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Ya es costumbre encontrarnos aquí cada mes y éste viene con un número imperdible. Sin dar demasiadas vueltas les

cuento que la nota central está dedicada a John Lennon y su hijo Sean. Una cronología realizada magistralmente por

Pitbullina donde nos enteramos de detalles desde el nacimiento del heredero hasta su actualidad. Y como éste mes

celebramos los 73 años del nacimiento del Beatle pacifista, varias notas tienen su influencia, como el especial sobre Yoko

Ono de Fedexlg o el análisis de Live in New York City de HelterSkelter75.

Disfrutaremos también de una sección dividida en 3 partes sobre las posiciones en los charts de los trabajos de George

Harrison como solista, de la mano del Artista antes conocido como Geogeharrisonmx.

Otro nota interesante para los apasionados de la parte técnica es sin dudas la que tiene a Ringo como protagonista, ya

que Stallin nos cuenta sobre los diferentes sets de batería que utilizó durante su periodo Beatle.

Dos notas, creadas por separado interactúan en éste Nro. Vidrioso nos ofrece la visión de Phil Spector sobre su trabajo en

Let it be, mientras que Pinidellavalle hace un repaso de lo que vivió Paul en aquellos días y como lo afectó de cara a su

futuro en solitario.

Como tratamos de hacerlo a menudo, éste mes estrenamos sección. Intentaremos hablar de lugares relacionados con la

banda, pero dándole mayor importancia a la historia del lugar en sí. Para empezar, quién escribe, realizó un detalle del

club más identificado con The Beatles, The Cavern Club.

También encontrarán las secciones habituales; el análisis del film Magical Mystery Tour, que pasaba hace 50 años en el

mundo y con los Fab, las noticias Beatles y la nota Off dedicada ésta vez a The Clash.

No es poco material, así que los dejo hasta el mes que viene para que puedan comenzar a disfrutar de Glass Onion, la

revista de The Beatles Fans.

Martin

Editor Principal

Editor

@beatlemartin

Supervisión y Corrección

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Diseño y Artística

@beatlemartin

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Coordinación y Diagramación

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@PiniDellavalle

@Pitbullina

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@vidrioso

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Paul McCartney: El Trauma Post - Beatles – Pag 4

This Song: Live In New York City (John Lennon) – Pag 6

Act Naturally: Magical Mystery Tour – Pag 7

Photograph – Pag 8

Ringo Starr: Las Baterías de Ringo – Pag 9

In Their Own Words: Mirlo– Pag 10

Nota de Tapa: Sean Lenon, Beautiful Boy – Pag 11

Only A Northern Song: The Clash – Pag 15

There Are Places I’ll Remember: The Cavern Club – Pag 16

Nota Beatles: Phil Spector, Wall Of Sound Vs. Naked – Pag 17

It Was Fifty Years Ago This Month: Octubre ‘63 – Pag 19

George Harrison: Charts 1970-1975 – Pag 20

I Read The News Today, Oh Boy – Pag 21

With A Little Help From My Friends: Yoko Ono – Pag 22

4

Como toda relación, The Beatles finalizó por múltiples

motivos, pero lo certero es que su punto final sucedió el 9

de abril de 1970, cuando un comunicado de prensa

recorrió las redacciones de Londres en forma de auto-

entrevista acompañando al primer álbum solista de Paul

McCartney, “McCartney”, que se difundió a los medios once

días antes de ser publicado y quienes levantaron la noticia

al día siguiente, el fatídico 10 de abril, en sus portadas. Esta

entrevista, coescrita con Peter Brown, íntimo amigo de la

familia Epstein y miembro del staff de Apple Corps, tenía

declaraciones contundentes: afirmaba que nada Beatle

había estado involucrado en el álbum ni lo estaría mientras

él pudiese evitarlo y que no sabía si el distanciamiento con

la banda era temporal o permanente.

¿Fue esa la real ruptura de la banda? Por supuesto que no.

Fue, más bien, la forma de darle cierre a una historia que

venía agonizando desde hacía años y que nadie se

animaba a dar la estocada final. Lo que llevó a Paul a

tomar la iniciativa fue que el resto de los integrantes de la

banda creían que su álbum solista debía salir luego de Let

it be, y para ello, mandaron a Ringo a convencerlo.

Más decidido que nunca, luego de haber trabajado con su

grabadora Studer de cuatro pistas en su hogar londinense,

en su rancho escocés y en los estudios Morgan y en el

estudio 2 de Abbey Road durante unos tres meses,

McCartney se negó a retrasar el lanzamiento del disco que

lleva su apellido como nombre, decisión que se vio

influenciada por los roces que tenía con el resto de los

integrantes, con el manager del cuarteto y con el actual

productor de la banda, Phil Spector, que, según el parecer

de Paul, hizo caso omiso a sus peticiones y “maltrató” a

una de sus más apreciadas canciones, The Long and

Winding Road, además de permitir los chascarrillos de

Lennon antes de cada una de sus canciones, poniéndolas

casi en ridículo.

Por valorizar su disco solista, Paul era capaz de cualquier

cosa. Si bien fue improvisado y realizado “a las apuradas”,

con escaso contenido compositivo (incluye

improvisaciones y canciones escritas en 1959 y 1968) era

un álbum lleno de amor, de calidez del hogar, de

momentos románticos –no hay que olvidar que estaba

recientemente casado con Linda Eastman, desde el 12 de

marzo de 1969- y de familiaridad: había sido padre por

primera vez, y quería que el mundo lo vea: la

contraportada del disco es un retrato tomado por Linda de

él con la pequeña Mary dentro de su abrigo. Estaba

absolutamente compuesto por él y su mujer, él había

grabado todos los instrumentos e iba a sacarlo cuando él

quería. La velocidad en su grabación, lanzamiento y

promoción no son proporcionales al éxito que tuvo: de

haber sido otro artista, de no tener la marca del Beatle

Paul, no hubiese alcanzado un buen lugar en los charts.

La portada del Daily Mirror quedó como registro de la

por PiniDelavalle

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historia: “Paul está abandonando The Beatles”, como si uno

pudiera dar un paso al costado de pertenecer a una de las

bandas más emblemáticas del siglo pasado. La cuestión

aquí es que cuando uno mira hacia atrás, ve lo sucedido

como conclusivo, aunque no era así para él ni para John,

George o Ringo. De hecho, cuando comenzaron a circular

los rumores de la disolución del cuarteto los primeros días

de abril, todos negaron la ruptura; e incluso fue McCartney

el que no le ponía punto final, sino suspensivos, al futuro

de la banda. Habían sido varias ya las veces en las que los

miembros habían amenazado con dejar la banda –e,

incluso, con disolverla- que nadie se lo tomaba muy en

serio.

Pero lo cierto es que terminó, de alguna forma, la banda

en su forma activa: ya no volverían a grabar los cuatro

juntos, ni siquiera por entretenimiento. No sacarían discos,

harían conferencias de prensa ni osarían a tocar en vivo.

The Beatles se había terminado, y Paul había dado el paso

más importante para que suceda una de sus peores

pesadillas: que esto sea para siempre.

Lo peor estaría por llegar. Para Paul, 1970 sería un año

triste, cargado de odios y rencores, de hacerles daño a las

personas que más había querido y con las que más había

compartido cosas a lo largo de su vida. Hacia fines de ese

año, iniciaría un juicio para evitar que Allen Klein termine

de destruir todo lo que había construido hasta el

momento, pero dado que él no figuraba en ningún

contrato, debía oponerse en un juzgado a sus tres amigos.

Aunque estos seguían afirmando que podrían volver a

grabar juntos, la demanda de principios de 1971 para

disolver la sociedad Apple Corps Ltd. (antes Beatles Ltd.)

acabaría con toda esperanza.

Paul se refugió en su Linda y en el alcohol para superar el

mal momento. Encerrado en su granja de Escocia, se

acostaba y levantaba rodeado de botellas de alcohol. Tal

como lo hizo Ringo tiempo después, lo primero y lo último

que hacía en el día era tomar alcohol y consumir algún

tipo de drogas. Él mismo ha declarado: “Al comienzo, tenía

todos los síntomas del

desocupado: bebía

demasiado, no quería salir

de la cama, no me afeitaba

y me preguntaba de qué

iba a trabajar, si alguien

querría tenerme en su

banda”.

Por fortuna, McCartney

contaba con una mujer a su

lado que no pudo soportar

su depresión. En el

documental Wingspan

aparece una entrevista

radial en la cual Linda afirmaba que en el rancho de

Escocia carecían de agua caliente, calefacción, y que

convivían con una plaga de animales salvajes. A eso hay

que sumarle que vivían con dos niñas muy chicas: Heather,

hija del primer matrimonio de Linda, y la pequeña Mary.

El pasar de los restantes Beatles dejaba mucho que

envidiar al pobre Paul, que veía desde lejos como la nueva

década era promisoria para ellos: George había tenido un

éxito rotundo con su triple LP All Things Must Pass; Ringo

triunfaba con Sentimental Journey y Beacoup of Blues; y

John se desgarraba a gritos en Plastic Ono Band, logrando

buena aceptación.

Las provocaciones de John y George en sus álbumes y el

agotamiento por parte de Linda generaron una doble

reacción en Paul: debía volver a la música y descargar allí

su ira y frustración. Como fruto de esta indignación nació

Ram, el segundo álbum solista del otrora bajista y ahora

multi-instrumentista autosuficiente. No en vano fue

acreditado como Paul y Linda McCartney: él estaba

demostrando que podía volver a componer de a dos, y que

ella era su piedra angular, en la cual recaía. A su vez,

demostraba que su esposa estaba dando su mayor

esfuerzo para ayudarlo a superar la situación por la que

estaba atravesando.

Poco tiempo después, John, George y Ringo le darían la

razón a Paul, denunciando a Klein por fraude, amainando

la relación de los cuatro, dejando las rivalidades de lado y

siendo ahora sólo cuatro viejos amigos que se pelearon

por múltiples razones, pero comportándose como adultos.

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Estamos en febrero 1986 y nos encontramos nuevamente ante un disco póstumo de John Lennon. Se trata del segundo en la serie y ésta vez se trata de un registro en vivo de 1972, muy cercano a la salida de "Some Time In New York City"", por lo cual tenemos a un John hiperpolitizado, lejos del encierro de "Plastic Ono Band" como de la explosión creativa y funky de "Double Fantasy". Aquí, sobre el escenario del Madison Square Garden, Lennon se parece mucho al teddy boy que era antes de la

fama y en muy buena forma. Este disco sale de uno de los dos conciertos que Lennon y Yoko ofrecieron en el famoso recinto de la Gran Manzana el 30 de agosto de 1972, bautizados como "One to One", para recaudar fondos para The Willowbrook School for Children. Yoko, tal cual era habitual, realizaba, en el marco del concierto, su memorables "performances", pero a la hora de producir el disco, prefirió retirarlas para que el disco, a diferencia del anterior "Milk And Honey", fuese acreditado exclusivamente a John. El disco arranca con el público cantando "Power To The People" y John metiéndose firme y de a poco. Esto no es más que la intro de "New York City", del disco "Some Time..." muy al palo. Los chirridos de las guitarras y el saxo anuncian ése rancio hard blues que es “It’s So Hard”, de “Imagine”, con toda su carga sexual implícita. Como contrapartida, le sigue “Woman Is The Nigger Of The World”, ese vals de lírica comprometida con la causa feminista en la que John estaba de acuerdo, pero también haciendo referencia a la segregación típica hacia los afroamericanos en los Estados Unidos (Nigger es la forma despectiva de llamar Negro…) en 1972 era algo demasiado provocativo, pero a John poco le importaba ese tipo de reacción… o sí, sabiendo de los comentarios que podría levantar, hacia allí iba, metiendo el dedo en la llaga. Más a fondo, Lennon saca de su galera “Well well well”, del primer disco solista, Plastic Ono Band, con gritos primales incluidos. Y tras la rendición live de “Instant Karma”, llega la desolada “Mother”. En este punto Lennon parece volver un poco sobre sus pasos, e inmediatamente lo confirma al anunciar que tocará un tema “de su pasado” y al frente de la Elephant Memory (su banda de apoyo) hace temblar al Madison Square Garden con “Come Together”, con más dientes apretados que la original y más ampulosa, muy influenciado por el concepto del “Wall Of Sound” de Phil Spector. Luego llegan la engañosamente dulce “Imagine” y de su mano (o de la mano de Yoko) la bravísima “Cold Turkey”. Beso y cachetazo…

Para el final, John se luce con lo que mejor hace: Rock and roll, y qué mejor que invocar al Rey Elvis con “Hound Dog” y le deja, como al principio, el protagonismo a la audiencia, con “Give Peace a Chance” y las panderetas repartidas bajo la consigna “YOU ARE THE PLASTIC ONO BAND”. El disco fue naturalmente producido por Yoko y eligió la primera de las dos funciones, lo que generó protestas de los antiguos miembros de Elephant Memory, ya que – según ellos – aún estaban medio fríos y consideraban que el segundo había sido una mejor performance. Simultáneamente a la salida del disco se editó también un Video Home (antigüedad ahora si las hay) del mismo, donde finalmente sí se incluyeron las canciones interpretadas por Ono. La portada del disco muestra una de las imágenes más icónicas de John Lennon, junto a la de Imagine y la del White Album. La película en su momento de montaje fue supervisado en los 70 por el propio John… Injustamente, el disco aún no ha sido reeditado, y la película tampoco, aunque se encuentren algunas copias piratas digitales por ahí…

por HelterSkelter75

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La muerte de Brian Epstein el 27 de agosto de 1967 sacudió los cimientos de mundo de los Fab Four que en ése preciso momento se encontraban en Bangor, Gales, junto al Maharishi Mahesh Yogi. Epstein dejó un espacio vacío en muchos aspectos, pero principalmente en el aspecto empresarial. Ninguno de los integrantes de The Beatles conocía nada sobre ese ámbito ya que todo había sido manejado desde el comienzo por Epstein. Algo debían hacer como banda, alguien debía tomar las riendas y quién las tomó fue Paul McCartney. El cuarto film de la ¿maquinaria? Beatle tuvo la particularidad de ser la carta de presentación de la nueva música que el cuarteto iba a presentar post Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. De la mente de McCartney surgió la idea de realizar una película que sería transmitida en televisión, ése fue el puntapie inicial para Magical Mistery Tour.

Sin guión, sin planes y sin nada realmente previsto, The Beatles se embarcó en lo que podemos definir como una "locura sobre una autobus", un sinsentido que fue emitido por BBC1 el 26 de diciembre de 1967. El descontento fue tal que se trata de la primera situación donde la crítica destrozó un trabajo hecho por los cuatro de Liverpool. Algunas personas trataron de defender la cinta argumentando que había sido filmada en color y que la transmisión en blanco y negro que realizo la cadena BBC arruinó por completo el concepto original más avocado a

la psicodelia que estaba en su pico máximo en aquel año. Lo cierto es que Magical Mistery Tour es una prueba del ego desmedido de una banda que se encontraba en el apogeo de su creatividad y creía que todo lo que pudiera crear sería oro. Es demasiado simple dilapidar por completo un film solo por la emisión en blanco y negro en detrimento del color y si esto fuera así, ¿Acaso ése es el único punto realmente importante del film? ¿Ninguno de los otros aspectos a lo largo del metraje pueden evidenciar calidad cinematográfica? Los mismo Beatles son personajes intrascendentes en el film, las apariciones de John y George durante la primera mitad de la cinta son esporádicas y solo se centran en las apariciones de los momentos musicales. El aspecto musical del film es con toda seguridad el puntal donde The Beatles se siente claramente más seguro. Tanto la canción que da nombre a la película como la aparición del clásico de John Lennon I Am The Walrus o el brillante aporte de Harrison con la enigmática Blue Jay Way se cuentan como algunos de los escasos momentos de disfrute. Aún así se puede notar cierta inconexión entre algunos momentos musicales y el "desarrollo" de la trama. Una trama que nunca termina de desarrollarse pese a tener una idea tan interesante como un viaje sin destino en el que misteriosamente comienzan a suceder eventos extraños ocasionados por unos magos que no son más que los mismos Beatles y su asistente Mal Evans. Pese a todo, Magical Mystery Tour es la primera película expresamente filmada para televisión siendo vista por casi 15 millones de personas. También es la única película actuada, guionada, dirigida y producida por The Beatles.

por DoctorWho088

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La foto pertenece a un momento del video promocional de Hey Jude, la famosa canción de The Beatles. El video circula bastante en Internet, pero es bueno conocer su historia: El single Hey Jude su publicó el 26 de agosto de 1968 (con “Revolution” como lado B). Gozó de un gran éxito tanto en USA como en el Reino Unido, y se convertiría en un clásico intergeneracional de The Beatles. La banda, tras publicar Hey Jude como sencillo, decidió rodar un video promocional de la canción. Así, contrataron a Michael Lindsay-Hogg, con quién ya habían trabajarían luego, a principios de 1969, en la grabación del documental Let It Be. Se acordó filmar con público presente y se fijó la fecha de grabación para el 4 de septiembre de 1968. El propio Paul McCartney diseñó el set, que fue descrito por Tony Bramwell (amigo de la banda) como “el piano, ahí; batería ahí; y la orquesta en dos niveles hasta atrás”.

El evento marcaría la vuelta de Ringo Starr a la batería de The Beatles, tras su salida momentánea de 10 días. A su vez, se contrató a algunos fans, que estarían al lado de los miembros de la banda (cosa que hubiese resultado imposible 4 años atrás). Se utilizó una grabación de estudio para la filmación, por lo que Paul cantó sobre si mismo (Existen copias donde se escucha la voz doblada). A medida que avanzaba el rodaje, Lennon le preguntó varias veces a Lindsay-Hogg si ya tenía lo que necesitaba, hasta que Paul, luego de 12 tomas, dijo: “me parece que ya es suficiente”. En el video final, se combinaron varias tomas, y se agregaron introducciones de David Frost y Sir Cliff Richard para sus programas de televisión. El video fue transmitido por primera vez el 8 de septiembre en el Reino Unido, y el 6 de octubre del mismo año al otro lado del Atlántico, para incrementar aún más la popularidad de uno de los temas más distintivos de The Beatles.

por nicothecapo2

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La carrera musical de Ringo

Starr arrancaría en grupos

locales como Eddie Clayton

Skiffle Group y más tarde en

Rory Storm & The Hurricanes.

Durante ése período tocaba

con su primer kit de batería

Ajax. En 1960 compraría en la

ciudad de Liverpool, su

primer set de batería Premier “58”, al cual iría añadiéndole

diversos tambores y platillos. Poco tiempo después de

ingresar a The Beatles, Starr escribiría en el bombo de su

batería Premier el nombre de “Ringo Starr”, nombre con el

cual se haría famoso mundialmente.

Después, a fines de ése año lo

cambiaría por el nombre

“Beatles”. También durante la

época de las presentaciones en el

Cavern club, Ringo utilizaría

temporalmente el set de batería

“Premier Mahogany Duroplastic”.

Con la marca Premier, Ringo

grabó el primer álbum de The Beatles, Please Please Me. A

mediados de 1963, cuando la fama de The Beatles iba en

ascenso, Starr adquiría su primer set de batería Ludwig,

ésta vez comprado en la cuidad de Londres. Con paso de

los años, Ludwig se convertiría en parte esencial de la

iconografía Beatle.

A su nueva batería le haría un

nuevo cambio agregándole al

bombo, el nuevo y definitivo

logo de la banda. Esta vez le

escribiría en la parte frontal del

bombo el nombre “The Beatles”

que a partir de ése momento se

transformaría en el logo oficial

del grupo. Con la Ludwig Ringo

grabó los álbumes With The

Beatles, A Hard Day’s Night y Beatles For Sale.

En la primera gira mundial de The

Beatles, Ringo decidió utilizar un

nuevo set llamado “Ludwig 22 Inch

Bass Drum kit”, el cual también lo

utilizo en el estudio durante las

grabaciones del álbum Help!

Durante los próximos años, Starr

utilizaría tanto en sesiones de

grabación como en conciertos

diversos modelos de batería de la

maca Lu dwig como el Oyster Black

Pearl “Downbeat” con el cual toco en

la presentación en el show de Ed

Sullivan y en la segunda gira

norteamericana en 1965, también

utilizó el Ludwig “Super Classic” con una pandereta

incluida. Este kit de batería lo utilizó en el estudio de

grabación entre 1965 y 1967.

Otra batería utilizada por Ringo

fue la Ludwig Kit Custom, con la

cual se le puede ver tocándola en

los videos promocionales de Hello

Goodbye y I Am The Walrus .

En la última etapa de The

Beatles, Ringo compró

otro modelo llamado

Ludwig Maple

“Hollywood” o mejor

conocido como el “Let It

Be Kit”. Con esta batería,

tocaría en el legendario

concierto en el tejado y

grabó los álbumes Let It

Be y Abbey Road.

por stallin

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Mirlo que cantas en plena noche

Toma estas alas rotas y aprende a volar

Durante toda tu vida

Sólo esperabas este momento para alzar el vuelo

Mirlo que cantas en plena noche

Toma estos ojos hundidos y aprende a ver

Durante toda tu vida

Sólo esperabas este momento para ser libre

Mirlo, vuela

Mirlo, vuela

Hacia la luz de la oscura noche negra

Mirlo, vuela

Mirlo, vuela

Hacia la luz de la oscura noche negra

Mirlo que cantas en plena noche

Toma estas alas rotas y aprende a volar

Durante toda tu vida

Sólo esperabas este momento para alzar el vuelo

11

por Pitbullina

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El 9 de octubre es una fecha muy especial para John Lennon, no solo porque corresponde a su nacimiento, sino también porque en su cumpleaños número 35, nacía su segundo hijo, primer y único de la relación con Yoko Ono, Sean. Que Sean naciera justamente el 9 de octubre no fue algo totalmente librado al azar. El número 9 tenía para John y Yoko un significado importante (¿les suena “Revolution 9”?). Incluso la pareja se conoció en un día 9. La numerología era algo en lo que ambos creían; por eso es que Yoko programó la cesárea para esa fecha, y porque según la tradición asiática el hijo que nazca en el cumpleaños de su padre, heredará su alma. John y Yoko habían estado separados, durante 18 meses que se conocen como “The lost weekend” (El fin de semana perdido), tiempo en el que John mantuvo una relación con una mujer llamada May Pang, tiempo donde también reavivó las relaciones con su primer hijo Julian, nacido del matrimonio con Cynthia Powell, y con los tres Beatles restantes. Para principios de 1975 John estaba retomando su relación con Yoko Ono y habían decidido tener un hijo. Después de tres abortos por causas naturales, Yoko no quería seguir con el embarazo que resultó en el nacimiento de Sean. Finalmente accedió con la condición de que John se convirtiera en “amo de casa”.

Por eso es que su nacimiento marcó un cambio radical en la vida de John, quien abandonó (o mejor dicho, dejó en stand by) su carrera musical para hacerse cargo de su crianza; quizás tratando de no cometer el mismo error que con Julian, que tuvo que pasar la mayoría de su infancia alejado de su padre, que se veía envuelto en el mejor momento de la beatlemanía y apenas tenía tiempo para atender su vida familiar. Se anunció formalmente su descanso de la música en Tokio en 1977, diciendo: “básicamente lo hemos decidido, sin ninguna gran decisión, para estar con nuestro bebé tanto como nos sea posible hasta que sintamos que podemos tomarnos el tiempo libre para disfrutar de nosotros mismos trabajando en cosas fuera de la familia.” Tan consagrado a su hijo estaba John, que se dedicaba a hacerle dibujos varios que posteriormente fueron publicados en un libro, “Real Love: The Drawings for Sean”. Con orgullo expresaba que él era quién había enseñado a su hijo a nadar. Podemos ver en algunas canciones de John del disco Double Fantasy, lo que fue ése período para él. Por ejemplo, la canción Beatiful Boy fue inspirada en Sean. Paul Mc Cartney ha manifestado que ésta es una de sus canciones preferidas de John. Otro ejemplo es Watching the wheels, que era una respuesta a todas las críticas a las que se enfrentó por alejarse de la música y dedicarse enteramente a ser un hombre de familia. Un hecho muy curioso es que durante los primeros años de su vida, Sean no tenía idea de la fama de sus padres, quienes procuraron mantener ése aspecto de sus vidas ocultos para el niño; con el fin de que tuviera una infancia

lo más “normal” posible. Sean tenía solamente 5 años cuando su padre fue asesinado. Lamenta haber podido compartir tan pocos años con él pero tiene alegres recuerdos y hoy día le da mucho valor al hecho de la presencia constante de su padre en ese corto tiempo. Recuerda el día en que John murió, en 1980, y según sus propias palabras, “uno no extraña nada en específico, solo extraño su respiración, el solamente estar ahí. Extraño como se sentía su piel, el sonido de su voz. Como me arropaba a la noche.” Se enteró por el periódico. Mientras su madre lloraba en la cama, vio un titular en el periódico diciendo que había sido asesinado. Lo recuerda como un momento muy

traumático. A pesar de que el talento musical de John fue algo que se mantuvo oculto para él, desde niño se avocó a la música, y en la actualidad lleva adelante una carrera musical. No solo carga con la herencia musical de sus padres, sino que también es ahijado del famoso músico Elton John. Aprendió a tocar el piano nada más y nada menos que en el piano que aparece en el video de Imagine, que era un regalo de cumpleaños de John a Yoko. El peso de su apellido le juega en contra, ya que el público lo subestima y asume que su orientación a la música es para conseguir fama fácil aprovechándose del prestigio del apellido. Incluso es criticado por usar lentes, algo que resulta ridículo ya que los usa por necesidad. Muchos críticos

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dicen que si Sean no fuese hijo de quien es, sería un reconocido artista, porque es muy virtuoso. Se volcó al mundo de la música porque sentía que era la única forma de reemplazar a su padre (aunque ese reemplazo nunca fue posible del todo); tocando siente que John lo acompaña. Cuando tenía 6 años, estaba en su casa tocando el piano tratando de hacer las melodía de Yellow Submarine y de Imagine, y fue la primera vez que se sentía físicamente acompañado por él. Fue ese sentimiento el que lo estimuló a seguir por ese camino. Julian Lennon le enseñó a tocar la guitarra y fue otra de las razones por las que se inició en la música. Cuando Sean era niño su medio hermano estaba teniendo su primer éxito en los rankings, y para él eso era admirable y Julian era lo más

grande que había. Su debut en la industria musical fue en un álbum de su madre, “Season of Glass” en 1981 a la edad de 6 años. Allí recitó una historia que John solía contarle. Lo siguiente que hizo fue en 1984 en un álbum tributo a Yoko Ono (“Every man has a woman”), interpretando “It’s All Right”. En ese año también actuó en el video “Moonwalker” de Michael Jackson. En 1991 participó en un disco de Lenny Kravitz (“Mama Said”), y en el 95 fue parte de la banda para

el disco “Rising” de su madre.

En 1997 fue cuando su carrera fue madurando, uniéndose a la banda Cibo Matto, que grababa su segundo EP “Super Relax”. Su carrera como solista se inició apenas un año después, con el título “Into the Sun”. En 1999 editó un EP “Half horse, Half musician”, con dos temas nuevos y

remixes del álbum anterior. En 2006 editó un nuevo CD/DVD solista, “Friendly Fire”. Realizó una extensa gira promocional del álbum, en la que fue acompañado en ocasiones por su medio hermano Julian. The Ghost of a Saber Tooth Tiger es el nombre de la banda que formó con su pareja, la modelo Charlotte Kemp Muhl. Con ella editó tres discos, Jardin Du Luxembourg, Acoustic Sessions (2009) y La Carotte Bleue (2011). Hoy tiene su propio sello discográfico, lanzado en 2009: Chimenea Music. Bajo este sello coprodujo el disco de

Yoko “Betwen My Head and the Sky”. Además de cantante y músico también produjo varios álbumes para otras bandas, incluso de metal y hip hop, y

participó de bandas sonoras. Sean tiene una relación cercana con algunos de los hijos de The Beatles. Por ejemplo, es un gran amigo de Dhani Harrison. ¿Y con los compañeros de banda de su padre? Bueno, tiene una relación muy especial con Paul. Le emociona mucho estar cerca de él porque siente que es lo más parecido a estar cerca de su padre: “Cada segundo que paso con Paul ha sido realmente significante para mí. Él fue el mejor amigo de mi padre por mucho tiempo. Y mi padre no tenía muchos amigos, ¿sabes?”, comenta. De sus padres no solo siguió el legado musical sino también el ideológico. Como John y Yoko, es un activista en pro de la paz y el ambiente. En 2012 fundó con su madre una organización llamada Artistas contra el fracking (un método nocivo de extracción de gas). Muchos famosos

apoyan esta causa incluidos entre ellos Paul y Ringo.

John x Sean

“Perder a mi papá, dejó un gran vacío en mi

vida y cada vez que toco música siento que

lleno un poco el vacío. Especialmente porque

a él lo asocio con la música.”

“… hubo un momento en el que estaba

teniendo un día muy difícil, entré al auto e

inicié el arranque, y enseguida también se

encendió la radio, y todo lo que escuche fue

“Darling, Sean” (querido Sean), eso fue todo,

y la canción terminó. Esa es la última línea de

la canción Beatiful Boy y pensé que fue muy

raro… se sintió reconfortante. Fue un

momento agradable.”

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“Creo que estar enamorado es estar enamorado, sabes, el sentimiento de enamorarse, las palpitaciones del corazón y cosas así. Es la parte más hermosa de la vida, el aspecto más poderoso de ser humano. Impregna las vidas de todo organismo vivo.” Sobre la muerte de John, ha declarado en algunas ocasiones que no cree que haya sido un acto al azar de un lunático. “Cualquiera que piense que Mark Chapman era simplemente un loco que mató a mi papá por intereses personales, está loco. O es muy ingenuo. O no lo ha pensado con claridad. Era uno de los principales intereses de Estados Unidos que mi padre fuera asesinado. Definitivamente. Y eso les funcionó en contra, porque una vez que murió, su poder creció. No consiguieron lo que querían”.

Esto no lo dice solo Sean, es una teoría conspirativa que circula desde siempre. Recordemos que a John se lo intentó expulsar de Estados Unidos en varias ocasiones por sus ideas pacifistas, y esto ayuda a alimentar los rumores. Sin embargo, investigaciones de la policía concluyeron que

el asesino actuó solo. Más allá de las desgraciadas circunstancias que separaron a este padre e hijo; John amaba mucho a Sean y estaba muy orgulloso de la crianza que le estaba dando. Y Sean está muy orgulloso de su padre y el legado que este le ha dejado. “La gente piensa que ser el hijo de John Lennon es una gran carga sobre mis hombros, pero no consideran por un segundo que inspirador puede ser y lo orgulloso

que estoy de tener este nombre”.

“Mi padre es el gran héroe de mi vida”

Sean y Paul McCartney

En el año 2009 Paul se encontraba en Nueva

York de gira, así que invitó a Sean a su recital.

Sean rechazó amablemente la invitación

porque él mismo tenía un show el mismo día

con Ghost of a Saber Tooth Tiger. “Le escribí y

le dije, lo lamento pero vamos a tocar un

show para unas 20 personas. ¿Podrías no

llevarte a todo el público de Nueva York? Y él

respondió, prometo dejarte al menos ocho

personas”

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En 1979 habían pasado ya dos años de la explosión que vivió el Punk en In glaterra. The Sex Pistols, la banda pionera del movimiento, había sucumbido a las peleas y las luchas de ego con solo un disco editado; el resto de las bandas corrían distintos tipo de suerte. Algunas personas pensaban que la fiebre del Punk ya había terminado y que el género no tenía mucho más que ofrecer. Estaban equivocados. London Calling de The Clash salió al mercado sobre el fin de 1979, precisamente el 14 de diciembre de ese año, y se trató de la obra maestra más resonante del género, aunque la banda liderada por Joe Strummer estaba explorando otros estilos musicales tales como el Ska, el Rockabilly, el Pop o incluso el Post-Punk. Pero para entender el cambio hay que ir un año atrás. Los dos primeros discos que edito la banda mostraban un fuerte carácter Punk con algunas incursiones en el Reggae. En 1978 The Clash realizó dos giras por Estados Unidos donde secundó a grandes artistas del R&B como Bo Diddley o Sam & Dave. Estas giras sirvieron de inspiración a la hora de la creación del álbum, cuyas grabaciones sucedieron en los estudios Wessex de la ciudad de Londres bajo la producción de Guy Stevens. Joe Strummer, Mick Jones, Paul Simonon y Topper Headon grabaron el disco en un periodo de 6 semanas trabajando aproximadamente 18 horas por día, y muchas de las canciones precisaron solo de una o dos tomas para producir el corte final. El resultado fue un disco que consto de 19 canciones. Debido a su larga duración, tuvo que ser editado como un álbum doble, pero con una particularidad: pese a ser un álbum doble, la banda presiono a la discográfica para que saliera al mercado con el precio de un disco simple. La tapa del larga duración muestra a Paul Simonon destrozando su bajo Fender en el escenario de The Palladium de New York, la noche del 21 de septiembre de 1979. El diseño se completa con el título del disco

homenajeando el primer disco de Elvis Presley. London Calling se transformó en un disco icónico por la variedad de estilos y los trasfondos sociales en sus letras, la realidad londinense, la vida cotidiana en Brixton e, incluso, hasta la guerra civil española. Paul Simonon escribió y cantó Guns Of Brixton para contar el descontento hacía la política de la época, Mick Jones produjo el hit de tintes “beatlesco” llamado Train In Vain y Strummer produjo el canto de una Inglaterra que se despedaza y no tiene salvación.

El cuarteto se encuentra en su mejor momento y, visto que ya no puede duplicar la apuesta, decide triplicarla. Sandinista! fue editado un año después, exactamente el 12 de diciembre de 1980, y se trató de un disco triple. En esta oportunidad, exploraron aún más en las raíces del Reggae y el Ska para llegar al Calipso, el Dub y el Gospel. En mucho aspectos Sandinista! puede ser visto como el disco más denso de la banda que ya a esta altura estaba totalmente alejada de sus comienzos con el Punk-Rock. La banda misma se ocupo está vez de la producción del disco, que se grabó en ciudades como Londres, Manchester, New York y Jamaica, y cuyas sesiones tuvieron lugar entre febrero y Agosto de 1980. The Clash creció como una banda de Punk y el trascurso de los años los transformo una banda de culto que tardó en lograr un gran éxito que le diera masividad: fue en la llegada del comercial donde re-aparecio el single de Combat Rock, disco de 1982, llamado Should I Stay Or Should I Go. La triste historia de la banda termina con la expulsión del baterista Topper Headon debido a su adicción a la heroína, y de Mick Jones luego de una pelea con Strummer. Joe y Paul Simonon realizarían junto a otros músicos un último disco como banda titulado Cut The Crap. Pero el verdadero final de la banda se dio el 22 de diciembre de 2012, día que falleció Joe Strummer a causa de una falla cardíaca no diagnosticada.

por DoctorWho088

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Si hay un lugar en el mundo con el cual identificar a The Beatles, no caben dudas que es The Cavern Club, ése “sótano lleno de ruido” como lo denominó Brian Epstein donde tocaron más veces que en cualquier otro lugar en el planeta. Ubicado en el Nro 10 de Mathew Street, en Liverpool, el club abrió sus puertas el miércoles 16 de Enero de 1957. Su dueño era Alan Sytner, un aficionado al Jazz que deseaba que su ciudad tuviera un

lugar donde disfrutar de la música que tanto amaba y lo bautizó así en honor al club de Jazz parisino Le Caveau De La Huchelle. En la primer noche se dice que unos 600 amantes del Jazz disfrutaron del show encabezado por la Merseysippi Jazz Band y de las bandas soportes Wall City Jazzmen, Ralph Watmough Jazz Band y el Coney Island Skiffle Group, pero el primer gran artista en presentarse en su escenario fue la leyenda del Blues, Big Bill Broonzy, el miércoles 13 de Marzo de 1957. Poco tiempo después su dueño notó que quizás su idea no era del todo rentable, y al observar el floreciente movimiento juvenil impulsado por Lonnie Donegan llamado Skiffle, accedió a que bandas locales se presentaran en el club. No tenían el mismo talento que los jazzeros, pero tenían un público adolescente que llenaba el lugar y producía ganancias.

El 7 de Agosto una de ésas bandas hizo su debut. Se trataba de The Quarrymen, liderado por un John Lennon. Dos años más tarde Roy McFall se convierte en el nuevo dueño del club ya que Alan Sytner se muda a Londres para manejar el Marquee Jazz Club. Esta sería una época de cambios en el estilo del lugar. De la mano de Bob Wooler, el DJ estable, las bandas Beat pronto comenzarían a tomar posesión del Cavern, hasta que el 25 de Mayo de 1960 Rory Storm & The Hurricanes encabezan la primer noche beat del club. Luego pasaron infinidad de bandas locales, con The Beatles a la cabeza por supuesto, pero además pasó a ser un lugar de culto, una parada obligatoria para cualquier artista que estuviera de gira por Inglaterra y pasara por Liverpool. The Rolling Stones, The Hollies, The Kinks, Elton John, Rod Stewart, The Who, Status Quo e inclusive Queen actuaron sobre su escenario. Pese a lo legendario, el negocio no iba bien y en Febrero de 1966 McFall fue declarado en bancarrota y el Cavern cerró sus puertas. Hubo manifestaciones de fans que intentaron frenar la clausura. Por fortuna, rápidamente aparecieron dos inversionistas, Alf Geoghegan y Joe Davey, que reabrieron el club, dándole un toque más sofisticado al lugar, que ahora incluía una tienda de recuerdos, una boutique y un servicio de café y comidas. En 1972 el British Rail, la compañía encargada de los trenes británicos, compró la sección de Matheew Street que iba del 8 al 12 en la numeración. El Cavern, junto al estudio de grabación Cavern Sounds que había sido construido en 1964 y el anexo adquirido luego de la reapertura, estaban dentro del paquete y las noticias no eran buenas. El estado planeaba derrumbar los edificios de ésa sección para construir un sistema de ventilación para el nuevo subterráneo que estaba planificado para la ciudad. El 27 de Mayo de 1973, el club original cerró para siempre, pero se mudó a la vereda de enfrente, entre los Nros 7 y 15 de Matheew Street. Jan Akkerman y el grupo Focus fueron los últimos en tocar allí, unos días antes del cierre. El martes 5 de Junio de 1973 se produjo la demolición, pero sólo de los edificios que estaban al nivel de la calle, el club propiamente dicho, que estaba en el subsuelo, fue rellenado. Irónicamente, el sistema de ventilación nunca fue construido y el área donde estaba el club donde The Beatles actuaron 292 veces entre 1961 y 1963 pasó a ser un depósito de los vagones del British Rail y finalmente un estacionamiento de autos. En la década siguiente se produjeron más cambios en el nuevo Cavern, pero eso forma parte de otra historia.

por beatlemartin

por beatlemartin

17

Hasta ése penoso y triste incidente, en el que se vio

involucrado en el terrible final de la actriz Lana Clarkson,

Spector, el autodenominado “mayor productor de discos

de todos los tiempos”, fue probablemente más conocido

por su papel en la realización (o desmantelación, según los

ojos de Paul McCartney) del último álbum lanzado por la

banda, “Let It Be”. Antes de que él se involucrara, el

ingeniero Glyn Johns había preparado tres diferentes

mezclas de lo que se propuso entonces a ser el álbum Get

Back. The Beatles rechazaron por unanimidad las tres

propuestas.

Mientras tanto, el trabajo en la película “Get Back” continuó

durante los últimos meses de 1969 y principios de 1970.

Fue Allen Klein, irónicamente, quien animó a los señores

McCartney, Harrison y Starkey a reagruparse por última vez

en enero de 1970, para poner en marcha “Let It Be” como

un potencial single (y muy pronto, álbum / Título de

película también), y para grabar "I Me Mine", que se

escucha en la película, pero que no había sido grabado

correctamente en las tortuosas sesiones de enero de 1969.

Y fue precisamente Klein quien sugirió que Phil Spector,

quien acababa de producir el single de John Lennon

"Instant Karma" con un estilo magnífico, debiera de nuevo

pedir las cintas de enero de 1969 para revisarlas y montar

una banda sonora adecuada para la película. Y a pesar de

lo que se ha escrito en otros lugares, los cuatro Beatles

autorizaron ésa decisión.

Spector se puso a trabajar, mezclando aquí, cortando y

editando allá, y finalmente reclutando a Ringo Starr y una

orquesta para trabajar en varios temas - incluyendo la

canción de McCartney, "Long and Winding Road". ¿Por qué

no estuvo Paul allí en la sesión? Debido a que tanto él

como John estaban tan hartos del proyecto, habían

acordado dejar que George y Ringo supervisando lo que

estaba haciendo Spector, así que es cierto que Paul

McCartney no sabía lo que Phil Spector estaba planeando

hacerle a “The Long and Winding Road "(es decir, añadir

una orquesta y coro), pero sólo porque había decidido no

participar.

Cuando finalmente se realizó el trabajo de Spector, reunió

rápidamente sus mezclas del álbum, cortó y editó cuatro

copias de acetato del LP, y las envió a cada uno de los

Beatles para su aprobación. Los cuatro músicos se pusieron

en contacto con cada uno, y aprobaron el trabajo de

Spector. Sólo dos semanas después, cuando las máquinas

ya estaban rodando, Paul de repente se dió cuenta (O

como acá en México decimos “le cayó el veinte”) y pensó,

"Espera un minuto, quiero hacer algunos cambios". Pero

para entonces ya era demasiado tarde.

Spector ya con anterioridad había redactado una carta que

iba dirigida exclusivamente a The Beatles. Esta estaba

escrita en un tono amable: "Si hay algo que les gustaría

hacer para el álbum,

hacérmelo saber y yo estaré

encantado de ayudar",

escribió. "Naturalmente las

cosas pequeñas son fáciles

de cambiar, las cosas grandes

pueden ser un problema. Si

lo desean, por favor llámeme

para cualquier cosa

relacionada con el disco ésta

noche." Esa era sin duda la

voz de alguien con

compromiso, en lugar de un

fanático del control.

por vidrioso

18

El calendario fue ajustado porque el estreno de la película

era inminente - y en ese momento entramos en otra saga,

sobre la programación de Let It Be y el álbum solista

McCartney, que despertó un argumento que a su vez

provocó Paul al enviar su famosa "entrevista" a la prensa

sugiriendo que se iba de The Beatles. Pero eso es otro

tema. Mi punto aquí es que lejos de actuar como un tirano,

y negarse a comunicarse con Paul McCartney, Phil Spector

hizo todo lo posible para asegurarse de que los cuatro

Beatles aprobaran su obra.

Spector hizo una sugerencia más: el disco no debe ser

titulado Let It Be, sino ”El largo y sinuoso camino”, lo cual

es una clara indicación de la importancia que le daba a la

canción de McCartney. Pero para entonces la película

estaba prácticamente terminada, y todo lo que se había

orientado hacia el proyecto se titularía “Let It Be”, por lo

que el consejo de Spector fue ignorado.

Por si sirve de algo, muchos han pensado que la versión de

Spector de Let It Be fue artísticamente superior a la mezcla

de Glyn Johns, y al álbum “Let It Be... Naked” lanzado hace

unos años (si se me permite dar mi humilde opinión, en lo

personal me gustan ambos, tanto el original como el Let It

Be al desnudo, ambos tienen su encanto muy diferente

uno al otro). En los últimos años, tres de los Beatles

retomaron de nuevo el tema diciendo que preferían el

trabajo de Spector. No es difícil adivinar la identidad del

Beatle que no estaba de acuerdo.

En sus propias palabras…

En una entrevista de televisión que se transmitió en el

Reino Unido en 2008, Phil Spector dice que salvó a la

versión original de "Let It Be" y que no le importa en lo

más mínimo el por qué Paul McCartney haya lanzado "Let

It Be... Naked", porque "no aportó una mierda." Fueron

literalmente sus palabras. Dijo que su trabajo para el

original "Let It Be" fue un proyecto de rescate.

"Yo sabía que se estaban separando, yo sabía que nunca

iban a volver a estar juntos de nuevo ... El público no los

volvería a ver juntos y yo estaba allí para hacer un álbum

comercial, porque quería vender 12 millones de discos y el

público terminó comprándolo y yo era Mr. Comercialidad ",

dice Spector.

Dice que trabajar en el álbum fue una verdadera pesadilla.

"The Long and Winding Road” era una grabación terrible

cuando la escuché por primera vez. John estaba tocando el

bajo con todas las notas equivocadas. No había trabajo de

batería en ella – tuve que reclutar nuevamente a Ringo

para que volviera a tocar. Fue realmente horrible. Paul

cantaba como si no lo creyera, estaba como burlándose

del tema. Y a John no le gustaba la canción. Es por eso que

tocaba el bajo en él, y él no sabía los cambios de acordes

por lo que los trataba de adivinar. Fue una farsa y se tenía

que hacer todo lo posible para ocultar los errores”.

"Trabajé con verdaderos extraños en un ambiente hostil, la

prensa hostil, personas hostiles, todos los amantes de The

Beatles que pensaban que estaba tomando por rehenes a

sus Beatles", dijo. "No fue una tarea envidiable. Pero yo

quería que "Let It Be" fuera un gran disco de despedida. Yo

sabía que se estaban separando, yo sabía que no habría

una reunión”.

"No creo que McCartney vaya alguna vez a creer que

estuve allí y en unos meses había hecho lo que ellos no

pudieron hacer en dos años. John estaba encantado con lo

que hice y George también, Paul dijo que él amaba "The

Long and Winding Road", cuando el tema ya estaba

terminado".

Pero Spector claramente no es feliz con "Let It Be... Naked".

"No sé con qué adjetivo denominar ése trabajo sino como

una completa mierda. Esperó 35 años solo para hacer ésto,

yo no sé por qué, y no me importa el motivo”.

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Es apenas el primer día de octubre cuando The Rolling Stones tienen la segunda actuación de su primera gira por Inglaterra, que había comenzado apenas dos días antes, el 29 de septiembre, ésta vez tocaban en el Odeon Theatre de la ciudad de Londres. Viernes 4, nace Franco Vaccarini, escritor argentino.

Miércoles 9, en un corrimiento producido en el Monte Toe

se desprenden masas de tierra, cayendo en la presa del

Vaiont. La ola del agua expulsada anega siete pueblos y el

valle del Piave, al noreste de Italia, ocasionando unas 3000

víctimas.

Ese mismo fin de semana, en Argentina, Arturo Umberto

Illia se convierte en el 35° presidente (12 de octubre).

Al día siguiente, domingo 13, The Beatles harían una de

sus más famosas actuaciones, la primera televisada y

observada por más de 15 millones de espectadores: su

aparición en el programa “Val Parnell's Sunday Night At

The London Palladium”.

El Palladium de Londres nunca había sido testigo de tantas fans gritando, tanto dentro como fuera del teatro. Los cuatro se presentaron brevemente al comienzo del programa, aunque sólo por unos segundos, entonces el presentador, Bruce Forsyth anunció: “Si quieres volver a verlos, volverán en cuarenta y dos minutos”.

La elegida para iniciar fue From Me To You, luego hicieron su rutina habitual, que habían ensayado la noche anterior, Paul introdujo I’ll get you, pero fue varias veces interrumpido por John, luego Paul, John y finalmente George anunciaron She Loves You, para finalizar, Twist And Shout, canción que presentó Paul, pero el ruido de los gritos de las fans era tan fuerte que John les gritó “Cállense!” gesto que provocó el aplauso de los adultos en la audiencia. Fue a la mañana siguiente que el término Beatlemanía fue acuñado por los medios de comunicación para expresar la conmoción causada por los cuatro de Liverpool. Casualmente, mientras The Beatles tenían su actuación en el London Palladium, sus “rivales” los Stones conquistaban Liverpool, continuando con su gira de conciertos que se extendería hasta el 3 de noviembre. Martes 15, en Barcelona, se concede el XII Premio Planeta a la novela El relevo, de Luis Romero. Viernes 18, en Gran Bretaña. El primer ministro, Harold Macmillan, dimite de su cargo por motivos de salud. Lord Home forma un nuevo gobierno conservador y renuncia a su título de nobleza para poder ser elegido en la Cámara de los Comunes. El 21 de octubre The Beach Boys lanzan su cuarto álbum de estudio, Little Deuce Coupe, a pesar de haber sido grabado en tan poco tiempo, junto a Pet Sounds y Still Cruisin' es uno de los discos de platino de la banda. Viernes 25, el Banco Mundial concede su primer crédito a España: 33 millones de dólares (unos 1980 millones de pesetas). El 30 de octubre, luego de haber finalizado su gira de conciertos por Suecia, The Beatles regresan a Estocolmo para grabar una aparición en el programa de televisión Drop In. Antes de su propia actuación tuvieron un breve encuentro con la cantante sueca Lill-Babs, se tomaron una foto y ella les firmó unos autógrafos.

por Danbus10

20

Queridos beatlefans, en esta oportunidad quisiera

comentar con ustedes uno de los temas que más me gusta

en el universo Beatle; los charts. En primera instancia

hablaré de la etapa solista de George Harrison, aquella que

va de 1970 a 1975.

Esta fue una etapa con resultados generosos en todos los

aspectos para Harrison con grandes hits, grandes discos y

el reconocimiento unánime sobre su obra. Si bien todo

artista aspira a llegar a lo más alto de las listas de

popularidad debemos hacer una pequeña acotación,

cualquier canción tanto en EEUU como en UK en entrar al

TOP 40 se debe considerar un éxito ya que tuvo buenas

ventas, una constante rotación en la radio y difusión en

otros medios sobre todo impresos, en el caso de los LP en

UK se considera un éxito si ingresa al TOP 100 y en EEUU si

llega cuando menos al Billboard 200.

El tercer álbum solista de George,

aunque primero después de The Beatles,

fue All Thing Must Pass que llegaría a lo

más alto de las listas tanto de EEUU

como UK. De éste exitoso álbum de

desprendieron 2 sencillos, My Sweet

Lord/Isn't It a Pity que llegó también al

número uno en ambos lados del

Atlántico y What is life, que fue lanzada

como single solo en EEUU y alcanzo el

Top TEN al ubicarse en el lugar 10.

El tercer simple se George fue Bangla

Desh que se ubicaría en el lugar 10 en

el Reino Unido y 23 en América, otro

éxito más.

El cuarto LP de George, “Living in the

Material World” de 1973, sería el

segundo en llegar al primer lugar en

EEUU e inesperadamente “solo” alcanzo

el número 2 en su país natal. De éste

gran álbum se extraería un éxito más a

la carrera de George, "Give Me Love

(Give Me Peace On Earth)" que llegaría

el número 1 en EEUU y al 8 en UK.

Para 1974 George publicaría su quinto

álbum, “Dark Horse”, obteniendo de

nueva cuenta mejores resultados en

América al llegar a un meritorio cuarto

lugar. De esta placa se lanzarían dos

sencillos, "Ding Dong, Ding Dong"

lugar 38 en UK y 36 en USA y "Dark

Horse" lugar 15 en EEUU.

Y para 1975 llegaría “Extra Texture” que

nuevamente tendría buenos resultados

en ventas, con el lugar 8 en EEUU y 16

en el Reino Unido. Este álbum tendría

dos sencillos, "You" con los lugares 38

en UK y 20 en USA y "This Guitar (Can't

Keep from Crying)", una hermosa

canción pero quizá sin los elementos

para ser un éxito en la radio, por los

cual se convirtió en el primer sencillo

de cualquier ex Beatle en no alcanzar el

TOP 40.

por GeorgeHarrisonMX

Portadas de: All Things Pust Past, Living In The Material World, Dark Horse, y Extra Texture, respectivamente.

21

El mes pasado fue

subastada una entrevista

inédita de Lennon en la cual

describía los arduos días

durante la grabación del

álbum Let it be. “Es una

tortura cada vez que The

Beatles producen algo”, declaró el ex-Beatle, además,

describió los últimos días de la banda: “Estamos

atravesando el infierno. A menudo lo hacemos. Es una

tortura cada vez que producimos algo, The Beatles no

tienen ninguna magia que tú no tengas. Sufrimos un

infierno cada vez que hacemos algo y tenemos que

batallar con cada uno de nosotros. Imagina trabajar con

The Beatles, es duro”. También afirmó que no quería hacer

Let it Be y quién presionó al grupo a hacerlo fue Paul

McCartney.

El pasado 6 de septiembre se estrenó el documental "Good

Ol' Freda!", una historia narrada por Freda Kelly, quién fue

secretaria de The Beatles desde 1962, fue escogida por

Brian Epstein para tal cargo cuando tenía 17 años. En 1963,

The Beatles grabaron un especial navideño, en él se

escucha a George Harrison dar las gracias a “Freda Kelly en

Liverpool”, luego, John Lennon, Paul McCartney y Ringo

Starr exclaman: "Good Ol' Freda!", de ahí el nombre del

documental.

Paul McCartney ha

publicado la que será la

portada de su nuevo álbum

“New”, además interpretó

en el iHeartRadio Music

Festival tres nuevas

canciones llamadas “New”,

“Save us” y “Everybody Out

There”."Muchos de los

cortes son muy variados y no necesariamente en un estilo

que se reconocería como mío. No quiero que todo suene

igual" afirmó. El álbum estará disponible desde el próximo

14 de Octubre.

La quinta temporada

de la serie

estadounidense Glee

iniciará con un

homenaje a los Fab

Four, el primer

episodio denominado

“Love, Love, Love” tendrá dos partes basadas en un

homenaje a la legendaria banda británica, la nueva

temporada se estrenará el 10 de octubre en Latinoamérica.

Después de 46 años, el disco Sgt Pepper’s Lonely Hearts

Club Band tendrá certificación de platino debido a sus

altas ventas en Reino Unido. Esta certificación llegó tarde

por un cambio en las reglas de la BPI (British Phonographic

Industry) que ahora permite que todos los discos se

certifiquen automáticamente por alcanzar ventas de 60,000

(plata), 100,000

(oro) y 300,000

(platino). Además

casi toda la

discografía de los

Fab Four recibirá

nuevos discos de

oro y platino.

por Harry_T2

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Mucho se habla sobre Yoko Ono, y es cierto que la tela

para cortar sobre ella es extensa. La idea del artículo de

hoy es enfocarnos un poco más en su lado artístico.

Como diría John Lennon una vez:

"The world's most famous unknown artist: everybody knows her name, but nobody knows what she does." “La artista desconocida más famosa del mundo: todos conocen su nombre, pero nadie sabe lo que hace” Yoko nació en Tokio, el 18 de Febrero de 1933, perteneciente a una familia aristocrática. Recibió formación musical casi desde la cuna, y a los cuatro años de edad dio su primer concierto de piano. Si bien empezó a estudiar filosofía, siempre intentó mantenerse cerca de poetas, músicos y artistas, atraída por el espíritu bohemio. Durante los 60's formó parte del grupo de tendencia Avant Garde “Fluxus”, y fue una de las protagonistas de los movimientos artísticos de esa década. Según Yoko, en el grupo Fluxus: "aspiraban a romper las fronteras del arte, utilizando sonidos cotidianos y ampliando el campo perceptivo de los espectadores"

En los primeros años de los 60's organizaba reuniones en su loft donde se trataban temas de arte en general. Su primera exposición de arte propio la consiguió en 1961 en AG Gallery, New York y fue llamada "Paintings &

Drawings by Yoko Ono". En 1964 presentó una de sus obras más conocidas, la "Cut Piece", donde ella se sentaba vestida en un escenario, e invitaba a los espectadores a cortarle retazos de su ropa

con unas tijeras. Durante ese año también edita su libro de instrucciones de llamado "Grapefruit", donde le da al lector una serie de instrucciones para realizar cosas con la imaginación, por ejemplo: "PAINTING TO EXIST ONLY WHEN IT'S COPIED OR PHOTOGRAPHED Grapefruit ha tenido su secuela, intitulada "Acorn", publicada el 30 de julio de 2013.

El 9 de noviembre de 1966, en Inglaterra se realizó una muestra en la Galería Indica a la cual asistió John Lennon mientras Yoko la preparaba. En la misma, John quedó impresionado con una escalera bastante larga, que llevaba hasta una lupa con la cual se podía leer una diminutísima inscripción "YES" en el techo. El primer contacto entre John y Yoko en la exposición se dio cuando John se interesó en la obra "Hammer A Nail", en la cual los clientes clavan un clavo en una tabla de madera. John quiso participar, pero Yoko se negó argumentando que aún no se había abierto al público. En 1968 se edita el primer trabajo musical de Yoko, que es el álbum experimental avant garde junto con John Lennon "Unfinished Music No.1: Two Virgins", grabado en solo una noche en los estudios personales de John. En el mismo se escuchan loops con delays y distorsiones, además de varios sonidos de instrumentos y conversaciones. También es muy recordado debido a la portada, en la que se ven

John y Yoko completamente desnudos. También en 1968, Yoko participó durante las sesiones "Get Back" de The Beatles, acompañando a John. Para el disco realizó en colaboración con John la pieza "Revolution 9". Además contribuyó vocalmente en Birthday y The Counting Story of Bungalow Bill. Luego también acompaño la grabación de Abbey Road. Vale recordar también el single Beatle “The Ballad of John And Yoko”, en motivo de los problemas alrededor al casamiento de la pareja. Luego del casamiento, su luna de miel la pasaron en pijamas en el hotel bajo el lema “Bed Peace” permitiendo el acceso

constante de los fotógrafos. En 1969 sale el primer disco de la Plastic Ono Band, con una banda conformada por John Lennon, Yoko Ono, Klauss Voorman, Eric Clapton y Andy White. Editan el primer disco "Live Peace in Toronto 1969", grabación en vivo. En 1970 sale a la venta Yoko Ono/Plastic Ono Band.

por fedexlg

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Su colaboración con John continuaría en los discos “Some Time in NYC”, “Double Fantasy” y “Milk & Honey”. Posiblemente el aporte más conocido a la carrera solista de John Lennon fue la frase “War Is Over (If You Want It)”, dentro de la canción “Happy Xmas”, pero también se

pueden encontrar muchísimas canciones escritas y

cantadas por Yoko, dentro de los álbumes antedichos. Durante los últimos años de los 60's y mediados de los 70's Yoko publicó 16 películas, de diferente éxito, destacándose como la más conocida "Fly". Otras destacadas son Satan’s Bed (1965) y No 4 (también conocida como “Bottoms”), rodada en 1966. En ella se pueden ver una serie de “colas” o “traseros” de distintas personas, en primer plano, mientras van caminando y siendo entrevistados sobre porque aceptaron formar parte del proyecto. A mediados de los 90’s la compañía de relojes “Swatch” lanzo al mercado una edición especial conmemorando dicha película. En cuanto a su carrera musical propia, Yoko edito varios álbumes desde 1970 (Plastic Ono Band) hasta 2013 (Take Me To The Land Of Hell) siendo el más exitoso “Seasons Of Glass” de 1981, poco después de la muerte de John, y donde la tapa del mismo muestra un retrato de las gafas bañadas de sangre de Lennon, mirando de frente a Nueva York. En ningún momento Yoko abandonó su lado artístico conceptual y siguió trabajando activamente durante las décadas del 80 y 90. En 1 996 Yoko creó su “Wish Tree”, donde invitaba a las personas a escribir un deseo y colgarlo de su árbol, hasta que el mismo q uede completo. En 2004 realizó la exhibición “Oddyssey of a Cockroach”, donde se podían ver entro otras cosas, zapatos gigantes aplastando cucarachas. Luego en 2005, realizó una recapitulación de sus mejores

obras desde los 60’s hasta ese año bajo el nombre “Horizontal Memories”. En 2001 recibió el premio International Association of Art Critics a la mejor muestra de museo por su exhibición YES YOKO ONO, y en 2002 un doctorado honorifico en Bellas Artes de parte del Bard College. En 2009, en la Bienal de Venecia fue galardonada con el León de Oro por su trayectoria artística post-guerra. En una entrevista al respecto ella habló sobre lo mucho que le costó poder llegar a esa distinción. También en ese año hizo una presentación en Islandia junto a Ringo Starr en conmemoración de lo que hubieran sido los 70 años de John Lennon; en la misma interpretaron Give Peace A

Chance. En 2010 fue proclamada embajadora mundial contra el autismo. Para la ceremonia, ideó un rompecabezas gigante llamado “PROMISE”, el cual fue segmentado en 62 piezas que fueron subastadas para apoyar a los niños que lo

padecen. Ese mismo año ella exhibe su obra “A Hole” donde muestra un cristal en el cual quedó el impacto de una bala. En el mismo, Yoko invita al espectador a que se ubique a ambos lados del cristal para tomar cada posición: de quien disparó y de quien recibió el impacto. En la misma muestra se observan un cuarto solo con sonrisas y una exhibición de abrigos utilizados por personas al momento de ser

disparadas a quemarropa. También durante los últimos años, fundamentalmente del 2000 en adelante han resurgido muchas de las canciones compuestas por Yoko, a modo de dance Remixes y con muchísimo éxito. Hoy día sigue presentando sus obras, demostrando que no solo debe su fama a Lennon, sino que ella podría ser mucho más que “la viuda de”. Su arte es discutible, los gustos son personales, pero no hay dudas de que siempre fue una pionera avant garde, y que su obra sigue.

Página Anterior: Izquierda: “Cut Piece” Derecha: Arriba: “Yes”. Abajo: Portada del disco “Unfinished Music Vol. 1”

Página Actual: Izquierda-Arriba: Portada del disco “Seasons Of Glass” Abajo-Izquierda: “Oddyssey of a Cockroach” Abajo-Derecha: “A Hole”

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Y EN EL PRÓXIMO NÚMERO … ESPECIAL

Edición dedicada al baterista de The Beatles con motivo de su

visita al continente americano.

No se la pierdan, el próximo mes!