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Allegro HD – Destacados de Programación – Diciembre 2016

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Destacados de Programación – Diciembre 2016



Destacados de Programación Diciembre 2016

ÓPERA – Nabucco: ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – Estreno 3 de diciembre – Pág. 3

CONCIERTO – Orquesta del Real Concertgebouw de Amsterdam: El Concierto

Prinsengracht – Estreno 4 de diciembre – Pág. 5

CONCIERTO – Navidad en Viena – 9 de diciembre – Pág. 7 ÓPERA – Anna Bolena: ópera en dos actos de Gaetano Donizetti – Estreno 10 de

diciembre – Pág. 9

CONCIERTO – Hollywood en Viena 2015: tributo a John Newton Howard – Estreno 11 de diciembre – Pág. 11

ÓPERA – Aida: ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – Estreno 17 de


CONCIERTO – Notte Italiana: El Concierto Odeonsplatz – Estreno 18 de diciembre – Pág. 15

CONCIERTO – Cecilia Bartoli: Sacrificium. El arte de los castrati – Estreno 23 de


CONCIERTO – Stabat Mater de Gioachino Rossini – Estreno 24 de diciembre – Pág. 19

CONCIERTO – Festival de Grafenneg: Gala de una noche de verano – Estreno 24

de diciembre – Pág. 21

CONCIERTO – Bartabas en Salzburg – Estreno 25 de diciembre – Pág. 23

CONCIERTO – Gala de Año Nuevo: Renée Fleming, Christopher Maltman & Christian Thielemann – 29 de diciembre – Pág. 25

CONCIERTO – Concierto de la Plaza Roja: Anna Netrebko y Dmitri Hvorostovsky

– Estreno 30 de diciembre – Pág. 27

ÓPERA – Turandot: ópera en tres actos de Giacomo Puccini – 31 de diciembre – Pág. 29

DOCUMENTAL – Roberto Alagna: Mi vida es una ópera – 31 de diciembre – Pág.

31

CONCIERTO – Tres estrellas en Viena: Anna Netrebko, Rolando Villazón y Plácido Domingo – Estreno 31 de diciembre – Pág. 33



Uno de las títulos operísticos más fascinantes de la historia, en una extraordinaria

producción del Arena de Verona.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Leo Nucci, Fabio Sartori, Carlo Colombara, Maria Guleghina, Nino Surguladze, Carlo Striuli, Carlo Bosi, Anna Patrizia Cigna; Coro de la Arena de Verona; Denis Krief [dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación].

Director: Daniel Oren.

Orquesta: Orquesta del Arena de Verona.

Año: 2007.

Lugar: Arena de Verona.

Duración: 132 minutos.

Nabucco es una ópera en cuatro actos, con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) sobre libreto en italiano de Temistocle Solera, basada en el Antiguo Testamento y la obra Nabuchodonosor, de Francis Cornue y Anicète Bourgeois. Tuvo su estreno el 9 de marzo

de 1842 en La Scala de Milano. El compositor alemán Otto Nikolai –autor de Las alegres

comadres de Windsor– había cosechado prometedores éxitos en la Scala. Entre los libretos que se le habían ofrecido para ulteriores composiciones se encontraba también el proyecto de Solera para Nabucco. Pero Nikolai no se mostró interesado. Merelli, el empresario de

la Scala –quien bien merecería el título de profeta verdiano– insistió al joven compositor italiano para que pusiera en música dicho argumento. Mostró con ello una confianza fuera de lo común, pues Verdi había triunfado con Oberto pero también había fracasado totalmente con Un giorno di regno. Además, le había afectado profundamente la muerte

Ópera: Nabucco Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 3 de diciembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



de su joven esposa y de sus dos hijos, de manera que atravesaba una profunda crisis anímica. Merelli impuso formalmente el libreto al compositor; cuando éste lo arrojó sobre la mesa al regresar a su casa se abrió solo y Verdi leyó la frase Va pensiero sull'ali dórate… En el mismo instante se le ocurrió la melodía para estos bellos versos. Y escribió la ópera en un arrebato creativo sin pausa. La melodía del coro, que surgió en primer lugar, se convirtió en la canción de súplica y combate de todos los patriotas italianos que se identificaban con el pueblo hebreo en su hora más difícil y se esforzaban por liberarse de la dominación extranjera. La misma melodía sonó en el entierro del maestro, casi sesenta años más tarde, y para entonces ya se había convertido en un himno nacional, que todo niño italiano hasta el día de hoy sabe de memoria.

El drama se traslada a la Jerusalén y Babilonia del 587 a.C. La Biblia constituye el fundamento de este drama. La esclavitud de los israelitas en Babilonia y su liberación ha sido representada con frecuencia en el arte occidental. Temistocle Solera fue un escritor de talento; Verdi lo llamó para que colaborara en una serie de óperas junto a él: Oberto, Nabucco, I lombardi, Giovanna d'Arco y Attila. Por supuesto, su arte dramático respondía a la ópera que dominaba en la época, pero hay en Nabucco una serie de escenas que revelan un genio dramático poco común. Nabucco fue el primer éxito decisivo de Verdi. Sus melodías, armonías y ritmos se vinculan todavía nítidamente a Donizetti, son simples en estructura, pero de un efecto dramático innegablemente fuerte. Cada nota parece tener una auténtica sangre teatral que entusiasma de manera irresistible. La pieza maestra de la partitura es probablemente el coro Va pensiero [Vuela, pensamiento, en alas doradas], una melodía pausada, nostálgica y llena del más profundo sentimiento, en que violentos arrebatos alternan de manera espléndida con atribulados susurros.

El éxito de la ópera perdura hasta hoy día. Aunque no se representa tanto como otras óperas de Verdi, aún se encuentra entre las más representadas del repertorio operístico mundial, apareciendo en las estadísticas de Operabase como la n.º 17 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 10.ª en Italia y la cuarta de Verdi, con 183 representaciones.

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Ópera: Nabucco Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 3 de diciembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Nabucco ha pasado a la historia, a pesar de ser una de las primeras de Giuseppe Verdi, como una ópera valorada entre las mejores de su producción y del género operístico. Les invitamos a disfrutar de esta obra maestra desde la legendaria Arena de Verona, en las voces de Leo Nucci, Fabio Sartori, Carlo Colombara, Maria Guleghina, Nino Surguladze, Carlo Striuli, Carlo Bosi y Anna Patrizia Cigna. Dirige al Coro y Orquesta del Arena de Verona, Daniel Oren.

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Celebre con nosotros los 125 años de una de las mejores orquestas del mundo, en un

enclave único y fascinante.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto, música contemporánea.

Intérpretes: Joseph Calleja.

Director: Antonio Pappano.

Orquesta: Orquesta del Real Concertgebouw Amsterdam.

Año: 2013.

Lugar: Canal Prinsengracht, Amsterdam.


La Orquesta Real del Concertgebouw de Amsterdam] es la orquesta sinfónica más conocida y respetada de Holanda, además de considerada como una de las más punteras

en todo el mundo. Debe su nombre al Concertgebouw –sala de conciertos en holandés– de la bella ciudad de Amsterdam, donde tiene residencia desde sus inicios. El Concertgebouw se inauguró un 11 de abril de 1888, aunque la orquesta no se fundó el 3 de noviembre del mismo año, con un concierto bajo la dirección del director titular en sus primeros siete años, Willem Kes. En 1895, Willem Mengelberg se convirtió en el titular, permaneciendo en el puesto durante cincuenta años. Generalmente se le atribuye el haber otorgado a la orquesta un nivel de reconocimiento internacional, con un particular apoyo a la música

Concierto: Orquesta del Real Concertgebouw de Amsterdam El Concierto Prinsengracht Estreno 4 de diciembre 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



de compositores contemporáneos como Gustav Mahler y Richard Strauss. En 1945, debido a la controversia por su relación con las fuerzas ocupantes nazis, fue despedido y se le prohibió dirigir inicialmente por el resto de su vida. Entre 1945 y 1959 el director principal de la orquesta fue Eduard van Beinum, quien debutó con el conjunto en 1929. Se convirtió en codirector titular en 1938. Bernard Haitink, cuyo debut tuvo lugar el 7 de noviembre de 1956, compartió junto a Eugen Jochum el rol de director principal después de la muerte de Van Beinum. Se convirtió en el único titular entre 1963 y 1988. El número de grabaciones discográficas aumentó considerablemente bajo su dirección. En 1999 fue nombrado Director Laureado de la orquesta.

Riccardo Chailly hizo su debut en 1985 y sirvió como titular desde 1988 hasta 2004, siendo el primer no holandés en el puesto. Después de su partida en 2004, Chailly fue nombrado Director Emérito. En 2004 fue sucedido por el director letón Mariss Jansons, que no renovó su mandato al final de la temporada 14/15, pero que realizó una inmensa labor al frente del conjunto. Tras un año sin director titular, el italiano Daniele Gatti asumió la titularidad al inicio de la temporada 2016/17. La orquesta gozó de una relación muy cercana con Gustav Mahler y difundió muchas de sus sinfonías a través del histórico Festival Mahler en 1920. Otros directores que han trabajado estrechamente con la orquesta son Pierre Monteux, George Szell o Nikolaus Harnoncourt, que fue nombrado Director Invitado Honorario en 2000. Caso único entre las orquestas de semejante calibre, la orquesta del Concertgebouw solo ha tenido seis directores titulares, lo que ha generado el carácter distintivo de la orquesta. Se la ha descrito con cuerdas aterciopeladas, el sonido dorado de sus metales y el excepcional timbre de las maderas, algunas veces descritas como típicamente holandesas; ganándose un puesto en el pequeño y selecto grupo de las mejores orquestas del mundo. Las cerca de mil grabaciones que la orquesta ha realizado también han contribuido a su reputación.

En el presente concierto interpretan obras de Giuseppe Verdi [Obertura de La forza del destino y La donna é mobile], Giacomo Puccini [E lucevan le stelle, Intermezzo del acto III de Manon Lescaut y Nessun dorma], Jules Massenet [Pourquoi me réveiller], Agustín Lara [Granada], Piotr Ilich Tchaikovsky [Obertura 1812] y Pieter Goemans [Aan de Amsterdamse Grachten].

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Concierto: Orquesta del Real Concertgebouw de Amsterdam El Concierto Prinsengracht Estreno 4 de diciembre 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Orquesta del Real Concertgebouw de Amsterdam se ha ganado un lugar de privilegio entre las orquestas del mundo, siendo considerada unánimemente como una de las mejores del panorama internacional desde hace varias décadas. Disfruten de la celebración de su 125.º aniversario de la mano del tenor Joseph Calleja y la batuta de Antonio Pappano, en un recital desde un lugar legendario en Amsterdam: el canal de Prinsengracht.

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Celebren la Navidad con el habitual concierto que desde Viena se emite cada año, todo un

despliegue de melodías celebrativas en versión de formaciones austriacas.

Género: concierto, música clásica, sinfónico-coral.

Intérpretes: Ursula Langmayr, Angelika Kirchschlager, Joel Prieto, Luca Pisaroni, Wiener Singakademie, Wiener Sängerknaben.

Director: Erwin Ortner.

Orquesta: ORF Orquesta Sinfónica de la Radio Austriaca.

Año: 2013.

Lugar: Gran Sala del Wiener Konzerthaus.


Viena es una de las capitales mundiales de la música. Sin duda alguna, la relación directa con algunos de los compositores más importantes de la historia, encabezada por Mozart, además de su continua programación temporada tras temporada, repleta de calidad y una variedad abrumadora de eventos, la hacen situarse casi como la capital europea de la música. Probablemente el concierto más célebre que se puede encontrar en el mundo desde hace décadas es el llamado Concierto de Año Nuevo, ese que cada día 1 de enero la Orquesta Filarmónica de Viena presenta desde la Musikverein para conmemorar la llegada de un nuevo año y que presenta frente a ella a algunos de los mejores directores del mundo. Sin embargo, Viena también celebra cada año la Navidad con un concierto extraordinario que desde varios años se viene celebrando en diversas localizaciones de la capital austriaca.

Concierto: Navidad en Viena 9 de diciembre 18:30 Argentina/Uruguay | 16:30 Colombia/Ecuador



Surgida en 1993, esta gala navideña, que se tituló entonces Navidad en Viena, ha venido presentando a algunos de los mejores artistas líricos de cada momento unidos para celebrar a lo grande esas fechas tan señaladas en el calendario. La Orquesta Sinfónica de Viena se encargaba en un comienzo de dar sustento orquestal a las piezas, desde el comienzo un conglomerado de célebres obras de corte navideño, de procedencia temporal y geográfica diversa. Han pasado más de veinte años desde aquella primera gala y en el transcurso de esas dos décadas han sido muchos los cantantes de primer nivel que han celebrados con las formaciones austriacas la Navidad para todo el mundo. Ya por aquel entonces la gala se registraba en disco compacto para ser vendida de manera internacional e incluso se emitía en directo y en diferido en formato audiovisual. Con la llegada del DVD la gala se ha ido refinando y perfeccionando en los aspectos técnicos, para crear productos que sean comercializables de manera exitosa. Así llegamos a la gala navideño de 2013, que presenta un cuarteto vocal protagonizado por cantantes de perfil, si bien no superlativo, sí notables artistas internacionales: la soprano austriaca Ursula Langmayr, la mezzosorpano también austriaca Angelika Kirchschlager, el tenor español Joel Prieto, y el barítono venezolano Luca Pisaroni. Se acompañan del Wiener Singakademie (coro profesional adulto) y Wiener Sängerknaben (los célebres Niños cantores de Viena), para crear un concierto con un estándar de calidad muy alto. La agrupación instrumental encargada de la interpretación es en esta ocasión la Orquesta Sinfónica de la Radio Austriaca, bajo la dirección de Erwin Ortner.

El repertorio interpretado, como es habitual, se compone de una fantástica amalgama de piezas de corte sacro, navideño y también con una notable carga de obras

celebrativas de procedencia popular, que deja espacio tanto para el lucimiento vocal –tanto de los solistas como del coro–, como para el despliegue de los mejores efectivos instrumentales. Se abre con el célebre Adestes fideles en versión de John Francis Wade (1711-1786), y le siguen piezas de compositores como Engelbert Humperdinck (1854-1921),

Alfonso Maria de’Liguri (1696-1787), el célebre villancico Joy to the World –arreglo de una

pieza de Georg Friedrich Händel–, Ariel Ramirez (1921-2010), Ernesto Lecuona (1895–1963), Adolphe Adam (1803-1856), Anton Reidinger, Georges Bizet (1838-1875), Frank Loesser (1910-1969), Sammy Canh (1913-1993), John Lennon (1940-1980). El recital concluye con dos célebres piezas: el Hallelujah del Mesías de Georg Friedrich Händel (1685-1759) y el villancico Stille nacht (Noche de paz).

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Concierto: Navidad en Viena 9 de diciembre 18:30 Argentina/Uruguay | 16:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Allegro HD quiere celebrar la Navidad con ustedes, y lo hace con una programación especial que encabeza el presente concierto, habitual celebración anual desde Viena que presenta a varias formaciones austriacas interpretando piezas navideñas intemporales, acompañados para la ocasión de un cuarteto vocal de probada calidad: Ursula Langmayr, Angelika Kirchschlager, Joel Prieto y Luca Pisaroni.

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Una de las óperas menos conocidas del operista italiano, pero de gran calidad, que le

ofrecemos en las voces de un trío protagonista de auténtico lujo.


Intérpretes: Anna Netrebko, Elīna Garanča, Ildebrando d’Arcangelo, Francesco Meli, Elisabeth Kulman, Peter Jelosits, Dan Paul Dumitrescu; Coro de la Ópera Estatal de Viena; Eric Génovèse [dirección de escena], Jacques Gabel y Claire Sternberg [escenografía], Luisa Spinatelli [vestuario], Bertrand Couderc [iluminación].

Director: Evelino Pidò.

Orquesta: Orquesta de la Ópera Estatal de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Ópera Estatal, Viena.


Anna Bolena es una tragedia lírica en dos actos con música de Gaetano Donizetti (1797-1848) y libreto en italiano de Felice Romani, basada en Enrico VIII ossia Anna Bolena, de Ippolito Pindemonte, y Anna Bolena, de Alessandro Pepoli, ambas sobre la vida de la segunda esposa del rey Enrique VIII de Inglaterra. Fue estrenada en el Teatro Carcano de Milano, el 26 de diciembre de 1830. El dúo Sul suo capo aggravi un Dio entre Anna [soprano] y Giovanna Seymour [mezzosoprano] está considerado uno de los mejores de todo el repertorio operístico. Esta ópera forma parte de una serie de óperas de Donizetti que tratan del período Tudor en la historia inglesa, que incluye Roberto Devereux, Maria Stuarda e Il castello di Kenilworth. Los principales papeles femeninos de las óperas Anna

Ópera: Anna Bolena Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti Estreno 10 de diciembre 18:30 Argentina/Uruguay | 16:30 Colombia/Ecuador



Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux son a menudo conocidos como las Tres Reinas de Donizetti.

La ópera fue escasamente representada entre la segunda mitad del siglo XIX y principios del siglo XX, cayendo después en el olvido. Anna Bolena no se representó con frecuencia hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Su retorno al escenario marcó un gran triunfo para Maria Callas junto a la mezzosoprano Giulietta Simionato en abril de 1957, en La Scala. A partir de Callas la obra siguió representándose. Otras intérpretes que destacaron en el papel de Anna han sido Leyla Gencer, Montserrat Caballé, Renata Scotto, Edita Gruberová, Mariella Devia y Anna Netrebko. Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 221 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 64.ª en Italia y la undécima de Donizetti, con 12 representaciones en el período. Hacia finales de la década de los años veinte del siglo XIX, Donizetti, imbuido por el nuevo estilo romántico, empieza a introducir una serie de elementos distintos en sus obras, que lo acercan a los postulados del nuevo movimiento. Evolución que también en estos momentos está llevando a cabo su rival Vicenzo Bellini de modo independiente. Ejemplo de este periodo de transición pueden ser las obras Albor di Granata [1826], Gemma di Vergy [1827], Elisabetta al castello di Kenilworth [1829] o Anna Bolena. En todas estas óperas se pueden observar nuevos elementos relacionados con el sentimentalismo romántico, con los temas históricos o con las nuevas formas en lo estrictamente musical; no obstante aún se pueden observar algunos elementos relacionados directamente con la ópera bufa y con el bel canto que, influidos por Rossini, sigue arrastrando en su producción. La ópera pertenece a una etapa en donde los elementos románticos priman sobremanera. Donizetti, cada vez más alejado de la ópera bufa, se adentra en un tema de

ambientación medieval muy al gusto de ese movimiento. Junto a este tema medieval –en este momento la definición de los períodos históricos era aún confusa– el desarrollo de

unos amores reales –a los que la censura italiana es transigente ya que se trata de un rey

cismático– ahondan en la idea romántica junto con los sentimientos que se acercan a la locura de la protagonista y una ambientación escénica muy próxima a lo gótico.

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Ópera: Anna Bolena Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti Estreno 10 de diciembre 18:30 Argentina/Uruguay | 16:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Como todos los operistas, Gaetano Donizetti tiene algunas óperas que no son tan conocidas en su producción. Anna Bolena es una de ellas, por eso redescubrirla siempre es un placer, especialmente cuando viene servida en las voces protagonistas de Anna Netrebko, Elīna Garanča e Ildebrando d’Arcangelo, a las que se unen Francesco Meli, Elisabeth Kulman, Peter Jelosits y Dan Paul Dumitrescu. Les acompañan la Orquesta y Coro de la Ópera Estatal de Viena, bajo la dirección de Evelino Pidò.

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De nuevo Viena se convierte en Hollywood por un día con lo mejor de las bandas sonoras

más maravillosas y el homenaje a este gran autor estadounidense.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, bandas sonoras.

Intérpretes: Daniela Fally, Louise Dearman, Edita Malovčić, Velile Mchunu, Brian McKnight, Insingizi & Friends, Emilio Haumer, Emmanuel Tjeknavorian, Ina Petkova-Apostolova, František Jánoška; Neue Wiener Stimmen, Children’s Choir Superar.

Director: Keith Lockhart.

Orquesta: Orquesta Sinfónica ORF de Viena.

Año: 2015.

Lugar: Wiener Konzerthaus.


James Newton Howard (1951) ha destacado por una carrera dedicada con pasión a la composición de bandas sonoras para más de sesenta filmes hollywoodienses. A través de su prolífica carrera como compositor, músico y escritor de canciones, ha compuesto partituras de todas las escalas y géneros, consiguiendo múltiples nominaciones por ellas. Howard se formó en la Music Academy of the West en Santa Bárbara, para luego estudiar interpretación pianística en la Universidad del sur de California. Posteriormente Howard dejó la universidad para colaborar con Elton John como teclista durante los años 70 e inicios de 80, antes de convertirse en compositor de bandas sonoras a mediados de los años 80. Ya en la década de los 90 Howard había compuesto partituras de notable calidad, como Pretty Woman o El príncipe de las mareas. Impuso el estilo musical de muchas películas de aquella década y gracias a sus habilidades pudo manejar una diversidad de géneros musicales diferentes. Ha compuesto varias de las partituras para películas de M.

Concierto: Hollywood en Viena 2015 Tributo a John Newton Howard Estreno 11 de diciembre 21:20 Argentina/Uruguay | 19:20 Colombia/Ecuador



Night Shyamalan como El sexto sentido, El protegido, Señales, El bosque, El Incidente y La joven del agua. Además ha compuesto la música del Western Wyatt Earp, Las dos caras de la verdad y la película Waterworld de Kevin Costner. También escribió la música para tres películas de la factoría Disney: El planeta del tesoro, Atlantis: el imperio perdido y Dinosaurio. Para el año 2005 al lado del alemán Hans Zimmer compuso la música para la película Batman Begins, una colaboración que ambos ansiaban y que repitieron en 2008 con El caballero oscuro.

Su estilo musical es elaborado y difícil de catalogar. Se dice que Newton Howard es un músico de bandas sonoras a caballo entre el sinfonismo de compositores como Williams o Goldsmith y músicos más experimentales como Zimmer, Badelt o Powell. Es muy hábil en las partituras de acción, a las que es capaz de incorporar con acierto grandes secciones de percusión y sintetizadores. También puede tornar sus obras más oscuras e incidentales, adoptando un estilo más serialista o incluso minimalista. Su obra más conocida de los últimos años es sin duda es The Hanging Tree, en colaboración con Jennifer Lawrence, escrita por Suzanne Collins y compuesta para la película Los juegos del hambre: Sinsajo - parte 1. Su orquestación tiende a ser luminosa, más alejada de otros estilos como puedan ser los de Howard Shore o John Barry. Es frecuente la presencia que tienen en su obra los clarinetes, flautas y maderas en general. De hecho, todo su poder melódico suele apoyarse en esta familia de instrumentos. También es común que intercale grandes progresiones sinfónicas, de sonido grandilocuente y ritmos marciales a base de percusiones y metales.

Aquí se interpretan fragmentos de algunas de sus mejores obras: The Last Airbender, Wyatt Earp, King Kong, Peter Pan, Lady in the Water, Dinosaur, Hidalgo, Atlantis, Signs, The Village, Pretty Woman, The Prince of Tides, Maleficient, Blood Diamond, Batman Begins, The Dark Knight, The Hunger Games: Mockingjay Part 1, One Fine Day. Además, se completa la velada con obras de autores como Marc Shaiman, Vic Mizzy, John Debne, Alan Silvestri, Jerry Goldsmith, Danny Elfman, Tom Tykwer, Reinhold Heil, Johnny Klimek, Alexandre Desplat, Hans Zimmer y James Horner.

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Concierto: Hollywood en Viena 2015 Tributo a John Newton Howard Estreno 11 de diciembre 21:20 Argentina/Uruguay | 19:20 Colombia/Ecuador

Sinopsis: John Newton Howard es otro de esos autores que han pasado a formar parte del imaginario de varias generaciones de espectadores gracias a sus trabajos para decenas de filmes. Rindan tributo con nosotros a toda una carrera de la mano de la Orquesta Sinfónica ORF de Viena y los solistas Daniela Fally, Louise Dearman, Edita Malovčić, Velile Mchunu, Brian McKnight, Insingizi & Friends, Emilio Haumer, Emmanuel Tjeknavorian, Ina Petkova-Apostolova, František Jánoška; Neue Wiener Stimmen y Children’s Choir Superar, todos bajo la dirección de Keith Lockhart.

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Quizá la más célebre ópera verdiana, en una excepcional producción del Festival de

Bregenz que no le permitirá pestañear.


Intérpretes: Kevin Short, Iano Tamar, Tatiana Serjan, Rubens Pelizzari, Tigran Martirossian, Iain Paterson, Ronald Samm, Elisabetta Martorana; The Katowice City Singers’ Ensemble – Camerata Silesia, Coro de la Radio de Polonia, Coro del Festival de Bregenz; Graham Vick [dirección de escena], Paul Brown [escenografía y vestuario], Wolfgang Göbbel [iluminación], Ron Howell [coreografía].

Director: Carlo Rizzi.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de Viena.

Año: 2009.

Lugar: Festspielhaus, Bregenz.


Aida es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Antonio Ghislanzoni, basado en la versión francesa de Camille du Locle de la historia del egiptólogo francés Auguste Mariette. Tuvo su estreno en el Teatro de Ópera del Jedive en El Cairo, el 24 de diciembre de 1871, dirigida por Giovanni Bottesini. Siempre se ha admitido que Mariette inventó y escribió la historia durante sus trabajos arqueológicos sobre la época de los faraones y que, partiendo de ella, du Locle creó el libreto. Aun así, hay un hecho llamativo: en un libreto de Pietro Metastasio, poeta de la corte de Viena y autor del texto de varios centenares de óperas barrocas, hay ya una historia parecida, el amor de un general egipcio, que tiene el favor de la hija del faraón,

Ópera: Aida Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 17 de diciembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



por una esclava extranjera. El libreto se titula Nitetti y ha sido puesto en música varias veces. De todos modos, en la época de Mariette estaba totalmente olvidado. ¿Es posible que Metastasio y Mariette se basaran en la misma antigua fuente egipcia? Verdi, después de las numerosas experiencias desagradables que había sufrido con Don Carlo en París y con otras óperas sobre todo en Italia, se hizo de rogar mucho antes de mostrarse dispuesto a componer una nueva ópera. Y ocurrió solo cuando tuvo delante la sinopsis de du Locle, pues vio en ella todo lo que podía esperar de un libreto interesante. Entonces confió al eficaz Ghislanzoni el libreto, interviniendo más que nunca en el ámbito dramático y literario. Aída es una de las obras maestras de la ópera. La ópera italiana, la ópera romántica y la mal llamada gran ópera encuentran aquí uno de sus puntos culminantes, aunque es también posible ver en Aida un verdadero drama musical. El desarrollo de la ópera es totalmente consecuente y está sometido a ciertos presupuestos: la tendencia general de la época se dirige hacia la ópera integral, a la ópera que ya no se divide en números, que además se hace más profunda desde el punto de vista dramático y psicológico, y en la que el texto adquiere una nueva significación, llega a una relación nueva con la música; la técnica del leitmotiv se presenta también en Aida, haciéndolo sonar todas las veces que se habla de la unión íntima de Aida y Radames, o incluso cuando solo se piensa en ella, es la consecuencia de su desarrollo natural. En este drama Verdi alcanza una diferenciación de la instrumentación que hasta entonces era infrecuente en la ópera italiana. Se encontraba en ese momento, a los sesenta años, en la cumbre de su inspiración y de su capacidad.

Verdi no viajó a El Cairo para el estreno, pues los viajes por mar estaban muy lejos del ánimo del autor. Por medio de un telegrama se enteró aquella misma noche del extraordinario triunfo de su obra. Despertó gran júbilo la marcha triunfal, para la cual el director de orquesta Giovanni Bottesini había llevado unidades del ejército egipcio, que también tocaron las trompetas de Aida. La obra sigue siendo vital dentro del repertorio operístico estándar y aparece como la número 13.º en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo para el período 2005-2010.

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Ópera: Aida Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 17 de diciembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Si hay una ópera, dentro la inmensa producción dramática de Giuseppe Verdi, que haya trascendido países, siglos e intérpretes, es sin duda Aida, obra maestra de la escena que le traemos aquí en la indescriptible producción del Festival de Bregenz, con las voces de Kevin Short, Iano Tamar, Tatiana Serjan, Rubens Pelizzari, Tigran Martirossian, Iain Paterson, Ronald Samm y Elisabetta Martorana. Les acompañan The Katowice City Singers’ Ensemble – Camerata Silesia, el Coro de la Radio de Polonia y el Coro del Festival de Bregenz, la Orquesta Sinfónica de Viena y Carlo Rizzi.

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Otro de los tradicionales conciertos desde Odeonsplatz, con la Orquesta Sinfónica de la

Radio de Baviera, las voces de Calleja y Opolais y la batuta de Nelsons.

Género: concierto, ópera, música clásica, música romántica, bel canto, verismo.

Intérpretes: Kristīne Opolais, Joseph Calleja; Coro de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

Año: 2012.

Lugar: Odeonsplatz, München.


Hay algunos lugares que parecen hechos expresamente, a pesar de no serlo, para la realización de conciertos. La Odeonsplatz es una de las plazas más singulares del Altstadt muniqués. Es un lugar emblemático de la ciudad alemana, que ha sido testigo de algunos eventos singulares en su historia. En 1923 tuvieron lugar aquí sangrientos enfrentamientos tras el Golpe de Múnich. Acceso septentrional al centro histórico muniqués, sobresale en su centro el monumental Pórtico de los Mariscales [Feldherrnhalle]. Esta logia fue concebida por el arquitecto Friedrich von Gärtner a instancias del rey Luis I y construida entre 1841 y 1844. La plaza está rodeada por otros importantes monumentos. A un lado los confines de la Residencia real y el Hofgarten; al otro la iglesia barroca Theatinerkirche. Lugar de encuentro y buena puerta de acceso y salida del centro histórico, el 9 de noviembre de 1923 tuvieron lugar unos sangrientos enfrentamientos frente a la Feldherrnhalle, entre miembros del Partido Nazi y las fuerzas del orden de Baviera. Un

Concierto: Notte Italiana El Concierto Odeonsplatz Estreno 18 de diciembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



día antes, Adolf Hitler y sus seguidores habían intentado perpetrar sin éxito un golpe de estado, el conocido como Golpe de Múnich» o de la Cervecería. Durante el Tercer Reich fue el lugar predilecto para los homenajes y desfiles militares. La Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera [Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks] de München fue fundada por Eugen Jochum en 1949, quien fue su director titular hasta 1960. Actualmente la orquesta es dirigida por Mariss Jansons, quien ocupa su titularidad hasta 2018. Está considerada como una de las mejores orquestas del mundo y probablemente como la mejor orquesta de radio en el mundo. En 2006 el conjunto recibió el Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Orquestal. Además, la orquesta produce bajo su propia marca discográfica: BR-Klassik. Entre los directores que han colaborado frecuentemente con la orquesta se encuentran: Leonard Bernstein, Clemens Krauss, Erich Kleiber, Carlos Kleiber, Charles Münch, Ferenc Fricsay, Otto Klemperer, Karl Böhm, Günter Wand, Georg Solti, Carlo Maria Giulini, Kurt Sanderling y Wolfgang Sawallisch. En años recientes Riccardo Muti, Esa-Pekka Salonen, Franz Welser-Möst y Daniel Harding. Sus sedes principales de conciertos son la Herkulessaal en la Residencia de München y la Philharmonie am Gasteig.

Para el presente recital se ha planteado un programa bajo el título de Notte Italiana, concebido en torno a cuatro de las grandes figuras operísticas de Italia, pero también de la Europa de los siglos XIX y XX. De Giuseppe Verdi (1813-1901) se interpretan fragmentos

de sus célebres Nabucco –como su obertura y el coro Va pensiero–, Aida –con su marcha

triunfal Vieni, o guerriero, vindice– y La traviata –con su afamado brindis, Libiamo,

libiamo–. Tras una breve aparición de Ottorino Respighi (1879-1936) y su Pini di Roma, se presenta Pietro Mascagni (1963-1945), representado aquí por algunos fragmentos [Regina coeli laetare - Ineggiamo, il Signor non è morto] de su gran ópera, Cavalleria rusticana. Giacomo Puccini (1858-1924) es el tercer autor representado, con muestras de tres de sus mejores óperas: Gianni Schicchi [O mio babbino caro], Tosca [E lucevan le stelle] y La bohème [O soave fanciulla]. Para finalizar, el cuatro gran autor, Ruggero Leoncavallo (1857-1919), del que se interpreta Recitar – Vesti la giubba, de su célebre ópera Pagliacci. Un auténtico póker de ases para disfrutar de lo mejor de la ópera italiana del período dorado del bel canto decimonónico.

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Concierto: Notte Italiana El Concierto Odeonsplatz Estreno 18 de diciembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera lleva varios años ofreciendo un concierto anual desde la célebre Odeonsplatz. Le invitamos a deleitarse con la edición de 2012, en la que contaron con las fantásticas voces de Kristīne Opolais, Joseph Calleja y el coro de la radio bávara, además de la dirección del gran Andris Nelsons, para darle vida a música de Giuseppe Verdi, Pietro Mascagni, Giacomo Puccini y Ruggero Leoncavallo.

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La excepcional mezzosoprano romana interpreta un hermoso y reivindicativo programa

dedicado a honrar a los castrati y sus increíbles voces.

Género: concierto, ópera, música clásica, música barroca, bel canto, castrati.

Intérpretes: Cecilia Bartoli.

Director: Giovanni Antonini.

Orquesta: Il Giardino Armonico.

Año: 2009.

Lugar: Palacio Real, Caserta.


Cecilia Bartoli es una mezzosoprano romana que ha forjado su carrera sobre los pilares de las óperas de Wolfgang Amadeus Mozart y Gioachino Rossini, además del repertorio barroco, de la que es una incansable defensora e investigadora. Como mezzosoprano ligera de coloratura cuenta con un timbre aterciopelado y una técnica acreditadamente impecable, siendo la mayor figura lírica aparecida en Italia desde Giulietta Simionato. Destaca especialmente por su labor de recuperación del repertorio de compositores ignotos o injustamente olvidados, de los castrati italianos o de cantantes antológicas como María Malibrán. Bartoli comenzó su educación desde niña de la mano de sus padres. En 1985, cuando contaba con 19 años, hizo una aparición en un programa de talentos de la televisión italiana. Riccardo Muti, por aquel entonces director del Teatro de La Scala, escuchó su actuación y la invitó a una audición. Años más tarde Herbert von Karajan la

invitó a cantar en el Festival de Salzburg de 1990 –aunque su muerte impidió realizar dicho

debut–. En esa época Bartoli captó la atención de Daniel Barenboim cuando la escuchó actuando en un homenaje a María Callas en la televisión francesa. Trabajando con dos de

Concierto: Cecilia Bartoli Sacrificium. El arte de los castrati Estreno 23 de diciembre 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



los grandes directores del siglo XX, como el propio Barenboim y Nikolaus Harnoncourt, Bartoli se concentró en papeles mozartianos, desarrollando una exitosa carrera internacional. Además de Mozart y Rossini ha prestado atención a la música barroca y del período clásico temprano de compositores como Christoph Willibald Gluck, Antonio Vivaldi, Franz Joseph Haydn o Antonio Salieri. Dentro de su faceta musicológica recuperó el legado de la legendaria cantante del siglo XIX María Malibrán, y con su disco Sacrificium ha devuelto a la actualidad el olvidado y muy difícil repertorio de los castrati, encabezando

las listas de ventas con las estrellas de la música pop –lo que no ocurría desde los tiempos

de Luciano Pavarotti–. Ha sido condecorada con la Ordine al merito della Repubblica Italiana, Orden de las Artes y Letras y el Premio Musical Léonie Sonning en su edición de 2010, entre muchas otras distinciones. En 2016 se la distingue en Estocolmo con el premio Polar, considerado el Premio Nobel de la música. Sacrificium. El arte de los castrati es un excepcional concierto rodado en el impresionante y absolutamente adecuado Palacio Real de Caserta, una hermosa localidad cercana a Napoli. Con este programa y el registro discográfico que le precedió, Bartoli quiere rendir un homenaje a las miles de voces que fueron sacrificadas en el nombre de la música: los castrati. Desde el Renacimiento, Europa, que tenía en sus centros religiosos las prohibición de que las mujeres pudiesen cantar, encontró en esta figura de los

capones –como se les llamaba en la España del Barroco– una magnífica solución. La cuestión era simple, pero realmente sanguinaria: castrar a los niños en su mejor estado vocal, justo antes de que cambiasen la voz adulta, con lo que se mantenía así toda su calidad y se proveía a la iglesia y los teatros de cantantes adultos con una voz angelical. Cada año eran castrados en Europa miles de niños, con todos los problemas que ello conllevaba. Algunos de estos castrati se convirtieron en auténticas estrellas del canto, por los que teatros y capillas se peleaban para contar con sus servicios.

El presente programa muestra ejemplos de algunos de los mejores operistas del siglo XVIII y de los papeles que para castrati del momento compusieron en sus óperas. Así aparecen obras de Nicola Porpora (1686-1768), Geminiano Giacomelli (c.1692-1740),

Francesco Araia (1709-1770), Riccardo Broschi (c.1698-1756) –hermano del célebre

Farinelli– y el gran Georg Friedrich Händel (1685-1759).

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Concierto: Cecilia Bartoli Sacrificium. El arte de los castrati Estreno 23 de diciembre 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La historia de la música está repleta de atrocidades. Sin duda, la de los castrati fue una de las más inmensas y permitidas durante siglos. Cecilia Bartoli, una de las grandes voces del panorama mundial en los últimos veinticinco años, le invita a deleitarse con compositores que dedicaron con pasión a componer grandes papeles operísticos para algunos de los mejores castrati de la historia. La música de Nicola Porpora, Geminiano Giacomelli, Francesco Araia, Riccardo Broschi y Georg Friedrich Händel viene servida por su extraordinaria voz, junto al conjunto historicista Il Giardino Armonico y la dirección de Giovanni Antonini.

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Una de las grandes obras sacras del siglo XIX en la magnífica versión de este cuarteto vocal

de lujo y la célebre orquesta romana, desde el Festival de Salzburg.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sacra.

Intérpretes: Anna Netrebko, Mariana Pizzolato, Matthew Polenzani, Ildebrando d’Arcangelo; Coro de la Academia Nacional de Santa Cecilia.

Director: Antonio Pappano.

Orquesta: Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia.

Año: 2011.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Salzburg.


Stabat Mater es una obra sacra compuesta por el italiano Gioachino Rossini (1792-1868) y que fue estrenada la iglesia del Convento de San Felipe del Real de Madrid el Viernes Santo de 1833. Sigue el texto de la secuencia latina sobre los versos del siglo XIII atribuidos al papa Inocencio III o al fraile franciscano Jacopone da Todi. La obra requiere de un cuarteto vocal solista, al que se añade un nutrido coro y una orquesta de notables dimensiones. La obra se estructura en diez movimientos que alternan arias para solistas y coros. La obra corresponde a la época de madurez de Rossini, quien principalmente se dedicó a componer óperas, por lo que sin duda ha pasado a la historia. Pero a pesar de ser uno de

Concierto: Stabat Mater, de Gioachino Rossini Estreno 24 de diciembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



los más grandes operistas de la misma, también dedicó algo de tiempo a la creación de obras de otra índole, como esta de corte sacro. Rossini vivió cómodamente y con gran solvencia económica, de tal manera que pudo permitirse el lujo de dejar de componer óperas para escapar del estrés que ello le producía. Este Stabat Mater está estrechamente vinculado a España ya que le fue encargado en una visita a Madrid en febrero de 1831. Rossini dirigió una representación muy celebrada del Barbero de Sevilla en presencia del propio Fernando VII. A dicha función acudió el archidiácono Manuel Fernández Varela quien, entusiasmado con la misma, deseaba poseer un manuscrito de Rossini y un Stabat Mater que rivalizase con el famosísimo de Giovanni Battista Pergolesi, de un siglo antes. A Rossini, compositor en gran medida de óperas bufas, le pareció un encargo demasiado serio, por lo que fue reticente en un primer momento, aunque finalmente accedió a componerla dado que el prelado era gran amigo de su protector, Alejandro Aguado. La única condición que impuso el compositor fue que la obra no podía ser vendida ni publicada y recibió a cambio de su composición una tabaquera de oro encastrada de diamantes que le donó el propio Varela.

Aunque se esperaba la obra para la pascua de 1832, el autor italiano no encontraba

suficiente inspiración para las secciones 2, 3 y 4 –las que quizá tienen un texto algo más

flojo desde el punto de vista dramático–, por lo que pidió a su amigo el compositor y director musical del Théâtre Italien de París, Giovanni Tadolini, que completase la obra. A pesar de la decepción que ello supuso para el archidiácono Varela, la obra fue finalmente estrenada en la iglesia del Convento de San Felipe del Real de Madrid el Viernes Santo de 1833. A la muerte de Varela en 1837, y contrariamente a lo convenido inicialmente, el manuscrito fue vendido a un privado y posteriormente a un editor musical de París, lo que arrancó la furia de Rossini ante la embarazosa situación que podría haberle causado que se conociese que parte de la obra no la había compuesto él mismo. El compositor consiguió recuperar el manuscrito y compuso las partes que había dejado en manos de Tadolini, dotando a la obra de un gran sentido de unidad, añadiendo además la sección décima como gran final. La obra completa por su mano fue estrenada en París el 7 de enero de 1842 en la Sala Ventadour, con gran éxito. La siguiente interpretación se realizó en Bolonia dirigida por el gran compositor Gaetano Donizetti. Sin embargo, desde el estreno Rossini fue acusado por algunos críticos por exceso de teatralidad en la composición que, según estos «no está acorde con la transmisión del sentido místico de la religiosidad que emana de la secuencia de Jacopone da Todi».

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Concierto: Stabat Mater, de Gioachino Rossini Estreno 24 de diciembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Le invitamos a disfrutar de un Gioachino Rossini menos conocido: el compositor de música sacra. Su Stabat Mater es una de las grandes obras sacras en la Italia del momento. Llega aquí en las grandes voces de Anna Netrebko, Mariana Pizzolato, Matthew Polenzani e Ildebrando d’Arcangelo. Se les suma el Coro y la Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia, bajo la dirección de Antonio Pappano.

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Extraordinario recital desde el Festival de Grafenneg, uno de los más importantes de

Europa, con unos solistas de excepción y un programa variopinto y fascinante.

Género: concierto, ópera, música clásica, música romántica, música contemporánea, voz, piano, cabaret.

Intérpretes: Angela Denoke, Ramón Vargas, Jean-Yves Thibaudet.

Director: Juanjo Mena.

Orquesta: Tonkünstler-Orchester.

Año: 2014.

Lugar: Wolkenturm, Grafenneg.


El Festival de Graffeneg, situado entre Viena y la localidad de Wachau –Patrimonio de

la Humanidad–, es una de las sedes de festivales más respetadas por las grandes orquestas internacionales, los mejores solistas del panorama y los jóvenes músicos de enorme talento, especialmente por su entorno único y la calidad de sus programaciones. En medio del encantador parque cercano al asombroso castillo se sitúa el impresionante escenario futurista al aire libre, Wolkenturm, que es celebrado como uno de los escenarios al aire libre con mejor acústica del mundo. Construido en 2007, mezcla de manera asombrosa el entorno y la arquitectura histórica que le rodea en esta construcción de corte moderno pero elegante, enclavado en una hondonada natural. El edificio fue diseñado por los arquitectos María Teresa Harnoncourt y Ernst J. Fuchs, en una creación que se eleva unos quince metros de altura entre las copas de los árboles, creando así una vista inesperada

Concierto: Festival de Grafenneg Gala de una noche de verano Estreno 24 de diciembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



desde numerosos puntos de vista. Sus gradas, con capacidad para más de 1.700 espectadores, así como de las colinas de los alrededores, que ofrecen asientos de césped para más de 300 personas, son favorecidas por la excepcional concha acústica de la sala. El Festival de verano de Grafenneg se encuentra bajo la dirección artística del pianista Rudolf Buchbinder y presenta música de cámara y sinfónica con los mejores artistas del panorama internacional. Cada año Grafenegg ofrece conciertos con orquestas como la Filarmónica de Viena, la Royal Concertgebouw Orchestra y la Filarmónica de Berlín, así como artistas de renombre internacional, incluyendo Anne-Sophie Mutter y Renée Fleming entre otros muchos. El compositor residente en cada edición cocrea el festival como compositor, músico y líder del taller de composición y dirección, Ink Still Wet, que forma parte del Campus Grafenegg, que se ha establecido, junto con la programación de conciertos, como un lugar atractivo para la educación y la discusión en términos de promoción constructiva de la excelencia, además del establecimiento de la música por y para los jóvenes en el contexto de orquestas internacionales y artistas ilustres. En 2016 Grafenegg celebra su 10.º aniversario.

Para el presente recital, en el que se unen voces, piano y orquesta, se programa música de diversos autores, en una amalgama casi única de sensaciones y emociones: Maurice Ravel (1875-1937) se presenta por partida doble, con Feria, de su Rapsodie espagnole, además del tercer movimiento de su Concierto para piano en Sol mayor; de Richard Strauss (1864-1949) se ofrece Das Rosenband, Op. 36/1 y Cäcilie, Op. 27/2; de Giacomo Puccini (1858-1924) la célebre E lucevan le stelle, de Tosca; de Francesco Cilea (1866-1950) E la solita storia del Pastore, de L’ Arlesiana; Franz Lehár (1870-1948) aparece representado por Warum hat jeder Frühling, ach nur einen Mai, extraido de Der Zarewitsch; Richard Heuberger (1850-1914) con Geh’n wir in’s Chambre séparée, de su opereta Der Opernball; de Oscar Straus (1870-1954) se ofrece Warum soll eine Frau kein Verhältnis haben?, de Eine Frau, die weiß, was sie will; Gerónimo Giménez (1854-1923) aparece con su Intermezzo de La boda de Luis Alonso; Lorenzo Barcelata (1889-1943) lo hace con Maria Elena; de Consuelo Velázquez (1916-2005) se interpreta la célebre Bésame mucho; de Georges Gershwin (1898-1937) I got rhythm, unas variaciones para piano y orquesta; de Richard Rodgers (1902-1979) I’m gonna wash that man right out of my hair, Some enchanted evening y la obertura de South Pacific; para cerrar con Frederik Hollaender (1896-1976) y su Ich weiß nicht, zu wem ich gehöre, extraido de Stürme der Leidenschaft.

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Concierto: Festival de Grafenneg Gala de una noche de verano Estreno 24 de diciembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Siéntense a disfrutar de esta Gala de una noche de verano desde el fabuloso Festival de Grafenneg. Las voces solistas corren a cargo de Angela Denoke y Ramón Vargas, el piano en las manos de Jean-Yves Thibaudet, todo ellos con la compañía de Tonkünstler-Orchester y la dirección de Juanjo Mena. Interpretan obras de autores como Maurice Ravel, Richard Strauss, Giacomo Puccini, Franceso Cilea, Franz Lehár o George Gershwin entre otros.

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Un espectáculo único que le dejará sin palabras, en el que se une la música del genial

compositor austríaco con coreografías ecuestres de sublime belleza.

Género: concierto, música clásica, música sacra, espectáculo ecuestre.

Intérpretes: Christiane Karg, Marianne Crebassa, Stanislas de Barbeyrac; Salzburger Bachchor; Academia Ecuestre de Versailles; Bartabas [dirección de escena y coreografía ecuestre], Sophie Manac [vestuario], Bertrand Couderc [iluminación].

Director: Marc Minkowski.

Orquesta: Les Musiciens du Louvre.

Año: 2015.

Lugar: Felsenreitschule, Salzburg.


Clément Marty, conocido artísticamente como Bartabas, es un jinete, pedagogo, coreógrafo y escenógrafo francés, fundador del Théâtre équestre Zingaro y es desde 2003 responsable de la Académie du spectacle équestre de Versailles. Su pasión por los caballos le viene desde su infancia. Su carrera comienza a destacar en 1977 en el marco del festival off d'Avignon y posteriormente como cofundador del Théâtre Emporté y el del Circo Aligre. Fundada en 2003, la Académie du spectacle équestre en el Gran Establo [Grande Écurie] del castillo de Versailles, destaca por la gran originalidad al asociar el arte ecuestre y el trabajo de adiestramiento de alta escuela con otras disciplinas como la esgrima, la

danza, el canto o el Kyudo –tiro al arco japonés–, lo que aporta a los jinetes una inmensa

Concierto: Bartabas en Salzburg Obras de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno 25 de diciembre 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador



sensibilidad artística. Por su extraordinaria labor, Bartabas ha sido condecorado como Chevalier de l'Ordre national du Mérite [1999], Chevalier du Mérite agricole [2002], Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres [2004] y Chevalier de la Légion d'honneur [2004]. Davide penitente KV 469 es una cantata compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), que está considerada dentro del grupo de obras de corte masónico compuestas por el salzburgués, que como es sabido pertenecía a un logia y ejercía las creencias masónicas. La obra está basada en la música de la Gran Misa en Do menor KV 427 y fue estrenada en Viena el 13 de marzo de 1785, contando con el texto en italiano de Saverio Mattei, quien para el mismo se basó en textos del Libro de Samuel del Antiguo Testamento. El Davide penitente no presenta una trama concreta y se estructura en diez secciones en las que se alternan arias, números de conjunto y coros, que cuentan con una notable dificultad técnica. En 1781 Mozart deja atrás Salzburg y se instala en Wien. Comienza aquí un período de madurez compositiva que durará hasta el final de sus días. También serán los años de su participación en la Masonería, para la cual compondrá música que sería utilizada en sus reuniones de logia. Mozart ingresó a una logia masónica denominada Zur Wohltätigkeit, a fines de 1784. Para Robert G. Davies, en su artículo Mozart and his Masonic Music, Mozart compuso música masónica a la que agrupa en tres categorías: música que compuso específicamente para la logia a la que pertenecía; música solicitada por el público hecha en base a ideas masónicas y música que compuso para otros propósitos pero que fue adaptada por él mismo o por otros, durante su vida, para ser utilizada en la logia. La música podía utilizarse para: conciertos que la Masonería organizaba con fines benéficos; rituales masónicos, en los que la música se interpretaba durante las reuniones; funerales de miembros de la Masonería.

Marc Minkowski y el coreógrafo ecuestre Bartabas utilizan caballos que prácticamente bailan, restaurando además la antigua escuela de equitación, la Académie Equestre de Versailles, a su función original. Caballos, los jinetes de la Académie Equestre de Versailles y el mismo Bartabas, cuyas exitosas producciones son únicas en el mundo del arte, realizan sus arabescos ecuestres dentro de este entorno excepcional. Solistas, coro y orquesta están ubicados sobre tres niveles de galerías construidas en la misma pared rocosa del fondo. El resultado es una síntesis de arte puro. A esta obra sacra se unen el Adagio & Fuga en Do menor KV 546, la Marcha de los sacerdotes, de La flauta mágica, además de la Música para un funeral masónico KV 477.

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Concierto: Bartabas en Salzburg Obras de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno 25 de diciembre 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La música es un arte inspirador. Por ello en muchas ocasiones se combina de forma magistral con otros ámbitos. Bartabas, el gran escenógrafo, coreógrafo y jinete francés, concibe para la Semana Mozart 2015 un espectáculo músico–ecuestre de primer nivel, en el que la grandiosa obra del genial Wolfgang Amadeus se combina con la plasticidad de la danza realizada por la Academia Ecuestre de Versalles. La interpretación musical corre a cargo de las voces de Christiane Karg, Marianne Crebassa, Stanislas de Barbeyrac y Salzburger Bachchor, acompañados por el conjunto historicista Les Musiciens du Louvre bajo la dirección de Marc Minkowski.

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Una velada operística de primer nivel, protagonizada por dos voces de auténtico lujo en la

actualidad, en la que Franz Lehár se alza como gran protagonista.

Género: concierto, ópera, opereta, música clásica.

Intérpretes: Renée Fleming, Christopher Maltman, Carolina Ulrich, Andrej Dunaev; Sächsischer Staatsopernchor Dresden.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden.

Año: 2010.

Lugar: Semperoper, Dreden.


La viuda alegre [Die Lustige Witwe] es una opereta en tres actos con música del compositor austro-húngaro Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein, basados en la comedia L'attaché d'ambassade (1861) de Henri Meilhac, que narra las

vicisitudes de una rica viuda a la que sus paisanos intentan mantener –más que a ella a

su dinero– en su principado, encontrándole un buen marido. Se trata sin duda de la obra más célebre de su autor, por la que ha pasado principalmente a la historia. Se estrenó el 30 de diciembre de 1905 en Viena, estando considerada desde aquel momento como una de las obras más importantes de la opereta y la más importante en el catálogo de Lehár. Actualmente es una de las operetas más representadas y grabadas, uno de los mayores exponentes del género, que incluso aparece entre las 25 más representadas dentro de la

Concierto: Gala de Año Nuevo Renée Fleming, Christopher Maltman & Christian Thielemann 29 de diciembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



ópera. Tras su estreno de 1905, Lehár realizó cambios posteriormente para las producciones de London en 1907 y Berlin en los años veinte, pero la versión definitiva es básicamente la de la producción original. La opereta se llevó de gira por Austria y en 1906 disfrutó de producciones en el Neues Operetten-Theater de Hamburg, el Berliner Theater de Berlin y Magyar Szinhaz de Budapest, incluso se grabó por primera vez en 1907. Su adaptación al inglés, llevada a cabo por Basil Hood, con libreto de Adrian Ross, supuso una autentica sensación en London en 1907 y tuvo un extraordinario número de representaciones, 778, seguida por una amplia gira británica. La primera vez que se representó en Paris fue en el Théâtre Apollo el 28 de abril de 1909, siguiéndole numerosas producciones internacionales, así como reposiciones, y secuelas, versiones filmadas y parodias de todo tipo.

Su autor, Franz Lehár (1870-1848), húngaro de nacimiento, alcanzó fama universal como compositor de operetas, siendo sin ningún tipo de duda el máximo representante del estilo vienés de este género. Suyas son obras como Der Graf von Luxemburg [El conde de Luxemburgo], Frasquita, Der Zarewitsch, Das Land des Lächelns [El país de las sonrisas] o Giuditta. El resto del recital se complementa con la breve I feel pretty, famosa melodía extraída del aún más famoso musical West Side Story, que el autor estadounidense Leonard

Bernstein (1918-1990) creó en 1957 para Broadway –y posteriormente para el cine–, sobre guion de Arthur Laurents, letras de Stephen Sondheim y coreografía de Jerome Robbins. Ambientada en la ciudad de Nueva York a mediados de los cincuenta, el musical narra la rivalidad entre dos bandas callejeras adolescentes, los Jets y los Sharks. Los miembros de los Sharks de Puerto Rico son perseguidos por los Jets, un grupo de blancos de clase baja. Entre tanto, el joven protagonista, Tony, uno de los Jets, se enamora de María, la hermana

de Bernardo, líder de los Sharks. El tema trágico –inspirado en Romeo y Julieta, de William

Shakespeare–, una partitura realmente sofisticada, las amplias escenas repletas de bailes callejeros y la atención prestada a problemas sociales y urbanos, supusieron todo un hito en el teatro musical estadounidense. Se cierra el concierto con el célebre vals An der elbe, de Johann Strauss II (1825-1899), repleto de lo mejor de su estilo vienés tan desenfadado y descriptivo.

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Concierto: Gala de Año Nuevo Renée Fleming, Christopher Maltman & Christian Thielemann 29 de diciembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No solo del Concierto de Año Nuevo se puede vivir. La víspera de esta fecha hay otra serie de conciertos en el mundo de enorme interés. Uno de ellos es el que le ofrecemos aquí para su disfrute. Protagonizado por las voces exquisitas de la soprano estadounidense Renée Fleming y el barítono inglés Christopher Maltman, interpretan una selección de La viuda alegre, célebre opereta de Franz Lehár, además de otras obras de Leonard Bernstein o Johann Strauss II. La Orquesta Estatal de Dresden y la dirección de Christian Thielemann completan el elenco de lujo.

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Magnífico espectáculo en una de las plazas más fascinantes del mundo, con las voces

solistas de Anna Netrebko y Dmitri Hvorostovsky.

Género: concierto, ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Anna Netrebko, Dmitri Hvorostovsky; Gran Coro «Maestros del Canto Coral».

Director: Constantine Orbelian.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Academia Estatal «Evgeny Svetlanov».

Año: 2013.

Lugar: Plaza Roja, Moscú.


La Plaza Roja es la plaza más famosa de Moscú. Posee 330 metros de longitud y 70 metros de ancho, con una superficie total de 23.100 m². Desde 1990 la Plaza Roja fue incluida, junto con la conjunto del Kremlin, en la lista de Patrimonio de la Humanidad. Separa el Kremlin, la fortaleza real donde actualmente reside el presidente de Rusia, del barrio histórico comercial de Kitay-górod. De ella parten las principales calles de Moscú en todas direcciones, prolongadas en autopistas hasta fuera de la ciudad. La zona donde está situada la plaza estaba originariamente poblada por edificios de madera, pero fue limpiada por Iván III de Rusia, ya que eran susceptibles de arder con facilidad. La nueva plaza sirvió como lugar para los mercados, más tarde para ceremonias públicas y proclamaciones, incluso para coronar a los zares. El nombre de Plaza Roja no proviene

Concierto: Concierto de la Plaza Roja Anna Netrebko y Dmitri Hvorostovsky Estreno 30 de diciembre 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



del color de los ladrillos que la rodean, ni tampoco es referencia al color rojo del comunismo. Más bien deriva de la palabra rusa Krásnaya, que significa roja, pero en ruso antiguo significaba bonita, es decir, la plaza bonita. La palabra en un principio se usaba para nombrar la Catedral de San Basilio, pero más tarde el nombre recaló en la plaza cercana. Se cree que la plaza adquirió su actual nombre, reemplazando el antiguo, Pozhar, en el siglo XVII. En la plaza se encuentran el patíbulo, el monumento a Minin y a Pozharsky, además del mundialmente famoso sepulcro [mausoleo] de Lenin. En la muralla del Kremlin están sepultadas grandes figuras de la URSS y relevantes militantes comunistas como el líder Iósif Stalin, el cosmonauta Yuri Gagarin, el periodista y escritor estadounidense John Reed, o algunos altos jefes militares. La soprano rusa Anna Netrebko, de inimitable mezcla de glamour y sencillez, aspecto atractivo y una línea de canto seductora, presenta una potencia musical extraordinaria. Número uno en ventas de discos y entradas en teatros de ópera de los roles que protagoniza, ha sabido acercar la ópera a un público más amplio. Es probablemente la gran diva actual del mundo lírico, al que llegó no sin enormes esfuerzos. En San Petersburgo tuvo que trabajar limpiando las instalaciones del Teatro Mariinsky con el fin de poder asistir a ensayos y representaciones a la vez que se formaba como cantante. Gracias al director ruso Valery Gergiev, superintendente del teatro y gran dominador del panorama musical ruso, Netrebko dio el salto a los escenarios, logrando desde entonces un éxito tras otro. Por su parte, el barítono ruso Dmitri Hvorostovsky ha desarrollado una intensa y brillante carrera desde que ganara el concurso Singer of the World en Cardiff, venciendo al galés Bryn Terfel, actuando desde entonces en los principales teatros y salas de conciertos del mundo. Posee una voz de gran amplitud y facilidad para los graves, excelente planta escénica y ha basado su repertorio principalmente en obras rusas e italianas. Sus roles principales son en las óperas Eugene Onegin, La dama de picas, Guerra y paz, El demonio, Don Giovanni, Las bodas de Fígaro, Carmen, La Traviata, Il Trovatore, Simón Boccanegra y Rigoletto.

El presente concierto se compone de un repertorio formado por fragmentos de óperas de Giuseppe Verdi [La forza del destino, I vespri siciliani, Don Carlo, Il Trovatore, Nabucco, Rigoletto], Giacomo Puccini [Tosca], Umberto Giordano [Andrea Chenier], Francesco Cilea [Adriana Lecouvreur] y Piotr Ilich Tchaikovsky [Eugene Onegin], con obras del repertorio de canciones de Emmerich Kálmán [Die Csárdásfürstin – Heia, in den Bergen], Florian Hermann [Ochi chernye (Dark Eyes)] y V.Solovyov-Sedoi / M. Matusovsky [Podmoskovniye vechera (Moscow Nights)].

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Concierto: Concierto de la Plaza Roja Anna Netrebko y Dmitri Hvorostovsky Estreno 30 de diciembre 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Le invitamos a deleitarse con este magnífico concierto desde la célebre Plaza Roja de Moscú, con dos de las grandes voces del panorama internacional, los rusos Anna Netrebko y Dmitri Hvorostovsky. Se les suma El Gran Coro «Maestros del Canto Coral». La parte instrumental corre a cargo de la Orquesta Sinfónica de la Academia Estatal «Evgeny Svetlanov», bajo la dirección de Constantine Orbelian.

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Otro de los tradicionales conciertos desde Odeonsplatz, con la Orquesta Sinfónica de la

Radio de Baviera, las voces de Calleja y Opolais y la batuta de Nelsons.


Intérpretes: Lisa Lindstrom, Roberto Alagna, Maria Luigia Borsi, Marco Spotti, Chris Merritt, Marc Barrand, Jean-François Borras, Florian Laconi, Luc Berin–Hugault, Virgine Maraskin, Corinne, Parenti, Hyoung–Geoung You, Coro de la Gran Ópera de Avignon, Coro de la Ópera de Niza, Coro de la Ópera de Tuolon, Coro de la Ópera de Tours, Ensemble Vocal de Chorégies d’Orange, Escolanía de Bouches–du–Rhône.

Director: Michel Plasson.

Orquesta: Orquesta Nacional de Francia, Ensemble Instrumental de Chorégies d’Orange.

Año: 2012.

Lugar: Festival Chorégies d’Orange.


Ópera en tres actos compuesta por Giacomo Puccini (1858–1924) y estrenada de manera póstuma el 26 de abril de 1925 en La Scala de Milano. Se basa en el libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni, quienes realizaron la traducción de la obra homónima de Carlo Gozzi que fue recreada posteriormente por Friedrich Schiller. Puccini comenzó idearla en 1920, pero no fue hasta 1921 que comenzó a trabajar sobre su composición. La obra le llevó varios años, de tal forma que al sorprenderle la muerte la ópera quedó inconclusa, pero él mismo había planeado que Riccardo Zandonai la concluyese bajo sus precisas instrucciones. A pesar de ello su hijo Tonio se negó a que fuese este quien pusiera punto final a la obra, solicitando a Franco Alfano tal labor.

Ópera: Turandot Ópera en tres actos de Giacomo Puccini 31 de diciembre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador



Como sabemos la obra se estrenó bajo la dirección del gran Arturo Toscanini, quien en mitad del acto tercero, dos compases después de las palabras «Liù, poesía!», hizo a la orquesta detenerse para volverse al público y proclamar: «Qui il Maestro finí» («Aquí terminó el maestro»). El telón descendió lentamente. Para las posteriores representaciones se incluyó el final completo compuesto por Alfano. La ópera supone el testamento pucciniano, no solo por ser su última obra, sino por ser la más vanguardista de toda su producción. Para muchos con ella se fue no solo su autor, sino una forma de entender la ópera, el bel canto y el drama escénico, un último gran ejemplo de la ópera entendida como solo los italianos parecían poder hacer. Desde su estreno el éxito ha sido arrollador, convirtiendo a la ópera no solo en una de las más representadas del autor italiano, sino en una de las más interpretadas en toda la historia de la música. Aun así en el período de 2005 a 2010 esta ópera ha sido la cuarta en números de representaciones dentro de la óperas del propio Puccini, tras La Bohème, Tosca y Madama Butterfly. No obstante, durante muchos años la República Popular China prohibió la representación de Turandot, porque consideró que menospreciaba a China y a sus habitantes. Hacia finales de 1990 se reconsideró esta idea y en septiembre de 1998 se estrenó, estando en cartel durante ocho noches en la Ciudad Prohibida con opulentos escenarios y soldados del ejército como extras.

Breve sinopsis: el exiliado príncipe Calaf, junto con su padre ciego Timur y su esclava Liú, llegan a Pekín. Allí descubren que una despiadada princesa llamada Turandot no acepta pretendiente alguno y que todo aquel que reclame su mano debe superar una serie de enigmas. Si el candidato no los supera, es condenado a muerte. Cuando Calaf ve a la princesa por primera vez decide anunciar su intención de someterse a las pruebas de. En el acto II Calaf llega a palacio para someterse a las pruebas. Allí Turandot cuenta la razón por la que se vuelve tan reacia al casamiento. La princesa enuncia un enigma tras otro hasta tres resolviéndolos Calaf sin problemas. Viendo Calaf la actitud de ella decide proponerle un acertijo: si averigua su nombre antes del alba, podrá ser ejecutado, de lo contrario, deberá tomar su mano. Ya en el último acto Turandot moviliza a todo el pueblo para que averigüen su nombre. Finalmente, Liú revela que es la única conocedora del nombre y que su amor por Calaf le lleva a desearle la mayor felicidad, aunque eso suponga entregarlo a otra mujer. El pueblo queda conmovido por tal acto de amor e incluso la princesa Turandot baja sus defensas dejando que Calaf le robe un beso. Al amanecer todos se reúnen en palacio y Turandot cuenta que conoce el nombre del extranjero. Su nombre es... Amor.

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Ópera: Turandot Ópera en tres actos de Giacomo Puccini 31 de diciembre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Siéntense y disfruten de una de las óperas más célebres e intemporales que la historia de la música nos ha legado. Turandot, la historia de la hermosa pero cruel princesa china y de sus amores con Calaf. Una historia de amor y crueldad, de muerte y vida, que nos llega en la extraordinaria versión realizada por el Festival Chorégies d’Orange y que cuenta con un despliegue absoluto de puesta en escena y en los artistas que en ella intervienen, con las grandes voces de Lisa Lindstrom y Roberto Alagna. Un enclave único para una obra inmortal.

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El tenor francés, uno de los mejores de su generación, se presenta en un documental que

repasa una carrera fulgurante que le ha llevado hasta la cima operística.

Género: documental, música clásica, romanticismo, ópera, bel canto.

Director: Andy Sommer.

Año: 2015.


Roberto Alagna es un tenor nacido en Francia, hijo de unos emigrantes sicilianos, que comparte la doble nacionalidad, y que se ha convertido, con tesón y mucho esfuerzo, en uno de los tenores más respetados por crítica y público de las últimas décadas. Mi vida es una ópera supone una visión inédita de su carrera, pero también de su vida, de aquello que se esconde tras al artista. En este documental, dirigido por Andy Sommer, se plantea su evolución artística, su devenir profesional, su llegada al mundo de la ópera y su vida realmente sorprendente, que desde luego da para un documental de estas características. Comenzó a cantar muy joven, pero lo hizo en cabarets parisinos, aunque posteriormente, muy influido por las películas de Mario Lanza y las grabaciones de tenores históricos, decidió dar el salto a la ópera. A pesar de ello, no ha abandonado la música ligera, aquella que le vio nacer como cantante, y que para el mismo «es más difícil que la ópera. En la ópera el sonido viene dado, pero en la música ligera tienes que crearlo». Cantante con gran carga autodidacta, aprendió la mayor parte de su repertorio del contrabajista cubano y aficionado a la ópera Rafael Ruiz. Su debut como tenor se produjo en 1988 en el Festival de Glyndebourne, donde debía cantar La Traviata. «Llegué al escenario del estreno sin

Documental: Roberto Alagna Mi vida es una ópera 31 de diciembre 17:25 Argentina/Uruguay | 15:25 Colombia/Ecuador



haber ensayado con la orquesta. Yo tenía que terminar el Concurso Pavarotti, y me tuve que ausentar de los ensayos programados. Aquella primera función fue en Plymouth y recuerdo que me pasé el día en la playa con mi familia. Pero para mí aquello era una cosa normal: yo cantaba en cabaret cada noche, y cantar era una cosa natural. Y sin haber ensayado, fue un éxito increíble. La crítica creía que había cantado siempre Alfredo, aunque me dijeron que la peluca no era buena. Pero no llevaba peluca: era mi pelo». Finalmente se alzó vencedor en el Concurso Vocal Luciano Pavarotti, lo que le abrió la puerta a muchos compromisos y, aunque tuvo que hacerse un hueco poco a poco, ha terminado por triunfar de manera fulgurante. Paso a paso su reputación se fue acrecentando y rápidamente fue invitado a cantar en los grandes teatros como La Scala, bajo la batuta de Riccardo Muti en 1990, Covent Garden en 1992 y en la Metropolitan Opera. Ha protagonizado algunos de los roles más destacados del repertorio operístico, como ese Alfredo, que ha cantado unas 150 veces, o Rodolfo en La Bohéme. Fueron especialmente celebradas sus interpretaciones de Romeo en Roméo et Juliette de Charles Gounod, en el Covent Garden en 1994, que le ayudaron a triunfar de manera internacional de forma extraordinaria. Alagna ha desarrollado una particular afinidad por la ópera francesa y los papeles italianos más líricos, aunque también ha mostrado cercanía por interpretar un repertorio italiano progresivamente más dramático, como el rol titular de Otello. Él mismo señala «no me gusta hacer solo piezas conocidas que tengan mucha probabilidad de éxito, me gusta defender compositores y probar nuevas músicas».

En 2014, tras once años sin presentar una grabación discográfica, presentó Ma vie est un opéra, su decimoctavo disco, que supuso mucho más: «ahora estoy más tranquilo con mi carrera porque estoy más tranquilo en familia. He sido demasiado exigente conmigo mismo, antes no podía escuchar mi voz, era una tortura para mí. Hacía más de 10 años que no había grabado un disco de ópera en estudio: este trabajo es como hacerte una foto sin haberte mirado al espejo en una década». Este documental es una extensión de aquella apertura discográfica, en la que el tenor se muestra como es, el artista y el hombre, en el que se aporta el testimonio de voces absolutamente legitimadas para narrar su historia, con conocimiento y documento inéditos que les sorprenderán. Un muestra de su vida de ópera.

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Documental: Roberto Alagna Mi vida es una ópera 31 de diciembre 17:25 Argentina/Uruguay | 15:25 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El mundo de la ópera resulta a veces demasiado artificial, siempre viendo a los cantantes encarnando personajes, haciendo su papel y mostrando su cara artística. Sin embargo, detrás de esos intérpretes están las personas, con una vida a veces más dura de lo que a veces podría parecer, y una historia muchas veces sorprendente. La invitamos a conocer lo que hay detrás del Roberto Alagna tenor, de la estrella de la ópera, en un documental inédito que presenta a la figura musical, pero también a la persona.

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El hermoso Palacio de Schönbrunn es testigo de esta unión única, la de tres voces de

leyenda: Anna Netrebko, Rolando Villazón y Plácido Domingo.

Género: concierto, ópera, opereta, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, Plácido Domingo.

Director: Bertrand de Billy.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena.

Año: 2008.

Lugar: Palacio de Schönbrunn, Viena.


Poco puede decirse de la vida de Plácido Domingo que se sepa ya. Hijo de dos cantantes de zarzuela de la España de mediados del siglo XX, con ocho años se trasladó a vivir a México y fue allí donde se formó en la Escuela Nacional de Artes y en el Conservatorio Nacional de Música, en las disciplinas de canto, piano y composición. Su debut operístico se produjo con tan solo 18 años, primero como barítono y posteriormente como tenor. Domingo ha interpretado prácticamente la totalidad de los grandes papeles operísticos para tenor lírico, aunque su voz flexible y noble le ha permitido interpretar papeles de tenor dramático. Miembro del legendario tridente Los Tres Tenores, supusieron toda una explosión de la ópera para todos los públicos. En la actualidad se ha subido a un escenario en más de 4.000 ocasiones, en las que ha interpretado la noble cifra de 150 roles de ópera, zarzuela y otros géneros. Su discografía supera la cifra de cien registros entre los

Concierto: Tres estrellas en Viena Anna Netrebko, Rolando Villazón y Plácido Domingo Estreno 31 de diciembre 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



que se encuentran algunas de las versiones de óperas de absoluta referencia para el público y la crítica.

La soprano rusa Anna Netrebko, de inimitable mezcla de glamour y sencillez, aspecto atractivo y una línea de canto seductora, presenta una potencia musical extraordinaria. Número uno en ventas de discos y entradas en teatros de ópera de los roles que protagoniza, es probablemente la gran diva actual del mundo lírico, al que llegó no sin enormes esfuerzos. En San Petersburgo trabajaba limpiando las instalaciones del Teatro Mariinsky con el fin de poder asistir a ensayos y representaciones a la vez que se formaba como cantante. Gracias al director ruso Valery Gergiev, superintendente del teatro, Netrebko dio el salto a los escenarios, logrando desde entonces un éxito tras otro. Por su parte, el tenor mexicano Rolando Villazón es un artista de gran expresividad sobre el escenario, que se dio a conocer en el Certamen Internacional Operalia, organizado por Plácido Domingo, figura con la que siempre se le ha comparado. Formado desde joven en el mundo musical, fue en 1990 cuando inicia su formación operística de la mano de Arturo Nieto. Desde entonces se ha ido formando y desarrollando una carrera musical en aumento. Su presencia en los teatros de ópera y auditorios más importantes del mundo ha sido permanente. Es uno de los tenores más solicitados, como atestiguan el número de roles protagonizados, además de su intensa actividad discográfica. Como resultado de su apretada agenda, ha tenido que llevar a cabo algunos descansos, especialmente desde 2007.

En este recital ofrecen un programa plagado de grandes nombres junto a otros menos conocidos, en un repertorio lírico que se mueve entre la ópera, la opereta y la zarzuela, además de algunos pasajes orquestales: Giuseppe Verdi [Luisa Miller, La Traviata], Jules Massenet [Le Cid], Amilcare Ponchielli [Il figliuol prodigo, La Gioconda], Emmerich Kálmán [Die Csardasfürstin], Francesco Paolo Tosti [Ideale], Richard Wagner [Die Walküre] Luigi Arditi [Il bacio], Franz von Suppé [Leichte Kavallerie], Franz Lehár [Paganini, Das Land des Lächelns, Die lustige Witwe, Giuditta], Niklolai Rimsky-Korsakov [The Rose and the nightingale], Johann Strauß [Unter Donner und Blitz], John Denver [Perhaps love], Leo Delibes [Les filles de Cadix], Manuel Penella [El gato montés], Rudolf Sieczynski [Wien Wien nur du allein], Federico Moreno Torroba [Maravilla], R.Soutullo/J.Vert [La del soto del Parral], Richard Strauss [Caecilie].

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Concierto: Tres estrellas en Viena Anna Netrebko, Rolando Villazón y Plácido Domingo Estreno 31 de diciembre 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: En pocas ocasiones se suben al mismo escenario tres de las mejores voces de las últimas décadas, pero especialmente un cantante que ya ha pasado a la historia como una de las mejores voces de su tiempo, Plácido Domingo, con dos de los cantantes más celebrados y valorados de la última década, Anna Netrebko y Rolando Villazón. La Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena y Bertrand de Billy ponen el broche de oro a este recital de excepción desde un lugar mágico.

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ALLEGRO HD 235 LINCOLN ROAD, SUITE 201

MIAMI BEACH, FL 33139 USA

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Destacados de Programación Diciembre 2016 - …allegrohd.com/images/acpacs/Allegro_HD_Destacados... · sobre libreto en italiano de Temistocle Solera, basada en el Antiguo Testamento