Guia2.Jorge Viteri.apreciación de La Escultura

SEGUNDO PARCIAL JORGE VITERI APRECIACIÓN DE LA ESCULTURA

MODALIDAD DE EDUCACIÓN A DISTANCIA

NOMBRE: Jorge Daniel Viteri Sánchez

FECHA LÍMITE: 12/11/2013

RESPONSABLE: Teodoro Daniel Reyes Orquera

ESCULTURA

SANTO DOMINGO – ECUADOR

2013


Actividad de aprendizaje 2.1.

Planteamiento

Observe y analice la escultura griega “La victoria de samotracia” luego redacte 4

características del período al que pertenece la obra.

Esculturas del periodo helenístico

La Victoria de Samotracia

Acentuación de las formas, que se deja ver en la manifestación de los

sentimientos, mayor movimiento y gran variedad de actitudes.

El tema religioso cada vez se abandona más mientras abundan las

representaciones de ancianos, niños, venus y mitología.

Las escuelas más importantes son la de Pérgamo, Rodas y Alejandría. No es que

tengan características específicas ni se conocen exactamente los autores, es sólo

porque son obras realizadas en relación a una ciudad.

No siempre se conocen los autores y muchas obras se conservan por copias

romanas.

Características del período al que pertenece la obra.


Además con tres personajes de obras escultóricas helénicas, construya una historia

que devele el pensamiento, costumbres y mitos del pueblo griego antiguo.

Personajes de Esculturas del periodo helenísticoHistoria

Destacan tres escultores Scopas, Praxiteles y Lisipo.Scopas introduce la expresión patética y pintoresca, los rostros de sus estatuas expresan al máximo el dolor, la angustia o la muerte que llena sus cuerpos. Este escultor se encarga de la decoración de los frontones del templo de Atenea en Tegea de Arcadia, él fue el maestro que dirigió la construcción del Mausoleo en Halicarnaso, una de las maravillas del mundo antiguo, hay que hacer un intento por imaginar lo majestuoso que era este mausoleo, del cual tan sólo sus fachadas medían 125 metros de perímetro.El segundo de estos grandes maestros de la época helenística fue Praxiteles, se dice que fue el escultor de la carne, ya que fue el primero que realizó obras representando a seres completamente desnudos, todo esto en un marco de belleza, gracia, alegría y juventud.Finalmente, Lisipo de Sicione, intenta darles a sus figuras mayor esbeltez y movilidad, representa la etapa del naturalismo elevado a su máxima expresión.

Hermes con el niño Dioniso, por Praxíteles



Planteamiento

Realice una comparación entre la obra “El Moisés “de Miguel Ángel y “El

Pensador” de Rodin, encuentre y mencione por lo menos tres elementos en los que

influenció el artista del renacimiento al artista impresionista. Luego realice una

pequeña descripción de la anécdota de cada obra.

El Moisés “de Miguel Ángel y “El Pensador” de Rodin

Fue Miguel ángel quien influencio a Auguste Rodin, tras las críticas de su

primer trabajo EL hombre con la nariz rota, hizo un viaje a Italia, donde se fija

en el voluntario inacabado de las tallas; del non finito de cada base brotan con

un delicado y pulido perfil las imágenes de El hijo pródigo o El pensador.

Las figuras se liberan de lo imperfecto hasta lograr la cumbre de la belleza;

salen, tal y como explicaba Auguste Rodin, desde el interior hacia fuera, como

en la vida misma

El pensador deriva tanto del arte antiguo, del Torso del Belvedere, del museo del

Vaticano, como de la estatua sedente de Lorenzo de Medici o del Moisés de

Miguel Ángel, pero Rodin consigue diferenciarlo en el arte de transmitir el

pensamiento a la tensión de cada uno de los músculos, dando una expresión

sensible al trabajo intelectual de la obra.

Anatómicamente falta una lógica entre las proporciones, pues éstas son

utilizadas para resaltar el sentimiento. El proceso por el cual están hechas sus

esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas

trabajadas en bronce, en su época Rodin influenciado elaboraba estas piezas en

yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los

escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en

mármol

Ambos se sienten atraídos por el tratamiento del movimiento y la acción

muscular en las obras de los grandes maestros renacentistas Miguel Ángel.


Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el

artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y

por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear una imagen

nueva a los ojos del mundo

ANÉCDOTA DE LA OBRA EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL.

El David contrasta con las representaciones previas

de Donatello y Verrocchio en las que David aparece

con el cuerpo de Goliat asesinado. En la versión de

Miguel Ángel, Goliat no aparece, por lo que se

interpreta que aún no ha sido vencido. El cuerpo de

David es el de un hombre musculoso, no el del

muchacho de las obras de Donatello y Verrocchio.

En lugar de aparecer victorioso como en las dos

versiones antes mencionadas, David aparece en

tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se

encuentra girado con un ligero contrapposto: la

pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo

izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi

toca el hombro, mientras que el brazo derecho se

deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso

se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su

objetivo, con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida, además, con

una mueca de odio y las aletas de la nariz bastante abiertas. El movimiento es

contenido, centrípeto con líneas de fuerza que vuelven al bloque. La mirada ha sido

interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha

tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate. Otros expertos,

como Giuseppe Andreani (director de la Academia de Bellas Artes de Florencia),

opinan sin embargo que la escena muestra el momento inmediatamente posterior al final

de la batalla, y que David contempla tranquilamente su victoria.

ANÉCDOTA DE LA OBRA EL PENSADOR DE AUGUST RODIN.


El Pensador de Rodin tiene por sobre todas las cosas

una enorme cuota de realismo, con rasgos propios e

identificativos de las personas, incluso se piensa que

está hecha a semejanza de alguien que posó para él.

La exposición al desnudo de este ser pensante muestra

al hombre en su estado más puro y natural, con una

clara muestra de que el hombre necesita despojarse de

todo lo que le pueda incidir para lograr el verdadero

pensamiento interior.

Es también una muestra de la falta de racionalidad

auténtica de la época, donde el ser humano se sentía tan influenciado y atraído por cosas

banales, que ya no podía llegar a la real dimensión de la mente.

El Pensador de Rodin es el reflejo de una lucha interna por la meditación y el poder

abstraerse del mundo exterior para lograr el equilibrio espiritual.

Es la muestra de que se puede lograr abstraerse de todo y procurar el equilibrio

emocional, es cuestión de proponérselo ya que cualquier ser humano tiene ese poder,

solo que no siempre se intenta. La escultura del Pensador del Rodin

La sociedad francesa a fines del siglo XIX se encontraba revolucionada por los grandes

descubrimientos y avances de la ciencia, dejando de lado la verdadera esencia del ser

humano.

El Pensador de Rodin es un llamado a la reflexión, incluso para el mismo Auguste

Rodin quien sintió la necesidad de materializar lo que le estaba sucediendo a el mismo

como parte de la comunidad.

El hombre se encuentra meditando y mirando hacia abajo, como muestra de querer ver

sus propios pasos, donde para avanzar y alcanzar resultados siempre se debe mirar el

camino recorrido como fuente de aprendizaje.


Planteamiento¿Qué elementos simbólicos significativos, representa Henry Moore en su serie

“Soldados heridos”? Explique estos símbolos contextualizándolos a la época en que

fueron realizados. Justifique su respuesta con razones convincentes, mínimo 10

líneas.


La piedra en los inicios y el bronce después fueron

sus materiales preferidos. Es considerado uno de

los escultores más importantes del siglo XX y una

de las principales figuras artísticas del Reino

Unido contemporáneo.

Los elementos simbólicos presentes en las obras de

Henry Moore son el resultado de una actividad

mental del escultor en su serie soldados heridos

muestra a sus soldados como un elemento simbólico que reflejan valores marcados en

la sociedad.

Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre

con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo

femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos

familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas,

inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.


PlanteamientoLos artistas ecuatorianos como Estuardo Maldonado, Jesús Cobo, Milton

Barragán, fueron influenciados por escultores del siglo XX como Alberto

Giacometti, Henry Moore, Alexander Calder, etc. Encuentre cuál de estos

escultores influenció poderosamente al escultor ecuatoriano Milton Barragán, en

la parte técnica, de materiales, de forma y contenido. Explique con ejemplos de

obras.

Determinar las influencias con precisión, sin forzar coincidencias entre autores.

MILTON BARRAGÁNESCULTOR ECUATORIANO

Las obras escultóricas de Milton Barragán se ven influenciadas por el escultor del

renacimiento Alberto Giacometti y también por Henry Moore plasma sus sentimientos e


ideas, además del volumen y el espacio que muestran sus obras, las técnicas utilizadas

los materiales madera, bronce, yeso son influenciadas por este ultimo autor del

renacimiento. Al igual que Moore Aproximarse a la obra escultórica de Milton Barragán

es aventurarse en un inquietante universo de formas, cuya geometría y significado han

venido variando a lo largo del tiempo, desde que el artista comenzara a trabajar con las

tres dimensiones, hace más de 25 años, hasta hoy, cuando nos ofrece en esta muestra sus

creaciones más recientes, de un depurado abstraccionismo en las cuales mostramos

algunas de sus obras a continuación.


Planteamiento

Con la llegada de los conquistadores se transforma la cosmovisión y la realidad de

los pueblos de América, una de las más evidentes transformaciones se ve en el

campo del arte. El Ecuador es uno de los centros de producción de las nuevas

imágenes artísticas muy necesarias para la evangelización e imposición de la nueva

religión, la católica. Estas nuevas imágenes tienen características particulares.

En la obra " La Virgen de Quito” del escultor Bernardo de Legarda, señale y

explique cada una de las características de la época a la que pertenece la obra.


La Virgen de Quito, también conocida bajo los nombres de Virgen del Apocalipsis, Virgen alada, Virgen bailarina y Virgen de Legarda. Es una escultura de 30cm de alto, obra del artista quiteño Bernardo de Legarda, que se ha convertido en la mayor representante de las piezas creadas en el marco de la escuela quiteña, que se desarrolló en la capital ecuatoriana durante la época colonial, y que adquirió gran prestigio mundial.La Virgen de El Panecillo, también conocida como Virgen de Quito por el nombre de la escultura en la que está inspirada, es un monumento de la ciudad de Quito D.M., en Ecuador. Está ubicada sobre la cima de la colina de El Panecillo, una peculiar elevación con forma de un pan pequeño que se encuentra emplazada en pleno centro de la urbe y sirve de telón de fondo al Centro Histórico. La imagen tallada por Legarda tenía sus antecedentes en esculturas españolas del siglo XVII, pero en esa costumbre de los artistas quiteños de enriquecer y barroquizar todo, llenándolo de adornos que representaban la comunión de las culturas indígena y española, logró crear una Virgen que casi parecía moverse, graciosa, dinámica y a la vez serena. El detalle tan peculiar de las alas, que no se había visto en ninguna Virgen creada antes, obedecía al pensamiento de Legarda de que si no las ponía, sus santos no podrían llegar al cielo.Fue el barroco su máxima expresión a través del retablo que incluía una imagen que guiaba cuidadosamente sus detalles; en sus esculturas son visibles sus sinceras emociones religiosas

Los críticos siglo-ventinos del Ecuador elevan a la categoría de baremo estético la habilidad imitativa, y más que en términos de creación plantean el problema artístico en términos de reproducción (no de la realidad, sino de otras obras de arte). Si algo refleja el arte colonial del medio en que se produjo, no es otra cosa que una total alineación: técnica, cromática, de temas; todo nos remite a una situación existencial poblada de manos indias y mestizas produciendo dioses blancos con todos los detalles blancos exigidos por el blanco colonizador.

El arte colonial utiliza una «técnica de encarnado» (como se llama en pintura y escultura a la simulación del color de la carne del cuerpo humano) que da una apariencia más natural a la piel del rostro de las esculturas. una vez que la pieza estaba tallada y perfectamente lijada, el oficial del taller procedía a recubrir la madera con varias capas de yeso con cola; luego de cada capa, se pulía perfectamente hasta conseguir un acabado perfectamente liso; luego de lo cual se daba el color en varias capas sumamente fluidas que se transparentaban permitiendo la mezcla óptica de los colores superpuestos;


se iniciaba con los colores de sombras (azules, verdes, ocres); luego se daban los colores claros (blanco, rosa, amarillo); para terminar con los colores de resalte (naranja y rojo para las mejillas sonrosadas, las rodillas y codos de los niños; azul oscuro, verde, violeta, para las heridas y moretones de los cristos o para las sombras de la barba incipiente de personajes imberbes. Finalmente se golpeaba la escultura con la vejiga de un cordero y saliva, para darle un brillo desconocido en Europa.

Realice una representación tridimensional en arcilla, de la Escultura de la “Virgen de Quito”.

Efectúe 2 fotografías del proceso y 1 de la obra concluida, las que deberá incluirlas en su guía.

La Virgen de Quito, también conocida bajo los nombres de Virgen del Apocalipsis, Virgen alada, Virgen bailarina y Virgen de Legarda.

Materiales arcilla, pintura blanca, pincel.


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