Cómo dibujar figuras vestidas

Los pliegues de la ropa a menudo se esbozaron en el último momento, sin embargo, si se manejan mal, pueden romper el hechizo de la obra de arte más realista. Autor Michael Massen explica por qué la comprensión de cómo se comporta un tejido es la clave para un dibujo más realista

Para dibujar la figura bien es uno de los desafíos preeminentes de un artista. Dibujando la figura vestida añade una capa adicional de dificultad para ese objetivo.

La cosa importante a tener en cuenta es que los pliegues no forman al azar. Los pliegues son simplemente el resultado final de alguna fuerza que actúa sobre un material flexible - tela, en la mayoría de los casos. Es cierto que algunos pliegues, como pliegues o frunces, se cosen físicamente en una prenda de vestir. Pero en su mayor parte, parecen (y lo hacen constantemente) a causa de algún tipo de acción, o una serie de acciones, que el modelo ha tenido en el intervalo de tiempo entre vestirse y posando delante de la artista.

Por mentalmente la reconstrucción de esta historia, se puede hacer mayor sentido de una disposición de pliegues, y en última instancia utilizar esta información para crear un dibujo más fuerte.

ESTUDIO DE CASO

Echemos un vistazo a la modelo sentada con una falda en la figura 1. Si podemos formular las diferencias entre lo que conocemos la estructura básica de una falda de ser y su aspecto final aquí, podemos construir por nosotros mismos una historia conceptual que ayudará para aclarar lo que está pasando en las formaciones de plegado resultantes. He seleccionado tres áreas (marcados A, B, y C) como particularmente reveladoras partes del dibujo.

Incluso sin mirar a uno directamente, ya tenemos una idea bastante buena en general de lo que es una falda es - es una prenda tubular que es más estrecho en la parte superior, donde se rodea la cintura, y más ancho en la parte inferior, para permitir el movimiento de las caderas y piernas. También podría pensar en su forma a la de un cono truncado.

Cuando el modelo toma un asiento, la parte delantera de la falda viene a descansar en sus muslos, que ahora son horizontal (y apuntando hacia el espectador en nuestro dibujo).Como la gravedad tira hacia abajo la falda, vemos la formación de un pliegue superficial corriendo front-to-back entre los muslos de la modelo.

La línea que designa borde inferior de la falda (A) también se puede utilizar para describir el contorno en sección de los muslos del modelo.

Vamos a pasar a una zona más ligeramente compleja de pliegues de la falda (B). Aquí, un área de proyectos de tela fuera de debajo de la pierna izquierda de la modelo en un aplanado, extensión triangular. Esa descripción simple podría servir lo suficientemente bien como para crear un dibujo adecuado, pero para formar una mejor declaración gráfica, necesitamos desarrollar una comprensión de cómo y por qué se originó la forma.

fig.2 / fig. 3Volvamos a nuestra descripción de la falda como un cono que ha sido cortada en la parte superior. Cuando el modelo está de pie en posición vertical, la gravedad, tirando hacia abajo en todos sus puntos, hará que la tela se pliegue sobre sí mismo en surcos verticales.

Estos surcos están bordeadas a su vez por las formas de forma cónica en suspensión de todos los puntos extremos de las caderas de la modelo. El más posterior de estos puntos son las nalgas del modelo (ver figura 2). (Por cierto, esto será cierto para cualquier modelo, no importa el género del modelo, o de su tamaño o forma particular.)

En la creación de esta postura, se pidió a la modelo para cambiar deliberadamente a su derecha al sentarse, y podemos ver el resultado de ese cambio en el patrón de plegado. El cónica pliegues en la falda, aunque ahora aplastada por la gravedad sobre la superficie del sofá, todavía apuntan hacia sus puntos de origen en las nalgas de la modelo.

Por último, vamos a considerar el patrón de plegado muy complejo que aparece donde los muslos se cruzan con la parte delantera de las caderas (C). Hay una serie de dinámicas en el trabajo aquí, pero por su desglose en los casos más simples de causa y efecto, podemos hacer un mejor sentido de ellos.

Fig. 4Lo primero que debemos reconocer es la presencia de lo que yo llamo una "banda de compresión 'alrededor de la cintura. Esta banda se compone de una serie de enclavamiento que sobresale y de retroceso pirámides que se componen de planos triangulares unidas. Parece siempre que sea un tubo de tela se comprime, y se espese el perfil exterior general de la prenda en esta zona (figura 4).

En nuestro primer ejemplo, esta banda de compresión se somete además a tres efectos más. Observe cómo la banda de compresión se comprime aún más delante de la pelvis que en los lados; esto es debido a que la tela se apretó entre las copas de los muslos de la modelo y las superficies delanteras de sus caderas cuando el modelo se sentó (figura 3).

Otro fenómeno en el trabajo es el telescópico de la falda en sí mismo en la misma zona.Recuerde que cuando describimos la falda para nosotros mismos como un cono de tela?Imagine la parte superior del cono que se hunde en la parte inferior del mismo, tal como se describe en la figura 5, y usted será capaz de ver la misma dinámica en el juego en el boceto final.

Fig. 5

Por último, nos damos cuenta de que el patrón de compresión no está alineada de manera uniforme en la parte frontal de las caderas de la modelo. Se ha sesgado hacia el lado derecho del dibujo, ya que el modelo, como hemos señalado antes, se movió a su izquierda, mientras ella estaba sentada.

Buscando pistas sobre por qué un arreglo de ropa llega a aparecer como lo hace nos ayuda a traducir al espectador con un mayor sentido de la claridad y el orden. Este mismo conocimiento puede ser utilizado para dibujar figuras imaginarias en poses similares, o para capturar el aspecto esencial de la ropa que pasa brevemente a través de una disposición similar.

Cómo dibujar y dibujar las manos

Una mano mal dibujada puede echar a perder un retrato de lo contrario perfecto, así que cuidado especial debe ser tomado. Experto dibujo clásico Juliette Aristides abre su cuaderno de bocetos para revelar valiosos consejos.

Un retrato completo puede ser una ventana al alma, sin embargo, las manos solas son igualmente hábil para transmitir emoción. Ya sea en la oración, el saludo, el dolor o el entusiasmo, nuestras manos dan expresión a nuestros pensamientos. Este lenguaje internacional del cuerpo puede hablar con más claridad que las palabras. Y cuando el dibujo o la pintura de una figura, las señales no verbales son esenciales para transmitir la amplitud de la posible contenido emocional y narrativa. También ocurre que dibujar las manos puede ser intimidante. En lugar de ser comunicadores gloriosos de la condición humana, las manos dibujadas a menudo traicionan nuestra falta de habilidades técnicas.Ellos son menos comprendidos y estudiados que el retrato; es más fácil de ocultar que ellos a tomar un riesgo. Afortunadamente, con algunos consejos y un poco de estudio, podemos sentir rápidamente más cómodo tomando nuestras manos salir de su escondite y agregarlas a nuestro repertorio artístico. Recomiendo un enfoque de tres veces a la mejora de su dibujo: copia maestra, estudio de la anatomía y el dibujo de la vida. Artistas ganan en gama expresiva cuando usamos un lenguaje tan sutil y poderoso cuerpo. El último libro de Juliette, Lecciones de dibujo, es publicado por Watson-Guptill. www.aristidesarts.com

1. Copia Maestra Trabajo

Manos del gráfico de la vida es a menudo confusa, ya que carecen de la claridad de las formas ideales. Cuando los dedos se dibujan siguiendo el contorno, que a menudo no son naturales. Siguiendo la gran tradición, estudio dibujo estructural mediante la copia de los libros de anatomía artística, entre ellos de Burne Hogarth Dinámico Figura dibujo y guía completa de George Bridgman de dibujo del natural.

Estudio 2. Anatomía

Estudios de anatomía le pueden ayudar a entender lo que está por debajo de la superficie, de modo que usted tiene una concepción mental de cómo funciona el cuerpo. Incluso una pequeña cantidad de la visualización le permitirá sacar más estructuralmente, asegurándose de que el contorno de la imagen es compatible con el funcionamiento de la mano. Usted será capaz de ver puntos de referencia anatómicos, protuberancias óseas, tendones y músculos que son todos evidentes a través de la piel. Este dibujo se realiza a partir de un écorché - un modelo de los músculos del cuerpo sin piel, lo que brinda la oportunidad de trabajar a partir de la observación.

3. A partir de la vida

Siempre empiezo dibujos con andamios abstraída. Esto forma lo que yo llamo el 'bloque en' - una luz, preliminar lay-in de un dibujo. Busco una repetición de la línea y las formas unificadoras para proporcionar un diseño coherente. Tener toda la imagen colocada de manera general me da la oportunidad de evaluar cómo avanza la proporción y el gesto de la obra. Yo tenía un amigo reposar durante estos bocetos rápidos. Si yo fuera a refinar estos dibujos más, me gustaría añadir curvas más sutiles y tonos, prestando atención a las idiosincrasias de las manos de la modelo.

4. La combinación de métodos

Aunque no es evidente, este dibujo se construye sobre una base estructural similar a los dibujos vistos en el paso 3. colocar ligeramente sus formas, la búsqueda de bloque-en iniciales que los dedos, la palma y el enclavamiento de la muñeca de una manera convincente. Una vez que las pocas líneas generales se sienten integrados y relacionados entre sí, se le han hecho mucho para asegurar un resultado exitoso a su dibujo. A continuación, coloque las formas de sombra, manteniéndolos unificado y lo más grande posible. Busque la forma de la sombra cae a través de los dedos y vincularlos entre sí.

Cómo desarrollar Composición en Pinturas: Arte Masterclass

Si usted está luchando para encontrar la inspiración para una nueva composición, recuerde que las pinturas imaginativas todavía se pueden crear mediante la combinación hábilmente una serie de elementos e influencias. Artista y profesor particular Miriam Escofet da una idea de sus procesos de pensamiento.

La idea para esta pintura evolucionó como yo estaba trabajando en algunas de mis otras piezas cáliz-temática. El título de la pintura - Y ¿Acaso no vivimos en sueños - es una cita de Tennyson, que parecía encajar muy bien. Quería crear un lugar magnífico cuadro que dibujó bastante liberalmente de imágenes históricas, mítico y romántico.

Cálices son objetos intrigantes, sagrados y misteriosos que a veces son obras de arte en sí mismos. Estoy interesado en la forma en que se han utilizado simbólicamente largo de la historia, en las historias y leyendas. La taza o vaso es uno de los objetos más antiguos hechos por el hombre. Quería transmitir de alguna manera la idea de estos atributos inherentes de un cáliz en la pintura. Yo también quería reunir y obra de referencia por otros artistas, entre ellos la pintura Angélica Ingres Salvados por Ruggiero, de Paolo Uccello San Jorge y el dragón, el alivio de Donatello San Jorge y el Dragón y puertas de Ghiberti Baptisterio de Florencia.

La idea de crear este cáliz en un nicho o ventana sirve tres propósitos realmente: para permitir una vista o telón de fondo en un paisaje de Arcadia, a actuar como un legado compositivo en el que pudiera hacer referencia arquitectónicamente imágenes que tenía en mente, y que me permiten disfrutar de mi amor por la arquitectura y la perspectiva. Nichos en ocasiones actúan como altares y que a menudo te cuentan historias, mientras que las ventanas son como portales pictóricas - una vista en el mundo interior de la niñera o el objeto.

Yo tal vez debería señalar que todos los elementos de esta pintura se inventa y se formó en mi imaginación - aparte de los mármoles y la flor del manzano.

1. Ideas Croquizado vagamenteEste es el primer dibujo que hice, simplemente anotar la idea de la pintura. La primera vez que empiezo esta parte de la composición, los dibujos son muy flojo, ya que no quiero retrasar el proceso de pensamiento con detalles complicados. También tiendo a escribir algunos de los elementos como un acceso directo para el dibujo, de nuevo por la velocidad y la claridad. La idea del nicho estaba allí desde el principio, al igual que las referencias a Uccello y Donatello. Decidí que el nicho también debe ser una ventana, porque quería algo más allá o detrás de ella - muy posiblemente un paisaje.

2. La resolución de la configuraciónEstoy empezando a trabajar en la composición con más detalle aquí. Es importante para mí para resolver los principales elementos del entorno arquitectónico antes de decidir sobre otros aspectos de la composición, ya que esta estructura realmente dicta el "mundo" en el que los otros elementos habitan. Me sentía feliz con la idea del friso, así que exploré cómo incorporar una alusión a Tristán e Isolda en todo el arco a hacerse eco del aspecto 'taza amor' en la historia, que se basa en las ideas cristianas medievales y principios de un cáliz mágico que tiene , cualidades transformadoras.

3. La adición de influenciasAquí yo estaba tratando de resolver la composición de la parte superior del nicho, como los demás elementos se resuelven suficientemente por ahora (el cáliz es bastante indefinido hasta ahora, que yo sepa el diseño del que será todo un proyecto en sí mismo). Yo presenté la idea de una placa trébol de cuatro hojas por encima del nicho, inspirado en los cuadros individuales en las puertas de Ghiberti Baptisterio en Florencia - Veo las figuras en relieve en él como una especie de Adán y Eva al estilo de los inocentes. Me siento feliz con las proporciones generales y la disposición ahora, así que es hora de empezar a fijar por el detalle.

 

4. Los patrones de planificación en 2DPor ahora me habían puesto en mi cabeza la idea de utilizar un patrón de color de rosa en el fondo del nicho, por lo que podrían comenzar a trabajar en un diseño para que que va a funcionar mejor dentro de la pintura. Empecé con esta vista en planta 2D de ella, que más tarde se proyecta sobre el nicho utilizando las reglas de la perspectiva. Esto también ayuda a establecer la profundidad del nicho. He diseñado conscientemente un patrón que va a crear secciones de diferentes profundidades, lo que destaqué en diferentes colores para que me ayude a visualizarlos y ver lo bien que el patrón es equilibrar a cabo.

5. Repetición de las rosasUna vez que haya establecido el diseño de una cuarta parte del patrón de color de rosa, yo entonces puedo elaborar todo el patrón mediante el trazado a través del mismo diseño en varias ocasiones. Esta es ahora la plantilla voy a utilizar para el fondo del nicho. Más o menos me quedaré con papel de calco, desde este punto en adelante, ya que habrá muchas capas y elementos diferentes con los que lidiar. El papel de calco me permite trabajar fuera de estos elementos por separado, por lo que se puede reunió más tarde y superpone para formar el contorno acabado de la pintura.

6. La transposición de un diseñoque he superpuesto estas líneas en las ilustraciones existentes para demostrar el principio básico para la incorporación de un patrón en vista en planta sobre un dibujo en perspectiva 3D. Empiezo por la creación de una red de líneas sobre el plan original. Entonces creo una rejilla idéntica en la zona elegida con las líneas verticales fusión en el Punto de fuga (VP) - esto se convierte en la línea del horizonte para todos los elementos de la pintura. Se puede ver que donde se elige para establecer el VP determina la 'profundidad visual' de sus planos horizontales, así que usted puede jugar con esto para adaptarse. Las líneas diagonales son importantes (que se muestra aquí en rosa) como las líneas horizontales de la cuadrícula incorporado en la parte superior, donde se establecen las diagonales se cruzan las líneas verticales. Una vez que tenga esta red proyectada, puede seguirlo plaza por plaza para transferir el patrón. Me parece mejor para colocar una capa de papel de calco sobre la rejilla y se basan en que, de lo contrario todo se vuelve muy desordenado como inevitablemente se cometen errores.

 

7. La combinación de influenciasUna vez que he proyectado el área del piso, me descartan la capa que muestra la cuadrícula y líneas para el vicepresidente, ya que interfiere visualmente con las siguientes etapas del diseño. El siguiente elemento de la composición que se establezca es el panel de alivio en la parte inferior del nicho. Ahora dibuje con cuidado los elementos figurativos de esto. El dragón se basa claramente en magnífico dragón de Paolo Uccello, un tanto psicodélico en su San Jorge y el dragón, San Jorge se basa en el alivio de Donatello de San Jorge en Orsanmichele en Florencia y la figura femenina se basa libremente en la figura de María en la Anunciación marco en las puertas del baptisterio de Ghiberti en Florencia, que creo que es una joya de la narración esculpida expresiva.

8. Llenar el cálizya por el cáliz. He elaborado en relación con la perspectiva de que ya ha sido establecido por el patrón de color de rosa. Esto se dibuja sobre una capa separada de papel de calco para que pueda realizar un seguimiento de cómo se 'sienta' en el área de terreno. La figura femenina en el pie del cáliz se basa en Angélica en la pintura de Ingres, Angélica Salvados por Ruggiero.

9. Definir el espacioAhora que la base de la hornacina se establece y sé cuánto espacio visual del cáliz ocupará, puedo diseñar el arco superior del nicho. Una vez más, yo uso los mismos marcadores perspectiva ya establecidos (VP y profundidad) para asegurarse de que el espacio se ve acabado convincente. Decido volver a introducir el tema de Tristán e Isolda en las placas trébol a cada lado del arco.

10. Ideas ReciclajeLa placa trébol de cuatro hojas por encima del nicho se ha tomado de una idea que tuve para un pequeño cuadro, también con flor. He utilizado la idea de la flor en otras pinturas también, así como la idea de un diseño de la rosa como un área de terreno. Me parece interesante cómo las ideas viajan de un cuadro a otro y veo ésta como una síntesis de muchos temas que he trabajado antes.

11. Uso de marcadores de coloresAquí la placa trébol de cuatro hojas se fija por encima del arco del nicho y el contorno de sus elementos dibujados a cabo. Puedo utilizar diferentes colores de las líneas para diferentes elementos del dibujo: Tengo que tener una mente ordenada, lógica que le gusta de dar sentido a las cosas de esta manera, pero puede ser un truco útil para seguir. Me gusta la construcción de un dibujo o diseño en capas como este y los diferentes colores de línea convertido en "marcadores" para cada etapa de ese proceso.

12. La estructura finalque ahora tengo un esquema acabado que se puede rastrear en el lienzo, utilizando una hoja de papel de grafito debajo del papel de calco. Es importante recordar que esto es sólo la "estructura" de la obra final, y que el proceso de la pintura tiene que seguir una soltura y la plasticidad de su propia. Sin embargo, me parece que se resuelve el dibujo para este grado ahora me libera para concentrarse en la pintura sin sensación que tengo de volver a evaluar continuamente la composición a medida que avanzo.

Cómo pintar los tonos de piel perfectos

Más de 280 colecciones a través de América propios retratos pintados por Chris Saper, por lo que sabe una cosa o dos acerca

de la consecución de una semejanza exacta. Aquí se revela cómo observar y mezclar los colores carne perfectos para hacer sus propios retratos cantar con la vida y la vitalidad

Retratos pintados de vida tienden a transmitir una inmediatez explosivo - una frescura y vitalidad que expresa la interacción en vivo entre el pintor y el sujeto. Mi mayor objetivo como retratista profesional es pintar mis temas como los individuos únicos que son, con el color de estar fresco. En este artículo, voy a compartir algunos sencillos pasos que tomo para hacer mis retratos tan convincente como puedo.

Cómo pintar los tonos de piel perfectos -  Identificar y Evaluar

Toda la piel contiene una combinación de un color básico de naranja - es decir, que contiene algunos elementos de color rojo, amarillo y blanco. Mezcla de color precisa para cualquier tema, si todavía la vida, paisajes o retratos, consiste en preguntarse a sí mismo tres preguntas básicas acerca de lo que estás observando:

1. ¿Cuál es el color o el matiz local? Por ejemplo, si el matiz de la hoja de la planta es de color verde, evaluar si tiende hacia un A o un verde medio azul-verde, amarilloverde. En el caso de un sujeto humano, hágase las mismas tres preguntas: ¿Qué tipo de naranja? ¿El tono de la piel tienden hacia el rojo anaranjado, hacia el amarillo-naranja, o es que en el medio?

2. ¿Cuál es el valor de la piel de su tema? Puesto que nadie tiene la piel que es blanco o negro, en realidad se estará evaluando un rango bastante estrecho de valores para determinar cómo puede ser clara u oscura tez de un individuo.

3. ¿Cómo saturada es la piel de su tema? Algunos tonos de piel pueden contener de forma natural una gran cantidad de color rico - y todo el color de la piel pueden ser más influenciados por la exposición al sol, la edad, el estado general de salud o enfermedad, el tabaquismo, o una vida al aire libre durante muchos años.

Cómo pintar los tonos de piel perfectos -  La Paleta DerechaLos estudiantes con frecuencia me preguntan para proporcionar una receta para los tonos de piel 'caucásicos' o 'negro', y son a menudo frustrados cuando les digo que no hay tal cosa. Si bien siempre hay una manera de mezclar la pintura para el tono de la piel de un individuo, bajo una fuente de luz especial, y con el color específico ambiente (la ropa, fondo, etc.), cada objeto y las condiciones de iluminación varía tan ampliamente que sería un flaco favor pintar simplemente un retrato de algunos receta generalizada.

Yo uso la misma paleta de colores para todos los temas - similar a la selección que se muestra a la izquierda. Sólo de vez en cuando voy a añadir Amarillo indio cuando pinto rubias, o Indigo cuando pinto los ojos azules. De lo contrario, un conjunto de colores le permitirá mezclar cualquier tono de piel imaginables.

La mayoría de los fabricantes de pintura producen colores similares pero de vez en cuando te encuentras variaciones - del Umber crudo desde el fabricante estadounidense Grumbacher es más fresco en el color, que

yo prefiero. También utilizo monocromo tono cálido y Fundación verdoso de Holbein, dos colores que no se encuentran en los rangos de otros fabricantes.

Cómo pintar los tonos de piel perfectos -  Interpretación Fotos

Es demasiado obvio a menudo cuando un artista se basa sólo en referencia fotográfica, sin el beneficio de la práctica regular de la vida. El retrato que aparece amateur es generalmente el resultado de la copia literal de una referencia fotográfica, sin la edición que se logra mucho más fácilmente durante una sesión en vivo.

Hay tres problemas principales inherentes a las fotografías: falso color, los valores comprimidos y sin editar la calidad del borde. En contraste, sólo hay dos ventajas reales como yo lo veo: en primer lugar, la foto no se mueve, y en segundo lugar, usted puede trabajar en su tiempo libre y para su propio horario.

Si usted encuentra que tiene que trabajar a partir de fotos, que necesitan para ser referencias adecuadas: correctamente expuestas a una resolución suficiente, con los patrones de luz y sombra de dirección (a diferencia de frontales flash) e interesantes.

Cuando usted observa el sujeto de la vida, usted será capaz de ver el color de la piel;cuando se está pintando de fotos, tendrás que depender también de lo que ya sabes.

La temperatura de color de la fuente de luz es importante. Luz caliente tenderá a producir sombras relativamente más frías y es todo lo contrario, también: luz fría tenderá a producir sombras relativamente más cálidas.

Saber interpretar los colores de sombra es importante cuando se utilizan fotografías, también. Las sombras se caracterizan por sus valores (áreas de iluminados más oscuros), contraste (contraste más bajo en la sombra de la luz) y su saturación (menos saturada que en las zonas de luz, independientemente del color de la fuente de luz).

Los valores de la sombra en las fotos son artificialmente falsa en las zonas más claras y las más oscuras porque esas zonas se han convertido en comprimido, por lo que el rango de valores intermedios se vea comprometida. Color de la sombra dictada en fotos no suele ser útil.

Pintura tonos de piel es con precisión alcanzable para todos los artistas, mediante la combinación de lo que se observa con lo que sabe sobre el color. La comprensión de los peligros y problemas inherentes en las fotografías le permitirá evitar sus trampas. La verdadera clave es utilizar sólo las mejores referencias de la calidad de la foto y, por supuesto, la práctica regular de la vida.

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EL AUTOR

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