Renacimiento

• Amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI.

• Campo de las artes • Producto del humanismo, nueva concepción del hombre

y del mundo.• El nombre porque éste retomó los elementos de la

cultura clásica, simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. contra la escolástica.

• Giorgio Vasari señala: marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.

• Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional».

Contexto Histórico• Este cambio social y cultural se basa en la mejora

económica, economia mercantil. En este clima cultural de renovación, que paradójicamente buscaba sus modelos en la Antigüedad Clásica, surgió a principios del siglo XV un renacimiento artístico en Italia, de empuje extraordinario, que se extendería de inmediato por otras naciones de Europa

• Coincide con el inicio de la Edad Moderna, contemporáneo de la Era de los Descubrimientos y las conquistas ultramarinas. Esta «Era» marca el comienzo de la expansión mundial de la cultura europea, con los viajes portugueses y el descubrimiento de América por parte de los españoles

• http://www.youtube.com/watch?v=eWNTirMIgwE

Hechos Históricos

• Marcada por la consolidación de los estados europeos,

• los viajes transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y América,

• La descomposición del feudalismo• El desmembramiento de la cristiandad con el

surgimiento de la Reforma protestante,• La introducción de la imprenta, entre 1460 y

1480, y la consiguiente difusión de la cultura fueron uno de los motores del cambio.

Contexto Artistico

• Italia en ese momento está integrada por una serie de estados entre los que destacan Venecia, Florencia, Milán y los Estados Pontificios. La presión que se ejerce desde el exterior, sobre todo por parte de Francia y España, impidió que, como en otras naciones, se desarrollara la unión de los reinos o estados; sin embargo, sí se produjo el fortalecimiento de la conciencia cultural de los italianos. Desde estos supuestos fueron las ciudades, concebidas como ciudades-estado, las que se convierten en centros de renovación artística

• En Italia el enfrentamiento y convivencia con la Antigüedad Clásica, considerada como un legado nacional, proporcionó una amplia base para una evolución estilística homogénea y de validez general. Por ello, allí, es posible su surgimiento y precede a todas las demás naciones.

• Fuera de Italia, el desarrollo del Renacimiento dependerá constantemente de los impulsos marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o formados allí, hacen el papel de verdaderos transmisores. Monarcas como Francisco I en Francia o Carlos V y Felipe II en España

• Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el Gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI

• En Florencia el desarrollo de una rica burguesía ayuda al despliegue de las fuerzas del Renacimiento, la ciudad se convierte en punto de partida del nuevo estilo, y surgen, bajo la protección de los Médicis, las primeras obras que desde aquí se van a extender al resto de Italia

Las Nuevas Formas de Representar• El artista tomó conciencia de individuo con valor y

personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la vez que investigaba nuevas técnicas

• Se desarrollan completamente• Claroscuro en pintura• Las formas de representar la perspectiva• El mundo natural con fidelidad• La anatomía humana• Las técnicas de construcción arquitectónica. • Los representantes mas renombrados de esta nueva

forma de entender el mundo fueron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y Bramante

Etapas del Renacimiento en ITALIA

Quattrocento (1400 - siglo XV)• Foco: Florencia• Comprende el Renacimiento temprano que se

desarrolla en Italia• Llamado también primer Renacimiento italiano

por la búsqueda de los cánones de belleza de la Antigüedad y de las bases científicas del arte, se produjo un fenómeno parecido y simultáneo en Flandes (especialmente en pintura), basado principalmente en la observación de la vida y la naturaleza, la búsqueda de la humanidad de Cristo

Cinquecento (1500 - siglo XVI)• Foco: Roma• Papas (Julio II, León X, Clemente VII y Pablo III) (algunos de ellos

pertenecientes a la familia florentina de los Médici). Apoyaron fervorosamente el desarrollo de las artes, así como la investigación de la Antigüedad Clásica. Su dominio artístico queda referido al Clasicismo o Renacimiento pleno, que se centra en el primer cuarto del siglo. En esta etapa surgen las grandes figuras: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte renacentista. Sin embargo, con las guerras de Italia muchos de estos artistas, o sus seguidores, emigraron y profundizaron la propagación de los principios renacentistas por toda Europa Occidental

Final y decadencia

• Durante la segunda mitad del siglo XVI empezó la decadencia del Renacimiento caracterizada por una reacción anticlásica , que cayó en un rígido que conforma el Manierismo, que dura hasta el final del siglo XVI, abriendo el camino al Barroco

Arquitectura - Características Generales• Carácter profano, surgirá en una ciudad en donde el

Gótico apenas había penetrado, Florencia. A pesar de ello, muchas de las obras más destacadas serán edificios religiosos. Con el nuevo gusto, se busca ordenar y renovar los viejos burgos medievales e incluso se proyectan ciudades de nueva planta. (el papa Pío II reordena su ciudad natal, Pienza)

• Elementos de la arquitectura clásica pero de forma selectiva, se preferirá el orden toscano.

• Se crean formas nuevas, como la columna abalaustrada,

• A partir de este momento, el arquitecto abandona el carácter gremial y anónimo que había tenido durante la Edad Media, y se convierte en un intelectual, un investigador.

Se conoce como columna abalaustrada aquella que presenta su fuste con la forma de un balaustre, es decir, con su contorno moldeado con distintos grosores a lo largo de su recorrido; a veces, además, combinando tramos lisos con otros estriados o finamente tallado con pequeños elementos decorativos.

Columnas abalaustradas en la fachada a San Francisco del Ayuntamiento de Sevilla.

Características Generales Estructurales:

• Arco de medio punto, columnas, cúpula semiesférica, bóveda de cañón y cubierta plana con casetones. usados en la Antigüedad

• Decae paulatinamente el tradicional método de construcción del Gótico, se abandona en gran medida las bóvedas de crucería, el arco apuntado, las naves escalonadas, y sobre todo la impresión de colosalismo y multiplicidad de los edificios medievales

• Predominarán ahora valores como la simetría, la claridad estructural, la sencillez, y sobre todo, la adaptación del espacio a la medida del hombre.

Características Generales Decorativos

• Pilastras, frontones, pórticos, motivos heráldicos, almohadillados, volutas, grutescos, guirnaldas, motivos de candelieri (candelabros o pebeteros) y tondos o medallones. Algunos de éstos ya se habían utilizado en el Gótico. En cuanto a la decoración el Renacimiento preconiza el despojamiento, la austeridad, el orden. Sólo a finales del siglo XVI esta tendencia se romperá en favor de la fantasía y la riqueza decorativa con el Manierismo

Pilastra

En esta fachada del palacio Rucellai diseñado por Alberti, las pilastras de órdenes clásicos marcan las verticales de los tres pisos, que se rematan con una cornisa

Frontón

Fachada Renacentista española

Su fachada es de gran impacto estético por la citada austeridad que muestra. Su puerta adintelada es rematada por un frontón triangular

Convento de la iglesia de santo Domingo - Las navas del marques

Motivos Heráldicos

El almohadillado

El almohadillado es un tipo de acabado exterior de los paramentos de piedra con sillares, que consiste en una forma de labrar en relieve la cara vista de la piedra rehundiendo las juntas

Es un acabado característico de los palacios del renacimiento italiano, especialmente en plantas bajas, donde se acentúa considerablemente su relieve

Grutesco

Se llama grutesco (del italiano grotta, gruta) al adorno caprichoso de bichas, sabandijas, quimeras y follajes, llamado así por ser a imitación de los que se encontraron en las grutas o ruinas de palacios del Imperio romano.

Pórticocuerpo formado por una galería de columnas adosada a un edificio o abierta al aire libre

Palacio Massimo de Baltasar Peruzzi, en Roma. Este discípulo de Miguel Ángel, fue uno de los más interesantes arquitectos del Renacimiento. La fachada, de gran austeridad, se abre en un pórtico de columnas sin puertas, convirtiendo el zaguán en un lugar semipúblico, a la disposición de quien pasa.

Quattrocento (1400 - siglo XV)• Se deja de lado definitivamente el Gótico

• Frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales), fustes lisos y casi omnipresencia del arco de medio punto. Se usa también la bóveda de cañón y de arista, y cubiertas de madera con casetones. Lo que fundamentalmente distingue a la arquitectura del Quattrocento de la del Alto Renacimiento es la decoración menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, etc.), las cúpulas con nervios, con ciertos resabios góticos

• Arquitectura Firenze:Lorenzo Ghiberti, Filippo Brunelleschi

• Escultura:Donatello

Filippo di Ser Brunellesco Lippi

• 1377 - †1446

• Arquitecto, escultor y orfebre.

• Obras:

• Cúpula de la catedral de Santa María del Fiore-Domo de Firenze

• Palacio Pitti

• Capilla Pazzi

Duomo di Firenze, 1418 - 1438

• La cúpula di Santa Maria del Fiore con sus 39 MT. de altura, coronada por una linterna de 16 MT de alto es testigo de los limites artísticos y técnicos de renacimiento florentino.

Cúpula del Duomo di Firenze

La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza.

Palazzo Pitti• Establece el modelo

renacentista de palacio que fue seguido por sus discípulos.

• Aspecto externo: fortaleza, planta en cuadrilátero, las dependencias se construyen en torno a un patio. Muestra tendencia a la horizontalidad mediante una superposición de tres pisos o cuerpos.

• Muro articulado mediante balaustradas. Se emplean sillares almohadillados, que se aplanan a medida que se gana altura, Vano con arco de medio punto constituidos por dovelas almohadilladas, ventanas con frontón.

Características:• - Tiene tres pisos, separados por balaustradas - Gran volumen debido a la utilización de un sillar almoadillado rustico - arcos de medio punto. - cada

piso tiene una función.– 1er piso --> dependencias del servicio. – 2º piso --> grandes salones. – 3º piso --> los dormitorios

Cappella Pazzi (Firenze 1430 aprox.)

Su fachada es un pórtico de cinco tramos entre seis columnas de orden compuesto, los cuatro extremos adintelados y el central en forma de arco de triunfo semicircular muy alto y de doble anchura, que se cubre por una bóveda de cañón.

A la Capilla Pazzi se accede desde el claustro de la basílica de la Santa Croce (Florencia) ya que se encuentra ubicada en el jardín de ésta. Encargada por la familia Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi, fue su última obra.

Cappella Pazzi (Firenze 1430 aprox.)

• Realizada en la Iglesia de Santa Croce

• Planta rectangular con nave central, cubierta por una cúpula y dos laterales con bóveda a tambor.

El Sacrificio de Isaac

• Bronce que Filippo Brunelleschi presento en el concurso en el concurso para la decoración del Baptisterio de Firenze, Ghiberti venció e concurso pero el talento de Brunelleschi como escultor es insustituible en esta obra conservada en el Museo del Bargello di Firenze.

En general la Arquitectura Quattrocento (1400 - siglo XV)

• La impresión de orden, sencillez, ligereza y simetría, predominando en el interior de los edificios la luminosidad y la desnudez. Los arquitectos más destacados de este período son Brunelleschi, Michelozzo, Leon Battista Alberti,

• la principal obra será la Catedral de Santa María de la Flor, de Florencia, y su famosa cúpula.

• Renacimiento pleno o Alto Renacimiento tuvo como centro Roma: En 1506 Donato d'Angelo Bramante terminaba su célebre proyecto para la basílica de San Pedro en el Vaticano, que será el edificio que marque la pauta en lo restante del siglo XVI

• Los edificios tienden más a la monumentalidad y la grandiosidad. Miguel Ángel introduce el orden gigante en su proyecto para la basílica, lo que rompe con el concepto de arquitectura hecha a la medida del hombre. Los palacios se adornan con elaborados bajorrelieves o de esculturas exentas

Cinquecento (1500 - siglo XVI)

Donato Bramante (1444-1514)

• 1482 se instaló en Milán y comenzó su carrera como arquitecto.

• Santa Maria presso San Satiro (1488, Milán) consiguió resolver las dificultades que presentaba el solar utilizando, por primera vez en la arquitectura, un juego perspectivo o trampantojo en las pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la iglesia y procura una sensación de profundidad insólita.

Templete de San Pietro in Montorio, obra de Bramante

En la ciudad eterna su primera obra es fruto del encargo de los Reyes Católicos, quiénes para conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una iglesia en honor a San Pedro. En el lugar en que se cree fue martirizado se construyó en 1502

A pesar de su pequeño tamaño, la construcción tiene todas las proporciones rigurosas y la simetría de las estructuras clásicas, rodeado por finas columnas toscanas, con una cúpula por encima. Bramante planeó un patio con columnas que lo rodease, pero se pusieron en marcha planes más grandiosos: la Basílica de San Pedro.

Santa Maria presso San Satiro

Chiostro di Santa Maria della Pace 1500

• 1499 a la caída de Ludovico Sforza huye a Roma, aquí su estilo se torna monumental, como se aprecia en este proyecto.

• Su primera obra romana • Por primera vez aparecen los

cuatro ordenes de la antiguedad (tuscanico, jonico y corintio ) sobre puestos, el claustro es una arquitectura alto romana, con parastes y arco a tutto sesto.

• Es severo y falto de ornamento.

Periodos de Cinquecento (1500 - siglo XVI)

• Predominará de este modo la idea de riqueza, monumentalidad y lujo en las construcciones

• Dos periodos:

• Clasicismo: Principios de siglo, con autores como Bramante, Miguel Ángel, Antonio da Sangallo el Viejo, Jacopo Sansovino

• Manierismo: A partir de 1630, siendo sus principales autores Andrea Palladio, Giorgio Vasari, Giulio Romano, Jacopo Vignola, Vincenzo Scamozzi.

Pintura Renacimiento

• Los pintores tratando temas religiosos introducen también en sus obras la mitología, la alegoría y “el retrato”

• La perspectiva, se volvió objeto de estudio y reflexión para muchos artistas: se trató de llegar a la ilusión de espacio tridimensional de una forma científica y reglada.(Leonardo)

PinturaQuattrocento (1400 - siglo XV)

• Experimentación

• las pinturas abandonan lenta y progresivamente la rigidez gótica y se aproximan cada vez más a la realidad

• Aparece la naturaleza retratada en los fondos de las composiciones

• se introducen los desnudos en las figuras

Los pintores más destacados: • En Umbría: Perugino

• En Padua: Mantegna

• En Venecia: Giovanni Bellini

• En Florencia: Fra Angélico, Masaccio, Benozzo Gozzoli, Filippo Lippi, Paolo Uccello

• Destaca Sandro Botticelli (Florencia)

• EL ARTE FLAMENCO

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi 1445 –1510

• Apodado Sandro Botticelli, • Pintor italiano • autor de alegorías, delicadas Madonnas y

asuntos mitológicos. Su estilo dulce, muy atento a la belleza y sensibilidad femeninas, y predominantemente dibujístico, caracterizan la escuela florentina de pintura y toda esta época

• El nacimiento de Venus y La primavera obras maestras más conocidas.

La Fortezza 1470 • Tempera sobre madera 167 x 87, cm

Galleria degli Uffizi en Firenze.• Primera obra documentada del

artista • Ilustra la virtud de la fortaleza (es

parte de serie de las siete virtudes iniciadas por Pollaiolo)

• Siguió el esquema de Pollaiolo pero impostándolo de manera distinta; pinto un trono ricamente decorado y de formas fantásticas en un claro llamado a las calidades morales inherentes al ejercicio de la magistratura, en clara alusión al tesoro que acompaña el poseer esta virtud.

• La arquitectura viva y real se une a la imagen de la mujer sentada sólida, plástica y de extrema hermosura-

También conocido como el Retablo de Sant'Ambrogio - Galleria degli Uffizzi - Florencia.Esto retrata a la Virgen entronizada con los santos María Magdalena, Juanohn el Bautista, Francisca, Catalina de Alejandría y

arrodillados Cosimo y Damiano se piensa que los otros dos santos sean Lorenzo y Giuliano de Medicis.

Madonna e Bambino con sei Santi 1470

La madonna del Magnificat 1481• Galleria degli Uffizi- Firenze.• La obra retrata a la Virgen María coronada por

dos ángeles.• El Niño Jesús tiene en una mano la granada, el

símbolo de la Resurrección.• La pintura retrata a la familia de Piero de ' Medici,

señor de Florencia en1492. • Su esposa como María, Lorenzo de ' Medicis

como el joven con el tintero, al lado de su hermano Giuliano de Medicis que sostiene un libro.

• Detrás de los dos muchachos las dos hermanas mayores sostienen la corona en el fondo: a la izquierda y a la derecha. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrezia de Medicis.

• En el fondo hay una vista campestre a través de una ventana de forma circular, las figuras parecen emerger de la superficie del cuadro, como si la imagen estuviese reflejada en un espejo convexo u "ojo de buey".

• La composición aparece así deformada, como si estuviese comprimida dentro de un espejo convexo, que, a pesar de los datos realistas, aumenta la sensación que produce de visión mental. La composición queda airosa gracias a la disposición de los dos ángeles que sirven de atril al libro que conducen a través de una diagonal ideal hacia el paisaje del fondo.

La Primavera

• Mercurio. • El dios queda identificado el calzado

con alas y por el caduceo usado para separar serpientes y hacer la paz (Botticelli representa las serpientes como dragones alados); con su yelmo y su espada, parece claramente el guardián del jardín de Venus. Estira la mano para tocar las nubes con su caduceo para dispersar la niebla. Mira hacia el cielo, lo cual se interpreta como unión con el más allá. Mercurio sería intermediario entre los hombres y los dioses, pero también el dios de los comerciantes. Viste ligeramente con un manto rojo cubierto de llamas, que cae de forma muy asimétrica, lo cual se consideraba un rasgo típico de la Antigüedad y ya era una indicación de que se estaba representando una escena mítica.

• Las tres Gracias. • Servidoras de Venus, dedicadas a una

graciosa danza, representadas como tres jóvenes casi desnudas y luciendo peinados elaborados y diversos. El cabello suelto sólo podían llevarlo las jóvenes solteras.

• Como otros de los personajes del cuadro, las Gracias parecen ser retratos de personas existentes en la época y conocidas del pintor: por ejemplo,

• Gracia de la derecha Caterina Sforza. • La del medio Semiramide Anniani, esposa

de Lorenzo Popolano, (Mercurio). • La de la izquierda Simonetta Vespucci,

prototipo de belleza botticelliana.• La izquierda, de cabellos rebeldes,

representa la Voluptuosidad (Voluptas)• La central, de mirada melancólica y de

actitud introvertida, la Castidad (Castitas).• La de la derecha, con un collar que sostiene

un elegante y precioso colgante y un velo sutil que le cubre los cabellos, la Belleza (Pulchritudo).

• Flora. • Es la única del grupo que

mira directamente al observador y parece que intenta esparcir sus flores por el exterior de la escena. Destaca también por su sonrisa, pues es infrecuente en la pintura renacentista, en particular en Botticelli, cuyas mujeres están siempre serias, abstraídas.

• La ninfa Cloris. • De su boca salen las

flores primaverales que Flora recoge en su vestido transparente;

• Céfiro. • Dios del viento benigno

representado con colores fríos mientras busca el amor de la ninfa. Sopla la dulce brisa que hace posible la primavera.

Venere e Marte 1483

• Tematica victoria amorosa. Una arboleda de árboles de mirto, el árbol de Venus, forma el telón a los dos dioses que están el uno frente al otro sobre un prado. Venus esta vestida y vela el sueño de Marte. El dios està sin su armadura yaciendo en su capa roja.

• Pequeños faunos traviesos juguetean con las armas del dios, uno de ellos sopla en una concha marina que era usada como cuerno de caza por Marte.

• Venus desnuda sobre una concha surge de las aguas • Céfiro abrazado a Cloris la empuja a la costa simbolizan el amor

físico • Flora de la primavera una de las ninfas la espera con un manto

para protegerla.• El cuadro esconde la alegoría neoplatónica del amor como energía

vivificante y fuerza motriz de la naturaleza • La desnudez de Venus es la exaltación de la belleza clasica asi

como la pureza del alma • Otra interpretación lleva creer que la figura abrazada a Cefiro sea

Bora viento que sopla sobre Chipre • Esta es una representación de la Venus Uranea o Celeste, razón

pura de la mas elevada belleza de los sentidos• Simbología:• Funde los nuevos ideales cristianos con el mito clásico.• El manto bordado con flores ofrecido por flora simboliza el bautismo

de Cristo.• El fiordaliso representa la “virgen reina de los cielos”.• Las ramas de mirto nos llevan a concepción de la Venus Sagrada.

La nascita di Venere

Masaccio (Tommaso di ser Giovanni Cassai )

• 1401- 1428 FirenzeInnovó la perspectiva científica introducida por Brunelleschi.Su arte fue influenciado por Brunelleschi y Donatello.Sus personajes llenos de vida parecían de carne y hueso.De Brunelleschi adquiere el conocimiento de la proporción matemática.De Donatello adopta su conocimiento del arte clásico que le aparta para siempre del estilo gótico.

Madonna e Sant’Anna (1425) Santa Maria Novella – Firenze

• Escena emplazada dentro de un marco arquitectónico clasicista en el que el espacio por vez primera tiene perspectiva.

Adorazione dei Magi (1426)• Obra simple y austera.• Empleo de la luz en el modelado del cuerpo y los ropajes

Frescos de la Capella Brancacci(1427 aprox.)

• Masaccio baña las escenas con una luz uniforme, refleja en el espacio pictórico el equivalente a un foco lumínico único y direccional (la ventana real de la capilla), creando un juego de luces y sombras proporciona a los temas un aspecto natural y realista desconocido anteriormente

Paolo Uccello (Paolo di Dono)

• Florencia 1397-1475

Discípulo de Lorenzo Ghiberti

Innovó en la pintura con el uso de escorzos y de la perspectiva lineal.

Obras:

1425 Diseñó los mosaicos de la fachada de Basílica di San Marco

1444 realiza una serie de vitrales para el Duomo, una de los cuales, La Resurrezione, se conserva todavía en su lugar original

1436 pinta el fresco del condottiero inglés sir John Hawkwood para el Duomo di Firenze.

La Battaglia di San Romano (1456)

• Niccolò da Tolentino a la cabeza de la caballería florentina

Intervencion decisiva al lado de los florentinos del condottiero Micheletto Attendolo da Cotignola

La Caccia (1468, Ashmolean Museum, Oxford)

• Dominio de la perspectiva • Sentido decorativo

Fra Angelico (Guido di Pietro)

• 1400-1455 Toscana

• Hombre de extraordinaria devoción que combinó la vida de fraile dominico con la de pintor.

• 1418 ingresó en un convento dominico en Fiesole.

• 1425 se convirtió en fraile de la orden con el nombre de Giovanni da Fiesole.

• Combinó la elegancia decorativa del gótico, de Gentile da Fabriano, con el estilo realista de Masaccio, Ghiberti y Donatello, aplicó también las teorías sobre la perspectiva de Leon Battista Alberti.

• Rostros con expresiones de devoción muy logradas, la utilización del color para dar mayor intensidad emotiva a la obra.

L’ Annuciazione

Madonna della Stella(c. 1428-1433, San Marco, Firenze)

Incoronazione della Madonna (San Marco y Museo del Louvre, París)

Madonna dei Linaioli (1433, San Marco)

• Serie de doce ángeles tocando instrumentos musicales.

La crocefissione

La transfigurazione

• Una de las primeras representaciones de lo que se conoce como conversación sacra: la Virgen acompañada de ángeles y santos que parecen compartir un espacio común.

Andrea Mantegna1431-1506

• La influencia tanto de la antigua escultura romana como de las obras Donatello son evidentes en el tratamiento que Mantegna confiere a sus figuras humanas.

• Éstas se distinguen por su solidez, rotundidad, volumen, expresividad y precisión anatómica.

• San Sebastiano tempera sobre tela 1482 - 1485. Museo del Louvre -Paris.

• Representa al santo atado a una columna, atravesado por las flechas del martirio, se notan dos hombres un arquero y un compañero.

• Mantegna era un apasionado de los restos antiguos los cuales insertaba frecuentemente en su obra : en este caso se pueden notar los bloques de mármol labrado, en el ángulo inferior izquierdo. El fondo esta dominado por una composición de arquitectura antigua y moderna.

San Sebastiano 1450 -1470• Pintura de tempera sobre madera

conservado en el Kunsthistorisches Museum de Viena. Una escritura en griego sobre el pilar de la izquierda del santo, atribuye la paternidad de la obra a Mantegna. La composición de la pintura es similar al que se halla en: santo atado a una columna y atravesado por las flechas del martirio, alrededor, fragmentos de escultura y elementos arquitectónicos antiguos sobre el fondo, una cuidad que puede ser reconocida como Verona, en la nube en alto a la izquierda se puede individuar la silueta del rey Teodorico a caballo .

Presentazione al tempio

• Tempera sobre madera Staatliche Museen - Berlin.• En primer plano Maria tiene en brazos a al niño y un sacerdote se acerca . En el segundo plano el joven de la

derecha a sido conocido como Mantegna, mientras que la joven a su izquierda es su esposa, Nicolosia Bellini, hija de Jacopo Bellini. Al centro, casi en penumbra se encuentra José. El detalle del marco está pintado en trompe-l'oeil: el cojín sobre el cual apoyan los pies del niño parece salir del pintura misma.

Madonna col Bambino e un coro di cherubini 1485

• Técnica mixta sobre madera; cm 87 x 71. Pinacoteca di Brera - Milano.

• La madera se encuentra en mal estado, a causa de los retoques

Arte Flamenco

• Flandes principado histórico situado en el norte de la Europa continental.

• Pintura que nace en el ‘400 en Flandes gracias a Jan Van Eyck.

• Esta se ve favorecida por la gran riqueza que había en Flandes en el ‘400, es un arte de gran valor y que plasma muchos particulares.

Características

• Uso de los colores al óleo • Retrato visto en pose de 3/4 • Visión perfecta y particular de la realidad. Uso del Óleo:• Los flamencos perfeccionaron la técnica, haciéndola

apta para los esfumados, al secar lentamente era posible mezclar los colores muchas veces.

• Esto permitía ejecutar veladuras haciendo la pintura brillante permitiendo representar la profundidad.

• Pero los flamencos desconocían aun la perspectiva geométrica, inventada recientemente por Brunellechi.

Retrato en pose de 3/4

• Los flamencos otro modo de visualizar al personaje: no de perfil, no frontal sino de ¾.

• Este cambio permite al observador el percibir mayores informaciones sobre la fisonomía de un mismo rostro.

Perfección y detalles

• Se representa perfectamente la realidad.

• Se aprecian cierres representados perfectamente, expresiones perfectas, incluso pequeños adornos mas pequeños que la punta de un pincel.

• El ejemplo mas claro de esto es el retrato de Los Cónyuges Arnolfini de Van Eyck.

Jan van Eyck 1390 – 1441

• Introducido en el mundo del arte por su hermano Hubert.

• Trabajó para el duque de Borgoña Felipe el Bueno, para quien realizó también importantes misiones diplomáticas.

• Representó la superación de los convencionalismos del gótico en nombre de una concepción naturalista reconducida a las instancias de la percepción visual y a la investigación científica de la realidad.

• Una de sus primeras obras fue el El cordero místico 1432, San Bavón, Gand

Los Cónyuges Arnolfini 1434

• Se representan dos personas de la alta sociedad celebrando su matrimonio.

• Todo esta perfectamente representado.

• Apreciemos un espejo que refleja al pintor y al testigo de los esposos en el espacio de pocos centímetros.

• En el borde del espejo (a 1 cm. Escaso) está representada la pasión de Cristo.

• Demostrando que sus pinturas podrían ser asociadas a una fotografía.

La Virgen y el niño con el canciller Rolin (1433-1434, Museo del Louvre, París)

El cordero Místico

• Consta de dos alas, pintadas por ambas caras, que se abren para mostrar la tabla central dispuestas en dos niveles.

• Fue realizado en parte con la ayuda de su hermano Hubert van Eyck.

• La parte central del piso inferior contiene la Adoración del Cordero, con hileras de figuras colocadas en un paisaje articulado que representa claramente el paraíso.

• Encima se encuentra la figura del Padre de Dios entronizado, coronado como un Papa con tiara y flanqueado por la Virgen María y San Juan Bautista.

El hombre del Turbante 1433

• Considerado por algunos como el autorretrato del auto firmado el 21 de octubre de 1433 en el cual se lee la frase : <<como puedo, no como quisiera>>.

• El fondo oscuro resalta los rasgos del hombre que porta un voluminoso turbante, sobre el cual cae inevitablemente la mirada del espectador hacia los pliegues de este a través del contraste de luces y sombras

Pintura Cinquecento (1500 - siglo XVI)

Leonardo Da Vinci 1452-1519

• Artista multidisciplinar

• Poco prolífico en su faceta pictórica

• Quizá su principal aportación fue el sfumato o claroscuro, delicada gradación de la luz que otorga a sus pinturas una gran naturalidad, ayuda a crear volumen

• sus investigaciones científicas -áreas de anatomía, óptica e hidráulica — anticiparon muchos de los avances de la ciencia moderna

• Estudiaba cuidadosamente la composición de sus obras

• Última Cena, donde las figuras se ajustan a un esquema geométrico

• dosis de misterio

• Gioconda

• La Virgen de las Rocas.

• 1466 Entra como discipulo al taller de Andrea del Verrocchio.

• 1470 Participa como colaborador en el cuadro Il Battesimo di Cristo de Verrocchio.

• 1481 Adorazione dei Magi (obra inconclusa) encargada por los monjes de San Donato de Scopeto.

Madonna de Benois 1478 Museé de l’Ermitage. San Petersburgo

• Óleo sobre madera, transferido a tela 48 x 31 cm.

• Las dos figuras de la Madre y el niño, está dispuestas sobre la tela de modo tal que el centro de la composición sea la flor con la que ambos juegan, según algunos los 4 pétalos serían una alegoría de la crucifixión. Una ventana sobre la derecha rompe el fondo.

Ginebra de Benci 1474 National Gallery, Washington

• Tempera y óleo sobre tabla (38,8 x 36,7 cm); La sombra del ginepro exalta la claridad expresiva del rostro de la mujer, cuyo color de piel evoluciona después en el peinado y sucesivamente, en aquel de la vestidura y del fondo paisajístico, según un continuum cromatico que testimonia la capacidad de da Vinci en el uso del tono marrón castaño en varias tonalidades.

San Gerolamo 1481 Pinacoteca Vaticana

• Tempera y óleo sobre tabla(103 x 75 cm)

• Dividida en dos partes: en efecto, la cabeza fue cortada en dos partes sobre un banco de zapatero y el resto se convirtió en puerta de una tienda de un prestamista , actualmente se puede notar el recuadro alrededor de la cabeza de San Gerolamo.

Virgen de las rocas 1483-1485 Louvre, París, y 1505, National Gallery, Londres

• Aplicación de un esquema compositivo triangular que encierra a la Virgen, el Niño, san Juan y el ángel, y por otro lado, utiliza por primera vez la técnica del sfumato (eliminación de los contornos nítidos y precisos de las líneas diluyéndolos en una neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera)

Il Cenacolo 1495-1497

Mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milano. Desgraciadamente, el empleo de una técnica experimental de pintura al óleo sobre yeso seco provocó problemas técnicos que condujeron a su rápido deterioro hacia el año 1500.

La Dama dell’ Ermellino Museo Czartoryski, Cracovia

• Cecilia Gallerani (1473 - 1536) era de noble familia y fue una de las amantes de Ludovico Sforza "il Moro"; esposa del conde Carminati de' Brambilla llamado el “Bergamino" feudatario del castillo di San Giovanni in Croce.

La Gioconda

• Ejemplo consumado de dos técnicas — el sfumato y el claroscuro

• El sfumato se hace evidente en las gasas del manto y en la sonrisa. El claroscuro es la técnica de modelar las formas a través del contraste de luces y sombras.

• Uso de la perspectiva atmosférica (creación de efectos de lejanía aplicando el sfumato y otros recursos ambientales).

Michelangelo Buonarroti“Miguel Angel”(1475-1564),

• Se dedicó a la pintura de forma esporádica, a petición de algunos admiradores de su obra, sobre todo el papa Julio II. Los frescos de la Capilla Sixtina muestran el atormentado mundo interior de este artista, poblado de figuras monumentales, sólidas y tridimensionales como si fueran esculturas, y de llamativa presencia física. En su obra cobra mucha importancia el desnudo, aun cuando la casi totalidad de la misma fue hecha para decorar iglesias

• A los 13 años empieza como discípulo de Domenico Ghirlandaio.

• Dos años después comienza a frecuentar las tertulias organizadas por Lorenzo el Magnifico

• 1505, Michelangelo es llamado a Roma por Julio II para realizar dos encargos.

• La decoración al fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina, que lo ocupó entre 1508 y 1512, 24 años antes de comenzar, en 1536, el Juicio Final.

• Desarrolló un intrincado sistema decorativo-iconográfico en el que se incluyen nueve escenas del libro del Génesis, la Separación de la luz y las tinieblas

• Estas imponentes y poderosas imágenes confirman el perfecto conocimiento que sobre la anatomía y el movimiento humanos poseía Miguel Ángel, cambiando con ello el devenir de la pintura occidental.

Creación del Sol y la Luna

Creación de Adán

El pecado original

El Diluvio Universal

• Enmarcando estas escenas principales que recorren longitudinalmente todo el cuerpo central de la bóveda, se alternan imágenes de profetas y sibilas sobre tronos de mármol, junto con otros temas del Antiguo Testamento y los antepasados de Cristo.

El Juicio Final

• 1536 comenzó a trabajar en el fresco del Juicio Final para decorar la pared situada tras el altar de la Capilla Sistina, concluyendo en 1541.

• Cristo, en actitud de juez, se convierte en el centro de la composición; a la izquierda, la salvación de las almas que van ascendiendo al cielo; a la derecha, los condenados que van cayendo a un infierno dantesco.

• El propio Miguel Ángel aparece retratado en la piel desollada de san Bartolomé, a los pies de Cristo.

Raffaello Sanzio 1483 – 1520“RAFAEL”

• Busca ante todo la grazia, o belleza equilibrada y serena. Sus Madonnas recogen las novedades de Leonardo en lo que se refiere a composición y claroscuro, añadiendo una característica dulzura.

• Primera obra documentada el Pala Baronci, una pala de altar para la iglesia de San Nicolás de Tolentino.

• Pintó otras obras para las iglesias de Perugia y Città di Castello, entre las cuales destaca Sposalizio della Vergine

• Pala Baronci Retablo, óleo sobre madera.

Angelo 1501

• Oleo sobre madera 31 x 27 cm

Sposalizio della Vergine 1504• Representación mecánica,

calibrada y calculada. Enlaza la parte superior de la tabla con la inferior usando las losas del pavimento, que subrayan la fuga de perspectiva, y de las apropiadas disposiciones de las figuras.

• El sacerdote es de el centro focal, está entre la Virgen y las mujeres, y san José, y todos los hombres.

• Las figuras se inscriben en un semicírculo, forma circular que se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de la tabla.

• Madonna col Bambino, san Giovannino e un santo bambino oleo sobre madera 87 cm 1504 - 1505

• La bella giardiniera (Madonna con il Bambino e San Giovannino) Oleo sobre madera 122 x 80 cm 1507

• Scuola di Atene Representa la Filosofía, se narra una sesión entre los filósofos clásicos. Adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros

laterales sobresalientes

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea – 2: Epicuro – 3: Federico II Gonzaga – 4: Bohemio o Anaximandro o Empedocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno – 8:Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatía o el joven Francesco Maria della Rovere – 10: Esquines o Jenofonte – 11: Parménides – 12: Sócrates – 13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la Etica – 16: Diógenes de Sinope – 17: Plotino? – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante)? – 19: Estrabón o Zoroastro? – 20: Claudio Ptolomeo – R: Rafael como Apeles – 21: El Sodoma como Protógenes

Pitágoras

Zaratustra y Tolomeo

Heraclito

• Aunque se seguirán haciendo obras religiosas, • Se advierte un claro aire profano• Se reintroduce el desnudo y el interés por la anatomía • Aparecen nuevas tipologías técnicas y formales, • El relieve en stiacciato (altorrelieve con muy poco resalte, casi plano) • El tondo, o composición en forma de disco• Aparece un inusitado interés por la perspectiva, derivado de las

investigaciones arquitectónicas coetáneas, y el mismo se plasma en relieves, retablos, sepulcros y grupos escultóricos.

• Mármol• Escultura monumental en bronce• También la iconografía se renueva con temas mitológicos, alegóricos

y heroicos.

EsculturaQuattrocento (1400 - siglo XV)

Nuevas Técnicas en la EsculturaEl relieve en stiacciato (altorrelieve con muy poco resalte, casi plano)

San Jorge salva a la princesa, primer ejemplo de relive en stiacciato y perspectiva central por Donatello.

El Tondo Taddei, en la Royal Academy of Arts de Londres.

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi)

• Escultor florentino (1386-1466)

• 1403 ingresa como ayudante a la bodega de Lorenzo Ghiberti.

• PERIODO FORMATIVO (1403-1425)

Influencias de la escultura gótica, con tendencia clásica y realista.

San Marco (1411-1412) Chiesa di Orsanmichele)

San Giorgio (1415-1417) Bargello-Firenze.

San Giovanni Evangelista (1413-1417) Opera del Duomo di Firenze.

• SEGUNDO PERIODO (1425-1433)

1425-1435 Trabaja con el escultor y arquitecto florentino Michelozzo

Obras:

Monumento decicado a Bartolomeo Aragazzi (Duomo di Montepulciano)

Il David (1430-1435)

• Primera escultura renacentista de un desnudo

• Marca un alejamiento de la rígida verticalidad característica de la escultura gótica.

Il Gattamelata (Erasmo di Narni) Tercer Período

• Estatua ecuestre en bronce sobre pedestal de mármol.

• inspirada en la escultura ecuestre del emperador romano Marco Aurelio.

• La trabajó en terracota y madera, hizo uso de la perspectiva de Brunelleschi para ejecutar sus relieves.

Giuditta e Oloferne (ca. 1455); Sala dei Gigli, Palazzo Vecchio

EsculturaCinquecento (1500 - siglo XVI)

Michelangelo Buonarroti (1475-1564),

• Al los 16 años realiza Battaglia tra Lapiti e Centauri Combate de los lapitas y los centauros y la Madonna della scala

• 1492 Fallece su mecenas Lorenzo el Magnifico y dos Años después abandona la ciudad.

• 1494- 1495 Fija su residencia en Bologna.

• Se traslada a Roma y realizasu primera escultura a gran escala, Baco (1496-1498, Museo del Bargello, Firenze

La Pietá 1498-1500

• Se trata de una escultura de bulto redondo sobre pedestal. Mide 174 cm de alto, por 195 cm de ancho, por 69 cm de profundidad. De composición piramidal, el tipo predilecto durante el renacimiento, el eje vertical de María se contrapone a la horizontalidad del Cristo, que yace sobre las piernas de su madre casi desnudo, contrastando con los pliegues de las vestiduras de la Virgen. El volumen de María delimita y proporciona un entorno cerrado para el grupo escultórico.

• La Virgen rostro bellamente idealizado y extrañamente juvenil debido al idealismo propio del siglo XV, alusión a la pureza inmaculada de María.

• Expresión: una piadosa resignación, propia de la contención y del equilibrio renacentista.

• Rico modelado de los pliegues de su vestido contrasta con el cuerpo desnudo de Jesucristo, cubierto sólo con el paño de pureza.

• Se muestra a la perfección su anatomía.

• Del cuerpo del Cristo yacente han desaparecido todos los signos de la Pasión.

• Miguel Ángel no busca la representación objetiva de la muerte, sino expresar su propia visión religiosa en ese rostro abandonado y sereno.

• Diferencia entre ambos cuerpos: el de la Virgen parece excesivamente grande en comparación con el de su hijo, aunque el rostro de este parece más maduro que el de su madre.

David 1501-1504

• David aparece representado como un joven atleta desnudo, musculoso, en tensión, con la mirada fija en la distancia, buscando a su enemigo.

• La intensa y penetrante mirada, la fuerza expresiva que emana del rostro es el mejor ejemplo de la terribilità miguelangiolesca.

• Es la escultura más famosa de Miguel Ángel, llegó a convertirse en el símbolo de Florencia, colocada en un principio en la Piazza della Signoria, frente al Palazzo Vecchio. sede del ayuntamiento de la ciudad.

• 1910 se colocó en ese lugar una copia del original que se encuentra en la Academia.

• 1505, Mihelangelo recibe el encargo del papa Julio II de realizar su tumba

• Planeada como la más magnífica y grandiosa de toda la cristiandad, para ser emplazada en la nueva basílica de San Pedro.

• Comprendía la talla de más de 40 figuras.

• La escasez de dinero, llevó al Papa a ordenar a Miguel Ángel abandonar el proyecto en favor de la decoración del techo de la Sixtina.

• Mihelangelo lleva a termino algunas de sus mejores esculturas con destino a la tumba de Julio II, entre las que destaca el Moisés (c. 1515), figura central de la nueva tumba. El musculoso patriarca aparece sentado en actitud vigilante dentro de un nicho de escasa profundidad, sosteniendo las tablas de la ley y con su larga barba entrelazada en sus poderosas manos. Parece distante, en comunicación directa con Dios, y con una mirada que resume a la perfección la sensación de terribilità.

• Otras dos magníficas estatuas destinadas a esta tumba, demuestran claramente los modos miguelangiolescos de abordar la escultura. Concibió las figuras como seres atrapados en el bloque marmóreo, que al ser tallados van liberando sus formas. Aquí, como en muchas otras obras suyas, deja las formas inacabadas (non finito), algunas veces por considerar que ésa era la forma deseada y otras por haber abandonado el proyecto durante su realización.

Schiavo morente y Schiavo ribelle 1510-1513, Louvre, París

Tombe Medicee

• Una de las tumbas se destinó a Lorenzo II de Medici, duque de Urbino (1492-1519); la otra a Giuliano de Medici, duque de Nemour (1479-1515).

• Se concibieron como representación de dos actitudes yuxtapuestas: la de Lorenzo, contemplativa, introspectiva; la de Giuliano, activa, extrovertida.

• Dispuso también sobre ellas magníficas figuras desnudas personificando a la Aurora y el Crepúsculo, bajo la figura sedente de Lorenzo, y el Día y la Noche bajo la de Giuliano

San Pietro

• Obra cumbre de Michelangelo como arquitecto fue la basílica de San Pedro, con su impresionante cúpula.

• Siguiendo el esquema de Bramante, diseñó un templo de planta de cruz griega coronado por una espaciosa y monumental cúpula sobre pechinas de 42 metros de diámetro.

• Posteriormente, Carlo Maderno modificó la planta original y la transformó en una planta de cruz latina.