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Ukiyo-e
Nombre: Juanjo Herrera Gimenez
Curso: R4-1A
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Índice:
Introducción…………………………………………………………………………………………………………….............................................................3
Sobre el autor………………………….……………………………………………………………………………………………...............................................4
-Primeros años……………………………………………………………………………………………………………………………………………………….4
-Etapa inicial……………………………………………………………………………………………………………………………………………..………..….5
-Últimos años…………………………………………………………………………………………………………………………………………….…………..6
Obra………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………….7
-Hokusai manga ……………………………………………………………………………………………………………………………………….………...…8
-Treinta y seis vistas del monte Fuji………………………………………………………………………..……………………………………..…….11
-La gran Ola de Kanagawa……………………………………………………………………………………………………………………………..……..15
-Composición……………………………………………………………………………………………………………………………….……….…. 18
-Perspectiva……………………………………………………………………………………………………………………………………..………..20
-Sentido de lectura………………………………………………………………………………………………………………………….……….. 21
-Color y técnica………………………………………………………………………………………………………………………..…………………23
-Desarrollo de la obra…………………………………………………………………………………………………………………………………25
-Otras influencia ………………………………………………………………………...………………………………………………………………26
Bibliografia……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………….29
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Introducción:
Las estampas japonesas también llamadas Ukiyo-e en japonés que significa "pinturas del mundo flotante" Es un género
de grabados (realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera) producidos en Japón entre los siglos XVII y XX, entre los
que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de alterne.
Normalmente se representan escenas de las clases medias de Japón (Chonin) originándose con los trabajos de un solo color
de Hishikawa Moronobu en la década de 1670. En un principio, solo se utilizaba tinta india, y luego algunos impresos eran coloreados
de forma manual con pinceles, pero en el siglo XVIII Suzuki Harunobu desarrolló una técnica de impresión polícroma para producir
nishiki-e.
El Ukiyo-e era accesible dado que podía ser producido de forma masiva. Eran en su mayoría adquiridos por habitantes que por lo
general no tenían el dinero suficiente como para comprar una
pintura original. El tema original de los ukiyo-e era la vida de la
ciudad, particularmente actividades y escenas de lugares de
entretenimiento. Cortesanas hermosas, robustos luchadores
de sumo y actores populares eran representados realizando
actividades atractivas. Más adelante los retratos paisajistas se
hicieron populares, y los temas políticos e imágenes sobre
individuos de los estratos bajos de la sociedad fueron prohibidos
volviéndose temas que raramente eran elaborados. El sexo fue
también un tema prohibido, pero aparecía de forma continua en
los impresos ukiyo-e. Algunos artistas y editoriales fueron
sancionados por crear impresos ukiyo-e con escenas de sexo
explícito, también conocidos como shunga
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Sobre el autor:
Primeros años:
En su juventud, Hokusai decidió trabajar como vendedor en una prestigiosa librería, y a partir de los 15 hasta los 18 años, entró como
aprendiz de grabador en un taller. Este temprano entrenamiento en el mundo del libro y del comercio de la impresión contribuyeron al
desarrollo de Hokusai como impresor. En el año 1778, con 18 años de edad, se convirtió en discípulo del maestro de la escuela ukiyo-
e, Katsukawa Shunsho, con el que aprendió la técnica del grabado con planchas de madera (xilografía), especializándose en retratar a
actores de kabuki, (Yakusha-e «cuadros de actores»). El joven Hokusai publicó sus primeros trabajos al año siguiente, este trabajo
consistió en unas invitaciones impresas
para el teatro kabuki, en las que el
género de la escuela de Katsukawa
aparece ya totalmente dominado por su
alumno.
Surimono de teatro kabuki de Hokusai
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Etapa principal:
La obra de Hokusai en este período cubre toda la gama del arte ukiyo-e: tarjetas, surimono, libros ilustrados, ilustraciones de
antologías de poemas, libros eróticos, pinturas a mano o libros de bocetos. Dentro de los temas tratados por Hokusai, en escasas
ocasiones compitió con Utamaro, el mejor grabador de voluptuosas imágenes femeninas. Pese a esta limitación consciente, Hokusai
trató de abarcar una amplia gama de temas, especialmente puso énfasis en la representación de paisajes y escenas históricas, en las
que la figura humana desempeña un papel secundario. Alrededor
del final de la centuria introdujo en su estilo la técnica de la
perspectiva y el colorido occidental.
En torno al año 1812 el hijo mayor de Hokusai murió. Esta tragedia
no fue sólo un duro golpe emocional sino también económico,
porque, como heredero de la acomodada familia Nakajima, su hijo
suponía el medio de obtener una importante renta, de manera
que Hokusai no tenía que preocuparse por la irregularidad con
que llegaban los cobros por la venta de sus pinturas, diseños e
ilustraciones. Fuese por razones económicas o por otra cuestión
desconocida, a partir de este momento la atención de Hokusai se
centró en la ilustración de libros y particularmente en los libros
que eran copias de grabados diseñados para artistas aficionados,
como Lecciones rápidas al dibujo simplificado. Esta iniciativa sirvió
para atraer más alumnos a su taller.
Lecciones rápidas al dibujo simplificado
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Últimos años:
En 1828 la segunda esposa de Hokusai falleció. El maestro tenía entonces 68 años, se
encontraba afligido, con una parálisis intermitente en el brazo izquierdo, solo y con un
nieto conflictivo, que había demostrado ser un delincuente incorregible. Ante esta
situación su hija favorita y alumna, O-ei, rompió su matrimonio con un artista menor y
volvió a la casa del padre donde permaneció el resto de su vida.
Katsushika Hakusei a sus 70 años de edad cambio de estilo y empezó a ilistrar paisajes ,
Hakusei impresionado por el Monte Fuji, montaña de símbolo cultural y religioso en
Japón lo retrato desde más de 36 perspectivas diferentes y por ende aparece también
en esta obra.
Daba a la naturaleza forma, buscaba el mejor ángulo, cambiaba un poco los rasgos si
era necesario, eliminaba los detalles extraños, usaba una paleta limitada y exageraba
los efectos. El cuadro es dinámico, para Hokusai la naturaleza podía ser un drama
panorámico, crudo y violento.
Hokusai trabajó hasta el último día de su existencia. Era un artista enérgico que se
levantaba temprano y pintaba hasta la noche. Ésta había sido su forma de actuar
durante toda su larga y productiva vida, y fue también la de sus años finales. De los
millares de libros y de impresiones de Hokusai, sus Treinta y seis vistas del Monte
Fuji son particularmente notables. Publicada entre 1826 y 1833, esta famosa serie, que
con los suplementos incluía un total de 46 impresiones a color, marcó un hito en la
impresión japonesa de paisajes. La grandeza del diseño y la habilidad de la ejecución no
había sido alcanzada hasta ese momento, incluso en el trabajo de su contemporáneo Utagawa Hiroshige. En conjunto, Hokusai tuvo
una gran producción artística integrada por unas treinta mil obras.
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Obra:
Su obra está considerada como una de las más importantes del Japón por lo que a la pintura paisajista se refiere. A finales del siglo
XVIII y principios del XIX el enriquecimiento de la burguesía japonesa fue la gran impulsora de la prolífica elaboración de estampas en
serie, conocidas con el nombre de ukiyo-e o «Pinturas del mundo flotante», estas estampas, con un coste más reducido que una
pintura original, eran las que la nueva clase social podía comprar. Esta técnica del ukiyo-e se practicaba y era conocida desde hacía
tiempo pero fue en este período donde se hicieron más populares. Hokusai incorporó a lo largo de su vida la esencia del arte de esta
escuela. Las características de sus primeras obras eran la soltura con que realizaba las líneas con elegantes curvas que evolucionó hacia
unas espirales dando una elegancia y espontaneidad aún mayor a sus dibujos. Las obras se grababan normalmente sobre planchas de
madera de cerezo y el impresor podía hacer copias del original hasta que el relieve grabado en la madera empezaba a desaparecer. El
tema principal eran retratos en un primer plano de geishas, actores del teatro kabuki y samuráis, que aparecían tanto en escenas
eróticas como humorísticas. También aparecían rodeados de paisajes, y en esta especialidad Hokusai demostró toda su maestría.
Carpas, el dibujo muestra las líneas ondulantes y en espiral que tanto gustaban a Hokusai.
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Hokusai estudió y experimentó durante su larga vida nuevas
corrientes artísticas, así como demostró ser un gran especialista
de la pintura tradicional china, y también un buen conocedor de
la pintura occidental, sobre todo de los grabados holandeses,
fáciles de encontrar en Japón, por los contactos comerciales
mantenidos durante el período Edo casi exclusivamente con ese
país de Europa. En la época que más recibió la influencia de
la pintura china, una característica relevante de su estilo, fue la
utilización de elementos del paisaje y rostros de los personajes
propios de los habitantes de China. Estos parecidos se pueden
observar en su cuadro Tametomo y los demonios
Tametomo y los demonios
Hokusai Manga:
La mayor de las obras de Hokusai es la colección de 15 volúmenes llamados Hokusai Manga. Es una colección con unos
4.000 dibujos muy diversos que incluyen paisajes, flora, fauna, y escenas de la vida cotidiana. Es una obra impresa en tres colores:
negro, gris y rosáceo. El primer dibujo se publicó en 1814 cuando el artista tenía 55 años, siendo los tres últimos volúmenes publciados
póstumamente.
Estos bocetos a menudo se cree, erróneamente, que son el precedente de los modernos manga. El nombre de manga, en la obra de
Hokusai, hace referencia a una colección de bocetos no conectados entre sí por ninguna historia, por lo que tienen una concepción
diferente del cómic en el que se fundamenta el manga moderno.
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Acuñó el término manga combinando los kanji correspondientes a informal (漫 man) y dibujo (画 ga). Se traduce, literalmente, como
«dibujos caprichosos» o «garabatos». Los japoneses llaman también al manga «imágenes insignificantes», pues compran al año más de
mil millones de volúmenes en blanco y negro, impresos en papel barato.
Cabe decir que la forma de trabajar, sobre papel transparente y llevado a cabo en varias fases, sí que tiene una similitud en la manera
de elaborar el moderno cómic o manga. Hokusai hacía un simple esbozo en papel transparente y luego colocaba encima otro papel
también transparente donde corregía el dibujo, añadía más detalles y realizaba la composición final. Este era el diseño definitivo que
era pegado a la plancha de madera donde se realizaba el grabado. En su elaboración, había que seguir de manera cuidadosa las líneas
trazadas para poder hacer después la impresión de la estampa.
Estos dibujos realizados cuando el artista tenía entre 60 y 70 años son reconocidos como lo mejor de su obra. Hokusai fue uno de los
pintores que más contribuyó a que la pintura de paisajes y sobre la naturaleza -pájaros y flores-llegara a ser un icono con el que se
identifica la cultura del Japón.
Acuñó el término manga combinando los kanji correspondientes a informal (漫 man) y dibujo (画 ga). Se traduce, literalmente, como
«dibujos caprichosos» o «garabatos». Los japoneses llaman también al manga «imágenes insignificantes», pues compran al año más de
mil millones de volúmenes en blanco y negro, impresos en papel barato.
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Imágenes de manga Hokusai
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Treinta y seis vistas del monte Fuji:
Es una colección Ukiyo-e compuesta de 46 xilografías, las cuales fueron realizadas entre 1831 y 1833. La serie retrata al monte
Fuji visto desde diversas perspectivas y bajo distintas estaciones del año y condiciones climáticas. Originalmente la serie estaba
compuesta por 36 Xilografías, pero debido a su éxito, se incluyeron adicionalmente 10 más en una segunda publicación.
Si bien Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji es una de las series Ukiyo-e más famosas que tratan sobre el Monte Fuji, esta contiene
muchas similitudes de otras obras relacionadas también al Monte Fuji, como por ejemplo «Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji»
de Utagawa Hiroshige o la serie Fugaku Hyakkei «Once vistas del Monte Fuji» del mismo Hokusai. El Monte Fuji es un objeto muy
popular y recurrido en el arte japonés, debido a su peso cultural y religioso.
La representación tan frecuente del monte Fuji por parte
de Hokusai también tiene un componente relacionado con
sus creencias religiosas. Hokusai fue miembro de la
orden budista. En Japón, esta montaña ha estado
tradicionalmente vinculada a la vida eterna, y la creencia
se remonta al Cuento del cortador de bambú. Trata
de Kaguya ( Luz brillante), una princesa hija de
la Luna nacida dentro de un tronco de bambú para
complacer dos ancianos que ya no podían tener hijos, y
que depositó el elixir de la vida eterna en la cima de la
montaña. Así desde una fase inicial, el monte Fuji, fue visto
como la fuente del secreto de la inmortalidad, una
tradición que estaba en el centro de la propia obsesión de
Hokusai por la montaña. Monte Fuji
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El monte Fuji es un símbolo del Japón, una montaña sagrada desde el siglo VII. Existe una
leyenda sintoísta que explica que el emperador ordenó destruir la parte superior de la
montaña para conseguir el elixir de la inmortalidad, el humo que se escapa a veces por su
cima, se explica que procede de la bebida que se está consumiendo.
Princesa Kaguya-hime
El dragón de humo escapando del monte Fuji
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Esta es de las pocas imágenes del monte sin influencia humana,
representa el poder de la naturaleza en el monte Fuji con colores
rojos impactantes en contraste con azules del fondo.
Fuji Rojo
Esta es una de las perspectivas que se ve el monte Fuji desde el
punto de vista de los humanos adorándolo como símbolo del
sintoísmo desde un templo.
Pasillo Sazai, templo de los quinientos Rakan,
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Tempestad bajo la cima Rio Tama en Musashi
Campo en la provincia de Owari
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La Gran Ola de Kanagawa
El mar es el elemento dominante de la composición, que se basa en la
forma de una ola, la cual se extiende y domina toda la escena antes de
caer. En este momento la ola hace una espiral perfecta cuyo centro pasa
por el centro del diseño, dando la posibilidad de ver el Monte Fuji al
fondo.
Si la imagen tiene tal fuerza es porque es una instantànea breve y
amenazadora pero a la vez es una imagen muy dinamica y los ojos se
mueven en todo momento debido a la sinuosidad y las curvas de las
olas. El espectador no está en el mar, lo ve desde una perspectiva
divina. Hoy en día lo podríamos considerar como un fotograma, la
imagen de una ola detenida en el tiempo antes de romper, es la idea de congelar el tiempo, un adelanto en la manera de ver el mundo.
Bajo la gran ola hay tres desvalidas barcazas en las que los
ocho tripulantes de cada una de ellas se afanan para evitar el
inminente vuelco. Se trata de un instante dramático en el
que se impone el poder de la naturaleza sobre la pequeñez
del hombre y su fragilidad.
Fuerte presencia de la mortalidad, siempre hay un peligro
acechando a la vuelta de la esquina, esto se nota en la edad
del autor (70 años).
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La cresta de espuma de esta ola piramidal se cuelga en el espacio como si se
tratase de garras o fauces de monstruos dispuestas a devorar a los marineros
aquí la naturaleza se maifiesta en un ser vivo y poderoso que amenaza a los
pescadores con sus «garras» de espuma.
Estamos ante una imagen de destrucción inminente, donde las fuerzas del Ying y el Yang se hacen patentes. El Ying representado por la
violencia de la Naturaleza y el movimiento de la ola, equilibrado con el Yang de la quietud del Fuji al cuál se le atribuían leyendas
relacionadas con la inmortalidad. Hokusai materializa la ola en un ser vivo y poderoso, como perfecta simbología de lo que significan
las fuerzas de la naturaleza para el sintoísmo japonés. Esto se ve
también reflejado en los espacios de la imagen que forman un
símbolo del Ying-Yang y jugando con el espacio vacio del cuadro
crando un efecto de equilibrio.
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Composición:
En esta obra se pueden ver 2 tipos de composiciones estructurales:
-Composición de elementos: las estructuras forman círculos y triángulos, se ve como la ola se enmarca en un circulo que contrasta con un gran espacio vacío justo al lado que también se enmarca en un círculo del mismo tamaño, así se equilibran las fuerzas de la imagen, pero el cuadro tiene más fuerza sobre la ola gigante.
Se ven dos triángulos que enmarcan la primera ola y el monte Fuji detrás que toma la apariencia de una ola más y este como es más pequeño da la apariencia de perspectiva. Hay un contraste entre la enorme ola en primer término y el Monte Fuji que parece muy pequeño su cúspide es blanca a causa de la nieve, al igual que las olas, son blancas con la espuma.
Las formas de las olas toman formas curvas y también se enmarcan en un círculo que sobresale del lienzo.
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-Composición áurea: Hokusai tomo una influencia de occidente y puso espirales áureas en la obra que guían las formas de las olas y la
composición del cuadro en general que hace que la mirada se desvíe con fuerza desde las olas más cercanas hacia el centro de la gran
ola en espiral, para ver la sensación de caída forma una espiral perfecta cuyo centro pasa por el centro del dibujo, esto permite ver al
Monte Fuji al fondo.
También hay otras espirales áureas que dan equilibrio a la estructura del cuadro, equilibrando los elementos.
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Perspectiva:
Aunque no se note en la obra hay una influencia occidental, las estampas japonesas típicas no cuentan con perspectiva, pero se puede
apreciar el La Gran Ola que hay una perspectiva que fluye en el tamaño de los objetos. La perspectiva, utilizada en las pinturas
occidentales llegó a Japón en el siglo XVIII a través de grabados que llevaban los comerciantes occidentales y Hokusai se familiarizó con
la perspectiva occidental y uso diferentes capas de tamaños para dar el efecto de profundidad.
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Sentido de lectura:
La imagen debería aparecer al revés, con las barcas navegando de izquierda a derecha, pero la visión hubiese resultado menos
dramática para el espectador japonés que lee de derecha a izquierda, resultando más impactante la imagen tal como finalmente la
concibió el artista con la ola de derecha a izquierda. Es importante recalcar que éste se lee de derecha a izquierda, mientras que un
occidental realiza la lectura de izquierda a derecha. Esta diferencia causa que la primera impresión del cuadro de un japonés no sea la
misma que para un occidental.
En lugar de huir de la ola tienen que seguir por esa ruta y encararla con toda su violencia. Desde la perspectiva de un japonés, de
derecha a izquierda, la imagen es más fuerte, haciendo la amenaza de la ola más evidente.
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Color y técnica:
Claramente el color que predomina es el azul en diferentes tonos el color de
tonos luminosos, planos y sin mezcla alguna que le otorgan una enorme
vitalidad y fuerza, mientras la combinación perfecta de blanco y azul le
otorga a la imagen una armonía precisa.
El pigmento azul de Prusia, que llegó a Japón a través de China, contrasta
con su opuesto el anaranjado del cielo. Hokusai consiguió recrear el
vitalismo y la fuerza del mar en el arte.
Los dibujos de ukiyo-e eran obras que realizaba el pintor con pinceles
directamente sobre papel, luego pegaba el dibujo sobre un panel de madera
y eliminaba todo al ir tallando cuidadosamente el panel para formar un
relieve con las líneas del dibujo. se utilizaba una por cada color necesario.
Los artesanos japoneses ponían tinta directamente en el
troquel vaciado previamente con el perfil del dibujo a grabar
y colocaban encima el papel boca abajo, finalmente la
impresión se conseguía frotando encima del papel, con una
muñequilla con un movimiento circular.
El tratamiento de la línea marca la composición, define los
contornos y establece el ritmo y la cadencia de la escena,
Los motivos principales se encuentran bien delineados con
firme trazo negro.
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Desarrollo de la obra:
Hokusai llegó al diseño final sólo tras varios años de trabajo y de haber realizado otros dibujos. Existen dos trabajos similares, ambos
trabajos con una temática idéntica al de la gran ola: en el primer caso un barco de vela, en el segundo uno de remos, ambos en medio
de una tormenta y en la base de una gran ola que amenaza con devorarlos. El estudio de las diferencias entre las dos obras precursoras
y la final es útil para analizar la evolución artística y técnica de Hokusai.
La ola muestra el control del dibujo que Hokusai había alcanzado. La imagen, aunque simple en su diseño como se presenta al
observador es, sin embargo, el resultado de un largo proceso, de una reflexión metódica. Las bases de este método quedaron
asentadas por Hokusai
Otras influencias:
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De la misma forma que el arte japonés se influyo de occidente también paso a la inversa, Las Treinta y seis vistas del monte Fuji fueron
una importante fuente de inspiración de artistas europeos del siglo XIX. Esta forma artística se propagó por Europa, convirtiéndose en
una nueva forma de inspiración de artistas impresionistas, personalidades como Vincent van Gogh, Monet, Courbet o Toulouse
Lautrec.Tal fue el entusiasmo por lo japonés que se acuñó un nuevo término para esta moda “el japonismo”.
La Ola de Gustave Courbet La Ola de Roderic O’Connor
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La noche estrellada de Vincent Van Gogh Mar agitado de Claude Monet
Ola de Frantisek Kupka.
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Sirvio también de inspiración para una obra musical llamada La mer en la cual en la portada sale justamente La Ola de Kanagawa.
Tambien, a dia de hoy, ha influido en algunos diseños como este logotipo de Quiksilver, en el que se ve claramente la ola y el Monte
Fuji:
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Bibliografía:
-El arte del Japón. J. Edward Kidder Jr.
-Artes decorativas orientales (Japón). Planeta de Agostini.
-La vida privada de una obra maestra: obras del 1800 al 1850. Reportaje en DVD de la BBC.
Katsushika Hokusai, La gran Ola.
-Historia ilustrada de las formas artísticas. Asia IV. Alianza Editorial.
-Wikipedia.
-Cuadernoderetazos.wordpress
-Paquizurita.wordpress
-Mariac457.blogspot
