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HISTORIA DEL ARTE

SantillanaSALIRSALIRANTERIORANTERIOR

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PRESENTACIÓN

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1 El arte: función, tipologías,técnicas y conservación

HISTORIA DEL ARTE



Índice

1.- ¿Qué es el arte? 1.1.- La obra artística

1.2.- Función social del arte

1.3.- Artistas, mecenas y clientes

1.4.- La mujer en la creación artística

2.- La arquitectura: el arte de edificar 2.1.- Materiales

2.2.- Elementos y sistemas arquitectónicos

3.- La escultura, técnicas y materiales

3.1.- Tipos de esculturas

3.2.- Técnicas escultóricas

5.- Las Artes Menores 5.1.- Cerámica

5.2.- Orfebrería

5.3.- Tejidos

6.- Otras obras

7.- ¿Cómo interpretar una obra de arte? 7.1.- Distintos enfoques y escuelas

7.2.- El comentario de la obra de arte

8.- La transmisión del Patrimonio Histórico 8.1.- Los Bienes Culturales

8.2.- Conservación y restauración

8.3.- Los museos, símbolo de la cultura como

bien de consumo

4.- La pintura y sus modalidades 4.1.- Ingredientes y materiales

4.2.- Técnicas

4.3.- Tipos

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1.- ¿Qué es el arte?

Síntesis

En el arte prehistórico se daba prioridad al sentido ritual y a lamagia con el fin de propiciar la caza.

Para Tolstoi (el conocido novelista ruso autor de Guerra y paz) el arte no tenía otro aspecto positivo que su función meramente utilitaria.La respuesta a esta cuestión no es fácil.

Esto dio lugar a un realismo creativo, cargado de simbolismo.

¿Qué necesidad tenía el ser humano de ser fiel a un realismo naturalista en un tiempo tan inhóspito?

Ahí reside el origen del arte: se trata del primer lenguaje gráfico que el ser humano practica con intención de ser fiel al entorno que le rodea y, a la vez, sentirse parte de él.

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Síntesis


Síntesis

A mediados del siglo pasado, el artista estadounidense Jackson Pollock sintió la necesidad de romper con el cuadro a través de la técnica del dripping.El artista corría con un recipiente de pintura de un lado para otro sobre un lienzo puesto en el suelo, de tal forma que las gotas de pintura caían sobre el lienzo sin un diseño previo.

Desde luego deseaba romper con el inmovilismo artístico y abrirun camino experimental nunca antes andado.

En resumen, la respuesta que en ambos casos se dio, a pesar de quedar separados por miles de años, fue la misma: la voluntad de trascender.

El hilo conductor que une ambas manifestaciones artísticas es el de formar parte de una misma voluntad lingüística con la que comunicarse.

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Síntesis

Es, por consiguiente, un instrumento primario de comunicación (expresión), y por ello dispone de sus propios signos y códigos.

Por todo ello, se puede afirmar que el arte, más allá de las convenciones que cada sociedad establece de acuerdo con sus condiciones económicas, políticas, religiosas y culturales, es -junto a la música y la danza- el producto del espíritu, de la inteligencia y de la destreza humana puestos al servicio de la colectividad.

1.- ¿Qué es el arte?1.- ¿Qué es el arte?

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La obra artística

La obra de arte es una manifestación del espíritu humano que se plasma mediante la técnica.

Dependiendo del procedimiento con el que se realice, de la forma en que se ejecute y de la finalidad (intencionalidad) para la que sea creada, produce distintos efectos según quien la contemple.

Si observamos obras de arte correspondientes a diversos períodos, se advierten rasgos comunes entre ellas y también importantes diferencias.

Surge así el concepto de estilo, gracias al cual se agrupan y se clasifican las creaciones artísticas.

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La obra artística

Los investigadores han distinguido diversas etapas para poder entender la evolución a lo largo de la historia de la obra artística.

El historiador del arte ha dado preferencia en sus estudios a las artes espaciales.

Se agrupan tradicionalmente en Artes Mayores y Artes Menores o Aplicadas, aunque esta división es muy discutida.

Entre las Artes Mayores se hallan la arquitectura, la escultura y la pintura; y a las Menores pertenecerían las restantes.

Fuera de esta clasificación quedarían las Artes Populares, la fotografía, el cine y otras manifestaciones contemporáneas.

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La obra artística

La tarea del historiador se centra en el análisis individualizado de las obras de arte y en su contextualización con otras creaciones plásticas de la misma época.

No puede realizar su análisis sin conocer la cultura a la que pertenece una obra de arte, y con ella la ideología, las creencias, la estética y las circunstancias en las que fue creada.

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Función social del arte

La obra de arte desempeña una función como medio por el que acercarnos a la cultura a la que pertenece.

La belleza del lenguaje artístico contribuye a la formación estética de lapersona que contempla la obra y ayuda a enriquecer su personalidad.

Entre las diversas funciones del arte a lo largo del tiempo ha estado la de propiciar la caza en el Paleolítico.

Contribuir a la exaltación o divinización de algunos monarcas desde las primeras civilizaciones.

Ser un instrumento eficaz para enseñar al pueblo y hacerle inteligibles determinados mensajes.

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Función social del arte

Desde el siglo XIX, la obra de arte perdió su primitiva función y adquirió otros valores, convirtiéndose en una mercancía en manos de intermediarios, marchantes, casas de subastas...

Esto conlleva generalmente un mayor distanciamiento entre el creador y el cliente.

En la actualidad, la función de la obra artística obedece a criterios especulativos, como la inversión o afianzar el prestigio del coleccionista.

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Artistas, mecenas y clientes

En todo lo concerniente a la obra de arte hay un alto grado de complejidad, ya que el hecho artístico es un acto social en sí mismo y, consecuentemente, obedece a diversas directrices.

El artista es un individuo que se gana la vida gracias a su trabajo, por lo que necesita de una especialización previa y de una clientela que le haga sus encargos.

Desde la Antigüedad se agruparon por profesiones. Aunque siempre hubo quienes, dotados de una excepcional maestría, gozaron de un reconocimiento y de un estatus privilegiado.

Se fueron desligando lenta pero progresivamente del yugo que los consideraba artesanos. No fue hasta bien entrado el siglo XVIII cuando fueron considerados artistas.

El artista

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El mecenas

El mecenazgo artístico es un apartado de la creación plástica que ha sido reivindicado por los historiadores del arte desde hace tiempo.Sin la protección dispensada por determinadas instituciones y personalidades de elevada cultura y sensibilidad, difícilmente podríamos disfrutar en la actualidad de las obras de artistas relevantes, ni de los museos ni colecciones que se han convertido en receptores privilegiados de sus obras maestras.Coleccionar arte ha sido desde siempre símbolo de prestigio, de poder y de riqueza.

Lorenzo de Médici fue uno de los mecenas más importantes del Renacimiento.

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El cliente

Por sí solo, el mecenazgo no significa nada si no tenemos en cuenta el papel -más modesto pero imprescindible- que ha tenido y tiene la clientela privada.La clientela privada es la que -sin grandes alardes pero de una forma continua- ha mantenido vivo a lo largo de la historia el espíritu creativo de tantos y tantos artistas.

En nuestro tiempo, multitud de galerías, ferias de arte y exposiciones se encargan de poner a la vista del público las obras pasadas y presentes de reconocidos o desconocidos artistas que muestran sus creaciones.

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La mujer en la creación artística

Desde la antigua Roma sabemos que hubo mujeres que se dedicaron al arte gracias al testimonio de Plinio el Viejo, aunque a ciencia cierta desconocemos todo sobre ellas.Por lo tanto, es obvio pensar que con posterioridad a Roma hubo otras artistas.

En España era práctica habitual en los siglos XVI y XVII que al desaparecer el cabeza de taller ocupara su puesto su viuda-incluso ejerciendo labores artísticas-, por lo tanto podemos comprender el papel destacado que la mujer históricamente ha desempeñado.

Es en el siglo XX cuando se incrementa el número de pintoras, y sus obras, liberadas de criterios erróneos, enriquecen el arte de nuestro tiempo.

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2.- La arquitectura: el arte de edificar

Síntesis

La arquitectura se anticipó a las demás disciplinas artísticas desde la aparición del Neolítico, particularmente desde que se construyeron los primeros asentamientos urbanos.

Por consiguiente, de ella han dependido la pintura y la escultura, además de otras obras muebles.

De esta manera, la arquitectura se convirtió en un campo de experimentación constante que directamente influyó en la evolución del arte en general.

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Materiales

Si hablamos de edificación, nos vienen a la cabeza los materiales con los que se levantaron las construcciones.

Al principio se utilizaron fundamentalmente la madera y el adobe, después les siguieron el ladrillo, la piedra, el yeso, la cal, la arena... Dependiendo de la zona geográfica, unas culturas se inclinaron por unos materiales o por otros.

Las civilizaciones desarrolladas a lo largo de los ríos Tigris y Éufrates desde el 3000 a.C. emplearon masivamente el ladrillo, lo que les permitió desarrollar la bóveda.

En la misma época en Egipto se explotaron las ricas canteras de piedra caliza, granito o diorita con las que se levantaron grandiosas pirámides y sobrecogedores templos.

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Materiales

Las culturas posteriores utilizaron esta variedad de materiales de forma diferente; lo que les permitió aportar nuevas soluciones constructivas, ornamentales y espaciales.Estas soluciones pervivieron hasta la aparición de la sociedad industrial, que introdujo nuevos materiales, como el hierro, el acero o el aluminio, los cuales dieron un giro tanto a las técnicas de edificación como a la estética.

Planta y alzado

A soga y tizón

TIPOS DE MUROS

Isódomo Ciclópeo

Almohadillado Mampostería

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Elementos y sistemas arquitectónicos

Los elementos de la arquitectura se pueden clasificar en dos tipos: los que tienen funciones sustentantes y los que son sustentados.

Elementos sustentantes

Su misión principal es la de soportar el peso de la cubierta, pero también la de dar sentido al espacio construido. Resumidamente, se pueden clasificar en tres:

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El muro: tiene la función de aislar y, al mismo tiempo, de servir de soporte a la techumbre.

Los muros pueden estar hechos de distintos materiales (adobe, ladrillo, piedra...) los cuales pueden combinarse entre sí.Dependiendo del tamaño del muro y del peso sustentado se suelen utilizar contrafuertes que contengan la presión lateral y eviten su derrumbe.

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La columna: comparte con el muro la carga de la cubierta.

Adquiere un diseño peculiar según la cultura que la use.

Puede ser de ladrillo y, más habitualmente, de piedra.

Normalmente se sustenta en una basa y culmina en un capitel.

El pilar: es una columna de sección ortogonal.Cuando aparece adosada al muro recibe el nombre de pilastra.

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Se refieren a la techumbre de cualquier edificio y se dividen básicamente en cubiertas y cúpulas:

Cubiertas: las cubiertas pueden ser de dos tipos:

Las más sencillas son las techumbres planas y a doble vertiente o a dos aguas.

Cubierta plana

Cubierta a doble vertiente Cubierta abovedada

Elementos sustentados

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Los más complejos son las bóvedas, que tienen forma curva. Las bóvedas están generadas y se apoyan en arcos.




Por lo general, en los grandes edificios suelen combinarse ambos tipos de cubiertas.

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Cúpulas: son una solución constructiva compleja, cuyo mejor ejemplo es la que cubre el Panteón deRoma (siglo II d.C.).




Se basan en levantar sobre una planta centralizada, o en el crucero que forma la intersección de dos naves, una cubierta en forma de media naranja rematada por una linterna.

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A lo largo del tiempo se han utilizado distintos sistemas para construir. Los más importantes son:

Arquitectura adintelada o arquitrabada. Se basa en el uso de columnas y pilares que sujetan cubiertas rectas (dinteles).

Sistemas constructivos

Arquitectura basada en el uso de nuevos materiales. A partir del siglo XIX, el uso de nuevos materiales de construcción dio lugar a un sistema constructivo distinto en el que la estructura del edificio se sustenta en un «esqueleto» interno.

Arquitectura abovedada. Utiliza el arco, la bóveda y la cúpula como forma de cubrir los edificios.

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Síntesis

La escultura es otra de las Artes Mayores y tiene una larga historia, pues existe desde la Prehistoria.

La escultura ha estado siempre muy ligada a la arquitectura y a la pintura, pues los escultores participaban activamente en la decoración de los edificios y, por otro lado, muchas esculturas se pintaban para decorarlas.

Con el paso de los siglos, la escultura se convirtió en una disciplina independiente, hasta el punto de constituir un gremio propio.

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Tipos de esculturas

Las obras escultóricas pueden clasificarse en dos grupos distintos:

Obras de bulto redondo, también llamadas escultura exenta. Se trata de obras aisladas, visibles desde distintos ángulos y que pueden ser rodeadas por el espectador.

Relieves. Se trata de esculturas que se realizan sobre una superficie y que sobresalen de ella. Según sobresalgan del plano adquieren distintos nombres: altorrelieve, mediorrelieve y bajorrelieve.

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Tipos de esculturas

Podemos encontrar tanto escenas como figuras aisladas. Generalmente, las figuras están completas.

Cuando se representa solo la cabeza y la parte superior del tórax de una figura humana decimos que se trata de un busto.

La temática de las esculturas es muy variada y ha ido cambiando a lo largo del tiempo, pero algunos géneros han tenido gran difusión.

Es el caso del retrato, la escultura ecuestre y la escultura funeraria, que decora la tumba de un difunto.

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Técnicas escultóricas

Las principales técnicas escultóricas son la talla, el modelado, la soldadura, la fundición y el ensamblaje. Se utilizan unas u otras dependiendo del material en que se realicen.

Talla

Se parte de un bloque en bruto de piedra o de madera y se procede a su corte. Después se moldea con diversos instrumentos y se alisa.

Más adelante, especialmente si es de madera, se le ensamblan las partes que no pertenecen al bloque original y se pinta, e incluso se puede vestir con telas.

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Modelado

Se trata de una técnica muy rápida sobre materias blandas, lo que permite al escultor hacer bocetos de sus creaciones antes de pasarlas a un material más consistente.

Fundición

La fundición se usa normalmente con bronce.

Su utilización se remonta a la Edad del Bronce, cuando algunas culturas descubrieron este material al mezclar el estaño y el cobre fundidos.

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Soldadura

Esta técnica se asocia con la era industrial y con el uso de materiales metálicos.Consiste en la unión, mediante la fusión, de diversas partes para conformar una obra artística.

Puede realizarse de forma autógena o eléctrica.

Ensamblaje

Se trata de una técnica empleada por la escultura vanguardista, que se interesó por experimentar con el ensamblado de diversos materiales, coloreados o no, a partir de una estructura previa.

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4.- La pintura y sus modalidades

Síntesis

El arte de la pintura ha evolucionado continuamente, tanto en las formas y el significado, como en los materiales y técnicas empleados.

Normalmente se supedita a la arquitectura (a la que ornamenta) y se utiliza también para decorar la escultura, pero adquiere cierta independencia cuando se realiza sobre un soporte exento: el cuadro.

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Ingredientes y materiales

La base de la pintura se encuentra en los materiales que utiliza: el pigmento(o color), el aglutinante (sustancia en la que se diluyen los colores) y el disolvente (encargado de dar consistencia a los mismos).

El pigmento o color es un elemento clave en la pintura.

Los artistas utilizan los colores para transmitir sensaciones y sentimientos, y de esta manera influir en el estado de ánimo del espectador. Los colores se dividen en:Colores primarios, es decir, aquellos que no se pueden obtener mezclando otros colores. Son el rojo, el azul y el amarillo.

Colores secundarios, que se obtienen mezclando los colores primarios.A un color se le puede añadir blanco o negro, y de esta manera se obtiene un tono distinto.

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Técnicas

Existen técnicas diversas que difieren bastante según el soporte elegido y los efectos que se pretendan conseguir. Así, podemos hablar de:

Acrílica

Utiliza pinturas de origen plástico que se secan con facilidad y adquieren un tono mate.Su estabilidad y resistencia permiten el añadido de otras capas sobre las ya pintadas.

Su uso se asocia con el arte contemporáneo.

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Técnicas

Acuarela

Los pigmentos se disuelven en agua y se secan rápidamente. De esta manera se consiguen notables efectos de luminosidad y transparencia, pero obliga al pintor a ser muy rápido en su ejecución.

Collage

Es una técnica en la que se mezclan materiales de uso cotidiano, como periódicos, cartones o plásticos..., que se combinan en ocasiones con la pintura, lo que permite que la propia realidad forme parte de la obra.

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Técnicas

Fresco

Muy utilizado desde antiguo. Se pinta sobre la superficie de un muro o bóveda, previamente enlucida con varias capas de arena, cal y yeso mezclados, para facilitar la adherencia y resaltar los pigmentos que se aplican posteriormente.

Sobre esta preparación aún tierna, se aplica el dibujo mediante un punzón y después se le da color.

Su época de esplendor finalizó con el nacimiento del óleo. Consiste en disolver los colores en agua y hacerlos consistentes añadiéndoles colas procedentes de animales y vegetales, gomas, ceras o huevo.

Temple

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Técnicas

Óleo

Es una técnica que puede combinarse con el temple y realizarse sobre diversas superficies: lienzo, madera o un muro, y que permitió adquirir a la pintura un detallismo y una fluidez desconocidos hasta entonces.

Se sabe que su origen y difusión desde el siglo XV se debe a los talleres flamencos, los cuales mezclaron los colores con aceite vegetal.

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Tipos

Las pinturas reciben distintos nombres según el tema que se represente:

Retrato. Según las épocas, los retratados se han representado idealizados o bien de manera más realista, recogiendo incluso los defectos físicos.

Paisaje. Se representan escenas del paisaje natural. Un tipo especial de paisaje son las marinas.

Bodegón. También se conoce como naturaleza muerta y en él se suelen representar objetos inanimados.

Pintura de historia. También es conocida con el nombre de pintura histórica. Se representan acontecimientos históricos.

Pintura de género. Recoge escenas de la vida cotidiana.

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5.- Las Artes Menores

Síntesis

Con esta definición se clasifican todas aquellas obras que no son arquitectura, escultura o pintura, aunque participan de todas ellas: cerámica, muebles, tapices, cortinas, vajillas, cuberterías y hasta belenes.

Surgen como complemento a la arquitectura y están estrechamente unidas a la moda.

Algunas de ellas han recibido recientemente más atención por parte de los investigadores, lo que ha propiciado un mayor conocimiento y aprecio social.

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5.- Las Artes Menores5.- Las Artes Menores

Cerámica

La continuada utilización de la cerámica ha ido perfeccionando las técnicas y modificando sus diseños, adaptados generalmente a los diversos estilos que siguen las Artes Mayores.

Normalmente la cerámica se elaboraba a base de arcilla cocida, modelada previamente con otros materiales.

Para su ejecución se suele utilizar el torno, al que sigue el secado de las piezas, su impermeabilización, decoración y cochura.

La función de la cerámica puede variar entre un uso cotidiano, un uso ritual y un uso simbólico.

La cerámica también puede disponerse sobre los muros. Esta técnica surgió en Mesopotamia.

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Orfebrería

Los orfebres, a pesar de realizar verdaderas obras maestras en pequeño formato, han continuado considerándose más como artesanos que como artistas.

Su relación con materiales nobles apreciados desde tiempos inmemoriales (especialmente el oro y la plata) y su uso como aderezo (joyas) y complemento indispensable del vestido y la moda imperante en cada momento, han condicionado su apreciación artística.

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Tejidos

La elaboración de tejidos no ha sido valorada debidamente hasta ahora. A ello ha contribuido su propio uso cotidiano y su difícil conservación.

Sin embargo, las obras que las distintas sociedades nos han transmitido son fiel reflejo de la calidad y la exquisitez que alcanzaron los talleres textiles.

Además, se da la circunstancia de que muchas de estas vestimentas aparecen con frecuencia en la pintura y la escultura, por lo que su conocimiento es fundamental a la hora de contemplarlas e interpretarlas en su contexto.

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6.- Otras obras

Síntesis

No todas las obras han sido englobadas dentro de las clasificaciones artísticas vistas anteriormente. Es el caso del cartel (difundido gracias a la imprenta).

De la fotografía (conocida desde 1826).

Del cine (nacido en 1895), del cómic (surgido en 1896) o del diseño gráfico, así como el arte producido utilizando las nuevas tecnologías.Y es que el mundo de la creación es tan amplio y obedece a tan diversas expectativas de una sociedad constantemente cambiante, que todavía no han sido debidamente clasificadas.

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7.- ¿Cómo interpretar una obra de arte?

Síntesis

Enfrentarse a una creación artística no es a priori tarea sencilla, sobre todo si, además del placer visual, buscamos en ella un instrumento de comunicación con el período histórico al que pertenece.

Por ello, su disfrute va condicionado a una serie de claves que interpretar, como son la técnica con que se realizó, su aspecto formal y su contenido.

Estas claves nos informan del contexto artístico, cultural, económico, político y religioso al que pertenece.

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Distintos enfoques y escuelas

Desde finales de la Edad Media, los teóricos que han realizado estudios sobre el arte han intentado aportar información sobre cómo interpretar las obras adecuadamente.

Entre las diversas teorías y enfoques que se han ocupado de la interpretación de obras de arte, podemos destacar a modo de ejemplo las siguientes:La iconografía: estudia la historia de las imágenes señalando sus variaciones formales.


La biografía artística: se dedica a reconstruir las vidas de los artistas más destacados.El ambiente cultural: el artista no importa tanto como su obra y el contexto en el que se genera.

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Distintos enfoques y escuelas

El coleccionismo y el atribucionismo: están ligados a la necesidad de catalogar las obras conservadas en colecciones privadas y museos.El positivismo: su objetivo es aplicar al arte las mismas coordenadas que a los estudios de las ciencias naturales.


La historia de la cultura: ninguna obra de arte puede entenderse sin detenerse a conocer e interpretar las diversas variables culturales en las que nace.

La psicología de estilo: la comprensión de una obra se inicia penetrando emocionalmente en ella.

El formalismo: relega el contenido de la obra de arte a la forma representada.

La sociología: analiza la relación entre sociedad y arte, y culmina en la llamada historia social del arte.

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El comentario de la obra de arte

Una de las tareas que debes aprender en este curso es a comentar obras de arte de todo tipo.

Para analizar y entender obras de arte, en primer lugar debes describir la obra de que se trate, y después realizar un comentario en el que relaciones las características de la obra de arte con su contexto histórico.

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El comentario de la obra de arte

La descripción de una obra de arte debe reparar en tres aspectos:

La técnica, es decir, los materiales y procedimientos utilizados por el artista en la realización de la obra.

Los aspectos formales, aquellos que podemos percibir a simple vista: texturas, relieve, color, movimiento, altura...

El contenido, es decir, el tema de la obra y el significado de los símbolos que se encuentran en ella, si los hubiera.

El conocimiento de esos aspectos nos permitirá realizar el comentario propiamente dicho. En él debemos:

Clasificar la obra en una determinada época y estilo, relacionar la obra con su contexto y valorar la importancia de la obra de arte y del artista que la elaboró.

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8.- La transmisión del Patrimonio Histórico

Síntesis

Uno de los grandes problemas de nuestra sociedad es la salvaguarda de los testimonios culturales pasados y presentes, y su consiguiente conservación.

La conservación del Patrimonio Artístico tiene como finalidad garantizar el mantenimiento de la identidad cultural y posibilitar la supervivencia del ser humano en el medio en el que ha desarrollado su evolución.

Diversas instituciones internacionales han declarado la importancia que tiene su protección, conservación, estudio, restauración y divulgación.

La Constitución Española, en su preámbulo, destaca la voluntad de promover el progreso de la cultura. Lo que asegura el valor supremo de esta como marco de integración social.

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Los Bienes Culturales

Según González-Varas, «la identidad de un pueblo viene definida históricamente a través de múltiples aspectos en los que plasma su cultura».

Esta afirmación ha quedado englobada más recientemente en el término Bien Cultural.Bienes Culturales son los bienes arqueológicos, artísticos e históricos, ambientales, archivísticos, bibliográficos, inmateriales...

Para reconocer y regular este tipo de bienes se han creado una serie de leyes y normas.


La fundación La Luz de las Imágenes puso al descubierto las pinturas del siglo XV del ábside de la catedral de Valencia.El descubrimiento de estas pinturas es un claro ejemplo de la recuperación del Patrimonio Histórico-Artístico.

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Conservación y restauración

Se pueden distinguir tres tendencias a la hora de plantear la conservación y restauración del Patrimonio Artístico:


La encabezada por el francés Viollet-le-Duc en el siglo XIX, que defendía la restauración integral de los monumentos arquitectónicos.

La defendida por el inglés John Ruskin, que insistía en el respeto absoluto al estado en el que han quedado las obras de arte.

La representada en la figura de Camilo Boito, que defendía la restauración sólo cuando era imprescindible, diferenciando las intervenciones modernas del original.

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Los museos, símbolo de la cultura como bien de consumo

Probablemente, los Museos Vaticanos son el museo de arte más antiguo de los que existen en la actualidad. Las colecciones del papa Sixto IV, que vivió a finales del siglo XV, constituyeron la base de estos museos.


En su origen los museos tenían un planteamiento elitista. Como la mayor parte de la población era analfabeta, sólo una minoría disfrutaba de los tesoros que se conservaban en ellos.

En 1974, el ICOM definió el museo como una institución permanente, sin finalidad lucrativa, al servicio de la sociedad y de su desarrollo, abierta al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica y exhibe para fines de estudio, de educación y de deleite testimonios materiales de las personas y de su entorno.

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Galería de imágenes

1.- ¿Qué es el arte?Pinturas rupestres Jackson PollockLorenzo de MédicisEsculturaLa verbena

2.- La arquitectura: el arte de edificarPlanta y alzado Tipos de murosPartes de una columnaPilar y pilastraTipos de cubiertasTipos de bóvedasPartes de un arcoTipos de arcosCúpula

3.- La escultura, técnicas y materialesRelieveTalla de Ernst BarlachModelado de una esculturaObra fundida en bronceEscultura hecha con la técnica de la soldaduraEscultura hecha conla técnica del ensamblaje

4.- La pintura y sus modalidadesAutorretrato de Andy Warhol Courses Bodegón pequeño n.º 1 Las cigarrerasDoña Juana la Loca velando el cadáver de Felipe el Hermoso

5.- Las Artes Menores Jarrón de cerámica del siglo XVISalero de orfebreríaMuseo Manuel Piña

6.- Otras obrasCartel Divan Japonais Obra fotográficaObra de videoarte

8.- La transmisión del Patrimonio HistóricoProceso de restauración de las pinturasde la cúpula de la catedral de ValenciaDetalle de los ángeles de la cúpula de la catedral de ValenciaPalacio de las Artes Reina Sofía

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Pinturas rupestres de Cueva Remigia, Castellón.

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Jackson Pollock, practicando el dripping.

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Lorenzo de Médici

(1449-1492).

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Escultura, LuisaRoldán (1656-1704).

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La verbena (1927), Maruja Mallo.

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Alzado

Planta

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Tipos de muros

CiclópeoIsódomo A soga y tizón

Almohadillado Mampostería

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Partes de una columna

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Pilar Pilastra

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Tipos de cubiertas

Plana A doble vertiente

Abovedada

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Tipos de bóvedas

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Partes de un arco

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Tipos de arcos

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Cúpula

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Relieve

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Talla, de Ernst Barlach

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Modelado de una escultura

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Obra fundida en bronce

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Escultura hecha con la técnica de la soldadura

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Escultura hecha con la técnica del ensamblaje

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Autorretrato de AndyWarhol hecho

con pintura acrílica

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Courses, acuarela realizada por Raoul Duly.

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Bodegón pequeño n.º 1, collagehecho por Tom Wesselmann.

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Las cigarreras, pintura de género hecha al óleopor Gonzalo Bilbao.

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Doña Juana la Loca velando el cadáver de Felipe el Hermoso, Francisco Pradilla.

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Jarrón de cerámica del siglo XVI

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Salero de orfebrería, Benvenuto Cellini.

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Museo Manuel Piña,en Manzanares (Ciudad Real), dedicado al arte textil.

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Cartel Divan Japonais (1892), Toulouse Lautrec.

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Obra fotográfica, Isabel Muñoz.

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Obra de videoarte, Bill Viola.

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Proceso de restauración de las pinturasde la cúpula de la catedral de Valencia.

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Detalle de los ángeles. Francesco Pagano y Paoloda San Leocadio. Pinturas de la cúpula de la catedral de Valencia.

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Palacio de las Artes Reina Sofía, Santiago Calatrava. Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia.

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