2-DISEÑO Y SU CONFIGURACIÓN

4-Campos de aplicación del diseño.5-El proceso en el diseño. La aplicación de los métodos de diseño. Diseño y creatividad.6-Diseño y función: Análisis de la dimensión pragmática, simbólica y estética del diseño.7-Conocimiento y uso del lenguaje visual. Elementos básicos: Punto, línea, plano, color, forma y textura.8-Lenguaje visual. Estructura, composición y aplicaciones: la repetición. Ordenación y composición modular.

Simetría. Dinamismo. Deconstrucción.

4-CAMPOS DE APLICACIÓN DEL DISEÑO

• Diseño gráfico:

El diseñador gráfico se preocupa de programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales. Esta actividad posibilita comunicar gráficamente ideas, información y hechos ya sean de personas o empresas. Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño editorial, el diseño de identidad corporativa, el diseño web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, la cartelería, la señalética y el llamado diseño multimedia, aplicaciones móviles, juegos, entre otros.

Diseño de CartelesTHÉOPHILE STEINLEN

Esta es una de las tapas que diseñó Jan Tschicold para la editorial penguin.

• Diseño de Vestuario:

El diseño de vestuario se encarga de crear y confeccionar ropa y vestuario . Se preocupa de la moda, cultura, clima y gustos para crear prendas que agraden a un público específico (jóvenes, damas, teatro, etc.)

Diseñador de vestuario DecóPaul Poiret

• Diseño textil:Esta actividad se preocupa de crear nuevas, telas, tejidos, hilos, texturas y estampados para la creación de género (industria textil). Responde a las necesidades específicas de la medicina, arquitectura, ingeniería y deportes, moda, entre otros.

• Diseño de objetos o diseño industrial:

Diseño industrial Actividad creativa y técnica que consiste en idear un objeto para que sea producido en serie por medios industriales. Esta área del diseño busca crear o modificar objetos de uso cotidiano o necesidades específicas, para hacerlos más cómodos, atractivos, prácticos o agregarles nuevas funciones para satisfacer al consumidor.Esta es un área muy amplia ya que puede incluir cualquier tipo de objeto utilitario:como diseñador de automóviles, de muebles de diseño, diseño de productos, diseño a nivel artístico de efectos especiales, diseño de parques temáticos y todo aquel diseño que tenga que ver con la producción a nivel industrial.

1. Pocket Radio T diseñado en los años 60 por Dieter Rams 2. Exprimidor Braun Citromatic por Dieter Rams 1970 3. Hervidor de agua de Braun 20104. Plancha Texstyle 7 5. Radio Braun Tp1 por Dieter Rams 19596. Cafetera Aeromaster Kf20 por Richard Wilson

• Diseño de ambientes o interiores:

Los diseñadores de interiores o de ambientes están encargados de proyectar espacios de habitación en casas, tiendas, oficinas, restaurantes, etc. Configuran tanto el volumen espacial como la superficie, mobiliario, texturas, colores, etc. dentro de un espacio arquitectónico dado o creado por ellos mismos.

5-El proceso en el diseño. La aplicación de los métodos de

diseño. Diseño y creatividad

• El proceso de diseñar, suele implicar las siguientes fases:• 1. Observar y analizar el medio en el cual se desenvuelve el ser humano, descubriendo alguna

necesidad.• 2. Evaluar, mediante la organización y prioridad de las necesidades identificadas.• 3. Planear y proyectar proponiendo un modo de solucionar esta necesidad, por medio de planos y

maquetas, tratando de descubrir la posibilidad y viabilidad de la(s) solución(es).• 4. Construir y ejecutar llevando a la vida real la idea inicial, por medio de materiales y procesos

productivos.Estos cuatro actos, se van haciendo uno tras otro, y a veces continuamente. Algunos teóricos del diseño

no ven una jerarquización tan clara, ya que estos actos aparecen una y otra vez en el proceso de diseño.

Hoy por hoy, y debido al mejoramiento del trabajo del diseñador (gracias a mejores procesos de producción y recursos informáticos), podemos destacar otro acto fundamental en el proceso: Diseñar como acto cultural implica conocer criterios de diseño como presentación, producción, significación, socialización, costos, estrategias de venta, entre otros. Estos criterios son innumerables, pero son contables a medida que se definen los proyectos del diseño.

Taccia Table lamp, 1958Achille Castiglione

Observar y analizar

Construir y ejecutar

Planear y proyectar

Evaluar

Estas acciones se repiten en las siguientes fases del diseño:•1-Fase de la gestión del proyecto ESTUDIO DEL PROBLEMA•1-Fase del proceso de diseño FORMULACIÓN DE LA

SOLUCIÓN 1-FASE DE LA GESTIÓN DEL PROYECTO (ESTUDIO DEL

PROBLEMA)Estudio de la factibilidad: posibles soluciones del problema,

análisis de la viabilidad del proyecto.Definición del problema: lista de funciones y exigencias,

pliego de condiciones.Estudio detallado: informe de pormenores técnicos de

funciones, operatividad y comercializaciónRealización o construcción: prototipoEvaluación: el prototipo se somete a pruebas, físicas, y

ensayos con consumidores

• 2-FASE DEL PROCESO DE DISEÑO

(FORMULACIÓN DE LA SOLUCIÓN)• Identificación del problema: incidencias en

el entorno, economía, reacciones de los usuarios.

• Análisis del problema: se valoran todas las informaciones recibidas sobre el problemas para extraer los datos útiles respecto a la fabricación y patentes.

• Síntesis y soluciones del problema: la fase mas creativa somete el proyecto a cuestionamiento hasta llegar a un grado optimo de satisfacción.

• Convalidación y evaluación: selección de una de las soluciones al problema, para emprender la creación de un modelo en el que se evaluaran su compatibilidad con las especificaciones iniciales

Achille Castiglione, 1961, sketch.

Etapas de diseño a partir de la idea

2- MÉTODOS DE TRABAJO UTILIZADOS EN EL DISEÑO:

Los diferenciales semánticos En este método se trata de evaluar

estadísticamente las impresiones subjetivas que se sienten ante un objeto o ante una imagen.

• Elaboración de una lista de calificativos (ítem) agrupados por parejas constituyendo una rejilla de encuesta relacionada con uno o varios objetos.

• Encuesta a distintos individuos utilizando rejillas para valorar los ítems , hasta 1000-

Evaluación de las encuestas que nos permitirán resolver los inconvenientes con antelación.

Brainstorming (Tormenta de ideas) Se emplea esta palabra inglesa para expresar el método de desarrollar ideas de forma imaginativa en un grupo que debe dar ideas sin parar, por muy absurdas que parezcan, y en un mínimo de tiempo. Este método se suele emplear frecuentemente en empresas y gabinetes de concepción, y requiere un animador que coordine las sesiones. No se critican las ideas propuestas y la libertad de expresión debe ser fundamental. Cada idea puede dar lugar a otra y, aunque muchas ideas sean contradictorias, lo que interesa es que surjan cuestiones que ayuden a configurar el producto solucionando de antemano cualquier pormenor.

Paesaggio banale, Alessandro Mendini, 1979. Image from Collezione permanente Francesco Moschini e Gabriel Vaduva A.A.M architettura arte moderna

Listas de control Estas listas se emplean con frecuencia durante todo el proceso de concepción para acotar mejor el problema. Son una serie de preguntas relacionadas con: •Expectativas respecto al problema que se plantea, verificar la demanda.•Aspectos que afectan al producto: fiabilidad, duración, normativas.•Cuestiones que afectan al usuario: antropometría, seguridad de uso manejabilidad.•Aspectos que afectan a los límites técnicos y económicos: métodos de fabricación, costes, tiempo, valor.•Elección de materiales: resistencia, dureza, aspecto visual.•Cuestiones que comprometen la convalidación y las pruebas (ventajas e inconvenientes, valoración de la elección de soluciones, etc.). • La política de imagen de la empresa (la estrategia de imagen frente al consumidor en calidad, credibilidad, etc.).

Listas de control para programas informáticos

3-DISEÑO Y CREATIVIDADPor encima de todas las posibles estrategias se destacan dos que deben estar siempre presentes en la mente del diseñador para combinarlas con todas las restantes que se enumeran: la suspensión del juicio y la negación de la mayor. La suspensión del juicio es la estrategia fundamental definida en 1953 por Alex F. Osborn en el texto Applied Imagination en el que introduce su famoso método. La negación de la mayor consiste en la postura radical y crítica de preguntarse a cada etapa de la resolución del problema si tiene sentido lo que se busca o sería mejor un cambio radical en el planteamiento. Por ejemplo, si nos plantean diseñar un nuevo automóvil, negar la mayor es preguntarse “¿Es el método de transporte adecuado el automóvil particular? ¿No habrían soluciones mejores?”. Suponiendo que prosigamos con el proyecto, negar la mayor más adelante consistiría en hacerse la pregunta: “¿Es necesario que el motor sea de combustión? ¿No podría ser eléctrico?”. Y así a cada paso del proceso.

Sketch for the MiniDesign: Alec IssigonisManufacturer: British

Motor Corporation

Diseño por analogía. Consiste en inspirarse en soluciones de otros ámbitos de aplicación visionando analogías conceptuales o estructurales. Por ejemplo: los patines de cuatro ruedas se basan en la analogía con un automóvil, mientras que los patines en línea se basan en la analogía con una motocicleta y los patines de hielo se basan en la analogía con un barco rompehielos.

Analogía del monopatín y el coche portada revista Life años 50 EEUUContrucción de un prototipo a partir de unos patines

Cambio de visualización del problema. Entre los diversos ejemplos que demuestran cómo un cambio de visualización del problema puede servir para aportar soluciones, que con la anterior visualización eran impensables, se expone, con cierto nivel de detalle, la manera en que el contenedor vino a solucionar radicalmente la ruina progresiva en la que estaba sumergida la industria del transporte marítimo en los años 60. En lugar de visionar la necesidad de reducir los costes de operación de los barcos, se trataba de visionar los tiempos y costes de operación de la carga y descarga de las mercancías. En vez de visionar el problema como una lucha contra el transporte por carretera, se trataba de buscar una alianza estrecha con él.

Lógica inversa. Aplicar la lógica inversa a los productos y servicios existentes nos aporta visiones originales que, a veces, pueden sernos de gran utilidad creativa. Por ejemplo: Una silla está pensada para que una persona se aposente en ella. ¿Podemos pensar en que tenga sentido que una persona sirva para que una silla se aposente en él? Pues resulta que sí, esta es la idea que inspiró al portabebés frontal. Diseño por síntesis: llegamos al concepto con los ejemplos paradigmáticos de la navaja suiza o de los teléfonos inteligentes. Aprende rápidamente a aplicarlo a situaciones cotidianas

Lógica inversa Diseño por síntesis

Eliminación de opciones. en algunos problemas concretos, la única estrategia posible es la perseverancia de ir probando una tras otra todas las alternativas posibles hasta encontrar la válida. Thomas A. Edison había ensayado más de mil combinaciones posibles para el filamento de su bombilla eléctrica cuando los periodistas les preguntaron porque no abandonaba. La respuesta del inventor fue sabia: “No abandonamos porque a cada fallo aprendemos cosas y estamos más cerca de la solución”.

6-Diseño y función: Análisis de la dimensión pragmática, simbólica y

estética del diseño.

Diseño y función

Se ha planteado por parte de algunos historiadores del diseño un debate entre planteamientos enfrentados, utilidad o función por un lado y estética por otro, presentando el diseño como una disciplina carente de interés por lo estético. Hoy día, ambos son componentes de un mismo objetivo; es cierto que la funcionalidad debe primar en todo diseño, pero la utilidad no está enfrentada con el componente de belleza .Diferentes maneras de concebir el diseño, en determinados momentos, manifiestan las siguientes tendencias: • La relevancia de la forma sobre la función. • El predominio de la función sobre la forma. • La consideración de la forma y la función con la misma importancia.

FormaSabemos que la forma es la apariencia externa y visible de las cosas y objetos, apariencia que las define, configura y distingue de otras.

Función La función se debe expresar mediante una forma adecuada, que será más o menos exigente según la familia o área del diseño en que nos movamos. El diseño actual concibe la forma como uno de los rasgos de la función, el más importante, pues la forma de todo objeto dependerá del uso o utilidad que vaya a tener. Según esto, "la forma es la adaptabilidad de un producto o sistema a la función a que se destine"; es el fundamento del llamado diseño funcional.

Image of “form follows function” sofa by Daan Mulder

Análisis de la dimensión práctica, estética y simbólica en los productos de diseñoEstilismo Styling Sreamline Tendencia del diseño en la que el valor simbólico del producto supera a su dimensión práctica y sintáctica. Styling significa 'maquillaje’ o 'camuflaje'. Surgió en los Estados Unidos en los años 1940-1950. Siguiendo los imperativos del mercado, primó la apariencia externa del producto para seducir al consumidor mediante efectos de estilo.

Formalismo: Relevancia de la forma sobre la función: Se da cuando la dimensión sintáctica (formal) del producto prima sobre la simbólica y la práctica; el requisito formal puede sobre las demás exigencias del diseño. "El poder de la forma y la facilidad con que se puede jugar con ella fascina a los creadores"El formalismo da la mayor importancia al placer visual, proponiendo un juego visual intencionado.

Funcionalismo: Primero la función después la forma:

La forma sigue a la función“Form follows function”Louis Sullivan(1896)Aforismo que animó a la creación de los arquitectos en el Movimiento moderno

Audiorio de Chicago 1889 Louis Sullivan

Funcionalismo: Primero la función después la forma: Otra tendencia en el diseño consideraba que reproducir las formas del pasado obstaculizaba la función de los objetos nuevos. En esta opción, un diseño es bello cuando los aspectos formales están supeditados a la función. A principios del siglo XX se consolidó el movimiento funcionalista, que somete la forma del objeto a su función. La idea de belleza deja de ser el motor del diseño y se convierte en una consecuencia: la belleza viene por añadidura. En síntesis, ésta es la teoría defendida por la célebre escuela Bauhaus,.

Ejemplos de Diseño Ulm

Función y forma tienen la misma importancia: Actualmente los profesionales del diseño tienden a considerar que los aspectos formales y de funcionalidad tienen la misma importancia y, por lo tanto, se tienen que plantear y estudiar conjuntamente. Un objeto es bello porque satisface una necesidad y, también, porque presenta una forma que comunica su función y es visualmente atractiva para complacer al consumidor.

Diseños de Ron Arad

 -Función Práctica: Se refiere a las funciones técnicas u operativas del objeto. Determina la utilidad del producto. -Función estética de los objetos: Más allá de la indispensable adecuación entre forma y función, se busca la belleza a través de las formas, colores y texturas. Entre dos productos de iguales prestaciones técnicas y precios, cualquier usuario elegirá seguramente al que encuentre más bello. -Función simbólica de los objetos: Algunos objetos sirven además para marcar un estatus social y unas relaciones de poder.

Leer el sistema de los objetos Jean Braudillard

7-Conocimiento y uso del lenguaje visual. Elementos básicos: Punto, línea,

plano, color, forma y textura

Elementos de la imagen

El punto• El elemento más simple• Posee una gran fuerza atractiva como marca• Carece de dimensiones• Forma parte de cualquier otra forma geométrica • Una sucesión de puntos o un punto en movimiento genera

una recta• Numerosos puntos distribuidos sobre una sola superficie

generan un plano• Un conjunto de puntos distribuidos en todas las dimensiones

configuran un volumen sólido • El punto es el centro de atención y atracción de cualquier

campo visual – Su situación puede establecer los ejes básicos de la

estructura– Varios puntos juntos se perciben agrupados creando

formas– Una secuencia de puntos puede imprimir ritmo a la

imagen, creando una dirección de movimiento– Ayuda a dirigir la visión del observador

Elementos de la imagen

La línea• Carece de espesor y su longitud puede ser infinita• Forma parte de otras formas geométricas • Una sucesión de líneas o una línea que se desplaza en dirección contraria a su longitud genera un plano • Una línea cerrada puede generar un contorno • Un conjunto de líneas distribuidas en las tres dimensiones configuran un volumen sólido cuando ocupan todo el espacio • Un conjunto de líneas distribuidas en las tres dimensiones configuran un volumen hueco cuando forma superficies unidas entre sí envolviendo un espacio • La línea es un elemento muy expresivo y versátil que crea ten- sión y afecta al resto de elementos cercanos • Casi siempre expresa movimiento, dinamismo, tensión y direc- ción • En el campo bidimensional, la línea separa espacios

EL planoCarece de espesor y su superficie puede ser infinita • Abarca o incluye al punto y a la línea • Una sucesión de planos o un plano que se desplaza en dirección contraria a su extensión genera un volumen sólido • El plano puede ser recto o curvo: el primero se extiende en dos dimensiones del espacio (bidimensional) y el segundo se ex- tiende en tres (tridimensional) • Tres planos rectos o más que se cortan entre sí envolviendo un espacio pueden configurar un volumen hueco • El plano recto es un elemento poco expresivo, pero su presencia genera separación y división, afectando al resto de elementos cercanos • El plano curvo es dinámico y si se cierra sobre sí mismo puede generar un volumen geométrico

El círculoLa forma circular equivale al punto, a un centro de atención de gran poder simbólico, y remite a connotaciones tales como protección, fertilidad, totalidad, infinitud, divinidad celestial y universo. Representa dos conceptos opuestos: desde el giro incesante hasta el punto más estático.

El cuadradoResulta una figura muy estable y representa el equilibrio y la estabilidad. Mantenido sobre uno de sus lados, expresa horizontalidad y verticalidad. En esta disposición, el cuadrado se asocia a conceptos como permanencia, simetría, quietud, bienestar y tranquilidad. Si se coloca apoyado sobre uno de sus vértices, sugiere dinamismo y tendencia a la ascensión, marcada por la punta del vértice superior.

El triánguloSe trata de una figura muy estable, su direccionalidad queda marcada por la tendencia inclinada de sus lados y por su forma de flecha ascendente cuando se apoya sobre uno de sus lados. En esta posición puede implicar verticalidad, agudeza y seguridad, acción, tensión y agresividad. Si uno de los vértices se dispone «mirando» hacia la izquierda o hacia la derecha, la sensación, es la de desplazamiento hacia una u otra dirección

Del plano al volumen

El color• Características:

– Tonalidad o matiz: longitud de onda– Saturación o intensidad: pureza del color– Valor o luminosidad : cantidad de luz

• Sistemas de color:– Aditivo:– SÍNTESIS ADITIVA (EL COLOR LUZ) Los colores que percibimos a

través de la luz (focos, televisión, cine, etc.) son el naranja, el verde y el violeta, si bien algunos textos citan el rojo, el verde y el azul. La fusión de estos colores crea y compone la luz blanca, motivo por el cual a esta mezcla se le denomina síntesis aditiva. Las mezclas parciales de estos colores luz dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible . La síntesis aditiva se produce cuando los colores luz se mezclan entre sí produciendo el blanco.

– Sustractivo:– SÍNTESIS SUSTRACTIVA (EL COLOR PIGMENTO) – Los colores primarios basados en la luz reflejada de los pigmentos aplicados a

las superficies son: magenta, cyan y amarillo. Aunque en lenguaje coloquial al magenta se le nombra como rojo y al cyan, azul, los tonos varían ligeramente si se busca realizar mezclas adecuadas para producir nuevos colores. Por ello, se mantiene la denominación actual de los pigmentos primarios (magenta, cyan y amarillo), ya que son los colores básicos de las tintas utilizadas en la mayoría de los sistemas de impresión. Al contrario que en la síntesis aditiva, la mezcla de estos tres colores primarios produce una aproximación al negro, es decir, un color más oscuro y de menor cantidad de luz, por lo que a esta mezcla se la conoce como síntesis sustractiva. Dado que el color así obtenido no es lo bastante intenso en la práctica, a las mezclas se les agrega pigmento negro. Así pues, los procedimientos de imprenta para imprimir en color (tricomía y cuatricomía) se basan en la síntesis sustractiva. La síntesis sustractiva se produce cuando los colores pigmento, los que usamos para pintar, se mezclan entre sí produciendo el negro.

El color• Formas de relación dinámica entre los colores:

– Armonía: crea una composición con variaciones cromáticas suaves y graduales relacionando colores afines

– Contraste: yuxtapone colores diferentes entre sí, fundamentalmente colores complementarios:

• Rojo-verde, amarillo-violeta, azul-naranja• La composición llama fuertemente la atención• Si es muy acentuado puede reducir la legibilidad al producirse vibración

– Es necesario conocer las relaciones cromáticas para combinar correctamente los colores

Elementos de la imagen

El color

• Papel del color en la imagen:– Contribuye a la recreación del espacio

• Ayuda a simular la profundidad (sombreado)• Sugiere distancia (difuminación progresiva del tono)

– Ayuda a dinamizar la composición a través de la interacción de los colores

• Los colores claros son excéntricos y los oscuros concéntricos• Los colores saturados producen un fuerte impacto y se relacionan con

sensaciones dinámicas y alegres. Los colores no saturados transmiten sensaciones débiles y más sutiles

– El color transmite “sentimientos”• Hay colores cálidos y fríos, ligeros y pesados, tristes y alegres• La percepción del color es subjetiva y depende de factores culturales

Usos del color• Denotativo: color de una imagen hace referencia al color de la cosa que

representa (ejemplo: dibujo de un tomate rojo)

• Informativo: color se usa como elemento diferenciador (ejemplo: líneas del metro de distintos colores)

• Simbólico: el color tiene un significado que depende de cada cultura (ejemplo: blanco pureza)

• Psicológico: el color aporta sensaciones que son comunes a todas las personas (ejemplo: azul frescor)

• 1. El blanco: como el negro, se hallan en los extremos de la gama de los grises. Tienen un valor límite, frecuentemente extremos de brillo y de saturación, y también un valor neutro (ausencia de color). También es un valor latente capaz de potenciar los otros colores vecinos. El blanco puede expresar paz, soleado, feliz, activo, puro e inocente; crea una impresión luminosa de vacío positivo y de infinito. El blanco es el fondo universal de la comunicación gráfica.

•2. El negro: es el símbolo del silencio, del misterio y, en ocasiones, puede significar impuro y maligno. Confiere nobleza y elegancia, sobre todo cuando es brillante.

• 3. El gris es el centro de todo, pero es un centro neutro y pasivo, que simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y melancolía.El blanco y el negro, con sus gradaciones de gris, son del color de la lógica y de lo esencial: la forma. Por otra parte, el blanco y el negro junto con el oro y plata, son los colores del prestigio . Los colores metálicos tienen una imagen lustrosa, adoptando las cualidades de los metales que representan. Dan impresión de frialdad metálica, pero también dan sensación de brillantez, lujo, elegancia, por su asociación con la opulencia y los metales preciosos.

• 4. El amarillo: es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo. Es el color del sol, de la luz y del oro, y como tal es violento, intenso y agudo. Suelen interpretarse como animados, joviales, excitantes, afectivos e impulsivos. Está también relacionado con la naturaleza.

• El naranja: más que el rojo, posee una fuerza activa, radiante y expansiva. Tiene un carácter acogedor, cálido, estimulante y una cualidad dinámica muy positiva y energética.

• 6. El rojo: significa la vitalidad, es el color de la sangre, de la pasión, de la fuerza bruta y del fuego. Color fundamental, ligado al principio de la vida, expresa la sensualidad, la virilidad, la energía; es exultante y agresivo. El rojo es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo. En general los rojos suelen ser percibidos como osados, sociables, excitantes, potentes y protectores.

• Este color puede significar cólera y agresividad.

• Asimismo se puede relacionar con la guerra, la sangre, la pasión, el amor, el peligro, la fuerza, la energía...

• Estamos hablando de un color cálido, asociado con el sol, el calor, de tal manera que es posible sentirse más acalorado en un ambiente pintado de rojo, aunque objetivamente la temperatura no haya variado.

• 7. El azul: es el símbolo de la profundidad. Inmaterial y frío, suscita una predisposición favorable. La sensación de placidez que provoca el azul es distinta de la calma o reposo terrestres, propios del verde.

• Es un color reservado y entra dentro de los colores fríos. Expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego... y posee la virtud de crear la ilusión óptica de retroceder. Este color se asocia con el cielo, el mar y el aire.

• El azul claro puede sugerir optimismo.

• Cuanto más se clarifica más pierde atracción y se vuelve indiferente y vacío. Cuanto más se oscurece más atrae hacia el infinito.

• 8. El verde: es el color más tranquilo y sedante. Evoca la vegetación, el frescor y la naturaleza. Es el color de la calma indiferente: no transmite alegría, tristeza o pasión. Cuando algo reverdece suscita la esperanza de una vida renovada. El verde que tiende al amarillo, cobra fuerza activa y soleada; si en él predomina el azul resulta más sobrio y sofisticado.

El color es el alma del diseño, está particularmente enraizado en las emociones humanas. A través del tiempo, el color se ha usado en muchas formas.función práctica, el color distingue, identifica y designa en un rango de estatus; función simbólica, puede reflejar, por ejemplo, amor, peligro, paz, verdad, pureza, maldad o muerte; finalmente, Función informativa en señalética es aplicado tanto a señales informativas, como prohibitivas o de advertencia.El color es código, un lenguaje inmediato que tiene la ventaja de superar muchas barreras idiomáticas con sus consiguientes problemas de decodificación (el color rojo, por ejemplo, se considera internacionalmente como el color obligado de las señales de peligro) Los diseñadores usan el color en forma controlada para crear condiciones visuales de unificación, diferenciación, secuencia y carácter. Con el color es posible generar sentimientos, sugiere acciones y crear efectos, logrando con ello la integración total del diseño.La principal misión del color es llamar la atención; o sea, primero atraer al público y después conservar su atención si lo que le trajo tiene significado o interés para el espectador,

Usos del color en el Diseño

La textura es una cualidad de la superficie al igual que el color.La textura, permite crear sensaciones añadiendo riqueza al diseño. La textura es una cualidad diferencial que ayuda a distinguir y reconocer los objetos. Existen dos tipos de textura: Táctil y Visual.Estas Pueden ser de dos clases:•Texturas irregulares: los elementos gráficos que producen la textura, de carácter geométrico o irregular, se distribuyen de forma caótica contribuyendo a plasmar una superficie de interés visual más espontáneo y cercano a las texturas naturales •texturas geométricas: que en el caso de las texturas geométricas, basadas en un sistema de ordenación pautado a través de un orden geométrico repetitivo.Textura en el Diseño: Ocupa un lugar preferencial en el ámbito del diseño de interior son una parte diaria de los entornos que pisamos, vivimos o visitamos. En Diseño industrial la maleabilidad y conjunción de texturas permitirá darle a un objeto determinado diferentes sensaciones y mejorar su rendimiento, facilitando el agarre, la limpieza, la adherencia. En diseño textil la textura es un elemento fundamental tanto la táctil y la visual, el espesor yel tramado del tejido influye en la forma de los pliegues, la caida.. . En Diseño gráfico se trabaja con ambas en los acabados de imprenta, selección de papel, gofrados y barnices. La textura visual se produce con tramados, reticulas, distintos procesos de tratamiento de las imágenes.

TEXTURA

Leyes de la Gestalt Los psicólogos iniciadores de esta corriente, Max Wertheimer (1880-1943), Wolfgang Köhler y Kurt Koffa (1887-1941), desarrollaron el programa de investigación de la Gestalt a principios de la década de 1910. Uno de los principios fundamentales de la corriente Gestalt es la llamada ley de la Prägnanz (Pregnancia), que afirma la tendencia de la experiencia perceptiva a adoptar las formas más simples posibles. Otras leyes enunciadas serían:Ley del Cierre - Nuestra mente añade los

elementos faltantes para completar una figura. Ley del Cierre

LEY DE LA SEMEJANZA: Se tiende a agrupar en un conjunto homogéneo aquellos estímulos que son semejantes entre sí.

LEY DE LA PROXIMIDAD: Ante varios estímulos iguales se tiende a agrupar en un conjunto homogéneo aquellos que se encuentran más próximos entre si.

LEY DEL MOVIMIENTO COMÚN:Ante un conjunto de elementos percibimos como un todo aquellos que se desplazan a la vez, y en la misma dirección, aún no siendo los más próximos entre sí.

La forma: figura y fondo

LEY DEL CONTRASTE: La percepción del tamaño de un elemento resulta influida por la relación que éste guarda con los demás elementos del conjunto.

LEY DE LA UNIFORMIDAD: Se tiende a percibir como un todo los objetos o lineas que mantienen una misma dirección.

LEY DE LA BUENA FORMA (simplicity) (organización) Los elementos son organizados en figuras lo más simétricas, regulares y estables que sea posible.

LEY DE FIGURA Y FONDO es un elemento que existe en un espacio o “campo” destacándose en su interrelación con otros elementos. Fondo: Todo aquello que no es figura, es la parte del campo que contiene elementos interrelacionados que sostienen a la figura que por su contraste tienden a desaparecer.

8-Lenguaje visual. Estructura, composición y aplicaciones: la repetición. Ordenación y

composición modular. Simetría. Dinamismo. Deconstrucción.

LA SECCIÓN AUREA

Su nombre tiene algo de mítico porque suena mucho más de lo que realmente se le conoce. Se le llama también divina proporción, número de oro, regla dorada, etc. Su construcción y uso no es nada complicado, lo que pasa es que es mucho más inmediato hacer una proporción estática, basada en la igualdad, como dividir algo por un número entero, lo mismo que establecer un ritmo de crecimiento a partir de por ejemplo la duplicación: 1, 2, 4, 8, 16... En el mundo de la informática es lo usual, y cuando nos condicionan factores materiales, espaciales, físicos, la cuadrícula es la forma más cómoda de adaptarse a estos condicionantes. Sin embargo en la naturaleza se manifiestan otras organizaciones formales y principios proporcionales mucho más interesantes

como modelo para el trabajo creativo.

La proporción áurea está formulada ya en los Elementos de Euclides (s.-III), en una construcción geométrica denominada División de un segmento en media y extrema razón. La idea es tan simple como perfecta: El todo se divide en dos partes tal que, la razón proporcional entre la parte menor y la mayor, es igual a la existente entre la mayor y el total, es decir, la suma de ambas.

El segmento de partida es AB. Para aplicarle la Sección Áurea se le coloca perpendicularmente en un extremo (B) otro segmento que mida exactamente la mitad. Se define así un triángulo rectángulo con los catetos en proporción 1:2. Pues bien, a la hipotenusa se le resta el cateto menor (arco de la derecha) y la diferencia, que llevamos al segmento AB con otro arco, es la

sección áurea de éste. La parte menor Bfi es a la mayor Afi como ésta es a la suma AB.

Un rectángulo áureo es aquel en que sus lados están en razón áurea. Se puede construir rápidamente a partir de un cuadrado: cogemos el punto medio de la base, tomamos con un compás la distancia hasta uno de los vértices superiores y con un arco llevamos esta medida a la prolongación de la base. El rectángulo ampliado es áureo, como también la ampliación, si suprimimos el cuadrado inicial, tiene esta misma proporción:

CENTROS DE INTERÉS: La sección áurea puede usarse para encontrar los centros de interés de una fotografía, dividiendo cada uno de los lados en partes áureas y marcando los centros de interés en las intersecciones.El hecho de que la división en tercios sea muy utilizada en fotografía y maquetación hace que se encuentren mas ejemplos de composición en tercios que en sección áurea en imágenes contemporáneas.

Lenguaje visual. Estructura, composición y aplicaciones

• Es la forma de ordenar y organizar los elementos morfológicos de la imagen en el espacio estructural que ofrece el formato

• Principios: unidad y claridad• El equilibrio nos permite organizar una composición • El equilibrio en el diseño se puede conseguir de muchas maneras, tratando de

buscar la compensación entre los elementos como si de una balanza se tratara.• Surge entonces el concepto de peso visual, equivalente al peso físico, pero más

subjetivo, ya que está sometido a parámetros perceptivos, socioculturales y emocionales. Aún así, el peso visual es un término que identifica la propiedad de aumentar o disminuir el equilibrio de los elementos porque ejerce una fuerza óptica.

Lenguaje visual. Estructura, composición y aplicaciones

• el peso visual: depende de varios factores: • La distancia del elemento al centro: cuanto más cerca más peso• El tamaño del elemento: en igualdad de condiciones, el elemento mayor tendrá mas peso. • La forma, la textura y el color de los elementos: el efecto texturado aumenta el peso, así como los elementos irregulares y

los colores cálidos. • La ubicación arriba-abajo: un elemento pesará más cuanto más elevado esté.• La ubicación izquierda-derecha: un elemento pesará más a la derecha que a la izquierda. • La relación de espacio respecto al elemento: cuando se encuentra aislado pesa más que rodeado de otros elementos. • La percepción del peso visual puede estar influida también por el estado de ánimo o la emotividad del espectador.

• La percepción del peso visual puede estar influida también por el tema de la imagen.

• Las direcciones visuales: tensiones visuales que crean recorridos de la mirada del lector sobre la imagen y afectan a su equilibrio: pueden ser direcciones visuales representadas: líneas objetos puntiagudos, direcciones visuales inducidas: miradas, direcciones del movimiento de los objetos representados, perspectiva.

• el pesoArriba y de izquierda a derecha: aunque se trate de un esquema excesivamente simplista, los principios del peso

visual se basan en percepciones de peso gravitatorio que se suelen explicar como elementos en una balanza. Así, en igualdad de condiciones (de color, de forma o de textura), un objeto mayor pesa más que uno menor; dos objetos iguales se equilibran y un objeto de un cierto tamaño puede equilibrarse con dos menores. Por otro lado, un objeto menor puede también equilibrarse con uno mayor si éste tiene algún rasgo que le permita ser más ligero (color más claro, textura más suave, etc.). Abajo: un elemento pesa más cuanto más cerca esté del centro (viñeta izquierda) pero menos si está rodeado de otros elementos (viñeta derecha).

INTERRELACIÓN DE LAS FORMAS TRIDIMENSIONALES EN EL ESPACIO. EQUILIBRIOS Y TENSIONES

• La utilización más eficaz de los mecanismos de la percepción visual consiste en identificar claves visuales en un sentido u en otro, en equilibrio o en desequilibrio, fuertes o débiles. Los gestalistas se ocupan de esta necesidad y llaman a esos dos estados visuales opuestos nivelación y aguzamiento.

• Aguzamiento se puede considerar equivalente a contraste y nivelación a armonía. Lo fundamental es tener la conciencia de que estos dos polos de la composición visual son instrumentos fundamentales para construir una formulación visual con claridad. Los pesos de los elementos deben estar compensados. La manera de medir el peso de las formas y líneas del diseño es, analizando la importancia visual de estos dentro de nuestra composición.

• Existen dos tipos de equilibrio: El equilibrio simétrico. El equilibrio asimétrico. Si dividimos la composición en dos extremos, el equilibrio simétrico se produce cuando encontramos igualdad de peso y tono en ambos lados de nuestra composición, y el equilibrio asimétrico se produce cuando no existe las mismas dimensiones (ya sea de tamaño, color...) en ambos lados, pero aún así existe equilibrio entre los elementos.

• La regularidad absoluta puede refinarse y regularse encaminándola hacia un resultado final perfecto dentro de una formulación visual. Nada se deja entonces al azar, a la emoción o a la interpretación subjetiva en cualquiera de los extremos del modelo comunicativo. Es tremendamente previsible. Esto ocurre con el estilo griego, por ejemplo el desarrollado en el diseño y construcción del Parthenon: no sólo se utiliza la fórmula de la sección áurea, sino que también se emplea el más completo equilibrio axial o simétrico. A este estilo lo denominamos clásico y comunica un total equilibrio. Sin embargo, el atractivo de la simetría tiene límites; un toque de asimetría puede hacer que resulte aún más atractivo, añadiendo un toque de individualidad y singularidad. La simetría, en cierta manera, da sensación de orden y alivia la tensión; la asimetría hace lo contrario, crea agitación y tensión, pero puede conseguir que una imagen no sea monótona.

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Tipos de equilibrio: simétrico y asimétricocomposición estática- dinámica

EQUILIBRIO AXIAL O SIMÉTRICO: se genera un equilibrio simétrico cuando se divide una composición en dos partes iguales, dando lugar a la igualdad de color, textura, formas, tamaño y estructura (simetría especular). Ningún elemento sobresale más que otro respecto a su correspondiente simétrico y todo pare- ce en perfecto orden..

• EQUILIBRIO OCULTO, INFORMAL O ASIMÉTRICO, : se produce

cuando a cada lado de la división imaginaria de una composición los elementos no se corresponden en tamaño, color, forma, color o estructura (no existe la simetría especular), pero sí se advierte una impresión de equilibrio entre los elementos. Al haber diferentes pesos visuales a cada lado del eje, el efecto ejerce una mayor impresión de actividad, provoca sensaciones más vitales, más dinámicas, y consigue evitar la monotonía. Cuando en el aparente desorden, los elementos que se distribuyen en la composición se contraponen y se contrarrestan unos a otros tratando de mantener un estado de equilibrio de pesos visuales, direcciones y tensiones, el efecto visual del conjunto aparecerá más rico en matices y más atrayente en su apreciación

Repetición, ordenación y composición modular

MODULACIÓN El diseño modular es una técnica ancestral que se viene utilizando tanto como superficies decorativas en la arquitectura como en variados objetos elaborados por el ser humano (vasijas, tejidos, etc.). La modulación se fundamenta en el uso repetitivo de un elemento estructural, llamado módulo, que alcanza a cubrir una superficie mediante una estructura invisible que organiza el espacio visual, llamada a veces retícula.

Arriba: estas dos superficies de módulos repetidos se apoyan en una estructura apenas perceptible basada en una misma red o malla exagonal. Mientras en la imagen izquierda se aprecia un juego de triángulos en blanco y negro, en la imagen derecha el motivo reproduce hexágonos entrelazados que permiten ver polígonos estrellados y otras formas geométricas en los huecos que dejan entre sí dichas figuras. Los motivos de esta segunda superficie se desarrollan a partir de varias mallas exagonales superpuestas sobre la que aquí vemos.

RETÍCULAS La retícula es una herramienta invisible pero perceptible, sobre la cual se distribuyen los diferentes elementos gráficos, pero también es un método que proporciona una estructura para construir elementos.

Sirve para organizar, configurar y conseguir una mejor visualización o comunicación visual mediante soluciones rápidas, seguras y legibles. Aunque en ocasiones se confunden los términos

La retícula es el sistema que estructura y planifica la distribución de la información en fragmentos manejables para orientar al espectador a encontrar la información apropiada.

Las retículas más comunes se forman a base de columnas, márgenes y espacios horizontales, en campos que puedan acoger cualquiera de los elementos del diseño.

Este es un modelo de plantilla o retícula proporcionada por un programa informático de diseño para la elaboración de un folleto. En esta estructura se adaptan los textos de distinto tamaño, el logotipo y las imágenes en aquellos campos que se han dispuesto para que sirvan de guía en el caso de pretender realizar un diseño de este tipo..

CONTRASTE Y ARMONÍA

El equilibrio informal o asimétrico, Está altamente cargado de fuerza gráfica y dinamismo. Prescinde por completo de la simetría, y el equilibrio se consigue aquí en base a contraponer y contrastar los pesos visuales de los elementos, buscando diferentes densidades tanto formales como de color que consigan armonizar visualmente dentro de una asimetría intencionada.

• Lo que si que debemos tener claro es que para que consigamos una declaración visual válida, hay que decidirse por lo contrastado o por lo armonioso. El área intermedia entre una técnica u otra es confusa y poco clara, y normalmente debemos evitarla por dar lugar a una comunicación tan mala como estéticamente fea

• Dondis en el libro "La sintaxis de la imagen" nos dice, "Cuando las intenciones visuales del diseñador no están nítidamente perfiladas y controladas, el resultado es ambiguo y el efecto creado es insatisfactorio para el público". "... hay que evitar la ambigüedad por ser el efecto visual más indeseable:

• Cuando elegimos el camino de la armonía, en donde tenemos un trabajo visual nivelado, estamos eligiendo unas soluciones más sencillas de establecer en donde tenemos unas reglas visuales que podemos seguir sin problemas para la resolución de la composición visual, también tenemos una parte negativa, que será la previsibilidad de los resultados compositivos, la excesiva armonía genera aburrimiento y no despertaremos la sorpresa del espectador

• El contraste nos permite excitar y atraer la atención del receptor, dramatizar mediante la utilización de diferentes contrastes (de color, textura, tamaño...), da un aspecto más dinámico a nuestro diseño. El contraste es una herramienta esencial para producir y controlar diferentes efectos visuales.

7-La figura de la izquierda esta bien equilibrada los tamaños, proporciones de los cuadrados están compensados. Si comparamos la vertical de a con la de b vemos a b vacilante, en b las proporciones se basan en diferencias tan pequeñas que dejan al ojo inseguro8—en la figura a las líneas no son ni claramente ortogonales ni claramente oblicuas, sus tamaños no difieren. Preferimos la opción b por su mayor claridad

CONTRASTE EN LA COMPOSICIÓN• Contraste: Una obra de arte es una composición de tensiones y resoluciones, de equilibrios y desequilibrios, de

coherencia rítmica en una unidad precaria, pero continua. La vida es un proceso natural compuesto por estas tensiones, estos equilibrios y estos ritmos; eso es lo que sentimos, en la serenidad o en la emoción" (Susanne Langer "Problems of Art").El contraste puede conseguirse a través de múltiples articulaciones:

• Contraste de tono: La utilización de tonos muy contrastados, claridad-oscuridad, establecen el contraste tonal. El mayor peso tonal lo tendría aquél elemento con mayor oscuridad o intensidad tonal, a medida que elimináramos tono al elemento perdería fuerza y dimensión dentro de la composición, por lo cual deberíamos redimensionarlo para que siguiera manteniendo su peso en el conjunto del dibujo.

• Contraste de colores: El tono tiene mayor fuerza que el propio color en el establecimiento del contraste. Dentro de las dimensiones del color (el matiz, el tono y el croma) el tono domina. Después de la cualidad tonal, el contraste de color más interesante es la se establece en cuanto a cálidos-fríos. Como ya vimos en el tema color, las gamas frías verdes-azules tienen un carácter regresivo, mientras que las gamas cálidas rojos-amatillos, tienen un carácter expansivo. Mediante la utilización adecuada de la temperatura de color en diferentes elementos de la composición podremos dar mayor dimensión a un determinado elemento o bien dar la sensación de mayor proximidad. El contraste complementario es el equilibrio relativo entre cálido y frío, el color complementario es el que se sitúa en el lugar exactamente opuesto de la rueda de colores

• .Contraste de contornos: Los contornos irregulares ganan la partida en cuanto a atención a los regulares, reconocibles y previsibles. Una forma abstracta atrae mucho más la atención que una forma geométrica conocida. De la misma forma la creación de texturas o trazos diferentes se intensifican cuando las yuxtaponemos.

• Contraste de escala: El contraste también puede ser conseguido mediante la contraposición de elementos a diferentes escalas de las normales, o la utilización de proporciones irreales. De esta forma estamos negando la experiencia de percepción que puede tener el receptor en cuanto a las escalas de los elementos y por lo tanto creamos una percepción inusual y dramatizamos la percepción del elemento

Técnicas de comunicación visual(Dondis: la sintaxis de la imagen)