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1.1 Si las ontologías regionales se ocupan de alguna “región de la realidad”, ¿qué podría contarse con una ontología del arte? Y si es así, ¿cuál sería “el mobiliario” de ese mundo (o “región”)? Y entonces, ¿qué distinguiría una obra de arte de meras cosas?

Hablar del campo ontológico que hay en el mundo es hablar, a grandes rasgos, de las distintas cosas que hay en éste, lo que hace que entren en la categoría de este y sus distintos componentes todos emanados del objeto de estudio principal de la ontología: el ser.

Guillermo Hurtado menciona en su texto Viías de la Ontología que al igual como ya formulaba Aristóteles en su Metafísica, el ser puede decir de varias maneras, teniendo en líneas generales: al ser cuando se toma como sustantivo, al ser cuando es la esencia, cuando es la existencia y la identidad. Uno de los cuestionamientos que se le hacen a la mayoría de las ontologías es que siempre presuponen al ser fuera de quien lo percibe y dan por hecho que quien lo percibe puede hacerlo de manera nítida y completa, sin dejar de lado algo importante. Kant, por ejemplo, fue quien planteó este problema y, pensó que si de verdad se quiere tener un conocimiento verdadero lo que hay fuera del sujeto que conoce primero tiene que conocerse las condiciones a priori que tiene el sujeto pensante al conocer lo que está fuera de él, teniendo esto claro, entonces el sujeto, primeramente se da cuenta que a la hora de hablar de lo que hay fuera de él, primero tiene que fijarse en sus capacidades internas que le permiten conocer y que a la vez lo limitan y sólo le permiten conocer las cosas como se le presentan a él, no como son realmente; por lo tanto, tomar al ser como la verdadera esencia de las cosas, es un error. ¿Cómo afecta lo anterior al preguntarse sobre una ontología del arte?

Afecta en el sentido en el que si tomamos a la ontología del ser tanto en la predicación de la existencia de un ente externo y de que lo podemos conocer de forma amplia, entonces si podríamos hacer una descripción del mundo del arte. El arte, tal como lo maneja el filósofo americano, Danto, sería “algo que tiene un significado y se encarna en las obras de arte, son significados encarnados” por lo tanto, sería toda aquella cosa que encarna un significado dado, obviamente, por un creador (el artista). De lo anterior, podría seguirse, que las pinturas, como podría ser, la obra de Caravaggio “David con la cabeza de Goliat”, encarna muchísimos significados. Los más expresos podrían ser los relatados en uno de los documentales sobre las biografías de grandes artistas que han pasado a la historia de la televisora británica la BBC, se muestran varios significados encarnados en la pintura, desde la difícil vida de excesos y vicios que llevaba Caravaggio, excesos los cuales le hicieron tener problemas con las autoridades y en sus relaciones personales. La cara de David, al sostener la cabeza de Goliat, refleja una enorme angustia, al contrario de lo que se relata en el Antiguo Testamento, el cual dice que David se sintió feliz al hacerlo, pues habría librado a Israel de uno de los soldados más fuerte de los filisteos. Caravaggio, rompe época, el significado de las obras de arte dejan de representar lo bello y lo divino, que son características de Dios y muchas de sus obras en el mundo y, hace que el significado de la obra, encarne los momentos más fuertes que ha pasado en su vida, momentos que no parecen ser los más felices ni divinos, sino tristes y angustiantes, los cuales parecen ser los que marcan más la vida del ser humano. Hoy día su obra está expuesta en una de las galería de arte más importantes de Roma, Italia, y varios de los espectadores que tienen la oportunidad de verla pueden sentir la melancolía de David al sostener la cabeza. Si se hace un análisis de esta obra, teniendo en cuenta la definición de arte que brinda Danto, entonces, se podría decir que la pintura al encarnar un significado la convierte en una obra de arte y pasa a ser parte del mobiliario del mundo que pertenece al rincón del arte, ¿qué otras cosas rodea a esta obra? La rodea obviamente un artista, Caravaggio, sin él ni su sorprendente habilidad y su enorme

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melancolía expresada en la obra, obviamente no hubiera existido, por lo tanto, Caravaggio también es parte de la ontología de arte; por otro lado, está la galería donde está expuesta, en ella se exhiben distintas de las obras de arte más importantes que se han hecho en Italia, al tener como objetivo la exposición, entonces, también forma parte de la ontología del arte; por último, están los espectadores, aquellos a los cuales se dirige el significado de la obra y por lo tanto son necesario, ellos también son parte de la ontología del arte. Estos factores: la obra, su autor, la galería y lo espectadores podrían denominarse como partes importantes del mobiliario del arte, si es que se acepta la primera ontología mencionada.

Si se toman las nociones metafísicas de Kant, el único importante en el mobiliario del mundo del arte sería el sujeto trascendental. Al proponer Kant que en lo que se debe prestar atención para el conocimiento al individuo, deja de lado a la realidad en sí, al mundo en sí, éste último, dadas las condiciones de conocimiento que cuenta el hombre, no es cognoscible esencialmente, sólo fenoménicamente, se sigue que hablar de cosas en el mundo que pertenecen al mobiliario del arte sería hablar de cosas incognoscibles, de las que no se puede decir mucho, de las que ni siquiera podrían plantearse su existencia. En la cuestión del arte, el sujeto con su capacidad de juicio es el verdaderamente importante a la hora de percibir, ya que es el quien lo procesa en su interior. El sujeto con su juicio estético, le gusta percibir aquello que le es agradable, le es placentero, lo percibe librándolo de varios tipos de perjuicios e intereses y lo deja desnudo frente a la obra, lo que ocasiona es la famosa sublimidad, la cual es de distintos tipos, pero que tienen en común la desmesura, “Lo sublime es la designación de esa experiencia de desbordamiento, que Kant divide en dos probabilidades: cuando se trata de una desmesura cuantitativa (…) o cuando se trata de una desmesura en un proceso (…)1 Describiéndolo brevemente, en una ontología del arte para Kant, lo realmente importante es el sujeto trascendental.

En la primera teoría ontológica que va de la mano de la teoría de Danto, lo que distingue al mobiliario del arte de las otras cosas del mundo, es que en el arte hay todo un complejo de entes y relaciones que tienen como función la realización y contemplación del significado encarnado en la obra de arte. Para Kant, lo que es arte, sin cometer el error de llamarlo ente, sería aquello que produce sublimidad en el sujeto trascendental.

En mi opinión, inició diciendo que me parecería más atractiva la propuesta de Kant, creo que el verdadero arte como la obra de Caravaggio, produce en mí un sensación de sublimidad; al ver la cara de David, llego a percibir la belleza de la nostalgia que refleja; haber asesinado a un hombre parece ser no siempre llevará a la felicidad (tal como se menciona en la historia del Antiguo testamento), sino que provocará angustia, aunque se piense que se haya hecho lo correcto. No tengo que pensar en toda la vida de Caravaggio para “entender de forma más clara” su obra, sino todo lo contrario tengo que librarme de todo tipo de pensamientos para llegar a tener una percepción más clara que me haga caer en la sublimidad. Otra obra con lo cual sucede lo mismo, es una en la que aparece Dios derrotando al Leviatán, teniendo la enorme falla académica de no poder encontrar el nombre del autor de esta obra, aun así quiero mencionar lo perplejo que me deja cuando la veo, la sublimidad se adentra en mí y me provoca miedo y esperanza.

Un punto en contra de la teoría de Kant, creo yo, es que cualquier cosa podría provocar la sensación de sublimidad en cualquier sujeto, si es así, entonces cualquier estilo de música la cual no tiene una riqueza e ingenio en la composición, y que sólo está hecha con el único fin de ser un producto que se consuma de manera viral, podría llamarse arte.

1 Valverde José M.,Breve historia y antología de la Estética. España: Ariel Filosofía, 2011.p.154.

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Creo que hoy día con la globalización y uno de sus efectos, el consumismo, esto es muy común, hoy día se considera artistas a quienes no lo son y se considera arte a sus productos comerciales puesto que provoca en millones de personas que no están educadas en las artes y que por consecuencia no poseen bases que les haga tener un criterio estético, les ocasiona esa sensación de sublimidad. Si se tomará la primera ontología y la definición de arte de Danto, sí habría forma de salvar al verdadero arte y tener criterios para designar qué es artes y qué no lo es, qué son meras cosas del mundo, o simples tonterías.

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1.3Si el arte moderno y el arte contemporáneo no son arte en el mismo sentido, ¿cuáles son las diferencias conceptuales que están presentes en una diferencia real, que no sólo distinción teórica? ¿Cómo justifica A.C. Danto que el arte “pop” americano de A. Warhol modifique radicalmente el concepto de arte en la segunda mitad del siglo XX’? ¿Por qué dice A.c. Danto que “Andy Warhol tenía, por naturaleza, una mentalidad filosófica”? (p.155.2009)

El arte ha ido evolucionando conforme va avanzando la historia del hombre, distintas obras se han quedado en el pasado pero muchas siguen siendo consideradas como excelsas obras de arte.

En el libro Andy Warhol de Danto, inicia com la exposición de la revolución del arte ocurrida en 1960 en los Estados Unidos de América, cuando ocurrió una transfiguración del lugar común. En esa época después de la segunda guerra mundial se desarrollaron los dos grandes sistemas políticos-económicos con sus dos grandes potencias, Estados Unidos de América y la Unión Soviética. El sistema capitalista que empezó a tener un gran crecimiento, también trajo consigo una nueva época cultural y un nuevo estilo de vida para millones de personas

“En 1964 los Beatles viajaron por primera vez a Estados Unidos, con el pelo largo, desafiando el límite entre los sexos. Aquel mismo año el límite entre los sexos, el límite racial se vio amenazado cundo los Pasajeros de la Libertad se dirigieron a estados sureños para contribuir a que los ciudadanos negros recuperasen sus derechos civiles. Entretanto, a finales de la década de 1960 surgió el feminismo radial, que cuestionaba las fronteras entre la vida de hombres y las mujeres, pues estas últimas reclamaban igualdad o incluso economía. En 1969 los disturbios de Stonewall trastocaron las fronteras entre la homosexualidad y la heterosexualidad, consideradas irrelevantes para la vida civil.”2

Este cambio cultural surgido gracias al incipiente capitalismo y su globalización, también revolucionó el arte, de hecho, tal vez, como menciona Danto, antes de que se reflejara en muchos aspectos, primero se manifestó en el arte.

Antes el arte se manifestaba, por ejemplo, en los grandes lienzos que parece que fueron hechos con gran dificultad por importantes artistas. En los 60s, se empezó a manifestar en el arte pop, un arte que venía a plasmar o encarnar la vida común de los millones de americanos que entraban en una nueva época, esa vida común estaba marcada por cosas tan simples como lo podrían ser las famosas sopas enlatadas Campbells, la producción en masa del refresco de cola, Coca Cola; las canciones de dos grandes íconos de la época anterior, Marilyn Monroe y Elvis Presley; las cajas de brilló; cualquiera de estas cosas que estuviera plasmado en una pintura, esa pintura, se convertía en arte, tal como el arte de Andy Warhol. Las diferencias conceptuales de arte cambiaron radicalmente su denotación y connotación, parecía que todo podría convertirse en arte “Encarnaba un concepto vital que adoptaba los valores de una era en la que todavía vivimos. En cierto modo, creó una imagen icónica de lo que significaba a la vida.”3 Todo aquello que significa a la vida podía plasmarse en el arte; además, connotativamente el arte ya adquiría un sentido mucho más laxo y menos estrecho.

2 Danto Arthur C., Andy Warhol (Tr. Marta Pino Moreno), España: Paidós, 2011, p.29. 3 Ídem., p.26.

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Con Warhol se planteó el problema de que si ahora el arte representaba los objetos comunes de la vida diaria americana, ¿qué era lo que diferenciaba a las obras de artes de los objetos comunes del mundo? La respuesta está en la contestación de la primera pregunta, la diferencia está en que las obras de Warhol encarnaban el significado del nuevo estilo de vida americana, que era distinto a los estilos de vidas anteriores y mucho más distinto a lo que generalmente solían expresar las obras de arte.

Warhol revolucionó la filosofía y se preguntó por una cuestión que no sólo preocupaba a la estética, sino a muchos otros estudios como el de la religión. Este pensamiento o planteamiento filosófico que según Danto, no existía antes de Warhol, es de carácter metafísico, ¿cómo es posible que dos cosas que son iguales sean completamente distintas? En el texto de Warhol se menciona a la Caja de brillo, una simple caja que es una imitación de las millones que existían en los súper mercados pero que sin embargo hoy día cuesta millones de dolores, ¿qué es lo que la diferencia de las otras cajas? Otros ejemplos bastante interesantes, relacionados más con la teología, son los del Santo Grial y el mismo Jesús de Nazaret. Con respecto al Santo Grial, si se hace caso a la lectura de los evangelios que describían a Jesús como un hombre sencillo que despreciaba el dinero, entonces el Grial debió haber sido (o es) de estilo rústico y muy sencillo, pero sin embargo, hoy día, ¿cómo se diferencia al Santo Grial de las simples copas de su época que son bastante parecidas?, por otra parte si Jesús era un Dios encarnado, ¿cómo se distingue a un Dios encarnado en los hombres?, ¿cómo se distingue a Jesús de los otros hombres del mundo? Estas preguntas de corte ontológico se dieron gracias a Andy Warhol, si él no hubiera hecho todas aquellas obras de arte que expresaban los elementos de la vida común de millones de americanos, no se hubiera podido formular la pregunta. Esta pregunta filosófica podría relacionarse con el pensamiento de Parménides, respecto a las ilusiones falsa que hay en el mundo material que se conoce por la vía de los sentidos y de la opinión, o con el diálogo platónico del Parménides en el cual se discute cobre la semejanza y la desemejanza. Sin duda la respuesta a esta pregunta, es nuevamente la contestación sobre qué es el arte que ya se ha mencionado varias veces; la diferencia ontológica que hace que la Caja de brillo de Warhol sea distinta a las otras millones, es que Warhol encarnó en ella el significado de lo que para él era el consumismo americano, las otras millones de cajas no las hacen con el propósito de encarnar ese significado, su único motivo es su venta, son un simple producto.

Mi opinión es que Warhol es muy importante porque me agrada la idea de que haya bajado el arte que estaba situado para las clases sociales altas y que se consideraba como un lujo que muy pocas personas podían hacer y apreciar, al mundo común, a la gente normal y corriente. Warhol nos dejó de legado que el arte es para todos, que todos podemos hacer y contemplar el arte sin que se esté muy preparado, que no tiene que ser exclusivo para un grupo reducido de personas. Otra valoración importante, creo yo, es que con la mentalidad filosófica que según Danto él tiene, armó toda una revolución ontológica artística, él alteró toda aquella ontología antigua que situaba al arte como cosas excelsas que proyectaban representaciones de lo más bello, de lo más sublime, de lo que tiene más carga de valores; al mundo común, a los objetos comunes, a las cosas con las que vivimos día a día; más allá de eso, plasmó en el arte todo el cambio cultural y de vida que se había dado gracias a las nuevas condiciones efecto de la globalización y de prácticas económicas estaban reflejadas en esas cosas tan comunes. Por otro lado, creo que tal vez debería hacerse un análisis del significado encarnado de aquellas cosas que pretenden ser arte. Puede ser que en países como el nuestro en el que la violencia ha provocado mucho daño, se piense que por ejemplo un arma común utilizada para asesinar, de repente se convierta en obra de arte, alguien podría hacer una réplica de esa pistola alegando que encarna a la terrible violencia mexicana y que por esa razón esa

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pistola es arte. A mí no me agrada mucho esa idea. Tal vez, sea una forma muy arcaica de pensar, pero hoy día creo que el arte debería de encarnar los valores y virtudes que contribuyen a la sociedad, que debería ser una ruta de escape a la terrible realidad en la que nos encontramos, no debería encarnar esa realidad, sino todo lo contrario, debería combatirla.

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Bibliografía.

-Valverde José M.,Breve historia y antología de la Estética. España: Ariel Filosofía, 2011.

- Danto Arthur C., Andy Warhol (Tr. Marta Pino Moreno), España: Paidós, 2011.

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