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Historia del Arte Tema 10. Arte del Siglo XIX 2º Bachillerato

Tema 10: ARTE DEL SIGLO XIX

1.-Introducción. 2.-Romanticismo: Delacroix. Realismo: Courbet 3.-Arquitectura. Historicismos. Edificios de hierro y cristal. El Modernismo

4.-La escultura de Rodin 5.-Impresionismo: Monet, Renoir, Degas. 6.-Postimpresionismo: Cezanne, Gauguin y Van Gogh

CONTEXTO HISTÓRICO

Desde finales del siglo XVIII y a lo largo del XIX se produjeron en el mundo occidental una serie de profundas transformaciones que sentaron las bases de la sociedad contemporánea. Fue la época de las revoluciones liberales, de la burguesía y del nacionalismo.

La revolución industrial, nacida en Inglaterra en el siglo XVIII, se consolidó en el XIX y se extendió al continente, y con ella se impuso la economía capitalista. Se desarrollaron nuevos medios de transporte como el ferrocarril o el barco de vapor, y la revolución demográfica generó un significativo crecimiento de la población. Las ciudades se industrializaban, aumentaba rápidamente el número de sus habitantes y se extendía el espacio urbano. En el contexto de la industrialización surgió una nueva clase social, el proletariado que luchará por conseguir mejores condiciones de vida y de trabajo. En 1848 Marx y Engels publicaron el Manifiesto Comunista. Las revoluciones de 1848 y la de la Comuna de París tuvieron ya impronta obrera.

El arte no fue ajeno a estos cambios ni a los avances científicos. Lo ponen de manifiesto, entre otros aspectos, el auge del urbanismo; las transformaciones de la arquitectura derivadas de las nuevas técnicas y del uso de los nuevos materiales industriales; y la necesidad de buscar otras soluciones artísticas a que se vieron abocados los pintores por la aparición de la fotografía.

En el siglo XIX no hubo un estilo artístico único, pese a que es frecuente hablar de arte “decimonónico”. A partir de la tradición neoclásica heredada del siglo XVIII, se fueron sucediendo novedades y planteamientos artísticos que nos permiten hablar de Romanticismo, Historicismo, Realismo, Impresionismo, etc.

1. Pintura del Siglo XIX. Romanticismo: Delacroix. Realismo: Courbet

En este contexto histórico, en el que revoluciones y cambios políticos se sucedían a un ritmo acelerado, se desarrollaron también movimientos culturales profundamente comprometidos con su época. En el siglo XIX se sucedieron tres grandes fases artísticas, cuyas cesuras coinciden con fechas históricas revolucionarias:

· Hasta 1848, es la época del Romanticismo que coexiste con el Neoclasicismo. · Entre 1848 y 1871, asistimos al auge del Realismo. · En el último tercio del siglo, se desarrolla el Impresionismo.

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Desde el punto de vista artístico se produjo en el siglo XIX un cambio en el mercado del arte, con una clientela cada vez más amplia y la aparición de los merchantes, que vendían las obras de los artistas; surgieron también la crítica artística, la litografía y la fotografía, que fueron un acicate para la creatividad. Podemos señalar que gran parte de lo que llamamos la modernidad es obra del siglo XIX. a) El Romanticismo

El Romanticismo es un movimiento cultural, surgido en Francia, que afecta a la arquitectura, la pintura, la literatura y la música.

Podemos establecer rasgos comunes para caracterizar la pintura romántica, por oposición al clasicismo.

· El predominio del color sobre la línea. El color, a diferencia del Neoclasicismo, se libera del dibujo, de la forma, de los límites definidos. · La composición libre y dinámica, que no se sujeta a las viejas normas de armonía y equilibrio. · La sensación de movimiento frente a la solemnidad y majestuosidad clásicas. · Gestos dramáticos en los personajes. En Francia, destaca Eugene Delacroix. Entre las características de sus obras destacamos:

• La emoción, o la fuerza o que ponía en sus obras. Para él, como buen romántico, la pintura era la mejor manera de reafirmar el sentimiento apasionado.

• Todas sus obras están tocadas de un intenso dramatismo. Sus personajes se muestran agitados y en pleno movimiento. A menudo, como esta vez, están viviendo una tragedia.

• El color es vivo. Gusta de los rojos intensos que tras su visita a Marruecos aún cobrarán más importancia en su obra. La pincelada debe ser suelta, ayudando a crear la atmósfera y el movimiento

• El artista se implica en los hechos históricos que le toca vivir. En este caso no hay una referencia directa a esta característica, sin embargo, el cuadro que analizaremos posteriormente es la mejor muestra. El pintor, como otros jóvenes románticos de la época se decanta apasionadamente a favor de la independencia griega y de la revolución de 1830.

Su obra está influida por la pintura y la escultura de Miguel Ángel, sobre todo, en el modelo humano de sus desnudos y en las posturas retorcidas que adoptan. Es también evidente la influencia de pintores barrocos como Rubens y Rembrandt. Su técnica de pincelada breve y vibrante y su concepción del color inspiraron a los impresionistas.

Desde el punto de vista temático su obra es una de las que mejor encaja en el movimiento romántico ya que realiza cuadros de temas históricos, literarios, orientales (Marroquíes) y religiosos. También realizó retratos románticos. El género del paisaje, en cambio, no le atrae, siendo incluso sólo esbozados en sus cuadros narrativos de gran formato.

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Entre sus principales obras destacamos La libertad guiando al pueblo. 1830. Se trata de un Óleo sobre lienzo, y se encuentra en el Museo del Louvre, París.

Tras el Congreso de Viena, en 1814, la restauración de las monarquías absolutistas se generalizó por todo el continente. La decepción hacia esa nueva realidad y la actitud crítica ante la situación social y económica llevó a la revolución burguesa de 1830. El cuadro de Delacroix se convirtió en el símbolo de toda esta época.

A este cuadro le podemos aplicar todas las características que hemos señalado anteriormente y además algunas cosas más, como por ejemplo:

- Es una obra muy cruda, los cadáveres aparecen en primer plano de una forma muy realista. Es especialmente conmovedor el cuerpo del joven de la izquierda o los ojos abiertos del soldado muerto.

- La imagen de la Libertad va a ser adoptada por la República Francesa. Sintetiza el presente y el pasado. El presente porque es una mujer tocada con el gorro frigio que porta la bandera tricolor y un fusil en su otra mano. El pasado porque Delacroix eligió como modelo para crear este símbolo a las estatuas griegas (recuerda a la vez a la Venus de Milo y a la Victoria de Samotracia).

- Flanqueando a la alegoría de la Libertad aparecen con sus atributos las diversas clases sociales que participan en la revolución: Los obreros y campesinos desarrapados y la burguesía con chistera y levita. El artista no es imparcial en su militancia social, de ahí que sea el burgués quien está más cerca de la alegoría femenina defendiéndola con decisión.

La matanza de Quíos representa la masacre de Quíos, un episodio de la guerra de

independencia de los griegos contra los otomanos ocurrido ese mismo año: la matanza de

20.000 habitantes de las islas griegas, y el sometimiento a la esclavitud de las mujeres y

los niños supervivientes. El resultado es este cuadro prácticamente monocromo, con unas

tonalidades cobrizas que unifican el espacio y proporcionan al cuadro una luz infernal. El

cuadro se compone de tres pirámides humanas. De izquierda a derecha, se ven

expresiones de miedo y desesperación. Los cuerpos, semidesnudos y tirados, reflejan

la derrota de los griegos.

b) Realismo

Suele considerarse la fecha de 1848 como el hito de apertura de un nuevo periodo de la historia y, por tanto, de la historia del arte. 1848 supuso, en Francia, el final del régimen monárquico de Luis Felipe de Orleans y la instauración de la Segunda República Francesa, así como la implantación del sufragio universal. Fue también el año del Manifiesto Comunista y, por ello, fecha emblemática para las reivindicaciones de la clase obrera.

En este contexto apareció una nueva generación de intelectuales, literatos y artistas que

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apostaron por la creación de un hombre nuevo, que supiera encararse con la realidad y marchar hacia el futuro, que prefiriera la observación objetiva al subjetivismo de los románticos.

El descubrimiento de la fotografía causó gran impacto en la pintura, que en adelante hubo de tener en cuenta la competencia y los descubrimientos del arte fotográfico.

La pintura se caracteriza por un cambio en los temas y en su tratamiento. Refleja las realidades sociales del pueblo. Surge el tema denuncia sobre la realidad de los trabajadores urbanos o de los campesinos; aparece un nuevo héroe, el hombre trabajador, sea metalúrgico, picapedrero, científico o pensador. El antihéroe es la mujer: prostitutas, amantes, etc., las mismas que aparecían en la literatura de Flaubert o de Maupassant.

La ola del realismo afectó con mayor o menor fuerza a todos los países de Europa, pero es Francia el país que mejor representa la pintura realista:

- En el paisaje, muy influido por la fotografía, destaca Corot que practicó una pintura inspirada directamente de la naturaleza. Estudia tan cuidadosamente la luz, que a él y a los integrantes de la Escuela de Barbizón se les considera antecesores de los impresionistas. - La temática social tiene entre sus representantes a Courbet. Fue un activo militante revolucionario, socialista, teórico del Realismo. El taller, es un alegato donde muestra los tipos más variados del mundo proletario. Los picapedreros son los héroes de trabajos duros y miserables. Daumier destaca como dibujante satírico y como pintor de clases humildes. Sus obras parecen caricaturas, que no son otra cosa que una exaltación brutal de la realidad. Su estilo es muy lineal, de modo que da a las figuras perfil sinuoso. Es autor de El vagón de tercera, y de otros temas sociales, con gran intensidad expresiva en los personajes. Millet es el pintor de los trabajadores del campo, pero con una visión algo idílica, ajena a las preocupaciones proletarias; dignifica la dureza de la vida de los campesinos, sobre todo mediante suaves efectos lumínicos, como en Las gavilladoras o en El Ángelus.

2.- Arquitectura. Historicismos. Edificios de hierro y cristal. El Modernismo

En el XIX se pusieron las bases de la arquitectura contemporánea.

Por un lado, las ambiciones imperialistas de Napoleón despertaron un exaltado patriotismo con el resurgir de las nacionalidades, que buscarían su identidad en las fuentes del pasado. Por otro lado, la aventura colonial hizo que se conocieran culturas lejanas y empezaran a influir en el arte occidental. En este contexto se desarrolló la arquitectura historicista.

Al mismo tiempo, se hicieron patentes las consecuencias de la Revolución industrial. El progreso técnico y económico y el espectacular incremento demográfico trajeron consigo el crecimiento de las ciudades y la necesidad de solucionar nuevos problemas arquitectónicos y urbanísticos. Había que planificar y diseñar nuevos barrios y construir un repertorio de edificios modernos, como estaciones de ferrocarril, fábricas, almacenes, galerías cubiertas, edificios para las exposiciones industriales, etc. Se

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contaba con los progresos de la tecnología y con la posibilidad de emplear materiales, como el hierro y el vidrio, que permitían construir edificios más ambiciosos y mejor iluminados.

a) Arquitectura historicista

En los dos primeros tercios del siglo XIX predominaron los estilos revivals, que utilizaban fórmulas arquitectónicas del pasado, resucitando e imitando estilos desaparecidos.

- El interés por la arquitectura clásica (Neoclasicismo) se mantuvo vivo, sobre todo en Francia, Estados Unidos, Reino Unido (Brittish Museum, obra de Robert Smirke) y Alemania (Propíleos y Gliptoteca de Munich, de Leo van Klenze). Fue el estilo de la Revolución francesa y del Imperio napoleónico, y, además, lo adoptó la sociedad burguesa para la construcción de bancos, museos e instituciones culturales.

- No faltaron inspiraciones en lo árabe, especialmente en España, donde surgió el Neomudéjar.

Las tradiciones de la India se manifestaron en obras exóticas como el Pabellón real de Brighton, de John Nash, cuya apariencia exterior queda definida por las cúpulas bulbosas, la decoración y el rico colorido, pero donde se utilizaban ya columnas, vigas y barandillas de hierro colado. - También se construyeron edificios neobarrocos de los que el ejemplo más monumental es el teatro de la Ópera de París, de Garnier.

- Pero, entre las grandes corrientes historicistas, la más fecunda fue el Neogótico. A partir de los años 30, muchos teóricos defendieron este estilo, como los ingleses John Ruskin, autor de varios libros, artículos y conferencias de gran impacto en la opinión pública, y Pugin, decorador del Parlamento de Londres que había sido edificado por Barry imitando el gótico perpendicular. En Francia, Violet le Duc no sólo fue teórico sino también restaurador de los más importantes monumentos góticos franceses, como, por ejemplo, la catedral de Nuestra Señora de París.

b) Arquitectura ferro-vítrea

Algunos estudiosos la denominan arquitectura de los ingenieros. Vino condicionada por razones técnicas como la invención de nuevas máquinas, estudios de resistencia de materiales, etc. El valor del suelo también influyó en el desarrollo de esta arquitectura.

El empleo del hierro tuvo su antecedente en Inglaterra, a finales del siglo XVIII, a partir de la construcción del puente de Coalbrookdale en 1779. Su utilización como material arquitectónico alcanzó su madurez, unido al cristal, hacia 1850. Por estas fechas ya se construían edificios de espacios diáfanos sobre finas columnas de hierro como la sala de lectura de la Biblioteca de Santa Genoveva, en París, proyectada por Labrouste.

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El hierro se aplicó con profusión en la construcción de puentes (puente de Brooklyn, en Nueva York), en estaciones de ferrocarril (estación de Atocha, en Madrid), en galerías comerciales (galería Víctor Manuel, en Milán), en mercados y en los pabellones de las Exposiciones Universales, que se hacían para exaltar las conquistas de la industria.

En estas Exposiciones universales se buscaba la funcionalidad y se aplicaron, a gran escala, elementos prefabricados y de formas modulares.

Ø En 1851, Joseph Paxton ganó el concurso para la Exposición de Londres con su Palacio de Cristal. La idea formal, que procedía de los

invernaderos, consistía en un espacio único y diáfano (70.000 m2), construido con elementos prefabricados y desmontables, que será el prototipo de otros palacios similares, como el del Retiro.

Ø El paso definitivo se dio en la Exposición Universal de París de 1889. Esta exposición contenía dos de las construcciones claves del siglo XIX, la galería de máquinas, que fue desmontada al terminar la muestra, y la TORRE EIFFEL, construida por el ingeniero Gustavo Eiffel. Esta obra es un monumento al progreso y un símbolo de la clase social burguesa que había derribado a la monarquía del Antiguo Régimen. Mide 300 m de altura y está construida con piezas prefabricadas de hierro laminado. Su base son cuatro grandes arcadas. Sobre ellas cuatro pilonos separados que, en la parte superior se unen con un poderoso impulso ascendente. Se remata con una flecha que recuerda el arte gótico. Es una construcción por cuyas estructuras caladas atraviesa la luz y el viento por lo que parece carecer de masa y de volumen. Su intencionalidad es la de hacer evidentes los elementos de su propia estructura.

c) La escuela de Chicago

En Chicago es donde tuvo su origen la arquitectura utilitaria y racionalista que podemos llamar contemporánea y que ha sido la base de las formas y tipos característicos del siglo XX. Cuando, en 1871, un incendio destruyó tres cuartas partes de la ciudad de Chicago, la necesidad urgente de su reconstrucción y el ánimo emprendedor de sus ciudadanos les llevó a una carrera de construcciones.

La coincidencia de una serie de circunstancias económicas y técnicas, como la especulación del suelo, el descubrimiento del ascensor y la utilización de armaduras metálicas que permitían superponer muchos pisos y prevenir posibles incendios, crearon la situación ideal para el triunfo de la arquitectura de los nuevos materiales. Apareció así un tipo de edificio, el rascacielos, destinado a ser el emblema de las ciudades modernas.

La figura más importante de la Escuela de Chicago es Louis Sullivan. Sus rascacielos son edificios cerrados y simétricos, construidos a base de un armazón metálico de pilares y viguetas, coronados por una cornisa en la parte superior. Como obras más importantes de este arquitecto podemos citar el Auditorium building, hoy Roosevelt University, y los almacenes Carson (o Schlesinger), un edificio de diez pisos, en el que son características las amplias ventanas apaisadas.

d) Arquitectura modernista

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Se desarrolló entre 1890 y 1910. El término Modernismo se aplica en España, pero en Bélgica y Francia se llamó Art Nouveau y en Alemania Jugendstil. Aunque algunos de sus componentes enlazan con el Neogótico y con el movimiento artesanal inglés llamado Arts and Crafts, los modernistas aspiraban a crear nuevas formas y desembarazarse del peso de la historia.

Es muy difícil establecer unos caracteres generales para este movimiento ya que cada uno de los autores tuvo su propio lenguaje expresivo. Coinciden en:

- La variedad de materiales. Emplean el hierro, que les facilita curvar o retorcer las líneas; el vidrio, para multiplicar los efectos luminosos, la profundidad y la unión entre el exterior y el interior; el hormigón, porque permite crear espacios abiertos de estructuras muy simples, lo que supone una gran facilidad para transformar las habitaciones cambiando los tabiques; usan también el ladrillo y la piedra, así como la cerámica y el mosaico, que colaboran en una decoración de apariencia fantástica.

- La unificación de las artes, fundiendo las artes mayores con las artes aplicadas (decoración, diseño, mobiliario, etc.)

El Modernismo tuvo dos tendencias. Una es el Modernismo decorativo, que se caracteriza por la fantasía creadora y por el interés en imitar las formas de la naturaleza, las líneas curvas y el arabesco; se desarrolla en Bélgica, Francia y España. La otra tendencia es el Modernismo geométrico, más racional, que encontramos en Escocia y Austria.

Fue en Bélgica donde surgió una tendencia llamada Modernismo decorativo, que más tarde se difundió en otros países. Bélgica, que en 1831 había visto reconocida su independencia buscaba constituir su estilo nacional. Víctor Horta era el arquitecto oficial de Bruselas. Utilizó el hierro en lo estructural y en lo decorativo, con lazos vegetales entrelazados y arabescos en las rejas de los balcones, en las barandillas de las escaleras, etc. La línea curva se convierte en prioritaria, como podemos observar en la casa Tassel.

Bélgica influyó en Francia, donde el estilo fue sólo una moda pasajera. En París, Héctor Guimard lo aplicó a las estaciones del Metro, con singulares armaduras de hierro y cristal, libres e imaginativas.

Van de Velde fundó en Alemania la Escuela de Artes y Oficios de Weimar y colaboró en la Werkbund, primera escuela de diseño moderno, precursora de la Bauhaus. .

Antonio GAUDÍ fue el genio del Modernismo en España. Nacido en Reus, realizó casi todas sus obras en Barcelona. Existía en Cataluña, a finales de siglo, una próspera burguesía industrial, culta y nacionalista, que prestó su apoyo a los arquitectos. Su dinamismo económico, unido al resurgir de la cultura catalana, la Renaixença, llevó a estos burgueses a aceptar unas formas artísticas que enlazaban con el Neogótico, pero intentando que, al mismo tiempo, fueran originales y refinadas para reflejar su riqueza y distinción.

La obra de Gaudí cumplía todos estos requisitos, además de su amor por la curva, su interés por las texturas y motivos de la naturaleza. En la manera de manejar los huecos, se comportaba como un escultor. El Gaudí ornamental sigue conquistando todavía hoy al gran público. No obstante, no podemos olvidar que, junto al espíritu fogoso que enmascara las formas con una enredadera de superposiciones escultóricas

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o de mosaicos, Antonio Gaudí fue también un arquitecto inventor de formas constructivas y espacios interiores.

La fantasía está presente en sus obras:

En arquitectura civil destacan la casa Batlló, la Casa Milá y el Parque Güell. La primera se caracteriza por sus columnas en forma de huesos, el tejado de escamas verdosas como el dorso de un dragón y los balcones que parecen antifaces. La casa Milá, llamada también la Pedrera, tiene extraños tejados, poderosas ondulaciones y un interior de pasillos curvos y superficies trapezoidales. El parque Güell, encargado por su amigo y protector, el financiero Eusebio Güell, es un jardín único en la historia del arte europeo. Su originalidad descansa en el uso de mosaicos de colores, en las superficies onduladas y en los pilares inclinados que hacen de contrafuerte al empuje del terreno.

En 1883, había recibido el encargo de dirigir las obras de la Sagrada Familia de Barcelona. Sólo llegó a terminar una de las fachadas del crucero, la llamada fachada del Nacimiento. El proyecto, cuyos trabajos continúan en la actualidad, consistía en una iglesia de cruz latina con cinco naves, dentro de un estilo neogótico, con tres fachadas sobre las que se desarrollarían más de cien especies vegetales y decenas de esculturas. Las torres, de perfil parabólico, están horadadas para resistir mejor los vientos, siendo a la vez instrumentos sonoros. Los remates superiores, dorados y esmaltados con cerámicas de Murano, llevan huecos para poder instalar reflectores.

3. Escultura del Siglo XIX: Rodin Durante los primeros años del s. XIX perduró el neoclasicismo, poco a poco, escultores que habían comenzado su obra siendo neoclásicos, tendieron hacia el movimiento romántico. Así nació una escultura de apariencia pictórica, principalmente de género histórico, que representa el movimiento y busca expresiones apasionadas, a través de gestos grandilocuentes. Una escultura que captaba la emoción y manifestaba todo tipo de sentimientos.

El proceso de transformación artística que se inició en los años ochenta viene representado por la obra del francés Rodin.

Auguste RODIN es el escultor más importante de todo el siglo XIX. Su sólido aprendizaje juvenil le permitió el manejo de técnicas y materiales diversos, de modo que era igualmente maestro en cincelar el mármol y en fundir el bronce. Viajó a Italia donde aprendió de Miguel Ángel la belleza de la textura inacabada, los contrastes plásticos de luz y sombra, y la energía palpitante bajo las formas marmóreas. El uso de superficies rugosas y la importancia que concedía al juego de la luz sobre ellas, son los elementos que le ponen, además, en relación con el Impresionismo.

Para Rodin el arte era, simultáneamente, sinónimo de religión y de amor por la naturaleza, y ambos componentes, lo ideal y lo real, debían aglutinarse en el resultado artístico. La estatua es una imagen que encarna, en la totalidad y en cada una de sus partes, los sentimientos del ser humano. Su visión del hombre es heroica y grandilocuente, pero no pone el acento en la grandiosidad sino en la tensión corporal, en el sentimiento desgarrado y en la intensidad emotiva.

Su permanente afán, casi obsesión, por eternizar la fuerza de lo expresivo queda magistralmente de manifiesto en obras como Los burgueses de Calais y el monumento a Balzac.

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Los burgueses de Calais constituyen un conjunto escultórico en bronce, del qué existen varias copias. Fue encargado a odin, en 1884, por el Ayuntamiento de Calais, para conmemorar un suceso histórico acaecido durante la Guerra de los Cien Años, conflicto en el que se enfrentaron Inglaterra y Francia en el siglo XIV. A la muerte del rey francés Carlos IV, último Capeto, el soberano inglés Eduardo III le disputó el trono a Felipe VI, de la Casa de Valois. En 1347 Eduardo III tomó Calais. Tras un largo asedio, el Concejo y los vecinos de la ciudad pidieron pactar su rendición, pero Eduardo III exigió su entrega sin condiciones y amenazó con arrasarla, a menos que seis vecinos partiesen hacia el campamento enemigo, descalzos y sin más abrigo que una camisa, llevando todos la soga de los ahorcados al cuello y en las manos las llaves de la ciudad y el castillo.

Trabajó, intermitentemente, durante treinta y siete años en Las puertas del Infierno, que no llegó a terminar; era una obra de ciento ochenta y seis figuras algunas de las cuales se convirtieron en obras independientes. Tal fue el caso de El pensador o de El beso.

El pensador es una de las grandes obras del arte contemporáneo. El Pensador de Rodín tiene por sobre todas las cosas una enorme cuota de realismo, con rasgos propios e identificativos de las personas, incluso se piensa que está hecha a semejanza de alguien que posó para él. La escultura es el reflejo de una lucha interna por la meditación y el poder abstraerse del mundo exterior para lograr el equilibrio espiritual. El Pensador de Rodín es un llamado a la reflexión, incluso para el mismo Auguste Rodín quien sintió la necesidad de materializar lo que le estaba sucediendo a el mismo como parte de la comunidad. El hombre se encuentra meditando y mirando hacia abajo, como muestra de querer ver sus propios pasos, donde para avanzar y alcanzar resultados siempre se debe mirar el camino recorrido como fuente de aprendizaje. Que se encuentre sentado el Pensador de Rodín tampoco es casualidad, ya que el ritmo vertiginoso con que acontecían los hechos no daban lugar al descanso, al detenerse a reflexionar sobre las cosas.

El Beso representaba en su origen a Paolo y Francesca, personajes procedentes de La Divina Comedia, poema de Dante Alighieri (1265-1321). Matados por el marido de Francesca que les sorprendió besándose, ambos enamorados fueron condenados a errar en los Infiernos. Este grupo, diseñado de forma temprana por Rodin, en el proceso creativo de La Porte de L'Enfer [La Puerta del Infierno], se encuentra bien situado en la parte inferior de la hoja izquierda, frente a Ugolino, hasta 1886, fecha en la que el escultor tomó conciencia de que esta representación de la felicidad y de la sensualidad estaba en contradicción con el tema de su gran proyecto. Fue entonces que hizo de éste una obra autónoma y que la mostró a partir de 1887. El modelado flexible y liso, la composición muy dinámica y el tema encantador, hicieron que este grupo tuviera un éxito inmediato.

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Ya en su madurez, Rodin se interesó por las formas simbólicas como en La catedral.

4. Impresionismo: Monet, Renoir, Degas.

Es un movimiento artístico francés del último tercio del siglo XIX. Hasta entonces, se había aceptado unánimemente que un cuadro era una forma de representar la realidad. Por el contrario, los impresionistas concibieron su pintura como una forma específica de percibir el mundo. Fue una revolución y el principio de la liberación total que ha permitido a los pintores posteriores desarrollarse en el arte de imaginar, en lugar del arte de imitar.

4.1. PRECEDENTES

Grandes maestros habían anticipado la técnica del impresionismo: Tiziano, Velázquez, Hals, Goya y, sobre todo, múltiples pintores del mismo siglo XIX como los paisajistas ingleses Constable y Turner, o franceses como Corot y los integrantes de la escuela de Barbizon.

No obstante, será Manet el guía, el referente del Impresionismo. Eduard Manet, que recogió las enseñanzas del pasado con su gran admiración por maestros como Velázquez y Goya, transgredió los convencionalismos de la pintura académica en cuanto al tratamiento de los temas, del color, de la perspectiva, en obras como Olimpia, El pífano y Retrato de Emilio Zola.

En 1863, el jurado del Salón oficial de París rechazó más de 4.000 obras, lo que provocó una oleada de protestas que forzó a Napoleón III a autorizar la celebración de un Salón de los Rechazados. La estrella del Salón sería Manet gracias al escándalo que suscitó Le dejeuner sur l’herbe (Almuerzo en el campo) una obra rompedora, que chocaba con la doble moral burguesa, pero que no era en absoluto impresionista. Manet no fue impresionista hasta su madurez.

En 1874, un grupo de pintores decidieron no presentar sus obras en el Salón, para realizar una exposición independiente, en unos locales que les había cedido el fotógrafo Félix Nadar. Allí fueron calificados por el crítico de arte Leroi como impresionistas, burlándose del título del cuadro Impression, soleil levant, de Claude Monet.

4.2. CARACTERES DEL IMPRESIONISMO

o Los temas son triviales; no existe en el impresionismo ninguna lección moral. Prefieren el paisaje, los ambientes burgueses, las imágenes intrascendentes de la vida ciudadana, sus propios retratos y los de sus amigos, etc.

o Se interesan por la visión inmediata del natural, por el trabajo al aire libre (plein

air), buscando directamente las sensaciones sensoriales.

o La luz es fundamental en la pintura impresionista. Mediante la luz captan el momento, la hora del día, los rayos del sol a través de las hojas de los árboles, los reflejos en el agua. La luz logra dar la sensación de lo instantáneo, de lo fugitivo. Hay una gran influencia de la fotografía.

o Preferencia por la pincelada suelta, por el abandono del dibujo a favor del

color. No mezclan los colores en la paleta sino que los aplican directamente

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sobre el lienzo, en pequeñas pinceladas, de modo que sea la retina del espectador quien se encargue de mezclarlos. El cuadro impresionista está formado por una yuxtaposición de tonos puros. Los impresionistas conocían los descubrimientos científicos de Rood y Chevreul respecto al color, aunque lo interpretaban de forma instintiva.

o Aplican la teoría de los colores. Según ésta existen tres colores primarios,

amarillo, rojo y azul, y tres secundarios o binarios, el naranja, el verde y el violeta. La unión de dos primarios origina su binario correspondiente. Un binario se exalta junto al primario no componente, por ejemplo el naranja junto al azul; y este azul se llama complementario del naranja. Los impresionistas no utilizaban el negro (salvo raras excepciones) e incluso las sombras dejan de ser oscuras para colorearse con tintas complementarias.

4.3. PRINCIPALES PINTORES IMPRESIONISTAS

Monet fue el más consecuente de los impresionistas. Se inclinaba por el paisaje, tema que nunca abandonaría. Su pintura nos comunica las sensaciones atmosféricas. La luz será una gran protagonista en su obra, prefiriendo, sobre todo, los reflejos en el agua. En sus series, como la Estación de San Lázaro o la Catedral de Rouen, repite el mismo tema a diferentes horas del día, variando los efectos pasajeros con la luz.

A partir de la década de los 80 su pintura tuvo un proceso desmaterializador, como en la serie de Ninfeas, disolviendo las formas casi hasta hacer desaparecer los objetos, para lograr mejor la sensación de lo efímero. Ningún impresionista llegó tan lejos diluyendo la apariencia; por esto, ha sido tan valorado por los artistas abstractos.

Renoir concedía más importancia que Monet a la figura humana sobre todo a la femenina, que nos recuerda a Rubens. Las superficies de sus cuadros son generalmente más pulidas que las espesas y pastosas de los otros impresionistas. Es una excepción por cuanto utiliza, en ocasiones, el color negro. La obra más conocida de Renoir es Le moulin de la Galette. Sus temas intrascendentes, sus toques sueltos y vigorosos, ilustran con fidelidad su idea de cómo tenía que ser un cuadro:

Para mí, un cuadro debe ser una cosa amable, risueña, y bonita... ya hay en la vida suficientes cosas fastidiosas para que nosotros hagamos aún más.

Degas no se ajustó a los parámetros impresionistas. Pintó el mundo de las carreras de caballos y las bailarinas de la ópera. Nunca trabajó al aire libre y buscó los puntos de vista insólitos, los escorzos forzados, las visiones en picado. Se le considera impresionista por compartir el gusto por el color, el interés por la luz y por lo efímero. Ensayo en el ballet de la Ópera; En las carreras.

Sisley fue un pintor de origen inglés que pasó la mayor parte de su vida en Francia. Gran defensor de la obra al aire libre y gran amigo de Monet, sus temas preferidos fueron los paisajes de los alrededores de París, como en Nieve en Louveciennes.

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5.- Postimpresionismo: Cezanne, Gauguin y Van Gogh

Los pintores post impresionistas reflexionaron a partir del Impresionismo. Asumieron que este no era el inicio de un nuevo camino sino un punto final y buscaron nuevas soluciones pictóricas.

En el Postimpresionismo encontramos dos vías diferentes.

· Metódica, que sistematiza y ordena, representada por Seurat y Cezanne. · Expresiva simbólica, que valora lo emotivo, a la que pertenecen Van Gogh, Gauguin y Toulouse Lautrec.

George Seurat aspira a dar al Impresionismo una base científica, por lo que su obra es cerebral. Su técnica es el Puntillismo, es decir, que pinta puntos homogéneos de color sin mezcla que producen un encadenamiento continuo de contrastes elementales. Su obra más conocida es Una tarde de domingo en la Grande Jatte.

Paul Cezanne poseyó una concepción tan completa del arte que generaciones de pintores han seguido su camino. Comenzó como impresionista puro, pintando al aire libre y adoptando una pincelada breve.

A partir de 1878, residiendo en Aix en Provence, el arte de Cezanne se simplifica, adquiriendo sus formas un claro sentido geométrico. En sus propias palabras, intentaba tratar la naturaleza por el cilindro, la esfera y el cono… Su paleta se basa en tonos naranjas, azules y verdes.

Entre sus obras destacan las Naturalezas muertas, con gran predilección por las manzanas. Pintó también paisajes de La montaña de Santa Victoria, series de Bañistas, retratos (Retrato de un campesino) y escenas de café como Los jugadores de cartas.

Por su búsqueda de lo permanente y lo esencial, tuvo influencia decisiva en el Cubismo.

Para Van Gogh, el arte tenía un sentido casi religioso. Su agitada existencia terminó trágicamente en el suicidio y su pintura traduce el fuego interior que le producía su enfermedad mental. Su pincelada es rápida, gestual y expresiva, el colorido es vibrante y las formas serpenteantes, flamígeras.

Entre su abundante obra destacan los autorretratos, retratos (El doctor Gachet), cuadros de flores (Los girasoles y Los lirios), paisajes (Campos de trigo; Noche estrellada; La iglesia de Auvers) e interiores (La habitación del pintor).

Por su visión subjetiva, por proyectar sus sentimientos en la pintura transmitiéndonos su soledad, por su angustia y su fracaso como artista (no vendió ninguna de sus obras), se considera a Van Gogh un claro antecedente del Expresionismo.

Paul Gauguin fue un pintor vocacional que abandonó el bienestar económico e incluso a su familia para buscar la autenticidad primero en Bretaña y más tarde en Tahití.

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Adoptó el procedimiento del cloisonismo, consistente en pintar con tintas planas, delimitadas con un trazo lineal fuerte y nítido: es una técnica que recuerda los esmaltes y las vidrieras. Sus obras, al contrario que las de Van Gogh, dan sensación de estatismo.

En obras como Mata Mua, El caballo blanco, Never More y Mujeres tahitianas supo liberarse de los colores reales de la naturaleza y, debido a esa autonomía del color, se le considera antecedente del Fauvismo.

Toulouse Lautrec destacó como cartelista. Su pintura oscila entre lo expresivo, con un gran sentido crítico, y lo decorativo. Fue pintor de los ambientes de los cabarets parisinos, de los alegres y sórdidos interiores de la gran ciudad. Una de sus obras más conocida es En el Moulin Rouge.