Cross Culture (2013)

J O E L O V A N O & U S F I V E

Blue Note Records

La leyenda viviente del sax presenta su

23er. grabación que, también, está des-

tinada a ser legendaria. Lo acompañan

por tercera y consecutiva vez el multi-

aclamado quintento Us Five para darle

vida a 11 temas (10 autoría de Lovano) y

la magistral interpretación de la balada

Star Crossed Lovers (Billy Stayhorn).

A sus 60 años Lovano está en su mejor

etapa musical: la vasta experiencia no

lo ha encasillado en género ni sonoridad

alguna, todo lo contario. Desde los 70´s

lleva experimentado (y coleccionando)

infinidad de instrumentos de todo el

mundo y en este disco echa mano, cual

fino relojero, de todos los elementos para

acompañar su inconfudible sax tenor.

No hablamos de un disco experimental

(como en la última etapa de Miles Davis)

sino de un material que muestra la ma-

durez musical de un genio que sabe per-

fectamente lo que necesita en cada tema.

Eso incluye a sus mejores colegas, como

el guitarrista Lionel Lueke de quien Joe

opina: “es un vuelo libre de la mano de

las estructuras rítmicas y armónicas del

Jazz moderno con toda la energía tribal,

las cuales fusiona en el mundo musical,

más allá de la simple categoría del jazz”.

¿Alguna duda aún sobre la calidad de

este disco?

Similares: Lionel Loueke – Heritage / Ma-

gos Herrera – Distancia / Anthony Wilson

– Goat Hill Junket

Mystical Weapons (2013)

M Y S T I C A L W E A P O N S

Chimera Music

Distorsiones, música experimental e

improvisación son los elementos que

componen el nuevo proyecto del bateris-

ta  Greg Saunier (Deerhoof) y el todólogo

Sean Lennon (Cibo Matto, The Ghost of a

Saber Tooth Tiger, Plastic Ono Band). 

Mystical Weapons contiene 13 tracks

con atmósferas muy variadas pero unidas

por el vértigo y una magistral ejecución

de Sean en las teclas, manteniendo en

todo momento una conversación con la

batería de Greg.

El sonido de este disco es profundo y

moderno. ¿Quiéres saber cómo se escucha

el espacio? Detente un momento, cierra

los ojos y deja que tus entrañas colapsen.

Si se escucha a detalle, nos permitirá

descubrir su secreto; un universo lleno de

colores sonoros que se infiltrarán en nues-

tro torrente sanguíneo.

Tarde o temprano este material iba a

ser editado por el inquieto Sean Len-

non. Es la culminación de un viaje que

emprendió desde que estaba en el útero

de su madre. Un golpe maestro de un

músico que, por desgracia o fortuna,

tenía como padre a un genio. Al final

todos sabemos que las comparaciones

son odiosas.

Similares: Deerhoof - Breakup Song /

OOIOO - Armonico Hewa / Cibo Matto –

Super Relax

Stubborn Heart (2012)

S T U B B O R N H E A R T

One Little Indian Records

El debut de este dúo londinense está

cargado de melancolía y sonidos futuris-

tas. La voz de Luca Santucci es un rastrillo

recorriendo la piel mientras los arreglos

de Ben Fitzgerald logran convertir el aire

en una burbuja al alto vacío.

La nueva joya de la disquera One

Little Indian -bajo el mando de dos mú-

sicos experimentados- nos muestra que

remembrar el pasado puede ser la ruta

más corta para conectar con el futuro.

Su música se podría definir como un

sutil viaje por sonidos electrónicos antes

vistos en Kraftwerk, DEVO, Art of Noise

y SBTRKT, pero la realidad es que este

es un proyecto tan profundo que logra

mutar en algo propio, en algo personal

mientras el disco avanza poco a poco.

La magia de Stubborn Heart no sólo

radica en la interpretación, sino también

en la intimidad de sus letras, permitien-

do explorar cada centímetro de masa

encefálica de Santucci y Fitzgerald.

“Starting Block”, “Need Someone”, “ Two

Times A Maybe” y “Better Than This” son

muestra de ello. Un disco triste pero

hermoso.

Similares: Telefon Tel Aviv – Immolate

Yourself / Black Marble - Weight Against

the Door / Apparat – Walls

Les Voyages de l’âme (2012)

A L C E S T

Prophecy Productions

Neige se tomó el reto de superar Écailles

de Lune, su obra anterior. El resultado:

hay una diferencia de sonido y evolución

pero no logra superar el disco anterior.

A pesar de haber sido hecho durante las

giras del álbum y EP anteriores, posee la

autenticidad necesaria. No es un trabajo

hecho al vapor.

Con el tema del alma, que viaja a

través de sueños y realidades, el álbum

abre con Autre Temps, (que fungió como

single y además gozó de un delicado y

muy bien realizado video). A partir de

aquí el disco se antoja sutil, etéreo pero

firme y poderoso al mismo tiempo.

De los mejores temas: Là Où Naissent

Les Couleurs Nouvelles y Nous Sommes

L’Emeraude, donde musicalizan un poema

de Van Lerberghe. El trabajo de las letras

de Alcest sigue siendo impecable, poéti-

co y con mucha influencia de los escrito-

res simbolistas y malditos. De nuevo hay

temas instrumentales, destaca Havens.

Definitivamente Alcest está en su me-

jor momento o en el inicio de una meseta

de éxitos constantes.

Similares: Neurosis – Through silver in

blood/ Helmet - Meantime / Opeth –

Heritage

m ú s i c a

MONSTRUOS INVISIBLES

C H U C K P A L A H N I U K

Debolsillo

Un libro que bien podría ser otra per-

fecta y azotada telenovela latinomeri-

cana: la traición, la intriga, el secreto

familiar, transexuales que roban drogas

y monjas que ayudan a los desampa-

rados. Monstruos invisibles narra la

historia de Shannon, una modelo que

termina completamente desfigurada tras

un devastador accidente automovilísti-

co, suceso que destapará una coladera

donde se descubre que nadie es lo que

dice, aparenta o quisiera ser. A pesar de

tanta monstruosidad, Palahniuk logra

conmover de manera extraña, al final

todo se resume a la aceptación y a las

relaciones familiares. Quizás las teleno-

velas, de tan malas, podrían terminar

siendo buenas ¿será?

EL DÍA QUE LA VEA LA VOY A MATAR

G U I L L E R M O F A D A N E L L I

Editorial MOHO

¿Cinismo? Sí. Y del más absoluto. El

primer libro de cuentos de Guillermo

Fadanelli pareciera ser una declaración

de guerra: el hombre que descubre un

accidente de auto a media noche y de-

cide “hacer el amor” con la conductora

inconsciente, aquel cuyo roomate tiene

como objetivo traspasar la pared; el otro

que roba, sin querer, un pequeño ataúd

cuando se ve inmiscuido en una proce-

sión ¿Y qué? A pesar de eso, este libro

es todo un canto de amor a la Ciudad de

México. *Es bueno saber que los libros

MOHO ahora se consiguen con mucha

más facilidad que antes.

TADEYS

O S V A L D O L A M B O R G H I N I

Conaculta (Singulares)

Para Roberto Bolaño, Tadeys es el libro

más terrorífico que se ha escrito jamás

y es, tal como señala el prólogo de esta

edición, una obra que provoca cierto

remordimiento de conciencia cuando

se lee. La historia gira alrededor de La

Comarca, una región donde ocurren

acontecimientos de una crueldad,

obscenidad y violencia sin preceden-

tes. Decir más sería complicado. Se

dice que Osvaldo Lamborghini (Buenos

Aires, 1940) es el último de los escrito-

res malditos del siglo XX, un hombre

atormentado que vivió sólo hasta los

45 años. La colección Singulares busca

la publicación de autores de culto, de

obras raras e inclasificables que rompen

con el esquema de la escritura clásica.

Sin duda, Tadeys es la reina de esas

extrañas piezas.

REMEDIOS PARA LA MALA ORTOGRAFÍA

@ R A E I N F O R M A E N T W I T T E R

Consejos rápidos y eficaces a tus dudas

lingüísticas: todo lo relacionado con

el uso de los puntos suspensivos, los

plurales, las abreviaturas y cualquier

conjugación de verbos. La variedad es

infinita. Siempre es bueno saber que

es tan válido decir jamaicano como

jamaiquino, que el femenino de músico

es música (“Mi hermana es música de

la Orquesta Nacional”) y que en espa-

ñol, por extraño que parezca, el plural

de gay es “gais”. A pesar de que @

RAEinforma es la única cuenta oficial de

la Real Academia Española en Twitter,

@0RTOGRAFIA es otra buena opción para

preservar el buen uso del español. Bien

escrito todo se ve más bonito.

l i b r o s

EL PASADO EXISTE, ESTÁ PRESENTE EN CADA MOMEN-

TO. TAMBIÉN LA MAGIA Y LAS LEYENDAS. Sólo basta con creer, sí, puede parecer sencillo, pero resulta tan complicado en el mundo de hoy. Desconfíanos uno del otro, de los amigos, de la familia, de uno mismo. Creer es una palabra que encierra un encanto que el tiempo se encarga de estropear. La eterna lucha entre el mundo de las ideas y los hechos. El ser contra el deber ser. Todos nacemos creyendo y morimos dudando.

Dead Meadow más que una banda de Rock es un

grupo de amigos buscando escapar de ese mundo en el

que vivimos. Juntos crean música inspirados en los bue-

nos recuerdos de la niñez, leyendo libros de fantasía y

escuchando música tumbados en alfombras shaggy. De

alguna manera el espíritu de Zeppelin, Sabbath, Hen-

drix y 13th Floor Elevators invadieron las almas de Mark,

Steve y Jason, alterando su percepción del tiempo y del

sentido de la identidad, tal y como lo manifestó alguna

vez el psicólogo británico Humphry Osmond al bautizar

“lo que manifiesta el alma” como psychedelia.

Su sonido sabe a viejo, suena a bulbo oxidado. Han

logrado cortar la línea del tiempo 40 años a través de

sus 5 discos de estudio. Anton Newcombe, líder de The

Brian Jonestown Massacre, fue su productor en Got Live

If You Want It (2002), trabajaron con el vocalista de

Wolfmother, Andrew Stockdale y dio como resultado

“Pilgrim” (sí, la misma del Rock Band®), una reinter-

pretación de “Everything’s Goin’ On” de Dead Meadow.

Hablamos con Steve Kille y Jason Simon desde Ca-

lifornia. Nos contaron detalles de su nuevo álbum que

sale en primavera; de su sonido, la legalización de la

marihuana y otros fantasmas.

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Yaconic (YC)- Desde su álbum debut su sonido nos

remonta a la vieja escuela. ¿Por qué?

Steve (SV): Ese siempre ha sido el enfoque principal

de nuestra música. Como un hijo de los años 70 los

recuerdos de esa época y las pasadas es lo que nos

hace felices a mí y a mis compañeros de banda. Para

mí esa época fue el renacimiento, el punto culminante

de la civilización moderna, tanto en la música, el arte

y la cultura. Ninguno de nosotros podría ser lo que es

si no fuera por lo que se gestó en los 60

YC: Se formaron en Washington DC, pero su centro

de operaciones está en Los Angeles. ¿Qué diferencia

encuentran dentro de la escena musical de estas

dos ciudades?

SV: La época en la que nos formamos en DC había

una escena muy exclusiva y L.A. siempre ha sido muy

inclusiva. Creo que en ambas ciudades hay músicos

y gente muy abierta, pero al final creo L.A. para no-

sotros como banda Psych es un lugar donde se puede

tener un montón de apoyos. DC en los últimos tiempos

se ha vuelto una ciudad de política muy lejos de la

revolución que se generó ahí en los 80 y 90.

YC: La magia, la brujería y la oscuridad son temas

constantes en sus discos. Parecen cosas de “otro

mundo”, sin embargo puedean ser más reales de lo

que aparentan.

SV: Realmente creo que hay magia allá afuera. Cada

vez que trato de racionalizar nuestra existencia algo

se acerca y me hace pensar en los poderes superiores

que están ahí y que son los que realmente mueven

los hilos. Yo creo en fantasmas y creo que la energía

dentro de nosotros es la que nos da poder. No sólo

somos algo químico, sino espíritus conectados en un

plano más alto.

YC: En Feathers (2005) y Old Growth

(2008), el Rock psicodélico, Folk y el

Shoegaze británico influenciaron su

música. Para este 2013 ¿qué nuevos

sonidos acompañarán a los riffs del

Wah-wah? Cuéntenos algo del nuevo

material.

SV: Todavía hay mucho de eso por ahí,

hay mucho de Nick Cave en este nuevo

material, también hay que ser atrevidos

al usar las influencias, Con el regreso de

Mark hemos vuelto un poco a las cosas

más oscuras que hacíamos en Howls from

the Hills (2001). También hemos puesto

una buena dosis de Reggae y efectos.

Espero que al final sea una experiencia

bastante viajada.

He estado produciéndolo como en los

4 anteriores discos. Se llamará Warble

Womb y hemos estado grabándolo en

nuestro estudio Wiggle Room en L.A. Es

más un regreso a la era de Howls from

the Hills y más orientado a la sicodelia,

un poco diferente a Old Growth, nuestro

último disco de estudio que tenía una

onda mas a la Tom Petty, creo que los fans

de nuestros primeros discos les gustará la

dirección que está tomando este álbum.

YC: Y las letras, ¿qué tipo de historias van a con-

tarnos?

SV: Tendrán que ver mucho con la redención. Dead

Meadow ha tenido que liderar con mucha mierda des-

de hace algunos años, este álbum es una oda a mirar

al frente y seguir adelante.

YC: En el largometraje de su último material, Three

Kings, hay una cierta influencia de La montaña

sagrada (1973) de Jodorowsky.

Jason (JS): Definitivamente es nuestro homenaje a

él en puntos tanto estilística y simbólicamente. Holy

Mountain y El Topo son tan fuertes en diferentes

niveles. Para mí, eso es lo que hace al arte grandioso,

la capacidad de abrir continuamente tu interior y

exponer nuevas capas de significado.

YC: Pienso que su música es un viaje sicodélico y

sonoro, muchas veces (tengo que decirlo) relacio-

nado con las drogas. ¿Qué opinan de la discusión

de “legalizar o no legalizar” la marihuana?

SV: La guerra contra las drogas es sólo una pérdida de

tiempo, dinero y esfuerzo, en realidad sólo perpetua

carreras criminales, sin embargo la otra cara de la

legalización es que puede haber un salto gigante para

la comercialización en el que sólo las empresas como

Philip Morris podrían hacerlo, los criminales del mun-

do corporativo verían como girarlo para su beneficio.

JS: ¡Legalizar! Es tan absurdo que hay gente ence-

rrada en la cárcel por fumar marihuana. Las prisiones

han sido privatizadas, se les paga más por más gente.

Las llenan de usuarios de drogas inocuas para ganar

dinero. Es completamente aterrador. La “guerra contra

las drogas” crea un problema mayor que es la violen-

cia. Es una lección que deberíamos haber aprendido

bien con la prohibición en los años 20.

7

L A M Ú S I C A , L A L I T E R A T U R A

Y L A S C A T Á S T R O F E S

trynomaldonado

(Zacatecas 1977).

Escritor, músico y alguna vez editor de Almadía. Ha publicado

los libros: Temas y variaciones, Viena roja, Temporada de caza

para el león negro (Anagrama) y Teoría de las catástrofes, su

más reciente novela editada por Alfaguara. Vive en Oaxaca

desde 2007 y colabora con la revista EMEEQUIS. Puedes con-

sultarlo en: HYPERLINK atari2600.blogspot.mx”

¿Te sientes ya más de Oaxaca que de Zacatecas?

Me siento de los dos lados. Acabo de leer un artí-

culo sobre literatura sureña y ahí incluyen mi libro.

Me gustaría ser oaxaqueño pero ahí no me incluyen

en las antologías, aunque la verdad tampoco en

las antologías norteñas: Zacatecas está como en el

limbo entre el norte y occidente, entonces estoy

perdido. No sé, si fuera por lo que he escrito, soy

más oaxaqueño que zacatecano.

En varias entrevistas tuyas he notado un cierto

desdén hacia la Roma o La Condesa en el D.F.

¿sientes que es así?

Es prejuicio y resentimiento. En realidad a mí me

gustaría vivir en la Roma o la Condesa. Es prejuicio:

cuando hablo de escritor de la Condesa me refiero a

ese estereotipo de escritor wannabe que se preocu-

pa más por la farándula y la pose que por real-

mente ponerse a escribir. Sobre todo algunos que

publican algo que identifico como un discurso muy

solipsista, que hablan sólo de sí mismos y tienen

una visión de mundo muy estrecha (aparentemen-

te cosmopolita). Me parece muy endogámica este

tipo de literatura, no digo que esté mal pues hay

algunos que lo hacen muy bien, así que también es

un prejuicio mío decir que todos los que viven ahí

escriben así. Son cosas mías.

Aquellos que no tienen acceso a los libros en sus

hogares o escuelas, se acercan a la literatura a

través de la escritura. Sé que ese es más o menos

tu caso.

Nunca tuve acceso a muchos libros. En Zacatecas

era una cuestión muy dispareja y azarosa. Leí no

tantos libros como debí haber leído cuando me

formé pero creo que leí muchas veces los pocos que

tenía. Borges lo leí todo y varias veces. A lo mejor

si hubiera tenido una buena biblioteca, mi lectura

hubiera sido más ordenada pero menos atenta. Así

que creo en el empoderamiento a través de la es-

critura más que de la lectura. Fomentaría eso: crear

escritores. En mi caso así funcionó.

Sé que no crees en las escuelas de escritores.

Es que no sé cómo se puede enseñar a escribir.

Quizás sí pero sólo en algunos aspectos básicos,

como la técnica o algunas referencias bibliográfi-

cas, pero más allá de eso pienso que uno se forma

escribiendo. A veces me preguntan qué recomien-

do a los nuevos escritores y respondo que escribir.

Casi nadie hace eso. Nos la pasamos hablando de

literatura, criticando y asistiendo a presentaciones

de libros pero casi nadie se pone a buscar su pro-

pia voz. Creo mucho en la disciplina y la técnica.

Tampoco te agrada mucho el sistema de becarios

de este país.

Por que no me dieron la beca, por eso. Todos mis

odios obedecen al resentimiento. Pedí la beca del

FONCA y no me la dieron, eso apenas el año pasado.

También creo que es el sistema de becas es muy

pernicioso. Opera con muchos de los preceptos del

liberalismo, promueve el individualismo y la com-

petencia. Eso disgrega a los grupos de creadores, se

les quita poder y cohesión. Lo ideal sería vivir de la

escritura, sin hacer concesiones de ningún tipo…

pero es dinero público y si te lo dan, no está nada

mal. Te ayuda a pagar la renta, el gas y la luz.

Sé que al principio te rechazaron de muchas edi-

toriales ¿cómo fue que no te diste por vencido?

Yo estaba convencido de lo que quería hacer. Esta-

ba muy seguro de que mi trabajo valía la pena. En

Tierra adentro y en los fondos estatales me recha-

zaron, fue más fácil publicar en Joaquín Mortiz.

Si sabes cuál es tu vocación, vas a insistir todo

el tiempo hasta que las cosas funcionen. Mucha

gente me dice que soy privilegiado, que empecé a

publicar muy joven y que en el Premio Herralde me

fue muy bien. Sin embargo llevo 10 años insistien-

do y tengo cartas de rechazo de cualquier editorial.

Además yo veo las cosas desde fuera del centro:

en el DF hay muchas publicaciones y editoriales, y

a los colaboradores de ciertos medios los puedes

ubicar fácilmente, casi por zonas. Fuera del DF es

más complicado y hay que darle la vuelta. A fin de

cuentas lo que habla por ti es tu trabajo. 9

Antes quisiste ser músico y luego escritor…

Empecé a tocar la guitarra desde los 14 o 15 años.

Yo quería ser músico pero la carrera es muy cara.

Dejé mucho tiempo de tocar y ahora tengo una

banda con mis amigos. Cuando empecé, en Zacate-

cas, me gustaba el rock progresivo y tocaba Dream

Theater con unos amigos. En sus inicios los músicos

empiezan con el progresivo, luego acaban hacien-

do Noise.

¿Por qué nombraron a la banda Scarlett Johans-

son?

Por que estábamos muy cansados y teníamos que

salir a tocar y no teníamos nombre. Después de

2 horas alguien dijo “Scarlett Johansson” Y así

quedó. Es nuestra fantasía generacional. Nuestro

debut fue el mismo día de la presentación de Teoría

de las catástrofes. No me gusta eso de que suben a

los escritores con sus botellitas de agua a hablar de

un libro que la gente ni siquiera conoce. Te sientas

a hablar de cosas abstractas.

En Teoría de las catástrofes un conflicto social se

liga con uno amoroso ¿crees que el amor es un

acto necesariamente violento?

Sí. “El amor es un acontecimiento violento por que

saca de balance las fuerzas naturales”. En la novela

traté de comparar el amor con una catástrofe

matemática: en un sistema lineal de continuida-

des donde habría dos individuos, una relación ya

genera una catástrofe, que es como una irrupción o

una anomalía en un sistema lineal. Lo que se llama

catástrofe en matemáticas puede ser representa-

do así, con una ruptura amorosa. Me interesaba

representar esto a través de un lenguaje ajeno al

literario, tratar de explicar lo que pasa cuando en-

tablamos relaciones con las demás personas. Creo

que el amor es un acontecimiento violento a nivel

químico, físico, matemático y social. Es la tesis de

mi novela.

Eres muy activo en la web y Temporada de caza

para el león negro da la sensación de estar

leyendo un blog ¿esta estructura influyó a la

novela?

Temporada de caza es muy fragmentaria y eso me

permitió jugar con la estructura pero no estaba

pensando en un blog. De hecho soy muy escéptico

de toda la literatura que se hace con las estructuras

de redes sociales. Mi blog tiene 10 años y en ese

tiempo se decía que ese sería el nuevo “formato”

de la literatura, sin embargo, no creo que haya una

gran revolución por las redes sociales, es ingenuo

pensarlo así. Comparo la novela con una canción

de punk. Parece que es un libro sencillo pero me

costó mucho hacerlo, fue como estar en el límite.

Era escribir o “pegarte un tiro” ¿sientes que la

literatura te salvó la vida?

No tanto así pero es cierto que la literatura le da

sentido a mi vida. Descubro muchas cosas de mí a

través de la escritura y estoy en un punto donde ya

no me concibo a mí mismo sin escribir, pero no voy

a dármelas de escritor solemne y decir “que vivo

por la literatura”. Incluso me gusta más la música:

prefiero ir a un concierto que encerrarme a leer un

libro. Me da envidia esa gente a la que le apasiona

tanto la literatura. Yo disfruto más el proceso de

escritura que el de la lectura.

¿Será que te consideras más músico que escritor?

No, por que soy muy malo. Pero sé más de la vida

de los músicos que de los escritores. Me apasiona

más la música que la literatura pero como no soy

rockstar, me toca ser escritor.

10

13

DEAD CAN DANCE ES LA VOZ PENETRANTE

DE LA TIERRA. Su música no tiene un color

de piel definido; es el compromiso natural

de comunicar la parte más profunda del ser

humano, la danza de la vida misma.

Más de 30 años han pasado desde que Lisa

Gerrard y Brendan Perry formaron este proyec-

to en Melbourne, Australia. Tiempo después

emprendieron un viaje a Londres para firmar

con el sello independiente 4AD, formando

una mancuerna maravillosa que trajo como

consecuencia 8 discos, entre ellos Dead Can

Dance (1984), Within the Realm of a Dying

Sun (1987) e Into the Labyrinth (1993). Gra-

cias a Dead Can Dance y Cocteau Twins (dos

de las bandas más representantivas de 4AD)

el sello alcanzó la credibilidad necesaria para

subsistir, permitiendo firmar más adelante a

Throwing Muses y The Pixies.

En el perfil estético, los trabajos de Dead

Can Dance están influenciados por varias

culturas, y en el plano musical, por movimien-

tos étnicos antiguos aún cuando sus últimos

discos son extraordinariamente diferentes a los

de sus inicios. Into the Labyrinth fue su primer

álbum inspirado en los colores musicales de la

mitología griega y en la utilización de nume-

rosos instrumentos de distintas tradiciones.

Después de 16 años sin material inédito,

el dúo resucita (literalmente) con Anasta-

sis (2012), un disco que muestra a Lisa y a

Brendan en plena forma artística. Un álbum

con olor a sal del mar Mediterráneo, gracias

a las afinaciones, instrumentos y sonidos que

hablan de este espacio geográfico.

Lisa Gerrard creció en un área turca/griega

con una gran influencia árabe. La vida en un

lugar tan multiétnico como Australia la acercó

a diversas culturas que también mantienen

sus tradiciones y que con frecuencia son su

inspiración. De esa manera Lisa logra mantener

vivas las cosas que puede atrapar, sentir, oler

y abrazar, las cosas con las que mantiene una

conexión física. Eso es lo que parece suceder

con su música, donde el sentido de comuni-

dad y de amistad se cruza con tradiciones y

culturas, conectando así al espíritu humano

con el alma. Tal vez por eso usa la idioglosia

para comunicarse, un lenguaje idiosincrático,

inventado y hablado por sólo una o muy pocas

personas.

Lisa Gerrard es una artista con voz pro-

funda, oscura y reflexiva. Su registro vocal va

desde el contralto hasta la tesitura dramáti-

ca mezzosoprano, como lo muestra en “The

Host of Seraphim”, The Serpent’s Egg (1988).

Además de DCD, su trabajo en bandas sonoras

es increíblemente variado, resaltando colabo-

raciones con Ennio Morricone y Hans Zimmer

en Gladiator (2000), el cual le valió un Globo

de Oro.

Interminables son las preguntas para una

artista como Lisa Gerrad: tuvimos el honor de

elaborar algunas para hemisferio derecho de

este cerebro llamado Dead Can Dance. Esto fue

lo que nos contó.

Recientemente mencionaste en una entrevista que

“en el momento en que Brendan sospecha que lo que

está haciendo no es suficientemente puro se ve obli-

gado a abandonarlo e incluso puede caer en una pro-

funda depresión”. ¿Es mejor ahora Dead Can Dance o

echas de menos la pureza e ímpetu de los inicios?

Creativamente estamos en un momento de gran intimi-

dad con nuestra audiencia y con el equipo que actual-

mente nos ayuda a traducir este trabajo a un contexto

vivo y llevarlo a todos los rincones del mundo.

En el plano material las cosas se han vuelto más fá-

ciles en términos de la calidad del equipo de grabación,

etcétera, sin embargo, el forcejeo entre el arte y una

conexión sincera con él aún lucha contra nosotros

mismos con el fin de tener un equilibrio y un

propósito dentro de este trabajo. En cuanto

a tu pregunta, Brendan siempre alcanza

su propio sentido de pureza en la inter-

pretación y, en consecuencia, lucha con

ese propósito. Por eso creo que él es ca-

paz de alcanzar un nivel de excelencia y

la respuesta al proceso es el mismo.

Después de 16 años sin grabar ¿cuál

fue la motivación de Dead Can Dance para

regresar con un nuevo álbum en el 2012?

Fue por amor al trabajo que hemos escrito en el pasado

y una motivación basada en la curiosidad de lo que

podríamos hacer creativamente en el presente.

El significado de la palabra “Anastasis” apela a la

resurrección aún cuando las canciones de su nuevo

material hablan sobre todo de la memoria ¿cómo fue

que la resurrección tomó un papel más protagónico

a la hora de titular el disco?

Anastasis, en el contexto que se ha utilizado, es una

palabra que se utiliza para describir los ciclos de la

vida, del nacimiento y del ritual. En un sentido mantra

es una palabra que provoca una sensación del desper-

tar. Si observas, el contexto de la memoria es traer de

vuelta a la vida aquellas cosas que hemos olvidado de

la antigüedad hasta el presente.

Su reciente trabajo tiene todo el sello de DCD, sin

embargo hay cambios sutiles en la instrumentación

y en el sonido mismo del disco. ¿De qué manera

trabajaron su grabación y producción del material

en el estudio?

Es evidente que la tecnología ha evolucionado consi-

derablemente, el acceso a la gama de samples es más

amplia. La producción siempre ha tenido lugar en un

ambiente íntimo donde Brendan lleva las cosas hasta la

última etapa de mezcla. Este álbum fue producido en la

iglesia de Quivy en Irlanda.

¿Hay alguna referencia artística reciente que haya

influido en el resultado final de Anastasis?

Sí, siempre hay una respuesta a otras formas

de arte y ambientes sociales. En este caso

las escalas y compases del Mediterráneo

tuvieron una fuerte influencia sobre la

dirección del disco.

¿Qué tanto permeó la influencia de

tu trabajo en cine a la hora de com-

poner el disco?

Ninguna, no causó ninguna influencia.

Tengo un alma artística al igual que Bren-

dan, es la poesía del mundo interior la que

provoca el deseo de crear Anastasis.

Tocando el tema del cine ¿qué elementos consideras

que son los más importantes a la hora de componer

para una película?

Lo más importante es tener una buena comunicación

con el director y pasar el tiempo buscando colores que

ayuden a desbloquear el subtexto de su visión.  

La industria de la música ha sufrido algunos cam-

bios radicales en las últimas dos décadas, para uste-

des cuáles son los cambios más significativos entre

el primer álbum lanzado en 1984 y Anastasis.

Fuimos liberados por Internet de tal manera que po-

demos tener una visión más personal y una conexión

inmediata con nuestro público.

14

Sé que el título nació por una frase acuñada por

Diego Fernández de Cevallos, sin embargo también

pareciera señalar el lenguaje que hay dentro de la

pareja ¿crees que el amor es un acto necesariamente

violento?

En el título por supuesto que hay, al menos para mí,

una doble interpretación: la de que en el terreno de

lo político a veces se utiliza la violencia y la de que

en las relaciones amorosas también hay un lenguaje

de machetes. No creo que el amor sea necesariamente

violento o al menos no todo el tiempo. Pero sin duda

que creo que al interior de la pareja, sobre todo si ésta

está en proceso de descomposición, a menudo se utiliza

un lenguaje hiriente. Sí creo que las relaciones, no to-

das por supuesto pero a las que a mí me interesan y la

forma en que yo las vivo, son de extremos y contrastes:

lo más sublime y lo más desgarrador.

En tu labor como productor, guionista y director: ¿a

qué se debe ese interés por los personajes jóvenes y

explosivos?

La mayoría de mi trabajo como escritor, guionista y

director —hablo de los proyectos más personales— sin

duda se relacionan conmigo mismo. Incluso a veces he

definido mi película como un ejercicio de autocrítica. Y

se relacionan no necesariamente de una forma directa,

biográfica, pero sí en cuanto al tipo de asuntos que me

interesan, me preocupan, al tipo de emociones que el

mundo me provoca. Si no parto de ahí no siento que mi

trabajo pueda ser honesto. En ese sentido es que apa-

recen ese tipo de personajes, aunque no creo que sean

siempre jóvenes ni siempre explosivos.

Tus películas capturan siempre las diferencias socia-

les en México ¿piensas, igual que Guillermo Bonfil

Batalla, que lo social está ligado también a una

cuestión racial?

Sin duda alguna. En México la gente suele hablar de

clasismo y a menudo les cuesta trabajo aceptar —o les

da miedo— que el racismo también impera. Y yo pienso

todo lo contrario: creo que detrás del clasismo —incluso

la razón misma sobre la cual descansa el hecho de los

abismos entre clases sociales— está el racismo. Para un

lado y para otro.

El lenguaje de los machetes pareciera ser una historia

sobre una pareja de jóvenes cuestionándose sus

ideales políticos, sin embargo la película impacta

por desarrollar también temas muy íntimos y con-

movedores, como la maternidad y el deterioro de la

pareja. ¿Cómo fusionaste todos estos elementos al

concebir la película?

Uno de los impulsos o temas centrales en la película es

el de que lo personal es político y lo político es perso-

nal. Es decir, me interesaba explorar esa relación tan

estrecha entre el mundo de los ideales políticos y el

mundo de los ideales de vida. A menudo estos dos se

contradicen, chocan, se contaminan y, por lo tanto, son

materia dramática y narrativa. En el mundo de la pareja

se ven reflejados los ideales políticos —en tanto que la

pareja es una suerte de microcosmos de lo social— y vi-

ceversa. Para mí quizá sea uno de los asuntos centrales

de la existencia: nuestros intentos por ser congruentes.

A pesar de que el contexto está muy bien definido,

tanto Ray como Ramona se enfrentan, más allá de

la autoridad, a sí mismos. ¿Qué tanto está ligado el

contexto a los personajes?

Indisolublemente ligado. En una historia como la que

yo quería narrar no hay personaje sin contexto. En

realidad, creo que nunca hay personaje sin contexto.

Sin duda que estos personajes, como tal vez todos, se

enfrentan a sí mismos, están encerrados en sí mismos,

en sus obsesiones, en sus adicciones, en sus deseos.

Los close-ups y el uso frecuente de, al parecer, luz

natural, crean una atmósfera muy abrasiva en El

lenguaje de los machetes. Como director ¿qué ele-

mentos consideraste para la puesta en cámara?

Lo de la luz natural no es siempre el caso en la película.

La mayoría de los interiores estuvieron cuidadosamente

iluminados, pero sin duda que la puesta en cámara,

desde un inicio, intentó responder al espíritu íntimo,

agresivo y gritón de la película. Había que procurar re-

flejar con los planos el encierro en el que viven los per-

sonajes, sus obsesiones, su imposibilidad de salirse de

sí mismos, y también el vínculo amoroso tan fuerte que

existe entre ellos. Por ello decidimos filmar la película

con muchos planos cerrados, con una cámara en mano

que pudiera acercarnos a ellos, a sus movimientos, a

los objetos que los rodean, a sus propias manos.

A M B U L A N T E 2 0 1 3

La gira de documentales AMBULANTE 2013 arranca el 8

de febrero en la Ciudad de México. ¿Recomendaciones?

Varias: la Retrospectiva Chris Marker; Ai Weiwei: nunca

se arrepiente (Ai Weiwei: Never sorry) documental que

narra la eterna lucha del artista disidente chino contra

el régimen de su país; y La casa donde vivo (The house

i live in) un relato que entrelaza pequeñas historias

sobre el combate de EE.UU contra el narcotráfico. Una

de las secciones más aclamadas en la historia de Am-

bulante es SONIDERO, un espacio que reúne produccio-

nes con una diversa temática musical. En esta edición

destacan The Chemical Brothers: Don´t think y Buscan-

do a Sugar Man (Searchinng for Sugar Man) película

nominada a Mejor Largo Documental en la próxima

entrega de los Oscares. Ambulante 2013 tendrá su paso

por el D.F. del 8 al 21 de febrero y concluirá en Oaxaca

el 9 de mayo. Consulta la programación, los horarios y

las sedes (locales y nacionales) en: www.ambulante.

com.mx

E L A L C A L D E

Dir. Emiliano Altuna, Carlos F. Rossini y Diego E. Osorio

México 2012

80 min.

Desde su mansión ubicada en la punta de un colina,

Mauricio Fernández Garza, quien fuera alcalde de San

Pedro Garza García, goza de la mejor vista del munici-

pio más seguro y próspero de México (y quizás de toda

América Latina). Fernández Garza parece ser la imagen

de un emperador romano. Disfruta del polo, la pesca y,

como muchos mandatarios, de la cacería: tiene un oso

polar de tapete y muestra con orgullo los videos de sus

safaris por África, donde posa con elefantes y leopardos

muertos. Como curiosidad, entre sus objetos más pre-

ciados se encuentra la espada de Hernán Cortés. Pocos

políticos, señalan los realizadores de El Alcalde, dicen

lo que piensan sin importarles la opinión pública: Fer-

nández Garza se muestra abierto a la legalización de las

drogas y lanza amenazas a todo aquel que quiera hacer

“cosas malas” en San Pedro Garza. Si algo hay que decir,

es que su absoluto cinismo lo convierte en un personaje

extrañamente fascinante. El alcalde es un documental

imperdible, un profundo retrato a uno de los personajes

más controversiales durante el sexenio de Felipe Calde-

rón ¿acaso los gobernantes deben hacer justicia por su

propios medios para luchar contra el crimen organiza-

do? Para Fernández Garza la seguridad del municipio es

lo más importante, el cómo es lo de menos.

*El Alcalde es parte de la gira AMBULANTE 2013*

F E S T I V A L I N T E R N A C I O N A L D E

C I N E D E L A U N A M

(FICUNAM 2013)

Con el propósito de difundir las propuestas más sobre-

salientes e innovadoras del cine internacional, la 3era.

edición del FICUNAM presenta sus cartas fuertes de este

año: las Retrospectivas a Edward Yang, Jonas Mekas y

Darezhan Omirvayeb. Como se ha hecho costumbre, la

programación mezcla la presencia de autores consagra-

dos y directores jóvenes, y se pueden encontrar películas

cuya distribución en México es realmente nula. Entre las

secciones a seguir se encuentra Ahora México, espacio

que presenta lo último del cine contemporáneo nacio-

nal. Las actividades del FICUNAM se realizarán del 21 de

febrero al 3 de marzo en el Distrito Federal. Puedes ver la

programación completa en: www.ficunam.unam.mx

f e b r e r o 2 0 1 3 : c i n e d e f e s t i v a l

c i n e

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