuten de la obra
La dama estaacute sentada en un silloacuten y posa sus brazos en los apoyos del asiento En sus manos y sus ojos puede verse un
claro ejemplo caracteriacutestico del esfumado y tambieacuten puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar
sensacioacuten de volumen
Aparece sentada en una galeriacutea vieacutendose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas La galeriacutea
se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes cuando hizo su viaje a
Milaacuten El paisaje posee una atmoacutesfera huacutemeda y acuosa que parece rodear a la modelo Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porcioacuten del Lago de Como sin haber llegado a conclusiones definitivas Por otro lado
en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilizacioacuten que podriacutea estar sentildealando la importancia de la
ingenieriacutea y la arquitectura
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmaacutetica Sobre la cabeza
lleva un velo signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas El brazo izquierdo descansa sobre una
butaca La mano derecha se posa encima de este brazo Esta postura transmite la impresioacuten de serenidad y de que el
personaje retratado domina sus sentimientos
Enigmas
Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo creando pasiones
en muchos autores e investigadores Pese a la gran cantidad de preguntas las respuestas a las mismas no suelen ser del
todo convincentes dejando abierto el debate Especialmente durante los siglos XIX y XX las teoriacuteas acerca del origen
de la modelo la expresioacuten de su rostro la inspiracioacuten del autor y otras tantas han tomado gran protagonismo y obligan
a un anaacutelisis histoacuterico y cientiacutefico profundo
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintoacute la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla
directamente y soacutelo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro El juego de sombras potencia la
sensacioacuten de desconcierto que produce la sonrisa No se sabe si parece sonreiacuter o si es una sonrisa llena de amargura
El ojo humano tiene una visioacuten fotoacutepica foacutevea o directa y la escotoacutepica o perifeacuterica La primera sirve cuando se trata
de percibir detalles pero no para distinguir sombras que es la especialidad de la segunda Leonardo pintoacute la sonrisa de
la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visioacuten perifeacuterica Para ilustrar el efecto puede concentrarse
la mirada en una sola letra sobre una paacutegina impresa y comprobar lo difiacutecil que resulta reconocer el resto de letras
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el
momento de posar
El tiacutetulo del cuadro
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
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El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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Desnudo combatiendo llamado el ldquoGladiador
Borgheserdquo Antium (Italia)
Hacia 100 antes de C
Maacutermol - Alto 157 m
La estatua de guerrero conocida como Gladiador Borghese entra en esta
coleccioacuten italiana a principios del siglo XVII cuando Nicolas Cordier la
restaura reemplazando el brazo derecho que faltaba Firmada sobre el
tronco del aacuterbol por Agasias de Eacutefeso hijo de Dositheos la obra estaacute
impregnada de las buacutesquedas de Lisipo gran artista del bronce del siglo IV
antes de C Pero la musculatura acentuada lleva la huella del estilo de
Peacutergamo Agasias supo revivir el heroiacutesmo atleacutetico de Lisipo mezclaacutendolo
con el patetismo del periodo heleniacutestico
Michelangelo Buonarroti llamado Miguel
Angel (1475-1564)
Esclavo moribundo Roma 1513-1515
Estatua inacabada maacutermol - A 209 m
Miguel Angel es probablemente por la grandeza de su genio el
escultor maacutes ceacutelebre y los dos Esclavos del Louvre las estatuas maacutes
conocidas del departamento de Esculturas La odisea de estas obras
resume la gran lucha que tuvo Miguel Aacutengel para realizarlas Fueron
disentildeadas para el primer proyecto del colosal monumento funerario de
Julio II (1505) y propuestas para el segundo (1513) pero finalmente
fueron descartadas por los sucesores cuando tras la muerte del papa
cambiaron la concepcioacuten del proyecto debido a problemas
econoacutemicos Julio II que habiacutea sontildeado con un mausoleo aislado en
San Pedro de Roma no tuvo maacutes que una arcada monumental en San
Pedro con Cadenas donde se encuentra el ceacutelebre Moiseacutes
contemporaacuteneo de los Esclavos Regalados por Miguel Aacutengel al
exiliado florentino Roberto Strozzi quien rindioacute vasallaje al rey de
Francia los Esclavos llegaron a Francia en manos del escultor y fueron
instalados sucesivamente en los castillos del condestable de
Montmorency en Ecouen y en el de Richelieu Es posible que
representen a las provincias sometidas o tal vez a las artes sometidas a
la esclavitud tras la muerte del papa o maacutes simplemente que
participen del triunfo eterno del pontiacutefice Tambieacuten pueden representar las pasiones dominadas o bien seguacuten el modelo
platoacutenico pueden ser una imagen del alma humana encadenada por las pesadumbres del cuerpo Los Esclavos como
los otros cuatro de la academia de Florencia que se realizaron maacutes tarde hacia 1531-1532 jamaacutes fueron acabados Lo
inacabado es un tema recurrente en Miguel Angel quien necesitaba tanto de las incertidumbres de una carrera como de
la insatisfaccioacuten de una inalcanzable buacutesqueda de lo absoluto Esta es la causa por la que el maestro considera lo
inacabado como una obra en siacute misma y por tanto digna de aparecer en una donacioacuten Es posible que esto sea asiacute
porque las huellas de las herramientas para trabajar el maacutermol (picos y puntas limas y escofinas treacutepanos y gradinas)
son el reflejo del combate contra la materia en el que se basa toda escultura
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P I N T U R A S
Eugegravene Delacroix (1798-1863)
La Libertad guiando al Pueblo (28 de julio
1830)
1830
Lienzo - A 260 m L 325 m
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por
Eugegravene Delacroix pintado en 1830 y conservado en el Museo
del Louvre de
El lienzo representa una escena del 27 de julio de 1830 en la
que el pueblo de Pariacutes levantoacute barricadas El rey Carlos X de
Francia habiacutea suprimido el parlamento por decreto y teniacutea la
intencioacuten de restringir la libertad de prensa Los disturbios
iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocoacute en
una revolucioacuten seguida por ciudadanos enojados de todas las
clases sociales No existioacute un uacutenico cabecilla Por eso Delacroix representa a la Libertad como guiacutea que conduce al
pueblo Tampoco esta representada de una forma abstracta sino que es una figura alegoacuterica muy sensual y real
Hay una estructura en forma de piraacutemide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo
en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle El ligero pincel de Delacroix y la fuerza
luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros Para aumentar la tensioacuten y el movimiento antildeadioacute contrastes
complementarios junto a la oposicioacuten de los claroscuros El color para Delacroix no solo teniacutea un valor de
representacioacuten sino sobre todo un significado emocional propio con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo
el sentimiento y la disposicioacuten de aacutenimo de las personas
Se utilizan colores paacutelidos con pinceladas sueltas destacando el azul el rojo y el blanco de la bandera
Personajes
En el cuadro aparecen joacutevenes adultos clase obrera burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que como ya se
ha dicho en este caso se identifica tambieacuten con Francia y es representada como una mujer empuntildeando un fusil de la
eacutepoca (rasgo realista) y con el pecho al descubierto hecho este uacuteltimo que escandalizoacute a criacuteticos y a parte de la sociedad
de la eacutepoca Entre los muertos del primer plano (abajo a la derecha del espectador) aparecen tambieacuten soldados leales a
Carlos X
El personaje del sombrero es un burgueacutes en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participoacute en los hechos
En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribioacute a su hermano He comenzado un cuadro de tema moderno una
barricada y si no he luchado por la patria por lo menos pintareacute para ella Aunque como era habitual en los
romaacutenticos Delacroix criticaba a la pequentildea burguesiacutea por su estrechez de miras eacutel mismo procediacutea de una familia de
la alta burguesiacutea y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas Por otra parte asiacute como fue
revolucionario en 1830 adoptoacute una postura contrarrevolucionaria en 1848 en la que comienza a emerger la clase obrera
(ese antildeo Marx publica su Manifiesto Comunista) En cualquier caso como ocurrioacute con David fue un autor poliacuteticamente
comprometido
La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos
siacutembolos revolucionarios el gorro frigio y la bandera tricolor que el nuevo reacutegimen -a pesar de ser monaacuterquico- adoptoacute
nuevamente En segundo plano a la derecha del espectador encontramos Notre-Dame de Pariacutes en una de cuyas torres
ondea la bandera revolucionaria quizaacutes para afirmar el sometimiento de la iglesia que habiacutea sido uno de los apoyos de
la restauracioacuten borboacutenica
Composicioacuten
La composicioacuten del cuadro es claramente piramidal presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de
Geacutericault obra en la que posiblemente se inspira Argan ha sentildealado que al igual que en la balsa laquoel plano de apoyo es
inestable construido con vigas inestables (la barricada) y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el
movimiento de la composicioacutenraquo que acaba culminando en una persona que agita algo en el caso de la balsa un harapo y
en este una bandera No obstante este mismo autor sentildeala que aunque hay similitudes tambieacuten hay diferencias y asiacute en
mientras que en la obra de Geacutericault el movimiento es de delante hacia atraacutes en la Libertad es todo lo contrario (hacia el
espectador) Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo parecen tambieacuten
haber influido en esta obra por las asimetriacuteas las diagonales y los estallidos de color
Junto a la figura alegoacuterica de la Libertad se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis
desnudo de la persona muerta que hay en primer plano abajo a la izquierda iquestEs un cuadro alegoacuterico o histoacuterico No
parece que sea ninguna de las dos cosas por cuanto que lo uacutenico alegoacuterico es la figura de la mujer-libertad-patria y
tampoco representa un hecho concreto real Para Argan es simplemente un cuadro laquorealistaraquo que auacutena alegoriacutea y
realidad Theacuteophile Thoreacute elogioacute la obra y refirieacutendose a la mujer dijo laquoiquestEs una muchacha del pueblo iquestEs el genio de
la libertad Es ambas cosas [] La verdadera alegoriacutea debe tener el doble caraacutecter de ser una figura viviente y un
siacutemboloraquo
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La obra estaacute impregnada de movimiento no solo por los gestos dramaacuteticos de los personajes y por la
composicioacuten en diagonales sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran
en la base de la composicioacuten y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiracioacuten del autor
por Rubens Por otra parte la luz lo refuerza pues es una luz dramaacutetica y compleja con zonas iluminadas y otras en
penumbra pero cuyo origen no se vislumbra La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral pero
a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido humeante y nuboso que dota de maacutes inquietud a la
composicioacuten No obstante ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogeacuteneas en tonos de bronce ndashcomo
en Caravaggio- pues incorpora con gran maestriacutea maacutes fuerza y variedad cromaacutetica como por ejemplo el azul de la
bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad Lo que pone de manifiesto que
Delacroix domina tambieacuten el color del que fue un fino estudioso
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
La Virgen de las Rocas (1483-1486)
Lienzo cimbrado - A 199 m L 122 m
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos
cuadros de Leonardo da Vinci pintados con ideacutentica composicioacuten
pictoacuterica con oacuteleo sobre madera La versioacuten del Louvre fue
transferida a lienzo desde el panel original de madera pero la de
Londreacutes auacuten permanece sobre la tabla Es bastante grande de 200 x
120 centiacutemetros
El 25 de abril de 1483 con los hermanos pintores Evangelista y
Giovanni Ambroglio de Predis por un lado y Bartolomeo Scorione
prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepcioacuten
por otra se estipuloacute el contrato para un retablo a colocar sobre el
altar de la capilla de la Confraternidad en la iglesia de San Francesco
Grande Esta capilla habiacutea sido fundada en el siglo XIV por Beatriz
de Este esposa de Galeazzo I Visconti y quedoacute destruida en 1576
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de
las Rocas La obra debiacutea celebrar la Inmaculada Concepcioacuten El
contrato preveiacutea tres pinturas que debiacutean estar acabadas el 8 de
diciembre por un precio de 800 liras que se pagariacutean a plazos hasta
febrero de 1485 La tabla central debiacutea representar a la Virgen con
Nintildeo y dos profetas y aacutengeles las otras dos cuatro aacutengeles cantores
y muacutesicos
La Virgen estaacute en el centro con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista La Virgen le estaacute mirando A su izquierda
hay un aacutengel sentado maacutes abajo que la Virgen Maacutes abajo estaacute el nintildeo Jesuacutes sentado que tambieacuten mira al pequentildeo La
Virgen predomina en la imagen
Leonardo eligioacute pintar un momento apoacutecrifo de la infancia de Cristo cuando Juan el Bautista nintildeo (San Juanito)
hueacuterfano refugiado dentro de una gruta y protegido por un aacutengel encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto
De acuerdo con la interpretacioacuten tradicional de las pinturas representan a la Virgen Mariacutea en el centro empujando a
Juan hacia Jesuacutes que estaacute sentado con el aacutengel Uriel Jesuacutes estaacute bendiciendo a Juan que extiende su mano en un gesto
de oracioacuten En este cuadro tal como lo pinta Leonardo Juan reconoce y venera al Nintildeo como Cristo En la versioacuten del
Louvre Uriel apunta a Juan y con una leve sonrissa mira ligeramente hacia el espectador Este gesto falta en la versioacuten
londinense en la que el aacutengel mira al nintildeo y no hace ninguna sentildeal con el dedo Otra diferencia entre la versioacuten de
Londres y la de Pariacutes es que en la de la National Gallery aparecen atributos que faltan en la del Louvre como los halos
y la tradicional vara cruciforme de Juan Esto clarifica la identificacioacuten de los nintildeos Jesuacutes y Juan y fueron antildeadidos por
otro artista posiblemente despueacutes de la muerte de Leonardo
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Retrato de Monna Lisa (1479 - antes de 1550)
llamada la GIOCONDA (1503-1517)
Tabla - A 77 cm L 53 cm
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En este sentido es importante recordar en cualquier caso hasta queacute
punto la cuestioacuten del realismo de la representacioacuten del modelo estaacute
relacionado con la identidad de este modelo Y hasta el diacutea de hoy auacuten no
sabemos si Leonardo da Vinci representoacute con fidelidad un modelo existente
si idealizoacute el retrato de una mujer de su entorno o si imaginoacute por completo
un tipo de mujer universal
La Gioconda es el retrato maacutes famoso de la historia y quizaacutes el cuadro maacutes
famoso de la pintura occidental Su fama se debe probablemente a las
muacuteltiples referencias literarias a las diversas interpretaciones sobre la
protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911
Es ademaacutes la uacuteltima gran obra de Leonardo si se tiene en cuenta que siguioacute
retocaacutendola hasta sus uacuteltimos antildeos
Teacutecnica
Leonardo dibujoacute el esbozo del cuadro y despueacutes aplicoacute el oacuteleo diluido en
aceite esencial La teacutecnica se conoce como Sfumato la cual consiste en
prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo
todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce
una impresioacuten de inmersioacuten total en la atmoacutesfera lo cual da una sensacioacuten
de tres dimensiones a la figura
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de aacutelamo extremadamente
fraacutegil recubierta por varias capas de enlucido Se conserva en una urna de
cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial
para evitar los reflejos La caacutemara que alberga el cuadro estaacute disentildeada para
mantener una temperatura constante de 20ordmC y 50 de humedad relativa lo cual busca garantizar las condiciones
oacuteptimas para los cuidados de la pintura
La pintura tiene una grieta de 12 centiacutemetros en la mitad superior probablemente debido a la eliminacioacuten del marco
original aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo dicha
grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX En la actualidad se ha determinado que es estable
y no ha empeorado con el tiempo
Descripcioacuten de la obra
La dama estaacute sentada en un silloacuten y posa sus brazos en los apoyos del asiento En sus manos y sus ojos puede verse un
claro ejemplo caracteriacutestico del esfumado y tambieacuten puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar
sensacioacuten de volumen
Aparece sentada en una galeriacutea vieacutendose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas La galeriacutea
se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes cuando hizo su viaje a
Milaacuten El paisaje posee una atmoacutesfera huacutemeda y acuosa que parece rodear a la modelo Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porcioacuten del Lago de Como sin haber llegado a conclusiones definitivas Por otro lado
en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilizacioacuten que podriacutea estar sentildealando la importancia de la
ingenieriacutea y la arquitectura
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmaacutetica Sobre la cabeza
lleva un velo signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas El brazo izquierdo descansa sobre una
butaca La mano derecha se posa encima de este brazo Esta postura transmite la impresioacuten de serenidad y de que el
personaje retratado domina sus sentimientos
Enigmas
Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo creando pasiones
en muchos autores e investigadores Pese a la gran cantidad de preguntas las respuestas a las mismas no suelen ser del
todo convincentes dejando abierto el debate Especialmente durante los siglos XIX y XX las teoriacuteas acerca del origen
de la modelo la expresioacuten de su rostro la inspiracioacuten del autor y otras tantas han tomado gran protagonismo y obligan
a un anaacutelisis histoacuterico y cientiacutefico profundo
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintoacute la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla
directamente y soacutelo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro El juego de sombras potencia la
sensacioacuten de desconcierto que produce la sonrisa No se sabe si parece sonreiacuter o si es una sonrisa llena de amargura
El ojo humano tiene una visioacuten fotoacutepica foacutevea o directa y la escotoacutepica o perifeacuterica La primera sirve cuando se trata
de percibir detalles pero no para distinguir sombras que es la especialidad de la segunda Leonardo pintoacute la sonrisa de
la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visioacuten perifeacuterica Para ilustrar el efecto puede concentrarse
la mirada en una sola letra sobre una paacutegina impresa y comprobar lo difiacutecil que resulta reconocer el resto de letras
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el
momento de posar
El tiacutetulo del cuadro
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
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El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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P I N T U R A S
Eugegravene Delacroix (1798-1863)
La Libertad guiando al Pueblo (28 de julio
1830)
1830
Lienzo - A 260 m L 325 m
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por
Eugegravene Delacroix pintado en 1830 y conservado en el Museo
del Louvre de
El lienzo representa una escena del 27 de julio de 1830 en la
que el pueblo de Pariacutes levantoacute barricadas El rey Carlos X de
Francia habiacutea suprimido el parlamento por decreto y teniacutea la
intencioacuten de restringir la libertad de prensa Los disturbios
iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocoacute en
una revolucioacuten seguida por ciudadanos enojados de todas las
clases sociales No existioacute un uacutenico cabecilla Por eso Delacroix representa a la Libertad como guiacutea que conduce al
pueblo Tampoco esta representada de una forma abstracta sino que es una figura alegoacuterica muy sensual y real
Hay una estructura en forma de piraacutemide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo
en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle El ligero pincel de Delacroix y la fuerza
luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros Para aumentar la tensioacuten y el movimiento antildeadioacute contrastes
complementarios junto a la oposicioacuten de los claroscuros El color para Delacroix no solo teniacutea un valor de
representacioacuten sino sobre todo un significado emocional propio con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo
el sentimiento y la disposicioacuten de aacutenimo de las personas
Se utilizan colores paacutelidos con pinceladas sueltas destacando el azul el rojo y el blanco de la bandera
Personajes
En el cuadro aparecen joacutevenes adultos clase obrera burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que como ya se
ha dicho en este caso se identifica tambieacuten con Francia y es representada como una mujer empuntildeando un fusil de la
eacutepoca (rasgo realista) y con el pecho al descubierto hecho este uacuteltimo que escandalizoacute a criacuteticos y a parte de la sociedad
de la eacutepoca Entre los muertos del primer plano (abajo a la derecha del espectador) aparecen tambieacuten soldados leales a
Carlos X
El personaje del sombrero es un burgueacutes en el que se autorretrata Delacroix a pesar de que no participoacute en los hechos
En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribioacute a su hermano He comenzado un cuadro de tema moderno una
barricada y si no he luchado por la patria por lo menos pintareacute para ella Aunque como era habitual en los
romaacutenticos Delacroix criticaba a la pequentildea burguesiacutea por su estrechez de miras eacutel mismo procediacutea de una familia de
la alta burguesiacutea y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas Por otra parte asiacute como fue
revolucionario en 1830 adoptoacute una postura contrarrevolucionaria en 1848 en la que comienza a emerger la clase obrera
(ese antildeo Marx publica su Manifiesto Comunista) En cualquier caso como ocurrioacute con David fue un autor poliacuteticamente
comprometido
La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria alada de Samotracia) porta dos
siacutembolos revolucionarios el gorro frigio y la bandera tricolor que el nuevo reacutegimen -a pesar de ser monaacuterquico- adoptoacute
nuevamente En segundo plano a la derecha del espectador encontramos Notre-Dame de Pariacutes en una de cuyas torres
ondea la bandera revolucionaria quizaacutes para afirmar el sometimiento de la iglesia que habiacutea sido uno de los apoyos de
la restauracioacuten borboacutenica
Composicioacuten
La composicioacuten del cuadro es claramente piramidal presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de
Geacutericault obra en la que posiblemente se inspira Argan ha sentildealado que al igual que en la balsa laquoel plano de apoyo es
inestable construido con vigas inestables (la barricada) y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el
movimiento de la composicioacutenraquo que acaba culminando en una persona que agita algo en el caso de la balsa un harapo y
en este una bandera No obstante este mismo autor sentildeala que aunque hay similitudes tambieacuten hay diferencias y asiacute en
mientras que en la obra de Geacutericault el movimiento es de delante hacia atraacutes en la Libertad es todo lo contrario (hacia el
espectador) Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo parecen tambieacuten
haber influido en esta obra por las asimetriacuteas las diagonales y los estallidos de color
Junto a la figura alegoacuterica de la Libertad se dan otros detalles tremendamente realistas como puede ser el pubis
desnudo de la persona muerta que hay en primer plano abajo a la izquierda iquestEs un cuadro alegoacuterico o histoacuterico No
parece que sea ninguna de las dos cosas por cuanto que lo uacutenico alegoacuterico es la figura de la mujer-libertad-patria y
tampoco representa un hecho concreto real Para Argan es simplemente un cuadro laquorealistaraquo que auacutena alegoriacutea y
realidad Theacuteophile Thoreacute elogioacute la obra y refirieacutendose a la mujer dijo laquoiquestEs una muchacha del pueblo iquestEs el genio de
la libertad Es ambas cosas [] La verdadera alegoriacutea debe tener el doble caraacutecter de ser una figura viviente y un
siacutemboloraquo
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La obra estaacute impregnada de movimiento no solo por los gestos dramaacuteticos de los personajes y por la
composicioacuten en diagonales sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran
en la base de la composicioacuten y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiracioacuten del autor
por Rubens Por otra parte la luz lo refuerza pues es una luz dramaacutetica y compleja con zonas iluminadas y otras en
penumbra pero cuyo origen no se vislumbra La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral pero
a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido humeante y nuboso que dota de maacutes inquietud a la
composicioacuten No obstante ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogeacuteneas en tonos de bronce ndashcomo
en Caravaggio- pues incorpora con gran maestriacutea maacutes fuerza y variedad cromaacutetica como por ejemplo el azul de la
bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad Lo que pone de manifiesto que
Delacroix domina tambieacuten el color del que fue un fino estudioso
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
La Virgen de las Rocas (1483-1486)
Lienzo cimbrado - A 199 m L 122 m
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos
cuadros de Leonardo da Vinci pintados con ideacutentica composicioacuten
pictoacuterica con oacuteleo sobre madera La versioacuten del Louvre fue
transferida a lienzo desde el panel original de madera pero la de
Londreacutes auacuten permanece sobre la tabla Es bastante grande de 200 x
120 centiacutemetros
El 25 de abril de 1483 con los hermanos pintores Evangelista y
Giovanni Ambroglio de Predis por un lado y Bartolomeo Scorione
prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepcioacuten
por otra se estipuloacute el contrato para un retablo a colocar sobre el
altar de la capilla de la Confraternidad en la iglesia de San Francesco
Grande Esta capilla habiacutea sido fundada en el siglo XIV por Beatriz
de Este esposa de Galeazzo I Visconti y quedoacute destruida en 1576
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de
las Rocas La obra debiacutea celebrar la Inmaculada Concepcioacuten El
contrato preveiacutea tres pinturas que debiacutean estar acabadas el 8 de
diciembre por un precio de 800 liras que se pagariacutean a plazos hasta
febrero de 1485 La tabla central debiacutea representar a la Virgen con
Nintildeo y dos profetas y aacutengeles las otras dos cuatro aacutengeles cantores
y muacutesicos
La Virgen estaacute en el centro con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista La Virgen le estaacute mirando A su izquierda
hay un aacutengel sentado maacutes abajo que la Virgen Maacutes abajo estaacute el nintildeo Jesuacutes sentado que tambieacuten mira al pequentildeo La
Virgen predomina en la imagen
Leonardo eligioacute pintar un momento apoacutecrifo de la infancia de Cristo cuando Juan el Bautista nintildeo (San Juanito)
hueacuterfano refugiado dentro de una gruta y protegido por un aacutengel encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto
De acuerdo con la interpretacioacuten tradicional de las pinturas representan a la Virgen Mariacutea en el centro empujando a
Juan hacia Jesuacutes que estaacute sentado con el aacutengel Uriel Jesuacutes estaacute bendiciendo a Juan que extiende su mano en un gesto
de oracioacuten En este cuadro tal como lo pinta Leonardo Juan reconoce y venera al Nintildeo como Cristo En la versioacuten del
Louvre Uriel apunta a Juan y con una leve sonrissa mira ligeramente hacia el espectador Este gesto falta en la versioacuten
londinense en la que el aacutengel mira al nintildeo y no hace ninguna sentildeal con el dedo Otra diferencia entre la versioacuten de
Londres y la de Pariacutes es que en la de la National Gallery aparecen atributos que faltan en la del Louvre como los halos
y la tradicional vara cruciforme de Juan Esto clarifica la identificacioacuten de los nintildeos Jesuacutes y Juan y fueron antildeadidos por
otro artista posiblemente despueacutes de la muerte de Leonardo
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Retrato de Monna Lisa (1479 - antes de 1550)
llamada la GIOCONDA (1503-1517)
Tabla - A 77 cm L 53 cm
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En este sentido es importante recordar en cualquier caso hasta queacute
punto la cuestioacuten del realismo de la representacioacuten del modelo estaacute
relacionado con la identidad de este modelo Y hasta el diacutea de hoy auacuten no
sabemos si Leonardo da Vinci representoacute con fidelidad un modelo existente
si idealizoacute el retrato de una mujer de su entorno o si imaginoacute por completo
un tipo de mujer universal
La Gioconda es el retrato maacutes famoso de la historia y quizaacutes el cuadro maacutes
famoso de la pintura occidental Su fama se debe probablemente a las
muacuteltiples referencias literarias a las diversas interpretaciones sobre la
protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911
Es ademaacutes la uacuteltima gran obra de Leonardo si se tiene en cuenta que siguioacute
retocaacutendola hasta sus uacuteltimos antildeos
Teacutecnica
Leonardo dibujoacute el esbozo del cuadro y despueacutes aplicoacute el oacuteleo diluido en
aceite esencial La teacutecnica se conoce como Sfumato la cual consiste en
prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo
todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce
una impresioacuten de inmersioacuten total en la atmoacutesfera lo cual da una sensacioacuten
de tres dimensiones a la figura
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de aacutelamo extremadamente
fraacutegil recubierta por varias capas de enlucido Se conserva en una urna de
cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial
para evitar los reflejos La caacutemara que alberga el cuadro estaacute disentildeada para
mantener una temperatura constante de 20ordmC y 50 de humedad relativa lo cual busca garantizar las condiciones
oacuteptimas para los cuidados de la pintura
La pintura tiene una grieta de 12 centiacutemetros en la mitad superior probablemente debido a la eliminacioacuten del marco
original aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo dicha
grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX En la actualidad se ha determinado que es estable
y no ha empeorado con el tiempo
Descripcioacuten de la obra
La dama estaacute sentada en un silloacuten y posa sus brazos en los apoyos del asiento En sus manos y sus ojos puede verse un
claro ejemplo caracteriacutestico del esfumado y tambieacuten puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar
sensacioacuten de volumen
Aparece sentada en una galeriacutea vieacutendose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas La galeriacutea
se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes cuando hizo su viaje a
Milaacuten El paisaje posee una atmoacutesfera huacutemeda y acuosa que parece rodear a la modelo Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porcioacuten del Lago de Como sin haber llegado a conclusiones definitivas Por otro lado
en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilizacioacuten que podriacutea estar sentildealando la importancia de la
ingenieriacutea y la arquitectura
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmaacutetica Sobre la cabeza
lleva un velo signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas El brazo izquierdo descansa sobre una
butaca La mano derecha se posa encima de este brazo Esta postura transmite la impresioacuten de serenidad y de que el
personaje retratado domina sus sentimientos
Enigmas
Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo creando pasiones
en muchos autores e investigadores Pese a la gran cantidad de preguntas las respuestas a las mismas no suelen ser del
todo convincentes dejando abierto el debate Especialmente durante los siglos XIX y XX las teoriacuteas acerca del origen
de la modelo la expresioacuten de su rostro la inspiracioacuten del autor y otras tantas han tomado gran protagonismo y obligan
a un anaacutelisis histoacuterico y cientiacutefico profundo
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintoacute la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla
directamente y soacutelo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro El juego de sombras potencia la
sensacioacuten de desconcierto que produce la sonrisa No se sabe si parece sonreiacuter o si es una sonrisa llena de amargura
El ojo humano tiene una visioacuten fotoacutepica foacutevea o directa y la escotoacutepica o perifeacuterica La primera sirve cuando se trata
de percibir detalles pero no para distinguir sombras que es la especialidad de la segunda Leonardo pintoacute la sonrisa de
la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visioacuten perifeacuterica Para ilustrar el efecto puede concentrarse
la mirada en una sola letra sobre una paacutegina impresa y comprobar lo difiacutecil que resulta reconocer el resto de letras
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el
momento de posar
El tiacutetulo del cuadro
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
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El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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La obra estaacute impregnada de movimiento no solo por los gestos dramaacuteticos de los personajes y por la
composicioacuten en diagonales sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran
en la base de la composicioacuten y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiracioacuten del autor
por Rubens Por otra parte la luz lo refuerza pues es una luz dramaacutetica y compleja con zonas iluminadas y otras en
penumbra pero cuyo origen no se vislumbra La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral pero
a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido humeante y nuboso que dota de maacutes inquietud a la
composicioacuten No obstante ese tenebrismo aludido no da como resultado figuras homogeacuteneas en tonos de bronce ndashcomo
en Caravaggio- pues incorpora con gran maestriacutea maacutes fuerza y variedad cromaacutetica como por ejemplo el azul de la
bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la Libertad Lo que pone de manifiesto que
Delacroix domina tambieacuten el color del que fue un fino estudioso
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
La Virgen de las Rocas (1483-1486)
Lienzo cimbrado - A 199 m L 122 m
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos
cuadros de Leonardo da Vinci pintados con ideacutentica composicioacuten
pictoacuterica con oacuteleo sobre madera La versioacuten del Louvre fue
transferida a lienzo desde el panel original de madera pero la de
Londreacutes auacuten permanece sobre la tabla Es bastante grande de 200 x
120 centiacutemetros
El 25 de abril de 1483 con los hermanos pintores Evangelista y
Giovanni Ambroglio de Predis por un lado y Bartolomeo Scorione
prior de la Confraternidad milanesa de la Inmaculada Concepcioacuten
por otra se estipuloacute el contrato para un retablo a colocar sobre el
altar de la capilla de la Confraternidad en la iglesia de San Francesco
Grande Esta capilla habiacutea sido fundada en el siglo XIV por Beatriz
de Este esposa de Galeazzo I Visconti y quedoacute destruida en 1576
Este contrato de 1483 es el primer documento relativo a La Virgen de
las Rocas La obra debiacutea celebrar la Inmaculada Concepcioacuten El
contrato preveiacutea tres pinturas que debiacutean estar acabadas el 8 de
diciembre por un precio de 800 liras que se pagariacutean a plazos hasta
febrero de 1485 La tabla central debiacutea representar a la Virgen con
Nintildeo y dos profetas y aacutengeles las otras dos cuatro aacutengeles cantores
y muacutesicos
La Virgen estaacute en el centro con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista La Virgen le estaacute mirando A su izquierda
hay un aacutengel sentado maacutes abajo que la Virgen Maacutes abajo estaacute el nintildeo Jesuacutes sentado que tambieacuten mira al pequentildeo La
Virgen predomina en la imagen
Leonardo eligioacute pintar un momento apoacutecrifo de la infancia de Cristo cuando Juan el Bautista nintildeo (San Juanito)
hueacuterfano refugiado dentro de una gruta y protegido por un aacutengel encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto
De acuerdo con la interpretacioacuten tradicional de las pinturas representan a la Virgen Mariacutea en el centro empujando a
Juan hacia Jesuacutes que estaacute sentado con el aacutengel Uriel Jesuacutes estaacute bendiciendo a Juan que extiende su mano en un gesto
de oracioacuten En este cuadro tal como lo pinta Leonardo Juan reconoce y venera al Nintildeo como Cristo En la versioacuten del
Louvre Uriel apunta a Juan y con una leve sonrissa mira ligeramente hacia el espectador Este gesto falta en la versioacuten
londinense en la que el aacutengel mira al nintildeo y no hace ninguna sentildeal con el dedo Otra diferencia entre la versioacuten de
Londres y la de Pariacutes es que en la de la National Gallery aparecen atributos que faltan en la del Louvre como los halos
y la tradicional vara cruciforme de Juan Esto clarifica la identificacioacuten de los nintildeos Jesuacutes y Juan y fueron antildeadidos por
otro artista posiblemente despueacutes de la muerte de Leonardo
Leonardo di ser Piero da Vinci llamado
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Retrato de Monna Lisa (1479 - antes de 1550)
llamada la GIOCONDA (1503-1517)
Tabla - A 77 cm L 53 cm
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En este sentido es importante recordar en cualquier caso hasta queacute
punto la cuestioacuten del realismo de la representacioacuten del modelo estaacute
relacionado con la identidad de este modelo Y hasta el diacutea de hoy auacuten no
sabemos si Leonardo da Vinci representoacute con fidelidad un modelo existente
si idealizoacute el retrato de una mujer de su entorno o si imaginoacute por completo
un tipo de mujer universal
La Gioconda es el retrato maacutes famoso de la historia y quizaacutes el cuadro maacutes
famoso de la pintura occidental Su fama se debe probablemente a las
muacuteltiples referencias literarias a las diversas interpretaciones sobre la
protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911
Es ademaacutes la uacuteltima gran obra de Leonardo si se tiene en cuenta que siguioacute
retocaacutendola hasta sus uacuteltimos antildeos
Teacutecnica
Leonardo dibujoacute el esbozo del cuadro y despueacutes aplicoacute el oacuteleo diluido en
aceite esencial La teacutecnica se conoce como Sfumato la cual consiste en
prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo
todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce
una impresioacuten de inmersioacuten total en la atmoacutesfera lo cual da una sensacioacuten
de tres dimensiones a la figura
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de aacutelamo extremadamente
fraacutegil recubierta por varias capas de enlucido Se conserva en una urna de
cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial
para evitar los reflejos La caacutemara que alberga el cuadro estaacute disentildeada para
mantener una temperatura constante de 20ordmC y 50 de humedad relativa lo cual busca garantizar las condiciones
oacuteptimas para los cuidados de la pintura
La pintura tiene una grieta de 12 centiacutemetros en la mitad superior probablemente debido a la eliminacioacuten del marco
original aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo dicha
grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX En la actualidad se ha determinado que es estable
y no ha empeorado con el tiempo
Descripcioacuten de la obra
La dama estaacute sentada en un silloacuten y posa sus brazos en los apoyos del asiento En sus manos y sus ojos puede verse un
claro ejemplo caracteriacutestico del esfumado y tambieacuten puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar
sensacioacuten de volumen
Aparece sentada en una galeriacutea vieacutendose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas La galeriacutea
se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes cuando hizo su viaje a
Milaacuten El paisaje posee una atmoacutesfera huacutemeda y acuosa que parece rodear a la modelo Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porcioacuten del Lago de Como sin haber llegado a conclusiones definitivas Por otro lado
en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilizacioacuten que podriacutea estar sentildealando la importancia de la
ingenieriacutea y la arquitectura
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmaacutetica Sobre la cabeza
lleva un velo signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas El brazo izquierdo descansa sobre una
butaca La mano derecha se posa encima de este brazo Esta postura transmite la impresioacuten de serenidad y de que el
personaje retratado domina sus sentimientos
Enigmas
Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo creando pasiones
en muchos autores e investigadores Pese a la gran cantidad de preguntas las respuestas a las mismas no suelen ser del
todo convincentes dejando abierto el debate Especialmente durante los siglos XIX y XX las teoriacuteas acerca del origen
de la modelo la expresioacuten de su rostro la inspiracioacuten del autor y otras tantas han tomado gran protagonismo y obligan
a un anaacutelisis histoacuterico y cientiacutefico profundo
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintoacute la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla
directamente y soacutelo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro El juego de sombras potencia la
sensacioacuten de desconcierto que produce la sonrisa No se sabe si parece sonreiacuter o si es una sonrisa llena de amargura
El ojo humano tiene una visioacuten fotoacutepica foacutevea o directa y la escotoacutepica o perifeacuterica La primera sirve cuando se trata
de percibir detalles pero no para distinguir sombras que es la especialidad de la segunda Leonardo pintoacute la sonrisa de
la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visioacuten perifeacuterica Para ilustrar el efecto puede concentrarse
la mirada en una sola letra sobre una paacutegina impresa y comprobar lo difiacutecil que resulta reconocer el resto de letras
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el
momento de posar
El tiacutetulo del cuadro
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
- 12 -
El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
- 8 -
En este sentido es importante recordar en cualquier caso hasta queacute
punto la cuestioacuten del realismo de la representacioacuten del modelo estaacute
relacionado con la identidad de este modelo Y hasta el diacutea de hoy auacuten no
sabemos si Leonardo da Vinci representoacute con fidelidad un modelo existente
si idealizoacute el retrato de una mujer de su entorno o si imaginoacute por completo
un tipo de mujer universal
La Gioconda es el retrato maacutes famoso de la historia y quizaacutes el cuadro maacutes
famoso de la pintura occidental Su fama se debe probablemente a las
muacuteltiples referencias literarias a las diversas interpretaciones sobre la
protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911
Es ademaacutes la uacuteltima gran obra de Leonardo si se tiene en cuenta que siguioacute
retocaacutendola hasta sus uacuteltimos antildeos
Teacutecnica
Leonardo dibujoacute el esbozo del cuadro y despueacutes aplicoacute el oacuteleo diluido en
aceite esencial La teacutecnica se conoce como Sfumato la cual consiste en
prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y envolverlo
todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce
una impresioacuten de inmersioacuten total en la atmoacutesfera lo cual da una sensacioacuten
de tres dimensiones a la figura
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de aacutelamo extremadamente
fraacutegil recubierta por varias capas de enlucido Se conserva en una urna de
cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial
para evitar los reflejos La caacutemara que alberga el cuadro estaacute disentildeada para
mantener una temperatura constante de 20ordmC y 50 de humedad relativa lo cual busca garantizar las condiciones
oacuteptimas para los cuidados de la pintura
La pintura tiene una grieta de 12 centiacutemetros en la mitad superior probablemente debido a la eliminacioacuten del marco
original aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo dicha
grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX En la actualidad se ha determinado que es estable
y no ha empeorado con el tiempo
Descripcioacuten de la obra
La dama estaacute sentada en un silloacuten y posa sus brazos en los apoyos del asiento En sus manos y sus ojos puede verse un
claro ejemplo caracteriacutestico del esfumado y tambieacuten puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar
sensacioacuten de volumen
Aparece sentada en una galeriacutea vieacutendose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas La galeriacutea
se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes cuando hizo su viaje a
Milaacuten El paisaje posee una atmoacutesfera huacutemeda y acuosa que parece rodear a la modelo Se ha intentado localizar el
aparente recodo del Arno o una porcioacuten del Lago de Como sin haber llegado a conclusiones definitivas Por otro lado
en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilizacioacuten que podriacutea estar sentildealando la importancia de la
ingenieriacutea y la arquitectura
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmaacutetica Sobre la cabeza
lleva un velo signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas El brazo izquierdo descansa sobre una
butaca La mano derecha se posa encima de este brazo Esta postura transmite la impresioacuten de serenidad y de que el
personaje retratado domina sus sentimientos
Enigmas
Durante varios siglos las interrogantes sin respuesta acerca de la obra de Leonardo han ido creciendo creando pasiones
en muchos autores e investigadores Pese a la gran cantidad de preguntas las respuestas a las mismas no suelen ser del
todo convincentes dejando abierto el debate Especialmente durante los siglos XIX y XX las teoriacuteas acerca del origen
de la modelo la expresioacuten de su rostro la inspiracioacuten del autor y otras tantas han tomado gran protagonismo y obligan
a un anaacutelisis histoacuterico y cientiacutefico profundo
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintoacute la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla
directamente y soacutelo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro El juego de sombras potencia la
sensacioacuten de desconcierto que produce la sonrisa No se sabe si parece sonreiacuter o si es una sonrisa llena de amargura
El ojo humano tiene una visioacuten fotoacutepica foacutevea o directa y la escotoacutepica o perifeacuterica La primera sirve cuando se trata
de percibir detalles pero no para distinguir sombras que es la especialidad de la segunda Leonardo pintoacute la sonrisa de
la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visioacuten perifeacuterica Para ilustrar el efecto puede concentrarse
la mirada en una sola letra sobre una paacutegina impresa y comprobar lo difiacutecil que resulta reconocer el resto de letras
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el
momento de posar
El tiacutetulo del cuadro
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
- 12 -
El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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El tiacutetulo del cuadro se dio a conocer treinta y un antildeos despueacutes de la muerte de su autor por lo cual no pudo ser
Leonardo quien le pusiese dicho tiacutetulo por otro lado se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras
No se sabe a ciencia cierta cuaacutel es el origen del nombre del cuadro o de quieacuten lo bautizoacute Existen hipoacutetesis variadas
Gioconda significa Alegre en castellano lo cual hariacutea alusioacuten directa a la sonrisa de la modelo
Giocondo era el apellido del esposo de la supuesta modelo compagina con Mona Lisa puesto que era el nombre de
Gherardini Ademaacutes Mona es el diminutivo en italiano de Madonna que quiere decir Mi Sentildeora por lo que podriacutea
leerse Mi Sentildeora Elisa De cualquier manera el nombre maacutes popular en Italia es Gioconda Mona Lisa podriacutea ser un
anagrama de dos deidades egipcias asociadas con la fertilidad Amoacuten (varoacuten) e Isis (mujer)
Michelangelo Merisi llamado Caravaggio
(1571-1610)
La Muerte de la Virgen (1605-1606)
Lienzo
La Muerte de la Virgen (en italiano Morte Della Vergine) es una
obra maestra del pintor italiano Caravaggio Estaacute realizado al oacuteleo
sobre lienzo en el antildeo 1606 y se conserva actualmente en el
Museo del Louvre de Pariacutes con el tiacutetulo de La Mort de la
ViergeEs una obra cercana en el tiempo a la Virgen con el Nintildeo y
Santa Ana (Dei Palafrenieri) actualmente en la Galeriacutea Borghese
Le fue encargada por Laerzio Cherubini un abogado papal para
su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en el
Trastevere Roma en 1601
Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606 La
representacioacuten de la Virgen Mariacutea causoacute cierto escaacutendalo y fue
rechazada como inadecuada para la parroquia que en su lugar
puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni
Por consiguiente y por recomendacioacuten de Pedro Pablo Rubens
que la ensalzoacute como una de las mejores obras de Caravaggio el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua
Vincenzo Gonzaga por trescientos ducados
Es un lienzo de gran tamantildeo representando la muerte de la Virgen Mariacutea Era un tema debatido y no resuelto por la
doctrina catoacutelica Este cuadro se realizoacute en un tiempo en que el dogma de la Asuncioacuten de Mariacutea no se habiacutea enunciado
formalmente ex caacutetedra por el papa Aunque su asuncioacuten en cuerpo y alma sea un dogma no hay evidencia documental
en relacioacuten con la muerte de la Virgen Coacutemo murioacute no es un dogma Algunos imaginaron una dormicioacuten post-mortem
como un momento en el que Dios resucitoacute su cuerpo no puacutetrido y lo llevoacute al cielo Otros sentildealaron que no sintioacute dolor
ni enfermedad ni miedo por la muerte pues murioacute sin pecado y que ella fue asumpta en cuerpo sano y alma antes de la
muerte
La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en cuanto a su tamantildeo sobriedad y el naturalismo fotograacutefico
Su naturalismo es tiacutepico de la Contrarreforma
Las figuras casi tienen tamantildeo real El centro de atencioacuten del cuadro es la figura de la Virgen Mariacutea representada de
manera muy parecida a una mujer del pueblo sin atributos miacutesticos evidenciaacutendose su santidad soacutelo en el halo Por
otro lado la Mariacutea de Caravaggio siacute estaacute muerta sus pies hinchados No hay una nube de querubines llevaacutendola al cielo
como hizo una deacutecada antes Carracci [1] en la Capilla Cerasi No representa una asuncioacuten sino su muerte con la mano
apuntando al suelo Si sintioacute dolor o no es algo que no se sabe pero queda claro que es viacutectima de una enfermedad Sus
contemporaacuteneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta
Alrededor de la Virgen se encuentran Mariacutea Magdalena y los Apoacutestoles En primer plano Mariacutea Magdalena llora
sentada en una simple silla con la cabeza entre las manos Los Apoacutestoles a su alrededor tambieacuten se muestran
entristecidos pero no mediante expresiones exageradamente emotivas sino ocultando los rostros Caravaggio maestro
de los lienzos oscuros y tenebristas no estaacute interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones
De alguna forma este es un dolor silencioso no una llamada a los plantildeideros Los gemidos discurren en un silencio
emocional sin rostro El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro y el que se arrodilla a su lado quizaacute sea
Juan el Evangelista
La escena transcurre en un ambiente humilde Los colores son muy oscuros con los uacutenicos toques luminosos del rojo de
la ropa de la muerta y un gran teloacuten rojo que pende por la parte superior del lienzo motivo usual en un cuadro fuacutenebre
Es praacutecticamente el uacutenico elemento de una escenografiacutea pobre
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
- 11 -
Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
- 12 -
El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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Alberto Durero (1471-1528)
Autorretrato (1493)
Pergamino pegado sobre lienzo
Este Autorretrato (en alemaacuten Selbstportait) es una de las obras maacutes conocidas del
pintor alemaacuten Alberto Durero (Albrecht Duumlrer) Es un oacuteleo sobre tela encolada
pintado en 1493 Mide 565 cm de alto y 445 cm de ancho Se exhibe actualmente en
el Museo del Louvre de Pariacutes Tambieacuten es conocido como Autorretrato con flor de
cardo
Alberto Durero hijo de un orfebre huacutengaro que se establecioacute en Nuremberg es el
maacuteximo representante del Renacimiento en Alemania Fue el primer pintor occidental
que se representoacute a siacute mismo en varios autorretratos a lo largo de su vida Gracias a
ellos se puede ver la evolucioacuten humana del artista Precisamente la obra suya maacutes
antigua que se conserva es un Autorretrato realizado a punta de plata que es un tipo de grabado en el que no cabe
rectificacioacuten Lo hizo en el antildeo 1484 cuando teniacutea 13 antildeos Se conserva en el museo Albertina que se encuentra en el
Palacio Imperial de Hofburg (Viena) junto a otras obras del autor como laquoLa liebreraquo
Este Autorretrato del Louvre se considera el primer autorretrato autoacutenomo sobre caballete de la pintura alemana Esta
obra fue realizada sobre papel (pergamino) despueacutes pegado al lienzo con las siguientes dimensiones 57 times 45 cm
Durero aparece imberbe adolescente con una ramita de cardo en las manos siacutembolo del sufrimiento de Cristo la flor
de cardo llamada Mannestruc en alemaacuten representa tambieacuten desde la Antiguumledad la fidelidad conyugal y se ofreciacutea a
las joacutevenes esposas Durero sin embargo teniacutea entonces 22 antildeos y auacuten estaba soltero pues su boda tuvo lugar al antildeo
siguiente Podriacutea ser un cuadro para regalar a su novia Agnes Frey
Adopta una postura de tres cuartos Mira fijamente al espectador El cabello rubio y largo no impide que se le vea la
frente la mandiacutebula y el loacutebulo de la oreja Lleva un tocado de color rojo como los ribetes de la ropa A juzgar por su
peinado y apariencia parece que el momento que transcurriacutea era de una pobreza relativa En la parte superior sobre su
cabeza aparece la fecha y una inscripcioacuten que dice laquoMy sach die gat Als es oben schtatraquo Se ha traducido como laquoMi
destino progresaraacute seguacuten el orden Supremoraquo tambieacuten puede entenderse como laquoTodo me va como estaacute ordenado desde
allaacute arribaraquo o laquoLas cosas me van como allaacute arriba estaacute ordenadoraquo
Es una de sus primeras obras en la que combina la expresioacuten retenida del goacutetico alemaacuten con la precisioacuten de un Van
Eyck Pero a este estilo noacuterdico le insufla un espiacuteritu Italiano al ponerse como ejemplo de hombre independiente duentildeo
de sus pensamientos ejemplo de espiacuteritu humanista Como en el resto de sus autorretratos y retratos resulta magistral
en cuando a la profundidad psicoloacutegica
Jan Van Eyck (1390-1441)
La Virgen del canciller Rolin Hacia 1435
Tabla - A 66 cm L 62 cm
La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en
oacuteleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435 Actualmente estaacute expuesta
en el Museo del Louvre en Pariacutes donde se exhibe con el tiacutetulo de La
Vierge du chancelier Rolin
Es un cuadro religioso pintado al oacuteleo sobre tabla pero como aparece
el comitente o donante tambieacuten puede ser considerado un retrato La
pintura fue encargada por Nicolaacutes Rolin canciller de Felipe el Bueno
un importante funcionario de la corte de Borgontildea Jan Van Eyck no
soacutelo plasmoacute su apariencia fiacutesica sino tambieacuten su temperamento Se
trataba de un poliacutetico muy arrogante lo que explica por ejemplo que
se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamantildeo que ella Hasta entonces los cuadros con
donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamantildeo que las figuras sagradas de la Virgen o Jesuacutes y en
segundo lugar por la presencia de un santo generalmente el del nombre del donante que hiciera de intermediario ante
la Virgen A ello se une la ostentacioacuten de lujo que describe la posicioacuten social del donante
Jan Van Eyck castellanizado como Juan del Encina en su viaje a Espantildea nacioacute en Maastricht en el antildeo 1390 y murioacute
en Brujas en el antildeo 1441 Trabajoacute tanto en Dijon como en Brujas casi siempre para Felipe III archiduque de Borgontildea y
su corte a la que perteneciacutea el Canciller Rolin Se le considera junto a su hermano Huberto fundador de la Escuela
pictoacuterica de los Primitivos Flamencos Sus obras maacutes conocidas son el Retrato del Matrimonio Arnolfini (Galeriacutea
Nacional de Londres Inglaterra y el Poliacuteptico de la adoracioacuten del Cordero Miacutestico en la catedral de Gante Beacutelgica)
- 11 -
Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
- 12 -
El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
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Es una obra pintada al oacuteleo sobre tabla El oacuteleo es una teacutecnica basada en la disolucioacuten de pigmentos en aceites que fue
perfeccionada por los hermanos Van Eyck uno de los cuales es el autor de esta obra El oacuteleo presenta claras ventajas
sobre la pintura al temple que era la teacutecnica usada hasta ahora es maacutes transparente y luminoso por ello permite un
mejor tratamiento de la perspectiva del aire y de la luz al ser maacutes consistente los objetos se pueden representar con
mayor exactitud y seca maacutes despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego
Van Eyck es el miembro de la escuela de los Primitivos Flamencos su estilo tiene pues caracteres comunes a todos los
pintores del grupo y otras propias
Esta obra se concibioacute para verla de cerca ya que debiacutea colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de
Autun por eso los detalles se plasman con una exactitud microscoacutepica soacutelo posible gracias al empleo del oacuteleo y de
plumillas especiales En la sacristiacutea de esa catedral estuvo hasta 1800
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso de ahiacute que el cuadro sea un alarde de riqueza pero ademaacutes
los objetos suelen esconder una simbologiacutea El paisaje urbano que se aprecia a traveacutes del ventanal posiblemente sea
Lieja aunque se ha sugerido tambieacuten que podriacutea ser Maastricht Utrecht o Autun Pero esa urbe es tambieacuten una
metaacutefora de la Nueva Jerusaleacuten o una referencia graacutefica a las dos ciudades de San Agustiacuten la ciudad Terrenal a
nuestra izquierda y la ciudad Celestial a nuestra derecha es decir la Ciudad de Dios Seriacutea por lo tanto maacutes bien una
ciudad ideal construida a partir de edificios que podriacutean remitir a la realidad
Maacutes cerca bajo la ventana el huerto desde donde dos personajes miran el panorama es un edeacuten simboacutelico alegoriacutea
del Paraiacuteso Terrenal Otros autores apuntan a que esa balconada llena de flores simboacutelicas aludiriacutea al hortus
conclusus el jardiacuten cerrado que representa la virginidad de Mariacutea Todos estos siacutembolos sociales y religiosos se
vinculan a la presencia de la Virgen y del Nintildeo ya que en el jardiacuten aparecen pavos reales (que es una de las sentildeales de
Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen) En cualquier caso son elementos (el libro que tiene abierto el
cardenal las plantas y las flores los animales y las personas paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo
Se presta gran atencioacuten a la corona de oro que un aacutengel sostiene sobre la cabeza de Virgen con una filigrana de oro y
piedras preciosas
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck y la consigue por medio de efectos geomeacutetricos (el enlosado del suelo los arcos
laterales de la estanciahellip)y atmosfeacutericos (las formas y los colores se desvanecen con la distancia)
Paolo Cagliari llamado
VERONESE (1528-1588)
Las Bodas de Canaacute Hacia 1563
Tabla - A 990 cm L 666 cm
Las bodas de Canaacute es una de las pinturas maacutes
famosas de la produccioacuten total del pintor italiano
Paolo Veronese conocido por Veroneacutes Estaacute
realizado en oacuteleo sobre tela y fue pintado en el
1563 Mide 990 cm de ancho y 666 cm de alto
El lienzo tiene un tamantildeo impresionante de 666
x 990 cm Con tales dimensiones es el maacutes
imponente de los cuadros de las colecciones
nacionales francesas y en todo caso las del Louvre La altura de 666 centiacutemetros no es ninguna referencia oculta al
Apocalipsis sino pura coincidencia ya que el sistema meacutetrico no existiacutea en la eacutepoca de Veroneacutes
La pintura representa las Bodas de Canaacute recogido en el Evangelio de Juan una historia sobre un milagro tomada del
Nuevo Testamento cristiano En la historia Jesuacutes y sus disciacutepulos estaacuten invitados a una celebracioacuten nupcial en Canaacute
Galilea Hacia el final de la fiesta cuando se quedan sin vino Jesuacutes ordenoacute a los siervos que llenaran tinajas con agua
que eacutel convirtioacute en vino siendo este su primer milagro
Como es usual en Veroneacutes representa un episodio evangeacutelico ocurrido en la antigua ciudad de Canaacute al estilo de las
grandes fiestas venecianas de la eacutepoca en un marco arquitectoacutenico renacentista con columnas doacutericas y corintias
alrededor de un patio abierto Pero tambieacuten causoacute cierto escaacutendalo al insistir maacutes en la fiesta que en los elementos
religiosos Se deciacutea en la eacutepoca que los venecianos creiacutean muchiacutesimo en san Marcos bastante en Dios y poco o nada
en el Papa) Resultaba un cuadro muy moderno pues algunos elementos de arquitectura reflejaban edificios creados
por Palladio ese mismo antildeo y tambieacuten cosmopolita al mezclarse personas y trajes orientales y occidentales
El cuadro tiene dos partes diferenciadas la inferior en la que se amontonan hasta 130 figuras y la superior dominada
por la arquitectura en la que personajes populares se representan en arriesgados escorzos y con unos elementos
arquitectoacutenicos captados en perspectiva
En el centro del patio se sientan un grupo de muacutesicos tocando instrumentos renacentistas lauacuted y los primeros
instrumentos de cuerda El artista se autorretrato aquiacute vestido con una tunica blanca y sosteniendo una viola da gamba
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El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
- 12 -
El pintor veneciano Tiziano se sienta enfrente vestido de rojo tocando un violonchelo Tintoretto se encuentra al violiacuten
y Jacopo Bassano a la flauta
En el centro del cuadro Jesucristo sentado con un halo alrededor de la cabeza a su derecha se sienta la Virgen Mariacutea y
los rodean sus doce disciacutepulos (algo muy frecuente en las pinturas italianas de esta eacutepoca)
Sentildeala L Monreal que en el lienzo aparecen representados distintos personajes de la eacutepoca Alfonso de Aacutevalos
marqueacutes del Vasto que gobernaba el Milanesado Leonor de Austria Francisco I Mariacutea de Inglaterra Solimaacuten el
Magniacutefico que es el personaje de la izquierda con turbante Vittoria Colonna y Carlos V de perfil dirigieacutendose a un
sirviente
Sobre Jesuacutes sobre una pasarela elevada varios hombres cortan la carne de un animal no identificado A su derecha
traen otro animal para sacrificarlo Los criacuteticos de arte generalmente consideran que este animal es un cordero
considerando que Jesuacutes es el Agnus Dei o Cordero de Dios El cordero sacrificado es por lo tanto un siacutembolo de su
futuro sacrificio Cristo se halla justo bajo la hoja Hacia la parte inferior izquierda de la pintura hay un hombre
sirvieacutendose vino de un jarro enorme y ornamentado A su lado un hombre permanece de pie estudiando una copa de
vino es Benedetto hermano de Veroneacutes Debe destacarse que aunque muchos de los personajes en la pintura sostienen
vasos de vino nadie parece estar ebrio sino que disfrutan sanamente de la fiesta Este eje vertical es tambieacuten
sumamente simboacutelico porque detraacutes de Cristo estaacute el cordero sacrificado debajo de eacutel los muacutesicos y justo en frente de
los muacutesicos hay un reloj de arena que en arte es llamado una vanidad Muestra los placeres terrenales como la
muacutesica pero al tiempo recuerda la muerte (el reloj de arena el sacrificio)
No se aprecia que ninguna de las figuras del cuadro esteacuten claramente hablando Esto es asiacute porque fue encargado por un
monasterio benedictino y el silencio en el refectorio se observaba estrictamente El centro de la pintura estaacute dominado
por un cielo azul abierto en el que se ve una airosa torre importante elemento que abriacutea la habitacioacuten donde la pintura
colgoacute originariamente
Lo maacutes probable es que las figuras de la pintura esteacuten disfrutando el postre pues sobre la mesa se ve azuacutecar frutas y (de
acuerdo con al menos un conservador del Museo del Louvre) mermelada de membrillo Iroacutenicamente parece sin
embargo que al tiempo se prepara el plato principal que son los animales sacrificados Esto podriacutea reforzar la teoriacutea de
que los animales son corderos y su presencia en el cuadro es meramente simboacutelica
Jacques-Louis David (1748- 1825)
La coronacioacuten de Napoleoacuten Hacia 1807
Tabla - A 979cm L 6629cm
La coronacioacuten de Napoleoacuten (en franceacutes Le Sacre de
Napoleacuteon) es una obra de Jacques-Louis David pintor
oficial de Napoleoacuten Bonaparte realizada entre 1805 y 1808
El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x
979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de Pariacutes
Francia pero tambieacuten en Versalles La coronacioacuten y la
consagracioacuten tuvieron lugar en Notre Dame de Pariacutes una manera para Napoleoacuten de poner de manifiesto que era un hijo
de la Revolucioacuten designaba la capital como el centro poliacutetico administrativo y cultural de Francia
El cuadro estaacute recorrido por varias liacuteneas directrices y respeta las normas del neoclasicismo Una del principales es la
que pasa por la cruz y que tiene una orientacioacuten vertical Todas las miradas parecen converger hacia Napoleoacuten que estaacute
en el centro de la composicioacuten Un eje diagonal va del papa a la emperatriz
La representacioacuten de la ceremonia
La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre Dame de Pariacutes Napoleoacuten se distancia aquiacute
del protocolo monaacuterquico y quiere romperse con la herencia Borboacuten Sin embargo los distintos objetos recuerdan los
regalia reales estaacuten presentes la corona y el cetro Pero el emperador no es consagrado por la gracia de Dios no se
convierte en una monarca por la gracia de Dios
El decorado arcaizante el globo y la corona de laurel indican la fascinacioacuten de Napoleoacuten por el imperio romano La
presencia de altos dignatarios asiacute como de la familia Bonaparte son los apoyos del nuevo reacutegimen Componen a la
nueva nobleza de imperio (oficialmente fundado en 1808) de una nobleza basada en el meacuterito Napoleoacuten restablece una
corte con una etiqueta y reside en los palacios de la monarquiacutea francesa (Tulleriacuteas)
