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Allegro HD – Destacados de Programación – Julio 2017

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Destacados de Programación – Julio 2017



Destacados de Programación Julio 2017

Rolando Villazón CONCIERTO – Rolando Villazón canta arias de Händel – 1 de julio – Pág. 3

DOCUMENTAL – Rolando Villazón: ¡Viva México! – Estreno 1 de julio – Pág. 5 CONCIERTO – Anna Netrebko & Rolando Villazón: Concierto de París – 2 de julio –

Pág. 7

CONCIERTO – Andris Nelsons & Yefim Bronfman en el Festival de Lucerna – 7 de julio – Pág. 9

Jonas Kaufmann

ÓPERA – I Pagliaci, ópera en dos actos de Ruggero Leoncavallo – Estreno 8 de julio – Pág. 11

CONCIERTO – Yannick Nézet–Séguin & Gil Shaham en concierto – 9 de julio – Pág. 13

CONCIERTO – Celebración Liszt: Pierre Boulez, Daniel Barenboim & Orquesta

Estatal de Berlín – 14 de julio – Pág. 15

Jonas Kaufmann ÓPERA – Cavalleria rusticana, ópera en un acto de Pietro Mascagni – Estreno 15 de

julio – Pág. 17

CONCIERTO – Christian Thielemann & Maurizio Pollini interpretan a Johannes Brahms – Estreno 16 de julio – Pág. 19

ÓPERA – Fausto, ópera en cinco actos de Charles Gounod –Estreno 22 de julio – Pág.

21

BALLET – El secreto de los pájaros, pieza para cuatro bailarines y treinta pájaros, de Luc Petton – Estreno 23 de julio – Pág. 23

CONCIERTO – Rhapsody in Blue: Herbie Hancock, Gustado Dudamel & Orquesta

Filarmónica de Los Angeles – 28 de julio – Pág. 25

ÓPERA – Simon Boccanegra, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – 29 de julio – Pág. 27

WORLD – Meta & The Cornerstones en concierto: Cabaret Frappé 2014 – Estreno 29

de julio – Pág. 29

Aniversario Claudio Monteverdi CONCIERTO – Tesoros barrocos: Selva morale e spirituale – Estreno 30 de julio –

Pág. 31



El célebre tenor mexicano se embarca en un viaje al mundo barroco, acompañado

por una de las formaciones historicistas más experimentadas de Gran Bretaña.

Género: ópera, oratorio, música clásica, música barroca.

Intérpretes: Rolando Villazón, Rebecca Bottone, Timothy Travers-Brown.

Director: Paul McCreesh.

Orquesta: Gabrieli Players.

Año: 2008.

Lugar: Iglesia de San Pablo, Deptford.

Duración: 75 minutos.

Pocos compositores hay de la importancia e influencia posterior que Georg Friedrich Händel (1685-1759). El autor alemán, nacido en Halle, desarrolló una intensa y brillante carrera que le llevó primero a Italia y finalmente a Inglaterra. Considerado por muchos un compositor inglés, y por otros como un compositor italiano que nació en Alemania y trabajó en Inglaterra, la verdadera cuestión es que su corpus compositivo es uno de los más poderosos de cuantos se pueden encontrar entre los autores del Barroco. A pesar de ser reconocido constantemente como uno de los autores más grandes de su época, su reputación tras su muerte y hasta a principios del siglo XX se basaba en gran medida en el conocimiento de un pequeño número de obras orquestales y oratorios, su Messiah en particular. Sin embargo, contribuyó de manera absolutamente decisiva a todos los géneros musicales de su tiempo, tanto vocales como instrumentales. La composición de óperas, principalmente sobre libretos italianos, dominó la primera parte de su carrera y le ayudó a establecerse en Inglaterra. En sus últimos años su compromiso con las obras vocales a gran escala, por lo general con un elemento dramático fuerte, encontró una salida más

Concierto: Rolando Villazón canta arias de Händel Gabrieli Players & Paul McCreesh 1 de julio 20:40 Argentina/Uruguay | 18:40 Ecuador



individual en el oratorio Inglés, un género que él inventó y estableció como nunca antes ni después se ha vuelto a concebir. Es en sus óperas donde Händel alcanza el rol de dominador de la Europa barroca tardía, a pesar de que tuvo que competir de manera feroz con otros autores de gran talento, entre ellos algunos italianos radicados en London, pero también con la creación de autores franceses o los italianos residentes en sus respectivos países. Son estas, muestra de su inmensa capacidad creativa, de su exquisitez a la hora de escribir para la voz y de su excepcional tratamiento orquestal, contando muchos de los instrumentos de la orquesta con pasajes simplemente antológicos dentro de la literatura de las óperas händelianas. Dentro de las formaciones de corte historicista de Gran Bretaña, Gabrieli Consort & Players, que fue fundada en 1982 por su director, Paul McCreesh, es una de las más destacadas y experimentadas. Ha desarrollado una extensa labor como conjunto vocal e instrumental, centrando su atención tanto en obras del Renacimiento y el Barroco, como en repertorios posteriores que albergan hasta el Romanticismo. Es especialmente destacable su atención a autores policorales venecianos de finales del Renacimiento como

los Gabrieli –de quienes toma su nombre–, además de su querencia hacia las obras sacras de Johann Sebastian Bach y los oratorios del propio Händel.

Por su parte, el tenor mexicano Rolando Villazón es un artista de gran expresividad sobre el escenario, que se dio a conocer en el Certamen Internacional Operalia, organizado por Plácido Domingo, figura con la que siempre se le ha comparado. Formado desde joven en el mundo musical, fue en 1990 cuando inicia su formación operística, de la mano de Arturo Nieto. Desde entonces se ha ido formando y desarrollando una carrera musical en aumento, que sin duda sufrió un gran espaldarazo con el segundo premio en Operalia. A partir de ese momento su presencia en los teatros de ópera y auditorios más importantes del mundo ha sido permanente. Es uno de los tenores más solicitados, como atestiguan el número de roles protagonizados, además de su intensa actividad discográfica. Como resultado de su apretada agenda, ha tenido que llevar a cabo algunos descansos, especialmente desde 2007. El presente recital presenta algunos de los recitativos y arias más exquisitos del catálogo del autor germano-británico, extraídos de títulos operísticos como Serse, Rodelinda, Tamerlano y Ariodante, a lo que sumar obras instrumentales extraídas de obras como la Música acuática [Water Music] o la célebre Llegada de la Reina de Saba de su oratorio Solomon.

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Concierto: Rolando Villazón canta arias de Händel Gabrieli Players & Paul McCreesh 1 de julio 20:40 Argentina/Uruguay | 18:40 Ecuador

Sinopsis: Disfruten con este fantástico programa de una selección de las arias más exquisitas de quien es uno de los mejores exponentes de la ópera y el oratorio durante el siglo XVIII. El gran Rolando Villazón se acompaña aquí de la soprano Rebecca Bottone y el contratenor Timothy Travers–Brown para embarcarse en una hermosa travesía por la obra de Georg Friedrich Händel, por sus óperas, oratorios y piezas instrumentales. La base orquestal la proporcionan los Gabrieli Players de Paul McCreesh.

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Uno de los grandes tenores de la actualidad, enarbolando la bandera de México en este

magnífico y variopinto documental.

Género: documental, música clásica, música folclórica, voz.

Director: Peter Schönhofer.

Orquesta: Bolivar Soloists.

Año: 2010.


Rolando Villazón [1972], cantante de ópera mexicano, es uno de los referentes en la cuerda de tenores de las últimas dos décadas. De gran expresividad sobre el escenario, se dio a conocer en el Certamen Internacional Operalia, organizado por Plácido Domingo, figura con la que siempre se le ha comparado. Con la soprano rusa Anna Netrebko ha formado una de las parejas artísticas más conocidas de la escena operística. A los once años ingresó en el Centro de Capacitación Artística Estudios de la capital mexicana, tomando clases de música, actuación y ballet. En 1990 inició su formación en el mundo de la ópera, de la mano del barítono Arturo Nieto, que se convirtió en su primer maestro de canto. En 1992 ingresó en el Conservatorio Nacional de Música para proseguir sus estudios, guiados a partir de entonces por Enrique Jaso. Sus primeros papeles fueron Dorvil [La scala di seta], Florville [Il signor Bruschino] y Alessandro [Il rè pastore]. Villazón alternó sus estudios y sus primeras interpretaciones con la participación en concursos de canto, en los que obtuvo sus primeros triunfos. El barítono Gabriel Mijares tomó entonces las riendas de la formación de la joven promesa, antes de que diera el salto a nivel

Concierto: Rolando Villazón: ¡Viva México! Estreno 1 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



internacional. Su progresión recibió un fuerte impulso en 1998 con el Programa Merota de la Ópera de San Francisco, que le permitió recibir clases de la soprano australiana Joan Sutherland. Igualmente importante resultó su participación en el Programa de Artistas Jóvenes de la Ópera de Pittsburg, que le permitió participar en los montajes de I Capuleti e Montecchi, Lucia di Lammermoor y Vanessa. Sin embargo, el espaldarazo definitivo a la carrera de Villazón fue el segundo premio en el Certamen Internacional Operalia. Ese mismo año llegó el anhelado debut en Europa, con el papel de Des Grieux [Manon], interpretado en Genova, al que siguió la primera aparición en los escenarios franceses, con el Rodolfo de La bohème en la Ópera de Lyon en diciembre de 1999.

La temporada 1999/2000 fue la de su puesta de largo internacional, que incluyó el Alfredo de La traviata en el Teatro Lírico Giuseppe Verdi de Trieste y en la Ópera de la Bastilla de París. La fuerza de su canto se pudo comprobar en la temporada operística 2000-2001, en la que se subió a escenarios de todo el mundo. Además de sus habituales papeles, Villazón tomó parte en representaciones de Macbeth, L’elisir d’amore, Roméo et Juliette o Lucia di Lammermoor. El reconocimiento a su imparable ascensión llegó en 2003 con el premio de Les Victoires de la Musique Classique recibido en Francia, que lo distinguió como revelación extranjera. El éxito de Villazón le permitió realizar sus primeras grabaciones en solitario, que tuvieron una inmejorable acogida. En 2004, su trabajo Italian Opera Arias recibió el prestigioso premio Echo Klassic al mejor álbum de ópera del año. El éxito imparable del tenor mexicano provocó que el calendario de actuaciones se saturara, sobre todo en la temporada 2006-2007, en la que se redujeron las óperas y aumentaron los conciertos y recitales como solista. La discografía de Villazón así lo reflejó, con la aparición de Gitano, disco en el que interpretaba arias de zarzuela bajo la dirección de Plácido Domingo, y Duetos, junto a Anna Netrebko. El reconocimiento era unánime. La temporada 2007-2008 marcó un punto de inflexión en su carrera: el cansancio físico y mental por una actividad frenética provocó que el tenor tuviera que anular actuaciones y tomarse un descanso de cinco meses. Villazón retomó su actividad en 2008 con energías renovadas y nuevo trabajo en el mercado, Cielo e mar, su primer disco en solitario con Deutsche Grammophon. Los parones y regresos al escenario han sido una constante en su carrera. Posteriormente ha sabido dosificarse en el repertorio, con el fin de alargar su carrera lo máximo posible.

¡Viva México! es un documental en el que descubrir al Villazón más humano y mexicano, disfrutando de música de su país, esto es, el mejor folclore mexicano, junto a otros éxitos de la música occidental que sin duda le fascinarán.

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Concierto: Rolando Villazón: ¡Viva México! Estreno 1 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Rolando Villazón lleva México allá donde va. Es sin duda uno de sus grandes referentes por todo el planeta, comportándose como un verdadero embajador del país centroamericano en cada escenario al que acude. ¡Viva México! es un documental en el que habla de su carrera, de su música y, sobre todo, del país que adora.

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Uno de los dúos líricos más impresionantes que se pueden disfrutar en los últimos años. La

soprano rusa y el tenor mexicano se unen en este fantástico recital parisino.

Género: concierto, ópera, música clásica, música romántica, voz.

Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón.

Director: Emmanuel Villaume.

Orquesta: Orquesta Nacional de Bélgica.

Año: 2007.

Lugar: Teatro de la Campos Elíseos, Paris.


Una velada de esas inolvidables, en la que los asistentes al evento pudieron decir: yo estuve allí. Sin duda la unión de estos dos magníficos solistas vocales, de lo mejor que puede encontrar desde hace algunos años en el panorama internacional, es un evento de gran calibre. Entre ambos existe una relación musical realmente potente, que hace de sus dúos algo realmente muy especial. Tienen los dos cualidades vocales y escénicas sobradas para estar entre los mejores representantes del mundo lírico en la actualidad, por lo que un recital conjunto de este tipo es un evento de magnitudes realmente notables.

La soprano rusa Anna Netrebko tiene una inimitable mezcla de glamour y sencillez, aspecto atractivo y una línea de canto seductora que presenta una potencia musical extraordinario, como alguna de sus mejores cualidades. Número uno en ventas de discos y entradas en teatros de ópera de los roles que protagoniza, ha sabido acercar la ópera a un público más amplio. Es probablemente la gran diva actual del mundo lírico, al que llegó no sin enormes esfuerzos. Nacida en Krasnodar, se fue a estudiar canto a San

Concierto: Anna Netrebko y Rolando Villazón Concierto de París 2 de julio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Petersburgo, donde tuvo que trabajar limpiando las instalaciones del Teatro Mariinsky con el fin de poder asistir a ensayos y representaciones a la vez que se formaba como cantante. Gracias al director ruso Valery Gergiev, superintendente del teatro y gran dominador del panorama musical ruso, Netrebko dio el salto a los escenarios, logrando desde entonces un éxito tras otro.

Por su parte, el tenor mexicano Rolando Villazón es un artista de gran expresividad sobre el escenario, que se dio a conocer en el Certamen Internacional Operalia, organizado por Plácido Domingo, figura con la que siempre se le ha comparado. Formado desde joven en el mundo musical, fue en 1990 cuando inicia su formación operística, de la mano de Arturo Nieto. Desde entonces se ha ido formando y desarrollando una carrera musical en aumento, que sin duda sufrió un gran espaldarazo con el segundo premio en Operalia. A partir de ese momento su presencia en los teatros de ópera y auditorios más importantes del mundo ha sido permanente. Es uno de los tenores más solicitados, como atestiguan el número de roles protagonizados, además de su intensa actividad discográfica. Como resultado de su apretada agenda, ha tenido que llevar a cabo algunos descansos, especialmente desde 2007.

El presente recital a dúo es todo un homenaje al mundo de la ópera francesa, rusa e italiana. La ópera francesa está bien representada en la figura de Charles Gounod (1818–1893), del que se interpretan fragmentos de sus óperas Romeo et Juliette y la apenas interpretada Polyeucte; pero también gracias a la Manon de Jules Massenet (1842–1912) y la Carmen de Georges Bizet (1838–1875). La ópera rusa tiene en Piotr Illich Tchaikovsky (1840–1893) a su único representante, a través de sus grandes dramas Evgueni Oneguin e Iolanta. La ópera italiana está muy bien representada aquí, como no podía ser de otra forma, gracias a grandes autores, como Giuseppe Verdi (1813–1901) y La Traviata, Pietro Mascagni (1863–1945) con Cavalleria rusticana, Amilcare Ponchielli (1834–1886) con Il fligiuol prodigo, Alfredo Catalani (1854–1893) y su La Wally, además de Giacomo Puccini (1858–1924) con La Bohème. El mundo español también alberga un hueco representado por Reveriano Soutullo (1880–1932) y su La del Soto del Parral, Federico Moreno Torroba (1891–1982) con Luisa Fernanda, y Manuel Penella (1880–1939) y su El gato montés.

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Concierto: Anna Netrebko y Rolando Villazón Concierto de París 2 de julio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Hay cantantes cuya presencia vocal y escénica supone por sí misma todo un espectáculo. Este es sin duda el caso de la soprano rusa Anna Netrebko y el tenor mexicano Rolando Villazón, dos de las más destacadas figuras de la escena lírica desde hace años. Se unen aquí para ofrecer una velada musical de lujo desde el parisino Teatro de los Campos Elíseos, acompañados por la Orquesta Nacional de Bélgica que dirige Emmanuel Villaume.

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Estos dos magníficos artistas lideran a la extraordinaria Orquesta del Concertgebouw de

Amsterdam en este programa dedicado a Beethoven y Rimsky–Korsakov.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Yefim Brofman.

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam.

Año: 2011.

Lugar: KKL Luzern.


El programa se abre con una pieza puramente orquestal del genial Ludwig van Beethoven (1770-1827): la obertura de Las Ruina de Atenas, Op. 113. La obra completa se encaja dentro del género de la música incidental. En 1811 Beethoven escribió una obertura y música incidental para esta obra de August von Kotzebue, llamada Las Ruinas de Atenas, que tuvo su estrenó en Budapest en 1812.

La obra central del programa es el Concierto para piano n.º 5 en Mi bemol mayor, Op. 73, conocido popularmente como Emperador. Fue compuesto entre 1809 y 1811 en Viena y está dedicado a Rodolfo de Austria, protector y pupilo de Beethoven. Fue estrenado el 28 de noviembre de 1811 en la Gewandhaus de Leipzig. En 1812 Carl Czerny, alumno del compositor, estrenó la obra en Viena. Es un concierto estructurado en tres movimientos, con la habitual plantilla orquestal del momento. Se trata de su último concierto para

Concierto: Andris Nelsons & Yefim Bronfman en el Festival de Lucerna 7 de julio 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



piano y también del más conocido. Es una obra madura en la que se aprecian importantes innovaciones románticas. Pertenece a su período medio, una fase de crisis en que su creciente sordera le lleva a obras épicas y que reflejan su lucha interior. Formalmente dista poco de sus homónimos clásicos. Los dos últimos movimientos se interpretan sin solución de continuidad y, dada la gran longitud del primero, consigue crear la ilusión de dos partes iguales en duración. Se observa en él la inmensa capacidad de desarrollo del maestro: partiendo de motivos musicales sencillos era capaz de generar piezas musicales de gran tamaño y densidad.

Scheherazade de Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908), es una obra compuesta en 1888 y considerada la obra más popular del compositor ruso. Está divida en cuatro movimientos basados en las cuatro historias que Rimsky-Korsakov seleccionó a partir de la famosa recopilación medieval que narra la historia del sultán Shahriar, quien tras haber sido traicionado por su primera esposa juró asesinar a cada una de las siguientes después de la primera noche de bodas. Sheherazade, hija del visir de Shahriar, mantiene su interés despierto con los relatos que le narra durante mil y una noches y logra que posponga su ejecución día tras día hasta que, finalmente, el sultán abandona su cruel propósito. La obra resulta una exquisita mixtura entre dos de las principales características de la música rusa del momento: por un lado una orquestación que rebosa colorido y que es tratada de manera brillante; y por otro el gusto por temas orientalizantes, tan de moda en la Rusia Imperial. En un comienzo los nombres de los cuatro movimientos se iban a reducir a indicaciones someras, aunque posteriormente cambió de idea y decidió asignar títulos que basaban en vagas descripciones de las historias, con el fin de no asociar de manera muy fuerte la música a un posible programa. Finalmente decidió eliminar los nombres y mantener únicamente las indicaciones de tempo y carácter, aunque posteriormente se han recuperado los nombres originales. La obra utiliza de manera consciente algunos motivos que son utilizados para representar a personajes concretos a lo largo de la misma.

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Concierto: Andris Nelsons & Yefim Bronfman en el Festival de Lucerna 7 de julio 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Puro deleite de la mano del pianista Yefim Bronfman y la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, bajo la dirección de Andris Nelsons. Interpretan tres excepcionales obras del repertorio de Ludwig van Beethoven y Nikolai Rimsky-Korsakov, que incluyen el magistral Concierto para piano n.º 5, Emperador, del autor alemán, y Scheherazade Op. 35 del ruso.

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Uno de los éxitos más memorables del verismo, contando con la voces protagonistas de

Jonas Kaufmann y Maria Agresta.

Género: ópera, música clásica, música romántica, verismo.

Intérpretes: Maria Agresta, Jonas Kaufmann, Dmitri Platanias, Tansel Akzeybek, Alessio Arduini; Sächsischer Staatsopernchor Dresden, Salzburger Bachchor, Coro Infantil del Festival de Salzburg; Philipp Stölzl [dirección de escena y escenografía], Ursula Kudrna [vestuario], Heinz Ilsanker [iluminación], Jan Dvořák [dramaturgia].

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden.

Año: 2015.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Salzburg.


I Pagliacci [Payasos] es un drama en dos actos y un prólogo, con música y libreto en italiano de Ruggero Leoncavallo (1857-1919). Alrededor del año 1890, cuando Pietro Mascagni estrenó Cavalleria rusticana, Leoncavallo era un compositor más bien poco conocido. Tras ver el éxito de este con su ópera, decidió escribir una ópera similar con la que alcanzar su triunfo. Le demandaron por plagio del libreto de Catulle Mendès, cuya obra de 1887, titulada La Femme de Tabarin, comparte muchos temas con I Pagliacci,

sobre todo el concepto de metaópera –la obra dentro de la obra–, así como la historia del payaso que asesina a su esposa. La defensa de Leoncavallo fue que la trama de la ópera

Ópera: I Pagliacci Ópera en dos actos de Ruggero Leoncavallo Estreno 8 de julio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



se basa en una historia verdadera que había conocido siendo aún pequeño. Afirmó que un criado lo había llevado a una representación de la Commedia dell’arte en la que los

acontecimientos de la ópera habían realmente ocurrido. También dijo que su padre –que

era juez– había llevado a cabo la investigación criminal, y que por ello tenía documentos que apoyaban dichas alegaciones. Hoy la mayor parte de los críticos están de acuerdo en que el libreto se inspiró verdaderamente en la obra de Mendès, dado que Leoncavallo vivía en París en la época de su estreno, siendo muy probable que viera la obra.

La ópera tuvo su estreno el 21 de mayo de 1892 en el Teatro dal Verme de Milán, dirigida por Arturo Toscanini y con Adelina Stehle como Nedda, Fiorello Giraud como Canio, Victor Maurel como Tonio y Mario Ancona como Silvio. I Pagliacci fue un éxito instantáneo y sigue siendo realmente popular hoy día. Contiene una de las arias de ópera más famosas y populares de la historia del género, Recitar! ... Vesti la giubba, célebre aria para tenor que se ha convertido en emblemática para este tipo de cantante lírico desde Enrico Caruso, pasando después por Miguel Fleta, Giovanni Martinelli, Mario del Mónaco, Giuseppe Di Stefano, Jon Vickers, Carlo Bergonzi, Plácido Domingo, Luciano Pavarotti o Roberto Alagna. I Pagliacci sigue siendo una de las óperas más populares, apareciendo en las estadísticas de Operabase como la n.º 20 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 12.ª en Italia y la primera de Leoncavallo. Desde 1893 se representa en un programa doble con Cavalleria Rusticana de Mascagni, una pareja que habitualmente es conocida de forma coloquial como Cav y Pag. Ambas son las óperas más representativas del denominado verismo.

Esta ópera es una obra que muestra dos niveles de metatextualidad en lo referente a

la apariencia. El primero de ellos al ser una típica obra verista –el verismo es la escuela italiana que proclama la plasmación de la vida diaria con sus miserias y dramas como

objetivo artístico–. El segundo al tratarse de una ópera donde actúan payasos, es decir, seres humanos bajo el hechizo mismo de sus máscaras y personajes, haciendo de I Pagliacci una fantasía que en realidad traslada al espectador a un mundo de realidades, en ocasiones muy alejadas de la risa y el circo. En 1907 se convirtió en la primera ópera integral en ser grabada, bajo la supervisión personal de Leoncavallo. En 1931 se convirtió en la primera ópera completa rodada con sonido. La ópera ha sido grabada varias veces, especialmente durante y después de los años cuarenta; existiendo alrededor de 140 grabaciones.

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Ópera: I Pagliacci Ópera en dos actos de Ruggero Leoncavallo Estreno 8 de julio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Si una ópera verista ha sobrevivido al tiempo ha sido, sin duda y junto a la Cavalleria rusticana de Mascagni, esta I Pagliacci, de Ruggero Leoncavallo. Llega aquí en esta magnífica producción del Festival de Pascua de Salzburg, con un elenco vocal conformado por Maria Agresta, Jonas Kaufmann, Dmitri Platanias, Tansel Akzeybek, y Alessio Arduini. Se les unen los coros Sächsischer Staatsopernchor Dresden, Salzburger Bachchor y Coro Infantil del Festival de Salzburg, así como la Orquesta Estatal de Dresden, con la dirección de Christian Thielemann.

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Un recital ofrecido por una de las mejores orquestas alemanas, junto a un solista y director de lujo, que presentan un programa doble Bartók/Mahler.

Género: concierto, música clásica, música postromántica, música contemporánea, violín, música sinfónica.

Intérpretes: Gil Shaham.

Director: Yannick Nézet-Séguin.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera.

Año: 2014.

Lugar: Herkuleessal der Residenz, München.


La Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera [Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks] fue fundada por Eugen Jochum en 1949. Tiene a Mariss Jansons como director titular hasta 2018. Está considerada como una de las mejores orquestas del mundo y la mejor orquesta de una institución radiofónica del mundo.

Se abre el concierto con el Concierto para violín n.º 2, de Béla Bartók (1881-1945), compuesto entre 1937 y 1938 por el autor húngaro. Creado en un momento en el que la Alemania nazi estaba asolando gran parte de Europa, Bartók temía que Hungría pudiera someterse ante el régimen, con todo el daño cultural que eso conllevaría. Sin embargo, todavía había dos puntos de esperanza en su vida profesional en sus últimos años en su

Concierto: Yannick Nézet-Séguin & Gil Shaham

Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera 9 de julio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador



país natal: el apoyo del mecenas suizo y director de orquesta Paul Sacher, que le encargó tres obras de gran formato, así como la solicitud para un concierto por parte del violinista Zoltán Székely. La primera interpretación del que ha llegado a ser considerado como uno de los grandes conciertos para violín del siglo XX tuvo lugar el 24 de abril de 1939, en manos del propio Székely y la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, dirigida por Willem Mengelberg. Es una partitura de escritura compleja, en la que Bartók utiliza elementos populares pero sin el empleo de melodías populares reales. Varios son los recursos compositivos que describen su lenguaje más característico, además de un uso de la atonalidad, el cromatismo, la variación… que nos trasladan a una visión puramente contemporánea.

La segunda gran obra que completa el programa es la Sinfonía n.º 1, intitulada Titan, que fue comenzada por Gustav Mahler (1860-1911) en el año 1884, sin embargo no como una sinfonía, sino como un poema sinfónico de grandes dimensiones y que adquiere el título de Titan por la novela homónima de Jean Paul, a pesar de que no se inspiró en ella para la composición. Utiliza material procedente de su malograda ópera Rübezahl sobre la que trabajó de forma recurrente y casi obsesiva. Terminada en 1888, la primera versión se estrenó en Budapest en 1889, llevando como nombre Symphonische Dichtung in zwei Teilen. En 1983 se reestrena en Hamburg bajo el nombre de Titan, aunque todavía volvería a trabajar sobre ella y finalmente se estrenará en Berlin (1896), ya sin el sobrenombre y en la forma que nos ha llegado finalmente. La sinfonía quedó finalmente estructurada en cuatro movimientos que requieren una plantilla orquestal de dimensiones enormes. Desafía la escritura de su propio lenguaje grandilocuente, ya que apenas utiliza todos los instrumentos de los que dispone salvo en el último movimiento, quedando los restantes con la cuerda y viento madera como principales protagonistas. Obra de transgresora factura, sufrió un estreno complicado y bastante frío por parte del público y la crítica. Al igual que para muchos de sus colegas directores, la obra era vista como una pieza demasiado moderna y transgresora, especialmente por la concepción burlesca de la marcha fúnebre en el tercer movimiento, además de un último movimiento que se alejaba demasiado de los cánones clásicos a los que se estaba acostumbrados. Actualmente se revela como una obra genial que no es comprendida en su momento, quizá porque se adelantada varios años a lo que está por llegar, denotando así la capacidad creadora de Mahler, que sin duda apoya la visión de que es uno de los compositores más trascendentes de finales del XIX.

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Concierto: Yannick Nézet-Séguin & Gil Shaham Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera 9 de julio

21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador

Sinopsis: De entre las numerosas orquestas que componen el sistema de radiodifusión alemán, sin duda la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera es una de las más destacadas e históricamente respetadas por su inmensa calidad interpretativa. Sirven aquí a la batuta del joven maestro canadiense Yannick Nézet-Séguin, además de al exquisito violín del intérprete estadounidense Gil Shaham, para interpretar dos obras de las más brillantes en el repertorio de los siglos XIX y XX: la Sinfonía n.º 1, «Titan», de Gustav Mahler, y el Concierto para violín n.º 2, de Béla Bartók.

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Celebración de los 200 años del gran compositor húngaro, de la mano de dos de los

intérpretes que más han marcado la música clásica en el siglo XX.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano, música orquestal.

Intérpretes: Daniel Barenboim.

Director: Pierre Boulez.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlín.

Año: 2011.

Lugar: Philharmonie, Essen.


Franz Liszt (1811-1886), excelente compositor, pianista y profesor húngaro, fue uno de los líderes del movimiento romántico en la música. En sus composiciones desarrolló nuevos métodos, tanto imaginativos como técnicos, que dejaron su huella en sus contemporáneos, en una mirada hacia el futuro que anticipa algunas ideas y procedimientos del siglo XX. También desarrolló el método de la transformación de temas, hizo experimentos radicales en la armonía e inventó el género del poema sinfónico. Considerado como el mayor virtuoso de piano en su tiempo, utilizó su sensacional técnica y personalidad concertística cautivante para difundir, a través de sus transcripciones, el conocimiento de la música de otros compositores. Como director de orquesta y maestro, especialmente en Weimar, se convirtió en la figura más influyente de la Nueva Escuela Alemana. Su defensa incesante hacia las figuras de Wagner y Berlioz

Concierto: Celebración Liszt Pierre Boulez, Daniel Barenboim & Orquesta Estatal de Berlín 14 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



ayudó a estos compositores a lograr una fama europea más amplia. Igualmente importante fue su inigualable compromiso con la preservación y la promoción de la mejor del pasado, incluyendo autores como Bach, Händel, Schubert, Weber y, sobre todo, Beethoven; sus interpretaciones de obras tales como la Novena sinfonía y la Sonata Hammerklavier crearon nuevos públicos para esta música hasta entonces considera por muchos como

incomprensible. Las aparentes contradicciones en su vida personal –un fuerte impulso

religioso mezclado con un amor de los sentimientos mundanos– se resolvieron con dificultad. Sin embargo, la gran cantidad de nueva información biográfica sobre su figura hace desterrar definitivamente esa visión mitad gitano, mitad cura que imperaba hasta hace décadas. Sin duda, Liszt contenía en su carácter más de los ideales y aspiraciones del siglo XIX que cualquier otro músico importante del momento.

El programa se nutre principalmente con la interpretación de sus dos primeros conciertos para piano y orquesta. El Concierto para piano n.º 1 en Mi bemol mayor fue concluido en 1849 y estrenado seis años más tarde, el 17 de febrero de 1855, con el propio autor como solista y nada menos que Hector Berlioz al frente de la orquesta. En la partitura manuscrita Liszt denominó esta obra como concerto symphonique. El concierto está dedicado al también compositor y pianista Henry Litolff. Se le considera como su concierto más brillante, perfecto y popular. No hay en él mundos contemplativos, ni ideas profundas, algo en lo que parece Liszt no estaba especialmente interesado, salvo en ciertas excepciones. Lo que sí hay es una enorme fuerza superior, muy superior a su posible trascendencia. Su característica más acusada es el lenguaje y la importancia orquestal, la cual sobreviene sin que el piano pierda protagonismo, que se hace efectiva bien a través de intervenciones de distintos solistas, bien con los poderosos tutti de una formación que emplea, alejada de la escritura clásica, un gran conjunto que incluye trombones y una rica y brillante percusión.

El Concierto para piano n.º 2 en La mayor fue comenzado en 1839 y no terminado hasta 1861, debido a un largo historial de revisiones. La obra se estructura en un curioso y extenso único movimiento, que es a su vez dividido en seis secciones claramente

diferenciadas. La obra Liszt fue dedicada a Hans von Bronsart –de quien era profesor–, que

fue el encargado de su estreno –contando con la dirección del propio Liszt– el 7 de enero de 1857 en Weimar. Como en el anterior destaca sobremanera la técnica de la transformación temática, tan puramente lisztiana. Es un brillante ejemplo de la técnica de Liszt y de su singular modo de encarar la forma, en solo movimiento que combina aspectos de un concierto de cuatro movimientos.

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Concierto: Celebración Liszt Pierre Boulez, Daniel Barenboim & Orquesta Estatal de Berlín 14 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No todo los días se puede disfrutar de la conjunción legendaria de Daniel Barenboim al piano y la dirección de Pierre Boulez. Se unen para conmemorar el 200.º aniversario del nacimiento del gran Franz Liszt, acompañados de la Orquesta Estatal de Berlín. Un programa que presenta a Barenboim interpretando los dos primeros conciertos para piano de Liszt por primera vez juntos en vivo, a lo que añaden dos breves obras de Richard Wagner.

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La otra gran ópera verista de la historia, con gran producción desde Salzburg y las voces

de Liudmyla Monastyrska y Jonas Kaufmann.

Género: ópera, música clásica, música romántica, verismo.

Intérpretes: Liudmyla Monastyrska, Jonas Kaufmann, Stefania Toczyska, Ambrogio Maestri, Annalisa Stroppa, Paul Clementi; Sächsischer Staatsopernchor Dresden, Salzburger Bachchor, Coro Infantil del Festival de Salzburg; Philipp Stölzl [dirección de escena y escenografía], Ursula Kudrna [vestuario], Heinz Ilsanker [iluminación], Jan Dvořák [dramaturgia].



Año: 2015.



Cavalleria rusticana es una ópera en un acto con música de Pietro Mascagni [1863-1945] y libreto en italiano de Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menasci, basado en un relato del novelista Giovanni Verga. Considerada una de las clásicas óperas del verismo, tuvo su estreno el 17 de mayo de 1890 en el Teatro Constanzi de Roma. En julio de 1888 el editor milanés de música, Edoardo Sonzogno, anunció una competición para cualquier joven compositor italiano que aún no hubiera visto una ópera suya representada sobre el escenario. Cualquiera podría presentar una ópera en un acto, siendo las tres mejores

Ópera: Cavalleria rusticana Ópera en un acto de Pietro Mascagni Estreno 15 de julio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



seleccionadas –por un jurado de cinco destacados críticos y compositores italianos– para representarse en Roma. Mascagni tuvo noticia de dicho concurso solo dos meses antes de la fecha final, por lo que pidió a su amigo Giovanni Targioni-Tozzetti, poeta y profesor de literatura, que le proporcionara un libreto para poder musicalizar. Targioni-Tozzetti eligió para ello Cavalleria rusticana, un cuento popular de Verga. Él, junto con su colega Guido Menasci, comenzaron a dar vida al libreto, enviándoselo a Mascagni por fragmentos, en ocasiones incluso solo unos pocos versos. La ópera fue finalmente presentada el último día del plazo. Setenta y tres óperas se presentaron, seleccionando los jueces las tres obras finalistas: Labilia de Niccola Spinelli, Rudello de Vincenzo Ferroni y Cavalleria rusticana.

A pesar de que Mascagni ya había comenzado la composición de otras dos óperas

anteriormente –Pinotta [1932] y Guglielmo Ratcliff [1895]–, Cavalleria rusticana fue su primera ópera en ser concluida y representada. Ha pasado a la historia como la más trascedente de sus quince óperas, pues además de esta, únicamente Iris y L'amico Fritz han conseguido permanecer en el repertorio estándar. Su éxito ha sido un fenómeno desde su primera representación. Cuando Mascagni murió en 1945, la ópera había alcanzado, tan solo en Italia, las catorce mil representaciones. Su libreto resulta muy adecuado para una ópera verista: la atmósfera cargada de pasión, los caracteres, la concentración de la acción en pocas horas, los contrastes entre la mañana de Pascua y el presentimiento de la muerte constituyen un verdadero acierto. Aun cuando no se pueda decir que la partitura sea genial desde todos los ámbitos, su logrado dramatismo conmueve siempre al oyente. El empleo de las voces es tan brillante como el de la orquesta. Uno podría preguntarse dónde adquirió el compositor semejante maestría siendo tan joven y viniendo de un medio tan modesto.

Cavalleria rusticana sigue siendo una de las óperas más populares, apareciendo en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 27 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 16.ª en italiano y la primera de Mascagni. Por su corta duración, desde 1893 se ha representado a menudo en un programa doble de dos horas y media llamado Cav y Pag, junto a I Pagliacci de Ruggero Leoncavallo. Hay piezas que suelen interpretarse por separado en conciertos, como los coros o el intermedio orquestal. Se han realizado más de ciento veinte grabaciones integrales de Cavalleria rusticana, publicadas desde que fue grabada por vez primera en Alemania en 1909. Además del original italiano, se han realizado grabaciones de la obra en inglés, francés, alemán y húngaro.

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Ópera: Cavalleria rusticana Ópera en un acto de Pietro Mascagni Estreno 15 de julio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Cavalleria rusticana conforma, junto a I Pagliacci, el gran dúo de óperas veristas de la historia. Este magnífico título, de Mascagni, llega en esta magnífica producción del Festival de Pascua de Salzburg, con la voces de Liudmyla Monastyrska, Jonas Kaufmann, Stefania Toczyska, Ambrogio Maestri, Annalisa Stroppa y Paul Clementi. Se les unen los coros Sächsischer Staatsopernchor Dresden, Salzburger Bachchor y Coro Infantil del Festival de Salzburg, así como la Orquesta Estatal de Dresden, con la dirección de Christian Thielemann.

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Uno de los pianistas más legendarios del siglo XX acompañado por una orquesta de lujo,

interpretando dos magnas obras del gran Johannes Brahms.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano, sinfónica.

Intérpretes: Maurizio Pollini.



Año: 2013.

Lugar: Semperoper, Dresden.


Maurizio Pollini (1942), pianista italiano, es uno de los grandes representantes del instrumento en la segunda mitad del siglo XX, y aún en la actualidad. Su agilidad, virtuosismo y su gusto por el repertorio más complejo se desarrollaron en él temprano, durante sus estudios con Carlo Lonati y Carlo Vidusso. Como estudiante que obtuvo el segundo premio en el Concurso Internacional de Ginebra 1957, y su graduación en el Conservatorio de Milán en 1959, le siguió la victoria en el Concurso Ettore Pozzoli ese año, y ya en 1960 en el Concurso Chopin de Warszawa. A estas alturas ya se había ganado la reputación de perfeccionista problemático, para retirarse después de la escena internacional para consolidar su técnica y repertorio. A su regreso en 1968, el impacto que causó fue sensacional. Firmó un contrato con Deutsche Grammophon y en la década

Concierto: Christian Thielemann & Maurizio Pollini Interpretan a Johannes Brahms Estreno 16 de julio 20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Colombia/Ecuador



siguiente realizó una serie de grabaciones de diversos compositores, que se encuentran entre lo mejor de la fonografía. Sus interpretaciones se caracterizan por una combinación de claridad, el poder y la lucidez intelectual, lo que sugiere su admiración por Michelangeli.

En este programa recital destaca la figura de Johannes Brahms (1833–1897), uno de los grandes maestros de la historia de la música alemana y uno de los referentes a nivel occidental dentro del Romanticismo. Sucesor de Ludwig Van Beethoven y Franz Schubert en las formas más compositivas de mayor formato, además de en la música de cámara y las composiciones orquestales; pero también del propio Schubert y Robert Schumann en las formas musicales en miniatura, como las piezas para piano y las canciones. Hay en su música coral un verdadero puente tendido entre los polifonistas del Renacimiento y el Barroco y la creación coral del siglo XIX. Las obras de Brahms sintetizan las prácticas de tres siglos con el color del folklore y el lenguaje de la música culta de mediados y finales del siglo XIX. Su obra, de pasión controlada, es considerada reaccionaria y epigonal por algunos, así como progresiva por otros, llegando a ser muy valorada y respetada en vida del autor, y reverenciada como una absoluta genialidad por el público, la crítica y los intérpretes de la actualidad.

De él se interpretan dos de sus grandes obras, en primer lugar su Concierto para piano n.º 2, comenzado a componer en la primavera de 1878 y terminado en el verano de 1881. El compositor mismo actuó como solista en el estreno, bajo la dirección de Hans von Bülow en Zurich, el 27 de noviembre de 1881. La obra merece ser escuchada por lo que es, un gran concierto romántico para piano y orquesta. No es un concierto clásico, ni una sinfonía con piano. Brahms lo consideró con su habitual autodesaprobación: Quiero decirle que he compuesto un muy pequeño concierto con un muy pequeño scherzo. Está escrito en la tonalidad de Si bemol mayor y me temo que he exigido mucho y demasiado frecuentemente de esta ubre, que en muchas ocasiones ha dado tan excelente leche. Dicho muy pequeño concierto es una de los obras para piano más extensa de la literatura musical europea, elaborando ese muy pequeño scherzo como un movimiento completamente desarrollado entre los movimientos primero y tercero, siendo atípico por su número de movimientos y su situación. Por su parte, la Sinfonía n.º 2 se inició en junio de 1877, siendo terminada en el siguiente otoño y estrenada el 30 de diciembre de 1877 por la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Hans Richter. Después de años de lucha para componer la Primera Sinfonía, Brahms descubrió que era mucho más fácil componer la Segunda. Trabajaba mejor lejos de la ciudad, y así la escribió en pocos meses, en una pequeña ciudad a orillas del lago de Wörth. La Segunda es una obra de arte de construcción compacta e inventiva rítmica y presenta interesantes paralelismos con la obra de Beethoven.

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Concierto: Christian Thielemann & Maurizio Pollini Interpretan a Johannes Brahms Estreno 16 de julio 20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No siempre se puede disfrutar de uno de los mejores pianistas del último siglo interpretando otro de los grandes conciertos para piano en la historia. Maurizio Pollini se une a Orquesta Estatal de Dresden y Christian Thielemann para ofrecerle su magnífica interpretación del Concierto para piano n.º 2 y la Segunda Sinfonía, ambas de Johannes Brahms.

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Una de las grandes óperas francesas de todos los tiempos, en magnífica producción

del Festival de Salzburg, con un extraordinario elenco artístico.

Género: ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Piotr Beczala, Ildar Abdrazakov, Maria Agresta, Alexey Markov, Tara Erraught, Paolo Rumetz, Marie-Ange Todorovitch; Coro Philharmonia Vienna; Rinhard von der Thannen [dirección de escena, escenografía y vestuario], Frank Evin [iluminación], Giorgio Madia [coreografía], Birgit von der Thannen [dramaturgia].

Director: Alejo Pérez.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena; Academia de Verano Angelika Prokopp de la Filarmónica de Viena.

Año: 2016.


Duración: 185 minutos. Fausto [Faust] es una grand opera en cinco actos con música de Charles Gounod (1818-1893) y libreto en francés de Jules Barbier y Michel Carré, en una versión de la leyenda de Fausto, que adapta la pieza teatral Faust et Marguerite de los propios Barbier y Carré, inspirada levemente en la primera parte del Faust de Goethe. Su estreno tuvo lugar en el Théâtre Lyrique de París, el 19 de marzo de 1859. Gounod se decidió a tratar el tema de Fausto respondiendo al clima general de admiración por la intelectualidad germánica que se estaba creando en Francia, y que generaría la adaptación de obras de Goethe para la escena francesa. Faust no fue aceptada en el Teatro de Ópera Nacional por ser poco vistosa, y el estreno en el Lyrique tuvo que retrasarse un año porque se presentaba el

Ópera: Fausto Ópera en cinco actos de Charles Gounod Estreno 22 de julio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



drama Fausto de Adolphe d'Ennery en Porte St. Martin. El gerente del teatro, Léon Carvalho, designó a su esposa Marie Miolan-Carvalho, para interpretar el personaje de Marguerite, e impuso varios cambios durante la producción, incluso llegó a suprimir algunas partes. Incluía diálogos hablados que posteriormente, con ocasión de la primera representación en Estrasburg, en abril de 1860, fueron sustituidos por recitativos.

Faust no fue inicialmente bien recibida, pero su editor, Antoine Choudens, que había adquirido los derechos por diez mil francos, emprendió una gira con la obra por Alemania, Bélgica, Italia e Inglaterra, con la misma Marie Caroline Carvalho en el papel principal. Para esta gira se cambió el diálogo hablado de la versión original por recitativos. En 1862, tres años después del estreno, se repuso en París, y esta vez fue un éxito. Allí gozó de trescientas catorce funciones en los diferentes escenarios del Théâtre-Lyrique hasta abril de 1869, después fue representada ciento sesenta y seis veces desde el año 1869 al 1875 en la Ópera [Salas Le Peletier y Ventadour]. La obra conoció una larga carrera internacional y gozó de una inmensa popularidad: fue representada más de dos mil cuatrocientas veces en la Ópera Garnier. Fue la obra con la que se inauguró la Metropolitan Opera en la ciudad de Nueva York el 22 de octubre de 1883, siendo la 8.ª más representada ahí, con más de setecientas cincuenta representaciones. Sigue siendo una de las óperas más populares, apareciendo en las estadísticas de Operabase aparece como la n.º 35 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 3.ª en francés y la primera de Gounod.

Si no se compara el trabajo de los libretistas con la obra de Goethe, es posible apreciar aspectos positivos en su trabajo, sobre todo la hábil adaptación escénica, la selección de cuadros variados y emocionantes, la distribución de puntos culminantes y oasis líricos. De Goethe queda poco más que un argumento exterior, que sigue logrando conmover y emocionar. El sentido profundo del elemento demoníaco se ha perdido completamente.

A pesar de eso –o gracias a ello– es una obra que ofrece excelentes resultados. También Gounod se ha alejado del drama original de Goethe en su música, cuyo demonismo en ningún momento se expresa en la partitura. Pero es un gran melodista, muestra una espléndida línea de canto y ofrece una técnica orquestal brillante. Muchas partes de la ópera se han vuelto muy populares y siguen siéndolo hoy por su fácil comprensión. Es la música indicada para una grand opera, muy efectiva y con sonidos embriagadores.

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Ópera: Fausto Ópera en cinco actos de Charles Gounod Estreno 22 de julio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La ópera francesa tiene en Charles Gounod a uno de sus máximos valedores en el siglo XIX, pero también en el desarrollo del género en su historia. Pueden comprobarlo disfrutando de esta excelente producción de Faust, a cargo del Festival de Salzburg, una de sus óperas más celebradas. Está interpretada por los solistas Piotr Beczala, Ildar Abdrazakov, Maria Agresta, Alexey Markov, Tara Erraught, Paolo Rumetz, Marie-Ange Todorovitch, a los que acompaña el Coro Philharmonia Vienna y la Orquesta Filarmónica de Viena, todos bajo la dirección de Alejo Pérez.

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Un espectáculo de danza absolutamente impresionante, en el que se combina, como

nunca se ha visto, la danza humana con la cetrería.

Género: ballet, música clásica, danza contemporánea.

Intérpretes: Aurore Castan Ain, Mélisande Carré Angeli, Marie‐Laure Agrapart, Tuomas Lahti [bailarines], Luc Petton [dirección artística, concepto y coreografía], Xavier Rosselle [música], Jean Paul Céalis [escenografía], Raul Pajaro Gomez [vestuario], Sylvie Vautrin [iluminación], Tristan Plot, Julie Durdilly, Francçois Coquet [pajarería y cetrería].

Año: 2012.

Lugar: Thèâtre de Vénissieux.


El secreto de los pájaros es una amalgama sin precedentes, en un espectáculo que combina de manera inédita a cuatro bailarines y treinta pájaros, todos ellos invitados a convivir sobre el escenario. El resultado es un largo y elaborado proyecto llevado a cabo con unos pajareros y los propios bailarines, en un espectáculo que reúne arrendajos, cacatúas, estorninos, urracas, periquitos y cuervos, los cuales danzan con la intérpretes en unas representaciones cada vez únicas y espectaculares. Luc Petton logra, través de esta oda a la libertad y a la belleza de los movimientos, una gestualidad enérgica que es a la

Ballet: El secreto de los pájaros Pieza para cuatro bailarines y treinta pájaros, de Luc Petton Estreno 23 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



vez delicada y elegante, símbolo de los intercambios y las conexiones entre el hombre con la Naturaleza.

El secreto de los pájaros es un espectáculo de danza contemporánea que incluye la presencia de aves en su hábitat natural. Se caracteriza por pasajes de danza sin los pájaros, que bien pueden ser secuencias lentas y otras rítmicas, alternando con otras en las que participan las aves, que suelen ser generalmente más lentas y contemplativas. El espectáculo incluye además una creación sonora en parte grabada, en parte transmitida en vivo por un músico que improvisa al saxofón tenor. Las limitaciones técnicas asociadas con la presencia de aves se suman brillantemente a las características técnicas del espectáculo y al resto de posibilidades escénicas, como en los juegos de iluminación y proyecciones. El escenario está meticulosamente adecuado a las condiciones, cerrado

por una valla –invisible desde la sala– y contando además con todas las medidas de precaución para evitar asustar a los pájaros por cualquier ruido o evento inesperado, así como evitar que ellos pueden proporcionar cualquier desajuste que perturbe el curso de la representación. El espectáculo presenta nueve escenas que representan el total del evento, de casi una hora de duración.

Las cualidades esenciales de este espectáculo son la siguientes: I. una construcción coreográfica inteligente y dinámica, a lo largo de nueve escenas relacionadas entre sí y conectadas por transiciones imaginativas e inteligentes; II. una comunicación muy especial entre las aves y los bailarines, tanto de orden carnal y físico, como a nivel de confianza, construyendo en torno a sí un espacio poético casi místico y arcaico; III. una dimensión onírica relacionada con las aves, no únicamente a través de su presencia y la interacción con los bailarines. El vuelo, la huida del suelo por los bailarines y la música parecen darles alas a los solistas por derecho propio. Las vivencias en la sala por parte del espectador están repletas de sorpresas y apariciones inesperadas. A veces uno ve un pájaro desde la distancia, a veces surge por encima del hombro de un bailarín, que le sigue movimiento, a veces un pájaro se da la vuelta y vuelve donde no esperamos… Para restaurar estas dimensiones de sorpresa y asombro ligadas a la presencia de aves en un espacio inusual, la captura escénica y visual logra proporcionar una visión íntima, transcribiendo en la proximidad y en detalle lo que en un teatro se vive a una distancia remota y una escala más pequeña.

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Ballet: El secreto de los pájaros Pieza para cuatro bailarines y treinta pájaros, de Luc Petton Estreno 23 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Luc Petton, la Compagnie Le Guetteur y la Bienal de la danza de Lyon coproducen este mágico e inédito espectáculo que combina lo mejor de la danza contemporánea con la conexión entre el ser humano y la Naturaleza, en un evento que mezcla sobre el escenario a cuatro bailarines y treinta pájaros. Los bailarines Aurore Castan Ain, Mélisande Carré Angeli, Marie‐Laure Agrapart y Tuomas Lahti se unen a la dirección artística, concepto y coreografía de Luc Petton, la música de Xavier Rosselle y el trabajo de cetrería llevado a cabo por Tristan Plot, Julie Durdilly y Francçois Coquet, en este espectáculo que les dejará boquiabierto.

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Una magnífica velada de la mano del gran George Gershwin, de quien estos dos grandes

intérpretes y la orquesta angelina interpretan tres de sus obras.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, jazz, música orquestal.

Intérpretes: Herbie Hancock.

Director: Gustavo Dudamel.

Orquesta: Filarmónica de Los Angeles.

Año: 2011.

Lugar: Walt Disney Concert Hall, Los Angeles.


El gran compositor George Gershwin (1898-1937), a la sazón pianista y director estadounidense, está unido de manera indefectible a Tin Pan Alley y al desarrollo musical de Broadway, aunque también supo desarrollar una faceta como concertista y compositor del repertorio académico. Rhapsody in Blue en sin duda una de sus grandes obras. Compuesta en 1942, se trata de una curiosa y e interesante mezcla de elementos del mundo del jazz y de la música clásica. Es en realidad una obra para piano y big band jazzística que toma el nombre de Blue con un doble sentido: como referencia al género musical blues y como el estado de ánimo que el término inglés especifica en melancólico. Fue estrenada en el Aeolian Hall de New York en febrero de 1924, haciendo patente su carácter experimental bajo el título An Experiment in Modern Music. La obra es un encargo de Paul Whiteman, para ser estrenada con su orquesta en un concierto con obras de otros compositores de importancia en el momento. En ella Gershwin conjuga de manera brillante elementos fundamentales de la música de su país: la tradición popular pianística, el tratamiento armónico de la música del teatro de variedades y toda la atmósfera del blues

Concierto: Rhapsody in Blue Herbie Hancock, Gustavo Dudamel & Filarmónica de Los Angeles 28 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



afroamericano. El autor logra aquí una maravillosa creación que aúna la música sinfónica con el jazz y un sinfín de elementos de ambos, convirtiendo a esta pieza en un logro casi épico que la eleva a una de las grandes obras del siglo XX. Obertura cubana es una obertura o breve poema sinfónico para orquesta, originalmente titulado Rumba, que surgió como resultado de unas vacaciones de dos semanas que Gershwin tomó en La Habana, en febrero de 1932. Gershwin compuso la pieza en julio y agosto de 1932. La obertura está dominada por los ritmos caribeños y percusión nativa de Cuba, con un amplio espectro de color instrumental y de técnica. Se trata de una obra rica y emocionante en complejidad y sofisticación, que ilustra la influencia de la música y la danza cubana. Su tema principal fue influenciado por una canción muy en boga en ese momento, de Ignacio Piñeiro, Échale Salsita. Un americano en Paris es otro poema sinfónico, esta vez influido por la estancia en la capital francesa del autor. Compuesta en 1928, se estrenó el 13 de diciembre de 1928 en el Carnegie Hall de New York, bajo la batuta Walter Damrosch. Destaca especialmente por su cercanía con el jazz, así como el uso de melodías y ritmos influidos directamente por el swing o el blues. El gran pianista estadounidense Herbie Hancock (1940) es el protagonista solista de la velada. Es sin duda uno de los grandes pianistas de la escena del jazz en el siglo XX. Su carrera se ha desarrollado ligada siempre al jazz, en cualquiera de sus géneros, de los que ha interpretado prácticamente la totalidad, a excepción del llamado free jazz. Es además compositor, y algunas de sus creaciones se han convertido en auténticos greatest hits del jazz contemporáneo.

Por su parte, Gustavo Dudamel es sin duda uno de los directores referenciales en el panorama de la música clásica actual. A pesar de su juventud, el artista venezolano llevo años ocupando un lugar de privilegio en el complejo y exigente mundo de la dirección orquestal. Se formó desde su infancia en el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra social y cultural del estado venezolano, también conocida como El Sistema, concebida en 1975 por el maestro y músico venezolano José Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de orquestas sinfónicas y coros. Dudamel es sin duda el buque insignia de El Sistema. La pasión con la que dirige continúa vigorizando a públicos de todas las edades en todo el mundo. Actualmente es el director musical de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela [OSSBV] y de la Filarmónica de Los Ángeles [LA Phil], y el impacto de su liderazgo musical se siente en varios continentes.

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Concierto: Rhapsody in Blue Herbie Hancock, Gustavo Dudamel & Filarmónica de Los Angeles 28 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un evento musical que les fascinará, en el que el excepcional pianista Herbie Hancock se une a la Orquesta Filarmónica de Los Angeles y la batuta de su titular, el talentoso Gustavo Dudamel, para ofrecer un monográfico George Gershwin, el compositor que aniquiló la línea que separaba la música clásica de la popular.

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Magnífica producción de la Royal Opera House londinense, con el dúo protagonista

encarnado en las voces de Opolais y Kaufmann.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Plácido Domingo, Marina Poplavskaya, Joseph Calleja, Ferruccio Furlanetto, Jonathan Summers, Lukas Jakobski, Louise Armit, Lee Hickenbottom; Coro de la Royal Opera House; Elijah Moshinsky [dirección de escena], Michael Yeargan [escenografía], Peter J. Hall [vestuario], John Harrison [iluminación].

Director: Antonio Pappano.

Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House.

Año: 2010.

Lugar: Royal Opera House, London.


Simon Boccanegra es una ópera en un prólogo y tres actos de Giuseppe Verdi (1813-1901), sobre libreto en italiano de Francesco Maria Piave, Giuseppe Montanelli y Arrigo

Boito –encargado de la revisión–, que a su vez está basado en la pieza teatral homónima de Antonio García. Tras su exitosa trilogía entre 1851 y 1853 [Rigoletto, Il trovatore y La traviata) Verdi no había vuelto a estrenar ninguna otra ópera en su país. El Teatro de la Fenice de Venezia le encargó entonces una nueva obra. El maestro eligió esta historia, tras lo que esbozó el argumento y pidió un libreto a Piave. La composición fue terminada a finales de 1856 y se estrenó el 12 de marzo de 1857, en la Fenice, pero fue un fracaso

Ópera: Simon Boccanegra Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 29 de julio 15:00 Argentina/Uruguay | 21:10 Colombia/Ecuador



total. La obra quedó en el olvido durante casi un cuarto de siglo. Sin embargo, Verdi quiso retomarla cuando conoció a Arrigo Boito, y le propuso una reelaboración. Los cambios en el texto y en la música fueron significativos: se limitaron las arias orientándolas hacia el drama musical, los recitativos apoyados por la orquesta se desarrollaron dramáticamente, los enlaces con leitmotiv se elaboraron más cuidadosamente. La definitiva versión se estrenó el 24 de marzo de 1881 en la Scala de Milano.

La vida del dux genovés Simon Boccanegra ya se trató con anterioridad, siendo el primero de ellos Schiller en La conjuración de Fiesco, aunque Verdi prefirió tomar el argumento del texto del escritor español García Gutiérrez, quien ya le había servido como fuente de inspiración en su Il trovatore. Lamentablemente, los libretos de ambas óperas se encuentran entre los más oscuros y confusos a los que Verdi puso música. No les falta grandeza, pasión y situaciones dramáticas, pero la acción como tal carece de fluidez, por lo que terminó resultando densa y poco fluida para el público. Los múltiples acontecimientos que se suceden, no solo sobre el escenario, sino fuera de escena, hacen que la obra sea difícilmente inteligible. A esto hay que añadir que la acción se extiende a lo largo de más de veinte años, que muchos personajes importantes utilizan nombres falsos, que se presuponen conocimientos de la historia de Genova, con sus luchas entre güelfos y gibelinos, entre aristócratas y plebeyos, que se tejen innumerables intrigas, se elaboran planes, el amor se transforma en odio y viceversa; y que todo esto está puesto en música, cuyo constante fluir sinfónico hace difícilmente comprensibles amplias partes del texto.

A pesar de ello, Verdi fue capaz de crear una de sus óperas más espléndidas en lo musical. La melodía fluye con perfecta regularidad desde la primera hasta la última escena; ya no se divide en números separados, como sucede en Rigoletto o Il trovatore, sino que une cada cuadro formando una unidad completa. Los recitativos tienen una forma tan dramática y son subrayados de una manera tan plástica por la orquesta, que no desmerecen frente a las partes cantadas a solo, los dúos y los números de conjunto. El tratamiento de las voces ya no sigue el sencillo principio del bel canto, sino que profundiza hasta convertirse en una verdadera descripción del alma. Por último, a la orquesta se le ha reservado un espacio que no posee ninguna obra italiana de la época. La definición adecuada para Simon Boccanegra sería dramma musical italiano, pues es la continuación directa y el desarrollo inevitable de Macbeth y por lo tanto el camino hacia Aida y Otello.

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Ópera: Simon Boccanegra Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 29 de julio 15:00 Argentina/Uruguay | 21:10 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos a la Royal Opera House londinense para deleitarse con unos de los títulos operísticos más impresionantes del catálogo de Giuseppe Verdi. Este Simon Boccanegra magnífico, que llega en versión de unas voces fascinantes: Plácido Domingo, Marina Poplavskaya, Joseph Calleja, Ferruccio Furlanetto, Jonathan Summers, Lukas Jakobski, Louise Armit, Lee Hickenbottom. Están acompañados por el coro y la orquesta de la Royal Opera House de Londres y la dirección de Antonio Pappano.

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El gran presente de la música Reggae, en un fantástico concierto desde el célebre festival

de verano francés

Género: concierto, música popular, world music, reggae.

Intérpretes: Meta Dia, Shahar Mintz, Aya Kato, Rupert McKenzie, Hocine Benameur, Biguy Melindji, Makeda M. Mvoula, Arianne Bajard Behr.

Año: 2014.

Lugar: Jardin de Ville, Grenoble.


Cabaret Frappé es festival de verano al aire libre que se celebra anualmente en la localidad francesa de Grenoble, contando con la financiación de ciudad de Grenoble, el departamento de Isère y la región Rhône-Alpes. Cabaret Frappé tiene lugar en el corazón de la ciudad, el Jardin de Ville, y reúne anualmente a cincuenta mil personas por año. Cada velada comienza diariamente a las 18 horas, con lecturas en el jardín de rosas, y continúa con los conciertos nocturnos. Entre la programación musical se organizan diversas actividades: lecturas, juegos del mundo, arte en la calle, serigrafía… Desde 2016, el festival es totalmente libre, con un único escenario accesible para todos, el Jardin de Ville. Algunos de los conciertos son grabados y retransmitidos en téléGrenoble Isere.

En la edición de 2014 se presentó en la programación este concierto, protagonizado por Meta & The Cornerstones, que han sido definidos como los Bob Marley africanos [New York Times] o El futuro de la música Reggae [Nat Geo Music]. Liderados por Meta Dia,

World: Meta & The Cornerstones Cabaret Frappé 2014 Estreno 29 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



cuyos inolvidables vocales se complementan con los incomparables sonidos de su banda The Cornerstones, la música de Meta & The Cornerstones es cálida y carnal, sumamente adictiva, y está destinada a cambiar para siempre la dinámica de la música Reggae mundial. Nacido en Senegal, el cantante, Meta Dia, descubrió su amor por la música y el deseo de ser un músico a una edad muy temprana. Escuchando el Reggae de los grandes, como Bob Marley y Gregory Isaacs, fue nutriendo su admiración y verdadero aprecio por este y otros tipos de música. Como músico autodidacta, a los catorce años ya se presentaba en la calle y los escenarios de su ciudad natal, Dakar. En el año 2000 Meta formó su primera banda, Yalla Suuren, que fue nominada para el Mejor Grupo de Hip-Hop/Reggae por el Centro Cultural Francés ese mismo año. En tan solo dos años Meta se convierte en una de las voces pioneras de la cultura Hip-Hop en África Occidental. Después de trasladarse a los Estados Unidos, inmediatamente comenzó a colaborar con artistas como Sean Blackman, y el embajador del Hip-Hop, Toni Blackman.

Poco después de establecerse en la ciudad de Nueva York formó su visionario banda, Meta & The Cornerstones. Con influencias étnicas, religiosas y musicales realmente variopintas, el sonido de Meta & The Cornerstones es un crisol arraigado en la diversidad, la fuerza y la unidad. El vocalista Meta Dia viene de Senegal, el guitarrista Shahar Mintz de Israel, y el teclista Aya Kato de Japón, uniéndose a jamaicanos como Rupert McKenzie, en el bajo, y esto solo por poner algunos ejemplos. Todos combinan sus diferencias y similitudes creativas, de África, Oriente Medio, el Caribe y América, para expresarlas claramente en el repertorio de la música de banda. A través del genio musical puro y de humildes espíritus, la banda fusiona exitosamente la música Reggae, el Afro-Pop, Hip-Hop, Rock y Soul, junto con letras apasionadas y cantadas en inglés, francés, wolof y fulani, entre otros. Meta & The Cornerstones canalizan las raíces del Reggae al mismo tiempo que respiran una nueva vida para el género, creando así lo que los críticos han llamado una experiencia espiritual palpitante. Inspirados por Alpha Blondy y Lucky Dubee, han compartido escenario con las estrellas del Reggae: Luciano, Steel Pulse, Clinton Fearon, Israel Vibration o Tanya Stephens. En 2008 lanzaron con orgullo su primer álbum titulado Forward Music. Meta es el primer artista africano en firmar con el sello discográfico emblemático VP Records, el número uno para el Reggae. A través de VP, Meta & The Cornerstones lanzaron su segundo álbum Ancient Power.

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World: Meta & The Cornerstones Cabaret Frappé 2014 Estreno 29 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Siéntese a disfrutar de este concierto, celebrado en el magnífico Cabaret Frappé 2014, en el que pueden deleitarse con Meta & The Cornerstones, presente y futuro del Reggae, uno de los géneros con más personalidad y pasión en la música popular urbana. Si son apasionados del género, este concierto les fascinará. Si no, descubrirán una música que les hará levantarse de sus asientos.

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Una de las grandes colecciones sacras del genial compositor cremonés, en una magnífica interpretación ofrecida desde la catedral de San Esteban de Viena.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música sacra.

Intérpretes: Soetkin Elbers, Theresa Dlouhy, Jakob Huppmann, Markus Forster, Tore Tom Denys, Markus Miesenberger, Joel Frederiksen, Gerd Kenda.

Director: Rubén Dubrovsky.

Orquesta: Vienna Bach Consort.

Año: 2014.

Lugar: Catedral de San Esteban, Viena.


Claudio Monteverdi (1567-1643), de quien este 2017 se celebran los 450 años de su nacimiento, es a todas luces una de las figuras más transcendentales en la historia de la música. En él se personaliza, casi como en ningún otro, el paso de la estética renacentista a la barroca, tanto en el ámbito de la música profana como de la sacra. Desarrolló su carrera en torno a tres ciudades fundamentales: su Cremona natal, la Mantova que le vio desarrollarse, y la Venezia que acogió al compositor ya establecido, catapultándolo a la fama. Creador de la primera gran ópera de la historia [L’Orfeo, 1607], así como de otras dos óperas que han pasado a considerarse como ejemplos fascinantes del género, fue en el terreno del madrigal donde fue capaz de mostrar toda la evolución desde el madrigal

Concierto: Tesoros barrocos – Claudio Monteverdi Selva morale e spirituale

Estreno 30 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



puramente renacentista hasta el mejor ejemplo de madrigal barroco, del que fue, además, el máximo exponente. En la música sacra supo transitar por los géneros habituales, heredados de la tradición polifónica del XVI, para elevarlos a su máxima exigencia técnica y expresiva, como se demuestra en sus dos grandes colecciones religiosas: Vespro della beata Vergine y Selva morale e spirituale.

Tan solo dos años –o tres, pues si bien la fecha de la edición original es una, la dedicatoria

que aparece en la misma es del año siguiente– después de la publicación de su Ottavo Libro de Madrigali, que supone el culmen de su carrera como madrigalista, aparece publicada su Selva morale e spirituale [Venezia, Bartolomeo Magni, 1640/1641]. Se trata sin duda de su colección sacra más ambiciosa, rebosante de genialidad en la impresionante cifra de sus cuarenta piezas. Si bien su calidad es excepcional, no ha encontrado el predicamento ni la atención de su Vespro della Beata Vergine. Dice Fabbri, el gran especialista monteverdiano, al respecto: Al igual que el Octavo libro provoca admiración como un notable clímax de la carrera de Monteverdi como madrigalista, la Selva morale e spirituale es una digna corona a su continua exploración de la invención y la experimentación de extremos expresivos dentro del ámbito de la música sacra. Monteverdi debió haberla ido preparando aproximadamente al mismo tiempo que el libro octavo, y representa su mayor colección sacra, un compendio de casi treinta años de experiencia como maestro de capilla de la iglesia.

Si su Octavo Libro es un dechado de variedad en todo los sentidos, su Selva morale e spirituale lo es aún más, pero en el ámbito sacro. La colección puede dividirse de manera clara en cinco secciones: I. cinco obras adscribibles al madrigal espiritual [n.º 1-5]; II. una Messa a 4 da capella con cuatro musicalizaciones extras de algunas de sus partes [ 6-10]; III. una notable serie de salmos [12-25]; IV. himnos [26-32]; V. música para uso en festividades marianas [33-39]. Quedaría suelta el último número, su contrafactum del Lamento d’Arianna, titulado aquí Iam morir mi fili. La variedad en la concepción de la

instrumentación y las voces –que detalla de manera fantástica en la tavola inicial– es absolutamente fascinante, todo un ejemplo de su capacidad creadora.

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Concierto: Tesoros barrocos – Claudio Monteverdi Selva morale e spirituale Estreno 30 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Selva morale e spirituale es el resumen de todos los años de carrera de Claudio Monteverdi en su estrecha relación con la música sacra. Les invitamos a disfrutar de una selección de tan magna colección, en las voces solistas de Soetkin Elbers, Theresa Dlouhy, Jakob Huppmann, Markus Forster, Tore Tom Denys, Markus Miesenberger, Joel Frederiksen, Gerd Kenda, junto con el concurso instrumental del Vienna Bach Consrt y la dirección de Rubén Drubovsky.

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