Embed Size (px)
Citation preview
UNIDAD 2TEATRO GRIEGO
“El arte griego, fuente inagotable de estímulos para el arte occidental, nos introduce en un proceso
constante de descubrimiento. Ha configurado nuestro gusto de mil formas diferentes. Los límites de su lenguaje se han ampliado continuamente, en el espacio y en el tiempo. Al relacionarse con otras
culturas cada generación lo enriquece. No constituye una herencia definitiva y cerrada. Lo
dilatamos también nosotros formulando las viejas preguntas de un modo nuevo. El encanto principal
del arte griego es su capacidad de ofrecernos un ciclo completo en el que los artistas se plantearon unas preguntas simples y fundamentales de forma
siempre diferente.”Olmos, Ricardo (2005) El arte griego - (Historia del Arte – Tomo I – dirigida por Juan Antonio Ramírez)Editorial Alianza, Madrid
Contexto histórico y geográfico
La cultura griega clásica es, sin duda, uno de los pilares de la civilización occidental. Es en Grecia donde surgen, por primera
vez, conceptos esenciales como la democracia, donde aparece la filosofía, a partir de que el ser humano comienza a cuestionarse
su existencia, donde el hombre se convirtió en el centro del pensamiento y en la medida de la belleza.
Uno de sus mayores logros, ha sido el mantener a lo largo de toda su historia, una fuerte unidad cultural, teniendo en cuenta su
variada geografía, y sus notorias diferencias, marcadas por una clara balcanización entre las muchas polis que compusieron su
realidad política.
· Base de la cultura europea y Occidental en general. Pensamos como ellos (filosofía racional), nos organizamos como ellos (democracia), construimos y esculpimos como ellos.
· Lo que ocurrió en la Grecia clásica fue un milagro cultural que los historiadores aún no saben explicar, una isla de humanidad en un contexto donde el hombre no valía nada.
· Base de la cultura europea y Occidental en general. Pensamos como ellos (filosofía racional), nos organizamos como ellos (democracia), construimos y esculpimos como ellos.
· Lo que ocurrió en la Grecia clásica fue un milagro cultural que los historiadores aún no saben explicar, una isla de humanidad en un contexto donde el hombre no valía nada.
3 Elementos Constitutivos
Arte Griego
Los dorios aportaron la rigidez, la dureza, el espíritu militar y deportivo, el estilo geométrico.
Los dorios aportaron la rigidez, la dureza, el espíritu militar y deportivo, el estilo geométrico.
De las supervivencias cretomicénicas quedó el gusto por la belleza como algo ideal, utópico, el amor a la naturaleza, a la luz mediterránea, el concepto de proporción y armonía.
De las supervivencias cretomicénicas quedó el gusto por la belleza como algo ideal, utópico, el amor a la naturaleza, a la luz mediterránea, el concepto de proporción y armonía.
Los gigantes vecinos: Imperio Persa y el Egipcio. Su tradición cultural era mucho más antigua. por eso la influencia oriental de Persia y Egipto es también componente importante en la cultura griega.
Los gigantes vecinos: Imperio Persa y el Egipcio. Su tradición cultural era mucho más antigua. por eso la influencia oriental de Persia y Egipto es también componente importante en la cultura griega.
Los inicios de la cultura griega son en el siglo VII a.C. , finalizando en el 146 a.C. (Corinto es tomada por Roma).
Comienza entonces una nueva fase histórica donde Grecia una provincia romana. Durante esos seis siglos podemos apreciar
varias fases:
Los inicios de la cultura griega son en el siglo VII a.C. , finalizando en el 146 a.C. (Corinto es tomada por Roma).
Comienza entonces una nueva fase histórica donde Grecia una provincia romana. Durante esos seis siglos podemos apreciar
varias fases:
ARCAISMO CLASICISMO
HELENISMO
Arte Griego
Religión Politeísta
• Sin dogma ni fe, sin un clero profesional (eran cargos públicos rotativos), y sobre todo, basada en el libre albedrío del hombre.
• Elemento cohesionador de las polis y del futuro sentimiento panhelénico.
• Religión humanizada, con dioses con vicios y virtudes humanas. Era una religión que no solucionaba problemas de conocimiento, que permitía la investigación racional y lógica
• Incitaba al Arte y a la belleza. De hecho la característica principal de los dioses era su belleza absoluta (belleza humana puesto que es una religión completamente antropomórfica) con lo cual se divinizaba la belleza.
LOS DIOSES DEL OLIMPO
El artista
• Desde un anonimato oriental hacia las personalidades individuales. Las obras griegas se firman y cada autor sigue una línea personal. Los mejores artistas incluso crearon escuela.
•Trabajan por todo el territorio helénico pero los principales trabajan más para su polis, eran figuras reconocidas que vivían muy bien y eran aclamados por sus conciudadanos.
• Hasta la fase helenística no se crearán escuelas locales.
• La técnica y la investigación se ponen al servicio del Arte, tanto en arquitectura (éntasis), como en la escultura (mármol rígido sin apoyos).
• Desde un anonimato oriental hacia las personalidades individuales. Las obras griegas se firman y cada autor sigue una línea personal. Los mejores artistas incluso crearon escuela.
•Trabajan por todo el territorio helénico pero los principales trabajan más para su polis, eran figuras reconocidas que vivían muy bien y eran aclamados por sus conciudadanos.
• Hasta la fase helenística no se crearán escuelas locales.
• La técnica y la investigación se ponen al servicio del Arte, tanto en arquitectura (éntasis), como en la escultura (mármol rígido sin apoyos).
Arte Griego
Arte Griego
El artista
Luego de un anonimato total en el período arcaico, en clásico surgen las personalidades individuales, que firman sus obras y cada autor sigue una línea personal. Los mejores artistas incluso crearon escuela.
Trabajan por todo el territorio helénico pero los principales trabajan más para su polis, eran figuras reconocidas que vivían muy bien y eran aclamados por sus conciudadanos.
Hasta la fase helenística no se crearán escuelas locales.
La técnica y la investigación se ponen al servicio del Arte, tanto en arquitectura , como en la escultura.
LOS ORÍGENES DEL TEATRO EN GRECIA
TEATRO DE EPIDAURO - GRECIA
TEATRO DE TAORMINA SICILIA - ITALIA
EL CAMINO HACIA EL TEATRO
LAS CEREMONIAS PRE-TEATRALES
1. LOS MISTERIOS DE ELEUSIS
Los misterios eleusinos eran ritos de iniciación anuales al culto a las diosas agrícolas Deméter y Perséfone que se celebraban en Eleusis, una
localidad agrícola próxima a Atenas. De todos los ritos
celebrados en la antigüedad, éstos eran considerados los de mayor importancia. Los ritos, así como las adoraciones y
creencias del culto, eran guardados en secreto, y los ritos de iniciación unían al
adorador con el dios, incluyendo promesas de poder
divino y recompensas en la otra vida.
Los misterios estaban basados en una leyenda en torno a Deméter. Su
hija, Perséfone, fue secuestrada por Hades, el dios de la muerte y el inframundo. Deméter era
la diosa de la vida, la agricultura y la fertilidad, e hizo que muriese toda
vegetación sobre la tierra, amenazando a la
humanidad con su extinción, la Tierra se heló y la gente pasó hambre: el primer
invierno.
Los dioses temían no obtener más sacrificios y oraciones de los mortales e imploraron a Deméter que devolviese la fertilidad a las
tierras. Esta petición no fue satisfecha hasta que Zeus ordenó a su hermano Hades, dios del mundo subterráneo, devolver Perséfone a su madre. Madre e hija volvieron al Olimpo, pero desde entonces Perséfone tenia que pasar la
mitad del año con su esposo en el mundo subterráneo. Cuando lo hacia, el invierno
reinaba sobre la tierra, cuando Perséfone volvía a la Tierra en primavera, el mundo vegetal
despertaba con flores y frutos nuevos.
Antes de que Deméter volviese al Olimpo, dio a los reyes de Eleusis, Keleos y Triptolemus, instrucciones para celebrar
los ritos en su templo. Estos eran preceptos secretos, misterios para ser
guardados. Divulgarlos o profanarlos podía ser castigado con la muerte. Apreciando el propicio final del drama de Eleusis, Deméter dio a Triptolemus, el primer iniciado de
Eleusis, una rama de trigo y encomendó instruir a la humanidad en la agricultura.
Los misterios se celebraban según una ceremonia compleja, en varias etapas repartidas en distintos
lugares y en dos épocas del año, los Misterios Menores que se realizaban en primavera y los
principales o Misterios Mayores en octubre. La mayor parte de los ritos eran públicos y contaban con procesiones y baños rituales pero la parte más
importante, y de la que existe menor información, es la celebrada en el interior del santuario durante tres
días.
2. El ditirambo
Platón llama al ditirambo el nacimiento de Dionisos. En este dios los griegos personificaban todas las fuerzas
misteriosas, bienhechoras y aterradoras de la Naturaleza. En el Ática las fiestas estaban dedicadas a Dionisos, de ahí
que se las denominase fiestas dionisiacas o dionisias.
Si existe una figura clave en el nacimiento del teatro en Grecia, es sin duda alguna la del dios Dionisos. Hijo de una mortal y de un dios, es la
divinidad de la fecundidad, de la vegetación y de la vendimia, características que le permitirán ser
figura principal en la sociedad agrícola y ganadera de la Grecia primitiva.
DIONISOS
Fiestas en honor a Dionisos: el ditirambo Los griegos celebraban sus fiestas al principio y al final de la siega, piden a los dioses que el campo sea
fecundo, y concretamente, lo piden a Dionisos. Una procesión de danzantes dionisíacos que representan a los sátiros - compañeros de Dionisos - pasea por las avenidas de la Grecia primitiva seguida por jóvenes
ansiosos de alcanzar el éxtasis dionisíaco (recordemos que Dionisos es también, como dios de la vendimia, dios
del vino). En estas fiestas, un carro recorre las calles con la estatua de Dionisos sobre él, mientras los
ciudadanos danzan, se disfrazan y se embriagan.
El elemento característico del ditirambo solía ser un ritornello (estribillo) lanzado como un grito por el Coro. Con estos gritos se alternaba el canto del guía del coro llamado
exarconte o corifeo. En ellos se solía implorar ansiosamente la llegada de Dionisos, dios de la fecundidad
animal y agraria (ganadería y agricultura).
En el ditirambo, en honor a Dionisos, se
sacrificaba a un carnero cuya sangre
fecundaba los campos y danzaban los trasgos (sátiros
con disfraz de macho cabrío, de hecho, trasgo significa
macho cabrío en griego) y a la vez que
bailan recitaban algunos textos: son el precedente del coro
El ditirambo es pues, un precedente del teatro griego pues ya encontramos la principal
característica, lo fundamental del teatro: gente que mira y gente que actúa.
Sin embargo, el paso más importante aún estaba por darse. El simple canto de loa o de petición a un dios no era aún teatro, aunque sí teatralidad. Hacía falta que se "cantase" a un hombre y no a un dios. El
rito religioso debía retirarse de la escena para dejar paso al hombre.
Ese paso lo dio Grecia. Dionisos era mitad hombre, luego ¿por qué no cantar a un hombre que
haya muerto y sea célebre? La naturaleza semihumana de Dionisos permitió a Grecia lo que otras culturas no
habían alcanzado, secularizar el ditirambo.
THEATRON
El término "teatro" con el que en la actualidad designamos tanto al género literario dramático
como al espacio físico donde se llevan a cabo las representaciones de las obras teatrales, procede de la palabra theatron, del griego antiguo. En sus orígenes, venía a significar "lugar donde se mira"
o bien "lo que se mira“. Pero actualmente, por teatro entendemos tanto el lugar en el cual se
desarrolla el espectáculo como la misma representación. Por lo tanto, también es teatro el
texto, la obra, el guión.
THEATRON
El "primer actor" que salió del coro para
disfrazarse de Dionisos, se afirma que fue
Tespis, el primer hombre de teatro que se conoce.
Tespis viajaba con su barco de isla en isla
saliendo en cada fiesta dionisíaca del coro para
intercalar ritornellos con el coro.
Más tarde se representarían escenas
de la vida del dios, y luego y finalmente, de los
hombres.
De lo religioso a lo humano
El siguiente paso fundamental, y último, sería la incorporación al ditirambo del diálogo, la aparición de un
segundo actor. Si Tespis era el protagonista que dialogaba con el coro, el paso siguiente sería un deuteragonista que
dialogara con Tespis
(Protos = primero, déuteros = segundo; agonista viene de agon
que significa lucha, acción).
Con la aparición del primer actor acaba de nacer en realidad el teatro occidental propiamente dicho.
Esto es fácilmente comprensible si imaginamos que este primer actor no sólo dialoga con el Coro, sino que
acompaña su diálogo con la acción. Dicho de otro modo, no sólo recita o canta, sino que actúa: Es sujeto y
objeto de la acción.
Hacia el siglo V a.C. se celebraban en
primavera unas fiestas llamadas "Grandes
Dionisíacas" en honor a Dionisos y en las
que había ya representaciones
teatrales, especialmente
tragedias, y que más tarde fueron
incluyendo comedias y dramas satíricos en su
repertorio.
Las fiestas duraban varios días. Previamente la ciudad había escogido a tres o cuatro poetas para que durante
estos días representaran sus obras teatrales, generalmente presentaban una tetralogía (tres tragedias - que eran la
trilogía - y un drama satírico), y el público decidía, tras ver las obras, cuál de los poetas merecía ser ganador.
Posteriormente se fue introduciendo una comedia al final de las fiestas.
LOS GÉNEROS DRAMÁTICOS
Tres son los géneros dramáticos griegos: el drama satírico,
la tragedia y la comedia.
Los dos últimos servirán de norma a las variantes habidas en el teatro occidental.
El drama satírico expresa otra de las necesidades expresivas del teatro griego que, en ocasiones,
debe dar rienda suelta a los impulsos refrenados, a las capas del yo reprimidas por la conciencia.
La tragedia es seguramente la más brillante de las invenciones griegas y la que mayor esplendor alcanzó,
contemporánea e históricamente. La tragedia griega clásica supone el inicio de un género que aún hoy en
día pervive y que sigue tomando como ejemplos indiscutibles de maestría aquellas obras que en la
Grecia Clásica se escribieran mucho antes del nacimiento de Cristo. La tragedia griega fue y sigue siendo el canon de perfección temática y formal del
género dramático.
La tragedia
La tragedia griega clásica no es de tema original, es decir, el dramaturgo no inventa, no idea, el argumento de su obra sino que, tomando sus
temas de la Ilíada y de los ciclos legendarios conocidos por todos los griegos - pues eran temas
de la mitología popular - la tragedia griega nos muestra el conflicto personal de los héroes en su momento más dramático, por ejemplo: no se va a
relatar la historia de Edipo de Tebas, sino que se va a presentar el momento más dramático, el punto
álgido de la tragedia del tebano Edipo.
Se nos mostrará al héroe en su
momento más humano, más
visceral, hasta el punto de que, a
pesar de ser héroes de la mitología y de
las leyendas helénicas, siguen
siendo hoy arquetipos
ejemplares de las pasiones humanas
más profundas y antropológicas.
Características generales de la
tragedia
El origen de la tragedia se remonta a los ritos
dionisiácos y a las fiestas primaverales
El ditirambo es el
antecedente básico de la
tragedia
El héroe trágico vive un conflicto sin solución. La
causa de ese sufrimiento suele
ser un error o desconocimiento que hace que el
héroe se enfrente a su destino.
Aristóteles expone en su Poética que la tragedia sirve para elevar el
alma y purificarla, a partir de
provocar la catarsis
El coro es el elemento fundamental en los
orígenes de este género, del coro
surgió el exarconte, o sea, el actor
El eje central de toda obra trágica es el restablecimiento
doloroso del orden, y el alumbramiento
traumático del deber.
Características generales de la
tragedia
Las tragedias conservadas presentan una estructura más o
menos regular, con dos elementos básicos: coro
y actores.
Los actores debían recitar largos
monólogos, o bien dialogaban entre sí o
con el coro.
En la tragedia, el mythos se funde con la acción, es
decir, con la representación
directa o drama.
El espectador se introduce en los impulsos generados por las
acciones de los hombres, simpatizando con el héroe
trágico a través de sus emociones (pathos), pero también condenando su
desmesura a través del hybris o soberbia.
El concatenamiento de las acciones parece en cierta manera inducido por los dioses, que no actúan
directamente, sino como deus ex machina.
ESTRUCTURA DE LA TRAGEDIA
Estructura externa:Desde el punto de vista de la forma, la tragedia se compone de:•PRÓLOGO: parte que precede a la presencia del coro. Su función es hacer un resumen de la situación dramática.•PÁRODOS: es el canto del coro cuando entra en la orquestra. Es su primera intervención.•ESTÁSIMOS: cada canto del coro cuando ya está en la orquestra, en las que se expresan las ideas políticas, filosóficas, religiosas o morales del autor.•EPISODIOS: es la parte dialogada entre cada estásimo. Corresponde a las intervenciones de los personajes.•ÉXODO: es la salida del coro y su última intervención. En el héroe reconoce su error. A veces es castigado con la muerte por los dioses y es allí donde aparece la enseñanza moral.
Crátera con sacerdotisas llevando un carnero para el sacrificio.
Estructura interna de la tragedia:
se articula en torno a tres elementos básicos
EL CORO:• Es su elemento fundamental.• En época clásica se componía de 15 coreutas.• Su función es lírica. Están presentes en toda la representación.• Es un personaje colectivo con un portavoz (CORIFEO) que puede dialogar con los personajes.• Esta formado por mujeres o anciano incapaces de defenderse y de entrar en acción.
• Funciones: 1. Ritual
2. Hacen comentarios líricos.3. Anticipan acciones futuras.
4. Toman posición ante la acción que se desarrolla.5. Comentan el destino del héroe o lo acompaña en su destino
trágico.
LOS PERSONAJES:
• Dialogan en el proscenio y se encargan de la parte recitada.• Son héroes de la mitología que representan al ser humano y su problemática.• Representan diversas actitudes de los hombres ante ciertos problemas:
1. Ante los dioses.2. Ante las leyes o lo que es justo.
3. Ante el ejercicio del poder4. Ante el amor.
5. Ante su destino que no puede cambiar.• Nadie puede ayudar al héroe trágico: el exceso, la soberbia,
infringir las leyes humanas o divinas acaban con él.• Sófocles fija el número de personajes simultáneos en el
escenario en tres.
LA ACCIÓN:• Es el conflicto trágico cuyo desarrollo conduce al desenlace.• Es un problema que afecta al héroe y del que no es totalmente responsable.• Representa el enfrentamiento entre la razón y la pasión.• La acción está poco desarrollada. Esto se explica por la importancia del coro.• Del conflicto interesan no los acontecimientos, sino sus causas y consecuencias. Esto se pone de manifiesto por los enfrentamientos dialécticos de los personajes.• Muertes, suicidios, asesinatos son relatados por la figura del MENSAJERO que traslada a los personajes y al público lo que ocurre fuera del escenario.
AUTORES Y OBRAS
Los trágicos griegos de quienes se conservan obras son:
Esquilo
Sófocles
Eurípìdes
ESQUILO (525- 456 a.C.). Algunas de sus obras son: Las Suplicantes, Los Persas, Los siete contra Tebas y La Orestíada.
Esquilo habría sido el creador de las reglas fundamentales del drama trágico, así como la introducción de máscaras y
coturnos. Por otra parte, con él, la tragedia empieza a ser una
trilogía. Al introducir un segundo actor, hace posible la
dramatización de un conflicto.
SÓFOCLES (497/6 - 406 a.C.). Algunas de sus obras son: Edipo Rey, Antígona, Electra.
Sófocles introdujo un tercer actor, que permitió que la tragedia multiplicara el
número de personajes posibles, aumentó a quince el número de coreutas, interrumpió la hasta
entonces obligatoria trilogía, haciendo posible la representación de dramas independientes, introdujo el uso de la
escenografía.
EURÍPIDES (485/4 - 406 a.C.). Algunas de sus obras son: Medea, Hipólito, Las Troyanas, Las Bacantes.
En Eurípides, se destaca su realismo, con el cual el dramaturgo traza la
dinámica psicológica de los personajes. Los héroes descritos en
sus obras ya no son los resueltos protagonistas de los dramas de
Esquilo y Sófocles, sino que a menudo son personas problemáticas e
inseguras, muy alejadas del modelo del héroe clásico.
Un ejemplo de teatro trágico como fenómeno de masas :LOS PERSAS de Esquilo
Es una tragedia de la Antigua Grecia escrita en el 472 a. C. por Esquilo.
Está ambientada en la Batalla de Salamina (480 Ac), correspondiente a las Guerras
Médicas. Es la obra teatral más antigua que se conserva. También destaca por ser la única tragedia griega basada en hechos
contemporáneos.
El teatro asume la función de caja de resonancia para las ideas, los problemas y la vida política y culturales de la Atenas
democrática.
MAPA GUERRAS MÉDICAS – 1ª MITAD s. v A c
PERSONAJES:
COROATOSA
MENSAJEROFANTASMA DE DARIO
JERJES
LEÓNIDAS EN LAS TERMÓPILAS – Jacques-Louis David - 1814
TEMA: El enfrentamiento entre
griegos y persas durante las Guerras
Médicas, de las cuales Esquilo fue
contemporáneo.
Estructura argumental de la obra:
• En el párodos, el coro de ancianos persas, enumeran a los principales generales persas que van a la guerra, detallando las tácticas de invasión, lo numeroso de su ejército, haciendo ostentación del mismo, y pautando su clara superioridad respecto al ejército griego.• Los persas, debido a su soberbia, comenten el pecado divino de hibrys que los dioses castigarán. • Partidas las huestes persas a la conquista de Grecia aparece en escena Atosa, la reina persa que muestra su inquietud ante el peligro que su hijo Jerjes puede correr, pues ha tenido un sueño premonitorio.• La reina se sorprende ante las palabras de Corifeo que le dice que no son vasallos ni esclavos de ningún rey incidiendo una vez más en la idea, no exenta de propagandismo, de una guerra entre hombres libres y esclavos.• Llega un mensajero a la corte que anuncia la derrota de las tropas persas en Salamina frente a los atenienses, pero asegura a la reina que Jerjes sigue vivo.
* Invocación es conseguir hablar con el alma del difunto esposo para intentar dilucidar con su ayuda que nuevos males pueden gravitar sobre Persia.* Las invocaciones de la reina reciben una rápida respuesta, y Darío aparece contándole a la reina toda la situación que vive el imperio persa en relación a la guerra con Grecia, y antes de marcharse recomienda a la reina que acoja a su hijo a la vuelta de forma consoladora tratando de calmar el dolor que le aqueja.•La llegada de Jerjes que destrozado por la derrota pide a todos lamentarse juntos por tanta desgracia acaecida para un pueblo que como decía la sombra del rey Darío había sido elegido por Zeus para gobernar con cetro sobre toda Asia.
Los Persas, de Calixto Bieito (2007)Festival de Teatro de Mérida
Características socio-políticas y religiosas en Los Persas:
* No se trata de un tema mítico sino que es real y además muy cercano en el tiempo a la época de la obra, Los Persas es la única que presenta en escena a hombres de carne y hueso, en vez de personajes mitológicos.
* Contrapone la figura de Jerjes a la de su padre Darío, al que glorifica por completo, ya que mantuvo sus ansias expansionistas.
* Es una alabanza de la democracia y contra la tiranía, en este caso reflejada en al figura de Jerjes, que es el rey de Persia.
* No hay un enfrentamiento entre el bien y el mal sino que se ataca a Jerjes por realizar algo contra natura y que enciende la cólera de los dioses.
* Esta tragedia trata de un pasado mítico, pero el mito se vuelve inmediatamente metáfora de problemas profundos de la sociedad ateniense.
TRAGEDIA E IMITACIÓN:
Platón (427 – 347 a C) examinó formas del arte como la tragedia, al igual que la escultura, la pintura, la cerámica, la arquitectura, no como “arte”, sino como habilidad artesana. Los consideraba como ejemplos de “mimesis” o imitación.Criticaba todas las imitaciones, incluyendo las tragedias, por no describir las realidades ideales eternas: “Formas” o “Ideas”.La tragedia confundía al público acerca de los valores: si los personajes buenos experimentan trágicos fracasos, esto nos enseña que la virtud no siempre es recompensada.
Aristóteles (384 – 322 a C) defendió la tragedia en su poética argumentando que la imitación es algo natural que agrada a los seres humanos desde temprana edad y de la que incluso aprenden. No creía que hubiera una esfera aparte de Ideas, como Platón. Para Aristóteles, la tragedia podría educar atrayendo a la mente, los sentimientos y los sentidos de las personas. Si una tragedia muestra como hace frente a la adversidad una persona buena, genera una purificación o “catarsis” por medio de las emociones del temor y la compasión.
Esquilo trata de glorificar el espíritu de lucha griego que intenta salvaguardar unos
valores legítimos, frente a los ostentosos persas amantes de
la esclavitud cuya lucha no tiene valor pues representan la
más ominosa servidumbre.
EL DRAMA SATÍRICO
De origen dorio, fue introducido en Atenas a principios del siglo
V a C, en la época en que Esquilo iniciaba su carrera, y se
incorporó al programa dramático que pasó a contar con una trilogía de tragedias y
un drama satírico, convirtiéndose en una
tetralogía. El único drama completo es El Cíclope de Eurípides. Existen
importantes fragmentos de los Tiradores de red y los
Espectadores del Istmo de Esquilo, y de Los Sabuesos de
Sófocles.
Su estructura técnica – con coros, monólogos, partes dialogadas – no difería mucho de la tragedia; pero su
espíritu era poderosamente bufonesco.En la representación cuentan los gestos, la danza y en la composición del Coro, integrado obligatoriamente por
sátiros, conducidos por su jefe y padre, Sileno; de donde, en Atenas, se le conoce también con la denominación de
Drama silénico.
Por su fondo y su forma, se podría considerar como una tragedia divertida en la que el Coro de sátiros
sería el componente básico y esencial.
Como Dionisos, a cuyo cortejo pertenecen, los sátiros personifican las
fuerzas de la naturaleza, particularmente las
fuerzas; de ahí que hayan pasado a la posteridad
como símbolo de la pulsiones eróticas que
anidan en el hombre y en los animales.
La Comedia nace del instinto de imitación y de la práctica
popular de la caricaturización y la burla.
Desde los primeros tiempos de la antigua Grecia, existieron
los bufones errantes que divertían a la plebe. Los más
famosos eran llamados Fliacas, que recorrían los pueblos en carromatos y recitaban sobre un tablado de madera, con
máscaras y vestimenta festiva, con un enorme vientre y un
gran falo.
LA COMEDIA
Los principales tratados eran: escenas cotidiana de la gente más
humilde, donde no pocas veces incluían la presencia de dioses y
héroes; las necesidades físicas del hombre y su insatisfacción.
De estas situaciones surge la caricatura del hambriento, del
ebrio, del dormilón, del hombre viejo, sus lamentos, sus males y sus
lamentos propios de la vejez (enfermedades, incapacidad sexual,
etc.)También plantean la lucha
constante por la existencia entre opuestos: charlatán-crédulo; ciudadano astuto-campesino
rústico; parásito-ignorante, etc.
La Comedia como género es también, como el drama satírico, una composición risueña, para más vasta, y con un tema no mitológico, sino vinculado a la contemporaneidad
del autor.
En cuanto a su estructura, el primer episodio – llamado Agón o Combate - consiste obligadamente en una escena de
disputa de la que saldrá triunfante el actor que representa las ideas del poeta.
Las comedias más antiguas constaban de soliloquios, diálogos y coros; y estaban divididas en la mitad por un
canto especial (parábasis) donde los coreutas se quitaban los mantos y las máscaras, se volvían a los espectadores y
avanzaban hacia ellos y cantaban.
Se cree que el primer comediógrafo griego habría sido
EPICARMO (528?-428?) nacido en la Magna Grecia – actual Sicilia – y de su obra han llegado a nuestros
tiempos muchos títulos, pero pocos fragmentos.
Sus comedias tocaban temas míticos (El Cíclope, Las bacantes, Ulises náufrago, Los troyanos, etc.), pero también fue el creador de varios de los tipos de personajes ya nombrados. Escribió a su vez varios textos para mimos.
Luego de su origen en la Magna Grecia, la comedia se traslada al Ática hacia el siglo VI a C.
Allí la misma incorpora a su estructura elementos religiosos y dionisíacos, entre ellos una adaptación de los
coros de los llamados ritos falofóricos o faloforias. En estas ceremonias se portaban grandes falos en procesión,
como símbolos de fertilidad y se agregaban himnos en honor a Dionisos donde los coreutas se burlaban de los
espectadores.Gracias a este elemento cómicos, los poetas
comprendieron que era posible pasar del rito a la comedia, así como se había pasado del Ditirambo a la
Tragedia.
PRINCIPALES REPRESENTANTES DE LA COMEDIA ÁTICA GRIEGA
CRATINO - ¿500-421 a C? – Damajuana.EUPOLIS – 446-411 a C – Los Aduladores,
La raza de oro.FERÉCRATES - El Humano Heracles,
Desertores.
ARISTÓFANES – 444 – 380 a C – Las nubes, La paz, Las avispas, Los pájaros,
Las ranas, las Tesmofórias.Sus comedias son el único género
dramático de la época con una escena única, sino múltiple, pues representaba varios lugares a la vez (ciudad, campo,
cielo, infierno, etc.)
EL LUGAR DE LA ACCIÓN: EL «THEATRON»
Es de suponer que antes de la construcción de los teatros, los coros ditirámbicos actuasen al aire libre, rodeados por los espectadores.
En la época clásica, el teatro fue de madera. Posteriormente, se pensó en su ubicación en la confluencia de dos colinas
en cuyas laderas se situaba el auditorio o theatron (lugar para ver) al que los romanos llamarán cavea (parte excavada).
En el siglo V antes de Cristo, el auditorio abrazaba unas (3/4) tres cuartas partes del círculo de la orquesta.
En la parte baja de las colinas queda la orquestra, de forma circular, rodeada de una balaustrada de piedra con un altar de Dionisos (timele) en
su parte central.
REPRESENTACIONES TEATRALES
EL EDIFICIO• Al principio se construían en madera y
se desmontaban. Luego se construyeron en piedra, en la falda de una colina.
Las partes de un teatro griego son: ORQUESTRA: tenía forma circular. El
coro la utilizaba para su representación que consistía en declamar, cantar y bailar.
PÁRODOS: entradas laterales descubiertas que dan acceso a la orquestra y a las gradas.
SKENÉ: edificación situada detrás de la orquestra que servía de telón de fondo.
PROSCENIO: plataforma sobre la que actuaban los actores.
KOILON: Hileras de gradas para los espectadoes
Las Máscaras
Las máscaras representaban las facciones de los distintos personajes. Las más primitivas estaban
hechas de corteza de árbol luego de cuero forrado con tela y finalmente, de madera. Los creadores eran verdaderos artesanos, la abertura de la boca era
grande y prolongada como un embudo hecho de cobre. Este formato contribuía a aumentar el volumen de la
voz en escena.
La máscara opera la transmutación del actor en personaje o, mejor dicho, la ocultación de la identidad real del actor para representar la
identidad del personaje a través de los rasgos reflejados en la máscara.
Otras pueden ser también sus consecuencias: * la de hacer coincidir al personaje con su carácter expresivo (cómico o
trágico tipificados);* la de producir efectos de sobrecogimiento, particularmente en la
tragedia; porque al ir figurada en un casco que agranda las dimensiones normales de la cabeza humana, hace más visible al personaje, al tiempo
que consigue que guarde las proporciones con su elevada estatura, debido al uso de los coturnos;
* igualmente, según otros, su cavidad servía para ampliar la voz, haciendo el papel de falso megáfono (pero esto no era necesario, dada
la buena acústica de los teatros);* finalmente, permitía que un actor pudiese representar a varios
personajes con sólo cambiar de máscara.
Hubo varias clases de máscaras: cómicas, trágicas y satíricas. Las primeras eran
ridículamente toscas, con los ojos bizcos, la boca torcida y las mejillas desvencijadas. Las trágicas
eran notablemente grandes, tenían la mirada furiosa, los cabellos erizados y las sienes o la frente deformes. Las satíricas eran las más
fantásticas y representaban solamente figuras extravagantes, tales como cíclopes, centauros,
faunos y sátiros.
Coturno
El coturno era un antiguo calzado alto de suela de corcho
o madera sujetos por cintas de cuero u otro material.
El coturno era utilizado en las representaciones de la
tragedia calzados por los actores, tenían la función de proporcionar altura al actor que representaba
personajes nobles elevándolo por encima del coro y equiparándolo a las grandes dimensiones de la
máscara, convirtiéndolo así en un personaje enorme.
De este modo, se acrecentaba también la impresión sobre
el público.
Coturnos
El Vestuario
Eran túnicas, cortas o medias (quitón o clámide) ymantos. Jugaban con los colores a la hora de simbolizar,así, los reyes iban de púrpura, los personajes de luto con
colores oscuros... Usaban unas almohadillas para abultarse, de modo que se
guardara las proporciones con las máscaras y los coturnos.
Además, usaban otros elementos como la corona en elcaso de los reyes, símbolo de su poder.
Por lo general, podemos decir que los trajes de los actores
no discernía demasiado de la moda ateniense
El Vestuario
El muro de la skene, que pudo en un principio aparecer desnudo, se revistió más tarde con elementos colgantes.
Al principio, en el espacio escénico no debió figurar ningún lugar extra escénico. Éste debía ser creado por la imaginación de los
espectadores siguiendo las indicaciones del texto. En tiempo de Esquilo, el espacio escénico se integró en el
espectáculo para sugerir los lugares comunes de la acción (palacio, fortaleza, bosque, lugar elevado), lo que se conseguía por medio de
un telón de fondo y de unos bastidores, llamados periactois, colocados en los laterales del proscenio.
Los periactois podían incluso girar sobre sí mismos para presentar en sus caras diferentes decorados a lo largo del espectáculo para
cambiar la “escena”.
DECORADO Y MAQUINARIA
Ya con Eurípides se disponía igualmente de:* una plataforma móvil, * de una polea en el techo de la skene para alzar por los aires a los dioses, * de plataformas elevadas para designar los lugares olímpicos, * de terrazas, * de escotillas, * de escaleras por las que podían ascender los fantasmas de los muertos.
Como utensilios necesarios para producir efectos sonoros y visuales, los griegos disponían de placas que se golpeaban para simular el ruido del trueno, mientras que con antorchas que se
agitaban para producir el resplandor de los relámpagos.
