c1-Tema 09 Art Abstracte 1

TEORÍA E HISTORIA DEL ARTE Iprimeras vanguardias

Profesora: Maia Creus

TEMA IXCAMINOS A LO ABSOLUTO

LA OBRA DE ARTE COMO UTOPIA

KANDINSKY – PAUL KLEE Y LA BAUHAUS

CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914INTRODUCCIÓN

– Alrededor de 1910-1912 varios artistas comenzaron a experimentar con las posibilidades de un arte no representativo.

– Una acuarela de Kandinsky fechada en 1910 ha sido considerada como el ejemplo más temprano del arte abstracto moderno.

– Aunque no se puede comprobar el año del nacimiento del arte abstracto, es justo destacar que tan sólo tres autores, • Kandinsky, Mondrian y Malevich quisieron acercarse

conscientemente a las formas abstractas como un meta superior para su arte.

– Kandinsky fue quien primero teorizó entorno a un arte no figurativo (es decir, que no obtuviera sus formas de la imitación de la naturaleza) en su obra: “De lo espiritual en el arte”, publicada en 1912.

Kandinsky, Primera acuarela abstracta, 1910

CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914INTRODUCCIÓN

– Para Kandinsky, como para Mondrian y Malevich, la abstracción en el lenguaje del arte era una un futuro a alcanzar.

– La conquista de este futuro seria la demostración de que una nueva era espiritual había sido alcanzada por el hombre.

– El arte abstracto no apareció a causa de las nuevas técnicas y teorías científicas, pero indiscutiblemente, • ellas prepararon a la generación de 1910 a imaginarse

mundos en los que las formas y proporciones no correspondían ya a las de siempre.

– Entre la comunidad científica y en les medios intelectuales de principios del S. XX se impuso la idea de una Naturaleza Inmensa con la cual la existencia del ser humano está profundamente relacionado

CAMINOS HACIA LA ABSTRACCIÓN 1910-1914

– La cuestión que plantea la ciencia moderna es una nueva relación entre macrocosmos-microcosmos, es decir, nuestra relación con el universo a través de la inmensidad

– Para Kandinsky, como para Mondrian o Malevich, la abstracción era una un futuro a alcanzar

– El futuro del arte abstracto sugiere una nueva relación del hombre con el universo inmenso e infinito

– La conquista de este futuro seria la demostración de que una nueva era espiritual havia sido alcanzada por el hombre.

– El arte abstracto no apareció a causa de las nuevas técnicas y teorías científicas, pero indiscutiblemente, ellas prepararon a la generación de 1910 a imaginarse mundos en los que las formas y proporciones no correspondían ya a las de siempre.


– Alrededor del año 1905, Einstein aspiraba a romper la barrera entre la luz y la materia y lo consiguió en cinco ocasiones, 1905, 1906, 1907, 1915 y 1925.

– ¿Qué buscaba Einstein en esta zona fronteriza de la realidad?

– La respuesta es simple: buscaba la gran unidad de fondo entre las diversas fuerzas de la naturaleza.

– Einstein enseñó a descubrir la profunda racionalidad de la naturaleza.

– La racionalidad del universo se convierte en una nueva forma de espiritualidad, una pasión casi mística.

– En el Universo todo esta profundamente relacionado. La vida del ser humano esta precedida por millones de años de evolución y expansión de la materia a gran velocidad


– Cada célula viva tiene una dimensión cósmica– La visión cósmica transforma en positiva la noción de infinito – Lo infinito no ya no es la nada, sino la última e invisible

realidad del la materia – La física moderna nos a enseñado que hay más realidades

de las que podemos ver y conocer– En 1915 Einstein formula la teoría de la relatividad general,

según la cual, la gravitación no es una fuerza, sino una curvatura del espacio-tiempo.

– Con esta propuesta audazmente abstracta, consigue demostrar, contra la teoría de Newton, que la luz y la materia se hallan sometidas por igual a la ley de gravitación.

– Con lo cual Einstein demostró la simetría entre luz y materia (en su intuición general de la unidad profunda de la naturaleza).


– De los escritos de Einstein se desprende una manera de concebir el mundo que hoy, impregna el trabajo y los sueños de los que se dedican a pensar la física.

– Hay dos grandes conceptos relacionados con la realidad: lo bello y lo inteligible. Y la clave entre ambos está en el concepto común de simetría.

– La simetría como criterio estético y fuente de conocimiento es uno de los elementos que comparten los iniciadores del arte abstracto.

– La pugna de Einstein por romper las barreras y buscar la profunda unidad del Universo modificaron nuestra concepción del mundo.

– Esta pasión fronteriza por iluminar la materia y materializar la luz impresionó y guió a muchos de los artistas, pensadores y poetas de las primeras décadas del siglo XX.


Luz y materia en el arte– La luz había sido uno de los temas principales de la

pintura des del Impresionismo, que intentó reproducir sus efectos sobre la materia, utilizando pequeñas pinceladas de color.

– Este “puntillismo” hace que el objeto representado en realidad, se dematerialice en un espectro coloreado.

– La pintura alrededor de los años 1910, transmite sobretodo un efecto visual y no táctil, y ello se comprende si se considera el mundo abierto a nuestro ojos por el microscopio y el telescopio.

– Mientras la teoría de la relatividad de Einstein sostenía que la masa de un cuerpo dependía de su movimiento en relación con el observador, muchos artistas, incluso sin conocimientos científicos, opinaban que el reino de la materia iba a su fin.

Monet Matisse Balla

Impresionismo i Fauvismo liberaron el color y la forma de la copia real y con ello, se inicia el proceso moderno de desmaterialización de la obra de arte


Luz y materia en el arte– Kandinsky afirmaba: “Empieza la gran época de lo

espiritual, la revelación del espíritu”. – El desarrollo científico y técnico fue considerado en el

mundo artístico en el sentido de esta “espiritualización”.– Ciencias y espiritualización se unieron también a las

Ciencias Ocultas, con muchos seguidores en las círculos artísticos.

– La teoría más influyente fue la teosofía, de la que Kandinsky, Mondrian y Malevich se declararon partidarios.

– Los futuristas unían claramente la época futura del espíritu con la tecnología moderna, de la que admiraban menos las máquinas que la energía que se movilizaba.


• Luz y materia en el arte– La palabra “energía”, en el lenguaje de los artistas de

entonces, tiene casi el mismo significado que “espíritu”.– Por lo general, se percibía lo espiritual en el arte allí

donde se prescindía de la imitación.– Y la superación de la imitación fue iniciada por el

cubismo y el futurismo.• El collage y la fragmentación cubista

– Un estímulo principal para las futuras evoluciones en el arte abstracto fue la pintura cubista de Picasso.

– La fragmentación extrema de la forma del objeto y del espació llevada a cabo por el cubismo, marcó una ruptura fundamental con los modos de expresión pictórica existentes.

Picasso. Cubismo Severini. Futurismo


Luz y materia en el arte– Como si le crecieran ojos por todas partes, se le pide al

espectador que acepte al mismo tiempo lo cercano y lo lejano, lo pasado y lo futuro, lo interno y lo externo.

– Los futuristas llamaron a esta forma de experiencia “Simultaneidad”.

– En ambos casos (Cubismo y Futurismo) el objeto se descompone en fragmentos para recomponerlo de nuevo en módulos nuevos y dinámicos.

– Así, la forma se descomponía convirtiéndose en una parte del espacio.

– Esta forma de representar el movimiento “universal”, llevó al Futurismo a pensar el espacio del cuadro como un “campo de fuerzas”, donde las cosas existen solo por un instante, para disolverse en la energia cósmica.

Umberto Boccioni, El arte futurista descompone la forma para integrarla al espacioSegún las nuevas visiones del universo, las cosas existen sólo por un instante para disolverse en la energía cósmica: DINAMISMO UNIVERSAL

El color liberado– Junto a la forma, la luz había sido uno de los temas

principales de la pintura.– Las teorías científicas del S. XIX y XX sobre el color,

resultaron la fuente de inspiración proporcionando un marco gracias al cual los artistas pudieron investigar al color, liberado de la exigencias del naturalismo.

– Si el Impresionismo habían aplicado las teorías del color a fines naturalistas, varios artistas del S. XX utilizaron la misma teoría para abordar la abstracción.

– Surge así la “teoria orfista de la pintura” de Robert Delaunay (1885-1941) y su esposa Sonia Delaunay (1885-1979).

– Para Delaunay la luz “es la única realidad”.– Los contrastes de colores representan, en su

simultaneidad, la fuerza dinámica del universo.


Robert Delaunay, Ventanas, 1912

Robert Delaunay, Mujer del paraguas, 1912

Robert Delaunay, Círculos, 1912


Analogías musicales– Otro camino para espiritualizar el arte, se fundamentaba en la

búsqueda de analogías entre música y pintura– Muchos abstractos pioneros, fueron atraídos hacia la música.

Kandinsky, Delaunay, Paul Klee, establecieron los vínculos entre música y pintura.

– Las posibilidades teóricas de una correlación entre color y sonido se remonta a la antigüedad, y desde entonces, ha sido un tema de complejos debates y experimentos.

– En el s. XX el color se convirtió en un problema principal en el avance hacía la abstracción.

– Se inició la búsqueda, entre otras cosas, de las leyes basadas en la transparencia del color, lo que puede compararse con los tonos musicales.

– Una de las principales inquietudes fue descubrir qué podía dar la música al arte.


Analogías musicales– Esta idea la desarrolló a fondo, el critico de Munich

Wilhelm Worringer en su libro “Abstracción y empatia” (1908).

– Worringer afirmó que la música era un modelo para el “arte autónomo” que se desarrolla al margen de la imitación de la naturaleza.

– Tales puntos de vista fueron desarrollados por Kandinsky y Paul Klee entre 1912-1930.

– Klee se inspiró en la polifonía del S. XVIII (Mozart) y su organización arquitectónica de múltiples temas y melodías independientes.

– La sensación de construir una composición, de añadir o quitar colores o tonos hasta que la pintura era armónica, sustentó toda la carrera de Klee.


Vasili Kandinsky (1866-1944)– Kandinsky se inspiró en el texto “La teoría del color”

(1810) del pensador y escritor alemán Goethe, quien defendía los “efectos” emocionales y espirituales del color.

– Kandinsky se inspiró en el enfoque intuitivo de Goethe para escribir acerca del color en el libro “De lo espiritual en el arte” (1912).

– Para Kandinsky el color, igual que las notas musicales, “es un medio para ejercer una influencia directa en el alma” y “tiene un efecto físico y psíquico en el espectador”.

– El arte de Kandinsky entre 1911 y 1920 estuvo centrado en esta investigación, entorno al color liberado de su relación con el mundo natural.


Analogías musicales– Kandinsky tomó su inspiración del cromatismo

romántico de Wagner.– La música de Wagner le provocó la experiencia

sinestésica de ver colores y líneas simultáneamente con la música.

– Kandinsky comprendió que la pintura podía desarrollar exactamente los poderes de la música.

– En 1911, Kandinsky experimentó otro gran punto musical en su carrera como artista, al oír la música atonal de Schönberg.

– La vida independiente de las voces individuales en las composiciones de Schönberg, es lo que trataba de encontrar Kandinsky para sus pinturas.

– El descubrimiento de la música atonal, llevó a Kandinsky a buscar la vida independiente de cada color dentro de una composición.

Kandinsky decidió convertirse en pintor en 1896, cuando tenía treinta años y lo hizo por la convicción moral de que se podía alterar y reformar el mundo a través del arte.

Como todos los primeros pintores abstractos, se rebeló contra el materialismo de buena parte de la sociedad y del pensamiento de su época.

A pesar de que no era un místico, creyó en el misticismo y su divisa artística era: “hablar de lo oculto por medio de lo oculto”, de ahí que se convirtiera en un simbolista por exceléncia.

Kandinsky,Cuadro con el arco negro, 1912

Kandinsky consideraba que el negro era un color negativo, sin energía, cuando se combinaba con colores brillantes.

“El negro posee un sonido interior de nada, despojado de posibilidades”

El blanco, en cambio, lo considerba lleno de silencio. El blanco afecta a nuestra psique como un gran silencio, lo que para nosotros es absoluto”.


• Analogías musicales – Kandinsky comparaba cada color con el sonido de un

instrumento (amarillo para la trompeta, bermellón para la tuba, etc.).

– De esta forma, los diferentes tonos de colores, como los de la música, pueden despertar vibraciones y emociones mucho más sutiles que lo que se puede describir con palabras.

– Las analogías musicales señalaron el camino a Kandinsky para abandonar la representación y evolucionar hacía una abstracción total.

– La teoría musical y emotiva sobre el color, llevó a Kandinsky a elaborar y publicar la primera teoría justificando la abstracción.


Analogías musicales – En los textos de 1912: “De lo espiritual en el arte” y

“Sobre la cuestión de la forma”, Kandinsky estableció una oposición entre elementos interiores y exteriores en la obra de arte, argumentando que “la forma exterior” es lo menos importante.

– Lo importante en el arte, es el contenido que surge de la “necesidad interior” y es la verdadera justificación de la forma.

– Pero para crear composiciones abstractas, el artista ha de desarrollar no sólo sus ojos sino también su alma.

– Así, la forma abstracta es igualmente capaz de comunicar.


• Analogías musicales – Solo entonces, el artista estará en condiciones de dar

a los colores la fuerza de la expresión.– Kandinsky da a los colores una profundidad espiritual,

con lo cual y de esta forma, el espacio pictórico se transforma radicalmente.

– Entre 1911-1914, Kandinsky agrupó sus obras en Impresiones, Improvisaciones y Composiciones.

– Pero fueron las Composiciones donde más investigó la liberación de la forma respecto de su modelo natural.

– Kandinsky no pretendía relacionar su pintura con un tema particular, sino con un mundo trascendente, una esfera de orden espiritual superior.

Kandinsky, Composición V, 1911. El cuadro tiene una iconografía encubierta relacionada con el juicio final: ángeles haciendo sonar la trompeta, la ciudadela, los muertos resucitando y la barca de remos


• En Composición V, Kandinsky ha logrado alcanzar el espacio cósmico, infinito, que estaba buscando.

• La orquestación percusiva, musical, de los colores y de las líneas crean un sentimiento de expectación.

• Aunque el diluvio se cierne sobre nosotros, más allá de él, yace la promesa de un mundo nuevo.

• La actitud de Kandinsky ante el color estaba guiada por una creencia romántica y espiritual más que psicológica.

• A partir de 1912 Kandinsky camina hacia la conquista del que será su propio territorio pictórico.

• Sus cuadros prescinden de la representación. Apenas unos rasgos aluden de vez en cuando a figuras y objetos.

Kandinsky, En el gris, 1919

Aunque los trazos negros y las formas filamentosas recuerdan todavía el lenguaje de los cuadros del período del Der Blaue Reiter, Munich,

El caos cromáticoempieza a organizarse: dos manchas rojas y otra negra en el centro de la tela anuncian la preferencia por las tensiones diagonales.

Kandinsky,Óvalo rojo, 1920

El trapecio amarillo es de origen suprematista. El vocabulario formal es el mismo que en la época de Munich; lo que ha cambiado es la organización de esas formas sobre la tela.

UNA PINTURA SIN OBJETO

• En 1914, tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, volvió a Moscú, donde recibe la influencia de Malévich.

• En 1921, acepta una cátedra en la recién fundada Escuela Bauhaus en la ciudad alemana de Weimar, después trasladada a la ciudad de Dessau.

• Sin abandonar “la necesidad interior” ni “la intuición”, Kandinsky declaraba que la “Gran Síntesis”, que siempre había anhelado, finalmente había sido alcanzada.

• En 1922 afirmaba: “La era de la gran espiritualidad está comenzando”.

• A través de sus investigaciones, tenia la esperanza de demostrar la aplicación de las leyes universales en el arte.

• Y que el arte abstracto era tan capaz de conmover e interesar al espectador como el arte representativo.


• Un buen ejemplo de esta nueva conquista estética es Composición VIII de 1923, considerada por Kandinsky uno de sus más grandes logros.

• En Rusia, Kandinsky había aprendido como lograr que una superficie blanca y plana fuera considerada –o al menos simbolizara – el espacio infinito.

• Su estancia en Rusia había alterado su arte, llevándolo al empleo de la geometría y las formas geométricas que antes condenaba.

Kandinsky, Composición VIII, 1923. El círculo aparece en esta época como símbolo de perfección y por sus connotaciones cósmicas. El repertorio formal queda sintetizado al máximo.


• La claridad de la geometría habla por si misma, al igual que el empleo dinámico de los contrastes y del contrapunto pictórico.

• El círculo aparece en este momento como uno de los motivos centrales. Kandinsky le daba un significado cósmico.

• El círculo, pictóricamente era “una variable precisa, pero inagotable” y “la síntesis de las mayores oposiciones”.

• La influencia rusa en el interior de la Bauhaus fue importante y Kandinsky fue uno de los impulsores de lo que se conocía como “la casa internacional del arte” y también com “La Gran Utopia”.

• Las nuevas teorías de Kandinsky quedan recogidas en el libro: “Punto y línea sobre el plano”, publicado en 1926.


• Este nuevo libro definía sus opiniones acerca de la composición.

• Kandinsky escribió sobre la línea en términos de “temperatura”.

• La línea vertical es “cálida”; la horizontal es “fría”; mientras que la diagonal tiende hacia una u otra según su posición.

• Lo mismo afirmaba de los ángulos y de los formatos. Un formato horizontal corresponde a “frio”, uno vertical a “cálido”.

• Donde el ojo es guiado hacia arriba por los elementos de la composición, el efecto es “libre” y “ligero”.

• Donde el ojo es guiado hacia abajo el efecto es “pesado” y “denso”.

• El movimiento de un elemento hacia la izquierda es “aventurero” y “liberado”, mientras que uno hacia la izquierda es “familiar” y “tranquilizador”.


• Al combinar la teoría del color con la forma, Kandinsky aspiraba a demostrar que formas particulares corresponden a colores particulares.

• El círculo, el triangulo y el cuadrado se apareaban con los tres colores primarios, azul, amarillo y rojo.

• El propósito último de Kandinsky fue crear armonías y disonancias visuales mediante el color y las forma.

• Kandinsky había percibido desde el principio el potencial del arte puramente abstracto a través de la “musicalización” de la pintura, aunque recalcaba que no deseaba pintar cuadros musicales.

Kandinsky,Trama negra, 1922

El trapecio dividido en pequeñas celdillas –que posteriormente se llenaran de color– es el foco al que tienden las demás formas, ya disciplinadas por la geometría y dispuestas en planos sobrepuestos.

Kandinsky,Sin título, 1922

Diálogo de formas en perfecta sintonía


• Kandinsky pronto se dio cuenta que los logros de la pintura podrían superar los de la música.

• Seguía creyendo que los colores, y ahora las formas y líneas, podían evocar sonidos.

• Sin embargo veía el círculo como una forma muda.• Uno de los cambios más profundos de su arte posterior a

1914, reside en que ya no atribuye al color un papel preponderante dentro de la pintura.

• Reconoce y exalta la valoración del silencio en la pintura.• Kandinsky declaraba que el espectador debía apreciar su

gradual capacidad de oír un sonido en medio del silencio.


• “Sucede que, a veces, el silencio habla más fuerte que el ruido, que la mudez adquiere una abrupta elocuencia”.

• “Mi secreto es pura y simplemente que, a través de los años, he adquirido la feliz habilidad de deshacerme del “ruido de fondo”.

Kandinsky,Sobre el blanco, 1923

En la década de 1920 reconoció la importancia del silencio en el arte

Kandinsky,Composición, 1923

Kandinsky, Tensión calma, 1924

Un complejo juego compositivo se resuelve con la superposición de dos círculos, uno más pequeño y otro mayor, dispuestos sobre el eje diagonal.

La fuerte tensión direccional, reforzada expresivamente con una flecha, se compensa con el equilibrio de la secuencia cromática azul celeste- rojo, que también puede leerse en términos de temperatura. Los dos círculos serían, entonces, un vértice frío y otro cálido.

La claridad compositiva de estas obras responde a la evolución propia de Kandinsky, pero también a la docencia que ejercía en estos momentos.

Kandinsky, Amarillo, rojo, azul, 1925

Kandinsky, En el azul, 1925

Kandinsky,Estrechamente rodeado, 1926

La relación inevitable entre color y forma nos lleva a observar los efectos que tiene la forma sobre el color.

La forma misma, aun cuando es completamente abstracta y se parece a una forma geométrica, posee su sonido interno, es un “ente espiritual” con propiedades idénticas a la forma.

Kandinsky, Duro y blando, 1927

El rigor constructivo recuerda las obras constructivistas.

Las tramas lineales y reticuladas dan lugar a una teoría de círculos y triángulos que provocan interacciones de color.

La cualidad “blanda” o admosférica del fondo contrasta con la dureza geométrica de la estructura.

Kandinsky,Emociones, 1928

Kandinsky,Aisladamente, 1930

En el arte, la teoría nunca va por delante y arrastra tras de si a la práctica, sino que sucede lo contrario.

En el arte todo es cuestión de intuición.

Aunque la construcción general puede lograse por la vía de la teoría pura, el elemento que constituye la verdadera esencia de la creación nunca se crea ni se encuentra a través de la teoría; es la intuición quien da vida a la creación.


• En 1933, durante la clausura definitiva de la Bauhaus y el agravamiento de la situación del arte alemán bajo el nazismo, Kandinsky se trasladó por última vez a Paris.

• En París se vio a si mismo como artista internacional y sin patria.

• En 1937 declaraba: “Al lado del mundo “real”, el arte propone un nuevo mundo que, en su apariencia, nada tiene que ver con la realidad. Sin embargo, internamente, esta sujeto a las leyes generales del mundo cósmico”.

• Así, al lado del mundo de la naturaleza, se ubica el nuevo mundo del arte.

• La síntesis que siempre había sido su meta, ahora la alcanza de otro modo: línea y color encuentran una equivalencia exacta en su pintura.

Kandinsky, Violeta dominante, 1934

Todo el que no capta el sonido interno de la forma (especialmente de la abstracta) considerará siempre arbitrario tal tipo de composición.

El movimiento aparentemente arbitrario de las formas sobre la superficie del cuadro, puede parecer un juego gratuito.

Pero también aquí rige el criterio y el principio que en todos los terrenos es lo único artístico y lo único esencial; el principio de la necesidad interior.


• El cierre de la Bauhaus por Hitler en 1933 y el establecimiento del estilo realista en la Unión Soviética en 1934, demostraron que el nazismo y el comunismo no estaban preparados para tolerar el arte “avanzado”.

• Ambos regimenes impusieron el realismo académico y propagandista.

• El arte que no se ajustaba a estas normas fue declarado y destruido, como “Arte degenerado”.

• En París, Kandinsky centrará su investigación en la mirada biológica y microscópica de la naturaleza.

• Esta mirada científica del mundo provocará un cambio en su estilo.

• Sus cuadros sorprenden por la aparición de formas biológicas, orgánicas y microscópicas.

Kandinsky, Relaciones, 1934Las pequeñas figuras orgánicas, dinámicas y vivamente coloreadas, evocan la imagen de células vivas. Kandinsky mira la naturaleza casi científicamente.

Kandinsky,Nudo rojo, 1936

Al artista no le bastan hoy las formas puramente abstractas, que resultan demasiado imprecisas.

Limitarse a un material excesivamente impreciso, significa renunciar a otras posibilidades, excluir lo puramente humano y empobrecer sus medios expresivos.

Kandinsky,Dos etc…, 1937

Por otro lado, no existe en el arte la forma totalmente material.

No es posible reproducir exactamente una forma material: quiera que no, el artista depende de sus ojos, de su mano, que en este caso, son más artísticas que su alma porque trabajan con la intuición.

Kandinsky,Circuito, 1939

El espectador esta demasiado acostumbrado a buscar la coherencia externa de las diversas partes del cuadro.

El período materialista ha producido en la vida y, por lo tanto también en el arte, un espectador incapaz de enfrentase simplemente al cuadro, en el que busca todo: (imitación de la naturaleza, temperamento del artista, ambiente, anatomía, perspectiva, etc.), todo menos la vida interior del cuadro y su efecto sobre la sensibilidad.

Kandinsky,Balanceo, 1942

Todavía estamos estrechamente ligados a la naturaleza externa y tomamos de ella nuestras formas. Toda la cuestión está en cómo debemos hacerlo.

Es decir, hasta donde puede ir nuestra libertad en la transformación de estas formas y con que colores pueden combinarse.

La libertad puede ir hasta donde alcance la imaginación del artista. Desde este punto de vista se comprende cuán necesario es el cultivo y el cuidado de esta intuición.

Kandinsky, Curva dominante, 1936La escalera simbólica integra las formas regulares y orgánicas. Superado el rigor compositivo de la época de la Bauhaus, infringe sus normas con la conciencia de dominar ya el nuevo lenguaje de la abstracción.

Kandinsky, Composición X, 1939Para Kandinsky, la abstracción suponía, ante todo, la definición de un universo artístico autónomo, independiente de la naturaleza, pero tan real y concreto como ella.

Kandinsky, Unanimidad, 1939Uno de los rasgos característicos de Kandinsky es la búsqueda de una armonía y equilibrio compositivo sin caer en la simetría ni la repetición.

Kandinsky, Azul celeste, 1940

Kandinsky es no sólo una de las figuras fundadoras del arte moderno del S. XX, sino también uno de sus mayores enigmas.

En la ultima fase de su vida, su arte se vuelve remoto. Nuestra mirada se ve atraída por esos cuadros, pero al mismo tiempo están lejos, fuera de nuestro alcance.

Paul Klee(Berna 1879 – Locarno 1940)

PAUL KLEE

• Analogías musicales– Aunque Klee comenzó con dudas acerca del paralelismo

entre música y pintura, en 1917 reconoció que “la pintura polifónica es superior a la música en que aquí, el elemento tiempo se convierte en elemento espacial.

– La idea de simultaneidad se destaca mas suntuosamente

– Del lenguaje musical Klee tomó la organización arquitectónica de múltiples temas y melodías independientes (Mozart).

– La búsqueda central en el arte de Klee fue organizar formas y colores independientes, en una totalidad armónica.

– Para Klee, el avance a ideas y técnicas nuevas resultó de la visita a Túnez.

Paul Klee, Salida de la luna, 1915

PAUL KLEE

• 1914, El viaje a Túnez– En Túnez, Klee “tomó posesión del color” y finalmente

fue capaz de liberarlo de las connotaciones naturalistas.

– Klee consiguió convertir las impresiones de la naturaleza en equivalentes de colores análogos.

– A partir de este momento, además de la línea, el color se volvió vitalmente significativo en la obra de Klee.

– Si bien el arte se iba a apartar de la mimesis y de la representación tradicional, Klee sentía la necesidad de preservar su estructura.

– De ahí su interés por la música de Bach o Mozart, un lenguaje formalmente muy estructurado que emite sensación de orden y equilibrio.

Paul Klee, Vista de Kairuan, 1914En sus acuarelas de Túnez, Klee empleó colores transparentes que se superponen unos sobre otros. Paisajes y arquitecturas surgían gracias a una red de figuras geométricas. La armonía del color y el orden formal crean la unidad entre cielo y tierra creando un nuevo espacio pictórico

PAUL KLEE

• 1914, El viaje a Túnez– Klee buscaba para sus composiciones abstractas, la

fusión de sentimiento, vitalidad y orden formal. Estructura y armonía.

– Así como en la música, los sonidos se desarrollan como entidades verdaderas (sujetos) que se entrelazan, van y vienen, también en la pintura, los colores han de desarrollarse con esta libertad.

Paul Klee, Casas rojas y amarillas en Túnez, 1914Después de someter la realidad objetiva a un orden armónico de forma y color, Klee estuvo en condiciones de abordar el arte abstracto.

Paul Klee, Composición cósmica, 1919

Klee reclamaba la autonomía de las formas y colores.

Pero esto no impide que estas formas y colores sean objeto de un infinito número de interpretaciones, de acuerdo con la capacidad de asociación que toda mente humana posee.

Paul Klee, Con el águila, 1918Uno de los objetivos de Klee era conseguir la unidad arquitectónica del espacio pictórico a través de sutiles gradaciones de color y con un vocabulario formal reconocible.

ARTE ABSTRACTO CON RECUERDOS

– El estilo de Klee recuerda el crecimiento de formas orgánicas.

– En sus escritos, Klee se refiere a la naturaleza asociativa de la percepción: “es interesante señalar lo real que permanece el objeto a pesar de todas las abstracciones”.

– “Es posible que un cuadro se aparte mucho de la Naturaleza y no obstante encuentre su camino de regreso a la realidad”.

– “La facultad de la memoria, la experiencia a distancia produce asociaciones pictóricas”.

– A la pregunta por el concepto de abstracción, Klee respondía: “Ser pintor abstracto se basa en la puesta en libertad de relaciones pictóricamente puras”.

– Klee entendía la abstracción como una exigencia que se plantea el artista al realizar el cuadro.

ARTE ABSTRACTO Y SU PEDAGOGÍA

• 1919 La Bauhaus de Weimar, Alemania– El arquitecto Walter Gropius funda la Escuela de Artes

Aplicadas y Arquitectura.– Proporcionó un excelente terreno de formación para las

artes aplicadas.– Bajo la guía de artistas como Vasili Kandinsky, Paul

Klee, Josef Albers, Moholy-Nagy, etc, la Bauhaus se convirtió en un vital centro internacional para la investigación de los principios de la composición basada en un tratamiento abstracto de la forma.

– Paul Klee llega a la escuela en 1920 y Kandinsky en 1922. Ambos compartían una actitud intuitiva, subjetiva y expresionista del arte.

– En la época de la Bauhaus, Klee desarrolla un estilo abstracto muy personal.

ARTE ABSTRACTO CON RECUERDOS

• 1919 La Bauhaus de Weimar, Alemania– Durante su época en la Bauhaus, Klee publicó el libro

“Experimentos exactos en el campo del arte”, 1927, extremadamente importante como estudio metódico de composición abstracta.

– Klee estudia la línea en términos teóricos. Analiza sus atributos, su carácter temporal: “cuanto más larga es una línea mas elemento de tiempo contiene”.

– Las pinturas de Klee a partir de 1929, aspiraron a ser análogas a la música polifónica por medio de crear una “armonía de varias voces de color que podía penetra en la esfera cósmica”.

– Klee investiga la dimensión formal de los colores. Y sus composiciones se guían por conceptos como dinámica o equilibrio de masas, dirección o movimiento.

Paul Klee, Jardín de rosas, 1920

Klee ha inventado una nueva manera de composición basada en la unión de unos signos figurativos que obligan al espectador a desarrollar una mirada de movimiento continuado, viva, que orienta la sensibilidad y la mente.

Paul Klee, Villa R, 1919

En el estilo de Klee, las formas y colores llegan a la plena autonomía sin perder el contacto con la realidad.

Paul Klee, Lugar afectado, 1922

Los signos figurativos de Klee son constelaciones de signos que configuran una dinámica precisa, un ritmo y una arquitectura armónicos y concretos.

Las formas de Klee surgen del alejamiento de la naturaleza y su vuelta de nuevo a ella desde un nuevo orden.

Paul Klee, Teatro de guiñol, 1931

Los signos plásticos de Klee realzan su capacidad imaginativa y demuestran que en su pintura, todo se relaciona a vivencias pasadas, presentes o venideras creando una realidad sensible, una biografía plástica de sus estados psíquicos, mentales y emocionales.

Paul Klee, Borrado de la lista, 1933

Paul Klee, Marcado, 1935

Los tonos, en las obras de Klee, se suceden en cadencias guiadas por su “necesidad interna”.

Paul Klee, Leyenda del Nilo, 1937

La imaginación de Klee se alimenta del intercambio entre formas percibidas y formas imaginadas, creando un vocabulario conceptual que evoca los antiguos ideogramas.

Esta obra, realizada en el exilio, se puede leer como un clara afirmación a la vida.

Paul Klee, Ínsula dulcarama, (isla agridulce) 1938 (176 x 88 cm), Obra autobiográfica que sugiere disonancia. Puntos y líneas negros de claros contornos destruyen la apariencia de idilio de las gradaciones azules del fondo. El rostro blanco del centro, con las oscuras cuencas de los ojos, es una alusión a la muerte.

Paul Klee, Revolución en el viaducto, 1937

Esta obra es considerada un cuadro histórico. Es la aportación de Klee a la lucha contra el arte fascista. El cuadro se refiere a la situación política de Alemania.

Paul Klee, Alegría desbordante, 1939. Una obra irónica que evoca la soledad del exiliado Klee, sin abandonar su característico estilo de signos y construcciones.

Paul Klee, Arrebatado de miedo, 1939

Paul Klee, Músico, 1937

Amargura, temor y tristeza caracterizan muchos trabajos de los años 1938-1940.

Paul Klee, Timbalero, 1940

Paul Klee,Ángel de la muerte, 1940

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