TEMA 1 BIOGRAFIAS HISTORIA DOCUMENTAL

PIERRE JULES CÉSAR JANSSEN

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Pierre Jules César Janssen

París, 1824 - Meudon, 1907) Astrónomo francés que participó en numerosas expediciones astronómicas, de entre las cuales cabe destacar el viaje que hizo a Argelia en globo para observar de cerca el eclipse de 1870. Desde el observatorio astrofísico de Meudon realizó una admirable colección de fotografías solares, y fue uno de los primeros en fotografiar con nitidez un cometa.

Tras pasar un tiempo dedicado a la pintura, Jansen comenzó a estudiar matemáticas y física, disciplina esta última en la que se doctoró en 1860 por la Universidad de París. Tres años antes, en 1857, había estado en Perú con los hermanos Grandidier en una expedición astronómica encargada de corregir ciertos errores magnéticos y determinar correctamente el polo magnético terrestre, pero debido a una grave enfermedad había tenido que regresar a Francia antes de tiempo. En 1861 volvió a tomar parte de otra expedición científica en tierras italianas para estudiar las rayas telúricas.

Entre 1865 y 1871, Jansen fue nombrado profesor de la École Spéciale d'Architecture de París, centro que le envió a Guntur (actual India) para estudiar el eclipse total de sol previsto para el 18 de agosto de 1868. El fenómeno astrofísico le permitió descubrir las protuberancias solares e inventar el método espectroscópico, capaz de observar dichas protuberancias en ausencia de eclipses gracias al espectrohelioscopio. El doble descubrimiento le valió la concesión del prestigioso premio Lalande y un importante incentivo económico de la Academia de Ciencias de París.

En 1870, durante el sitio de París por parte de las tropas prusianas del mariscal Bismarck, Jansen partió en globo con destino a Orán (Argelia) para observar otro eclipse. Durante el viaje inventó el compás aeronáutico, que permitía fijar en cualquier momento la posición del globo en el aire. Nombrado miembro de la Academia de Ciencias de París en 1873, al año siguiente se trasladó a la ciudad nipona de Nagasaki para observar el tránsito del planeta Venus por el sol, acontecimiento que se produjo el 8 de diciembre

Para la observación del fenómeno ideó otro novedoso procedimiento por el que se podía obtener una serie continuada de fotografías -posteriormente perfeccionado por E. Muybridge y J. Marsey- que constituyó uno de los primeros pasos para la invención del cinematógrafo por parte de los hermanos Louis y Auguste Lumière. Janssen aprovechó el viaje de regreso para realizar una serie de mediciones en los golfos de Siam y Bengala.

De vuelta en Francia en 1875, el Gobierno francés le nombró director del observatorio de Montmartre -trasladado al siguiente año a la localidad de Meudon-, cargo que ocupó hasta su muerte. En Meudon, Janssen llevó a cabo una magnífica serie de fotografías solares, que publicó en 1904, en las que mostraba por primera vez la estructura granular de la fotosfera solar. Dedicó parte de su tiempo a estudiar la absorción atmosférica, gracias a lo cual demostró en 1863 el origen terrestre de las bandas oscuras del oxígeno en el espectro solar, Janssen dirigió varias ascensiones al Mont-Blanc (1888, 1890 y 1893) que culminaron con la construcción de un moderno observatorio en la cumbre de la montaña.

http://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Janssen

Pierre Julio César Janssen (22 de febrero de 1824 - 23 de diciembre de 1907) fue un astrónomo francés, descubridor del elemento químico Helio, que en 1868 descubrió cómo observar prominencias solares sin un eclipse. En 18 de agosto de ese mismo año, mientras que observaba un eclipse de sol en la India, notó una línea amarilla brillante con una longitud de onda de 587.49 nanómetros en el espectro de la cromosfera del sol lo que indicaba la existencia de un elemento desconocido. Cuando dio a conocer esto lo pusieron en ridículo puesto que no se había detectado ningún elemento en el espacio antes de ser encontrado en la Tierra. El 20 de octubre del mismo año, el astrónomo inglés Lockyer también observó la misma línea amarilla en el espectro solar y concluyó que fue causado por un elemento desconocido, después de que sin éxito intento probar que era un cierto tipo hidrógeno, más tarde demostró que se trataba de un elemento nuevo hasta la fecha: Helio. Un cráter lunar lleva su nombre localizado en 45,4°S, 40,3°E.

Janssen nació en París y estudió matemáticas y física en la facultad de ciencias. Enseñó en lycée Charlemagne en el año 1853 y en la escuela de la arquitectura entre 1865 y 1871, pero dedicó sus energías principalmente a varias misiones científicas confiadas a él. Así en 1857 fue a Perú para determinar el Ecuador magnético; entre 1861 a 1862. En 1864, estudió la Absorción telúrica en el espectro solar en Italia y Suiza; en 1867 realizó experimentos ópticos y magnéticos en las Azores; observó con éxito el Tránsito de Venus en 1874 en Japón, en 1882 en Orán en Argelia.

Uno de los más importantes reconocimientos Jassen es que se le considera descubridor del Helio en 1968. En 1935 la UAI decidió en su honor llamarle Janssen a un astroblema lunar.1

Expediciones Participó en una serie largas de expediciones de eclipses solares; Trani (1867), Guntur (1868), Argel (1870), Tailandia (1875), Islas Carolinas (1883), y en Alcosebre (España en 1905). Para ver el eclipse de 1870 de París utilizó un globo, ya que ese eclipse fue oscurecido por una nube, sin embargo en el gran eclipse indio de 1868 demostró la naturaleza gaseosa de las prominencias rojas, e ideó un método de observarlas bajo condiciones ordinarias de la luz del día. 1867 recibe la Medalla Rumford. Uno de los principales objetivos de sus investigaciones espectroscópicas era contestar a la pregunta si el sol contiene el oxígeno o no. Otro era la eliminación virtual de oxígeno-absorción en la atmósfera de la tierra, este proyecto fue establecido en la cima de Mont Blanc donde construyó un observatorio. En 1875 lo designaron director del nuevo observatorio astrofísico establecido por el gobierno francés en Meudon, En 1904 publicó un atlas con numerosas imágenes solares Atlas de fotografías solares además del primer volumen de los Annales de l'observatoire de Meudon.

Referencias ↑ Ficha del cráter lunar «Janssen», Gazeteer of Planetary Nomenclature Enlace consultado el 10 de julio de 2009.

Enlaces externos Biografía de Pierre Janssen Entrada en la Classic Encyclopedia (en inglés)

EADWEARD MUYBRIDGE

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/muybridge.htm

(Edward James Muggeridge, 1830-1904) Fotógrafo inglés. Entre 1870 y 1914 la investigación fotográfica viró, fundamentalmente, hacia el registro del movimiento. Se trataba de reducir al máximo el tiempo de exposición a fin de aproximarse a la instantánea, susceptible de revelar la estructura de un cuerpo en movimiento. En este sentido, las primeras respuestas las aportaría Muybridge, quien estaba intentando probar con ayuda de la instantánea que, en un determinado momento del trote del caballo, sus cuatro patas estaban al mismo tiempo en el aire, aspecto que contradecía años de representación pictórica.

Tomó sus primeras fotografías en 1872, pero no fue hasta 1877, tras conseguir apoyo financiero del gobernador de California Leland Stanford, cuando consiguió un juego completo de fotografías satisfactorias. Se trataba de un conjunto de placas de colodión húmedo, realizadas a velocidad de obturación de alrededor de una milésima de segundo, recurriendo para ello a sistema de relojería y mecanismos de cortocircuito que obturaban las cámaras al paso mismo de los caballos, al tocar éstos unos finísimos alambres estirados de un lado a otro de la pista. Ello registraba imágenes consecutivas de las diversas fases de su andadura.

Los resultados de sus investigaciones aparecieron en publicaciones periódicas del mundo entero entre 1878 y 1879, demostrando, pese a que la instantánea no revelaba la estructura del movimiento sino que lo fijaba, que no todas las fases de locomoción estaban al alcance del ojo humano, dado que en un momento del recorrido el animal mantenía las cuatro patas en alto. Para Muybridge estaba claro que la discrepancia entre el dato objetivo fotográfico y la norma convencional iba a provocar buen número de dificultades a pintores y dibujantes.

En 1882 Muybridge apareció ante una sesión especial de la Royal Institution de Londres proyectando con ayuda del zoopraxiscopio una serie de fotografías que daban la sensación de movimiento continuo. Después de ello vio con asombro como sus imágenes aparecían en varias publicaciones en las que no sólo se reproducían las tomas sino que se analizaban. En 1885 terminó su trabajo y, en 1887, lo publicó bajo el título “Animal Locomotion, an Electro-Photographic Investigation of Censecutive Phases of animal Movements”, obra muy bien acogida por artistas y hombres de ciencia. En 1901 se publicó en Londres una edición reducida titulada “The Human figure in Motion”. Las fotografías tenían por objeto principal servir de bocetos a los artistas. Eran como un inmenso atlas de la locomoción humana y animal: 781 placas con más de 20.000 figuras, en casi todas las fases del movimiento.

Para dicha publicación se utilizaron fotografías tomadas entre 1782 y 1885 y hasta veinticuatro cámaras fotográficas para las vistas laterales, mientras que otras fueron situadas y articuladas por medios de ingeniosos cronométricos de modo que se podía sacar simultáneamente cada serie desde distintos puntos de vista. El intervalo y los tiempos de exposición estaban escrupulosamente anotados en el catálogo. Así pues, el proyecto estaba cuidadosamente preparado de forma que constituyera una amplia muestra visual representativa de la sociedad en movimiento. En la preparación de las fotografías se impusieron rigurosas condiciones de laboratorio: cada juego de fotografías se sacaba ante un gran telón de fondo cuadriculado y numerado con el fin de calcular a posteriori tanto las distancias laterales como las verticales a través de las cuales se movían los modelos.

En 1889 Muybridge regresó a Londres donde, más popular que nunca, ofreció conferencias con ilustraciones en la Royal Academy, la Escuela de Arte de Kensington Sur y otras instituciones y grupos. A juzgar por los indicios, se diría que los pintores ya no se atreverían a representar el movimiento sino según aquellas fotografías que Muybridge había legado al mundo artístico y científico.

http://cineojo.wordpress.com/2007/10/27/eadwear-muybridge-las-fotos-captan-el-movimiento/

Eadweard Muybridge (9 de Abril de 1830 en Kingston-on- Thames, Inglaterra; † 8. Mayo 1904; realmente se llamaba Edward James Muggeridge. Cambió su nombre, cuando emigró a los Estados Unidos en 1851)

Se relaciona normalmente con Étienne Jules Marey debido a sus Fotografías en serie para estudiar el movimiento del cuerpo humano y animal como uno de los representantes más importantes de la llamada Cronofotografia.

En sus primeros veinte años se fue a vivir en los Estados Unidos, ganando gran reputación por sus fotografías de paisajes del Oeste Americano, en especial la serie sobre el parque Nacional de Yosemite. Como utilizaba el colodion húmedo, al igual que otros fotógrafos de viaje necesitaba llevar consigo, todos los sensibilizadores y equipo de procesamiento.

Aunque sus paisajes fueron eclipsados por la fama que adquirió por su exaustivo estudio del movimiento, (¡aparte de por ser juzgado y absuelto por el asesinato del amante de su esposa!).

En Francia, el fisiólogo Étienne Jules Marey, estaba estudiando el movimiento de animales. Una de las personas que tuvieron conocimiento de estas investigaciónes fue Leland Stanford, un ex gobernador de California, que era propietario de un gran número de caballos de raza.

Se dice que Leland apuesta a un amigo que, cuando un caballo galopa, en un punto en particular las cuatro patas se elevan del suelo al mismo tiempo. Para probar su caso se

contrató a Muybridge para investigar si la denuncia era cierta, y le puso en contacto con Marey. En Mayo de 1872, Muybridge fotografió el caballo Occident, pero sin gran éxito, ya que el proceso del colodión húmedo exigía habitualmente varios segundos para obtener un buen resultado.

Al mismo tiempo que trabajaba en este proyecto Muybridge también emprendió otros proyectos, y es a su regreso de uno de sus viajes fotográficos, cuando fué consciente de que su esposa estaba teniendo una aventura con un soldado. Retó al soldado, y lo mató en un duelo. Buscado por asesinato en Febrero de 1875, es de suponer que en parte debido a sus conexiones, fue absuelto un poco más tarde, y se le pidió que realizara fotografías del ferrocarril de Panamá, a cierta distancia del lugar de el crimen. Vamos que le invitaron a “desaparecer” un tiempo.

A su regreso, reemprendió su trabajo sobre la fotografía de acción, una vez más. Utilizando un nuevo diseño de obturador que habia desarrollado, que funcionaba en tan poco tiempo como una 1/1000 de segundo, obtuvo imágenes más detalladas en Julio de 1877. A continuación diseñó un nuevo esquema, que patrocinó Stanford en su granja en Palo Alto. Construyó una especie de tribuna de 50 pies de largo que contenían doce cámaras una al lado de la otra, enfocando un fondo blanco con líneas verticales numeradas. Cada cámara estaba provista con el obturador de alta velocidad de Muybridge, accionado por un disparador electromagnético. Hilos atravesados al paso del caballo, se rompían al paso de este, cerrando contactos eléctricos que iban activando cada obturador. Así, en aproximadamente medio segundo, se obtuvieron doce fotografías, mostrando todas las fases del movimiento.

Aquí teneis una animación de las fotos que realizó Muybridge, que demostraron que los caballos al galopar, levantan las cuatro patas del suelo replegándolas hacia adentro. más abajo puedes ver como solian rpresentar los artistas a los caballos al galope, de un modo muy diferente al real. MUYBRIDGE CAMBIÓ LA FORMA DE VER EL MUNDO.

Desde 1880 dió conferencias en los Estados Unidos y Europa, proyectando sus resultados en movimiento sobre la pantalla con su proyector Zoopraxiscopio, que era básicamente un fenantiscopio proyector con un obturador que se activaba con la rotación. Las imágenes se obtenían a partir de su secuencia de fotografías y se pintaban a lo largo de un gran disco de cristal.En Agosto de 1883 Muybridge recibió una ayuda de 40,000 dólares de la Universidad de Pensilvania para realizar su trabajo allí. Durante 1884 y 1885, utilizando nuevos procesos de revelado y una nueva cámara, produjo 100.000 fotografías en secuencia, de las que 20.000 se reprodujeron en Animal Locomotion en 1887. Contenía animales de todas clases y figuras humanas, la mayoría desnudas en una variedad de actividades. Sus secuencias de movimientos se proyectaron en la exposición de Chicago de 1893. El siguiente año Muybridge volvió a su lugar natal en Inglaterra; sus últimas publicaciones fueron Animals in Motion (1899) y The Human Figure in Motion (1901)

ETIENNE JULES MAREY

http://precine.blogspot.com/2007/03/tienne-jules-marey.html

Etienne Jules Marey

Étienne Jules Marey era un médico, fotógrafo e investigador

francés nacido en 1830 que destacó por sus investigaciones en el estudio

fotográfico del movimiento.

Desde 1863, Marey perfeccionó los primeros fundamentos de su “método gráfico”,

que estudiaba el movimiento utilizando instrumentos de registro y gráficos.

Utilizando polígrafos e instrumentos similares, tuvo éxito al analizar con diagramas

diferentes movimientos de hombres y animales. En el año 1868 comenzó sus

estudios sobre el movimiento de los caballos, llegando a la conclusión de que al

galopar mantienen los cuatro cascos en el aire a pesar de que el ojo humano no lo

capta. Sin embargo, nunca llegó a demostrarlo con fotografías. Los resultados –

publicados en La Machine Animale en 1873 – despertaron mucho interés y llevaron

a Leland Stanford y Eadweard Muybridge a proseguir sus propias investigaciones.

Fue precisamente Muybridge quien, a través de un experimento realizado en San

Francisco en el año 1878, logró demostrar que los caballos al galope mantienen

durante un instante las cuatro patas en el aire.

Tras conocer los resultados obtenidos por Muybridge, Marey continuó con sus

investigaciones fotográficas, inventando en 1882 un fusil fotográfico cuyo

funcionamiento era similar al de un fusil normal pero cuya carga eran placas

fotográficas. Esta 'escopeta fotográfica' se inspiraba en el “revolver fotográfico”

inventado en 1874 por el astrónomo Jules Janssen, y era capaz de capturar doce

exposiciones por un segundo.

Años más tarde realizó una nueva aportación conocida como 'cronofotografía', que

básicamente consiste en registrar en una placa única las diferentes fases del

movimiento. Para conseguir esto ideó un sistema que fotografiaba en una misma

placa las diferentes fases del movimiento.

En 1888 Marey mejoró su invento reemplazando la placa de cristal por una larga

tira de papel sensible. La primera película sobre papel, que tomó veinte imágenes

en un segundo, se mostró en la Academia de Ciencias el 29 de Octubre de 1888.

La tira se movía intermitentemente en la cámara con la ayuda de un electroimán.

Dos años después, Marey reemplazó el papel con una película transparente de

celuloide de 90 mm de ancho y 1.2 m o más de largo. Una placa de presión

inmovilizaba la película y un muelle la soltaba cuando la presión disminuía.

Entre 1890 y 1900, Marey (asistido por Demeny hasta 1894, y a continuación por

Lucien Bull y Pierre Nogues) hizo un número considerable de tiras de película de

análisis del movimiento, de gran calidad estética y técnica , incluyendo los muy

bellos autorretratos de Marey y Demeny y el famoso gato cayendo, filmado en

1894. Ese año, Marey aceptó la renuncia de Demeny, que deseaba explotar

comercialmente sus métodos magistrales. 1894 también marcó la publicación de

Le mouvement de Marey, un trabajo importante que cubría todas sus

investigaciones. Ejerció una considerable influencia en los inventores pioneros del

cine en los 1890s. Sus trabajos, ampliamente difundidos por la prensa

internacional, fueron una fuerte inspiración para Thomas Edison y Louis Lumière,

entre otros.

29 Marzo 2006

http://rrose.espacioblog.com/post/2006/03/29/etienne-jules-marey-fotografiar-invisible

Etienne-Jules Marey: fotografiar lo invisible

Ètienne-Jules Marey (1830-1904) es uno de mis fotógrafos preferidos. Sin embargo no es tan fácil clasificarlo como fotógrafo, ya que lo que fue en realidad es un científico profundamente heterodoxo que logró hallar su propio camino en diversos ámbitos. Su obsesión como médico fue lograr un método que le permitiera conocer y representar gráficamente el ritmo y los movimientos propios del cuerpo humano, entendido éste fríamente, como un mecanismo.

En un mundo –el nuestro- en el que la fotografía, las imágenes 3D, el cine, los documentales, la cámara super-lenta, o la infografía se han convertido algo habitual, cuesta trabajo comprender el empeño científico de Marey por dejar constancia de un montón de cosas que entonces aún eran desconocidas, y que puestas sobre un papel resultaban indicativas de una realidad sorprendemente extraña, y promisorias de un universo nuevo y apasionante.

Sirviéndose de una técnica entonces incipiente –el método cronofotográfico con el que Edward Muybridge estaba empezando a experimentar en EE.UU- patentó una infinidad de procedimientos para

capturar la trama invisible del movimiento (como su famoso fusil fotográfico). Así pues fotografió, como un niño, o como un genio que decide hacer tabula rasa sobre el conocimiento previo de la realidad completa, cada cosa que desprendiera movimiento: el modo de andar de un hombre o de una mujer, el galope de un caballo, el aleteo de una mosca, el modo en que una gota de líquido cae… sus fotografías transmiten algo así como una inocencia y una curiosidad extremas, y cada una de sus series fotogtráficas son un ejemplo de belleza y de verdad incuestionable.

Entre lo más conocido de sus investigaciones se encuentran, por supuesto, los estudios cronofotográficos de seres humanos (atletas en movimiento, gestos faciales…) y animales, pero en mi opinión, el culmen en el desarrollo de las investigaciones de Marey se produce al final de su vida. En 1899 abandona el estudio de seres vivos para centrarse en la documentación de lo que posteriormente se denominaría dinámica de fluidos.

En su estudio mandó construir una caja de vidrio completamente hermética a excepción de unos canales por los que pensaba insuflar pequeñas cantidades de humo. A este aparato lo llamó Máquina de Humo (Smoke Machine). Su objetivo era insuflar por los ínfimos canales una cantidad de humo que le permitiera observar los movimientos del aire en el interior de un espacio completamente inalterado. Por efecto de la gravedad (y

a falta de interferencias de ningún tipo) el humo caía

hacia abajo, y ante determinados obstáculos físicos (un rectángulo, un triángulo..) el humo evolucionaba. Resultado: una perfecta materialización de los movimientos que se producen en el aire a cada momento sin que podamos advertirlo.

Este uso combinado del humo y la fotografía (por medio de un aparato inverosímil que bien podría haber salido de una novela de Raymond Roussel) puso un punto de partida –estéticamente impecable y fascinante- al estudio de la dinámica de fluidos, que tanta importancia tendría posteriormente en el desarrollo de la aeronaútica.

Recomiendo hacer una visita a la exposición virtual Etienne Jules Marey: le mouvement en lumière (es una pena que la documentación que la página ofrece haya dejado de actualizarse, y muchos de los enlaces, que incluyen fotografías, videos, dibujos, ya no funcionen correctamente).

¿Arte o ciencia? Geometría, abstracción, poesía. La lección sería recogida por artistas de vanguardia deseosos de abrir nuevos caminos en el mundo del arte: Marcel Duchamp, Moholy Nagy…

THOMAS ALBA EDISON

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Thomas Alva Edison

(Milan, 1847 - West Orange, 1931) Inventor norteamericano, el más genial de la era moderna. Su madre logró despertar la inteligencia del joven Edison, que era alérgico a la monotonía de la escuela. El milagro se produjo tras la lectura de un libro que ella le proporcionó titulado Escuela de Filosofía Natural, de Richard Green Parker; tal fue su fascinación que quiso realizar por sí mismo todos los experimentos y comprobar todas las teorías que contenía. Ayudado por su madre, instaló en el sótano de su casa un pequeño laboratorio convencido de que iba a ser inventor.

Thomas Edison

A los doce años, sin olvidar su pasión por los experimentos, consideró que estaba en su mano ganar dinero contante y sonante materializando alguna de sus buenas ocurrencias. Su primera iniciativa fue vender periódicos y chucherías en el tren que hacía el trayecto de Port Huron a Detroit. Había estallado la Guerra de Secesión y los viajeros estaban ávidos de noticias. Edison convenció a los telegrafistas de la línea férrea para que expusieran en los tablones de anuncios de las estaciones breves titulares sobre el desarrollo de la contienda, sin olvidar añadir al pie que los detalles completos aparecían en los periódicos; esos periódicos los vendía el propio Edison en el tren y no hay que decir que se los quitaban de las manos. Al mismo tiempo, compraba sin cesar revistas científicas, libros y aparatos, y llegó a convertir el vagón de equipajes del convoy en un nuevo laboratorio. Aprendió a telegrafiar y, tras conseguir a bajo precio y de segunda mano una prensa de imprimir, comenzó a publicar un periódico por su cuenta, el Weekly Herald.

En los años siguientes, Edison peregrinó por diversas ciudades desempeñando labores de telegrafista en varias compañías y dedicando su tiempo libre a investigar. En Boston construyó un aparato para registrar automáticamente los votos y lo ofreció al Congreso. Los políticos consideraron que el invento era tan perfecto que no cabía otra posibilidad que rechazarlo. Ese mismo día, Edison tomó dos decisiones. En primer lugar, se juró que jamás inventaría nada que no fuera, además de novedoso, práctico y rentable. En segundo lugar, abandonó su carrera de telegrafista. Acto seguido formó una sociedad y se puso a trabajar.

Perfeccionó el telégrafo automático, inventó un aparato para transmitir las oscilaciones de los valores bursátiles, colaboró en la construcción de la primera máquina de escribir y dio aplicación práctica al teléfono mediante la adopción del micrófono de carbón. Su nombre empezó a ser conocido, sus inventos ya le reportaban beneficios y Edison pudo comprar maquinaria y contratar obreros. Para él no contaban las horas. Era muy exigente con su personal y le gustaba que trabajase a destajo, con lo que los resultados eran frecuentemente positivos.

A los veintinueve años cuando compró un extenso terreno en la aldea de Menlo Park, cerca de Nueva York, e hizo construir allí un nuevo taller y una residencia para su familia. Edison se había casado a finales de 1871 con Mary Stilwell; la nota más destacada de la boda fue el trabajo que le costó al padrino hacer que el novio se pusiera unos guantes blancos para la

ceremonia. Ahora debía sostener un hogar y se dedicó, con más ahínco si cabe, a trabajos productivos.

Su principal virtud era sin duda su extraordinaria capacidad de trabajo. Cualquier detalle en el curso de sus investigaciones le hacía vislumbrar la posibilidad de un nuevo hallazgo. Recién instalado en Menlo Park, se hallaba sin embargo totalmente concentrado en un nuevo aparato para grabar vibraciones sonoras. La idea ya era antigua e incluso se había logrado registrar sonidos en un cilindro de cera, pero nadie había logrado reproducirlos. Edison trabajó día y noche en el proyecto y al fin, en agosto de 1877, entregó a uno de sus técnicos un extraño boceto, diciéndole que construyese aquel artilugio sin pérdida de tiempo. Al fin, Edison conectó la máquina. Todos pudieron escuchar una canción que había entonado uno de los empleados minutos antes. Edison acababa de culminar uno de sus grandes inventos: el fonógrafo. Pero no todo eran triunfos. Muchas de las investigaciones iniciadas por Edison terminaron en sonoros fracasos. Cuando las pruebas no eran satisfactorias, experimentaba con nuevos materiales, los combinaba de modo diferente y seguía intentándolo.

En abril de 1879, Edison abordó las investigaciones sobre la luz eléctrica. La competencia era muy enconada y varios laboratorios habían patentado ya sus lámparas. El problema consistía en encontrar un material capaz de mantener una bombilla encendida largo tiempo. Después de probar diversos elementos con resultados negativos, Edison encontró por fin el filamento de bambú carbonizado. Inmediatamente adquirió grandes cantidades de bambú y, haciendo gala de su pragmatismo, instaló un taller para fabricar él mismo las bombillas. Luego, para demostrar que el alumbrado eléctrico era más económico que el de gas, empezó a vender sus lámparas a cuarenta centavos, aunque a él fabricarlas le costase más de un dólar; su objetivo era hacer que aumentase la demanda para poder producirlas en grandes cantidades y rebajar los costes por unidad. En poco tiempo consiguió que cada bombilla le costase treinta y siete centavos: el negocio empezó a marchar como la seda.

Su fama se propagó por el mundo a medida que la luz eléctrica se imponía. Edison, que tras la muerte de su primera esposa había vuelto a casarse, visitó Europa y fue recibido en olor de multitudes. De regreso en los Estados Unidos creó diversas empresas y continuó trabajando con el mismo ardor de siempre. Todos sus inventos eran patentados y explotados de inmediato, y no tardaban en producir beneficios sustanciosos. Entretanto, el trabajo parecía mantenerlo en forma. Su única preocupación en materia de salud consistía en no ganar peso. Era irregular en sus comidas, se acostaba tarde y se levantaba temprano, nunca hizo deporte de ninguna clase y a menudo mascaba tabaco. Pero lo más sorprendente de su carácter era su invulnerabilidad ante el desaliento. Ningún contratiempo era capaz de desanimarlo.

En los años veinte, sus conciudadanos le señalaron en las encuestas como el hombre más grande de Estados Unidos. Incluso el Congreso se ocupó de su fama, calculándose que Edison había añadido un promedio de treinta millones de dólares al año a la riqueza nacional por un periodo de medio siglo. Nunca antes se había tasado con tal exactitud algo tan intangible como el genio. Su popularidad llegó a ser inmensa. En 1927 fue nombrado miembro de la National Academy of Sciences y al año siguiente el presidente Coolidge le hizo entrega de una medalla de oro que para él había hecho grabar el Congreso. Tenía ochenta y cuatro años cuando un ataque de uremia abatió sus últimas energías.

Los experimentos iniciales para el desarrollo del Kinetoscopio se basaban en el Fonógrafo de Edison: pequeñas fotografías ordenadas en secuencia sobre un cilindro que al girarlo proyectaban la ilusión de movimiento por reflejo de la luz. Pero resultó que esta manera no era muy práctica. Edison debía tomar otra dirección para tener éxito.Entonces viajó a Francia y conocío a Etienne-Jules Marey, un médico y fotógrafó que había desarrollado el cronofotógrafo, un invento parecido que utilizaba un rollo de fotos más largo que el diámetro del cilindro. El problema que se presentó fue que no existían rollos lo suficientemente largos y duraderos y se tardó un tiempo en inventar rollos de celuloide que sirviesen para los experimentos. La película de celuloide inventada por la Eastman Company ayudó bastante ya que los Laboratorios Edison compraron una gran cantidad de su nuevo film para trabajar. Así, para 1890, el Kinetoscopio ya estaba listo.

El invento consistía en una caja de madera de poco más de un metro de altura con un orificio en la parte superior por donde se veía la "película" a través de una lente mientras se giraba una manija que al girarla activaba el macanismo. Por dentro, el Kinetoscopio consistía en una serie de cilindros por los cuales corría el rollo de película con las imágenes y una lámpara eléctrica que permitía que esas fotografías se proyecten hacia la lente.

La patente del Kinetoscopio junto con el Kinetógrafo (la cámara, básicamente el mismo invento pero para filmar las imágenes) fue presentada en 1891 y la primera proyección del invento se realizó en 1893 en el Instituto de las Artes y las Ciencias de New York. Debido al éxito del invento, Edison comenzó una gran producción de Kinetoscopios para ferias y exposiciones. Estos aparatos venían con una ranura por donde se colocaba una moneda para habilitar el visor y permitir girar la manija para la proyección de la película. Edison pudo ver un pequeño negocio y de alguna manera dio comienzo a la industra del cine. Lo que no pudo ver Edison fue que el negocio se expandiría tanto a nivel mundial y no aplicó para la patente internacional de su invento. En su momento argumentó que de todas maneras no querría transladarse a Europa en caso de un posible plagio. Así, el posterior desarrollo del cinematógrafo y de la industria del cine tendría lugar en los años siguientes en Europa al principio y la costa oeste de Estados Unidos por diferentes motivos...

BIOGRAFIA THOMAS EDISON

http://www.google.es/search?q=Edison&hl=es&rlz=1T4SKPB_esES310ES312&tbs=tl:1&tbo=u&ei=BuVaS6GvFcO64ga8j5TVCg&sa=X&oi=timeline_result&ct=title&resnum=18&ved=0CFAQ5wIwEQ

1.

 1847 11 Feb 1847 - Thomas Alva Edison, el menor de cuatro hermanos, nació el 11 de febrero de 1847, en Milan, una pequeña población de Ohio en la que se había establecido su padre, Samuel Edison, seis años antes. Su padre tuvo que abandonar precipitadamente Canadá a consecuencia ...

De Thomas Edison. Biografía. - Páginas web relacionadaswww.biografiasyvidas.com/monografia/edison/

 1877 1877 - Muchos habran escuchado que la primera grabación de la historia fue la de Edison pronunciando la famosa frase: "Mary tuvo un corderito" ( Mary had a little lamb ) grabado en el año 1877.De Estudio Urbano: Al final no fue Edison... - Páginas web relacionadasestudiourbanogcba.blogspot.com/2008/04/al ...

 1878 1878 - Hasta que el Tomás Alva Edison, en el año 1878, experimentara la lámpara de hilo incandescente y se hiciera la luz eléctrica expandiéndose a todo el mundo; aquí en Alzira, a finales del siglo XIX, tras la consolidación de Edison, ya había molinos que fabricaban luz.De Mayo 2007 | weblog alojado en Blogiaelseisdoble.blogia.com/2007/mayo.php

 1879 21 Oct 1879 - El 21 de octubre de 1879, Edison montó uno de sus filamentos en una bombilla, que lució durante cuarenta horas ininterrumpidamente. El día de nochevieja de ese mismo año se iluminó eléctricamente la calle principal de Menlo Park (New Jersey), lugar donde Edison ...

De edison - Páginas web relacionadaswww.terra.es/personal3/anaisabel.gonza/edison.htm

 1880 27 Ene 1880 - La invención de la bombilla de la luz se ha atribuido tradicionalmente a Edison, que logró para ella en EEUU la patente número 223.898 el 27 de enero de 1880.De Expectación ante la subasta de las bombillas originales de Edison - Páginas web relacionadas

www.elmundo.es/elmundo/2006/12/08/ciencia ... 1882 1882 - En 1882, Thomas Alva Edison instaló la primera Central

Eléctrica en Pearl Street, la primera calle que fue iluminada artificialmente. El éxito obtenido lleva a Edison a crear otras centrales. Al poco tiempo otras ciudades del país se iban sumando a la iluminación artificial de ...De La Iluminación - Páginas web relacionadaswww.educar.org/inventos/iluminacion.asp

 1890 8 Jul 1890 - El veredicto favorable al famoso inventor se dictó el 8 de julio de 1890, cuando ya se disponía a cantar victoria la United Status Electric Light Company, antes de que declarara un testigo crucial: John W. Howell, ingeniero de la fábrica de lámparas de Edison.

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JULES CARPENTIER

(París, 1851-Joigny, 1921) Inventor francés. Construyó uno de los primeros aparatos cinematográficos, además de inventar y fabricar diversos aparatos eléctricos y telegráficos e instrumentos de medida

FRUCTUÓS GELABERT

http://www.xtec.es/~xripoll/hcinec1.htm

Fructuós Gelabert

Hacia el 20 de diciembre de 1896 -después de Madrid- tuvo lugar en Barcelona la primera proyección pública del Cinematógrafo Lumière, concretamente en casa de los fotógrafos que se hacían llamar comercialmente "Napoleón", ubicada en el emplazamiento de la ciudad que mejor podía demostrar su tradicional cosmopolitismo y apertura a las nuevas cosas: las Ramblas.

Antes -y después- de esta fecha, el resto de los igualmente inventores del cine (Edison-Dickson, Paul, Demeny...) también presentaron sus nuevas "linternas mágicas" al público catalán, público -por otra parte- habitualmente aficionado a la

fotografía. Pero al principio, el interés por el cine no pasó de lo meramente científico o, simplemente, del espectáculo curioso.

Sería la familia Belio, de origen aragonés, quien empezaría a explotar comercialmente el cine, concretamente -y de forma estable- en la calle Clavé, pero el local se quemó y, en 1904, abrieron otro en las Ramblas donde -por cierto- un gran órgano alemán acompañaba los pases; y en 1908 inauguraron uno nuevo en el Paseo de Gracia. Por su parte, el fotógrafo y electricista Josep Ubach había inaugurado su Cinematógrafo en 1897 en la plaza de Antonio López. Los "Napoleón" se dieron cuenta de que el nuevo invento podía darles algo más que "gloria" y abrieron su local comercial, el Cinematógrafo Lumière, en el Paralelo, junto al Café-Circo Español, en el corazón del espectáculo barcelonés.

El éxito de estos primeros empresarios poseedores de "máquinas para rehacer la vida" estimuló a otros en una ciudad donde la visión comercial imperaba por encima de muchos otros aspectos.

No obstante, la mayoría de estos empresarios eran feriantes que adoptaron el cine como una nueva "atracción"; debido a la movilidad de su profesión, el nuevo espectáculo se expandió por Cataluña. Baltasar Abadal, por ejemplo, llevó el cine a muchos pueblos y ciudades. Los dueños y los nombres de los nuevos locales -que, por cierto, la mayoría se ubicaban en barracas o pabellones móviles- cambiaban con frecuencia, y las representaciones eran esporádicas; los programas consistían en noticiarios, documentales, trucos de fantasía y escenas cómicas.

Productos locales que gustaban a todas las capas sociales, pero en especial a las populares debido al bajo precio de las entradas.

Las primeras filmaciones en Cataluña fueron realizadas por el pionero catalán Fructuós Gelabert, cineasta, inventor y diseñador de los primeros estudios de rodaje en España, considerado como el fundador de la cinematografía catalana y española. En 1897, después de haber rodado varios documentales, filma la primera película de ficción en España, "Riña en un café". Al año siguiente, uno de sus reportajes, "Visita de Doña María Cristina" y "Don Alfonso XIII a Barcelona", fue el primer film español vendido al extranjero.

A raíz de la alianza con unos exhibidores, formó la empresa Diorama que llegó a tener laboratorios y salas de cine propios.

Posteriormente fundó Films Barcelona, donde hace de operador del film "Amor que mata" (1908). Ejemplo de su estilo popular-realista son las adaptaciones que hizo de las obras teatrales de Guimerà, "Terra Baixa" (1907) y "Maria Rosa" (1908).

En la misma época, otras firmas hicieron su aparición en medio de la joven cinematografía catalana. Es el caso de Hispano Films, financiada por Lluís Macaya, bajo la dirección técnica y artística de Albert Marro y Ricardo de Baños, que llegó a ser una empresa con una sólida base económica cuyos productos populares se difundieron fácilmente por el mercado. Dese 1906 se dedicaron a filmar películas literarias, históricas y cómicas, así como actualidades; básicamente

se trataba de dramas costumbristas y seriales de aventuras. Algunos de sus títulos más importantes fueron "Don Juan Tenorio" (1908), "Don Joan de Serrallonga" (1910), "Justicia del rey Felipe II" (1910) o "Don Pedro el Cruel" (1912).Otra firma fue la fundada por Andreu Cabot, Iris Films, que se especializó en melodramas sentimentales bien realizados.

Otro pionero del cine, de origen también aragonés, fue Segundo de Chomón, quien, entre 1902 y 1905, filmó en Cataluña varios films, entre los que cabe destacar "El hotel eléctrico" (1905), obra maestra del cine de trucajes, de algunos de los cuales este genio fue su inventor.

En los comienzos de la industria, aún no existía una diferenciación entre productor y exhibidor; la figura de este último estaba por crearse porque las copias de las películas no se alquilaban sino que se vendían o se intercambiaban. Más tarde, cuando tal figura ya formaba parte de la industria, durante la primera década de nuestro siglo el número de salas de exhibición cinematográfica -que fueron sustituyendo a las barracas de feria- creció vertiginosamente; en Barcelona, comienzan a superar las de teatro. Como tal industria empiezan los problemas entre sus miembros o con la Administración; se funda el Sindicato de Cinematografistas de Cataluña, por parte de los trabajadores de la industria, para defender los intereses de los trabajadores y empresarios.

También en estos primeros años, la mayoría de la clase política, ideológica, eclesiástica e intelectual desprecia el cine, incluso lo teme o, simplemente, lo ignora.

A partir de 1908, lo que antes básicamente había sido un entretenimiento para los más iletrados, se convierte en un espectáculo de masas, gracias al estreno de mejores películas y al perfeccionamiento de las salas. Al principio, el género documental fue el más bien acogido; los rincones de casi todo el planeta aparecían ante los ojos del espectador, imposible de ver de otro modo para la gran mayoría. Por otra parte, para los productores era más económico realizar documentales que no films de ficción. Pero, poco a poco, el teatro-filmado cómico fue ganando terreno; la mayor parte de sus argumentos se inspiraban en el sainete ochocentista, pero con mejores resultados espectaculares debido a los medios propios del cine: escenarios naturales, exteriores, trucajes...

Los films que van apareciendo durante este período se basan en el melodrama, básicamente de temática social, en las fuentes literarias, sobre todo teatrales, y en la zarzuela. Respecto a los títulos basados en obras literarias, una nueva tendencia, el "film d'art" -teatro filmado pero al menos con obras y actores famosos- deja su influencia entre los realizadores locales y los resultados son mejores. Tales obras filmadas buscan más lo emotivo y sentimental -aspectos universales- que no lo intelectual. Los temas serán los vicios, las relaciones sentimentales ilícitas, los hijos naturales, los amores contrariados por las diferencias sociales, etc. Muestra de ello son los films de Gelabert "Corazón de madre" (1908) y "Amor que mata" (1908).

Junto a los cineastas ya citados -Gelabert, Chomón, Baños y Marro-, Narcís Cuyàs destacó por haber trabajado con grandes actores de la escena, como Margarida Xirgu, Jaume Torras y Enric Giménez. Otros realizadores del momento fueron

Antoni de P.Tramullas, que se especializó en documentales y noticiarios, y Josep Gaspar que filmó los hechos de la "Semana Trágica de Barcelona" (1909).

http://es.wikipedia.org/wiki/Fructu%C3%B3s_Gelabert

Fructuós Gelabert

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Fructuós Gelabert (Barcelona, 15 de enero de 1874 - 27 de febrero de 1955) fue un pionero dentro del cine español y es el director de lo que se puede considerar la primera película española con argumento, Riña en un café (1897).

Hasta esta película de Gelabert, sólo se habían filmado fragmentos de tipo documental, como la Salida de la misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza, la Plaza del puerto en Barcelona o la Llegada de un tren de Teruel a Segorbe.

Hijo de un ebanista mallorquín, su familia se traslada al barrio de Sants, donde el padre abrirá un taller. Fructuós aprende el oficio de su padre, pero se interesa también por la fotografía y empieza a trabajar con los hermanos Napoleón, que son dueños de un importante estudio de fotografía en Barcelona.

En 1895 asiste a la proyección del kinetoscopio, invento de Edison para representar imágenes en movimiento y desde ese momento se aficionará a las linternas mágicas y a todo tipo de instrumentos que sirvan precisamente para presentar imágenes en movimiento. Al año siguiente asiste a las sesiones del cinematógrafo Lumière y ve, entre otras películas, El regador regado, con la que decide que su futura ocupación será precisamente el cine.

En 1897, y utilizando una cámara que se había construido él mismo, rueda Riña en un café, además de diversos documentales que mostraban a gente saliendo de misa o de una fábrica. Con todo ello y algunas películas de los hermanos Lumière lleva a cabo lo que se puede considerar el primer estreno en Barcelona. Al año siguiente realiza la que se puede considerar la primera obra de animación del cine español: Choque de dos trasatlánticos(1898).

En los años siguientes se dedica de lleno al cine: rueda documentales (incluso exporta algunos) e inventa dispositivos. En 1906 rechaza la propuesta para irse a trabajar a los Estados Unidos y sigue rodando películas (que lamentablemente en su mayor parte se han perdido). En 1928 filma su última película, La puntaire, que fracasa debido a que ya el cine sonoro se ha extendido por todas partes.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Fructu%C3%B3s_Gelabert"

SEGUNDO DE CHOMON

http://www.datazine.net/chomon.htm

Pau Roig Ros

 

Pese a ocupar un lugar destacado en la historia del cine de los años diez y veinte, no sólo en España sino también en Francia e Italia, la figura del cineasta de Teruel Segundo de Chomón (1871–1929) sigue resultando prácticamente desconocida para el gran público. Director, técnico de iluminación y de fotografía, especialista en trucajes y revelado, pionero del cine fantástico y del cine de animación a escala mundial, Chomón fue una de las personalidades más relevantes –y fascinantes– de los primeros treinta años de existencia del séptimo arte y trabajó al lado de algunos de los directores europeos más importantes del período.

1. Los inicios

Sabemos pocas cosas de la adolescencia y la juventud de Segundo de Chomón. Hijo de un médico nacido en Teruel en 1871, cursó estudios secundarios y trabajó como escrivente y delineante antes de trasladarse a París a mediados de 1895, pocos meses antes de la presentación oficial del cinematógrafo Lumière. Allí se casaría con la actriz de teatro y vodevil Julienne Alexandre Mathieu (nacida el 1874), presencia ineludible después de buena parte de su obra, y vería nacer a su hijo Robert en 1897. Ese mismo año, Chomón abandona la capital francesa en mayo de 1897 para alistarse como voluntario en la guerra de España contra los Estados Unidos, y no volverá a París hasta principios de 1899. Cuando Chomón vuelve a Francia, Julienne ya ha intervenido como actriz en algunas películas y trabaja en el taller de coloreado a mano de películas fotograma a fotograma fundado por Georges Méliès en 1897. Chomón empezará a trabajar en el taller de manera casi inmediata, preludio de la que será una de sus obsesiones más grandes hasta el momento de su muerte: el cine en color. Su habilidad y dedicación le llevarán a idear poco tiempo después un revolucionario sistema de coloreado a mano conocido con el nombre de pochoir, que después, con ligeras evoluciones, sería patentado por Charles Pathé con la denominación Pathécolor.

 

2. España, las primeras películas

El Cinematógrafo Lumière había llegado a España, concretamente a Barcelona, el 10 de diciembre de 1896, y la primera sala permanente de la península se abriría en la misma ciudad en el año 1897. Dos de las primeras compañías cinematográficas españolas más o menos estables son la sociedad Films Barcelona (Diorama), y la sociedad Macaya y Marro, concesionaria en España de la Pathé fundada por Albert Marro y los hermanos Ramon y Ricard Baños.

A partir de 1901, Chomón realiza viajes cada vez más frecuentes a Barcelona, donde rueda las que se consideran sus primeras películas como director, diferentes vistas de las montañas de Montserrat y del Tibidabo de Barcelona. En esta ciudad Chomón conoce a Albert Marro y a los hermanos Baños,

futuros productores de algunos de los filmes que rodará en los años siguientes. La primavera de 1902 Chomón abandona París y se traslada a Barcelona, donde ejerce de representante comercial de la casa Pathé y se encarga de la traducción de los rótulos franceses al castellano y del coloreado de películas. Desde ese mismo año Chomón se dedica también con gran interés a la realización de filmes con una especial predilección por los trucajes y los efectos, como Choque de trenes (1902), combinación de filmaciones de trenes reales con elaboradas maquetas, Pulgarcito (1903) o Gulliver en el país de los gigantes (1904), adaptaciónes de los populares cuentos de Charles Perrault y Jonathan Swift, respectivamente, filmes con trucos bastante avanzados para la época. El cineasta aragonés rueda también para Macaya y Marro diversos sainetes cómicos, género en el que destaca especialmente Los guapos del parque (1904), e incluso espectaculares filmes de carácter bélico, como Los sitios de Chile, dotado de maquetas y efectos pirotécnicos sobreimpresionados. En estos años, Chomón también participa activamente en espectáculos modernistas coordinados por Adrià Gual, que incorporaban el cine a otras manifestaciones artísticas en la Sala Mercè de Barcelona. Investigando las relaciones entre el cine y el teatro, Chomón experimentó en estos espectáculos las posibilidades del cine sonoro, con un grupo de actores escondidos detrás de la pantalla que ponían voz y sonido a las imágenes proyectadas. Con Eclipse de sol (1905), Chomón introduce en España el «paso de manivela», es decir, la filmación fotograma a fotograma, que permite en los intervalos de la filmación la alteración de la posición o la desaparición de los objetos situados delante la cámara. El otoño de este mismo año, 1905, Chomón vuelve a París.

LA CASA HECHIZADA (1906)

 

3. Charles Pathé, el primer magnate de la industria del cine

Charles Pathé (1863-1957) había fundado en París en 1896 la Societé Pathé Frères, que entre 1903 y 1909 se convertiría en una de las compañías cinematográficas más grandes que han existido, llegando incluso a absorber a las principales compañías de la competencia (caso de la casa Star Film de Georges Méliès, que acabaría sus días en el olvido y la pobreza). Al producir y distribuir sus propias películas para exhibirlas en salas de cine de su propiedad, Pathé sería la primera compañía cinematográfica en integrar verticalmente las tres diferentes ramas en las que se divide la industria del cine (producción, distribución y exhibición), modelo industrial que se sigue utilizando en la actualidad. La compañía francesa también fabricaba su propia película virgen a un precio muy económico y disponía de un gran estudio a Vincennes donde podían trabajar hasta cuatro directores a la vez en películas distintas. La vertiente artística de la compañía estaba a cargo de Ferdinand Zecca (1864-1947).

En su retorno a París en 1905 Chomón encontrará en la Pathé todo lo necesario para investigar y poner en práctica sus innovaciones técnicas y su

pasión por la experimentación, que irán desde la filmación fotograma a fotograma, los planos zenitales y los movimientos invertidos hasta los encadenados, la utilización de los caches, las tomas de diferentes proporciones y las sobreimpresiones. La libertad que tenía Chomón en la Pathé y las excepcionales condiciones de trabajo de la compañía (empezando por el coste muy reducido de la película virgen) explican en buena parte la frenética actividad del cineasta español en diversos campos, no sólo en dos de los géneros de más éxito en la época, como son los filmes «fantasmagóricos» y las escenas de transformaciones, sino también en el terreno de la animación, con títulos como El castillo encantado (1908) y El sueño del cocinero (1909), los muñecos articulados –El teatro del pequeño Bob (1908)– y las sombras chinescas, apartado en el que destacan Ladrones nocturnos (1905) o La casa hechizada (1906), filme precursor de las transparencias, técnica que consiste en proyectar imágenes en una pantalla situada detrás de los actores. Como director o como operador y responsable de los efectos especiales para otros directores de la compañía, el trabajo de Chomón en la Pathé brilla especialmente en los filmes de carácter fantástico, los filmes «fantasmagóricos» (a veces también llamados «feéricos»), poblados por brujas, diablos, infiernos, dragones y cavernas, fantasmas, castillos, monstruos y pesadillas, y también en los filmes «de transformaciones», más alegres y coloristas, de ambientes y personajes más positivos, con hadas, fantasías arábigas, viajes planetarios, equilibristas orientales y apoteosis florales. Entre estos destacan especialmente La gallina de los huevos de oro (Albert Capellani, 1905), El hijo del Diablo (Charles Lucien-Lépine, 1906), Satán se divierte (1907) y El hotel eléctrico (1908), muy influenciada por un trabajo anterior del norteamericano James Stuart Blackton, The haunted hotel (1906). De unos 140 metros de duración, El hotel eléctrico es la película más conocida de Chomón, y recoge buena parte de su repertorio de trucos, muchos de los cuales continúan resultando sorprendentes hoy en día. El filme presenta a un matrimonio que llega a un revolucionario hotel en el cual todo se realiza de forma automática: las maletas van por sí solas hasta el ascensor y del ascensor hasta la habitación: pañuelos, camisas y pantalones se van colocando ordenadamente dentro del armario, los zapatos del hombre se deshacen solos y son limpiados por un cepillo dotado de vida propia; un peine peina por sí solo el cabello de la mujer (papel interpretado por la mujer de Chomón, Julienne). Las cosas empiezan a ir mal, no obstante, cuando el operario del hotel encargado de la animación de los objetos comienza a manipular los controles bajo el efecto del alcohol y el hotel se convierte en una casa de locos en el cual todos los objetos se mueven solos. El trabajo técnico de Chomón brilla también con luz propia en la monumental recreación de la pasión de Jesucristo producida por la Pathé en la misma época, La vie et la passion de Nôtre Seigneur Jesuschrist (Lucien Nonguet, 1906-1907), formada por 43 cuadros (escenas) diferentes. Chomón se encargó de todos los trucajes, con momentos muy conseguidos para la época, como la imagen de Jesús caminando por encima de las aguas, la transfiguración, la ascensión o la anunciación a los

pastores, y también de la fotografía y los movimientos de cámara, consiguiendo realizar diversos travellings montando la cámara sobre ruedas de patines.

SATAN SE  DIVIERTE (1907)

 

4. Regreso a España

Chomón vuelve a Barcelona en 1909: después de trabajar en más de 150 películas, la Pathé no le renueva el contrato. La compañía francesa ha conseguido absorber a su principal competidor en el terreno del cine «fantasmagórico» y de transformaciones, Georges Méliès, y con la creación en Francia de la compañía Film D’Art en 1908 los máximos responsables de la industria cinematográfica apuestan de manera decidida por acercar el nuevo arte a las clases más acomodadas y a los intelectuales de la época con adaptaciones literarias y teatrales de obras clásicas. A pesar de suponer un evidente retroceso en el terreno técnico y visual, las producciones de la Film d’Art, pronto imitadas en todo el mundo, supondrán un importante paso hacia la consecución de la narratividad y de la articulación de los diferentes elementos fílmicos que dará lugar muy poco tiempo después a la aparición de los primeros largometrajes.

La industria del cine en España prácticamente no ha evolucionado desde la última vez que Chomón residió en Barcelona, y de regreso a esta ciudad encontrará muchas dificultades. El cineasta aragonés encamina así sus esfuerzos en dirección a un tipo de cine de carácter populista y castizo, basado en zarzuelas, sainetes y dramas, y con este objetivo se asocia con Joan Fuster y abre el estudio Chomón/Fuster, para el cual realizará unas veinticuatro películas en poco más de veinte meses, inscritas en los géneros más diversos. Las limitaciones económicas, técnicas y comerciales del cine español, a años luz de las posibilidades y de la libertad creativa que había conocido en la Pathé, llevarán finalmente a Chomón a abandonar Barcelona y a trasladarse a Turín en 1912, contratado por Giovanni Pastrone, director artístico de la incipiente compañía cinematográfica Itala Film.

 

 

5. Itala Film y el cine de gran espectáculo

Si bien entre 1896 y 1905 la producción italiana estaba casi exclusivamente compuesta de imágenes documentales de actualidades, a partir de 1905 la producción había entrado en una fase ascendente que duraría hasta 1918. El desarrollo del cine, de hecho, había coincidido con un momento de notable expansión de la economía italiana, hecho que explica la rápida aparición y consolidación de compañías cinematográficas. El éxito obtenido en el extranjero por las producciones históricas rodadas en Italia fue notable y provocó una verdadera avalancha de producciones ambientadas y/o inspiradas en la antigüedad romana y en la época medieval y renacentista, entre las que destacan Los últimos días de Pompeya (1908) y Nerone (1909), dirigidas por Luigi Maggi, El infierno (Francesco Bertolini y Adolfo Padovan, 1911), basada en el célebre poema de Dante, y Jerusalén liberada (Enrico Guazzoni, 1911).

Con técnicos procedentes en su mayor parte de Francia, la compañía cinematográfica Itala Film de Turín (fundada en 1908) se había consolidado en muy poco tiempo como una de las principales productoras del país, especializándose desde sus inicios en producciones espectaculares de temática generalmente histórica. La vertiente artística de la productora corría a cargo del director Giovanni Pastrone (1883-1959), responsable de algunos de los filmes más relevantes producidos en Italia en esos años, como Giordano Bruno (1908), La máscara de hierro (1909) o La caída de Troya (1910).

Pastrone contratará a Chomón como operador y técnico en efectos especiales por la desorbitada cifra de mil liras al mes (los operadores más bien pagados de Italia cobraban en la época poco más de 150 liras al mes). Chomón no sólo vuelve a contar con absoluta libertad, sino que es el director de su propio equipo técnico, formado por cuatro personas, y centrado de manera específica en el trabajo de fotografía, iluminación y trucajes de las producciones de los directores de la compañía, entre los que destaca por encima de todos el propio Pastrone, máximo responsable de una de las mayores superproducciones del cine mudo italiano, Cabiria (Id., 1913-1914), filme de tres horas ambientado a finales del siglo III a.C. En Cabiria Chomón se encarga no sólo de la realización y filmación de maquetas, de los efectos de iluminación más complicados, de los efectos especiales y de las principales tareas de revelado y positivado, sinó también de los movimientos de cámara. La utilización sistemática y elaborada del llamado carrello (origen del actual travelling), es decir, la cámara en movimiento, es uno de los principales rasgos distintivos de Cabiria, que muestra así un cambio de actitud respecto a la lógica visual adoptada por el cine hasta entonces y que se traduce en lo que diversos críticos e historiadores han llamado «la conquista del espacio».

 

6. Los últimos años

El inicio de la Primera Guerra Mundial en mayo de 1915 afectará decisivamente el desarrollo de la industria cinematográfica italiana, y supondrá, en un período de tiempo relativamente corto, la hegemonía a escala mundial de la producción, la distribución y la exhibición norteamericana. El precio de la película cinematográfica virgen se multiplica por tres y los estudios de la Itala Film acaban convirtiéndose en hospital para atender a los heridos. En los años seguientes, una brutal crisis económica sacude la industria del cine italiano, que se traduce en una drástica reducción de la producción. Chomón, pese a todo, sigue colaborando regularmente con Giovanni Pastrone en algunas de sus producciones –El fuego (1915), La guerra y el sueño de Momi (1916), Hedda Gabler (1919)–, e incluso trabaja por libre asociado con la productora Albertini Film (1919-1921) creada por el acróbata italiano Luciano Albertini. Desde 1923, asociado con el ingeniero suizo Ernest Zollinger, trabaja en un sistema de cine en color por bicromía alterna, que le supondrá la medalla de oro de la Exposición Internacional de Fotografía, Óptica y Cinematografía de Turín. En 1926 se incorpora a la Societé du Film en Couleurs Keller-Dorian de París para seguir investigando la posibilidad del cine en

color, y a finales de los años veinte colabora en algunas producciones francesas, entre las que destacan La batalla (Edouard Emile Violet y Sessue Hayakawa, 1923), la gran superproducción Napoleón (1927) de Abel Gance o El negro que tenía el alma blanca (1926), del director español Benito Perojo, que será su último trabajo para la gran pantalla. Después de un viaje profesional a Marruecos para ensayar un nuevo procedimiento de cine en color para un film documental que se está rodando allí, Chomón caerá gravemente enfermo y morirá en París poco tiempo después, el 2 de mayo de 1929, a los 57 años de edad.

http://es.wikipedia.org/wiki/Segundo_de_Chom%C3%B3n

Segundo de Chomón

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Segundo de Chomón.

Segundo Víctor Aurelio Chomón y Ruiz (Teruel, 17 de octubre de 1871 - París, 2 de mayo de 1929) fue un cineasta español.

Destacó como director pionero del cine mudo y técnico de trucajes en películas como Cabiria (1914), de Giovanni Pastrone —conocido por su seudónimo Piero Fosco—, o Napoleón (1927), de Abel Gance.

Frecuentemente comparado con Méliès, por su gran calidad técnica y creatividad fue considerado uno de los grandes hombres del cine de su tiempo, siendo contratado por

las más importantes empresas cinematográficas de la época, como la Pathé Frères o la Itala Films.

o

Vida y obra

La casa hechizada (1906), de Segundo de Chomón

Pionero del cine (1895-1905)

Nacido en Teruel en 1871, Chomón emprende, al parecer, estudios de ingeniería, aunque se duda si los concluyó. Entre 1895 y 1897 hizo un viaje a París. En esta ciudad descubre el Cinematógrafo de los hermanos Lumière y conoce a la vedette Julienne Mathieu, con quien se casaría.

Entre 1897 y 1898 cumple el servicio militar en Cuba y a su regreso a París a fines de 1899 se interesa por el nuevo invento. Ayudando a su esposa, que trabajaba en los talleres de coloreado a mano fotograma a fotograma de las películas de Méliès, diseña unas plantillas de celuloide que facilitaban este trabajo y conseguían mayor precisión en la delimitación del color. Este sistema, con ligeros cambios, fue patentado más tarde por la casa Pathé con el nombre de «Pathécolor».

En 1902 se instala en Barcelona e inaugura un taller que comercializa su sistema de coloreado. Fabrica su propia cámara cinematográfica y filma una película en la que utiliza el trucaje de maquetas: Choque de trenes. Del mismo año data Monserrat.

Al año siguiente rueda varios cuentos fantásticos inspirados en los cuentos de la editorial Calleja, donde explora la doble exposición y las sobreimpresiones para conseguir en el mismo plano efectos de gigantismo en películas como Pulgarcito y Gulliver en el país de los Gigantes, ambas de 1903.

También en esta época perfecciona la técnica del paso de manivela, que consiste en obtener tomas fotograma a fotograma para comprimir el tiempo, y la utiliza en Eclipse de sol (1905).

En esta primera etapa barcelonesa, se asocia a Macaya y Marro, incipientes productores catalanes en la Hispano Films, que se dedicaban a filmar temas realistas populares o históricos. Para ellos realiza películas como Los guapos del parque, Se da de comer o Los sitios de Chile, todas del mismo año de 1905.

Francia y la Phaté (1906- 1909)

Satán se divierte (1907)

Viaja de nuevo a París contratado por la Pathé Frères, productora que, en este momento, es la más importante del mundo debido al monopolio que ejercía sobre el celuloide virgen. Volvió a España puntualmente para rodar la boda de Alfonso XIII, pero es en los estudios franceses donde realiza algunas de sus obras maestras. Lo hace como operador de cámara y director de trucajes para las películas fantásticas de la época, terreno en el que se había establecido un duelo cerrado con la productora de Méliès que se mantendría hasta finales de esta primera década del siglo. La Pathé, para competir con el mago del cine, recurrió al director Ferdinand Zecca y a Segundo de Chomón, entre otros cineastas.

De esta etapa son sus efectos especiales para La gallina de los huevos de oro (1905), dirigida por Albert Capellani; El hijo del diablo (1906), de Lépine y Excursión a la luna, El pescador de perlas y Vida y pasión de Nuestro Señor Jesucristo, todas ellas de Ferdinand Zecca. En esta última película aparece la utilización consciente del travelling en interiores sobre una plataforma con ruedas. La diferencia es sustancial, pues colocar la cámara en un medio de transporte (tranvía, barco o tren) era un procedimiento consabido desde las primeras cintas documentales de los reporteros contratados por los Lumière.

Hotel eléctrico (1908)

Alarde equilibrista, de 1908, se basa en tomas cenitales para fingir números de circo. El mismo año realiza Escultor moderno, El castillo encantado, El teatro de Bob y ya en 1909, El sueño de un cocinero, películas en las que desarrolla técnicas de animación, tanto de objetos como de dibujos y de animación de arcilla.

Pero su obra más conseguida para la Pathé es El hotel eléctrico, de 1908. Con 140 metros de longitud, supone la cumbre del procedimiento del paso de manivela, con el que se consigue dotar a los objetos de vida propia. En el mundo del progreso tecnológico, todo está automatizado en un hotel a la última, donde los cepillos peinan solos, los zapatos se atan sus cordones y todos los electrodomésticos de la suite trabajan por sí solos.

Otro título interesante de esta época es Una excursión incoherente (1909), que conecta con los primeros escarceos vanguardistas parisinos, que llevaron a cabo un grupo llamado los "Incoherentes", precursores de dadaístas y surrealistas.

Bases para una industria cinematográfica española (1910-1912)

En 1910 regresa a Barcelona, donde forma sociedad con el empresario de variedades Joan Fuster Garí. Con esta productora rodó un total de 37 películas de asunto popular. Las hay cómicas (Venganza de un carbonero, La fecha de Pepín), históricas (El ejemplo, Pragmática real, Justicias del rey don Pedro), melodramáticas (La expiación, Amor gitano, La manta del caballo, El puente de la muerte, La hija del guardacostas) y fantásticas (La gratitud de las flores).

Fotograma de una de sus películas realistas

También adapta sainetes y zarzuelas, contribuyendo a sentar las bases de un cierto cine español de alcance popular con títulos como Los guapos, El puñao de rosas, Las carceleras, La tempranica y El pobre Valbuena.

En junio de 1910 comienza a trabajar por cuenta propia para la casa Pathé, de la que es nombrado concesionario. Esta situación se materializa en títulos como Lucha fratricida o Nobleza Aragonesa, Los pobres de levita, Los dulces de Arturo, Una farsa de Colás o

Flema inglesa. En noviembre rompe con su socio Fuster, lo que le deja sin estudios de rodaje, circunstancia que aprovechará para rodar documentales como La heroica Zaragoza o Gerona: la Venecia española.

La Pathé acude en su auxilio y obtiene para él un estudio-productora a su medida, la "Ibérico", para la que realiza once películas entre agosto de 1910 y marzo de 1912. En él se producen avances técnicos muy importantes, lo que se observa en la minucia de los detalles técnicos que contienen los guiones autógrafos conservados. Sus estructuras narrativas ganan en complejidad haciéndose progresivamente más elaboradas. Las escaletas de montaje de filmes como El talismán del vagabundo o Soñar despierto prevén una amplia gradación en la escala de planos y estudiados efectos de raccord o continuidad cinematográfica. También flash-back o analepsis y flash-forward o prolepsis y montajes de acciones paralelas en persecuciones.

También de esta etapa es su colaboración en El gusano solitario (Escamillo à le ver solitaire) de 1912, con un filme del más importante de los cómicos del cine mudo de esta época, el francés André Deed. Solo Max Linder después y la Gran Guerra, sumirían en el olvido el cine cómico europeo, asolado tras el conflicto mundial. Se trató de una película delirante, llena de situaciones absurdas, efectos de cámara y trucajes, de los que se encargó con gran solvencia Segundo de Chomón.

Italia y la Itala Films (1912 - 1923)

Cartel de Cabiria (1914)

En la primavera de 1912 acepta la oferta de la turinesa "Itala Films" de Pastrone para trabajar como operador técnico en efectos especiales. Participa en varios títulos del empresario, productor y director italiano, empezando por Padre (1912). Sin embargo, destaca especialmente su labor para la gran superproducción de 1914 Cabiria, donde Chomón, como director de los trucajes y primer operador de cámara, tuvo una participación muy relevante. Como ejemplo, cabe decir que realizó la secuencia de la erupción del Etna, y el resultado fue de un gran realismo, recurriendo para ello al efecto schüfftan, llamado así por su inventor, Eugen Schüfftan, que consiste en impresionar solo una parte del fotograma, habitualmente utilizando maquetas. También perfeccionó el travelling en interiores sobre rieles para dar magnificencia a los decorados de los templos orientales y desarrolló la iluminación expresionista, que dotaba de relieve a los rostros de los actores y a los detalles del decorado.

En 1914 se desencadena la Primera Guerra Mundial, conflicto en el que entrará Italia al año siguiente. Esta conflagración provocará una profunda crisis de la industria cinematográfica europea que afectará al cine italiano debido, sobre todo, al extraordinario aumento de los costes del celuloide. Los estudios Itala Film serán reconvertidos en hospital. Pese a la disminución de la producción cinematográfica Chomón seguirá trabajando a las órdenes de Pastrone en películas como El fuego (1915), Tigre real (1916, La guerra y el sueño de Momi (1916), en la que aprovechó su experiencia para rodar animación de muñecos mediante el paso de manivela, o Hedda Gabler (1919).

Entre 1919 y 1921 se desvincula de la Itala para trabajar por cuenta propia como socio de la productora del artista de circo Luciano Albertini, Albertini Film.

Últimos trabajos (1923 - 1929)

En 1923 se traslada a París. Allí trabaja en colaboración con Ernest Zollinger, ingeniero suizo, en un sistema de cine en color por el que obtuvo la medalla de oro de la Exposición Internacional de Fotografía, Óptica y Cinematografía de Turín. Tres años después interviene en el rodaje de la gran superproducción del cine francés Napoleón (1927), de Abel Gance.

Su última coloboración fue en el cine español, para El negro que tenía el alma blanca (1926) de Benito Perojo, en la que se ocupa de la secuencia onírica en la que Concha Piquer sueña con un gigantesco simio.

Al final de su carrera experimentaría con sistemas de cine en color, como el desarrollo del procedimiento Keller-Dorian en 1928 en Marruecos. Allí contrae la enfermedad de la que murió al año siguiente en París.

Trascendencia de su obra cinematográfica Segundo de Chomón fue un técnico minucioso y perfeccionista, que invertía hasta meses en conseguir los efectos deseados, aunque duraran en pantalla pocos segundos. Fue uno de los más importantes pioneros del cine de fantasmagorías de la época silente, y su talento en estas películas llenas de fantasía solo es comparable al de Méliès. Por ello fue contratado por la productora cinematográfica más importante del mundo en esta época, la Pathé Frères, para trabajar con su director más importante, Ferdinand Zecca, y que los trucos de sus filmes pudieran competir con los del mago Mélíès.

A él se atribuye el desarrollo del paso de manivela, cuyo uso culmina en el Hotel eléctrico de 1908 y la utilización en decorados interiores, de modo absolutamente consciente, del travelling sobre una plataforma habilitada especialmente para este movimiento. Fue un genio de los trucajes, desde el coloreado de películas, pasando por todo tipo de efectos de la época, cuyo repertorio incluye la utilización de maquetas, efectos schüfftan, doble exposición, sobreimpresiones, pirotecnia, escamoteos y el ya comentado uso de la velocidad de paso de manivela.

También contribuyó a la creación de una industria nacional española de cinematografía, con sus etapas barcelonesas y sus películas de alcance popular: melodramas, zarzuelas,

dramas históricos y comedias. En resumen, se trata de uno de los más importantes cineastas internacionales por su contribución al desarrollo del arte cinematográfico en la etapa muda, que trabajó para los más importantes directores y productores de aquella época en Francia, Italia y España.

Filmografía selecta 1902: Choque de trenes, Monserrat. 1903: Pulgarcito, Gulliver en el país de los Gigantes.

1905: Eclipse de sol, Los guapos del Parque, La gallina de los huevos de oro, dirigida por Albert Capellani.

1906: El hijo del diablo (1906), dir. Lépine. Excursión a la luna, dirigida por Ferdinand Zecca.

1907: Vida y pasión de Nuestro Señor Jesucristo y El pescador de perlas, filmes de Ferdinand Zecca. La casa encantada, Satán se divierte, Les ombres chinoises, La Légende du Fantôme, Le Chevalier mystère.

1908: Hotel eléctrico, Alarde equilibrista, El escultor moderno, El castillo encantado, El teatro eléctrico de Bob, Mars, Cuisine magnétique, La Table magique, Transformation élastique.

1909: El sueño de un cocinero, Una excursión incoherente, Les Jouets vivants, Voyage au centre de la terre, Voyage dans la lune, Voyage au planète Jupiter.

1910: Amor Gitano, La expiación, El puente de la muerte, Venganza de un carbonero, La fecha de Pepín, La fatalidad, El ejemplo, Pragmática real, Justicias del rey don Pedro, La manta del caballo, La hija del guardacostas, La gratitud de las flores o Flores y perlas, Los guapos, El puñao de rosas, Las carceleras, La tempranica, El pobre Valbuena, Lucha fratricida o Nobleza Aragonesa, Los pobres de levita, Los dulces de Arturo, Una farsa de Colás, Flema inglesa, Gerona: la Venecia española, La heroica Zaragoza.

1911: Pulgarcito

1912: El talismán del vagabundo, Soñar despierto, El gusano solitario (film de André Deed). Padre, de Giovanni Pastrone (Itala Films).

1914: Cabiria.

1915: El fuego

1916: Tigre real

1917: La guerra y el sueño de Momi.

1919: Hedda Gabler.

1926: El negro que tenía el alma blanca (España), de Benito Perojo

1927: Napoleón (Francia), de Abel Gance.

http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/figuraschomon.htm

Segundo de Chomón: pionero y precursor

Segundo de Chomón fue uno de los directores pioneros del cine mudo.

Director, técnico de iluminación y de fotografía, especialista en trucajes y revelado, pionero del cine fantástico y del cine de animación fue una de las personalidades más relevantes –y fascinantes– de los primeros treinta años de existencia del séptimo arte y trabajó al lado de algunos de los directores europeos más importantes del período.

Fue, junto a los hermanos Lumière, George Méliès y Charles Pathé uno de los pioneros de la historia del cine. Impresionado por el descubrimiento del cinematógrafo, viajó a París en 1897 para poder estudiar el magnífico invento de cerca. A su vuelta a Barcelona fundó un estudio para la coloración de películas. En 1906 fue contratado por la empresa francesa Pathé, para la que realizó más de 100 cortometrajes. Chomón trabajó incansablemente en nuevos descubrimientos técnicos y efectos especiales que luego aplicaba a sus películas fantásticas. Sus colaboraciones en mitos del cine mudo como Cabiria de Pastrone o Napoleón de Gance le hicieron ganarse el apodo de «el Mèliés español».

Segundo de Chomón y Ruiz (Teruel, 1871- París, 1929)

 Nació en Teruel el 17 de octubre de 1871. Hijo de un médico militar aficionado a la fotografía. Cursó estudios secundarios (parece ser que obtuvo el título de ingeniero). Se trasladó a París a mediados de 1895, pocos meses antes de la presentación oficial del cinematógrafo Lumière, en donde se casó con la actriz de teatro y vodevil Julienne Alexandre Mathieu y nació su hijo Robert en 1897. Ese mismo año abandonó la capital francesa para alistarse como voluntario en la guerra de España contra los Estados Unidos, en la que participó en acciones bélicas y llegó a ser oficial.

  Cuando volvió a Francia, su esposa Julienne había intervenido como actriz en algunas películas y trabajaba en el taller de coloreado a mano de películas fotograma a fotograma fundado por Georges Méliès en 1897. Chomón empezó a trabajar en el taller de manera casi inmediata, preludio de la que será una de sus obsesiones más grandes hasta el momento de su muerte: el cine en color. Su habilidad y dedicación le llevaron a idear poco tiempo después un revolucionario sistema de coloreado a mano conocido con el nombre de «pochoir», que después, con ligeras evoluciones, fue patentado por Charles Pathé con la denominación Pathécolor.

 Pionero del cine español, aplicó su enorme imaginación al desarrollo del nuevo medio. Fundó la primera productora de cine española «Macaya y Carro» y de un taller de coloreado y rotulado en los que

La casa encantada (1906)

Satán se divierte (1907)

experimentaba los primeros filmes científicos. En España fue el creador del género zarzuelístico en el cine.

Fue a finales de 1900 cuando Segundo de Chomón decidió dedicarse plenamente a la actividad cinematográfica en dos vertientes: como especialista en la impresión de títulos españoles para las películas extranjeras que se importaban y en el coloreado a mano de las copias de filmes de intención fantástica o espectacular; a esas dos vertientes añadiríase en seguida otra tercera: la de realizador y operador al mismo tiempo.

Se dedicó con gran interés a la realización de filmes con una especial predilección por los trucajes y los efectos, como Choque de trenes (1902), combinación de filmaciones de trenes reales con elaboradas maquetas, Pulgarcito (1903) o Gulliver en el país de los gigantes (1904), adaptaciones de los populares cuentos de Charles Perrault y Jonathan Swift, respectivamente, filmes con trucos bastante avanzados para la época.

En esos años participó activamente en espectáculos modernistas coordinados por Adrià Gual, que incorporaban el cine a otras manifestaciones artísticas en la Sala Mercè de Barcelona. Investigando las relaciones entre el cine y el teatro, Chomón experimentó en estos espectáculos las posibilidades del cine sonoro, con un grupo de actores escondidos detrás de la pantalla que ponían voz y sonido a las imágenes proyectadas. Con Eclipse de sol (1905), Chomón introduce en España el «paso de manivela», es decir, la filmación fotograma a fotograma, que permite en los intervalos de la

La gallina de los huevos de oro 1905

filmación la alteración de la posición o la desaparición de los objetos situados delante la cámara. El otoño de este mismo año, 1905, Chomón vuelve a París.

Fue contratado por Pathé para competir con Georges Méliès realizando numerosas películas fantásticas. Chomón encontrará en la Pathé todo lo necesario para investigar y poner en práctica sus innovaciones técnicas y su pasión por la experimentación, que irán desde la filmación fotograma a fotograma, los planos zenitales y los movimientos invertidos hasta los encadenados, la utilización de los caches, las tomas de diferentes proporciones y las sobreimpresiones. La libertad que tenía Chomón en la Pathé y las excepcionales condiciones de trabajo de la compañía (empezando por el coste muy reducido de la película virgen) explican en buena parte la frenética actividad del cineasta español en diversos campos, no sólo en dos de los géneros de más éxito en la época, como son los filmes «fantasmagóricos» y las escenas de transformaciones, sino también en el terreno de la animación, con títulos como El castillo encantado (1908) y El sueño del cocinero (1909), los muñecos articulados y las sombras chinescas, apartado en el que destacan Ladrones nocturnos (1905) o La casa hechizada (1906), filme precursor de las transparencias, técnica que consiste en proyectar imágenes en una pantalla situada detrás de los actores.

Como director o como operador y responsable de los efectos especiales para otros directores de la compañía, el trabajo de Chomón en la Pathé brilla especialmente en los filmes de carácter fantástico, los filmes

«fantasmagóricos» (a veces también llamados «feéricos»), poblados por brujas, diablos, infiernos, dragones y cavernas, fantasmas, castillos, monstruos y pesadillas, y también en los filmes «de transformaciones», más alegres y coloristas, de ambientes y personajes más positivos, con hadas, fantasías arábigas, viajes planetarios, equilibristas orientales y apoteosis florales. Entre estos destacan especialmente La gallina de los huevos de oro (Albert Capellani, 1905), El hijo del Diablo (Charles Lucien-Lépine, 1906), Satán se divierte (1907) y El hotel eléctrico (1908), muy influenciada por un trabajo anterior del norteamericano James Stuart Blackton, The haunted hotel (1906).

El trabajo técnico de Chomón brilla también con luz propia en la monumental recreación de la pasión de Jesucristo producida por la Pathé en la misma época, La vie et la passion de Nôtre Seigneur Jesuschrist (Lucien Nonguet, 1906-1907), formada por 43 cuadros (escenas) diferentes. Chomón se encargó de todos los trucajes, con momentos muy conseguidos para la época, como la imagen de Jesús caminando por encima de las aguas, la transfiguración, la ascensión o la anunciación a los pastores, y también de la fotografía y los movimientos de cámara, consiguiendo realizar diversos travellings montando la cámara sobre ruedas de patines.

A partir de 1912 trabajó en Italia, en la Itala Film. La vertiente artística de la productora corría a cargo del director Giovanni Pastrone (1883-1959), que contrató a Chomón como operador y técnico en efectos especiales por la desorbitada cifra de

mil liras al mes (los operadores más bien pagados de Italia cobraban en la época poco más de 150 liras al mes). Chomón no sólo vuelve a contar con absoluta libertad, sino que es el director de su propio equipo técnico, formado por cuatro personas, y centrado de manera específica en el trabajo de fotografía, iluminación y trucajes de las producciones de los directores de la compañía, entre los que destaca por encima de todos el propio Pastrone, máximo responsable de una de las mayores superproducciones del cine mudo italiano, Cabiria, (1914), filme de tres horas ambientado a finales del siglo III a.C. En Cabiria , Chomón se encarga no sólo de la realización y filmación de maquetas, de los efectos de iluminación más complicados, de los efectos especiales y de las principales tareas de revelado y positivado, sino también de los movimientos de cámara. La utilización sistemática y elaborada del llamado carrello (origen del actual travelling), es decir, la cámara en movimiento, es uno de los principales rasgos distintivos de Cabiria, que muestra así un cambio de actitud respecto a la lógica visual adoptada por el cine hasta entonces y que se traduce en lo que diversos críticos e historiadores han llamado «la conquista del espacio».

Filmó en Marruecos y Túnez. Los directores más importantes de la época como Zecca, Pastrone y Gance se lo disputaban. Su último trabajo fue la colaboración técnica en el Napoleón de Abel Gance. Murió en París el 2 de mayo de 1929.

  El hotel eléctrico. Prodigio del cine de animación

El hotel eléctrico -1905- (una de las obras maestras de Chomón), planteaba muchas dificultades, felizmente resueltas por el realizador aragonés. Estamos en los tiempos de las técnicas avanzadas y en este hotel se ha suprimido el servicio de criados. Todo se hace mediante maquinarias. Se oprime un botón y aparecen unas manos que manejan un cepillo para lustrar los zapatos, otro botón deshace la maleta, otro, viste al caballero. La electricidad es la magia que realiza los trabajos del hombre. El humor y el ingenio (también el asombro), eran las peculiaridades más acusadas de El hotel eléctrico, rodada en Barcelona en 1906.

De unos 140 metros de duración, es la película más conocida de Chomón, y recoge buena parte de su repertorio de trucos, muchos de los cuales continúan resultando sorprendentes hoy en día. El filme presenta a un matrimonio que llega a un revolucionario hotel en el cual todo se realiza de forma automática: las maletas van por sí solas hasta el ascensor y del ascensor hasta la habitación: pañuelos, camisas y pantalones se van colocando ordenadamente dentro del armario, los zapatos del hombre se deshacen solos y son limpiados por un cepillo dotado de vida propia; un peine peina por sí solo el cabello de la mujer (papel interpretado por la mujer de Chomón, Julienne). Las cosas empiezan a ir mal, no obstante, cuando el operario del hotel

encargado de la animación de los objetos comienza a manipular los controles bajo el efecto del alcohol y el hotel se convierte en una casa de locos en el cual todos los objetos se mueven solos.

Lo que aportó Segundo de Chomón al cine

Creó el «paso de manivela». Según Fernández Cuenca, «Blackton realizó para la Vitagraph su película , en la que se veía a objetos inanimados desplazándose por sí solos. El filme tuvo mucho éxito en Estados Unidos y no tardó en llegar a Francia, en donde produjo sorpresa y entusiasmo. Los productores franceses, al ver la película The Haunted Hotel, quedaron atónitos ante el prodigio, al que en seguida dieron el nombre de movimiento americano. León Gaumont movilizó a sus técnicos para que a toda costa descubriesen el sistema que permitía lograr tales juegos increíbles. Pathé, sin embargo, no tenía que preocuparse, pues era Segundo de Chomón el inventor de aquella maravilla. Lo que los americanos llamaban one turn, one picture y los italianos denominarían sin tardanza como giro ad uno, era el paso de manivela creado por Chomón».

Se habló siempre de que Chomón inventó el travelling, que aplicó por primera vez en La Vie et la Passion de N.S. Jésus-Christ. El historiador y crítico italiano Lino Lionello Ghirardini, en

Le Scarabée d’or (The Golden Beetle, 1907)

Les kiriki 1907

La fée printemps

su Storia Generale del Cinema (Milán, 1959), dedica toda una página a la enumeración de los descubrimientos y hallazgos del ilustre turolense. «El gran mérito de Pastrone (Piero Fosco), fue parcialmente compartido -dice Ghirardini- por las invenciones del operador del film, el español Segundo de Chomón, maestro en efectos especiales, con las siguientes innovaciones: El travelling, que ensaya el 5 de agosto de 1912 (ignora Ghirardini que ya había sido utilizado por Chomón anteriormente), y sucesivamente perfecciona; la aplicación estética de la luz artificial, que en Cabiria sirve principalmente para «modelar» el rostro de los actores y crear determinado ambiente o ciertos efectos especiales, como el que procede de la iluminación desde la base de un decorado de dimensiones normales; el uso funcional de la panorámica; el ritmo continuo de las tomas cinematográficas y la fijeza de la imagen sobre la pantalla». Resulta grato que sea un italiano quien haga justicia a Chomón, cuando tantos intentos hubo de minusvalorar su trabajo o silenciar su colaboración.

Trabajó en un sistema de cine en color por bicromía alterna. Desde 1923, asociado con el ingeniero suizo Ernest Zollinger, trabaja en un sistema de cine en color por bicromía alterna, que le supondrá la medalla de oro de la Exposición Internacional de Fotografía, Óptica y Cinematografía de Turín. En 1926 se incorpora a la Societé du Film en Couleurs Keller-Dorian de París

para seguir investigando la posibilidad del cine en color, y a finales de los años veinte colabora en algunas producciones francesas, entre las que destacan La batalla (Edouard Emile Violet y Sessue Hayakawa, 1923), la gran superproducción Napoleón (1927) de Abel Gance o El negro que tenía el alma blanca (1926), del director español Benito Perojo, que será su último trabajo para la gran pantalla.

Practicó e innovó toda clase de efectos especiales. Fue el primero que realizó cine científico y el de reconstrucción histórica, inventó el género cómico de las persecuciones, utilizó con mucho éxito la unión entre imagen real y maquetas, las sobreimpresiones sobre fondos transparentes, construyó cámaras especializadas, desarrolló la técnica del dibujo animado, coloreó a mano, fotograma a fotograma, diseña unas plantillas de celuloide que facilitaban este trabajo y conseguían mayor precisión en la delimitación del color. Este sistema, con ligeros cambios, fue patentado más tarde por la casa Pathé con el nombre de «Pathécolor».

El negro que tenía el alma blanca

España, 1927

Director: Benito Perojo

Guión: Benito Perojo

Fotografía: Georges Asselin, Segundo De Chomón

Intérpretes: José Aguëras, Joaquín Carrasco, Andrews Engelmann, Valentín Parera, Concha Piquer, Raymond De Sarka

Narra la historia de un negro descendiente de esclavos que, procedente de La Habana, se instala en Madrid decidido a hacerse un nombre entre los bailarines que animan las veladas de los cabarets y teatros en los

que pasan sus muchas horas de asueto los señoritos de la Villa y Corte.

Es la última colaboración en el cine de Segundo de Chomón, con la secuencia onírica en la que Concha Piquer sueña con un gigantesco simio.

La voyage dans la lune (1909)

Segundo de Chomón

Pionero de la animación (Resumido de Xavier Berenguer)

El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se produjo unos diez años más tarde, el 1905. 

En el París de Chomón florecían las vanguardias artísticas y también las cinematográficas. Allí vivía un dibujante de comics, Emile Cohl, que al ver la casa encantada de Blackton imaginó nuevas posibilidades para aquel tipo de cine. Con la misma técnica del registro fotograma a fotograma, Cohl realizó a continuación Fantasmagoria, film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo. Mientras que en el film de Blackton la animación es subsidiaria de argumentos y de escenarios reales, Cohl, en cambio, abre el camino de la fantasía y de los mundos oníricos. Cohl, además, no animaba objetos sino caracteres autónomos con

Une excursión incoherente 1910

personalidad propia, de ahí que se le considere el precursor específico de los cartoons.

Winsor McCay era también un dibujante de comics, autor de una famosa tira del New York Herald, el pequeño Nemo. Además de dibujar, McCay se dedicaba a escribir y a producir teatro de vodevil. Buscando variedad y originalidad para sus espectáculos, McCay se interesó por el cine de animación y se puso en contacto con el propio Blackton. El resultado fue el estreno, en 1911, de un vodevil en el cual, en un momento dado, sobre una pantalla aparecía el popular Nemo en movimiento, con alma.

Más allá de los materiales puestos delante de la cámara (objectos, monigotes articulados, figuras de barro, siluetas o acetatos) la clave del género iniciado por Chomón, Blackton, Cohl y McCay reside en el mecanismo de control del paso de la manecilla de la cámara mediante el cual se podía trucar el tiempo y el movimiento de les imágenes.

En el cine normal el movimiento de les imágenes es persistente, la película tiene la facultad de registrarlo; cada fotograma es un instante congelado de este movimiento. En cambio, en el cine de animación el movimiento no existe previamente sino que se crea durante la proyección. De aquí la habilidad esencial requerida a un animador: saber imaginar el movimiento. Norman MacLaren lo expresó diciendo que el cine de animación es, sobre todo, "el movimiento dibujado, no unos dibujos que se mueven". 

Con la invención del paso de manecilla Chomón estableció los principios fundamentales de la animación. Después Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos animados -o de las animaciones dibujadas. McCay, por su parte, representa la ambición artística de la animación, una ambición que desgraciadamente ha tenido muchos menos seguidores. 

Estos precursores del cine de animación son también los precursores de la animación por ordenador, que es la forma contemporánea del género. Los principios son exactamente los mismos; sólo cambian, se podría decir, las apariencias. 

Puestos a escoger un único padre del cine de animación, este sería Segundo de Chomón, porque está claro que lo inventó más o menos al mismo tiempo que Blackton, pero hizo un uso del mismo mucho más variado. Además, en el legado de Chomón hay otras importantes contribuciones al cine, como ser el precursor del travelling, un excelente oficio como director de fotografía y una obra extensa e imaginativa. 

Además, Chomón sería el abuelo de la animación por ordenador. En su film La licuefacción de los cuerpos duros, de 1909, se ve un actor que se deforma y se convierte primero en un monigote de alambre y al final en una masa informe.

RICARD BAÑOS

http://www.cartelera10.com/directores/el-catalan-ricard-de-banos.html

El catalán Ricard de Baños (1882-1939) marchó a París a principios de siglo para aprender el nuevo oficio del cine en la productora Gaumont. De regreso a su Barcelona natal en 1904 debutó como documentalista, rodando escenas de zarzuelas sonorizadas con discos como El dúo de la Africana y Bohemios. Más tarde se asociaría con su hermano Ramón de Baños, instalando un laboratorio para el revelado y tiraje de copias ; comenzando a trabajar para la productora Hispano Films.

La mejor etapa de los hermanos Baños es la segunda mitad de los años diez. Gracias al éxito obtenido por La Malquerida (1914), primera adaptación de la obra teatral homónima de Jacinto Benavente, consiguen la fuerza económica suficiente para separarse de Alberto Marro y en 1916 crean la productora Royal Films. Según la creciente moda de la época comienzan a realizar largometrajes, con dirección de Ricard de Baños y fotografía de Ramón de Baños, para su nueva productora. Ruedan El idiota de Sevilla (1916), Sangre y Arena (1916), primera versión de la novela del mismo nombre de Vicente Blasco Ibáñez codirigida por el propio autor, Juan José (1917), sobre el drama de Joaquín Dicenta, La sombra del polaco (1917), Fuerza y nobleza (1918), La cortina verde (1920), Don Juan Tenorio (1921), sobre el famoso drama romántico de José Zorrilla. Pero entre todas estas películas destaca Los Arlequines de Seda y Oro.

Posteriormente, Ricard de Baños sólo trabaja como director de fotografía, tanto en solitario como en compañía de su hermano. Sin embargo, dirige una última película, El relicario (1933), la única sonora de su filmografía, pero su fracaso le hace retirarse. Cosa que no impide que sea uno de los más importantes pioneros del cine español.

CHARLES PATHÉ

http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Path%C3%A9

Charles Pathé

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Charles Pathé fue un importante productor cinematográfico francés, nacido el 25 de diciembre de 1863 en un pueblo llamado Chevry-Cossigny (Francia). Falleció en Monte-Carlo (Mónaco) el 25 de diciembre de 1957.

Biografía Nacido en una modesta familia de origen alsaciano, Charles Pathé llegó a convertirse en el más importante empresario del cine mudo. Su padre, ex corcero de la Guardia Imperial de Napoleón III, montó una salchichería que no le dio demasiada fortuna. Debido a la difícil situación económica de su familia, su infancia fue difícil y muy problemática. Cumplido el servicio militar, se embarcó con un grupo de emigrantes armenios rumbo a tierras americanas. Dos años después volvió a Francia, arruinado y contagiado por la fiebre amarilla. Una vez en su patria, adquirió un restaurante y se casó.

Fue en el año 1894 cuando Pathé empezó su andadura en el mundo cinematográfico. Mientras recorría en bicicleta la feria de Vincennes asistió a una audición del fonógrafo de Edison. Tras conseguir prestados 700 francos, adquirió un fonógrafo y montó un negocio de venta de cilindros fonográficos y kinetoscopios. Pathé se adentró de lleno en la producción y comenzó a grabar cilindros con un qp d tes y músicos. Durante esta época conoció al ingeniero Henry Joly, quien le propuso crear un aparato tomavistas. Dado que el prototipo resultó ser demasiado caro, Pathé decidió separarse de Joly. Sin embargo, Pathé se quedó con todo el material, que él había financiado. Tras el éxito de su pequeña empresa de fonógrafos, se asoció con su hermano Émile y fundó la compañía cinematográfica Phaté Fréres el 28 de septiembre de 1896. Mientras Charles se centró en el cine, su hermano se dedicó a la rama fonográfica. El icono de dicha empresa, el famoso gallo, se exportó por toda Europa y resto del planeta.

El padre de la industria cinematográfica

Como Edison hizo en Estados Unidos, Charles Pathé fue el pionero en la industrialización del cine en Francia. En sus películas aplicó una fórmula para atraer a todo tipo de espectador. Su gran eficacia se debió a las llamadas "escenas dramáticas realistas", en las cuales aparecían los crímenes del Museo de Cera Grévin o los pasajes más violentos de L'assommoir de Émile Zola sobre las víctimas del alcohol. Esta tendencia al realismo sentó las bases para futuros movimientos cinematográficos,como el realismo poético francés y el neorrealismo italiano.

Pathé se rodeó de personas que se hicieron cargo de la dirección de películas, como Ferdinand Zecca. Al igual que Georges Méliès, Zecca procedía del mundo de las variedades y el espectáculo. Sus productos utilizaban fórmulas como comedias galantes, actualidades reconstruidas, escenas fantásticas, persecuciones cómicas,... Junto a Pathé, inventó el noticiario cinematográfico. La mayoría de estos noticiarios eran dramatizaciones de hechos importantes, dada la imposibilidad de asistir al lugar de la noticia. Este género gozó de una gran acogida, porque gracias a su espectacularidad tenían una gran capacidad de impacto emocional. Además, durante la Primera Guerra Mundial se convirtió en un referente informativo fundamental.

El gran monopolio cinematográfico de Pathé consistió en la producción controlada de películas por medio de agencias. En dos años creó agencias por todo el mundo. En 1906, el español Segundo de Chomón fundó la Hispano Film en Barcelona, y cuatro años más tarde Pathé entraría en el mercado estadounidense con Pathé América, vinculada al Trust de la Motion Pictures Patent de Edison.

Pathé siguió unas pautas de producción basadas en la expansión "horizontal", es decir, en la producción y distribución masiva de copias de una misma película. Muestra de su éxito es el crecimiento espectacular de sus beneficios, que pasaron de 345.000 francos a 24 millones en 7 años. Aun así, Pathé dio un paso más y desarrolló la expansión "vertical". De esta manera controlaba también la fabricación de las películas vírgenes, los aparatos de grabación y las salas de exhibición. Su lema era "mínimo presupuesto, máxima explotación". En agosto de 1913 Charles Pathé rompe su relación con el Trust de Edison, y un año después se independiza y funda la Pathé Exchange.

En 1930, Charles Pathé se retiró de los asuntos cinematográficos, después de ceder sus acciones a Bernard Natan. Sin embargo la sociedad Pathé Natan desapareció rápidamente, según algunos debido a dudosas operaciones finacieras, que llevaron a la detención de Natan. No obstante, es más probable que Bernard Natan fuese víctima del antisemitismo de los años 30. La sociedad Nouvelle Pathé Cinéma perduró todavía 50 años, hasta que fue adquirida en 1992 por la sociedad Chargeurs.

Filmografía Algunas de las películas más representativas que Charles Pathé produjo fueron las siguientes:

1901 - El ídolo en el túnel 1901 - Historia de un crimen

1901 - Las víctimas del alcohol

1902 - L'assommoir

1902 - La pasión

1902 - Vida, pasión y muerte de Nuestro Señor Jesucristo

1903 - La huelga

1904 - Les Dénicheurs d'oiseaux

1904 - El asesinato del duque de Guisa

1904 - Viaje a través de lo imposible

1905 - La Révolution en Russie

1905 - El amante de la luna

1906 - Les Effets de la fondre

1907 - Ali Baba y los cuarenta ladrones

1908 - Les Chiens et ses services

1910 - Les Débuts de Max au cinéma

1913 - Le Roi du Dagne

1919 - J'accuse

1923 - La Roue

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LEÓN GAUMONT

Léon Gaumont

Gaumont, Léon (París, 1864-Sainte-Maxime, 1946) Inventor e industrial francés. Ideó el cronofotógrafo, aparato capaz de fotografiar un objeto móvil y obtener instantáneas sucesivas de cada fase del movimiento. Realizó diversos experimentos de cine sonoro y ensayó el sistema tricrómico para la producción de filmes en color. Está considerado como uno de los primeros nombres importantes de la industria cinematográfica.

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Léon Gaumont

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Tumba de Léon Gaumont

Léon Gaumont (nacido el 10 de mayo de 1864 en París y fallecido el 9 de agosto de 1946 en Sainte-Maxime) fue un inventor e industrial francés y uno de los pioneros de la industria del cine. Creó la sociedad francesa de producción Gaumont bajo el nombre de L. Gaumont et compagnie, en julio de 1895.

Biografía

Nacido en París en 1864, llega al cine a través de su profesión como vendedor de aparatos fotográficos, y este sector seguirá siendo su actividad privilegiada en el campo cinematográfico. Ya desde 1893 había conseguido hacerse con la patente del cronofotógrafo de Georges Demeny, ex colaborador de Marey. Del perfeccionamiento de este ingenio deriva el crono Gaumont, lanzado en 1896, primero con un formato de 60 milímetros y luego adaptado al estándar dominante.

El gran éxito de este aparato, que más tarde fue perfeccionado por técnicos de gran valía como Jacques Ducom y René Decaux, induce a Gaumont a emprender la producción de películas "recitadas" siendo ya adecuado a la demanda las cintas rodadas de modo casual, con fines demostrativos y adquiridas por operadores independientes. La tarea de ocuparse de la producción le fue confiada a la secretaria de la sociedad, Alice Guy, lo que demuestra la escasa relevancia concedida por Gaumont, al menos inicialmente, al sector de la realización.

Construye su estudio en los alrededores de Niza: se trata del célebre Victorine en el que François Truffaut ambientará La nuit américaine en 1973, nostálgico homenaje al cine de los studios. Aunque con atraso con respecto a Charles Pathé, también Gaumont pasa del régimen de venta al de alquiler de películas, internándose por tanto en el sector de la distribución y exhibición. Se crea así un circuito de salas, de las que es símbolo el Gaumont Palace, recabado en 1911 del antiguo hipódromo parisino y lanzado como el "mayor cine del mundo".

Al igual que su rival Pathé, crea un sector periodístico, Gaumont Actualités pero es, naturalmente, el cine de ficción el que conoce el mayor desarrollo. Léon Gaumont está enterrado en el cementerio de Belleville en París.

Bibliografía Historia General del cine, Vol.I - Orígenes del cine Ed. Cátedra 1998 Méliés y el cine francés de los orígenes. Antonio Costa

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EDWIN S. PORTER

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Edwin S. Porter

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Edwin S. Porter

Edwin S. Porter (Connellsville, Pensilvania, 21 de abril de 1870 - Nueva York, Nueva York, 30 de abril de 1941), director de cine estadounidense.

Trabajó en los estudios de Edison, primero como ayudante de cámara y luego como jefe de su estudio desde 1902 a 1910. Con Porter se consolida la técnica narrativa de ese nuevo invento que era el cine a principios del siglo XX.

Una vez que la vigilancia se hizo más estrecha, al estudio de Edison no le bastaba con pedir los negativos de las películas europeas con la excusa de catalogarse inventor de la fotografía animada. Más aún cuando Méliès instaló una sucursal en los Estados Unidos. La copia de los filmes se hacía más difícil, por lo que Edison recurrió a otro método menos peligroso: el plagio. El hombre clave de esta sección fue Edwin S. Porter.

Fascinado por el trabajo de Méliès, Porter quiso hacer también un cine narrativo. Recogió los hallazgos de la escuela británica sobre el montaje como forma narrativa; de Ferdinand Zecca la estructuración del relato de sus dramas; y del propio Méliès la puesta en escena. En 1902, rodó Salvamento en un incendio (Life of an American fireman) con escenas documentales auténticas. Salvamento en un incendio ha sido considerada como una película pionera en el montaje paralelo. Hoy sabemos que fue obra de un montaje posterior, influenciado por la Escuela de Brighton.

En 1903 estrena Asalto y robo de un tren (The great train robbery), película que inició el género del western. Puede ser considerada como la primera obra importante, con argumento de ficción, del cine americano. La película emplea de forma algo rudimentaria el montaje paralelo y aunque la acción suele transcurrir de cara al espectador, de la forma teatralizada que imponía Méliès, se observa un uso narrativo de la profundidad. Su última escena, un primer plano de un pistolero disparando sus armas hacia el espectador, causó una impresión parecida a la que pudo hacer en su día el tren de los hermanos Lumière. La película fue un gran éxito. Aun así, el espacio donde Porter se mostraba más a gusto era el drama social, de forma similar a lo que hacía Ferdinand Zecca en Europa.

Porter se mantendrá activo como director y guionista algunos años más. En 1909 abandonó los estudios de Edison para fundar una compañía propia, la cual solamente subsistió tres años.

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http://chupi-pictures.blogspot.com/2007/01/edwin-s-porter-el-montaje-narrativo.html

“Para mí, la película perfecta es como si se desarrollara detrás de tus ojos y tus ojos la proyectasen, de modo que vieras lo que deseabas ver. El cine es como el pensamiento. Es el arte más cercano al proceso de pensar. Mira esa lámpara al otro lado de la habitación. Ahora mírame de nuevo a mí. ¿Ves lo que has hecho? Has parpadeado. Eso son cortes. Tras la primera mirada, sabes que no hay motivo para hacer continuadamente todo el recorrido entre la lámpara y yo, porque ya conoces lo que hay en medio” .

jueves 4 de enero de 2007

EDWIN S. PORTER: EL MONTAJE NARRATIVO

Veíamos anteriormente en el post titulado "los orígenes del cine", cómo los hermanos Lumiere se dedicaron a grabar determinados acontecimientos ante la cámara , y cómo George Melies fue un gran innovador, pues además de sus juegos de ilusionismo, fue más allá del plano único. Melies contaba sus historias en varios episodios, estableciendo una continuidad entre los diferentes planos. Vistos consecutivamente se contaba una historia más compleja que con el plano único de los Lumiere. Sin embargo las limitaciones de Melies se basaban en que cada episodio se desarrollaba en un decorado único y tenían unidad de tiempo y lugar, asemejándose al teatro...

El norteamericano Porter dio un paso más en la evolución del cine: Fue el primero en construir una historia cinematográfica a partir de material ya rodado. Eso suponía que el sentido de un plano podía ser modificado al unirlo con otros, abandonando la continuidad de Melies.

En 1.902 Porter hizo "La vida de un bombero americano", primera película en la que podemos ver un montaje como lo entendemos hoy en día. Porter utilizó material ya rodado para otros fines de las actividades de los bomberos y material rodado para la película, sin que existiera ruptura en el hilo de la acción. Otra ventaja que se logró fue transmitir al espectador una dimensión temporal, seleccionando los planos importantes de la historia se logró transmitir una continuidad aceptable y de desarollo lógico.

Porter demostró que el plano aislado, como registro de una porción incompleta de la acción, era la unidad con la que debían hacerse la películas, estableciendo el Principio básico del montaje, abandonando las largas escenas fijas divididas en actos.

Da la casualidad de que he encontrado esta película en youtube. Si la veis comprendereis el avance que supuso en la historia del cine. En el plano inicial se plantea el problema dramático, que no se resolverá hasta el tercero, pero en vez de presentar la acción en tres grandes planos separados por los típicos títulos explicativos de la época, la acción se sucede plano a plano, creando un efecto de continua progresión, el espectador tenía la impresión de estar viendo una historia sin solución de continuidad.

Así que a disfrutar con el primer montaje de la historia. Viva Porter !!

GEORGES MELIES

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Georges Méliès

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Georges Méliès.

Georges Méliès (París, 8 de diciembre de 1861 - Ibídem, 21 de enero de 1938) fue uno de los pioneros de la cinematografía, tras sus propios creadores, los hermanos Lumière. Geroge Méliès es recordado como uno de los más grandes cineastas de todos los tiempos.

Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que

su falta de soltura con el lenguaje, que le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egiptian Hall", sala de variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne.

Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria, mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles.

Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante.

Con la incesante capacidad para el trabajo que caracterizó su vida, entre los años 1889 y 1890 simultaneó sus labores de director del teatro con las de reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe, donde su primo Adolphe ejercía como redactor jefe.

Durante los años siguientes se escenifican en el teatro espectáculos de ilusionismo, cuyos decorados, trucos y maquinaria fueron en su mayoría creados por el propio Méliès.

Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, decidió comprar una máquina inmediatamente a los Lumière, que se negaron a vendérsela. Empeñado en hacerse con el invento, optó por construir su propia máquina cinematográfica. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin. Eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo.

Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro.

Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena.

Viaje a la luna, 1902.

En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.

Méliès intentó distribuir comercialmente "Viaje a la Luna" en Estados Unidos, pero técnicos que trabajaban para Thomas Edison lograron hacer copias del film y las distribuyeron por toda Norteamérica, y a pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender propiedades y abandonar Montreuil.

En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del olvido.

Desde 1925 su obra será redescubierta por la vanguardia cinematográfica francesa, especialmente por los surrealistas, que reivindicaron su figura hasta el punto de que Méliès fue reconocido con la Legión de Honor en 1931 por toda su trayectoria.

En 1932 se encuentra en el Castillo de Orly casa de jubilación de la «Mutua del cine» (institución fundada en 1921 por Léon Brézillon, presidente del sindicato francés de productores cinematográficos) y allí vivirá el resto de sus días con su esposa Jeanne d'Alcy. Falleció en el hospital Léopold Bellan de París y sus restos descansan en el cementerio de Père-Lachaise.

Poco antes de la muerte de Méliès, en 1938, Henri Langlois, creador de la Cinemateca francesa recuperó y restauró parte de sus películas.

Georges Méliès fue el gran creador del cine de espectáculo y fantasía, dando el paso hacia la creación de un lenguaje de ficción para el cine del que carecía el cinematógrafo tomavistas de los Lumière. Desde 1946 el premio Méliès otorga anualmente el reconocimiento a la mejor película francesa.

Filmografía Durante su carrera como director; Georges Méliès edito variados filmes, entre ellos el

más famoso: Le Voyage dans la Lune. Algunas de sus películas son:

1. Une partie de cartes (1896)

2. L'Escamtrasmaotage d'une dame (1896)

3. La Cuirassé Maine (1898)

4. La caverne maudite (1898)

5. Cléopâtre (1899) (Cleópatra)

6. Le Christ marchant sur les eaux (1899)

7. Argentine (1899)

8. The golden King (1899)

9. Escamotage d'une dame chez Robert-Houdin (1899)

10. Illusioniste fin de siècle (1899)

11. Cinderella (1899)

12. L'Affaire Dreyfus (1899/1900)

13. Voyage a Italy (1901)

14. L’homme à la tête en caoutchouc (1901)

15. Le Voyage dans la Lune (1902)

16. Le Cake-walk infernal (1903)

17. Le Dilophosaurus attack! (1903)

18. La Flamme merveilleuse (1903)

19. O Reino das Fadas / Le Royaume des Fées (1903)

20. Le Monstre (1903)

21. Le Mélomane (1903)

22. L'Auberge du Bon Repos (1903)

23. La Lanterne magicue (1903)

24. La Rêve du Maître de Ballet (1903)

25. A Maldição de Fausto / La Damnation de Faust (1903)

26. Le Bourreau turc (1904)

27. Le Roi du Maquillage (1904)

28. Le Voyage a Chine (1904)

29. Le Voyage à travers l'Impossible (1904)

30. Le Palais des Mille et Une Nuits (1905)

31. Le Raid Paris-Monte Carlo en 2 heures (1905)

32. Les 400 Farces du Diable (1906)

33. L'Alchimste Parafaragamus ou la Cornue infernale (1906)

34. L'Éclipse du soleil en pleine lune (1907)

35. 20.000 Léguas Submarinas (1907)

36. Diable, diable (1907)

37. Le Rêve d'un fumeur d'opium (1907)

38. Wasner ne le Lune (1909)

39. Le secret du Médécin (1910)

40. Les Hallucinations du Baron de Münchausen (1910)

41. Á la Conquète du Pole (1910)

42. MonteCristo (1911)

43. Le Chevalier des neiges (1912)

44. Cendrillon ou La pantoufle mystérieuse (1912)

45. Le Voyage de la famille Bourrichon (1913)

46. Mondo perdio (1912)

47. Le secret du Médécin 2 (1912/1913)

48. England (1913)

49. Le grand voyage (1913)

50. Imperhìo da Roman (1913/1914)

51. Voyage da español (1931)

52. Marcelie Zanellie, una vida de película(1932)

53. Martin Kapo Dick:(1932)

http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/Memorias/cine/george%20miles.htm

Uno de los asistentes a la histórica proyección del 28 de diciembre fue Georges Méliès, prestidigitador experimentado y director del teatro de ilusionismo Robert Houdin. Méliès quedó impresionado con el invento. Una anécdota famosa cuenta que trató de comprar el cinematógrafo de los Lumière; pero fue un intento fallido, pues el padre de éstos no accedió a venderlo argumentando que "el aparato podría ser explotado durante algún tiempo como curiosidad científica, pero no tenía ningún porvenir comercial".

El tiempo demostró lo equivocado de sus palabras: hacia 1896 la gente comenzaba a aburrirse de las mismas proyecciones. Fue entonces cuando con su ingenio, trucos de magia, prestidigitación y escenografías teatrales, Georges Méliès convirtió al cine en espectáculo. Aunque no fue el primero en hacer películas de ficción, históricamente se le reconoce como el padre del espectáculo cinematográfico y de la ficción fílmica. Méliès explotó las cualidades narrativas de este medio, demostrando así que podía recrear y hasta inventar la realidad.

Al llevar el teatro al cine, Méliès logró imprimir a sus películas un toque único: ya no eran simples retratos de la realidad sino narraciones de historias. Para la realización de sus cintas, Méliès construyó su propio estudio en su finca de Montreuil, a las puertas de París: era un lugar único con techo y paredes de cristal (no usaba luz artificial). De sus películas se recuerda especialmente Le voyage dans la Lune (El viaje a la Luna), filmada en 1902, en la que experimentó y perfeccionó el uso de trucos con la cámara para hacer aparecer y desaparecer objetos.

El truco llegó a Méliès fortuitamente, mientras proyectaba una cinta tomada días antes: vio con asombro cómo un autobús se transformaba bruscamente en una carroza fúnebre. Después de reflexionar un poco, descubrió que la película se había detenido al momento de tomar las imágenes. Un incidente insignificante lo convirtió, tiempo después, en un maestro en el manejo de la cámara

y del truco en la pantalla.

Otro acierto fue utilizar los recursos del teatro: guión, vestuario, maquillaje, escenografía, tramoya, división en escenas y actos, recursos aún vigentes en el cine actual. Si bien esto fue un acierto para la creación del espectáculo cinematográfico, un error que a la larga dejaría a Méliès fuera de la industria fue colocar siempre la cámara en el fondo del estudio, como un espectador en su butaca: la movilidad en sus cintas fue lograda por el montaje, no por el movimiento de la cámara.

Le voyage dans la Lune (El viaje a la Luna), su película más conocida, es una historia basada en las novelas de Julio Verne y H. G. Wells que ha sido retomada constantemente: un grupo de científicos planean un viaje a Luna, y para lograrlo acuden a una fábrica de inventos increíbles. Ahí son colocados en un cañón que los dispara hacia el espacio, cayendo sobre el ojo de una luna construida de yeso (esta imagen es célebre hasta nuestros días). La construcción de la escenografía es impresionante: la Osa Mayor es personificada por jóvenes vestidas de estrellas, hongos gigantes, ríos lunares y demás selenitas parecidos a crustáceos.

Esta cinta tuvo rápidamente éxito alrededor del mundo. En Estados Unidos, Tomas A. Edison la falsificó argumentando que tenía derecho sobre todas las peliculas, ya que la perforación de la cinta para cine era un invento suyo. A partir de ese momento el cine fue diferente: surgieron realizadores con diferentes visiones del mundo que perfeccionaron el arte y la técnica, convirtiendo el cine en un medio de expresión único.

http://cineautor.suite101.net/article.cfm/george_melies_el_padre_del_cine_ficcion

George Méliès: el padre del Cine Ficción

El artista francés abrió el horizonte de la magia cinematográfica 15-ago-2009 Luis Guillermo Hernández

Aunque no fue el primero, Méliès tiene un gran mérito: ser el padre del cine de ficción como divertimento, el creador de esa magia visual para disfrute de la humanidad

No fue el primer hombre que filmó imágenes en movimiento, ni siquiera el primero que utilizó el entonces naciente invento del cinematógrafo para contar una historia de ficción, pero George Méliès, el parisino nacido en 1861, tiene un mérito indiscutible: ser el padre del cine de ficción como divertimento, ser el creador de un instrumento de magia visual para el disfrute de todos los seres humanos.

Cuenta la leyenda que ese fue su principal objetivo desde la noche del 28 de diciembre de 1895 cuando, invitado a observar la máquina de imágenes que presentaron los hermanos Louise y Auguste Lumiére, se maravilló con las primeras películas de la historia del cine: los obreros saliendo de una fábrica, las imágenes de fantasmas derribando un muro, la impresionante y vívida presencia de un tren llegando a la estación, y no descansó hasta hacerse de su propio aparato, luego de que los Lumiére rechazaran vendérselo.

Conocedor de trucos de ilusionismo y experto en el arte teatral, al que se había dedicado antes de aquella noche de diciembre, Méliès comenzó a aplicar sus conocimientos en el nuevo instrumento, al que dotó de herramientas que luego se convertirían en piedras medulares de la cinematografía.

Ahí están los ejemplos:

Los efectos especiales y la edición: realizó el primer sombreado cuadro por cuadro, para representar la ilusión de un mago que se desprende la cabeza en múltiples ocasiones.

La construcción del primer estudio de Cine, en el que se montaban decorados suntuosos, teatrales, para imprimir realismo a los relatos

La técnica del stop motion, en la que se sustituyen elementos cuadro por cuadro para dar la impresión de desapaciciones o apariciones mágicas y la superposición de cuadros, como en su película El Eclipse (1907)

Pero, sin lugar a dudas, es con su película Viaje a la luna (1902) con la que el artista aporta las mayores herramientas a la estructura discursiva y visual del nuevo lenguaje: aplica las primeras nociones de montaje, para desarrollar una historia lineal completa, baste observar las escenas de los "Selenitas" y el disparo del cohete que lleva a los hombres a la Luna

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FÈLIX MESGUICH

Félix Mesguich, nacido en Argelia era uno de los operadores al servicio de los hermanos Lumière, que viajó a América para exhibir el cinematógrafo. En junio de 1896 el aparato se presentó en un music-hall neoyorquino. La acogida fue espectacular. Cinco meses más tarde Mesguich volvió a Nueva York y se encontró que el kinetoscopio retrocedía en contraste con la aparición de aparatos de proyección de patente americana. Eran varios tales como el Biógrafo, Bioscopio, Vitascopio, Veriscopio, Animatógrafo...

En una América proteccionista, con la intervención de las autoridades aduaneras y la confiscación de aparatos, Mesguich tuvo que renunciar a la gira americana del cinetoscopio, marchó entonces a Canadá. Comenzó en 1896 a recorrer países diversos, pero fue en 1909 cuando realizó las primeras grandes hazañas en el género documental, recorriendo todo el planeta, llegando a rodar en el Himalaya, Islandia, Groenlandia, etc. y todo ello, con imágenes de cierta calidad, impresionó en 1903 vistas de Jaén, Córdoba, Granada y Sevilla.