María José Argenzio - La Educación de los Hijos de Clovis / 2012 - Rodolfo Kronfle Chambers

Por primera vez María José Argenzio monta una instalación del talante de “La Educación de los Hijos de Clovis” en un espacio de arte privado. Es por ello que NoMíNIMO está orgulloso de haber acogido la obra de esta artista, que se destaca por la ambición de sus producciones, el cuidado detalle de sus piezas y la alta densidad crítica que proponen. En esta exposición Argenzio recrea en fondant nueve columnas corintias, dentro y fuera del espacio de exhibición, en alusión al cuadro del pintor inglés Sir Lawrence Alma-Tadema, para proponer una reflexión sobre las relaciones entre la arquitectu-ra, el poder y las falsas apariencias. Este catálogo resulta entonces dos veces oportuno: es memoria documental de la exposición; y además, es la invitación que la artista extiende al espectador para adentrarse al mundo que ha configurado.

For the first time, María José Argenzio is showing an installation of the magnitude of “The Education of the Children of Clovis” in a private space. This is why at NoMÍNIMO we are proud of having welcomed the works by this artist, who stands out for her ambitious projects, the attention to detail in her pieces and the high critical density they suggest. In this show, Argenzio has used fondant to recreate nine Corinthian columns inside and outside the exhibition space, using a reference to the English painter Sir Lawrence Alma-Tadema in order to invite a reflection on the relation between architecture, power and deceptive appearance. Thus, the catalogue is valuable on two accounts: It is a documented record of the exhibi-tion, and also an invitation for the viewer to enter the world that the artist has shaped.

Pilar Estrada and Eliana HidalgoDirectors

Pilar Estrada y Eliana HidalgoDirectoras

La educación de los hijos de Clovis

“Las alegorías son en el reino de los pensamientoslo que las ruinas en el reino de las cosas”

Walter Benjamin

Todas las referencias a Benjamin provienen de: Benjamin, Walter. “El origen del Trauerspiel alemán” [1928], en Obras. Abada, Madrid, 2006.

Las muestras recientes de María José Argenzio evidencian ambiciosos y cuidados valores de producción. Los exigentes requisitos que conlleva su obra son rara avis dentro de la escena local, y dan cuenta de un obstinado compromiso con sus ideas si tan solo consideramos que la escala de sus propuestas juega totalmente en contra de su viabilidad comercial.

Los cuidados despliegues escenográficos que involucran sus trabajos toman muy en cuenta las características físicas y simbólicas de los espacios intervenidos, al punto de que los rasgos arquitectónicos del entorno y las maneras como estos sugieren una relación con la obra pasan a desempeñar un papel fundamental en la percepción de la misma.

A primera vista la manera en que se emplazan los elementos de su instalación parece jugar con la noción surrealista de “lo maravilloso”, aquella desfamiliarización mental que ocurre cuando se aísla un objeto de su contexto, liberándolo de sus significados habituales para exponerlo a otros nuevos. Es en esta operación donde se configura el discurso alegórico, el cual –como ha identificado Benjamin– se caracteriza por su duplicidad: el objeto se torna inexpresivo y al mismo tiempo se carga de una expresi-vidad desenfrenada.

Cuando se congela el objeto se lo enviste de un potencial para significar y, si el procedi-miento es exitoso, aquel significado siempre va a estar descentrado y renuente a plegar a una comprensión unívoca y plena: puede contener e irradiar un “bricolage” de componen-tes. A esta capacidad evocativa que encierra la alegoría contribuye además el sugerente título, un guiño a una obra clave de uno de los más celebrados pintores de la era victoria-na: “La educación de los hijos de Clovis” de Sir Lawrence Alma-Tadema.

Es evidente que en estas nueve columnas corintias distribuidas dentro y fuera de la galería, extrañamente emplazadas y fuera de sitio, se ha anulado su función de soporte estructural, para enfatizar en cambio la rimbombancia de su forma, su aspecto decorativo y los estereotipos que proyectan como guardianes de un canon –y un orden social– rancio y adocenado. Claves para detectar este tipo de impugnacio-nes que cautivan a la artista los descubrimos ya en un par de video-performances que tocan, en esos casos, temas relativos a la construcción tradicional de género (”7.1ki-los”, 2009-2011 y “Demi Plié”, 2012).

The Education of the Children of Clovis

“Allegories are, in the realm of thoughts, what ruins are in the realm of things”

Walter Benjamin

All Benjamin references are taken from: Benjamin, Walter. “El origen del Trauerspiel alemán” [1928], in Obras. Abada, Madrid, 2006.

The recent works by María José Argenzio show ambitious and careful production values. The demanding requirements involved in these pieces are very unusual in the local scene and account for the artist’s stubborn commitment to her ideas, if we just consider that the scale of her works completely plays against their own marketable potential.

The careful scenographic displays involved in her work take very much into account the physical and symbolic characteristics of the spaces approached, to the extent that the architectural features of the surroundings and the ways in which they suggest a relationship with the work become key role players in the perception of the work itself.

At a first glance, the positioning of the elements of the installation seems to play with the surrealist notion of “the marvellous”, the mental defamiliarization that takes place when the object is isolated from its context, freed from its usual meaning to attain new ones. It is in this operation where the allegoric discourse is configured; a discourse which −as identified by Benjamin, is characterized by doubleness: el objeto se torna inexpresivo y al mismo tiempo se carga de una expresividad desenfrenada (the object is expressionless and yet possesses unbridled expression).

When the object is frozen, it is conferred a signifying potential and, if the procedure is successful, that meaning will always remain decentred and reluctant to submit to one univocal and full understanding: it may contain and irradiate a “bricolage” of components. This evocative potential contained in the allegory is further reinforced by the thought-pro-voking title, a reference to a key work by one of the most celebrated painters of the Victorian period: “The Education of the Children of Clovis”, by Sir Lawrence Alma-Tadema.

It is evident that in these nine Corinthian columns, arranged inside and outside the gallery, strangely positioned and out of place, their structural support function has been eliminated to emphasize instead the pomposity of their shape, their decorative look and the stereotypes they project as guardians of an old fashioned and common canon. Some keys to detect this kind of contestation with which the artist is captivated are already present in two video performances, concerned this time with topics related to the traditional construction of gender (”7.1kilos”, 2009-2011 and “Demi Plié”, 2012).

Aunque su trabajo pueda proyectarse hacia diversos ámbitos, de las obras citadas se desprende que el mismo se gesta a partir de una tensa matriz vivencial, donde se intersecta la experiencia personal de su crianza guayaquileña con la sacudida concreta de retornar a vivir, luego de 14 años de su residencia londinense, en un contexto como el local, que va a su vez redefiniéndose a pasos acelerados.

La atracción que genera la imponente fisicidad de la obra, e inclusive la incomodidad que produce en el espacio al obstaculizar la circulación por la sala, o entorpecer el paso por las puertas, invita a navegar en los mensajes que encierra. Detrás de esta extraña columnata, cuyos elementos se reiteran de manera exagerada y aparentemente inútil, se refuerza el interés de la autora por indagar dónde residen ciertos “pilares” del comportamiento social que nos condicionan como individuos, en distintos grados, según nuestra extracción y nuestras ambiciones.

Para tal efecto Argenzio hurga en el dato cultural que encierran los órdenes clásicos, queriendo destacar el rol simbólico e histórico que representa la arquitectura en la conformación de los estratos sociales, y la manera como esta contribuye a configurar –cuando hay afán de por medio– una imagen de poder.

El trabajo de la artista suele subrayar las cualidades físicas de su propia ejecución, remitiendo al espectador al proceso mismo de un “hacer”. El empleo de técnicas artesa-nales, cuya frágil permanencia amenaza la integridad de sus piezas, se ha convertido también en un recurso que reaparece en su obra, situándonos en un escenario paradójico donde se hace obvia la demanda de una mano de obra intensiva para obtener resultados que, sin cuidados dedicados, serán apenas temporales. El hecho de que haya decidido recubrir las columnas con fondant y pastillaje pastelero (perfectamente comestible y con su delator aroma a almendra), como si fuesen tortas festivas, puede hablar justamente de un mundo artificial y de falsas apariencias, de envejecidas tradiciones cuya continua reproducción a través de generaciones conlleva a su vez el lamentable y desapercibido correlato sobre sus crecientes vacíos de sentido.

Casi siempre sus objetos se encuentran recubiertos por materiales que trastocan su misma naturaleza; recordamos su planta de banano revestida en pan de oro, y sus árboles y frutas forradas de cabuya. El frágil método de repostería que ahora emplea, a manera de maquillaje, vuelve a dar cuenta de su fascinación por el velo. Esta insistencia en las capas es clave en la configuración de sus metáforas, invitándonos a penetrar en ellas a partir de una perspectiva crítica.

Y es entonces que nos confronta con la urgencia derivada de varias interrogantes: ¿es posible recrear en ciertos enclaves de nuestro contexto aquella época de paz, prosperi-dad y refinamiento que vivió Alma-Tadema (de cuya pintura del palacio del Rey Clovis parecen salir estas columnas)? ¿Es compatible esta fantasía con la realidad? ¿Se “educa a los príncipes” que crecen en este protegido entorno?...

Although her work may be projected over multiple areas, the mentioned pieces suggest that her practice is based upon a tense empirical matrix, where the personal experience of her upbringing in Guayaquil is intersected with the shock of returning after 14 years of residence in London, and in a context such as the local, which in turn redefines itself at great speed.

The attractiveness generated by the imposing physicality of the work, and also the inconvenience it creates in the space by hampering the movement around the room, or blocking the passing through the doors, invites us to sail on the messages they hold. Behind this strange colonnade, whose elements are reiterated in an exaggerate and apparently pointless manner, we find the artist’s interest in investigating where certain “pillars” of social behaviour lay, the pillars which condition us as individuals to various degrees depending on our background and ambitions.

To this end, Argenzio digs into the cultural details contained in the classical orders, aiming to highlight the symbolic and historical role played by architecture in the establishment of social classes, and the way in which architecture contributes to create −when there is a will, an image of power.

Argenzio’s work often highlights the physical qualities of its own execution, referring the viewer to the actual process of the "making". The use of craft techniques, whose fragile permanence threatens the integrity of the work, has also become a recurrent resource in her pieces, taking us to a paradoxical scenario where the need for intensive labour becomes apparent, in order to achieve results that would be short lived without delicate care. The fact that she has decided to cover the columns with fondant and cake icing (perfectly edible, with a telling aroma of almonds), as if they were celebration cakes, may precisely speak of an artificial world, full of deceptive appearances, of old traditions whose continued re-enactment through generations carries in turn the pitiful and unnoticed parallel tale of its increasing senselessness.

Her objects are most often covered with materials that alter their actual nature; let us remember her banana tree covered in gold leaf, and her trees and fruit lined with rope. The delicate confectionery method she has used this time, in the manner of make-up, shows again her fascination with veiling. This insistence on layering is a key aspect in the configuration of her metaphors, inviting us to enter them from a critical perspective.

And it is then that she confronts us with the urgency of several questions: Is it possible to recreate in some of our current enclaves that era of peace, prosperity and refinement that Alma-Tadema (from whose painting of King Clovis these columns seem to come out) lived? Is this fantasy compatible with reality? Are the princes growing up in this protected surrounding “being educated”?

Rodolfo Kronfle ChambersSamborondón, noviembre de 2012

Desde su concepción esta instalación, engañosamente robusta, se encuentra condenada a una inminente transitoriedad, a interpretar un rol en un drama trágico: las ruinas en que potencialmente se transforme no dejarán sin embargo de ser pomposas, y probablemente si sucumben –como sucede con toda pátina añeja– sus vestigios aún poseerán cualidades de ornamento, y sus fragmentos un melancólico culto al deterioro. He ahí la alegoría mayor, en aquel sentido de estrategia crítica que defendía Benjamin: las ruinas que proyectemos deberían recordarnos que no solo la arquitectura, sino toda estructura social y cultural, eventualmente claudica y se derrumba.

Esta instalación termina sintiéndose al final como un solemne poema arquitectóni-co, una suerte de maqueta quimérica hipertrofiada que adquiere una presencia escultórica de aire monumental, cuyo magnetismo alegórico asalta el pensamiento: confrontar el emblema de la ruina futura invoca nociones de tradición, de historia y del lugar del individuo en relación a ellas.

“La ruina no es simplemente el residuo que queda cuando la monumentalidad se ha marchitado, y el arruinarse no implica necesariamente una pérdida, sino más bien un desplazamiento en el significado y la monumentalidad de la arquitectura." Esta potente reflexión de Naomi Stead, vigente a lo largo de la historia hasta nuestros días, sirve para recordarnos no solo la finitud inmersa en la monumentalidad de toda “construcción”, sino para advertirnos del dejo moralizante con que inevitablemente hablen sus escombros.

The Value of Ruins: Allegories of Destruction in Benjamin and Speer Naomi Stead, University of Technology Sydney, consultado en http://naomistead.files.wordpress.com/2008/09/stead_value_of_ruins_2003.pdf. La traducción es mía. El texto original fue publicado como ‘The Value of Ruins: Allegories of Destruction in Benjamin and Speer’, Form/Work: An Interdisciplinary Journal of the Built Environment, no. 6, October 2003, pp. 51-64.

La educación de los hijos ClovisNueve columnas hechas de fondant pastelero, 2012

The Education of the Children of ClovisNine columns made of cake fondant, 2012

From its conception, this deceptively robust installation is sentenced to an imminent transiency, to playing a role in a tragic drama: however, the ruins into which it may poten-tially turn will remain pompous and, if they do fall, as it happens with any aged patina, their remains will still preserve their ornamental quality and their fragments will hold a melan-choly worship of deterioration. This is the greatest allegory, in the sense of critical strategy defended by Benjamin: the ruins that we may project should remind us that not only architecture, but any social and cultural structure will eventually give in and fall.

This installation is ultimately felt as a solemn architectural poem, a kind of hypertro-phic chimerical scale model, which acquires a monumental sculptural presence, whose allegorical magnetism assaults our thoughts: confronting the emblem of future ruins summons the notions of tradition and history, and of the position of the individual in relation to them.

“The ruin is not simply the remnant when monumentality has withered away, and ruination does not necessarily entail a loss, but rather a shift in the meaning and monu-mentality of architecture." This potent reflection by Naomi Stead, valid throughout history up to today, serves not only as a reminder of the finiteness contained in the monu-mentality of any “construction”, but also as a warning of the moralising touch that its remains will inevitably convey.

Rodolfo Kronfle ChambersSamborondón, November 2012

“The Education of the Children of Clovis”, 1861Lawrence Alma-Tadema

“La educación de los hijos de Clovis”, 1861Lawrence Alma-Tadema

The Value of Ruins: Allegories of Destruction in Benjamin and Speer Naomi Stead, University of Technology Sydney, accessed at http://naomistead.files.wordpress.com/2008/09/stead_value_of_ruins_2003.pdf. Original text published as ‘The Value of Ruins: Allegories of Destruction in Benjamin and Speer’, Form/Work: An Interdisciplinary Journal of the Built Environment, no. 6, October 2003, pp. 51-64.

El Espacio de Clovis: Territorios Verticales

“La Educación de los Hijos de Clovis” parte de la posibilidad de separar y reconectar signifi-cado a elementos arquitectónicos convencionales −signos de hegemonía−. Las nueve columnas que habitan el interior y el exterior inmediato de la galería, en estilo neoclásico local históricamente relacionado con el colonialismo y las estructuras de poder, resuenan dentro de la tradición arquitectónica así como en el ‘interés espacial’ del siglo veinte. Por un lado, estas se enfrentan a la suposición de que lo histórico tiene un significado inherente y ontológico, y, por otro, constituyen marcas específicas de ubicación como parte de un sistema infinito, susceptible de expansión.

La cuasi precisa y detallada recreación en serie de estos componentes sugiere que su esencia es independiente de su potencial simbólico. Diferente a la imagen de las ruinas o la referencia al modernismo temprano europeo que el nombre sugiere, su existencia es autónoma; es decir, la relación entre configuración y capacidad poética no es contingente o simbiótica. Las columnas no son parte de un sistema estructural y, por tanto, sustentan únicamente su propia presencia. Si bien son objetos antes de ser signos, su iconografía cultural implica intenciones críticas. Esta desarticulación libera a la arquitectura de la continuidad cronológica del progresismo, a través de la repetición formal y el uso de una materialidad alternativa: azúcar impecable destinado a decaer.

Por consiguiente, las posibilidades conceptuales y temporales permanecen en la disposi-ción espacial. Las columnas están dispuestas en una cuadrícula que geométricamente responde a la dirección de la avenida principal que define Samborondón, la zona suburbana más afluente de Guayaquil. Aunque la modulación es arbitraria (2.25×2.25m), la superposi-ción de este sistema sobre la arquitectura de la galería, institución de capitalismo cultural, sugiere que la sustancia de esta instalación es abstracta y, consecuentemente, podría ser materializada ilimitadamente en tanto que los efectos del eje originario sean aplicables. Dentro de este marco, las columnas constituyen momentos específicos de un súper-orden que, recurriendo al historicismo, problematiza la existencia de otro tradicional −saturado de simbolismo metafísico−. De esta manera, la noción de arquitectura es manipulada como un acto espacial y distante.

El encuentro neutral de estos dos sistemas produce espacios intersticiales. Esta estrate-gia, que se caracteriza por ser no-explícita y no-funcional, proporciona al sujeto instan-cias de simulada imperfección y anti-monumentalidad. Las nueve unidades aparecen situadas equívocamente junto a paredes existentes, la circulación se torna confusa y la jerarquía compositiva clásica es eliminada. Esta tensión procura superar connotaciones de coloración individual y subjetividad con el fin de promover un espacio donde la presencia del visitante es requerida como agente de significado. Así, “La Educación de los Hijos de Clovis” no es un proyecto fenomenológico, sino un ejercicio sobre espacio y espacialidad como medios de expresión.

Bollnow, O. F. (2011) Human Space. Originalmente publicado como Mensch und Raum (1963). Londres – Reino Unido: Hyphen Press. 19

Clovis’ Space: Vertical Territories

“The Education of the Children of Clovis” departs from the possibility of detaching and re-attaching meaning to conventional architectural elements −signs of hegemony. The nine neoclassical columns that inhabit the interior and immediate exterior of the gallery, locally related to colonialism and buildings of power, resonate within the architectural tradition as well as within the ‘spatial turn’ of the last century. On the one hand, they confront the assumption that historicism has an embedded, ontological significance; and, on the other, they constitute material marks of location as part of an infinite realm, susceptible to expansion.

The almost precise and serial re-enactment of these elements suggests that their production is independent of their symbolic potential. Different from the image of ruins or the early modernist reference of the title, their actuality exists autonomously; that is to say, the relation between their formal configuration and their poetic capacity is not contingent, or symbiotic. The columns are not part of any functional system and, therefore, only support their own presence. While they are objects before being signs, they also carry a cultural iconography that, in this installation, implies criticality. This dislocation liberates architecture from the paradoxical modern project of chronological progress through the repetition of form and the use of alternative materiality −flawless white sugar destined to decay.

Consequently, their futurity resides in their spatial arrangement. The columns are disposed in a grid that geometrically responds to the direction of the main avenue that crosses Samborondon −the most affluent suburban area of Guayaquil. Although the modulation is arbitrary (2.25×2.25m), the superimposition of this system on the existing architecture of the gallery, a capitalist cultural authority, suggests that the essence of this installation is abstract and, therefore, could be extended endlessly. Under this frame, the columns constitute specific moments of a super-order that, through histori-cal memory, problematizes the existence of a traditional one −full of symbolic metaphy-sics. In this manner, architecture is manipulated as a spatial and distant act.

The collision of these two systems produces spaces in between. This strategy, characteri-sed by non-functionality and un-clarity, provides the subject with experiences of awkward-ness and non-monumentality. The nine columns appear equivocally located next to existing walls; circulation becomes indistinct while classical compositional hierarchy is disregarded. This tension aims to surpass subjectivity and individual colourings in order to promote a space where the presence of the visitor is required in order to activate its meaning. As such, “The Education of the Children of Clovis” is not a phenomenological project, but an exercise on space and spatiality as mediums.

Bollnow, O. F. (2011) Human Space. Translated by Christine Shuttleworth. Originally published as Mensch und Raum (1963). London – UK: Hyphen Press. 19

Durante el proceso de creación, la artista rehusó utilizar métodos de diseño arquitectóni-co que se centran en la representación. El dibujo fue descartado a favor de un proceso de investigación histórica en la que el entorno construido fue concebido como una práctica espacial, diferente al diseño formal o alegórico. El entendimiento del espacio como un flujo de actividades se convierte en la condición esencial que permite el desarrollo de los aspectos temáticos −un complejo conjunto de críticas sociales y culturales solo puede hacerse inteligentemente evidente a través de la generación de una red de capas que permite relaciones topológicas−. Diferente a la verticalidad de las columnas, se propone una estructura horizontal anti-categórica. Esta operación reconsidera la capacidad poética de la arquitectura mientras que proporciona condiciones específicas para sugerir territorios locales de conflicto social y, por extensión, de responsabilidad ética.

De este modo, la interrelación espacial entre el objeto de arte y los límites de la arquitectu-ra existente crean momentos de transición en lugar de proclamar declaraciones metafó-ricas. Los espacios accidentales desdibujan la distinción entre intervención e infraestruc-tura cultural −la artista depende de la galería, siempre y cuando la primera quiera infiltrarse en el ámbito de la segunda−. Si las columnas se multiplicaran en otros lugares, su contenido se afectaría y su potencialidad estaría condicionada por el nuevo contexto.

Christian ParreñoOslo, noviembre de 2012

During the process of creation, the artist refused to follow architectural methods of production that focus on representation. The avoidance of drawing favoured a process of historical and conceptual enquiry in which architecture was conceptualised as a spatial practice, different to formal or allegoric design. The understanding of space as a flow of activities supported the thematic aspects of this intervention −a complex set of social and cultural critiques can only be achieved through the creation of a layered network of components that allows topological relations. Therefore, the aim is not only to reconsider the poetics of architecture but to provide material conditions to suggest local territories of social conflict and, by extension, of ethical responsibility.

Consequently, the spatial interrelation of the art object and the existing boundaries of the gallery create conditions of transition rather than metaphorical statements. If the inters-titial spaces blur the distinction between new intervention and existing reality, then the validating institution is dependent on the artist as long as the latter wants to infiltrate the realm of the former. Similarly, if the columns would be extended to other grounds, their statement would be altered and their potentiality conditioned by context.

Christian ParreñoOslo, November 2012

La variante de la instalación que se exhibió a partir del día 19 de diciembre adapta de manera experimental el concepto de un mashup. Este término, que proviene del mundo de la música, se emplea en resumidas cuentas para referirse a la composición que resulta luego de mezclar dos o más canciones, y abarca múltiples posibilidades de edición, combi-nación, collage o sobreposición para transformar aquellos contenidos originales.

El imponente despliegue espacial del trabajo de María José Argenzio proveía una inusual oportunidad para ser estética y simbólicamente repotenciado. Para tal tarea pedí la colaboración de Roberto Noboa, planteándole un reto único que pusiera en valor su poco explotada dote de instalador.

Pero más allá de tensar los límites de sus aptitudes, lo que determinó su participación fue la doble sintonía que detecté entre su trabajo y la obra a ser intervenida: por un lado el extrañamiento que surge en sus pinturas derivado de representaciones que reconfiguran la “normalidad” del espacio, y por otro, porque comparte ciertos sentidos medulares que se expresan en sus interiores, en los cuales casi siempre se desdibujan las lógicas arquitectó-nicas y se incorpora cierta opulencia ornamental que decanta una “conciencia de clase”.

El resultado final arroja una “plusvalía” en goce puro, creando un pequeño bosque encan-tado donde se engrosa, mediante el deleite visual del repertorio simbólico de Noboa, la alegoría que brota del trabajo original de Argenzio.

MASHUPROBERTO NOBOA MARÍA JOSÉ ARGENZIO

Rodolfo “Sir Mix-a-Lot” KronfleMixologist

The variant of the installation on show from 19th December has experimentally adapted the concept of a mashup. This term has its origins in music and refers to a composition which results from mixing two or more songs, encompassing multiple possibilities of editing, combination, collage and overlapping, in order to transform the original contents.

The imposing spatial deployment of María José Argenzio’s work provided an unusual opportunity for both aesthetic and symbolic re-enhancement. For such task, I requested Roberto Noboa’s collaboration, offering him a unique challenge to put his underexploited talent as an installation artist at work.

But, beyond stretching his skills to the limit, what determined his participation was the dual connection that I detected between his work and the installation to be intervened: on the one hand, the estrangement created by his paintings in which the “normality” of space is permanently reconfigured, and on the other hand, the fact that he shares certain funda-mental meanings expressed in his representations of room interiors, where architectural logics are almost always blurred and a kind of ornamental opulence is added, hinting at a “class consciousness”.

The final outcome yields its “surplus” in the form of pure joy, creating a little enchanted forest, where Noboa’s symbolic visual repertoire enhances the allegory emanating from the original work by Argenzio.

MASHUPROBERTO NOBOA MARÍA JOSÉ ARGENZIO

Rodolfo “Sir Mix-a-Lot” KronfleMixologist

Con el auspicio de:

Ing. José YunezLcdo. Carlos BorborIng. Lorena TagleIng. José NicolaMaría Verónica VelascoEc. Anna VásquezEricka Sylva CharvetMarco Tulio RestrepoTansha del Pilar GarcésMaría de los Angeles Duarte Dr. Jorge AndradeDr. Francisco IcazaFernando NaranjoLuis SilvaAzucena Mora

José María LeónJaime Andrés Ortega José Elias WatedVicente TorresJohn DunnAngel AstudilloLupe AlvarezIsabel BarahonaFlorencio CompteRocio CórdovaPamela VelasteguíRoberto NoboaAnthony ArroboRicardo CoelloOscar Santillán

Familia Repetto VallejoFamilia Duarte PesantesFamilia Espinoza RepettoNarcisa LópezChay VelascoMichael VeraKevin ZuritaVenancio BayasAna ArgenzioEmilio AlvarezGabriela CabreraIna MackliffLili MuniveSaskya Fun-sangLupe Alvarez

Producción / Production: María José ArgenzioCuraduría / Curator: Rodolfo Kronfle ChambersConcepto Museográfico / Museographic Concept: Christian ParreñoDiseño Gráfico / Graphic Design: Nuñez del Arco / studioTraducción / Translator: María TeijidoFotografía / Photography:Juan Pablo Merchán (pág. portada, 2, 8, 9, 23, 31, contraportada)Ricardo Bohórquez (pág. 4, 5, 12, 13, 16, 17, 22, 24, 25, 26, 27, 28, 29)Rodolfo Kronfle Chambers (pág. 14)

Agradecimientos de María José / Thank you from María José:A todos los auspiciantes de la muestraA todo el equipo que conformó “La educación de los hijos de Clovis”NoMíNIMO espacio culturalPlaza Lagos Town CenterA mi familiaY de manera particular a:

La educación de los hijos de Clovis

© María José Argenzio. Todos los derechos reservados. Este catálogo está protegido por derecho intelectual y registro de marca. Queda prohibida su reproducción total y parcial sin autorización escrita del autor.

30·11·12 - 24·12·12