Sara Diez Álvarez

Nerea Vaquero González

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) nació en Fuendetodos (Zaragoza)Viajó por Italia con su maestro, José Luxan, estudió el barroco italiano y regresó a Zaragozadonde realizó sus pinturas murales del Pilar.Se instaló en la corte como pintor de cartones para tapices gracias a su matrimonio con lahermana de Bayeu.Muy pronto su dominio del color y del dibujo le hicieron recibir encargos de retratos, y en 1775 fue nombrado pintor de la corte. En 1792 padeció una enfermedad que le dejó sordo y el dolor personal le hizo cambiar su personalidad artística.La Guerra de la Independencia le deja una gran huella ya que intensifica su vena pesimista y crítica. A la vuelta de Fernando VII, como el era liberal y estaba en contra del absolutismo, se aísla a pesar de haber sido repuesto como pintor de cámara.Finalmente, en la última etapa de su vida, se exilia en Burdeos (Francia) donde murió.La relación del artista con la sociedad se evidencia con trazos muy claros en el caso deFrancisco de Goya. El pintor dotado de un vitalismo optimista cuando pintaba los cartonespara tapices, en su primera época, desaparece con la sordera y de una manera más definitivacon la guerra para dar paso a un artista más amargamente crítico y cuya fantasía crea unmundo alucinante de brujas y monstruos. Si se tratase de obra anónima sin ningún génerode duda se atribuiría a dos pintores diferentes.Desde el punto de vista social su experiencia no puede ser más completa. Provenía de una familia artesanal lugareña, se codeó con la aristocracia de la corte e incluso con la familia real, pero por talante se convirtió en amigo y contertulio de los intelectuales reformistas.

La Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara es una de las manufacturas reales para la fabricación de objetos de lujo creadas por la política mercantilista de la Ilustración española. Fue fundada en el año 1720 por Felipe V, a imitación de los talleres reales franceses que seguían el modelo de Colbert, tras la interrupción de la importación de tapices flamencos tras la Paz de Utrecht, que proveían las piezas destinadas a las dependencias reales.

Francisco de Goya destacó desde su llegada en 1775 como pintor de cartones, hasta 1792, que la sordera le alejó definitivamente de este trabajo, su primer desempeño en la corte madrileña. Fue él quien logró conjugar en su quehacer los estilos de las escuelas anteriores y crear uno propio, que en adelante caracterizó a la Real Fábrica hasta su declive tras el reinado de Carlos IV y la Guerra de la Independencia.

En esta época conjugaba el estilo Rococó de Tiépolo y Neoclásico de Mengs para unos cuadros destinados a la decoración de las estancias reales. Pero sí fue necesario alejarse tanto del Barroco tardío como del ilusionista Rococó, inadecuado para obtener una impresión de factura “del natural”. También era necesario distanciarse de la excesiva rigidez academicista del Neoclasicismo, que no favorecía la narración y la vivacidad en la anécdota requerida en estas imágenes de costumbres, protagonizadas por tipos populares o aristócratas disfrazados de majos y majas.

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Este cartón estaba destinado a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de El Pardo.

El cuadro es un exponente decantado del estilo galante o Rococó, y sus rasgos de estilo característicos: vivacidad, inmediatez, curiosidad, cromatismo de suaves rosas, texturas de gasa en las faldas de las mujeres, un paisaje de fondo luminoso y el reflejo de un momento encantador de disfrute de la vida no exento de posibilidades de flirteo.

Los jóvenes están vestidos de majos y majas, atuendo de las capas humildes de la sociedad española con que los aristócratas gustaron de vestir. Algunos otros, con casacas de terciopelo y tocados de plumas, siguen en cambio los dictados de la moda de las clases altas venida de Francia.

A sus 42 años, Carlos IV le nombra pintor de Cámara. Nos muestra en este cargo los gustos de la Aristocracia y Goya acaba burlando la vanidad de ésta; se conmemora con el sufrimiento del pueblo.

El retrato fue el género que más cultivó, posando para él gentes de todas las clases sociales. Sintió especial predilección por el retrato femenino.

Se caracteriza por su realismo y sinceridad, aunque en ocasiones se manifiesta el interés, simpatía o indiferencia que Goya sentía ante el retratado.

Después de su enfermedad, expresa ese sentimiento de angustia en sus cuadros, que se serán más comprometidos y extraños, con cierta simbología, y expresionismo.

Evolucionó desde los retratos elegantes y estáticos de los primeros años hasta los ejecutados alrededor de 1800 a base de pinceladas sueltas, cortas y luminosas, de dibujo a base de trazos rotos, discontinuos y de mayor penetración psicológica.

En su origen, recibía el nombre de “gitana” y no de “maja”. Así aparecen en el inventario de los bienes de Manuel Godoy, que fue su primer propietario.

Goya la pintó con pinceladas sueltas, pastosas y muy libres, a diferencia de la Maja desnuda, en que el pintor es más cuidadoso en el tratamiento de las carnaduras y sombreados. La figura de la maja está bañada con una luz que destaca las diferentes texturas.

Resalta la silueta femenina, dando erotismo a la obra, con la forma de pintar la vestimenta ceñida y blanca de la “maja”

Serie de catorce cuadros, que utilizó como decoración de los muros de su casa.

Con la mentalidad romántica se estima la originalidad en el artista por encima de cualquier otro concepto y señalan el gusto contemporáneo por las producciones de los melancólicos saturninos, cuyo temperamento le lleva a producir obras llenas de terribilidades y desgarros nunca imaginados.

No se ha podido hallar el tema de estas obras, pese a los variados intentos en este sentido. En parte porque la disposición exacta está aún sometida a conjeturas, pero sobre todo porque la ambigüedad y la dificultad de encontrar el sentido exacto de muchos de los cuadros en particular, hacen que el significado global de estas obras sean aún un enigma. 

La composición de estos cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas. Tal desequilibrio es una muestra de la mayor modernidad compositiva.

Muchas de las escenas  son nocturnas, muestran la ausencia de la luz, el día que muere. Todo ello genera una sensación de pesimismo, de visión tremenda, de enigma y espacio irreal.

Las facciones de los personajes presentan actitudes reflexivas o extáticas. A este segundo estado responden las figuras con los ojos muy abiertos, con la pupila rodeada de blanco, y las fauces abiertas en rostros caricaturizados, animales, grotescos. Contemplamos el tracto digestivo, algo repudiado por las normas académicas.

La crítica ha relacionado esta reunión masculina con las tertulias políticas clandestinas del Trienio Liberal.

Sumidos en un fondo oscuro, casi negro, destaca la blusa blanca de los personajes más protagonistas, en el caso que nos ocupa, el del hombre con barba negra que presta atención a la carta, que señala el que la sostiene a su izquierda. Los dos cuadros, de formato vertical, contrastan con el resto de las pinturas de la planta alta, pues en general adoptan cielos azules y abiertos, fondos de nubes, paisajes e incluso, en el caso de Asmodea, un paisaje boscoso. En este sentido el estilo de esta obra guarda mayores semejanzas con el conjunto de la planta calle.

Wikipedia. http://es.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Portada

Página del Museo del Prado. http://www.museodelprado.es/Inftube.

http://www.inftube.com/economia/finanze/GOYA-Y-SU-POCA-VIDA-DE-FRANCIS25341.php

Libro de texto.Enciclopedia Salvat.