Wassily Vasílievich Kandinsky (ruso: Васи́ ли́й Васи́ льеви́ч Канди́ нски́й) (Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza laabstracción lírica.

[editar]Primeros años

Nació en Moscú en 1866, en 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudiaba Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.

En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardiasfrancesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en elSalón de Otoño de París.

En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909y, en ellas, la línea del horizonte se va

erradicando gradualmente, al igual que otras referencias es paciales

[editar]Arte abstracto

El desarrollo de Kandinski hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

Kandinski, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

En De lo Espiritual en el Arte, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinsky da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.

Composición 8, Kandinski 1923. Museo Guggenheim, New York.

En 1913 una obra suya se presenta en el Armory Show de Nueva York y, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Rusia, instalándose en Moscú, hasta 1921.

A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinski desarrolla un trabajo administrativo para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los proyectos de este organismo

está la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre Kandinski, Malévich y otros pintores idealistas frente a los productivistas (o constructivistas),Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda monumental" ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propicio la salida de Kandinski de Rusia.

En 1922 se traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publica su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte. Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando el Tercer Reich clausura la institución.

Desde 1933 se establece en París donde continuará su carrera como artista hasta su fallecimiento en 1944, a los 78 años de edad, enNeuilly-sur-Seine (Francia).[editar]

Wassily Kandinsky Wassilyevich (pronunciación en Inglés: / kəndɪnski /; Rusia: Васи́ли́й Канди́нски́й Васи́льеви́ч, Vasilij Vasil'evič Kandinskij, 16 de diciembre [OS 04 de diciembre] 1866-13 diciembre de 1944) fue un pintor ruso y teórico del arte.Se le atribuye la pintura de las primeras obras puramente abstracto. Nacido en Moscú, Kandinsky pasó su infancia en Odessa. Se matriculó en la Universidad de Moscú y decidió estudiar derecho y economía. Bastante éxito en su profesión, se le ofreció una cátedra (cátedra de Derecho Romano) de la Universidad de Dorpat-comenzó estudios de pintura (dibujo de la vida, dibujo y anatomía) a la edad de 30. En 1896, se estableció en Munich y estudió por primera vez en la escuela privada de Anton Azbe y luego en la Academia de Bellas Artes de Munich. Regresó a Moscú en 1914, después de la Primera Guerra Mundial comenzó. Él era insensible a las teorías oficiales sobre el arte en Moscú y regresó a Alemania en 1921.Allí, dio clases en la escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde 1922 hasta la que Nazisclosed en 1933. Luego se trasladó a Francia donde vivió el resto de su vida, y se convirtió en un ciudadano francés en 1939. Murió en Neuilly-sur-Seine en 1944. Contenido  [Ocultar] • 1 periodos artísticos o 1,1 metamorfosis artística (desde 1896 hasta 1911) o 1.2 El Jinete Azul (1911-1914) o 1.3 Regreso a Rusia (1.914-1921) 

o 1.4 La Bauhaus (1922 / 33) o 1.5 La gran síntesis (1934-1944) • 2 concepción del arte de Kandinsky o 2.1 El artista como profeta o 2,2 teórico artístico y espiritual • 3 escritos teóricos sobre arte o 3.1 De lo espiritual en el arte o 3.2 Punto y línea sobre plano • 4 citas de Kandinsky • 5 Véase también • 6 Referencias • 7 Enlaces externos 

[Editar] periodos artísticos la creación de Kandinsky de trabajo puramente abstracto siguió un largo período de desarrollo y maduración del pensamiento intenso teórico basado en sus experiencias artísticas personales.Llamó a la belleza de esta devoción toinner, el fervor de espíritu, y la necesidad profunda deseo espiritual interior, que era un aspecto central de su arte. Kandinsky extraídas de una variedad de fuentes que viven en Moscú. Más adelante en su vida, recuerda la fascinación e inusualmente estimulado por el color como un niño. La fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó como él creció. En 1889 formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a la región de Vologda, al norte de Moscú.En Mira sobre el pasado que relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que, al entrar en ellos, tuvo la impresión de que estaba entrando en un cuadro. La experiencia y su estudio del arte popular en la región, en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro, se reflejó en la mayor parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, por primera vez relacionado con el acto de pintar a la creación de música de la manera por la cual más tarde se convertiría observó y escribió: "El color es el teclado, los ojos son las armonías, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que juega, toca una tecla u otra, a causa de las vibraciones en el alma. "[cita necesaria] No fue sino hasta 1896, a la edad de 30, que Kandinsky abandonó una prometedora carrera de la enseñanza del derecho y la economía para inscribirse en la escuela de arte en Munich. No se le concedió inmediatamente la admisión en Munich y comenzó a aprender el arte por sí mismo. También en 1896, antes de salir de Moscú, que vio una exposición de pinturas de Monet y fue llevado en particular en los pajares famoso impresionista que, para él, tenía un poderoso sentido del color casi independiente de los objetos mismos. Más tarde escribiría sobre esta experiencia: [ Fue influenciado de manera similar durante este período de Lohengrin de Richard Wagner que, según él, empujó los límites de la música y la melodía más allá de lirismo estándar. [Cita requerida] Kandinsky fue también espiritualmente influenciado por HP Blavatsky (1831-1891), el exponente más importante de la Teosofía en los tiempos modernos. La teoría postula que la creación Teosófica es una progresión geométrica, a partir de un solo punto. El aspecto creativo de las formas se

expresa en la serie descendente de los círculos, triángulos y cuadrados. libro de Kandinsky De lo espiritual en el arte (1910) y Punto y línea sobre el plano (1926) se hizo eco de este principio básico Teosófica.Ilustraciones de John Varley, en formas de pensamiento (1901) influyó en él la vista. [1] [Editar] metamorfosis artística (1896-1911) escuela de arte, por lo general consideran difíciles de pasar, era más fácil para Kandinsky, porque era mayor y más estable que los otros estudiantes. Fue durante este tiempo que comenzó a surgir como un teórico del arte verdadero, además de ser un pintor. El número de pinturas existentes aumentó a principios del siglo 20 y todavía queda mucho de los muchos paisajes y pueblos que pintó, con amplios sectores de las formas de color, pero reconocible. En su mayor parte, sin embargo, las pinturas de Kandinsky no hincapié en que ninguna de las figuras humanas. Un isSunday excepción, Antigua Rusia (1904), donde recrea un Kandinsky muy colorido (y de fantasía) Habida cuenta de los campesinos y los nobles ante los muros de una pareja town.Riding (1907) representa a un hombre a caballo, con una mujer con la ternura y el cuidado que que viaje más allá de una ciudad rusa con paredes luminosas a través de un río. Sin embargo, el caballo está en silencio, mientras que las hojas en los árboles, la ciudad, y las reflexiones en el río brillan con manchas de color y brillo. La obra muestra la influencia del puntillismo en la forma en la profundidad de campo se desplomó en una surface.Fauvism luminiscentes plana es también evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la experiencia del artista de la materia, no para describir la naturaleza objetiva. Tal vez el más importante de pinturas de Kandinsky de la primera década de la década de 1900 fue El Jinete Azul (1903), que muestra una pequeña figura envuelta en un caballo exceso de velocidad por tierra a través de un prado rocoso. El piloto de la capa es de un azul medio, y la sombra es de un azul más oscuro. En primer plano están las sombras azules más amorfa, presumiblemente a las contrapartidas de los árboles caen en el fondo. El Jinete Azul en la pintura ocupa un lugar destacado, pero no está claramente definido, y el caballo tiene una marcha contra natura (que Kandinsky debe haber sabido). De hecho, algunos creen que una segunda figura, un niño tal vez, se lleva a cabo por el piloto, aunque esto podría fácilmente ser una sombra de un jinete solitario. Este tipo de separación intencional, lo que permite a los espectadores a participar en la creación de la obra de arte, se convertiría en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años siguientes, culminando con las obras (a menudo nominalmente) resumen del período 1911-1914. Enel Jinete Azul de Kandinsky muestra el piloto más como una serie de colores que de detalles específicos. En sí mismo, El jinete azul no es excepcional en este sentido en comparación a los pintores contemporáneos, pero sí muestra la dirección que Kandinsky tomaría sólo unos pocos años más tarde. Entre 1906 y 1908 Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por toda Europa, (que fue socio del grupo simbolista Blue Rose de Moscú) hasta que se instaló en la pequeña localidad bávara de Murnau. La Montaña Azul (1908-1909) fue pintado en este momento y muestra más de su tendencia hacia la abstracción pura. Una montaña de azul está flanqueada por dos árboles grandes, uno amarillo y uno rojo. Una procesión de algún tipo con tres pilotos y varios otros cruces en la parte inferior. Las caras, ropa, sillas de montar y de los corredores son cada uno un color único, y ni ellos ni las figuras caminando mostrar

cualquier detalle real. Los planos y los contornos de la también son indicativos de algunas influencias de los fauvistas. El amplio uso del color en la Montaña Azul, ilustra movimiento de Kandinsky hacia un arte donde el color se presenta independientemente de la forma, y que cada color se le da la misma atención. La composición también se ha vuelto más plana, ya que parece que la pintura misma se divide en cuatro secciones-el cielo, el árbol rojo, el árbol amarillo, y la montaña azul que contiene los tres pilotos. [Editar] El Jinete Azul (1911-1914) Véase también Der Blaue Reiter Las pinturas de este período se componen de grandes masas de color y muy expresivo una evaluación independiente de las formas y líneas que ya no sirven para delimitar, pero se superponen y se solapan de manera muy libre para formar cuadros de una fuerza extraordinaria. La influencia de la música ha sido muy importante en el nacimiento del arte abstracto, ya que es abstracta por naturaleza-que no trata de representar el mundo exterior, sino más bien para expresar de manera inmediata los sentimientos íntimos del alma humana. Kandinsky veces se utilizan términos musicales para designar a sus obras; llamó a muchos de sus cuadros más espontánea "improvisaciones", mientras que tituló obras más elaborado "composiciones". Además de la pintura de Kandinsky desarrolló su voz como un teórico del arte. De hecho, la influencia de Kandinsky en la historia del arte occidental se debe tal vez más de sus trabajos teóricos que de sus pinturas. Ayudó a fundar la Nueva Künstlervereinigung München (Nueva Asociación de Artistas) y se convirtió en su presidente en 1909. El grupo no pudo integrar el enfoque más radical de los que, como Kandinsky, con más ideas convencionales del arte y el grupo se disolvió a finales de 1911.Kandinsky se trasladó a formar un nuevo grupo El jinete azul (Der Blaue Reiter) con artistas como la mente, como August Macke y Franz Marc. El grupo lanzó un almanaque, llamado El Jinete Azul Almanaque, y celebró dos exposiciones. Más de cada uno fueron planeados, pero el estallido de la Primera Guerra Mundial terminó en 1914 estos planes y enviado a casa a Kandinsky viaSwitzerland Rusia y Suecia. por escrito de Kandinsky en el Almanaque de El Jinete Azul y el tratado De lo espiritual en el arte, el cual fue lanzado casi al mismo tiempo, sirvió como una defensa y promoción del arte abstracto, así como la evaluación una que todas las formas de arte eran igualmente capaces de alcanzando un nivel de espiritualidad. Él creía que el color puede ser utilizado en una pintura como algo autónomo y aparte de una descripción visual de un objeto u otra forma. Estas ideas tuvieron un impacto internacional casi inmediato, sobre todo en el mundo de habla Inglés. [2] Ya en 1912 De lo espiritual en el arte fue revisado por Michael Sadleir en la sede en Londres, Noticias de Arte. [3] Este interés por Kandinsky creció a buen ritmo Sadleir cuando llegó a publicar una traducción al Inglés de De lo espiritual en el arte en 1914. Extractos del libro fueron publicados en 1914 en Percy Wyndham Lewis'speriodical Blast, y semanario cultural Alfred Orage de la Nueva Era. Sin embargo, Kandinsky había recibido alguna comunicación anterior en el Reino Unido, participando en 1910 en la Exhibición de Allied Artists ", organizado por Frank Rutter en el Royal Albert Hall de Londres. Esto dio lugar a su obra se destacó por la alabanza en una revisión de ese programa por el artista Spencer Frederick Gore en las noticias de arte [4]. 

interés Sadleir en Kandinsky también condujo a las primeras obras de Kandinsky entrando en una colección de arte británico, con el padre de Sadleir, llamado Michael Sadler, la adquisición de varias xilografías y la pintura abstracta "Fragmento de Composición VII" en 1913. Esto siguió a una visita por él y Sadleir para cumplir con Kandinsky en Munich, también en 1913. Estas obras se expusieron regularmente en Leeds, ya sea en la Universidad o en los locales del Club de Arte de Leeds entre 1913 y 1923 [5]. [Editar] El regreso a Rusia (1914-1921)  - Wassily Kandinsky [6] 

A través de los años 1918 a 1921, Kandinsky se refirió al desarrollo de la política cultural de Rusia y ha colaborado en los ámbitos de la pedagogía del arte y la reforma del museo. Dedicó su tiempo a la enseñanza artística con un programa basado en la forma y análisis de color, así como participar en la organización del Instituto de Cultura Artística en Moscú. Pintó poco durante este período. En 1916 conoció a Nina Andreievskaya, que en el año siguiente se convirtió en su esposa. Su espiritual, vista expresionista del arte fue finalmente rechazado por los miembros más radicales del Instituto como demasiado individualista y burguesa. En 1921 Kandinsky recibido la misión de ir a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar, por invitación de su fundador, el arquitecto Walter Gropius. [Editar] La Bauhaus (1922-1933) La Bauhaus fue una arquitectura innovadora y la escuela de arte cuyos objetivos incluyen la fusión de las artes plásticas con las artes aplicadas, que se refleja en sus métodos de enseñanza basados en la aplicación teórica y práctica de la síntesis de las artes plásticas. Kandinsky enseñó la clase de diseño básico para los principiantes y el curso sobre la teoría de avanzada, y también llevó a cabo clases de pintura y un taller donde completó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular sobre las formas y diferentes puntos de las líneas, dar lugar a la publicación de su segundo gran libro teórico Punto y línea sobre el plano en 1926. elementos geométricos tomó cada vez más importancia en su enseñanza, así como en su pintura, en particular círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue un período de intensa producción. La libertad de la cual se caracteriza en cada una de sus obras por el tratamiento de los planos ricos en colores y gradaciones magnífica como en la pintura amarillo - rojo - azul (1925), donde Kandinsky muestra su distancia de los movimientos constructivismo y el suprematismo, cuya influencia fue aumentando a este momento. Los dos grandes pinturas metros de ancho que es amarillo - rojo - azul (1925) consiste en una serie de formas principales: un rectángulo vertical amarilla, una cruz de color rojo ligeramente inclinada y un gran círculo de color azul oscuro, mientras una multitud de líneas rectas o sinuosas negro , arcos de círculos, círculos monocromática y la dispersión de dameros de colores contribuyen a su delicada complejidad. Este simple identificación visual de formas y de las masas principales colores presentes en el lienzo sólo corresponde a una primera aproximación de la realidad interna de la obra, cuyo derecho requiere una apreciación mucho más profunda observación, no sólo de formas y colores que participan en la pintura, pero también de su relación, su posición absoluta y

su disposición relativa en el lienzo, de su armonía general y recíproca. Kandinsky fue uno de Die Blaue Vier (Azul Cuatro), con Klee, Feininger y Jawlensky von formó en 1923. Ellos conferencias y exhibido juntos en los EE.UU. en 1924. Frente a la hostilidad de los partidos políticos de la derecha, dejó la Bauhaus de Weimar y se establecieron en Dessau de 1925.Después de una feroz campaña de difamación de los nazis, la Bauhaus en Dessau cerrada en 1932. La escuela continuó sus actividades en Berlín hasta su disolución en julio de 1933.Kandinsky, a continuación, abandonó Alemania y se instaló en París. [Editar] La gran síntesis (1934-1944) 

  En París estaba bastante aislado ya que la pintura abstracta geométrica, particularmente la pintura abstracta, no se reconoció, las modas artísticas que principalmente impresionismo y el cubismo. Kandinsky vivía en un pequeño apartamento y creó su obra en un estudio construido en la sala de estar. Formas biomórficas con flexible y no geométricas-líneas aparecen en sus pinturas, formas que sugieren los organismos microscópicos externamente, pero que siempre expresan la vida interior del artista. Solía composiciones originales de color que evocan el arte popular eslava y que son similares a las obras marca de agua preciosa. También de vez en cuando arena mezclada con la pintura para dar una textura granular a sus pinturas. Este período corresponde, de hecho, a una vasta síntesis de su obra anterior, de la que utiliza todos los elementos, incluso enriquecedor. En 1936 y 1939 pintó sus dos composiciones principales pasado; telas especialmente elaborada y poco a poco rasgados que no se había producido durante muchos años.Composición IXIS una pintura con alto contraste diagonales de gran alcance y cuya principal forma de dar la impresión de un embrión humano en el útero. Los pequeños cuadrados de colores y las bandas de colores parece que se destacan sobre el fondo negro de Composición X, como fragmentos de estrellas 'o filamentos, mientras que los jeroglíficos enigmáticos, con tonos pastel, cubrir la masa marrón grande, que parece flotar en la esquina superior izquierda de el lienzo. En la obra de Kandinsky, algunas características son evidentes, mientras que ciertos toques son más discretos y velados, es decir, que sólo se revelan progresivamente a los que hacen el esfuerzo para profundizar en su relación con su trabajo. Tenía la intención de sus formas, que sutilmente armonizado y se coloca, para resonar con el alma del observador. [Editar] concepción del arte de Kandinsky [Editar] El artista como profeta Escrito que "la música es el último maestro", se embarcó Kandinsky en los primeros siete de sus diez composiciones. Los tres primeros sobreviven sólo en fotografías y negro-negro tomadas por su colega y amigo, Gabriele Münter. Si bien los estudios, bocetos, e improvisaciones existen (en particular de Composición II), una redada nazi en la Bauhaus en la década de 1930 resultó en la confiscación de los primeros tres composiciones de Kandinsky. Ellos se mostraron en la exposición patrocinada por el Estado "Arte Degenerado", entonces destruida junto con obras de Paul Klee, Franz Marc y otros artistas modernos. Bajo la influencia de la Teosofía y la percepción de una Nueva Era que viene,

un tema común entre las primeras siete composiciones de Kandinsky es theApocalypse, o el fin del mundo tal como lo conocemos. Redacción del "artista como profeta" en su libro De lo espiritual en el arte, Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que muestra un próximo cataclismo que pudieran alterar la realidad individual y social. Propuso una cristiana ortodoxa, Kandinsky se basó en las historias judías y cristianas del Arca de Noé, Jonás y la ballena, Anastasisand la resurrección de Cristo, los cuatro jinetes del Apocalipsis en el Apocalipsis, varios cuentos populares rusos, y las experiencias comunes mitológica de la muerte y el renacimiento . Nunca intentar foto cualquiera de estas historias como una narrativa, que utiliza sus imágenes veladas como símbolos de los arquetipos de la muerte y el renacimiento y la destrucción / creación que él sentía era inminente a la anterior a la Guerra Mundial el mundo. Como él mismo dijo en De lo espiritual en el arte (ver más abajo), Kandinsky consideraba que un artista auténtico arte de la creación de "una necesidad interna" habita en la punta de un triángulo moviéndose hacia arriba. Este triángulo está avanzando penetrante y de proceder en el futuro. En consecuencia, lo que era extraño o inconcebible ayer es común hoy en día, lo que es la vanguardia hoy en día (y entendido sólo por unos pocos) es mañana estándar. El artista moderno / profeta está solo en la punta de este triángulo haciendo nuevos descubrimientos y marcando el comienzo de la realidad del mañana. Kandinsky se habían dado cuenta de los acontecimientos recientes en las ciencias, así como los avances de los artistas modernos que han contribuido a formas radicalmente nuevas de ver y experimentar el mundo. Composición IV y pinturas posteriores se ocupa principalmente de evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista.Al igual que en su pintura del Apocalipsis por el agua (Composición VI), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos, traduciéndolas en términos contemporáneos, junto con los sentidos necesarios de la desesperación, frenesí, la urgencia, y la confusión. Esta comunión espiritual de viewer-painting-artist/prophet es inefable, pero se puede describir a los límites de palabras e imágenes. [Editar] teórico artístico y espiritual 

  A medida que el ensayo Der Blaue Reiter Almanac y teorizar con composerArnold Schoenberg indican, Kandinsky expresó también esta comunión entre el artista y el espectador como al mismo tiempo a disposición de la facultades sensoriales diversas, así como al intelecto (sinestesia). Audiencia tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky la teoría de que, por ejemplo, el amarillo es el color de media-C en un piano, una trompeta de latón, el negro es el color de cierre y los extremos de las cosas, y que las combinaciones y asociaciones de colores producir frecuencias vibratorias semejantes a los acordes tocados en un piano.Kandinsky también desarrolló una teoría compleja de figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y que representa el alma humana.Estas teorías se exponen en el Punto y línea sobre el plano (ver más abajo). Durante los meses de Kandinsky estudios realizados en la preparación forComposition IV que se agotó mientras trabajaba en una pintura y se fue a

dar un paseo. Mientras tanto, Gabriele Münter arregló su estudio y sin querer le dio la tela de su lado. Al regresar y ver el lienzo-no, sin embargo, la identificación de Kandinsky-cayó de rodillas y lloró, diciendo que era la pintura más hermosa que había visto. Había sido liberado de apego al objeto.Como la primera vez que ve almiares de Monet, la experiencia que cambiaría su vida y la historia del arte occidental. [Investigación original?] En otro evento con Münter durante el año de Baviera expresionismo abstracto, Kandinsky estaba trabajando en su Composición VI. De casi seis meses de estudio y preparación, que tenía la intención de la obra para evocar una inundación, el bautismo, la destrucción, y al mismo tiempo el renacimiento.Después de describir el trabajo de un panel de madera de tamaño mural, que se bloqueó y no pudo continuar. Münter le dijo que estaba atrapada en su intelecto y no alcanzar el verdadero sujeto de la imagen. Ella le sugirió que sólo hay que repetir la palabra "uberflut" ("diluvio" o "inundación") y centrarse en su sonido y no su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la obra monumental en tan sólo un lapso de tres días. [Editar] escritos teóricos sobre arte El análisis realizado por Kandinsky en las formas y los colores no es el resultado de simples asociaciones de ideas arbitrarias, sino de la experiencia interior del pintor, que ha pasado años creando pinturas abstractas de una riqueza sensorial increíble, trabajando sobre las formas y colores, observando durante mucho tiempo y sin descanso sus pinturas y las de otros artistas, señalando simplemente su efecto subjetivo de la sensibilidad muy alta a los colores de su alma de artista y poeta. Por lo tanto, es una forma puramente subjetivo de la experiencia que cada uno puede hacer y repetir tomarse el tiempo para mirar sus cuadros y dejar actuar las formas y los colores de su sensibilidad propia vida. No se trata de observaciones científicas y objetivas, pero las observaciones internas radicalmente subjetiva y puramente fenomenológica que es una cuestión de lo que el filósofo francés Michel Henry llama a la subjetividad absoluta o la vida fenomenológica theabsolute. [Editar] De lo espiritual en el arte Publicado originalmente en 1911, Kandinsky compara la vida espiritual de la humanidad a un gran triángulo similar a una pirámide, el artista tiene la tarea y la misión de los otros lleva a la cima por el ejercicio de su talento. El punto del triángulo está constituida sólo por algunas personas que traen el pan sublime a otras personas. Es un triángulo espiritual que se mueve hacia delante y se levanta lentamente, aunque a veces permanece inmóvil. Durante los periodos de decadencia, las almas caen hacia el fondo del triángulo y los hombres sólo la búsqueda de éxito externo e ignorar las fuerzas puramente espiritual. Cuando nos fijamos en los colores en la paleta del pintor, un doble efecto que sucede: un efecto puramente físico en el ojo, encantado por la belleza de los colores en primer lugar, lo que provoca una impresión alegre como cuando comemos un manjar.Sin embargo, este efecto puede ser mucho más profunda y causa una emoción y una vibración del alma, o una resonancia interior, que es un efecto puramente espiritual, en la que los toques de color de la propia alma. La necesidad interior es para Kandinsky el principio de la técnica y el fundamento de las formas y la armonía colores. Él lo define como el principio

del contacto de la forma eficiente con el alma humana. Cada forma es la delimitación de una superficie por otra, sino que posee un contenido interno que es el efecto que produce en quien lo mira con atención. Esta necesidad interior es el derecho del artista a una libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en un delito si no se funda en una necesidad. La obra de arte nace de la necesidad interior del artista de un modo misterioso, enigmático y místico, y luego adquiere una vida autónoma, sino que se convierte en un sujeto independiente animado por un aliento espiritual. Las primeras propiedades obvio que podemos ver cuando nos fijamos en el color aislado y se deja actuar por sí solo, es por un lado la calidez o la frialdad del tono de color, y en el otro lado de la claridad o la oscuridad de la señal. El calor es una tendencia al amarillo, y la frialdad es una tendencia al azul. El amarillo y el azul forma el primer contraste grande, que es dinámico. El amarillo tiene un movimiento excéntrico y el azul un movimiento concéntrico; una superficie amarilla parece estar más cerca de nosotros, mientras que una superficie azul parece que se aleja. El amarillo es el color típicamente terrestre que la violencia puede ser doloroso y agresivo. El blueis el color típicamente celeste que evoca una profunda calma. La mezcla de azul con amarillo da la inmovilidad total y la tranquilidad, el verde. La claridad es una tendencia al blanco y la oscuridad es una tendencia al negro. El blanco y el negro forman el segundo gran cambio, que es estático. Los actos blanca como un silencio profundo y absoluto lleno de posibilidades. El negro es una nada sin la posibilidad, que es un silencio eterno sin esperanza, y corresponde a la muerte. Es por eso que cualquier otro color resuena con tanta fuerza en sus vecinos. La mezcla de blanco con cables de color negro a gris, que no posee la fuerza activa y cuya tonalidad afectiva está cerca de la de verde. El color gris corresponde a la inmovilidad sin esperanza, sino que tiende a la desesperación cuando se convierte en oscuro y poco recupera la esperanza cuando se ilumina. El rojo es un color cálido, muy viva, animada y agitada, posee una fuerza inmensa, es un movimiento en sí mismo. Mezclado con negro, que lleva a marrón que es un color fuerte. Mezclado con amarillo, que gana en calidez y da la naranja, que posee un movimiento de irradiación sobre el entorno. Al rojo se mezcla con el azul, que se aleja del hombre para dar la púrpura, que se enfría rojo. El rojo y el verde forman el gran contraste en tercer lugar, mientras que el naranja y el púrpura forma el cuarto. [Editar] Punto y línea sobre plano Kandinsky analiza, en sus escritos, los elementos geométricos que componen cada cuadro, es decir, el punto y la línea, así como el soporte físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o pinta y que él llamó el plano de base o BP. No analizarlas en un punto objetivo, exterior de vista, pero en el punto de vista de su efecto interno en la subjetividad de vida del observador que mira a ellos y les permite actuar en su sensibilidad. El punto es, en la práctica, una pequeña mancha de color formuladas por el artista en el lienzo. Así que el punto utilizado por el pintor no es un punto geométrico, no es una abstracción matemática, posee una extensión determinada, una forma y un color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, como una estrella o incluso más compleja. El punto es la forma más concisa, pero de acuerdo a su ubicación en el plano de base, tendrá una tonalidad diferente. Se puede aislar o poner en resonancia con otros

puntos o líneas. La línea es el producto de una fuerza. Se trata de un punto en el que se ha aplicado una fuerza viva en una dirección dada, la fuerza aplicada en el lápiz o el pincel de la mano del artista. Las formas de producción lineal puede ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicada en una sola dirección, una línea angulosa, que resulta de la alternancia de dos fuerzas con direcciones diferentes, o una ola likeline curvas o producidos por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente. Un avión se puede obtener por condensación, de una línea de girar alrededor de uno de sus extremos. El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: la línea horizontal se corresponde con el suelo, en la que el hombre se apoya y se mueve, sino que posee una tonalidad afectiva oscuro y frío similares con negro o azul. La línea vertical corresponde a la altura de lo que no ofrece ningún apoyo, sino que posee una estrecha tonalidad luminosa y cálida con el blanco y amarillo. Una diagonal tiene por consecuencia una tonalidad más o menos caliente o frío de acuerdo a su inclinación de acuerdo con la horizontal y la vertical. Una fuerza que se despliega sin obstáculos como el que produce una línea recta que corresponde a la lírica, mientras que varias fuerzas que se enfrentan o molestar a cada uno de otra forma un drama. El ángulo formado por la línea angular posee además una sonoridad interior, que es cálida y cercana al amarillo de un ángulo agudo (triángulo), el frío y similar a la azul para un ángulo obtuso (círculo) y similar al rojo de un ángulo recto (la plaza ). El plano básico es, en general, la cuadrada o rectangular, por lo que se compone de líneas horizontales y verticales que delimitan y definen como una entidad autónoma que sirve de soporte a la pintura, la comunicación de su tonalidad afectiva. Esta tonalidad es determinada por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales, las horizontales dar una tonalidad tranquila y fría en el plano básico, mientras que las verticales le dan una tonalidad tranquilas y cálidas. El artista posee la intuición de este efecto interior del formato de la tela y dimensiones, que se elige de acuerdo a la tonalidad que quiere dar a su obra.Kandinsky incluso considera el plano de base como un ser vivo que el artista "fecunda" y de la que siente la "respiración". Cada parte de la placa base cuenta con una adecuada coloración afectiva que influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que se hará efectiva en ella, y que contribuye a la riqueza de la composición que resulta de la yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano de base se corresponde con la soltura y ligereza, mientras que la continuación evoca la condensación y pesadez. La obra del pintor es escuchar y conocer a estos efectos con el fin de producir pinturas que no son sólo el efecto de un proceso aleatorio, sino el fruto de un trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior. [Editar] Las citas de Kandinsky  "El [Kandinsky] no sólo producir un cuerpo de trabajo cuya magnificencia sensual e inventiva rica eclipse hasta el más notable de sus contemporáneos. También proporcionó una teoría explícita de la pintura abstracta, la exposición de sus principios con la máxima precisión y'Pioneer'  claridad. Así, la obra pintada se acompaña con un grupo de textos que, al mismo tiempo aclarar su trabajo y hacer Kandinsky uno de los principales teóricos del arte. Frente a los jeroglíficos de los lienzos de finalización del plazo de París (que se dice que son la más difícil), que proporcionan la piedra Rosetta en la que el significado

de estas misteriosas figuras se inscribe. " (Michel Henry, ver lo invisible, de Kandinsky, p. 2)  "Kandinsky estaba fascinado por el poder expresivo de las formas lineales. Lirismo es el patetismo de una fuerza cuya triunfal esfuerzo entra en acción y no encuentra ningún obstáculo. Dado que los resultados en línea recta de la iniciativa de una sola fuerza, sin oposición, su dominio es que