VANGUARDIAS DEL S

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VANGUARDIAS DEL S. XX

El cubismo, movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo las formas sobre la superficie del cuadro desde muchos ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el Renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.

Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que "todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro". La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema (cubismo analítico); el artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Otro tipo de pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva; la teoría de la relatividad influyó decisivamente en esta tendencia). En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético, se pretende reproducir en detalle el aspecto real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas muertas cubistas destacan los instrumentos y los arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer periodo, o periodo analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914, durante el periodo sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes en sus obras.

Pablo PICASSO (1881-1973), pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber. Ya desde su juventud descolló por su virtuosismo artístico, que conjugará con una fecunda imaginación.

Obra: La vida Autor: Picasso

Estilo: Periodo azul Cronología: s. XX

El predominio del azul refleja la melancolía del artista en esta época (estrecheces en París y Barcelona, muerte de un amigo íntimo, vida en barrios miserables...). Las figuras, con cierto alargamiento, recuerdan a El Greco; el propio Picasso rindió tributo al pintor de Toledo cuando admitió que su obra ejerció una fuerte influencia en su aprendizaje. Picasso, aunque ya innovador, está lejos de sus cuadros revolucionarios que pintará poco después.

Las figuras tienen miradas tristes y reconcentradas, con lo que Picasso alude a la incomunicación humana.

Pronto superará este periodo para pasar al llamado periodo rosa, en el que muestra mucho más optimismo vital

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Obra: Las señoritas de Avignon Autor: Picasso

Estilo: Cubismo Cronología: s. XX

Se lo considera el inaugurador de lo que se conoce como "pintura cubista". La pintura representa una escena de un burdel en la calle Aviñón, en Barcelona. Sabemos, porque se conservan bocetos previos, que la obra no afloró de forma espontánea sino que fue el producto de una meditada y cuidadosa reflexión artística. Picasso ya había experimentado con una forma de expresión basada en la geometrización de la naturaleza, siguiendo las enseñanzas de Cézanne (Retrato de Gertrude Stein), pero es ahora cuando lleva al límite sus experiencias anteriores. Como se ha dicho en innumerables ocasiones, este cuadro es el definitivo abandono de la representación de la realidad creada por el Renacimiento: la luz, la perspectiva, las sombras, todo desaparece en favor de una expresión personal de los objetos. Las cinco figuras aparecen perfiladas sobre lo que podría parecer un gran cristal fracturado. Georges Braque, al contemplar la obra, quedó tan impresionado que dijo que era "como beber aguarrás"; de hecho, tardó tiempo en ser expuesta, y mucho más en ser aceptada por el público. Entre las muchas influencias que se pueden detectar, algunos autores creen que los rostros de las tres mujeres del centro y la izquierda

estuvieron influenciados por alguna escultura del Arte Ibero; las de la derecha son una reinterpretación de máscaras africanas; Picasso las conoció por una importante exposición de arte negro en París. El pequeño bodegón es un homenaje a Cézanne.

Obra: Mujer con mandolina Autor: Picasso


Tras la proclama revolucionaria que fue Las señoritas de Aviñón, Picasso se sumerge en el mundo del cubismo; en su primera fase se trata de un cubismo analítico, del cual es muestra esta obra. Se procede a una clara geometrización de las formas y a la pérdida de interés por la "realidad renacentista" los colores se aplican arbitrariamente -lo cual es una influencia del fauvismo-, y de nuevo aparece un bodegón, tributo al "maestro" Cézanne.

Obra: Muchacha con mandolina Autor: Picasso


Es una obra más radical que la anterior; parece que Picasso, tras el disgusto que se llevó por el rechazo de Las señoritas de Avignon, sigue explorando nuevas vías de expresión. El cubismo es aquí mucho más evidente y la figura aparece fragmentada, al querer el pintor expresar que la ha plasmado en distintas facetas espacio-temporales. Recuérdese que ahora se está desarrollando, con Albert Einstein, una nueva dimensión: el tiempo. Cromáticamente es mucho más sobria que las pinturas anteriores, ya que Picasso quiere que el espectador se centre en la figura y en el fondo geométrico, por lo que decide que el colorido sería un elemento de distracción.

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Obra: Tres mujeres en una fuente Autor: Picasso


Curiosamente, en esta obra Picasso regresa a la primera década del siglo, cuando realizaba figuras muy monumentales inspiradas en el Arte Ibero. Es como si por un momento titubeara y quisiera “revisitar” sus comienzos protocubistas. Son figuras muy estáticas y con una seriedad que recuerdan en cierto modo las miradas ausentes de su periodo azul y la geometría de algunas de las figuras de Las señoritas de Avignon. Hay un sentido de la perspectiva que antes había dejado y un interés por tipos populares que nunca le abandonará del todo.

Obra: Los tres músicos Autor: Picasso


El nuevo paso consiste en representar las figuras de una forma imposible de ser captadas en la realidad, desde varios puntos de vista a la vez: nace el cubismo sintético. En él influyó la teoría de la relatividad: a las dimensiones tradicionales se añade una nueva, el tiempo. También la técnica de collage, que utilizó años antes, le influye; de esta forma, toda la composición se forma por la yuxtaposición de objetos planos de diferentes colores, como "pegados" unos encima de otros. Con esta pintura se cierra el interés de Picasso por el tema de la Commedia del Arte. En esta obra vemos a los músicos de perfil y de frente a la vez, gracias a la superposición de planos, como si de estampas se tratase. La obra traslada al espectador al mundo de la comedia del arte con tres figuras, un Arlequín, un Pierrot y un Monje que aparecen tocando un instrumento musical.

Obra: Guernica Autor: Picasso

Estilo: Expresionismo cubista Cronología: s. XX

Es quizás su obra más célebre (en la mayoría de los casos por cuestiones extra artísticas). Le fue encargada por el gobierno republicano para la Exposición Universal de París de 1937. El bombardeo alemán de la población vasca en plena Guerra Civil sirvió como punto de partida para esta obra de enormes dimensiones y de una gran crudeza cromática -se juega sólo con gamas grises- y narrativa. La pintura fue realizada tras un proceso creativo que se prolongó durante un mes; se conservan prácticamente todos los apuntes previos, lo que permite saber que Picasso tenía bastante claro qué es lo que quería hacer: en un interior, doblemente iluminado por una bombilla que parece explotar (¿alusión a las bombas?) y un candil

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que sostiene un brazo fantasmal, se desarrolla el drama: la muerte, la violencia irracional (representada por el toro y el caballo que lo pisotean todo) y la desesperación ante la máquina de guerra de un régimen totalitario. Las formas destrozadas, la atmósfera de pánico y los símbolos del desastre que confluyen en la obra, convierten a Guernica en una de las pocas pinturas auténticamente públicas de este siglo, con un significado público y un lenguaje público. En eso contrasta intensamente con el carácter experimental y privado de tantos movimientos que la precedieron.

Obra: Las Meninas Autor: Picasso

Estilo: Expresionismo cubista Cronología: s. XX

Durante varios años el pintor recreó el celebérrimo cuadro de Velázquez, a veces en su totalidad, otras centrándose en uno o más personajes, realizando hasta 58 versiones del cuadro de Velázquez. Picasso explicó que “pintar como Miguel Ángel lo conseguí de joven, pero pintar como un niño lleva toda una vida”. No es casualidad que en 1957 decida adentrarse definitivamente en el taller de Velázquez al emprender las variaciones sobre Las Meninas. Picasso: se acababan de cumplir trescientos años desde que Velázquez pintó su obra maestra. Picasso altera el matizado cromatismo de Velázquez, la situación o las proporciones de los personajes, así como su número, y por supuesto, el grado de abstracción y el estilo, creando una serie de imágenes de carácter mucho más dinámico y dramático, en ocasiones de marcado sentido humorístico. A través de estas variaciones, que a menudo rozan la parodia.

Obra: Pablo vestido de arlequín Autor: Picasso


Dentro de un estilo realista, figurativo, Picasso la retrató a su hijo Pablo, en Pablo vestido de Arlequín (1924) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente (1921),

El niño contaba con tres años de edad aproximadamente cuando su padre llevó a cabo este sugestivo retrato, esbozado en gran parte en el que, en términos técnicos, se aprecian varios arrepentimientos.

El pequeño viste un atuendo circense o de baile de disfraces a mitad de camino entre un elegante arlequín y un refinado payaso. Se apoya en un sillón inacabado, de líneas barrocas a la francesa y se recorta sobre un doble fondo: el del propio respaldo del mueble y en una aparente pared bosquejada con sencillez. El amplio cuello y los puños contrastan con las menudas y rosadas manos, así como el rostro de facciones bien construidas en las que resaltan los ojos oscuros y el cabello castaño rojizo bajo un sombrero que completa la indumentaria.

El ropaje está determinado por una red de rombos amarillos y azules separados por líneas negras muy marcadas. Pintado en París, el cuadro pertenece a la primera parte de la tercera década del siglo XX, cuando el maestro alternaba en su obra el cubismo con su

peculiar estilo clásico, prevaleciendo las maternidades y los retratos de familias y amigos.

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