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Masa

Al fin de la batalla, y muerto el combatiente, vino hacia él un hombre y le dijo: «No mueras, te amo tanto!» Pero el cadáver ¡ay! siguió muriendo. Se le acercaron dos y repitiéronle: «No nos dejes! ¡Valor! ¡Vuelve a la vida!» Pero el cadáver ¡ay! siguió muriendo. Acudieron a él veinte, cien, mil, quinientos mil, clamando: «Tanto amor, y no poder

l mes de octubre en México es trascendente por el recuerdo amargo de la matanza de Tlatelolco. Cuando, días previos al cuadragésimo aniversario, alguien me sugirió su total desdén hacia el 2 de octubre, reflexioné realmente sobre lo ocurrido hace cuarenta años. El concepto

claro de represión redundó algunos días en mi cabeza. Siempre hay que conmemorar este hecho desafortunado en la historia de nuestro país para que siempre se recuerde que no debe existir un día como aquel.

Me considero afortunado de vivir en el alba de un nuevo milenio. Al menos por la libertad de expresión que, aunque utópica en algunos casos, ha sido quizás la parte más amigable —y hasta cómica— de aquellos que nos gobiernan desde el 2000. Pero no me alegro de vivir con el “gasolinazo” a cuestas ni con la privatización de PEMEX pendiendo de un hilo sobre los mexicanos. Hace unos días mi amigo y director de 44.1 Rock Radio decía que los mexicanos somos los más ricos del mundo. Si no me creen entonces díganme cómo le hacemos para sobrevivir con los impuestos que tenemos y, por si fuera poco, se le aumenta el IVA al 15%, la tenencia, verificación, pasaje, luz, agua, teléfono, Internet, predial, gas, Hacienda, IMSS; cómo nos la arreglamos para que, encima de todos estos impuestos, vamos al antro, al cine, al teatro, a museos, a bares, a conciertos y a un sinnúmero de lugares (el DF es un estado de primer mundo gracias a todos los espectáculos que pisan nuestra capital y gracias también a la carísima calidad de vida) y aún así podemos sortear todos los gastos que esto implica. Todo porque votamos por FECAL. O al menos yo no voté por él, ni por el “Presidente legítimo de México”.

Ya desde Platón, seguido por Maquiavelo y Hobbes se ha dicho que el pueblo tiene el gobierno que merece. El movimiento del 2 de octubre también era un movimiento para despertar al pueblo. Y eso es algo de valor intrínseco para el recuerdo de la nación pues la región que hoy habitamos ha estado aletargada desde hace 500 años. Es tiempo de despertar, ¿no creen? Cuando a mí me preguntan sobre lo que he hecho para ayudar a la nación siempre les respondo que yo elegí el camino de la formación: ser profesor; y ahora empiezo a forjar otro que llegará a más personas: líder de opinión.

Como quiera que sea, me alegro de vivir en este tiempo. Por la libertad de expresión y por la libertad que tengo de expresar mi sentir político en una revista de música, cuya pluralidad ha sido una de sus características. Ustedes disculparán, pero octubre siempre es un mes político, por donde se le vea.

Las palabras han sobrado desde hace cuarenta años, por ello, anexo uno de los mejores poemas que se hayan escrito en nuestra lengua.

RDG

nada contra la muerte!» Pero el cadáver ¡ay! siguió muriendo. Le rodearon millones de individuos, con un ruego común: «¡Quédate hermano!» Pero el cadáver ¡ay! siguió muriendo. Entonces, todos los hombres de la tierra le rodearon; les vió el cadáver triste, emocionado; incorporóse lentamente, abrazó al primer hombre; echóse a andar…

César Vallejo

el 13 al 16 de noviembre Expo Rock Show llevará al World Trade Center de la Ciudad de

México conciertos, talleres, firmas de autógrafos, deportes de acción y otras actividades con motivo de su segunda edición.

Expo Rock Show contará con la presencia de leyendas del rock e importantes grupos nacionales e internacionales. Asimismo, presentará a los ganadores del concurso de bandas realizado previo al evento.

La banda madrileña Mago de Oz sacará al mercado un disco en directo de los conciertos realizados durante la gira “Gaia La Boca Tour Baracaldo—DF”. La producción llevará el nombre de Barakaldo D.F. e incluirá el concierto ofrecido durante el 2006 en esta localidad de Barakaldo y un documental de su gira por México, con varios temas de la actuación en la plaza de toros México.

La cadena de televisión MTV se encuentra preparando un programa sobre el videojuego Rock Band. La emisión será protagonizada por bandas de cuatro músicos virtuales y llevará el título: Rock Band 2: The Show.

El bajista de Pearl Jam, Jeff Ament, lanzó en Estados Unidos su primer disco en solitario, Tone.

Según Billboard, la producción estará disponible en CD durante tiempo limitado, en una tirada de 3.000 ejemplares. Tone, recoge material compuesto durante diez años por Ament y que nunca fue incluido en discos de Pearl Jam.

afé Tacvba fue nominado en seis categorías en la novena edición los

premios Grammy Latino a realizarse el 13 de noviembre en Houston, Texas.

Las nominaciones son Álbum del Año y Mejor Álbum Alternativo por su nuevo disco Sino; a Grabación del Año y Mejor Canción Alternativa por “Volver a comenzar” y Mejor Canción de Rock y Canción del Año por “Esta vez”. Los tacubos competirán con Juanes y el compositor argentino Gustavo Santaolalla.

El 18 de noviembre The Who lanzará a la venta un DVD doble, donde incluirá de uno de sus conciertos más celebrados de los años 70 en el Gaumont State Theatre de Londres. Asimismo, el DVD contendrá su actuación en el Coliseum de Londres de 1969, temas extras y la primera grabación completa y en directo de la ópera rock “Tommy”.

Muere a los 65 años, Richard Wright, miembro fundador de la legendaria banda Pink Floyd, víctima de cáncer.

Wright fue uno de los fundadores del grupo junto a Syd Barrett, Roger Waters y Nick Mason. El tecladista de la legendaria banda británica, dejó a Pink Floyd en 1981 y se volvió a integrar poco tiempo después. Wright fue uno de los compositores del álbum Dark side of the moon.

El próximo 24 de noviembre The Killers lanzará su nueva producción titulada Day and Age. El disco fue producido por Stuart Price y Paul Normansell quien también colaboró en el diseño artístico de éste.

oisy.com.mx estuvo presente en la conferencia de prensa organizada por Jorge Alor, Director General

del Festival Manifest, quien aclaró todas las dudas y rumores con respecto a este evento que se llevará a cabo el próximo 8 de noviembre en la Alameda Santa Fe, como el año pasado.

En esta octava edición, el line up oficial estará encabezada por The Prodigy y 30 Seconds to Mars, además de contar con las presentaciones de The Teenagers, Fujiya &Miyagui, Born Ruffians, Broken Social Scene, Black Lips, The Constantines, Los Super Elegantes, Los Dynamite y la banda ganadora del Subte Manifest: Running Guns.

Al menos hasta hace unos días ese era el cartel oficial, pero recientemente se acaba de anunciar que tanto la banda española Los Planetas, como los escoceses de Travis, serán parte del Manifest. Hasta el momento son los últimos grupos confirmados, en caso de tener alguna nueva información al respecto, seguro se los haremos saber.

Entre otras tantas buenas noticias se dio a conocer que este año mejorarán su logística para complacer al público, sobre todo en el área de servicios. Como muchos recordarán, en la edición pasada la comida se acabó cerca de las ocho de la noche, además de que para pedir cualquier alimento o bebida, el público primero tenía que hacer una fila para comprar un boletito, y después volver a formarse para cambiarlo por el consumo. Ahora será diferente, ya que procurarán

abastecer bebidas y alimentos durante todo el evento, y la ventaja es que ahora la compra se hará directamente en los locales, lo cual hará más ágil el proceso.

Las puertas estarán abiertas desde las 11 de la mañana hasta la medianoche, y para todos aquellos que tengan problemas en moverse hasta Santa Fe, el gobierno del Distrito Federal apoya a los organizadores con unidades de transporte RTP, los cuales cobrarán una cuota de 5 pesos teniendo como punto de llegada los metros Hidalgo y Auditorio.

Para aquellos que lleguen en automóviles, habrá un estacionamiento público que cobrará $45 pesos, y si lo prefieren pueden estacionarlo en el Centro Comercial Santa Fe, en el Hotel Novotel, en Expo Bancomer, en 3M, o el de Joaquín Gallo.

Si eres mayor de edad, es muy importante que cargues contigo tu ID, porque solo de esta manera podrás consumir bebidas alcohólicas.

Esta información nos hace pensar que este año la gente que organiza el Manifest se está aplicando para ofrecer el mejor festival en este país. Para ello, más allá de ofrecer buenos servicios, también es importante el compromiso que hicieron desde el año pasado al ser un evento “Emisiones Cero”, esto significa que se neutralizarán las emisiones de CO2 para contrarrestar de alguna manera la contaminación que ha contribuido al cambio climático.

Finalmente es importante mencionar el costo del boleto, el cual tendrá un valor de $510 pesos, más el cargo de Ticketmaster. Para evitar cualquier recargo, puedes acudir directamente a las taquillas del Parque Alameda Santa Fe, y pronto darán información sobre otros sitios donde igualmente lo puedes adquirir.

Para mayor información puedes visitar www.manifest.com.mx

uego de su gira por Europa, Panteón Rococó regresó a la Ciudad de México para presentar el octavo álbum de su carrera con el que regresan a sus orígenes musicales. El nuevo disco,

y el primer homónimo de la banda, se tiene planeado que salga a la venta para el 2009; mientras tanto, la agrupación comandada por Darío Espinosa (bajo), Hiram Paniagua (batería), Leonel Rosales (guitarra), Felipe Bustamante (teclado), Paco Barajas (trombón), Rodrigo Bonilla (guitarra), Missael Oceguera (saxofón), promueven el tema “Acábame De Matar” el cual ya se puede escuchar en las estaciones de radio. Además participarán en un disco tributo al guatemalteco Ricardo Arjona.

El grupo comentó que este disco será el mejor de toda su carrera ya que regresan con un sonido más puro, como en sus inicios. De igual forma que sus primeros álbumes, su nueva obra estará producido por Jorge “Chiquis” Amaro, ya que para ellos es un gran músico y productor con el cual hicieron una gran camaradería, pues con él pudieron hacer un toque especifico para su nuevo disco.

El vocalista del grupo, Luis Román Ibarra, mejor conocido como “Dr. Shenka” expresó: “Nos falta mucho por lograr y aprendimos muchos de los grupos con los que alternamos en Europa”. Añadió que se encuentran en un proceso relajado y maduro con lo cual podrán satisfacer a su público con el nuevo material porque aseguran que les gustará mucho. Por otra parte, comentó que el ska es un movimiento y no una moda ya que el género que cante el grupo no le importa tanto; esta afirmación se debió a comentarios que se habían hecho en torno al grupo respecto a que Panteón Rococó ya no hacía música ska sino pop y otro género.

También se les preguntó que si tenían apoyo para poder dar a conocer su música, a lo que los integrantes dijeron que sí existe una falta de apoyo para su música y para cualquier género, ya que gracias a la piratería las disqueras han decaído mucho y ya no es tan fácil poder tener un contrato con ellas. También se les cuestionó sobre los temas de su música al afirmar que llaman la atención por sus temas políticos, a lo que respondieron que no se consideran un grupo político, ya que el cincuenta por cierto de sus líricas versan sobre temas sociales y la otra mitad sobre el amor.

Al final de la conferencia agregaron que, gracias a su público, han podido seguir vigentes porque en este medio es muy difícil esto. También confirmaron una participación especial en el concierto de Ska-p este 20 de noviembre en el Foro Sol.

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l punk rock es un género que no ha quedado olvidado y 7 días después viene a demostrarlo con canciones que poseen un ritmo

pegajoso que nos invita a rockear.

Formada a inicios del 2006, esta banda originaria de la Sultana del Norte tiene un sonido limpio y bien logrado gracias a la velocidad de las guitarras que tienen por dueños a Goyer y a Keni; la intensidad del bajo de Hernie y las baterías un tanto duras bajo el mando de Fredy, elementos que se contrastan perfectamente con la suave voz de Xero.

7 días después han lanzado dos EP: el primero homónimo lanzado el mismo año de su formación, el cual les dio oportunidad de posicionarse como una de las mejores bandas de Monterrey en su género y Antes de Hoy (2007) material que se encuentran promocionando en varios puntos de la República Mexicana. Por otro lado, también han compartido escenario con varias bandas importantes de la escena nacional e internacional como Jumbo, Zoe, Insite, Alesana y The Ataris.

iudad Satélite se ha carac-terizado durante mucho tiempo por ser casa de agrupaciones con gran calidad musical y Leftico

es una de ellas. Conformada por seis talentosos músicos, esta banda se ha colocado en el gusto del público de la escena underground nacional gracias a su sonido que se encuentra dentro de los terrenos del hardcore melódico.

La estructura de sus canciones es un tanto compleja pero este es un elemento que hace de Leftico una banda diferente, cuyas presentaciones en vivo hacen explotar los escenarios. Las melodías están formadas por una base de bajo a cargo de Raúl; sintetizador y sampleos en manos de Samuel, que a su vez dan

paso a las estridentes guitarras de Fito y Man; acompañadas de la poderosa batería de Jero y claro está, por la versátil voz de Zarif que sorprende con apasionados gritos.

Actualmente se encuentran promo-cionando su EP homónimo del cuál se desprenden seis temas en los que se ve reflejado el gran trabajo de estos músicos, que no por nada se han presentado en importantes lugares para el rock nacional tales como el Multiforo Alicia y el Hard Rock Live en la Ciudad de México, así como el Café Iguana en Monterrey junto a bandas reconocidas a nivel mundial como Emery y próximamente Between the Buried and Me.

www.myspace.com/leftico1http://mx.youtube.com/watch?v=9WcabTvhL34&feature=related

os artistas de culto de orígenes diferentes; por un lado, “El príncipe de Underground”, Javier Corcobado, con una

trayectoria tanto en la música, como en la poesía; por el otro, San Pascualito Rey, los introvertidos sonidos oscuros de una de las bandas más interesantes de los últimos años en México.

La noche del jueves 22 de agosto en el teatro Metropólitan contó con la presencia del grupo San Pascualito Rey. La guitarra y la batería lucen pletóricas y se aprecia una evolución como grupo ya que se le asemeja al grupo La Barranca. Al terminar su participación se cierran las cortinas y se quedan esperando que les pidan otra canción. El grupo cumplió cabalmente lo que debe ser un grupo abridor, potente e inverosímil sonido; buenos manejos instrumentales y juego de luces. Inclusive, se podría pensar que el boleto se había pagado por ellos. En punto de las 10:30 se vuelve a abrir el telón, se ve un banco enfrente del micrófono y aparece por fin al esperadísimo José Corcobado. El público se vuelve loco: todos los asistentes se pararon para recibirlo y la euforia alcanzó un nivel inexplicable al oír los primeros acordes de “Carta al Cielo”; pero el volumen se escucha distorsionado, la guitarra ruidosa, lo cual no permite que se escuche Corcobado,

Foto: myspace San Pascualito Rey

muchos asistentes se empiezan a cubrir los oídos ya que no se podía ni apreciar la música ni las letras bien, era algo así como un radio mal sintonizado pero a la vez ruidoso. En medio del concierto se le ve molesto, da instrucciones a los ingenieros de sonido pero no se pudo hacer gran cosa. Armó un concierto con un arsenal iridiscente de lo más granado de su obra, así como como nuevas canciones que vendrán en su próximo disco A nadie. Hubo cosas buenas y malas pero al final lo único que queda decir para los que somos fans es que fue una actuación para no olvidar de ambas partes ya que cada uno puso exactamente su sello personal.

Foto: L

uis Canle F

ragoso

l 26 de septiembre se presentó Finch en el Hard Rock de la Ciudad de México. Antes de dar inicio al show, Randy “R2k” Strohmeyer, guitarrista de la banda californiana, comento

para noisy.com.mx cómo se sentía de estar en nuestro país por vez primera: “Me siento muy bien, pero mi teléfono no funciona y quiero escuchar la voz de mi novia, a pesar de eso me siento muy emocionado de estar aquí, me encanta compartir [esto] con ustedes chicos [dirigiéndose a todos los fans que estaban esperando a la entrada del Hard Rock]”.

Los encargados de abrir la noche fueron los chicos de Iowa, agrupación del Distrito Federal, cuyo sonido es muy variado, desde canciones con tintes de hardcore hasta llegar a algo más punk rock.

Aproximadamente a las 21:00 hrs. llegó el momento que todos esperaban pues los integrantes de Finch: Nate Barcalow (vocales), Drew Dawggy Marcogliese (batería), Daniel Wonacott (Bajo), Alex Linares y R2K (guitarras) hicieron presencia en el escenario.

Desde los primeros acordes, los admiradores no dejaron de aplaudir, gritar y saltar en todo momento, mostrando así la lealtad a la banda formada desde 1999. Recorrieron las diferentes etapas de Finch con canciones como “Post Script”, “Grey Matter”, “Three Simple Words” y “Letters to you”, (esta última una

de las más coreadas de la noche); del primer álbum What is to Burn (2002) “Fireflies” y “Dreams of Psyclobin” de Say Hello To Sunshine (2005). . Asimismo interpretaron temas de su más reciente producción Finch (2008) como “Daylight” y “From Hell”.

Entre una canción y otra los músicos se dirigían al público con palabras en español siendo la frase “muchas gracias” la más constante, con lo que los fans mexicanos se emocionaban aún más.

Después de poco más de una hora de interpretación, Finch se retiró del escenario; sin embargo, las luces apagadas de éste mantuvieron viva la esperanza de que volvieran a salir. Y así fue, ya que regresaron para satisfacer a sus admiradores con dos canciones más: “Stay with me” y la emblemática “What is to burn”, en la cual, la voz de Nate fue apreciada en todo su esplendor, concluyendo así con un show que dejó emocionados a todos los presentes.

espués de dos años de espera, el pasado 11 de septiembre Chetes regresó al Teatro Metropolitan para presentar su más resiente producción, Efecto Dominó. Esta vez, el

regiomontano alternó el escenario con Le Baron durante casi tres horas.

Los primeros en salir fueron Eduardo, Mariana, Eric, Santiago y Mauricio, integrantes de Le Baron, quienes vencieron las fallas técnicas y complacieron a su público con canciones de su primer EP como “El vértigo del desprendimiento”, “Exilio”, “Soldado John”,”Segunda Vuelta” y la tan esperada por sus fans, “Inmóvil”.

De igual manera, la banda originaria del Distrito Federal presentó canciones que incluirá en su nuevo material discográfico, mismo que saldrá a la venta en próximos meses. “Lejos”, “Mar”, “Infinito” y “Amo” formaron parte de las once canciones interpretadas por Le Baron durante sesenta minutos.

Una vez cargado de energía el teatro Metropolítan. Chetes, salió al escenario con “Fuera de Lugar”, seguida de “Que me maten”, generando una mezcla de ritmos propios del cantautor, quien acompañado con por su banda de músicos interpretó canciones como “Sobrenatural”, “Poco a poco”, “Efecto domino”, Regresa”, “Blues del diablo”, “La primera vez”, “Qué vas a hacer”, “Quédate”, “Sobreviví” y “Canción optimista”.

Durante el concierto, Chetes agradeció a los asistentes e invitó a Le Baron a interpretar juntos el tema “Camino a casa”. Minutos más tarde, el regiomontano recordó su etapa en Zurdok con el tema “Cuantos pasos”, para finalizar con “Completamente “, “Destino” y “No tengo más palabras”.

he Stupids Rocknroll es una banda cuya alineación está conformada por Daniel León

(Guitarra, segunda voz), Edgar (Bajo), Manuel (Bateria) y Ulises (Voz, teclado, guitarra) A casi cuatro años de su formación, The Stupids han compartido escenario con bandas como La Polka Madre, Vainilla, DLD, Los Daniels, Los Marty, Molotov, por mencionar algunas.

Con dos EP en su discografía, The Stupids Rocknroll y When The Lights Are Out . The Stupids Rock & Roll actualmente se encuentra a pocos días de lanzar su próximo sencillo. noisy.com.mx platicó con Daniel y Edgar y esto fue lo que nos dijeron:

—The Stupids Rock ‘n’ roll es una banda que rápidamente se colocó en el gusto de muchos. Platíquenme ¿cómo se formó la banda?

Daniel: Este año cumplimos cuatro años. Pero la banda en realidad surgió desde que íbamos todos juntos en la preparatoria, el único que no iba con nosotros era Manuel, el baterista. Edgar, Ulises y yo ya nos conocíamos.

Primero yo conocí a Ulises y me presenté con él. Juntos armamos una banda, de ahí salieron los primeros Stupids. Eso ya pasó hace mucho tiempo. Después de eso, él y yo nos dejamos de ver. Sin embargo, nunca dejé de tocar, por eso me junté con Edgar para seguir en esto.

Ya en ese entonces yo conocí Manuel en la universidad y los tres comenzamos a tocar en barecillos, pero nos dimos cuenta que nos hacia falta una pieza. Ulises también siguió teniendo bandas. Así que lo invité a tocar con nosotros. Al principio él no quería, hasta que cayó. Y míranos, ahora ya son casi cuatro años juntos como The Stupids, pero amigos siempre hemos sido desde la preparatoria.

—Realmente se nota que son buenos amigos, yo los vi en el Danger Music y noté lo mismo. También noté que los siguen mucho, vi muchas fans. ¿A Los Stupids les ha costado trabajo colocarse en el gusto de la gente?

Daniel: Como todo. Realmente lo que ha sido fácil fue colocarnos en la radio. Pero también muchas cosas pasaron porque llegamos al lugar indicado, por ejemplo, nos ofrecieron grabar el disco. A pesar de eso, lo que yo siento que nos ha costada trabajo han sido los shows, porque a nosotros nos siguen muchos chavos de entre 15 y 17 años, que no tienen la mayoría de edad y nosotros por lo general tocamos en bares o en la noche y por tanto, no pueden ir y siempre nuestros shows están a medias.

Edgar: Ya en festivales, los vemos, porque de no ser así no podrían entrar. Más que nada porque a los chavos de esa edad les gusta nuestra música y nos siguen. Nuestros fans son muy distintos en cuestión de edades al que pueden tener otras bandas.

Daniel: A nosotros nos emociona que nos sigan, pero sí ha sido complicado.

—Ahora que comentabas que les habían ofrecido grabar el disco, ¿cómo sucedió ese acercamiento con la disquera?

Daniel: Un amigo de nosotros llevó el demo a Sonaja Producciones. En realidad el disco lo escucharon en una peda. Pensaban que nosotros éramos de otro país, nos decían que era una banda subterránea mal grabada. Ya después nos conocieron y nos propusieron hacer un disco.

Edgar: La verdad es que no pensaban que los que tocaban éramos nosotros [Risas].

—¿Por qué no les creían que eran ustedes?

Daniel: No pues como que no nos creían mucho. De casualidad tuvimos un show en un bar y los invitamos. Ya sabes parecía como una junta de

güeyes mafiosos. Nos sentaron en una mesa. Todos los que estaban ahí siempre se han dedicado a la música, más a la música grupera. Entonces todos eran muy importantes para la disquera, sin embargo, ellos querían hacer un disco de rock y que ese disco fuera de nosotros; aceptamos y desde ahí nos hicimos buenos cuates.

—Ya pronto saldrá su segundo material discográfico, ¿cómo va el proceso del disco?

Daniel: Vamos muy bien, el disco lo grabamos en la Sonaja Producciones, lo produjo Juan Muro, él tiene mucha experiencia en la onda grupera. El disco saldrá con doce canciones. Todas las rolas siguen siendo en inglés.

Traemos nueva propuesta. El sonido de la banda cambió un poco. Sobre todo porque estamos y nos sentimos más maduros al ejecutar y hacer las rolas. Para nosotros es un muy buen disco. Estamos cuidando todos los detalles. Ya muy pronto saldrá el sencillo y luego el disco.

—Sin duda será algo muy bueno, que muchos fans ya esperan. Pues su música es del gusto de muchos. Tanto que su canción “Radio” formó parte de las 100 mejores canciones del 2007 de Reactor. ¿Cómo recibieron la noticia?

Daniel: Estuvo bien. Nosotros entramos a la radio en febrero del año pasado. Hubo un tiempo que la canción estuvo sonando todo el tiempo. Prendía la radio y ahí estaba mi canción. Era una emoción muy chida.

Quedamos en el lugar 56. Ese día del conteo íbamos a tocar en el Bulbo. La noticia nos cayó de sorpresa, porque pensábamos quedar diez lugares más arriba. Fue muy grato recibir el apoyo de la radio viniendo de una disquera totalmente independiente.

—Estar en la radio significó muchas puertas para los Stupids, ¿cómo llegaron a ahí?

Daniel: Fue como raro, porque un día me lancé al IMER estuve ahí afuera, esperando a alguno de la estación. Ya cerca de las 9:00 vi a Miguel Solís y le di el disco. Fue muy raro porque de camino a la casa venía escuchando Reactor ese mismo día pusieron la rola. Nunca pensamos que fuera a ser parte de las 100 mejores canciones.

—The Stupids Rock & Roll es una banda que tiene mucho qué dar a sus fans, para terminar díganme ¿qué es lo más noisy que han hecho en el escenario?

Daniel: Nosotros somos muy tranquilos. El que sí es muy noisy es Ulises.

Edgar: Ulises ha hecho muchas cosas. La vez más noisy fue cuando tocamos en el Rockarga. Él ya estaba muy pedo y así subió a tocar, lo chistoso fue que salió casi desnudo [risas]. De hecho pueden buscar en youtube el video. Ese día ya estaba tan pedo que terminó dormido en las maletas de Jessy Bulbo y nadie lo quería despertar porque estábamos seguros que iba a empezar su desmadre [risas].

ennessee. Uno de los estados más peculiares y característicos de la Unión Norteamericana: de clima seco y desértico en algunas regiones pero fértil en su mayoría, cuyo suelo vio nacer a Quentin Tarantino, al famoso whiskey de “etiqueta

negra” y, por supuesto, a Elvis. Sin lugar a dudas, prolífica y encantadora tierra sureña, que orgullosa nos presume a sus más jóvenes y talentosos hijos: The Kings Of Leon. Herederos de una rica tradición musical por parte de su madre Betty-Ann, aprendieron por ella a tocar desde muy pequeños; crecieron también bajo una arraigada educación religiosa, asistían al templo y memorizaron las alabanzas que ahí escuchaban, algo digno de señalar pues es aquí donde aparece una característica común entre muchas bandas de country y folk-rock: a pesar de provenir de familias conservadoras logran hacer música tan exitosa que les permite cambiar su estilo de vida y sucumbir a los excesos. Esto no siempre es malo ya que se trata de una recompensa, y que en el caso de los Kings Of Leon no parece afectarlos, puesto que siguen conviviendo en familia y haciendo música juntos, además que nunca nos hemos enterado de problemas internos en la banda y eso, quizás, es parte fundamental de su éxito y consagración como una banda de rock. La música de los Kings Of Leon ha pasado por un interesante proceso de transformación así como ellos mismos. En sus inicios los recordamos como aquellos guapos adolescentes de cabello largo, ropa rota y una juvenil actitud en el escenario que hacía a las

groupies suspirar y al resto prestarles la atención que merecían. Ahora los vemos más maduros, experimentados y listos para este presente de bandas efímeras en el que no se identifican en lo absoluto. Recuerdo que cuando empezaron a sonar en la radio lo hicieron con “California Waiting”, una canción sencilla y memorable que nos hacía sentir en un “road trip”, cuyo destino era la playa, y que formaba parte de dos de sus materiales Youth and Young Manhood y Holly Roller Novocaine. Su primer EP jugó un papel importante en la difusión de la banda al ser muy accesible, junto con muchos otros sencillos cadenciosos que mezclaban el country-rock, lo que significó una enorme aceptación del público y que dieran una gira por México. Después de su triunfal aparición llegó Aha Shake Heartbreak un segundo álbum que se mantuvo al margen del anterior, pero sin rasguñar su éxito anterior; además sufrió críticas despectivas. Entonces pasaron tres años (quizás como parte de una astuta estrategia) para que volvieran con un disco enorme: grande en toda la extensión, que probó al mundo que no se trataba de “una banda de un gran álbum” sino “un álbum de una gran banda”, cuyo título es Because Of The Times y fue el encargado de narrarnos la gran hazaña de los Followill en un momento de su carrera donde las vivencias y el trabajo colapsaron y resultaron en uno de sus discos más brillantes. Este año encontramos ya en tiendas Only By The Night, producción que aprovecha el “boom” de su predecesor y se mantiene firme para convertirse en otro éxito. Esto fue evidente desde el hecho que optaron por lanzar tres sencillos durante seis semanas antes del lanzamiento oficial del disco, además de presentar una serie de 24 videos caseros (pero bien editados) en los que narran con fluidez parte del proceso de creación de su nuevo disco. En ellos encontramos cómo son las sesiones de ensayo y grabación, en las que son sumamente precavidos; se aprecia también cómo pasan sus ratos libres

y un rico registro de su convivencia como banda, además de acercarnos a la festiva familia Followill explotando los paisajes naturales de Tennessee e interpretando “Johnny B. Good” de Chuck Berry como auténticos fans al estilo sureño. El disco cumple con las expectativas formuladas por los sencillos: una obra musical que parece tener ligeras intenciones de volver a sus comienzos pero que no por eso deja de ser novedosa, apabullante y atractiva. Una obra que refleja su acelerado crecimiento como banda, la decisión de establecerse y dejar atrás la fiesta, alcanzar la prosperidad a través de la calma y explotar toda la dulzura y la energía que tienen como compositores y personas. El futuro sólo les depara más éxitos, más seguidores y mantener su consagración. Gran lección que nos dejan los muchachos Followill, que perpetuando esa rica tradición musical sureña seguirán siendo los privilegiados monarcas con el don de convertir en oro todo lo que tocan. Seguirán siendo “Los Reyes”. Only By The Night / Kings Of LeonAl parecer, incluir un gran contenido

autobiográfico en cada uno de sus discos es ya una tradición; en este caso los chicos Followill tienen mucho que contar tras más de un año desde el lanzamiento del multi alabado Because Of The Times, y aprovechan este “boom” para entregar un cuarto álbum, nuevo en todos los sentidos.

El título, para empezar, nos hace pensar en una sola cosa que, sin embargo, no es necesariamente “esa” que estás pensando, y esto parece ser el objetivo central del disco: acercarnos a la fantasía y a interpretar lo que nos dan para escuchar; además, la portada es de lo más llamativa, que complementa visualmente la intención del título y cumple con las anteriores al mostrarnos, de un modo muy conceptual, la poesía del contenido.

“Closer” es la encargada de abrir, una pieza que desde el principio descarta cualquier parecido con su magnifico predecesor, y que exalta la transformación del sonido de esta banda, que en principio, nos muestra su predilección por los efectos de pedalera sin perder su estilo característico, una

canción perfecta para iniciar. “Crawl”, segunda pieza del álbum, que continúa en la misma línea que la anterior, como sencillo anunció el panorama del resto del disco y pareció haber sido la mejor opción para presentarlo teniendo en cuenta que iban a aparecer otros dos sencillos antes del lanzamiento oficial, por lo que “Sex On Fire”, que desborda energía sexual a cada segundo, pronto se convirtió en favorita de muchos al ser una increíble canción que indiscutiblemente suena a unos Kings Of Leon “diferentes pero iguales”, con un riff sencillísimo y pegajoso. “Use Somebody”, tercera pieza dada a conocer, es quizás de las más emotivas junto a “Cold Desert”, que Caleb usó como medio para convertir la melancolía que lo ha frecuentado en la rica poesía que encontramos en todos sus discos, versos que, sin importar qué tema aborde (grouppies, al amor de nuestras vidas, la aventura, la diversión), siempre logra atraparnos para no dejarnos ir.

Una gran canción es “Reverly”, quizás una de las más dulces, me hace pensar en una especie de “vals” muy a su manera; y está “17”, caracterizada por un interesante cambio en sus comienzos y un bajo difícil de olvidar. Sorprende que logren canciones tan brillantes explotando su virtuosismo intelectual, lo que se refleja en acordes y arreglos sumamente sencillos. “Be Somebody”, que suena antes de la conmovedora “Cold Desert”, rompe el suave instante de la segunda mitad del disco intrépidamente, lo que la convierte en una pieza sorprendentemente contrastante, y obviamente, causa que la siguiente surta su poderoso efecto en nosotros. Only By The Night es un disco impresionante, salvaje y dulce al mismo tiempo, lo que ya es una particularidad en la música que hacen, y que a su vez mantengan su estilo intacto demuestra que es una banda que seguirá por mucho tiempo sonando, sorprendiéndonos con cada canción nueva que lancen e invitándonos a tener sueños que llegan sólo por la noche.

mo Guitar Hero. A pesar de ello, la vida de un rocker de guitarra de plástico no siempre es miel sobre hojuelas. A veces, sólo a veces, tenemos que interactuar

con la gente. Después de platicar con una persona normal, me doy cuenta de que conversaciones como ellos son las que llevan a la mayoría de las estrellas de rock a caer en esa sensual espiral de drogas y sexo vacío con groupies huecas.En primera, la gente cree que tocar una guitarra de juguete es fácil. Cuán equivocados están. Tocar uno de esos instrumentos es algo sumamente científico y complicado. De hecho, es mil veces más difícil que tocar una guitarra real. Aunque claro, sólo digo esto para enfurecer a la gente que toca instrumentos de verdad: morir lapidado a manos de una turba de rockers iracundos es una buena forma de irse.En segunda… no hay segunda… pero enumerar las cosas mientras las dices siempre te hace sonar más interesante. En realidad, el gran problema de Guitar Hero es el impacto que tiene en la sociedad y la música actual. Sí, muy cierto, gracias al juego la gente ha expandido un poco su cultura musical. Grupos como Pantera, Lynyrd Skynyrd, Weezer y ZZ Top han gozado de la popularidad que trae consigo ser parte de la lista de canciones de Guitar Hero; no obstante, siendo honestos, dudo que Lynyrd Skynyrd y el guitarrista de Pantera estén gozando mucho de su popularidad. Ahora cuando pones canciones como “Carry On Wayward Son”, “Jessica” o “Strutter” hay menos gente que te pide que le bajes a tu escándalo y más gente que tira los cuernitos al aire. El problema reside que ahora cuando escuchas a cualquiera de esos grupos o canciones no falta quien diga: “¡Uy, la canción de Guitar Hero!”. Estoy seguro de que Duane Allman se revuelca en su tumba cada vez que alguien dice eso de “Jessica”.Lo peor de todo es que cuando estás escuchando una muy buena rola no falta el individuo que te ve despectivamente y dice: “…ese grupo era más

chido antes de que todos lo conocieran por Guitar Hero”. Lo sé porque yo soy uno de esos individuos. Pero al menos soy un güey justificado, porque la neta da coraje que canciones como “Even Flow”, pasen de ser clásicos del rock alternativo noventero (guardamos el debate si Pearl Jam es grunge o no para otra ocasión), a ser simplemente: “Sí, yo la paso en ‘expert’ con 5 estrellas”.Por último, tenemos el grandísimo problema de los ex-rockers que aprovechan el éxito de juegos como Guitar Hero para sacar el sencillo de su disco que lleva 13 años grabándose. No vamos a decir nombres, pero ustedes saben a quién me refiero: es gordo, tiene rastas, parece padre de familia alcohólico en una junta de maestros de principio de año escolar y se peleó con Slash. Cosas como esta te hacen dar cuenta que el juego ya pasó a ser algo más “mainstream”. “Pero Dexter, eso no es necesariamente malo”, me dirán algunas personas, mientras me juzgan con desdén. ¿No es malo?, ¿seguros? Cinco palabras para ustedes: Linkin Park en Guitar Hero. Pero creo que va siendo momento de tragarme mi coraje y aceptar las cosas como vienen, porque a fin de cuentas, yo no decido quién entra al juego y quién no. Mientras tanto, sólo me queda regodearme en mi crápula, porque por primera vez en mi vida, los “geeks” también rockeamos.

l lanzamiento de la revista Sónika marcó el comienzo del Manifest, festival que en un principio fue concebido como una fiesta

amenizada con bandas y que hoy en día es el evento musical independiente que más ruido ha hecho en México.

El primer Manifest fue en el 2001, teniendo como sede el Claustro de Sor Juana. En aquella ocasión solo asistieron cerca de 1200 personas que pudieron presenciar a Kinky. Al ser esta una fiesta de lanzamiento de una revista, no se requería de más bandas ni invitados. Pero de ahí surgió la idea de convertir al Manifest en un evento que se celebrara cada año en donde tocaran algunas bandas.

Algunos de los músicos que se presentaron en aquella época en la que el Manifest solo era un toquín de poco aforo, fueron: Café Tacuba, Fobia, Moderatto, Babasónicos, Ian Brown, Sussie 4, Zoé, Los Fancy Free, Austin TV, La Lupita. Pero hubo un suceso que cambió la visión de los organizadores (Banana Pro): en la edición del 2005 el evento fue un fiasco y, por no quedarse con las ganas, hicieron otro Manifest ese mismo año, pero mejorado y con la plena intención de, ahora sí, darle tinte de festival.

Este nuevo rumbo representó un reto, sobre todo porque se les ocurrió llevar el mismo evento a Guadalajara y Monterrey. Aunque para el año siguiente decidieron no volver a repetir el evento en otras ciudades por cuestiones de logística.

Así es como desde el 2005 el Manifest fue creciendo. Algunos de los foros que fueron testigo de su transformación fueron el Vive Cuervo Salón, el Toreo de 4 Caminos y el Roots, hasta que finalmente se asentó en Alameda Santa Fe.

Fue en la 7ª. edición (2007) cuando finalmente el Manifest se dimensionó como un verdadero festival que podía competir con el monstruo de OCESA. Para ello tomaron un slogan: “Por un planeta más frío”, con lo cual tendrían una misión ecológica que consistiría en contaminar lo menos posible. Además de ello, también incluyeron el ‘Subte’, un concurso de bandas donde una resultaría ganadora; el premio era ser parte del cartel del Manifest.

Claro que el hecho de ser un festival independiente ocasiona que tenga algunas desventajas, sobre todo en el aspecto de conocer al público y saber satisfacerlo en todo momento. El hacer un evento tan grande, implica grandes responsabilidades y retos. Aunque tal vez uno de los mayores desafíos era conseguir un line up lo suficientemente atractivo como para que asistiera mucha gente. Este punto fue resuelto gracias a las presentaciones de Interpol, Teddy Bears, The Rapture, Jumbo, The Whitest Boy Alive, Los Concorde, Chiquita Violenta y The Horros. Con ello, llegó un gran número de personas (aproximadamente 25 mil) que esperaban ser complacidos en todos los aspectos.

Fue precisamente en este punto de complacer al público en donde hubo algunas fallas, como el hecho de que no había suficiente comida para abastecer al sinnúmero de personas hambrientas dentro de un lapso aproximado de 12 horas continuas. Eso sumado a las largas filas que se tenían que hacer para obtener su alimento, más el hecho de que primero había que comprar un boleto, o sea que había que hacer doble fila. Y siguiendo con el aspecto de los servicios, los baños quedaron tan sucios que era mejor aguantarse.

Pese a dichos aspecto negativos, hay que destacar el mérito que tienen los organizadores del Manifest, ya que con sus propios recursos tratan de presentar bandas de calidad en un solo evento.

La inexperiencia del año pasado, ayudará a resolver ciertas cuestiones para presentar un mejor festival en este 2008. Jorge Alor, Director General del Manifest, está consciente de las fallas que tuvieron y por ello asegura que todo ha sido tomado en cuenta para ofrecer mejores servicios. Promete que siempre habrá comida y que las largas filas pasarán a la historia.

Entre otros servicios, también pondrán un área de Lost & Found, por si se le ofrece a alguien, además de que estará totalmente controlada la venta de bebidas alcohólicas a mayores de edad. Las barras de alimentos y bebidas esta vez sí recibirán efectivo.

Y lo mejor y más esperado es el Line up oficial que estará conformado por The Prodigy y 30 Seconds to Mars, como artistas principales, Born Ruffians, Los Super Elegantes, The Constantines, División Minúscula, The Black Lips, Fijuya and Miyagui, The Teenagers y Los Dynamite.

Claro, este año su principal contrincante, el Motorokr, trae un cartel mucho más comercial y atractivo (para muchos). Aunque la última palabra quedará dicha una vez que se lleven a cabo ambos festivales, y la diferencia entre ambos es que, según Alor, el Manifest te hace sentir como si realmente estuvieras en un festival.

diferencia del Manifest, el Motorockr tiene una historia cortísima; no obstante está claro

que son los festivales más importantes del otoño. Y queda claro, también, que existe una fortísima rivalidad entre ambos organizadores por tener el mejor cartel desde el 2007.

La historia del Motorockrfest es muy breve y corresponde únicamente a cuestiones mercadológicas. noisy.com.mx habló sobre la mercadotecnia y el rock en su número pasado y, en realidad, es una tendencia que ha inundado la música contemporánea desde hace unos años. De esta manera, grandes consorcios han apostado por el rock ya que es lo que está en boga actualmente. De esa manera Motorola se dio a la tarea de organizar un festival con grandes bandas estelares. Prueba de ello está el cartel del 2007 cuyos grupos estelares fueron The Killers, Molotov, The Bravery, entre otros.

Uno de los puntos a favor del festival es que no sólo se organiza en el DF, lo que brinda la oportunidad que las bandas estelares puedan estar en Guadalajara y Monterrey; el Manifest, no puede ser “exportado” a otros estados de la República. El Motorockrfest también tiene la confianza de OCESA, quienes tienen una buena logística y, aunque muchísimas veces se pasan de “especiales”, está prácticamente asegurada una buena organización.

Por otro lado, algo desafortunado es que el cartel está muy desnivelado. En primera instancia, me atrevo a decir que las bandas estelares del Motorockrfest de este año son ampliamente superiores que las del Manifest; no obstante, aquellas que se encuentran en una línea intermedia dejan mucho qué desear. No así sucede con el festival de la Alameda Santa Fe, ya que todos los grupos guardan proporción entre unos y otros, lo que lleva a pensar que estará más entretenido este último. Al menos quien esto escribe sólo espera a las cinco bandas estelares del Motorockrfest y no sé cómo le haré para sobrevivir al inicio del festival.

No así sucedió la edición pasada de ambos festivales donde el cartel se lo llevó el Manifest cuando trajo a Interpol, Teddy Bears, The Horros, entre otros y de este lado, se importaron bandas como The Killers y The Bravery; sin embargo, los organizadores del Motorockrfest decidieron ir con todo en este año para ofrecer, en el papel, mejores bandas para el público.

La diferencia cabal entre ambos eventos es, en realidad, el público al que va dirigido: mientras algunos aprovecharán el regreso de los Stone Temple Pilots, el debut de los Flaming Lips y la explosividad de Nine Inch Nails; otros se inclinarán por el Punk-Rock de 30 Seconds to Mars, los tonos melosos de Travis, el indie de Teenagers o no pararán de bailar con la brutalidad de Prodigy. Es algo así como un fenómeno de generaciones: algunos crecimos con STP o NIN o Flaming Lips, otros están creciendo con 30 Seconds To Mars o División Minúscula o los Dynamite. Así que me imagino la divergencia de personas entre uno y otro.

Lejos de todo esto, creo que falta que pasen ambos festivales ya que, por más interesante que suene un cartel, falta ver cómo reaccionan las bandas y la gente y el ambiente que se sentirá en ambos recintos. Sólo así podríamos inclinarnos por uno u otro. De cualquier forma, también, aquellos quienes ganan mayormente es el público ya que las dos propuestas suenan bastante aceptables y se puede optar por ir a los dos festivales. Si el presupuesto no alcanza, puedes elegir el que más te guste. Seguro ambos estarán de lujo.

¿Nunca te imaginaste verme en vestido de noche? Pues fue tu deseo. Tú que me escribiste uno de los correos más intensos que he recibido. No creas que de mis letras saldrá una palabra que te diga mi agradecimiento; por el contrario, lo haré con lo que escribo en este momento para ti. Siempre es para ti.

na de las reglas de oro de la vida, debes saberlo,

es nunca involucrarte con tu jefe. O jefa, en tu caso específico. Obviamente tú llevas las de perder… ¿te parece una buena razón? Pero Debbie nunca pierde, ¿lo recuerdas? Bien, pues mi jefe me prendió durante algunos meses. Yo me mantuve firme,

incorruptible. Y no es porque no me gustara sino porque antes que otra cosa están mis caprichos. No podía perder mis quincenas por una gran atracción. Aunque todo fue más fácil cuando mi jefe me pretendía todas las mañanas, las tardes y las noches. Entonces decidí sacarle provecho al asunto.

Después de batearle todos los lugares y salidas que me proponía hubo una que no pude resistirme: noche de gala en la casa de su socio allá en Lomas de Chapultepec. Decidí sentirme princesa de principios del siglo XXI y pasar una noche de alcurnia total. Llegamos a la fiesta, mi vestido negro largo con el escote

Pic by: K

arla

en la espalda presagiaron una noche cálida en todos los sentidos. Cuando llegamos todos sabían que yo era el premio más grande en la fiesta. Claro que me entiendes, ¿verdad? Y en realidad yo me sentía como tal, una de las primeras reglas de las mujeres es sentirse como un premio todos los días, todas las noches: tú eres quien le haces el favor al tipo con el que vas y nunca al revés. Claro que esa sensación se dejaba notar por el aire fresco de la velada. Gracias a mí, mi jefe resaltó más que sus allegados de la fiesta. Tú me conoces y sabes la clase que tengo.

Pues bien, después de unas copas de Bordeaux 1967 el jefe comenzó a hablar de mi belleza: tus ojos son hermosos, me dijo. Qué tipo tan ordinario, pensé. No hay nada peor que decirle tus mismos piropos a una mujer. Debes tenerlo en mente. Sin embargo, comencé a percibir esa electricidad en mi piel, ese impulso que recorre tu ombligo y llega en picada a tus piernas y se vuelca irresistible en tu cuerpecito. Yo noté que él también lo sintió en el momento mismo que clavó sus ojos en mi cuello. “Quiero devorarlo como nadie lo ha podido imaginar”, suspiró a mi oído con la ligereza y propiedad de una frase cualquiera en medio de la gente. El tipo este aprendió rápido de su frase anterior, pensé. Mi jefe comenzó a hablar de negocios y de los puestos de la empresa, me sugirió que había una vacante en un nivel ejecutivo al momento de que su mano tocó con firmeza mis hombros y sus dedos recorrieron en picada los poros de mi espina. Yo sabía lo que quería. Dame una buena razón, le susurré al oído. Es por tu bien, mencionó al momento acercar mi cuerpo para sugerir que iba a ganar más de lo que iba a perder.

Está bien, dije mientras me acerqué desafiante a su cuerpo. Mis manos se deslizaron para erizarle su piel toda. Mis ojos le sugirieron lo inevitable:

mi mirada le dijo en ese instante que sería suya esa misma noche. Me alejé con una cadencia, un porte y una sensualidad dignas del lugar donde me encontraba. Me adelanté al baño del lugar. Pinté mis labios carmines, suculentos, carnosos. Listos para ser mordidos cuantas veces se apeteciera en la velada. Aquí entre nos, unos labios como los míos me han abierto la puerta de todo cuanto he querido. Inclusive tu imaginación.

Cuando abrí la puerta mi jefe estaba parado frente a mí. ¿Algún lugar en mente?, pregunté. Sí, me respondió y me tomó de la mano hacia el jacuzzi de la recámara. Me sujetó fuerte, incrédulo. Mordió mis labios carmines para pasar a mi cuello. Lo mordió rico, raso, rudo, reacio mientras sus manos me sujetaban, me apretaban a su cuerpo. Levantó mi vestido con una sutileza mayor, precavida. Cuidó mi atavío tanto como pudo. Bajó mi cierre de la espalda con cautela mientras el agua en el jacuzzi creaba una atmósfera húmeda en la habitación. Mi vestido al fin cayó y me cubrió con sus dedos saetas, tan lúbricos que no lo hubiese imaginado nunca. Circundó mis piernas y mi cuerpo con una habilidad de saberse en su única oportunidad por tener otro encuentro de estos. Así que levantó mi cadera sobre el agua y comenzó a acariciarme con su lengua, sus dedos y sus dientes. Mi pecho se volcó erguido en torrentes húmedos de carne.

Y sí, nos quedamos algunas horas en el jacuzzi revoloteando por el agua. Aunque, debo confesar, no fue ni por mucho una de mis grandísimas experiencias me sirvió para ascender de puesto. Después de ello, sólo tuve que prometerle una “siguiente” vez hasta que se cansó de pedirlo. Pero no. Nunca te involucres con tu jefe. ¿Te dije que esta historia era para ti, Ricardo? No te puedo agradecer sino con mis letras.

debbie@noisy.com.mx

pesar de que, como todos sabemos, esta banda alcanzó la fama mundial gracias al

sencillo “Bitter Sweet Symphony”, es impresionante cómo lograron escapar del precipicio que esto significaba. Ahora se puede hablar de un nuevo The Verve quienes, gracias a una estrategia que les tomó diez años con la que sólo pasaron por un disco de sencillos, regresan con un impresionante álbum. Desde el sencillo “Love is Noise”, que me pareció una excelente decisión para volver a colocarlos en la radio y los medios, encontramos a un Richard Ashcroft maduro, que ha crecido y nos lo demuestra, a través de su reposada voz, a un The Verve que le apuesta al “under” y sus arreglos de cuerdas casi imperceptibles para avisar que se encuentran de nuevo en la escena. Forth es también un disco, visualmente hablando, excelente. Desde la hermosísima portada, el arte es algo muy neutral y coherente con lo que nos ofrece la parte sonora que fluye con ligereza; basta con escuchar la canción telonera “Sit and under” que, si no es la que rescata aspectos del resto, resulta una muy buena pieza para abrir éste álbum. Y como ya cité “Love is Noise” funciona muy bien como presentación porque nos da la idea de que nos encontraremos con un disco hasta cierto punto “bailable” (cosa que no es errónea) y nos siembra la inquietud por conocer más de Forth.

Forth rescata en gran parte el estilo que esta banda tiene desde hace doce, quince años, y lo trae al presente sin hacerlo caer en lo repetitivo, por ello creo que es evidente que durante tantos años se ocuparon intensamente de escuchar lo que hacían muchas otras bandas, tanto de la “escuela UK” como norteamericana. Creo también que Forth es uno de los discos menos depresivos que tienen, algo que se refleja en el título del álbum y creo que con esto es claro el objetivo de volver a empezar sin dejar atrás todo lo que han hecho. Por este lado también, se podría decir que es un disco autobiográfico al retomar sucesos que acontecieron en el tiempo que se ausentaron del estudio y volver así a los diferentes estilos que explotaron en canciones de sus discos anteriores. En lo personal es un disco que me agrada, es decir, quizás tengo que escucharlo más para que me atrape. También es recomendable que escuchen sus otros discos, no sólo el Urban Hymnes sino los más remotos, porque es de verdad muy interesante contemplar cómo ha sido la trascendencia de esta banda, que empieza a convertirse en un ejemplo para las siguientes generaciones de músicos, y que ha logrado dejar sus fantasmas muy atrás.

ub Pop cobija a esta increíble banda de Washington probando una vez más que su catálogo ha

logrado abarcar casi todos los géneros y que aquella etiqueta grunge que tanto la acompañó ya quedó en el pasado. Al parecer, para su vigésimo aniversario oficial nos tenían algo preparado como este disco. Fleet Foxes debutan con un álbum increíble, que nos lleva con coros, flautas y una notable austeridad instrumental a muchos lados: definitivamente hechiza la voz de Robin Pecknold. De hecho, creo que la línea básica por la que corren todas las canciones está compuesta únicamente por voces. A momentos me hace pensar en una cierta herencia folklórica o mística, pero también me remiten a The Beach Boys, lo cual parecería confuso, pero tras escuchar este álbum, ambos estilos logran compenetrarse de tal manera que el resultado es único e inigualable. Incluso noto cierto misterio en este disco, sobretodo al encontrarme con la portada (que es un fragmento de la obra “Proverbios Flamencos” de Pieter Brueghel), cuya obra está ahíta de referencias y mensajes relacionados con los proverbios de dicha época; además el resto del arte y las fotografías mantienen una cierta solemnidad. Me inquieta cómo Fleet Foxes están muy involucrados con el arte, pues incluso en su página de MySpace tienen

fotografías de grabados y de ellos mismos en lugares con tendencias arquitectónicas renacentistas y hasta góticas; esto es algo que no había visto anteriormente en los perfiles de ninguna otra banda. Por otro lado, es increíble cómo me hace cambiar de humor escuchar Fleet Foxes, ya que me lleva desde la melancolía hasta la conmoción más intensa que se puede sentir con un álbum de la manera más pura; incluso desde que los escuché en la radio y percibí ese comienzo coral supe que bastaría para describir casi por completo la música de este cuarteto de Washington. Definitivamente entrará en mi lista de favoritos del año y subirán muchos peldaños por ser una prueba viviente más de que la austeridad y la humildad musicales son las armas más poderosas que cualquiera de los ritmos pretenciosos que nos invaden día tras día.

esde la grabación de su primer EP con Discos Burbuja el nombre de Mami Yasbeck ha resonado con gran intensidad entre las paredes

del underground de la Ciudad de México. Su voz ha llegado hasta el Libro Sonidos Urbanos, el compilado Antojitos Mexicanos de Sociedad Subterránea; además fue la banda estelar en la Clausura del Festival de Música Independiente “La Sangre Blanca 2008” de ápatos radio y en innumerables conciertos y entrevistas. Las cinco piezas de su primer EP dejaron un concepto firme de qué es y a qué suena Mami Yasbeck, pero este mes de junio de 2008 Saraí (Voz y Guitarra), Malena (Bajo y Coros), Pamela (Batería) y Cristina (Teclado) ponen nuestros oídos En Medio del Universo para que caiga sobre nosotros “el sol y la lluvia” de este disco de larga duración que viene a revolucionar lo que entendíamos por el concepto Mami Yasbeck.El disco, grabado en el estudio del Centro de Arte y Cultura ”Circo Volador”, nos muestra un sonido más maduro, canciones con estructuras más complejas, con armonías encaminadas a un indeterminable giro en el Rock Pop que, si bien tiene ciertos matices retro, parece ajeno a cualquier época y vertiente.Es cierto que en este LP es más difícil apreciar algo de la acidez y fuerza que la banda coapeña mantiene en sus presentaciones en vivo, pero logra reflejar la revolución que la agrupación ha experimentado en la construcción de sus melodías, en la ejecución de cada instrumento, a pesar de que la producción realizada por el “Circo Volador” muestra ciertas carencias en cuanto a la mezcla y masterización.

Pero estos detalles no alcanzan a opacar la madurez que Mami Yasbeck nos muestra con esta entrega de siete canciones intensas, expresivas de una fuerza inclasificable. Tal vez ahí radique la belleza de este concepto, pues cuestiona más que definir, revoluciona más que concretar. En Medio del Universo es uno de esos materiales que sin ser un “disco concepto” representa una unidad bien establecida, un viaje intenso donde las cuatro músicas nos invitan a vagar sonriendo entre “nubes rosas”; entre la neblina azul de una dulce melancolía que termina siendo “sólo una sensación”; nos entregamos a la locura de “una noche mágica y eléctrica”, a mirar el cielo en busca de “serpientes largas de plastilina formando estelas de propulsión”. Todas esas imágenes son las que Mami Yasbeck construye con sus sonidos inclasificables y sus letras complejas que nos permiten jugar con las metáforas para explicar tantos deseos y sueños.En términos generales este material nos ofrece un producto sólido, enmarcado por el arte simple que expresa gran parte de lo que es Mami Yasbeck: un proyecto sencillo que nos demuestra que no se necesita una producción exagerada, un sonido barroquísimo, para nutrir al rock de nuevas imágenes sonoras y lingüísticas, que a pesar de parecer tan distintas logran unificarse en este concepto: fuerza y ternura; melancolía y felicidad; acidez y dulzura; placer y nostalgia: Mami Yasbeck, como retratos de una danza de nubes, tan diversa, simple y hermosa.

Cómo conseguirlo:Tienda KONG

Pídelo en línea a:http://www.revistazin.com/tienda/discos/enmediodeluniverso.html

Contacto: www.myspace.com/mamiyasbec

ace un año tuve la suerte de encontrarme con un pequeño EP de esta banda que llevaba

por nombre Flowers Ville, que me pareció un muy buen trabajo de cuatro canciones hecho con mucho ímpetu; sin embargo, me doy cuenta de cuánto ha crecido esta banda de la metrópoli al momento de escuchar Historia de un Cowboy. Desde la presentación, los colores (el contenido plástico de este disco es de lo más elegante), con una portada roja vistosa y coronada con una “lone star” típica; además llama mucho mi atención que en parte del diseño se utilizan texturas parecidas a la acuarela. Los Marty son una banda de mucho estilo, en su música, en su sentido del “fashion”, en su actitud en el escenario, su manera de atender entrevistas y sus gustos respecto a la cultura popular. Me gusta mucho este disco y cómo nos dispone para muchas cosas: dan ganas de bailar, cantar frente al espejo, mover el pie al ritmo, imaginar la historia de aquel cowboy nacido en Flowers Land…, y también sorprende cómo se mueve entre baladas, guitarras dulces y canciones claramente influidas por The Beatles (ellos se declaran grandes fans y en vivo tocan covers como “Help” y “Get Back”); así como la manera en que combinan elementos tradicionales, por ejemplo, de la ola inglesa de los 50’, del rock and’ roll y del country con riffs rápidos y la jovial voz de Oz Marty. Las letras (también disponibles en su página) cuentan con una sencillez poética particular, por lo que es imposible no aprenderse canciones como “Miente” o su exitoso sencillo “Italia”; si te gustó esta última canción te aseguro que te enamorarás de todo el disco. En lo personal, hay

una canción en particular que me robó el corazón: “Método para olvidar”. Curiosamente comienza muy parecida a “Man in black” de Johnny Cash, pero termina con una serie de pequeños arreglos de estudio que le dan un final encantador. Y claro, la canción que le da nombre al disco es fascinante: la letra, los arreglos, la manera en que cambia de ritmo; todo ello hace gala de una brillante e impecable producción. Es un disco, en resumen, valioso y humilde, que pone muy en alto al rock en español y eso es algo que merece aplaudirse. Además es muy accesible, en cualquier tienda se puede encontrar. Es un lujo tenerlo, escucharlo, imaginarlo y compartir todos esos poemas de sueños de Liverpool y, al mismo tiempo, del árido oeste. De ida al pasado y de vuelta al futuro.

H

ólo conozco a una banda que me hace soñar al verlos en vivo. Una sola banda que no necesita de

“staff ” para montar sus instrumentos en un escenario, que rescató un disco de lo más desconocido de John Lennon y lo transformó en una fiesta, y sólo una banda que puede adelantar la venta electrónica de su disco más de dos semanas para donar todas las ganancias a una fundación contra el cáncer (Sloan-Ketteringt Cáncer Center) en memoria de un amigo que murió a causa de esta enfermedad. Es increíble cómo una banda se trasciende a sí misma. The Walkmen lo hace con cada álbum que lanza, pero con You and Me aparece una banda asombrosa, más que sólida, más poética. Definitivamente se mantiene en el camino para ser mi favorito de esta banda neoyorquina.

Es algo peculiar en ellos comenzar cada disco con una canción muy relajada, sin caer en el exceso, y cerrar con otra igual de tranquila pero de letras más intensas. Además es un disco físicamente soberbio, por lo que es evidente que el salto de disquera significó también la transformación de muchos aspectos arraigados a una especie de tradición en cada uno de sus discos, sobretodo en el arte que manejaban, ya que You and Me luce una serie de fotografías de Fred Maroon increíbles, con luces y escenarios que fácilmente nos podrían llevar al trance al mismo tiempo que escuchamos la música de The Walkmen. También creo que logran el sonido más sereno que en cualquier otro de sus discos al abandonar las percusiones rápidas y el exceso de efecto en la guitarra, quizá sólo a excepción del sencillo “In The New Year” y de la espléndida e intensa “On The Water”, donde incluyen arreglos de cuerdas, trompeta e incluso silbidos. Este disco pone a prueba la sensibilidad de quien lo escucha, a través de la voz de Hamilton Leithauser (que en el disco pasado muchos la sintieron muy parecida a la de Bob Dylan) es inevitable sucumbir al efecto de las letras y a las brillantes composiciones. La guitarra de Paul, la maestría del baterista Matt Barrick, el bajo casi imperceptible de Walter y el órgano resonante de Pete sorprenden por cómo conservan su sonido pero al mismo tiempo suenan muy distinto. Cómo en un minuto y diez segundos causan tantas sensaciones y la sencillez instrumental salta de repente a la riqueza orquestal. Cómo nos hablan de amor como si no lo hicieran y del tiempo convirtiéndolo en poesía. Cómo atrapan estampas de una vida que puede ser la de cualquiera de nosotros. Cómo llevan el encanto de Nueva York en cada canción. Es un disco espléndido. Creo que me quedo sin palabras.

n 1965 Andy Warhol empezaba una segunda etapa cinematográfica. La razón es

que desde 1963 (cuando Warhol decidió entrarle al cine) sus películas eran mudas, en mayor parte por la inexperiencia de él y de su equipo ya que no sabían absolutamente nada.Ahora en el 65, Warhol adquirió una cámara que grababa imagen y sonido juntos. Ya nada podía limitarlo.

La forma de trabajar en la “Factory” (estudio “y antro” de Warhol) iba a un ritmo alarmante por esa época, pues Warhol tenia que hacer aproximadamente uno o dos largos al mes. Un largo significaba dos rollos de treinta y cinco minutos cada uno.El trabajo era así: un día Warhol organizaba una junta en donde exponía las ideas para la película; dos o tres días después el guión estaba listo y al cabo de una semana ya se había rodado. Tres días después salía del laboratorio de impresión. Así que el tiempo que transcurría entre la idea y el momento de exhibirse en el cine era de unas dos semanas.

Y en una de esas sesiones apresuradas fue concebida Vinyl: película que es la primera versión cinematográfica de la novela de Anthony Burgess A Clockwork Orange.

En marzo de 1965, Andy Warhol adquirió los derechos del libro, lo leyó y le impresiono la forma en que se yuxtapone el erotismo con la violencia. Entonces le entrego la novela a Ronald Tavel (quien se hizo cargo de la

mayoría de los guiones de la Warhol Films Inc.) para que escribiera un guión basado en la obra. La idea de Warhol era la de filmar Vinyl en un solo día (como un “happening”, con esa magia que puede solo suceder una vez, y bajo presión… mejor), en vivo, y que los actores jamás ensayaran ni leyeran los diálogos. Y así fue: el día de la filmación, los actores que se eligieron para la representación (con Gerard Malanga, actor, poeta y principal compañero de Warhol, como Protagonista) por fin tuvieron acceso al guión, lo hojearon una vez y empezó el shooting con algún operador poniendo los diálogos en carteles al lado de la cámara para que los actores los pudieran ver y leer.

En cuanto a la película en concreto, el espacio de campo es reducido, tan sólo es una pequeña parte de la “factory”: las paredes color plata, se ven al fondo varios maniquíes y una bola de espejos girando. La cámara esta fija y los actores tratan de hacerse los tipos rudos pero la interpretación es totalmente ridícula.

El primer término es ocupado por Gerard Malanga haciéndola de malo, golpeador de vagabundos, líder de una banda de falsos delincuentes, moviéndose a ritmo de Rock y A Go- Go, mientras azota su cadena contra todo y ríe burlonamente hasta que es detenido. Es el momento del castigo: le desgarran la camisa y lo atan a una silla para golpearlo mientras él se contorsiona. Y así el resto de la película, hasta que lo sueltan y cae de rodillas ante sus torturadores.

omo parte del rico legado de Rufino Tamayo, llega de nuevo la ocasión en la que

podemos apreciar una vasta selección de la nueva pintura mexicana, propia de nuestra actualidad, que está pasando por un momento de transición digno de atención, en el que se aleja de todo lo «estrictamente mexicano» para transformarse en un arte contemporáneo cada vez mas universal. Algo que nos encontramos a primera vista es que el fotorrealismo continúa en su apogeo, y se ha convertido en la tendencia mas recurrida por los nuevos artistas. Sin embargo, aunque el punto de partida sea una fotografía, o se tenga como intención tratar de imitarla, seguimos encontrando obras brillantes y espectaculares en las que la imagen se reinterpreta con asombrosos resultados. Un ejemplo de tales alcances es Adrian Procel González cuya obra “Evento en Proximidad”, además de haber sido uno de los premios de adquisición, es un trabajo que de inmediato nos atrapa, una obra precisa y de un acabado tan uniforme que fácilmente nos engaña. Otro de los ganadores es Hugo Lugo, un artista proveniente del norte del país que se ha hecho de un largo historial en el mundo del arte entre premios, menciones y becas además de una activa participación en la FEMACO en distintas ediciones, y que para ésta ocasión presenta tres obras, incluyendo la ganadora “Boceto para Frustrar la Calma”, que podrían ser tomadas como un solo trabajo, compartiendo la idea fundamental del boceto manejado en dimensiones casi inimaginables.

Por otro lado, un caso de especial mención es “Pedro García Guzmán” de Gabriel de la Mora, una obra de arte en toda la extensión de la frase donde encontramos un trabajo visual cuya verdadera intención es ser una obra “no-visual” que colapsa con la pintura al tratarse de un bastidor cubierto por plástico negro con un acabado texturizado, una obra espléndida cuando se está frente a ella y uno de los mejores ejemplos de arte contemporáneo. También durante mi recorrido escuché la palabra “ilustración”, un término que con el paso del tiempo se ha vuelto muy peligroso al momento de hablar de arte, porque, en un modo peyorativo, parece excluir la intención que origina al trabajo artístico, es decir, como si la obra se fuera exclusivamente por el sendero de la imagen, o en dado caso, del diseño. Oír esto como una opinión me deja la impresión de que el arte, en específico la pintura actual, ha encontrado un punto de gran cercanía con la metodología que el diseño exige, pero sólo en apariencia, porque en verdad, los pintores de hoy tienen mucho qué decir. Con un total de 44 piezas y 38 artistas (han de saber que la convocatoria apareció a principios de marzo y colectó 2528 obras en total) la muestra estará abierta hasta el 16 de noviembre. Altamente recomendable para quienes se interesan por todas las disciplinas afines al brindarnos el panorama más puro del arte más joven. Sin duda, certámenes como este ponen en evidencia que la pintura, a pesar de que las nuevas tendencias se esfuerzan por responder hacia ella, es aún un género vigente, que atestigua lo que sucede en el tiempo y da cabida a innumerables de las más hermosas expresiones.

Museo Tamayo Arte Contemporáneo

Paseo de la Reforma y Gandhi

Horario: de martes a domingo, de 10 a 18 hrs.

Domingo: entrada libre.