B-side Magazine N1

RADIOHEAD · RECORDANDO AL GENIO GIL SCOTT-HERON SELAH SUE · BEYONCÉ · BEADY EYE · THE VACCINES

KINGS OF LEON · ENTREVISTAMOS A RUTH LORENZO VETUSTA MORLA · JAMIE WOON · ARCTIC MONKEYS

ARTE EN TRES DIMENSIONES DISEÑO DE INTERIORESL'ENFANT TERRIBLE" DE LA MODA JOHN GALLIANO

ESPECIAL FESTIVALES · 25 AÑOS FABRICANDO SUEÑOS PIXAR

B-SIDEMG.COM

AdeleEL ÉXITO TIENE NOMBRE PROPIO

N1 VERANO 2011

MÚSICA · ARTE · CULTURA · CINE · DISEÑO · TENDENCIAS · ESTILOS DE VIDA

Todo listo para el despegue. Muchos meses espe-rando poder pronunciar estas palabras. Y por fin ha llegado el momento, querido lector, tu que te

acercas con curiosidad a estas páginas, de disfrutar de otro punto de vista de la cultura. Un magazine diferen-te en muchos aspectos, con espíritu joven, que nace de gente joven. Esa generación que se moviliza, que tiene especial relación con el arte. Como tu. Jóvenes (y no tanto) que abarrotan las salas de conciertos y festivales, que acuden al cine o disfrutan de un buen libro. Esta re-vista está hecha por y para ti, pero sobre todo contigo. Cuando me planteé esta locura que ha resultado ser dirigir un medio musical, tenía en mente ofrecer algo novedoso. DIFERENTE. De ahí B-side; esas "caras B" desconocidas por muchos que completan los singles de nuestros artistas favoritos. Temas que en muchas oca-siones superan la calidad de los propios sencillos. Y he ahí el eje de nuestra filosofía, ofrecer un periodismo musical (aunque no solo de música vive el hombre) se-rio, sin tapujos y por encima de todo, sin prejuicios ni ataduras. Simplemente música en su mejor estado, aque-llo que en pocos espacios encontrarás como en B-side. Todo ello además, acompañado de un diseño puntero. Porque para hablar de arte, hay que hacerlo con arte. No puedo, ni debo, decir mucho más. Desde aquí mi agra-decimiento a todos y cada uno de los que conforman este ambicioso proyecto. Sin vosotros esto no tendría sentido. Y a ti, querido lector (está empezando a gustarme esta expresión), simplemente desearte que disfrutes de B-si-de tanto como los que trabajamos en ella. y que nos vea-mos por muchos y muchos números más. ¡SALUD!

JESÚS ROMÁN (DIRECTOR)

editorial

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B.SIDE | VERANO 2011

EDITORIAL · NÚMERO 1

staffDIRECCIÓN / DIR. CREATIVAJESÚS ROMÁN

REDACCIÓN - MÚSICAJESÚS ROMÁNJAVIER DECIMAVILLALAURA SERRANO-CONDEPABLO DELGADOTALY ARJONASANTIAGO TADEOANAY TRAMULLAANDRÉS ARAGÓNROBERTO CORTÉSADRIÁN CIUTATDANIEL VALLS HALLINGMARVIN SENSEGONZALO GALLEGOOSCAR SANTOS

MODAPABLO DELGADOLUIS A. BERRENDERO

DISEÑO INTERIORESCRISTINA JOVER

CINEOLGA FRANCOFEDE CASTAÑO

FOTOGRAFÍADANNIEL ROJAS

DISEÑO WEBRUBÉN LÓPEZ

[email protected]

BUZÓN DE SUGERENCIAS, COLABORACIONES Y GESTIÓN DE [email protected]

WWW.B-SIDEMG.COM

sumario4 · KINGS OF LEON 8 · GILL SCOTT-HERON

12 · THE VACCINES 16 · ESPECIAL FESTIVALES

21 · 40 ANIVERSARIO BITCHES BREW: MILES DAVIS

23 · VETUSTA MORLA23 · RADIOHEAD26 · BEYONCÉ

36 · ENTREVISTA PABLO DELGADO 39 · BON IVER40 · LEONARD COHEN: PREMIO PRÍNCIPE DE ASTURIAS

52 · ESPECIAL HIP-HOP ESPAÑOL54· ENTREVISTA RUTH LORENZO60 · JANELLE MONAE

62 · ESPECIAL DISEÑO DE INTERIORES67 · TEATRO 70 · ESPECIAL JOHN GALLIANO

82 · ESPECIAL 25 AÑOS DE PIXAR86 · ENTREVISTA MAXIM HUERTA

31· PROMESAS DEL INDIE


3SUMARIO · NÚMERO 1

46 · ADELE

En 2008, los Followill descubrieron el éxito masivo. Después de tres discos de gran calidad con los que cosecharon grandes críticas y un selecto grupo de

seguidores, Only By The Night les consagró en la cima, alejándolos del mundo underground y presentando en sociedad a una nueva banda de rock de estadio.Tras dar con la fórmula de dicho éxito, el año pasado presentaron Come Around Sundown, su nuevo trabajo. Es cierto que Only By The Night supuso un antes y un des-pués en la carrera de Kings of Leon, tanto a nivel de ven-tas, como de seguidores y sonido, por tanto había cierta inquietud por conocer la nueva propuesta de la banda de Nashville. En momentos, ellos mismos habían declarado no sentirse totalmente a gusto con su nueva condición de estrellas de rock, por tanto este álbum debía dar muestras del sendero musical que querrían trazar en su carrera.Come Around Sundown cuenta con canciones que siguen la línea de los éxitos de su anterior trabajo como Sex on fire o Use somebody. Así, encontramos auténticos himnos como la potente The End, Radioactive y sus representativas guitarras o la adictiva Pyro, de lo mejor del disco. Por otro lado, también encontramos ecos a los primeros Kings of

Leon con canciones que inevitablemente remiten al se-guidor del grupo al sonido de los discos pre-estadio. De esta forma, temas como Beach Side y, sobre todo, Back Down South, se acercan a dichas raíces de rock su-reño. Otras parcelas del álbum tienen una querencia de rock más clásico, como es el caso de The inmortals.El intento del grupo de alejarse de su nuevo status me-diático queda quizás algo manido, debido en gran parte al acercamiento que hay en ciertas ocasiones al soni-do de sus incontestables éxitos anteriores. Se presume por tanto cierta bipolaridad en este quinto trabajo de la banda, salpicado por la clara intención de reconciliar y contentar tanto a los seguidores de los Kings of Leon de los orígenes como a los de los últimos años.Debido en gran parte a la complicada tarea de superar lo ocurrido hace casi tres años, la repercusión musical de este trabajo es menor de la esperada. Aun siendo éste un excelente álbum de rock de una de las mejo-res bandas que existen actualmente, no están claras las intenciones que se presuponían antes de editarlo, ni la línea a seguir de cara al futuro.

Kings of LeonPOR JAVIER DECIMAVILLA

4


B-CRITIC · MÚSICA

Con tan sólo 21 años, la joven belga Selah Sue es ya toda una revelación. Su cara dulce y angeli-cal contrasta con su voz potente, desgarradora

y melancólica. Única. Quiere ser la nueva voz del soul y, aunque no le importa que le comparen con artistas de la talla de Amy Whinehouse, su sueño es hacerse un hueco al lado de las leyendas. Billie Holliday o Aretha Franklin son solo algunas de sus referencias más evidentes. Su debut, que lleva por título su propio nombre, es un álbum ambicioso y brillante, intenso, nostálgico, en el que distintos estilos como el reggae, el soul, el funk o el hip-hop se funden en un todo, desembocando en una perfecta armonía musical. Tanto es así, que des-de que saliera al mercado el pasado febrero, no ha he-cho más que recibir halagos de crítica y público. Ahora lo presenta en una gira promocional que le llevará por Europa y que finalizará el próximo 27 de agosto en la localidad francesa de Charleville-Mézières.

Hija de madre belga y padre jamaicano, comenzó los estu-dios de Psicología en la Universidad de Lovaina, su ciudad natal. Pero pronto se dio cuenta de que su futuro era ser cantante. Inspirada por artistas como Lauryn Hill, Erykah Badu o Bob Marley, se inició en el mundo de la música cantando en clubs locales durante los fines de semana. Pero su pasión fue creciendo y haciéndose cada vez más intensa con el paso del tiempo. Por ello, decidió grabar algunos temas en estudios caseros y colgarlos en la red MySpace. La acogida fue masiva. En tan sólo unos meses, miles de usuarios escucharon sus canciones, y poco des-pués, le ofrecieron la posibilidad de grabar su primer disco. Su ópera prima, es un trabajo musical sensible y since-ro, profundo y oscuro. Es el álbum de su vida. En él, están incluidas todas las baladas que compuso duran-te su adolescencia. Canciones como Crazy Vibes, This World, Moomy o Raggamuffin reflejan sus inquietudes más profundas, sus miedos y sus sueños, sus complejos y sus pensamientos más íntimos. Sin duda, una auténtica delicia para los amantes de la buena música.

POR LAURA SERRANO-CONDE

DERECHA © CEDRID VIOLETIZQUIERDA © JEAN BAPTISTE MONDINO

Selah Sue


5B-CRITIC · MÚSICA

SIETE Y MEDIA DE LA TARDE DE UN VIERNES CUALQUIERA. SABOR

A CERVEZA EN LOS LABIOS Y UN VIBRATO IMPOSIBLE SURCANDO

EL ESPACIO HASTA MIS OÍDOS. EL ÚLTIMO ÁLBUM DE LA CANTANTE

GALESA DUFFY PONE TAMBIÉN TÍTULO A ESTA TARDE FRÍA EN LA CAPITAL MADRILEÑA: ENDLESSLY,

“SIN FIN”. COMO ESTOS PEQUEÑOS MOMENTOS DE RÉLAX

QUE DEBERÍAN SER ETERNOS

No así el éxito masivo de esta heredera directa de Dusty Sprin-gfield; ni Well, Well, Well, carta de presentación en forma de single, ni el propio álbum, están cosechando los resultados es-

perados después de que aquel golosísimo Mercy hiciera de ella la estrella internacional que quizá hoy sigue siendo. Cierto o no, jugar en la liga de campeones es una práctica de riesgo para una segunda apuesta disco-gráfica. Sin embargo, y aunque con Rockferry cautivara a medio planeta por su sonido crudo, soul aquí, pop allá, siempre con aires sesenteros, la británica ha sabido evolucionar de la mano de lo que la industria exigía de ella, sin perder ni un ápice de su esencia. Es por ello que en Endlessly todo suena a fresco. Arreglos, melodías vocales e incluso las composicio-nes dan paso a una Duffy más segura de sí misma, que explota su imagen de Olivia Newton-John con nuevos aires de femme fatale. No hay más que ver el videoclip que acompañó el lanzamiento de Well, Well, Well.

Mientras ella canta más Duffy que nunca ¿Por qué me estás haciendo este tercer grado cuando no soy culpable de lo que me acusas?, las percusiones del siempre soberbio Questlove, líder de la banda nor-teamericana de hip-hop The Roots, se apoderan de nuestros hombros y nuestras caderas… Si no te re-mueves en tu asiento, estás perdido.Para esta nueva fórmula uptempo Duffy ha recu-rrido a colaboradores de lujo como Jaymes Poy-ser en los teclados o el afamado (y premiado) arreglista y compositor Oliver Kraus al frente de las orquestaciones -Sia o Christina Aguilera son clientes habituales del inglés-. El resultado se ajus-ta perfectamente a esa fiebre por retorcer lo re-tro con aderezos de modernidad: y mientras en Rockferry se deshacía en melancolía a golpe de arreglos folk y flema británica, en esta segunda entrega la también actriz se desquita de ese aire lánguido con temas como Keeping My Baby, Girl,

DUFFYPOR JESÚS ROMÁN

Lovestruck o My boy que dejan hueco a los sintes donde antes premiaban las guitarras acústicas. Si algunas notas quedan de la Duffy de Rockfe-rry en Endlessly, están en Don’t Forsake Me o esa evolución del ya mítico Warwick Avenue que es Too Hurt Too Dance. Equilibrando así el reperto-rio que un álbum de la altura mediática de este ha de tener. Con todo, Endlessly adolece de cierta falta de personalidad y la calidez que sí tenía su debut, razón más que probable para que esta apuesta no termine de cuajar en el gran público.Quizá como un plan B para emergencias, la ar-tista estrenaba el pasado año otra de sus face-tas menos conocida, la de la interpretación, a las órdenes del director independiente Marc Evans en el film dramático Patagonia. Ahora solo nos queda que se deje caer por nuestro país para comprobar si encima del escenario sigue tan resolutiva como de costumbre…


7B-CURIOUS · MÚSICA

VALIENTE, SOÑADOR, COMBATIVO, CRÍTICO CON SU TIEMPO, ESCRITOR, MÚSICO, PERO SOBRE TODO, POETA. ASÍ FUE GIL SCOTT-HERON, UN AUTÉNTICO ICONO DE LA MÚSICA QUE

SENTÓ LAS BASES DEL RAP EN LOS AÑOS 70 CON SU CANCIÓN INSIGNIA “THE REVOLUTION WILL NOT BE TELEVISED”


Gil Scott-Heron

EL 27 DE MAYO FALLECÍA EN NUEVA YORK DE UNA INFECCIÓN CONTRAÍDA DURANTE SU GIRA POR

EUROPA EL PASADO AÑO. EN SU FUNERAL, CELEBRADO EN UNA IGLESIA DEL MÍTICO BARRIO DE HARLEM, FUE DESCRITO COMO UN VERDADERO GENIO DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA Y

EL MÁXIMO EXPONENTE DE LA “SPOKEN-WORD”

Un año después, vendría Pieces Of A Man, un álbum de extraordinaria calidad en el que se incluirían temas tan emblemáticos como Home Is Where The Hatred Is, The Prisoner o The Revolution Will Not Be Televised, con-siderada la primera canción de hip-hop.

Pero a mediados de los años 80, el hom-bre que había retratado el impacto de las adicciones en canciones como The Bottle o Angel Dust, caía prisionero en el infier-no de las drogas. Su adicción al crack y a la heroína le sumó en una auténtica espiral de autodestrucción que le llevó a ingresar en prisión, donde cumplió una condena de año y medio por posesión de drogas. Su silencio fue apenas interrumpido en febrero de 2010 con la publicación de su último disco We´re New Here, un álbum que publicó junto al músico Jaime XX y que presentó durante el pasado año en una gira europea. A su regreso a Nueva York, tuvo que ser ingresado a causa de una infección que había contraído durante el tour. Lleva-ba enfermo de sida más de dos décadas y sus defensas se habían debilitado demasia-do. Pocos días después, moría en el hospital St. Luke de Nueva York. No obstante, la calidez de sus melodías y la fuerza de sus letras serán inmunes al paso del tiempo y la figura de Gil Scott-Heron será siempre recordada, pues no sólo fue el padre del rap, sino que es y será una le-yenda musical.

"SCOTT-HERON FUE RECONOCIDO POR MUCHOS COMO EL INVENTOR DEL RAP, AUNQUE NUNCA SE

SINTIÓ CÓMODO CON ESTE TÍTULO. 'ESTÁN

EQUIVOCADOS', DECÍA"

EL ORIGEN DE UNA LEYENDA

EL PADRE DEL RAP

UN AGITADOR DE MASAS

LA DECADENCIA DE UN GENIO

Nacido en Chicago en 1949, Scott-Heron fue hijo del primer futbolista negro que fichó el Celtics de Glasgow, Gil Heron, un hombre seducido por el dulce aroma de la fama, que no dedicó el tiempo suficiente a su familia, por lo que su hijo Scott-Heron pasó prácticamente toda su niñez al cuidado de su abuela. Amante de la poesía y de la música, se dio a conocer por sus representaciones habla-das a finales de los años 60, aunque no fue hasta 1970 cuando realmente comenzó su carrera profesional. Fue entonces cuando, acompañado por un piano y por el seco so-nido de los bongos, lanzó al mercado su pri-mer trabajo, A New Black Poet: Small Talk at 125th and Lennox, un disco que ya deja-ba entrever parte del talento que mostraría durante la década siguiente. Había nacido, por primera vez, un poeta negro que no parecía tener miedo a expre-sar su decepción con la época que le había tocado vivir. Y así, con una voz cálida y pro-funda, pero desgarradora al mismo tiempo, Scott-Heron se armó de valor y protestó, a través de temas como Evolution (And Flas-hback), Enough o Who´ll Pay Reparations On My Soul?, contra el acoso que los blancos habían sometido a los negros durante siglos.

Este tema, crítico y amargo, se convirtió en auténtico alegato contra la superficiali-dad del mundo, contra la globalización y el consumismo impulsivo e irracional de una sociedad embobada que, a su juicio, nave-gaba sin rumbo. Tras la publicación de este clásico, Scott-Heron fue reconocido por muchos como el inventor del rap, aunque nunca se sintió cómodo con este título. “Están equivocados”, decía. Sea como fuere, de lo que no hay duda es que The Revolution Will Not Be Televised permanecerá en los anales de la historia de la música y hoy, cuarenta años después de haber sido compuesta, vuelve a estar más de actualidad que nunca, al ser recupera-da por el movimiento juvenil “15-M”, que la ha convertido en uno de sus principales himnos de protesta.

A este disco le siguieron otros como Free Will (1972), Winter in America (1974) o The First Minute Of A New Day (1975). Consi-derado la voz del activismo afroamericano, se convirtió durante la década de los seten-ta en una de las figuras más importantes de la música negra. Su estilo provocador, visceral y revolucio-nario se extendió con rapidez por todo el mundo, y sus letras, siempre brillantes, se convirtieron en lemas de denuncia con-tra la injusticia, la hipocresía política, la in-moralidad, el racismo y la xenofobia. Su mensaje inspiraría años después a estre-llas del rap como Snoop Dog, Eminem, Public Enemy o Kanye West, que utili-zarían algunos de los fragmentos de sus canciones para escribir sus propios temas.

GILL SCOTT-HERON 1949-2011


9B-FAMOUS · MÚSICA

BENÉTERIC

LA CRISIS DE LOS 40, POR SER CRISIS, LLEGA CUANDO LE DA LA GANA. ALGUNOS PUEDEN RETRASARLA, PERO ES INEXORABLE. DESPUÉS DE SU ÚLTIMO DISCO, ERIC BENÉT PUEDE IR

CONTÁNDOSE ENTRE LAS VíCTIMAS

Tan pausado como ha sido siempre en sus creaciones, parece que Lost in Time ha salido demasiado pronto y se ha que-

dado a medio hacer. Y el título no engaña, des-de luego, porque así, perdido en el tiempo, se ha quedado. O quizá sea mejor decir 'repetido en los tiempos', porque no se me negará que Never Want To Leave Without You suena igual que la canción que da nombre al disco y, a su vez, ambas guardan un extraño parecido con ese You're The Only One que abría el anterior. Aún recuerdo la noche en que escuché por primera vez el single Sometimes I Cry. Me quedé a cuadros, aunque por algo positivo. La canción le da cancha a lo que mejor sabe hacer, modular la voz, llevarnos de un lado para otro con tanto arrebato. Algún abuso del agudo, pero con un resultado final más que notable. Este cab*** lo ha vuelto a hacer, pen-sé para mí. Viniendo de uno de los "maduros más interesantes" del R&B no esperaba decepciones, que ya estamos mayorcitos. Eso es lo que ha sido. Hay demasiados temas que solo sirven de hilo mu-sical para la espera entre los que realmente mere-cen la pena. Y a excepción del mencionado single, suelen ser los que tienen compañía. Más de una década después, sigue guardando un gran feeling con Faith Evans. Han pasado 12 años entre aquel Georgy Porgy que supuso su primer gran éxito en las listas y el Feel Good, pero todavía saben cómo hacer que nos movamos a su ritmo.

Pertenecen a la misma generación de "novente-ros" y se entienden. Ledisi es un poco posterior, pero sirve para poder escuchar un mano a mano entre dos voces privilegiadas. Como ya demostró en su último disco, a la de Nueva Orleans no le importa salirse de su tiesto y afrontar terrenos más movidos como el que propone Good Life. Los hay más conservadores pero que logran igualmente el resultado, como Eddie Levert. Paid lleva el inconfundible sello que ha dejado su fa-milia en la música, y es Eric Benét el que hace un buen trabajo adaptándose. Ocurre que aquí se acaban las buenas noticias para todos. Take It tiene la clase que suelen tener las canciones que cuentan con Chrisette Michele, pero como a tantas otras del disco le pasa algo imperdona-ble: no termina de arrancar. Oyes que algo se repite, pero esperas que eso no sea el estribillo.En algo se tenía que notar el paso del tiempo. En su debut, Eric Benét incluyó el tema While You Were Here, dedicado a la esposa que había perdi-do recientemente en un accidente de tráfico. Hoy ya colabora en Summer Love con el fruto de aque-lla relación, su hija India, que en aquel momento apenas tenía unos meses.Siendo quien es era inevitable que el álbum tuvie-ra algún momento brillante, pero son los menos. Sólo pedía un poco más de tiempo. Al menos has-ta que pudiera encontrar esas Chocolate Legs que todavía sigo buscando...

POR ANDRÉS ARAGÓN



POR JAVIER DECIMAVILLA

The Vaccines se nos presentan como un grupo sin más pretensiones que hacer un efectivo post-punk de afi-ladas guitarras, auténtico rock indie británico del siglo XXI. Sin duda este disco no pasará a la historia por su aportación al ideario de la música popular, pues todas y cada una de las canciones nos remiten directamen-te a sensaciones ya conocidas y puestas en valor por Ramones, Editors, Glasvegas y The Strokes, por citar algunas de las muchas influencias que se aprecian en el álbum. Pero es innegable el valor instantáneo que tiene el trabajo gracias a sus enérgicos riffs de guitarra, sus potentes estribillos o su contagioso juego de armonías.

Quizá sea una fórmula muy repetida, pero la efectividad con que se construye este disco es digna de mencionar. La frescura que tiene este primer álbum de The Vaccines no hace presagiar lo que depararán sus próximos traba-jos. Sólo el tiempo dirá si se convierten en un grupo de singles y fenómeno temporal o hay algo más detrás de esas expectativas que se están depositando en ellos.

Con un título tan premonitorio como What Did You Expect From The Vaccines? se presenta una nueva banda en la rica escena musical inglesa.

Quizás quieran regular el clima de expectación que ha surgido en los últimos meses en torno al que iba a ser su debut discográfico. El primer trabajo de los chicos de Londres se presenta como un ejercicio de rock directo, sin complejos, inmediato. Once canciones (más un track escondido) comprimidas en sólo 37 minutos, hacen de este disco una obra de fácil digestión para el consumidor medio de los enérgicos sonidos que se ofrecen en él.La sensación general al escuchar las canciones de The Vaccines es que no sorprenden, no ofrecen nada nue-vo; o sí, porque este disco está plagado de hits, singles en potencia, temas altamente cualificados para un buen directo. Encontramos auténticos himnos como If You Wanna, o la incontestable Wreckin' Bar (Ra Ra Ra), me-dios tiempos como Wetsuit o la sensacional Post Break-up Sex. En la variedad y fluidez de los cortes residen las mayores virtudes del álbum.

The Vaccines

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B-CRITIC · MÚSICA

Foo Fighters


temas como White Limo, las incendiarias guitarras que envuelven las canciones del disco, como en el caso de Miss The Misery, se convierten en claros ejemplos del po-tencial de este disco. Sin olvidar la profundidad de Dear Rosemary o la sensibilidad de These Days, donde se apre-cian con suficiencia los recursos musicales del quinteto.Después de seis discos de estudio y un “Greatest hits” bastante esclarecedor, Foo Fighters han regresado con uno de sus mejores trabajos bajo el brazo, con el que nos remiten a sus propias raíces y salvan el bache en el que se habían sumido con sus últimas entregas, recor-dándonos la frescura que mostraron en sus primeros álbumes durante la segunda mitad de los 90. Definitivamente Wasting Light es un ataque sincero y directo a todo aquel que se acerque a descubrirlo. La fuerza que emana de sus acordes y la doliente pasión que destila la voz de Dave Grohl, hacen de éste un disco de puro rock, de los que cada vez está más huérfano el panorama musical del momento. Era necesario algo así, para ellos y para nosotros.

Cuando la creatividad y espontaneidad de un gru-po es tan cuestionada como lo ha sido en los últimos tiempos la de Foo Fighters, no es fácil

ofrecer una revitalizadora y redentora muestra de que eso no está ocurriendo. Pero Dave Grohl y los suyos lo han hecho, han alejado sus fantasmas y se han puesto manos a la obra para ofrecer al mundo uno de los mejo-res discos de rock de los últimos años.Suena a catarsis colectiva el hecho de contar con el pro-ductor Butch Vig (responsable del mítico Nevermind de Nirvana) y con colaboraciones como la de Krist Novose-lic (bajista de la extinta banda de Seattle) para este Was-ting light, y puede que sea así, pero no por ello se des-merece la profundidad del reciente trabajo de la banda. Desde los desgarradores primeros acordes de Bridge Bur-ning queda claro que éste no es un disco más en la carre-ra del grupo, no hay más que leer con detenimiento las letras de cada una de las canciones, donde las numerosas referencias a temas como el pasado o la muerte, hablan de la clara madurez de Grohl y su escritura. La melo-día de Rope y su contagiosa estructura, la agresividad de



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B-CRITIC · MÚSICA

POR JESÚS ROMÁN

actual (sus directos rozan siempre lo exquisi-to). Pero sobre todo, uno de esos raros ejem-plos de honestidad lírica. Sin tapujos, sin rodeos y siempre con un nivel poético que estreme-ce. Demuestra una vez más que este es su me-dio natural, que la música es el lenguaje más humano para expresar sentimientos. Y que de sentimiento va ella más que sobrada. Comienza este nuevo tercio con Blessed, sintién-dose afortunada y dando gracias, para ir profun-dizando más y más conforme avanza el álbum en su faceta más salvaje, con percusiones que rozan el hip-hop y que le permiten recuperar lo más selecto del paisaje sonoro de los 70 (y por en-cima de todo, su espíritu) sin caer en lo vintage. So In Love, ese Shame con aires de la costa Oeste o Making You Wait ponen el contrapunto uptem-po a un álbum con gusto por lo sosegado, por lo orgánico, en el que jazz y soul vuelven a fundirse con la contundencia habitual con la que la cantante acompaña a su banda. Maravillas como So Gone, Hear My Call y Missing You desnudan de artificio una vez más su repertorio y el alma de su autora y, a pesar de ligeros baches como el repetitivo y anecdótico All Cried Out (ya conocíamos de ante-riores entregas su gusto por el beatbox), se per-mite el lujo de regalarnos el disco del año, al me-nos en lo que a menesteres “negros” se refiere. Bienvenida de nuevo, maestra. Todo un placer.

Carisma, calidad interpretativa, composicio-nes de órdago… Hablamos por supuesto de la de Chicago, nuestra Jill Scott, que re-

gresa al panorama musical tras un breve pero in-tenso espacio de tiempo dedicada a la interpreta-ción, reclamando con elegancia el trono de reinona absoluta del soul contemporáneo que le corres-ponde por derecho (si Erykah Badu nos permite la licencia). Y lo hace con su trabajo más complejo hasta la fecha, The Light Of The Sun, una colección de temas en los que la vocalista se permite co-quetear con terrenos más urbanos a los que nos tiene acostumbrados, al menos en el estudio. Parece que el cambio de discográfica le ha sentado bien a la Scott, recordemos la polémica y la batalla judicial surgida a partir de su brusca salida de la casa que la vio nacer, Hidden Beach, entendemos que por discrepancias artísticas. El nivel de crea-tividad fluye por los temas de su cuarto elepé con una seguridad y una madurez sorprendente inclu-so para la autora de He Loves Me, Golden o A Long Walk, entre otras joyas que forman parte de una ya dilatadísima carrera que se remonta al inspirado Who is Jill Scott? de hace algo más de una década.Por entonces nos planteaba aquella pregunta/metáfora para ilustrar el nacimiento de su ópera prima. Y hoy por hoy, no queda ninguna duda de quien es Jill Scott, un animal escénico como po-cos se conocen en el superficial mundillo artístico

Scott

"JILL SCOTT REGRESA AL PANORAMA MUSICAL RECLAMANDO CON ELEGANCIA EL TRONO DE REINONA ABSOLUTA DEL SOUL

CONTEMPORÁNEO QUE LE CORRESPONDE POR DERECHO. Y LO HACE CON SU TRABAJO MÁS COMPLEJO HASTA LA FECHA, THE LIGHT OF THE SUN"

Jill




B-CRITIC · MÚSICA

BACKSTAGE LOW COST FESTIVAL © www.flickr.com/photos/cesar/

SOL, CALOR, VACACIONES, CHIRINGUITOS, SOMBRILLA, PLAYA… EL VERANO YA ESTÁ AQUÍ. Y CON ÉL, LOS FESTIVALES DE MÚSICA. POR FIN, LA ESTACIÓN MÁS ESPERADA DEL AÑO HA LLEGADO. AHORA, TIENES POR DELANTE TRES MESES DE LOCURA, PASIÓN, MAGIA Y DIVERSIÓN, EN LOS QUE CUALQUIER SUEÑO ES POSIBLE. ES EL MOMENTO DE HACER TODO AQUELLO QUE SIEMPRE HAS QUERIDO PROBAR PERO QUE POR MIEDO NO TE HAS ATREVIDO, ES EL MOMENTO DE VIVIR, DE DISFRUTAR Y DE DEDICARTE A TODOS TUS HOBBIES. SI UNO DE ELLOS ES LA MÚSICA, ESTÁS DE ENHORABUENA. PRECISAMENTE EN VERANO, LOS FESTIVALES PROLIFERAN COMO SETAS POR TODA LA PENÍNSULA PARA TRAERTE LOS ÚLTIMOS HITS DEL MOMENTO. ASÍ QUE TOMA NOTA, AQUÍ TE SEÑALAMOS ALGUNOS DE LOS MÁS RELEVANTES.

Vive la MÚSICA

VeRANOal SON del


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B-CURIOUS · ESPECIAL FESTIVALES

Tras la buena acogida del pasado año, en la que consiguió reunir a más de 16.000 asistentes en dos días de concier-to, vuelve con la misma energía el Freshweekend Festival. Será el epicentro de la música electrónica y se celebrará en la provincial de la Coruña los días 1 y 2 de julio. Si te gustan artistas como Marco Carola, Surgeon, Nick Curly, Astroboyz Live, Dj Bone o Patrice Scott, éste es tu sitio.

B-CRITIC · MÚSICA

FRESHWEEKEND FESTIVAL

Pocos días después, los artistas de mayor renombre den-tro y fuera de la Península aterrizarán en Bilbao para acu-dir a su cita en el BBK Live, uno de los macrofestivales de música pop rock más importantes de España. Coldplay, The Chemical Brothers, Beady Eye, o Thirty Second to Mars son algunas de las leyendas de la música que seguro emocionarán a sus seguidores con sus riffs de guitarra y sus solos de batería.

BILBAO BBK LIVE

Y los entusiastas de la música celta tienen en Ortigueira (La Coruña), los días 7 al 10 de julio, una cita ineludi-ble. Allí podrán disfrutar de los directos de formaciones como Luar Na Lubre, Urban Folk Quartet, The Elders o The Crass, durante 96 horas ininterrumpidas.

FESTIVAL DE ORTIGUEIRA

Se trata del segundo de los certámenes musicales con mayor proyección a nivel internacional. Grupos como Arctic Monkeys, The Strokes, Arcade Fire, The Under-tones o Plan B se subirán al escenario durante los días 14, 15, 16 y 17 de julio para hacer vibrar a las miles de personas que cada año colapsan el espacio del FIB con sus ritmos frenéticos. Cuatro días de auténtica música y más de 100 conciertos que no te puedes perder.

FIB (F. internac. de Benicasim)

También conocido como el Festival Internacional de las Culturas, Pirineos Sur celebrará su XX edición del 14 al 31 de julio en Huesca. Rubén Blades, Andrés Calamaro, Miquel Gil, Miguel Poveda, Habibi o Kiko Veneno son al-gunos de los artistas que ya han confirmado su asistencia a este macrofestival, que se ha convertido ya en un ver-dadero referente de la música española a nivel europeo.

FESTIVAL PIRINEOS SUR

Ubicado en Galicia, este festival ofrecerá, sólo durante un día (el 16 de julio), lo mejor del chillout, del indie, y de la mú-sica electrónica. El cartel aún no está confirmado, aunque la organización ha adelantado que estará compuesto por los DJ’s revientapistas más destacados del momento. Sin duda, un plan perfecto para disfrutar de una maravillosa puesta de sol y bailar la mejor música a la orilla del mar.

SUNSET FESTIVAL

La tercera edición de Low Cost Festival, que se celebra-rá del 21 al 23 de julio de 2011 en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm, apostará por grupos de indie-rock, fundamentalmente nacionales, para darles así un empujón y ayudarles a hacerse un hueco en el com-petitivo mundo de la música. Con un aforo de 40.000 personas, el espacio reunirá a más de cincuenta bandas entre las que se encuentran grandes nombres como Mando Diao, Vetusta Morla, Sidonie, Sexy Sadie, Lori Meyers, el Cosmonauta o Fangoria.

LOW COST FESTIVAL

CHRIS CORNELL BILBAO BBK LIVE 2009 © WWW.FEITICEIRA.ORG


17B-CURIOUS · ESPECIAL FESTIVALES

Durante los últimos días de agosto, -del 24 al 27- se cele-brará en Benicasim el Electrobeach Festival, una auténti-ca fiesta veraniega, perfecta para los amantes de la mú-sica discotequera. Pesos pesados como John Aquaviva, Steve Lawler, Planetary Asault Systems, Cristian Varela, Dj Wild o David Squillace llegan dispuestos a ofrecer una sesión “rompepiernas” y convertir este espacio en una gran pista de baile, que en nada envidie a la de los mejo-res clubes del mundo.

ELECTROBEACH FESTIVAL

Y para despedir el verano, el festival EnVivo reunirá en Madrid, del 8 al 10 de septiembre, a algunas de las más grandes bandas internacionales de rock como Offspring o The Toy Dolls, que se sumarán a las actuaciones de estrellas de la música española como Rosendo, La Fuga, Sôber, Mago de Oz o Los Delinqüentes.

EN VIVO

Y los días 29 y 30 de julio llega a la comunidad extremeña Contempopranea, un festival exclusivo para los seguido-res de la escena independiente. Dos días de música en los que grupos como Vetusta Morla, Standstill, Triángulo de Amor Bizarro, Sexy Sadie o La Bien Querida darán lo mejor de sí.

CONTEMPOPRANEA

Dispuesto a dar la bienvenida al caluroso mes de agosto, llega el Arena Sound, un festival que se celebrará en la playa El Arenal de Castellón, durante los días 4, 5, 6 y 7 de este mes, y que acogerá lo mejor de la música indie, y pop-rock. Contará, para esta edición, con un cartel ex-tremadamente potente, encabezado por artistas como Delorean, Dinero, Vetusta Morla, Scissos Sisters, Calvin Harris, Paul Thomson, Polock o Cosmonauts.

ARENA SOUND

También durante los primeros días de agosto se celebra-rá en Asturias el Aquasella festival, que este año cumple su XV edición. 2Manydjs, Dixon, Anthony Collins, Head-man, Paul Mac, Pepo o Chuso son algunos de los artistas ya confirmados, que no dudarán en convertir el recinto, los días 5 y 6, en una verdadera fiesta digna de las mejo-res discotecas de Ibiza.

AQUASELLA

Pero si lo tuyo es la música electrónica, qué mejor que el festival Electromar, el evento más cañero del verano. Se celebrará los días 29 y 30 de julio en la playa de los Na-rejos en Los Alcáceres (Murcia) y contará con un cartel brutal, encabezado por artistas de la talla de Moby, 2020 Soundsystem, Marco Carola, Delorean, Lori Meyers o Make The Girl Dance. Dos escenarios serán los que aco-jan a todos aquellos que quieran bailar al son del techno, el house y el minimal.

ELECTROMAR

Y como cada año, la capital española organiza, durante los meses de julio y agosto, los Veranos de la Villa, un espacio musical con una programación muy completa que incluye desde conciertos de música, hasta ópera, pa-sando por flamenco o teatro. En esta edición, reunirá a artistas como Umberto Tozzi, Los Planetas, Cassandra Wilson, Cyndi Lauper, M Clan o Rubén Blades, Carmen Linares o Iván Ferreiro, entre otros.

VERANOS DE LA VILLA

ELI "PAPERBOY" REED. VERANOS DE LA VILLA 2010 © www.flickr.com/photos/omarworld/

julio | agosto | sept

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B-CURIOUS · ESPECIAL FESTIVALES


esta segunda entrega es una clara evolución y una mues-tra de la madurez adquirida a la hora de afrontar las mismas. Contar con la producción de alguien como Tony Doogan y con músicos de la banda escocesa Belle & Sebastian para las sesiones de grabación del álbum, son claros ejemplos de la ambición y las intenciones bus-cadas para desarrollar este trabajo.Se trata de un disco caracterizado por la cuidada elabo-ración de sus arreglos, que, unidos a las melodías com-puestas por Lourdes, hacen que sea un disco luminoso, optimista, repleto de canciones sencillas y cercanas. Con un sonido algo más clásico y pop, pero sin abandonar los toques folk tan característicos en I Love Your Glasses, destacan canciones frescas como Everyday Everynight, The Sun The Trees y Fuerteventura, o intimistas como Brave Soldier y My Love Is Gone. Russian Red ha vuelto con un disco cuyo exquisito sonido lleva al oyente a multitud de momentos musicales ya co-nocidos pero que, gracias a la voz de Lourdes y la manera en que la ha dotado de mayor profundidad y matices, ha-cen que cada una de sus composiciones tenga personali-dad propia. Sin duda la reválida ha sido superada con nota.

Como el fabuloso primer single de Fuerteventura, Te odio pero te quiero, son los sentimientos que despierta Russian Red en los aficionados a la

música. Con gran número de seguidores y detractores, la propuesta de Lourdes Hernández llega a su esperada segunda entrega, después de darse a conocer con el exi-toso I Love Your Glasses.Si gracias a su debut esta madrileña abanderó un mo-vimiento de nuevas cantautoras folkies, al que también pertenecen otras compañeras de generación como Anni B Sweet, también supuso cierta controversia su ir y ve-nir de la fórmula de edición independiente a la multina-cional y su constante exposición a los medios. Es la oca-sión idónea para demostrar que todo lo sucedido a su alrededor en los últimos años no fue flor de un día y que su talento es real, más allá de modas y ambientes más o menos cool. Esta oportunidad llega en el momento justo, cuando ha pasado cierto tiempo desde que conocimos sus primeras canciones y cuando se ha apartado en gran medida de la sobreexposición a que se vio sometida. Si aquel primer trabajo mostró la frescura y espon-taneidad que tenían las composiciones de la artista,

Russian Red



POR TALY ARJONA

MilesDavis

Es impensable hablar de jazz, sin men-cionar a una de las figuras más influ-yentes y relevantes de su historia,

Miles Davis. Nacido el 26 de Mayo de 1926 en Illinois, se crió en el seno de una familia de clase media (su padre era dentista y su madre profesora de música) y a los 13 años de edad recibió como regalo una trompeta. Comenzó aprendiendo a tocar con el trom-petista Elwood Buchanan y en 1944 logró su primer éxito musical tocando con la banda de Billy Eckstine, de la cual formaban parte Charlie Parker y Dizzy Gillespie, entre otros.Corría la década de los 40 cuando, gracias al cambio que experimentaron estos y otros músicos del momento, ansiosos por evolu-cionar más allá del swing, surgió el bebop, un nuevo movimiento de jazz caracterizado por melodías disonantes, tempos más rápi-dos y en definitiva, nuevos estilos rítmicos. Fue en esta época cuando Miles grabó, por vez primera, en compañía de Charlie Parker, quien alentó a Davis a buscar su propio es-tilo personal. A finales de los 40, la agitación del bebop dio paso a nuevas formas de ex-presión musicales en el jazz, rechazando la

agresividad sonora y dando paso a una con-cepción más “fresca”, denominada cool jazz. Así, durante el verano de 1948, Miles reunió un conjunto de nueve músicos que llegó a co-nocerse como el Noneto Capitol, actuando durante dos semanas en el Royal Roost de Nueva York. Consiguieron un contrato con Capitol Records y en 1949 Miles, junto con el compositor y arreglista Gil Evans, grabó Birth Of The Cool, obra capital imprescindi-ble del jazz, donde Davis interpreta su par-ticular, suave y elegante sonido de trompeta, que caracterizó durante toda una década el jazz de la costa oeste de los Estados Unidos. Durante la década de los 50 Miles comenzó un nuevo periodo jazzístico, donde mostró su creatividad constante, basándose en pro-gresiones modales en lugar de armónicas, con improvisaciones sobre escalas antes que en cambios de acordes. Fue la época del jazz modal, donde Davis formó su primer grupo fijo con John Coltrane, Bill Evans, Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb y Can-nonball Adderly. Llegó así en 1959 Kind Of Blue, considerado por muchos como el me-jor disco de jazz de la historia.

Hablemos de jazz: HABLEMOS DE MILES DAVIS

Edición conmemorativa 40 ANIVERSARIO BRITCHES BREW

El pasado mes de Enero se publicaba en España una edición espe-cial para conmemorar el 40 aniversario de Bitches Brew, grabado

originalmente en 1969 en un doble LP. Este álbum supuso para Miles un antes y un después en su música y en la historia del jazz

contemporáneo. Bitches Brew nació de la influencia que el rock ejerció en Miles y de la fascinación que músicos como Jimi Hendrix,

Marvin Gaye, James Brown y algunos otros de finales de los 60 despertaron en él. Davis creó un álbum lleno de improvisaciones, introduciendo instrumentos electrónicos con nuevas sonoridades

y efectos con ritmos más salvajes. Los músicos que participaron en el álbum (John Mclaughlin a la guitarra, Jack Bruce o Dave Holland

como bajistas, Chick Corea al piano eléctrico, o las baterías de Billy Cobham o Jack DeJohnette, entre otros) fueron conducidos por

Davis creando un nuevo concepto de innovación en su manera de concebir la música. Bitches Brew evidenció un cambio radical y transformador en la forma de expresión del artista y dio paso a

una nueva era de fusión del jazz con el rock, ganándose el respeto de entendidos y aficionados, a la vez que las críticas de otros.

CON MOTIVO DE LA RECIENTE EDICIÓN

CONMEMORATIVA DEL 40 ANIVERSARIO DE BITCHES

BREW, DESDE B-SIDE MAGAZINE QUEREMOS

RENDIR UN PEQUEÑO HOMENAJE AL MÚSICO QUE REVOLUCIONÓ LA

HISTORIA DEL JAZZ



Hablar de Amos Lee nos remite inevitablemente a nombres como Norah Jones o James Taylor entre muchos otros. Aunque es conveniente

despojar de etiquetas a este compositor de Philadelphia que, con su cuarto álbum, ha confirmado lo que venía anunciando tiempo atrás. Tras un debut sorprendente y dos discos no exentos de calidad, con Mission Bell lle-ga su mejor trabajo. Bajo la producción de Joey Burns de Calexico y el acompañamiento en la grabación de dicha banda, Amos Lee nos entrega un disco algo más “sureño” que los anteriores y quizás con menos sonidos jazz, pero manteniendo sus señas de identidad al fusio-nar con gran sutileza el folk americano más tradicional con el soul más personal, impregnando las canciones de aires gospel y algún detalle country.A pesar del aparente eclecticismo de su propuesta, la preparación y madurez con que, según el propio artis-ta, se ha compuesto y grabado Mission Bell se traduce en un sonido de gran homogeneidad que, guiado por la calidez de la voz del intérprete y la negación de adornos o giros artificiales en su producción, dan a todo aquél que se acerque a cada una de sus canciones, razones

suficientes para rozar parcelas escondidas de su interior.Para este disco, Lee ha contado con diversas colabo-raciones de renombre dentro del ámbito sonoro en el que él se mueve. Así, en Clear Blue Eyes aparece Lucinda Williams, en El camino cuenta con el veterano Willie Nelson y en Violin se presenta al lado de Sam Beam de Iron & Wine. Los coros góspel en algunas canciones como Flower, así como el sonido fronterizo (influen-ciado en gran parte por Calexico) de El Camino o la accesibilidad de estribillos como el del single Windows Are Rolled Down son sólo algunos ejemplos de la pro-puesta del norteamericano. Este disco es sin duda una propuesta muy personal de Amos Lee, dotándolo de gran intimidad para narrar pasajes de su propia vida, con gran sinceridad y decisión.Es recomendable, por tanto, descubrir cuanto antes a este artista, que agradará tanto a los seguidores del soul contemporáneo, como a aquél que disfrute con el sonido folk “americano” que tanto está creciendo últi-mamente. Mission Bell se antoja imprescindible y uno de los grandes discos de los últimos años.

Amos POR JAVIER DECIMAVILLALee

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B-CRITIC · MÚSICA

MorlaVetusta“ÁBRELO, ÁBRELO, DESPACIO…”. PARECE UNA DECLARACIÓN DE

INTENCIONES Y UNA PETICIÓN AL OYENTE EL ARRANQUE DEL SEGUNDO TRABAJO DE VETUSTA MORLA, EL GRUPO QUE HACE ALGO

MÁS DE DOS AÑOS REVOLUCIONÓ EL PANORAMA INDEPENDIENTE DE ESTE PAÍS CON SU DEBUT, EL ACLAMADO UN DÍA EN EL MUNDO


La autogestión, la experiencia de años de traba-jo, de conciertos y maquetas, pero sobre todo la honestidad de su propuesta, fueron razones

suficientes para que su número de seguidores fuera creciendo paulatinamente. Todo un fenómeno lo que ocurrió en 2008 con este sexteto de Tres Cantos.Ahora nos presentan Mapas y, para adentrarse en ellos, es necesario liberarse de prejuicios estilísticos y, sobre todo, prescindir de la expectación que se ha creado alrededor de este grupo madrileño. En este trabajo no encontraremos la inmediatez de temas como Valiente o Sálvese quien pueda, ni la sensibilidad de Al respirar, ni probablemente haya ninguna canción a la altura de Copenhague. Lo que sí podemos descu-brir es un disco continuista y de enorme sinceridad. Encontramos canciones épicas como Los días raros, en la que la sutileza de su comienzo desemboca en la ener-gía de la personalísima voz de Pucho como instrumento principal. Canciones como El hombre del saco o En el río adquieren fuerza gracias a su categórica instrumentación

y sus cuidados arreglos. Sí hay temas con ecos y simili-tudes al sonido de Un día en el mundo, tal es el caso del comienzo de canciones como Boca en la tierra o Cenas ajenas. Cabe destacar el que será el primer video pro-mocional de este álbum, la soberbia y emocionante Lo que te hace grande.Se trata de un disco de largo recorrido, al que hay que ir acercándose poco a poco con cada escucha, para descubrir nuevos matices, giros y respuestas a las in-cógnitas que sus letras plantean. Quizás la grandeza del trabajo de este grupo radica en la capacidad de ir de-jando un poso cada vez más firme a medida que pasa el tiempo. Al fin y al cabo eso son estos Mapas, paisajes sonoros con personalidad propia, como las doce pos-tales que acompañan a cada una de las letras de las canciones en la edición física del disco, llenas de traba-jo, de matices, de texturas y, más que nunca, abiertas a la interpretación del oyente, pues las canciones ya no pertenecen al grupo, forman parte ya de cada una de las personas que han querido sumergirse en ellas.



espectral, fatuo. Definiendo la línea general de este larga duración mediante una per-cusión atropellada, loops y sintetizadorescomo base para la angustiada y remota voz de Thom, comienza Bloom. Envenenados dardos como now you’ve stolen all the ma-gic, took my memory vuelan pero… ¿hacia dónde? ¿hacia las musas por su abandono? ¿hacia la industria musical?. “Poco a poco” los de Abingdon van de-jando claro que algo se les ha perdido (I don’t know where it is, I should look) con una melodía que nos trae a la memoria su ex-cepcional trabajo de 2001, Amnesiac. Así llegamos a Feral, un juego a base de beats y sintetizadores con el que se cierra la pri-mera parte del disco, aquella en la que la frustración, llegando incluso al rencor, es el sentimiento imperante.De entre un onírico ambiente resurge la voz de Yorke con una nueva actitud, más decidido, más seguro, una vez alcanzada la liberación, con Lotus Flower. El piano lleva el peso de esta frágil, bella hasta el dolor, Codex. Dolor que no sentía desde Pyramid song ó How to disappear completely. Con un sonido acústico de guitarra, una única y or-gánica nota de bajo que le da vida propia, un mar de voces saturadas y favorecido por el respiro que representa la ausencia de percusiones, el tándem Codex/Give up the ghost supone el momento más brillante e infuso del álbum.Por último, una aclaración: It’s like I’m falling out of the bed from a long and weary dream. Todo era un vívido sueño. Un corte final que nos deja algo fríos, desasosegados, con ganas e incluso esperanzas –por aquello de “separador”- ya desmentidas, de más.En definitiva un trabajo arriesgado, sincero y muy personal. Han demostrado en reite-radas ocasiones que saben que las grandes obras abarcan varios conceptos, encajan con numerosas interpretaciones y, pese a ser un buen trabajo, en esta entrega han dejado varios círculos sin cerrar. Aún con todo, lo han conseguido una vez más. Con The Kings of Limbs puedo afirmar que he estado en un mal sueño del que quería des-pertar, en un mar lleno de seres amenazan-tes, en un universo remoto y sumergido.

14de Febrero de 2011. La banda inglesa de rock alternativo más innovadora e influyente de las

últimas décadas anuncia a través de su sitio web "Dead Air Space” y Twitter el lanza-miento de su octavo álbum de estudio. Po-nían fin así a ese “escondite” con el calen-dario y salía al mundo, llorando como bien nacido, The King of Limbs.Llorando y berreando al oído de una in-dustria cuyos pilares se tambalean de for-ma alarmante por medio de un ardid ya conocido por los fans de la banda tras la aparición de su anterior trabajo In Rain-bows (2007). Desafiante, polémico, revo-lucionario fue el sistema de distribución de este último: una vez emancipados del sello Parlophone (subsidiario de EMI des-de 1965) colgaron el nuevo material en su espacio web pudiendo efectuar su compra por el valor económico que el cliente con-siderara apropiado, existiendo la opción de adquirirlo gratuitamente.Con “El Rey de las Extremidades” han dado una vuelta de tuerca más a su casi subver-siva forma de distribución fijando ellos mismos el precio de su obra: 7 u 11 euros según sea en formato mp3 ó wav respecti-vamente. Hábiles e inteligente “jaques” a la aludida industria, aplaudidos por todo me-lómano que se precie, que suponen una re-definición del concepto de independiente.Bautizado en honor a un roble milenario ubicado en los bosques de Wiltshire (In-glaterra) que se ha convertido, y aprove-cho para subrayar el compromiso social y la conciencia ecológica de la agrupación, en uno de los símbolos de la campaña “Save Our Forests”, el álbum apareció de forma simultánea al vídeo de su quinto corte, Lo-tus Flower. En esta minimalista grabación dirigida por Garth Jennings (conocido por su trabajo con bandas como Blur ó R.E.M.) aparece el vocalista y líder del grupo, Thom Yorke, realizando una inquietante y convulsa coreografía de Wayne McGre-gor (reputado coreógrafo del Royal Opera House Covent Garden de Londres).Para comprender la naturaleza de los pasos de Thom resulta imprescindible contextualizar el tema: la canción gira en

torno al precepto budista del desapego. Ya en ocasiones anteriores nos dieron muestra del culto que profesa la banda a la citada doctrina surgida en India en el siglo V a.C. (Pyramid Song ó sus alusio-nes al Libro Tibetano de los Muertos).En esta ocasión representan con sobre-cogedora belleza el símbolo de la flor de loto, máxima expresión de la purificación y la eclosión de las acciones positivas en la liberación, es decir, la Iluminación. Este álbum es un triángulo invertido y este tema su punto de inflexión, un proceso catártico en el que hay que morir (Fe-ral) para volver a nacer (Lotus Flower).

Coherente continuación de In Raibows, con pinceladas que recuerdan al maravillo-so Kid A, The King of Limbs está directa-mente emparentado con el único trabajo en solitario de Thom Yorke , The Eraser (2006), por su sonido electrónico ambien-tal, la práctica ausencia de guitarras, y el predominio de percusiones programadas y cíclicas. Si a todo esto le sumamos lo re-ducido de la duración del álbum (8 cortes y apenas 38 minutos) y alguna alusión en las letras, podemos llegar a inferir una fal-ta de cohesión en el núcleo de la banda.Millones de sonidos electrónicos que coexisten bajo el mar, un universo sumer-gido, un sueño del que, aún reconociéndo-lo como tal, no puedes despertar. Denso,

PORTADA DE THE KING OF LIMBS

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B-CURIOUS · MÚSICA

TEXTO ADRIÁN CIUTAT

LETTERING JAVIER GARANTO

THOM YORKE LIDER Y VOCALISTA DE LA BANDA

Beyoncé POR JESÚS ROMÁN

in Love ocho años atrás. Predominancia de sintetizadores, líneas de bajo y percusiones de corte electro para una co-lección de canciones tremendamente orgánica con la que pretende sellar su nombre en el olimpo de las leyendas. En Rather Die Young, I Miss You, compuesta por el debu-tante Frank Ocean, el sensual Dance For You, o ese espec-tacular I Was Here nacido de la siempre infalible Diane Warren, encontramos su registro más intimista. Mientras que en el fresquísimo End Of Time (atentos a uno de los comienzos más brutales de un tema pop en los últimos tiempos), Love On Top y Lay Up Under Me -setenteros al extremo-, el principesco Schoolin' & Life o un Countdown que nos recuerda a una versión con mucha más clase de aquel Get Me Bodied de B-day, Beyoncé termina ce-rrando uno de los discos del año en la primera división. El listado de colaboradores de nivel es interminable. Kanye West y Consequence en la producción de Par-ty (Definitivamente, los ochenta están de moda), los vocals de Andre3000 en el mismo, la lírica de Bab-yface en el segundo sencillo, Best Thing I Never Had. Esther Dean, Ryan Tedder, Diplo… Juntos pero no revueltos ponen su granito de arena en el que para muchos es el álbum más soso y aburrido de Knowles (quizá por ser lo más negro con lo que nos ha delei-tado hasta la fecha), mientras que se convierte irre-mediablemente en la sorpresa de la temporada para el que suscribe estas letras. Juzguen ustedes mismos.

"EN 4 ENCONTRAMOS EL PRIMER REPERTORIO COHERENTE DE LA CANTANTE DESDE QUE ESTRENARA SU DEBUT DANGEROUSLY IN LOVE OCHO AÑOS ATRÁS. PREDOMINANCIA DE SINTETIZADORES, LÍNEAS DE BAJO Y PERCUSIONES DE CORTE ELECTRO PARA UNA COLECCIÓN DE CANCIONES TREMENDAMENTE ORGÁNICA"

Finales de 2008. Regresa por partida doble una de las caras más reconocibles del universo mains-tream, Beyoncé Knowles. La diosa de ébano cam-

bia de sonido y revienta la radiofórmula con If I Were a Boy y, contra todo pronóstico, con el simplón Single Ladies. En muy poco tiempo el tema producido por Tric-ky Stewart y The Dream, colaboradores habituales de la artista, se convierte en un himno y gracias a una coreo-grafía de infarto, surgen millones de videos por la red que lo convierten en un fenómeno mediatico. El éxito de I am… estaba por entonces servido en bandeja de plata.Siendo la reina Midas de la industria musical se puede permitir ciertos lujos. Uno de ellos es ese Run The World (Girls) con el que Beyoncé presenta su último elepé; un tema con sample de Major Lazer y aires feministas con reminiscencias de sus días como Destiny’s Child, que ha dejado muy frío incluso a sus propios fans a pesar de lo “original” de la propuesta. Cuando muchos dába-mos por perdido este proyecto a tenor de un primer single muy flojo que solo cobra sentido en imágenes, la estadounidense nos deleita con su mejor compacto. Es esta una colección de canciones con aires clásicos; las influencias son claras, de Stevie Wonder a Michael Jack-son pasando por Prince y Anita Baker, siempre con esa vuelta de tuerca que hace de su sonido, tendencia. En 4 encontramos el primer repertorio coherente de la cantante desde que estrenara su debut Dangerously



La evocadora imagen de la carátula del último disco de Metronomy y los envolventes sonidos con los que abre The English Riviera, hacen presagiar al oyente

que se va a embarcar en un viaje sonoro, con un transcur-so quizás algo lo-fi y ensoñadoras atmósferas alrededor. Estilísticamente, este tercer trabajo de los chicos del sur de Inglaterra, parece desviarse intencionadamente del ca-mino marcado por sus anteriores álbumes, alejándose del sonido electrónico y, en ocasiones experimental, que se hizo tan representativo en el grupo años atrás. Sin embar-go, la experiencia sonora adquirida gracias a sus dos pri-meros discos, hace que The English Riviera no parezca un simple desmarque de lo escuchado anteriormente, sino que se muestre a sus seguidores como una clara evolu-ción y un apunte de madurez musical, creando un disco de auténtico pop del siglo XXI que se desarrolla sobre bases rítmicas actualizadas y deudoras en gran medida de la electrónica que tanto domina el cuarteto.Basta con escuchar canciones como el hit The look y su pegadiza armonía, la suave y sutil Everything Goes My Way, la aparentemente compleja Corinne, o The Bay y su desarrollo electrónico, para comprender claramen-te la riqueza que contiene este disco. Si hay algo de lo que pueda presumir Metronomy es de haber conse-guido crear un universo musical lo suficientemente ac-tual y variado como para considerarse fruto de nues-tro tiempo. La coherencia y unidad que se respira a lo largo de los 45 minutos de duración del largo, es su valor más importante, pues se aprecia claramente la in-tención del grupo al desarrollar el concepto del álbum.Quizás Metronomy no tengan la trascendencia mediática en nuestro país que sí tienen otros compañeros genera-cionales, pero es innegable la aportación musical que ha-cen a su tiempo y las posibilidades conceptuales que su trabajo puede deparar en un futuro. Es un soplo de aire fresco dentro del espectro musical actual, contar con des-cubrimientos como éste, que dotan de cierta esperanza a un oyente medio que viene demandando de vez en cuan-do algo de honestidad en las propuestas contemporáneas.

Ha pasado ya mucho tiempo desde que la música en formato portátil irrumpió en nuestras vidas. Aún recordamos, no con

nostalgia, aquel reproductor de Casette de Sony, el “walkman”, que se llevó el gato al agua en esto de sacar la música a las calles – sin “loros” de por medio, claro -. Y seguro que aún más de uno de esos “mastodontes” sigue acumulando polvo en un cajón esperando el día en que quizá pueda re-valorizarse como la antigüedad que ya es… más o menos en la línea de los adorables personajes de Toy Story 3, al hilo del artículo sobre el aniversario de Pixar en páginas posteriores. Ha llovido desde entonces, y aunque ese antepasado cambió nues-tra forma de entender y disfrutar la música, son varios los formatos que han pasado por nuestras vidas. ¿Alguien recuerda ya el discman? Ese delica-dísimo hermano menor del que hablaba escasas lí-neas atrás, que dejaba a medias tu canción favorita al más ligero golpe (¡¿Antishock para que existes?!) y que necesitaba como batería prácticamente una fuente continua de uranio empobrecido… Quizá fue ese el momento cumbre para el nacimiento de la crisis en la industria del disco, tal era el gasto en alcalinas que era imposible costearse una discote-ca decente… Bromas aparte, ver a alguien con un discman, y su inseparable bolsa de cds cual zurrón de pastor, como le ocurrió a un servidor hace esca-sos días en el metro madrileño, se nos antoja algo de otro milenio. Consecuencia directa, claro está, del nacimiento del reproductor de MP3.Esto ya es otro mundo. De todos los colores, ta-maños, formas… ¿Para cuando olores y sabores? Eso por no hablar de ese monstruo mediático (y no, no hablamos de la Esteban) comercializado por Apple, el Ipod. O su evolución natural en forma de teléfono. Cientos de vías para llevar la música con nosotros. Incluso los hay que optan por lo retro y utilizan sus móviles a modo de radiocassette, ¿Qué no te gusta lo que escuchan? Mala suerte, amigo… Lo que parece más que evidente es que aunque nos vendan la pantomima de que el mercado musical se muere, la música está más viva que nunca, venga en la forma en la que venga. ¿Cuál será el próximo paso? Si lo descubro, te lo cuento. Por lo pronto, voy a disfrutar de mis nuevos auriculares Sennheisser (en este momento es cuando la marca se tira el rollo y nos patrocina) con lo último de Metronomy…

¡AY! COMO HEMOS CAMBIADO

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POR JESÚS ROMÁN

Metronomy

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Que The Suburbs iba a ser uno de los discos gran-des del año lo supimos desde la primera escu-cha. Después del bombazo de su primer disco,

Funeral, que muchos medios sitúan entre los cinco prime-ros del ránking de los mejores de la década pasada, y del Neon Bible que sirviera como confirmación de lo que ellos son (una masa multiinstrumental, limpia, melancólica, mís-tica y en cierto modo apocalíptica) era tal la expectación ante el tercer trabajo de los canadienses que sólo en su primera semana alcanzó el primer puesto en las listas de los más vendidos de Estados Unidos, Irlanda o Reino Unido.Grabado casi en su totalidad en el estudio casero del ma-trimonio formado por los dos cabezas del grupo, Win But-ler y Régine Chassagne, en Montréal, The Suburbs provocó un revuelo que no pasó desapercibido para los Grammys. Los chicos de Arcade Fire se llevaron (además de los Brit Awards al mejor álbum intermacional y a mejor banda

internacional) el galardón al mejor álbum en esta ocasión, por encima de nombres como Lady Gaga, Rihanna o Eminem. Twitter ardió y Who is Ar-cade Fire?, mezcla de sorpresa e indignación de los fans menos indies y más cercanos al circuito co-mercial, se convirtió en un meme al finalizar la gala.The Suburbs es una carta ecléctica desde el extrarradio, que se abre y se cierra con su canción homónima, que gira en torno al amor, el desamor, la juventud y la mo-dernidad, y que Butler y cada instrumento que le sigue la voz recitan con una emoción hipnótica, honesta y real. Ahora, casi un año después de que el disco viera la luz se estrena en internet con sus canciones como banda sonora Scenes From The Suburbs, un cortome-traje realizado por Spike Jonze (Cómo ser John Malko-vich, Donde viven los monstruos), coincidiendo con el lanzamiento de la edición deluxe de The Suburbs, que añade a las 16 canciones dos temas inéditos y un DVD con los treinta minutos que dura el corto de Jonze.

ArcadePOR ANAY TRAMULLA

fire

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Arcade Fire es un grupo de referencia en el circuito independiente. Una banda innova-dora, sorprendente y numerosa de miem-bros multiinstrumentistas que, más que mover a las masas, conmueve al público uno por uno. David Bowie perdió la cabeza por ellos con su disco de debut, un disco de críti-cas superlativas que se deja llevar por voces evocadoras y una intensa masa instrumen-tal, que entristece y alegra a partes iguales, y que había sido grabado de un modo arte-sanalmente profesional en pisos y hoteles.Tres curiosidades a propósito de las tres principales publicaciones de Arcade Fire: Funeral, el nombre de su primer álbum, vino de la cantidad de familiares del grupo que murieron durante la grabación. Neon Bible fue grabado en el interior de una iglesia de Montréal, de ahí los tintes acústicos y espec-trales en su sonido. Y todas las canciones de The Suburbs fueron grabadas primero en un disco de acetato y después digitaliza-das, por eso las ediciones digitales y en CD suenan prácticamente igual que en vinilo.

PRÓXIMAS CITAS DE ARCADE FIRE EN NUESTRO PAÍS: 13 DE JULIO EN LA EXPLANADA DEL

GUGGENHEIM BILBAÍNO Y 17 DE JULIO EN EL FESTIVAL

INTERN. DE BENICCASIM.

MIEMBROS DE ARCADE FIRE, RECOGIENDO EL GRAMMY AL MEJOR ÁLBUM DEL AÑO EL

PASADO 27 DE FEBRERO. © GRAMMY.COM

Cuando hablamos de Mackintosh no nos referimos al gigante Apple, si no al dúo de Portland Mackintosh Braun, que lanzaron el pasado 2010 el segundo largo de su carrera, Where we are,

tan versátil como compacto y homogéneo al mismo tiempo, tanto en in-fluencias como en ritmos, teniendo como eje principal la voz del cantante y su particular efecto robótico, presente en todo el álbum. A pesar de que Ian Mackintosh y Ben Braun nombran a Kings Of Convenience como una de sus influencias, su repertorio es quizá más cercano a la electróni-ca de grupos como Royskopp o Depeche Mode o el synth-pop británi-co de Pet Shop Boys; salvando las distancias. Un sinfín de sintetizadores, vocoder y guitarras que no dejan indiferente al oyente, y que componen temas tan potentes como Frozen, cercano al mejor chill-out, Where We Are, To Protect -con el que muestran su cara electrónica más sofistica-da- o I Won’t Fall, con madera suficiente para quemar la pista de baile.

MACKINTOSH BRAUNWHERE WE ARE(Chop Shop Records. 2010)

POR GONZALO GALLEGO

EL ÉXITO DE ARCADE FIRE EN LAS LISTAS DE MEDIO MUNDO ES UNA PRUEBA MÁS DE QUE EL INDIE ES CADA VEZ MENOS ESE GRAN DESCONOCIDO, LLEGANDO A FORMAR PARTE DEL MAINSTREAM Y DEJANDO CASI OBSOLETO EL POP DE RADIOFORMULA. HACEMOS UN REPASO SOBRE LAS NUEVAS PROMESAS DEL CIRCUITO INDEPENDIENTE INTERNACIONAL

Revoluciónindie


31B-CURIOUS · ESPECIAL INDIE

MIAMI HORRORILLUMINATION

(EMI Music. 2010)

Corría el año 2009 y los Empire of the Sun estaban más muertos que vivos . Aus-tralia, que ha lanzado grupos tan interesantes como Pnau y Cut Copy, necesita-ba un nuevo grupo que tomase el relevo al frente de la escena electrónica del

país, y qué mejor que Miami Horror. Illumination, disco debut de la banda liderada por el joven Benjamin Plant, llega por fin a España después de haber triunfado en medio mundo. Inspirados por el electro-pop de los años 70 y 80, los australianos mezclan en su primer LP todas estas influencias con sonidos estivales que se mueven entre melodías de ensueño (Infinite Canyons e Illuminated) , reminiscencias disco (I Look To You, a duo con Kimbra) y algo de psicodelia (Grand Illusion, que se acerca al terreno de Crystal Castles).Un debut coherente y variado con un halo positivista que incluye el que quizás es el ma-yor hit de toda su carrera, Sometimes, con el que consiguieron consolidarse como una autentica promesa de la electrónica internacional. Pese a tener temas con madera de hit repartidos por todo el disco, como Ultraviolet o Holidays, ninguno consigue superar a la obra maestra de este primer trabajo, Moon Theory. Illumination se convierte en una de las propuestas electrónicas más importantes de los últimos años.

"Hago una marca en la pared por cada vez que me han dicho 'No, lo siento' o 'No me interesas'. Así me desahogo.”. Esta frase no está sacada de Bust Apart, si no de la película Les Amours Imaginaries de Xavier Dolan. Es inevitable no

acordarse de ella al escuchar el nuevo trabajo de la banda de Brooklyn The Antlers, que parecen negarse a dejar de lado ese toque melancólico tan característico de sus anteriores largos. La formula de derramar todos los sentimientos causados por el fin de una rela-ción y la posterior depresión en las letras de su debut les salió bastante bien, y pese a no mostrarse tan pesimistas, la espina dorsal de este nuevo trabajo sigue siendo el desamor.El grupo entrega una propuesta complicada, con un aura oscura, sin canciones épicas e instantáneas que puedan enganchar en la primera escucha. Bust Apart es un álbum tranquilo de digestión lenta, disfrutando de esas letras desgarradoras y, como no, de la magnífica instrumentación, que en algunos temas consigue recordar al mejor Moby (No Windows o la instrumental Tiptoe). Pasan con sobresaliente la prueba de fuego que se les presenta tras la buena acogida de Hospice, y todo gracias a un trabajo con un concepto claro, que contiene diez deliciosas piezas dedicadas a todas aquellas parejas destinadas al fracaso. Diez canciones que hacen que el desamor duela menos gracias a la buena música.

THE ANTLERSBURST APART

(Frenchkiss Records. 2011)

32 B-CURIOUS · ESPECIAL INDIE

Los franceses Yelle dejan claro que vienen dispuestos a consolidar su nombre en el circuito del electropop internacional al ofrecer como primeros cortes de su nuevo trabajo la divertida y extremadamente pegajosa Safari Disco Club, todo un hit en

potencia gracias a la fuerza de percusiones y sintetizadores, o Que veux-tu, con ese toque dulce y menos machacón, acentuado por la letra de amor adolescente. La banda gala ha conseguido un elepé lleno de contrastes, que paradójicamente, hacen que este segundo trabajo redunde (casi) en lo perfecto. Compacto y homogéneo a partes iguales, ofrece tanto temas para hacerte saltar de la silla, como temas minimalistas de escucha relajada. C’est Pas Une Vie o Le Grand Sau son el único respiro ante una lluvia de sintetizadores. Y al margen de los singles, la parte que mas brilla es esa vertiente “minimal”, retro y relajada de temas como el misterioso Chimie Physique, S’eteint Le Soleil que consigue despedir el disco por la puerta grande, o Mon Pays, tema adictivo de escucha obligada por su tremenda car-ga ochentera. Si Yelle buscaban superar el handicap de ser fenómeno Myspace, sobrevivir a su primera producción y salvarse de la etiqueta de ‘one-hit-wonders’, con Safari Disco Club lo han logrado, a pesar de la barrera del idioma.

Desde Brooklyn llega una propuesta interesante. Él es Jason Friedmanm y ella, Elea-nore Everdell, The Hundred In The Hands. Bajo el prestigioso sello Warp, nos presentan su ópera prima, toda una declaración de intenciones que los situa en

el mapa de las promesas a las que seguir el rastro. Bajo un álbum homónimo, increí-ble despliegue de estilos, esta pareja de chico y chica se lanzan de cabeza al mercado musical tras crear expectacion con el sencillo Tom Tom (que no aparece en el disco). No tenemos muy claro si el duo logrará conseguir un nombre de peso en la industria, pero lo que sí está claro es ese exquisito gusto que se ve reflejado en los once cortes, con referencias a grupos tan dispares entre sí como Crystal Castles (Pigeons, la joya de la co-rona, o The Day Is Made), JJ (en uno de los mejores temas del disco, Killing It), Ladyhawke (Lovesick) o The Ting Tings (en la enérgica Dressed In Dresden). El premio al “tributo” se lo lleva, sin duda alguna The Beach, que más parece un tema de los Beach House con la voz de Eleanore en lugar de Victoria Legrand…

YELLESAFARI DISCO CLUB

(Barclay Records. 2011)

THE HUNDREDIN THE HANDS

THE HUNDRED IN THE HANDS(Warp Records. 2010)

33B-CURIOUS · ESPECIAL INDIE

ROBYNBODY TALK

(Konichiwa. 2010)

El mejor trabajo de electro-pop lanzado en 2010 tiene entre sus créditos a profe-sionales como Diplo, Röyksoop, Sophia Somajo o Max Martin. Era obvio que la crítica se rindiese ante él aunque quizá la respuesta del público no haya sido la

esperada ante una de las obras más grandes que el pop ha dado en los últimos tiempos. En un año en el que el mundillo mainstream luchaba por conseguir el mayor de los éxitos a través de las pistas de baile, Robyn llegó con un álbum sin pretensiones comerciales y se co-ronó, dejando su sello en esa reinterpretación del dance en todas sus variantes que es Body Talk. En él se resumen los mejores temas de ambos volúmenes, más cinco canciones nue-vas. De Body Talk Pt.1 se rescata el dúo con Röyksoop, None Of Dem, Dancehall Queen, las prescindibles Fembot y Don’t Fucking Tell Me What To Do y quizá lo mejor de la carrera de la sueca, la dramática y adictiva Dancing on my own. Por su parte In my eyes, Love Kills, esa increíble versión final de Indestructible hablando del sexo sin amor, o la pesada We Dance To The Beat, representan a Body Talk Pt.2. Aparte de contar con una artillería tan pesada, Robyn suma al carro unos cuantos hits instantáneos como Time Machine, que supone su vuelta con Max Martin, la melancólica Call your girlfriend, una curiosa colaboración con Snoop Doog en U Shold Know Better, y un broche de oro con Get Myself Together y Stars 4-Ever, que dejan claro que Robyn juega en una liga bastante superior a sus coetáneas.

Escuchar el disco debut de The Smiles And Frowns es como abrir aquel baúl olvidado que hay en casa de nuestros abuelos y sumergirnos en él para evadirnos del munda-nal ruido de la ciudad y su velocidad. Es vestirte con las ropas que guarda dicho baúl

y jugar a vivir la tranquilidad de épocas pasadas con los juguetes de tu infancia y volver a ver aquellas películas de ciencia-ficción olvidadas bajo unos tonos sepia, antiguos y desgastados. El duo de Arizona se ha autopublicado el que es su primer trabajo (que también podría pasar por un EP, ya que solo contiene 8 temas), en el que según el duo, mezclan la re-volución del tiempo presente con la tradición del pasado. Despega a un ritmo muy lento en países como UK, y solo lo han podido disfrutar los melómanos que siguen esperando algún que otro diamante entre toneladas y toneladas de inservible carbón, gracias al siem-pre eficaz “boca a boca”. Un viaje de apenas 30 minutos que nos deja conn ganas de más, una retrospectiva llena de melancolía y tristeza en una tarde lluviosa de Enero. Un viaje a un pasado brillante, evocador y de ensueño a ritmo de pop y folk añejo y fresco a la vez.

THE SMILES & THE FROWNS

THE SMILES & THE FROWNS(Akoustik Anarkhy R. 2010)

34 B-CURIOUS · ESPECIAL INDIE

Para describir a Jamie Woon en una sola frase, po-dríamos usar algo cercano a: artista multidisciplinar que regala satisfacción sonora al buen entendedor

del soul, R&B y dubstep. Este jóven compositor y cantante británico crece rodeado de una potente influencia musical. En primer lugar por su madre, Mae Mackenna (cantante de folk celta que ha trabajado con figuras de la talla de Kylie Minogue, Rick Astley o Donna Summer) y en segundo, y para nada menos importante, por los artistas que desnuda meticulosamente a su temprana edad: Stevie Wonder, Ra-diohead, Jeff Buckley o Michael Jackson, por citar solo algu-nas de las influencias del cantante y compositor londinense. Para entender mejor el estilo de Jason Woon hay que des-tacar a su vez su formación en la London School for Perfor-ming Arts & Technology de donde han salido intérpretes como Imogen Heap, Amy Winehouse o la más reciente y genuina Adele. El propio Jason comentaba en una entrevis-ta: He tenido mucha suerte, ésta escuela me dio la posibilidad de grabar y actuar de manera muy rápida. Confiaban en mí. Además de educarme musicalmente hicieron creer que puedes desarrollar tu sueño si es lo que deseas hacer en ésta vida. Aho-ra me encuentro luchando en este camino y es lo que me gusta.

Toda esa formación, junto a años de duro esfuerzo, han dado

sus frutos en su debut, Mirrorwriting, una mezcla de soni-dos que discurren desde el R&B al dubtep, pasando por el soul y el pop electrónico. Temas totalmente innovado-res como Shoulda, Night Air o Middle, envueltos en una atmósfera sonora un tanto lúgubre y misteriosa, le han convertido en uno de los newcomers de 2011. Sin olvi-dar ese Lady Luck, destacado para los amantes de “dale al play y siente esta canción como si no hubiese maña-na". Un sonido fresco, una base que engancha y una voz que proyecta a Woon como un magnífico cantante de soul. Mirrorwriting nos regala momentos álgidos en cor-tes downtempo como Echoes, Spiral o Waterfront (ésta última cobra un importante sentido por la protagonista guitarra que suena de fondo) mientras que TMRW con-serva con sobresaliente el mejor R&B. El contrapunto lo encontramos en pistas como Gravity, en las que predo-mina lo instrumental para acabar casi por sorpresa con un Woon que no termina de romper emocionalmente. Esperábamos más de Mirrorwritting musicalmente hablan-do, teniendo en cuenta el conglomerado de música, sen-timiento, sonido y buena lírica que es el británico. Tendrá que decantarse por algo más específico en próximas pro-ducciones para que su identidad suene con mucha más fuerza, algo que se augura bastante sencillo al contemplar una de las mejores voces del panorama musical actual.

POR ROBERTO CORTÉS

Jamie Woon



NO ES UNO MÁS DE NUESTROS COLABORADORES. EL ZAMORANO PABLO DELGADO NOS HACE UN

HUECO EN LA PROMOCIÓN DE SU ÁLBUM DEBUT, DESPACIO, PARA CHARLAR EN ESTA, SU CASA, SOBRE

LA INDUSTRIA MUSICAL, SUS VIVENCIAS O LOS SIEMPRE DUROS COMIENZOS. ATENTOS AL CROONER

ESPAÑOL PORQUE TIENE MUCHO QUE CONTARNOS.

PabloDelgado

POR GONZALO GALLEGO


Decidiste caminar hacia tu sueño cuando con 17 años dejas tu casa y marchas a vivir a Ma-drid. ¿Cómo fueron las primeras vivencias de alguien tan joven en una ciudad como esta?Enriquecedoras cuanto menos! Fue pre-maturo, pero una decisión de la cual no me arrepiento. Tuve que gestionarme todo yo solito, buscarme muebles, una buena escuela (en ese momento opté por Cristina Rota para formarme acto-ralmente y posteriormente me cambié a una donde pudiera también formarme como cantante y bailarín). Miles de decisio-nes de una sola vez para alguien inmadu-ro que por suerte me llevaron a buenos puertos. Volvería a hacerlo.Viendo la estética de tu primer trabajo, ob-servamos que siempre aparece algún gato por algún lado. ¿Tiene esto algún significado o es simplemente cuestión de imagen?Los gatos son casi una religión para mi. Es irónico que no tenga ninguno aquí en Madrid, pero mis padres tienen 30 en su casa en Zamora. Me identifico con ellos en todo excepto en lo mucho que les gus-ta dormir. Siempre me han llamado gato además, y desde un principio sabía que en algún momento lo icónico de los felinos era algo que tenía que incluir en mi proyecto.Has lanzado tu disco exclusivamente me-diante plataformas digitales. ¿Eres de los que opinan que el futuro de la música está en internet, pese a que las discográficas se re-nieguen a admitir la realidad?Soy coleccionista de música, vinilos sobre todo, y en cambio hace mucho tiempo que no me compro un CD. Como sistema de mera escucha me parece que está obsoleto. Toda mi música la oigo por stream o en mp3 cuando no estoy en casa, así que me parecía lógico obviar el CD como soporte, es más merchandising. El futuro de la difusión musi-cal sin duda es Internet, al igual que el de la difusión de cualquier otro producto cultural o informativo. En cuanto al futuro de la mú-sica como ente, está en los escenarios. Po-demos acceder a tanta cantidad de música, que el público va educándose poco a poco él solito, y eso repercute en que los artis-tas autoproducidos tengamos la opción de ser escuchados. No puedo quejarme.

Has compuesto todas las canciones de Des-pacio además de involucrarte en todo el proceso creativo. Eso es un lujo que pocos se pueden permitir. ¿Podemos decir que tu esencia está al cien por cien en este proyecto?Para mi no era un lujo, si no una necesidad. No me concibo como marioneta, a no ser que me unten de pasta o el proyecto me guste. Necesité plasmar mis vivencias, mi manera de entender la música y la imagen y lo hice. No me gustaba la idea de hacer algo más comercial arriesgando mi inte-gridad, así que traté de buscar un balance con el cual estoy contento. Obviamente voy evolucionando como todo el mundo, y mis canciones más recientes, etc, vienen de una persona más adulta con todo lo que ello conlleva. Pero esto ya lo veréis.

¿El lanzamiento de tu disco supone que te has centrado solo en un área, o solo es uno más de tus proyectos?En absoluto, me volvería loco si así fuera. Sigo tocando todos los palos que puedo, y ganándome la vida mientras tanto. Tengo muchas ganas de volver a hacer algo como actor, sigo componiendo para mí y para otros proyectos, colaboro con otros artis-tas para crearse una propia marca e iden-tidad, escribo, estoy en otras formaciones, sigo cantando publicidades, coros para otra gente, e incluso canciones para pelícu-las imitando a estrellas de los 60. En el bi-zarrismo y diversidad está la diversión.Llevas bastantes años metido en el mundo de la música. ¿Es todo tan bonito como la

gente lo ve desde fuera? ¿O has vivido algún que otro desengaño en todo este tiempo?

Hay una imagen muy distorsio-nada de lo que es este mundillo (al menos a mi escala). Es duro, difícil, hay egos desmesurados, búsqueda de estrellatos absur-das y sin fundamento a los que llamo chupafocos, y en general mucha falta de respeto por la música. Pero para mi nunca ha sido una elección, no me veo en otro mundo y mientras pue-da permaneceré en este.

¿De que estilos tomas influencias para crear tu primer disco? ¿Qué es lo que mas suena en tu mp3?En el momento en el que escribí y producí el disco escuchaba sobre todo pop y jazz de los sesenta y cincuenta. Esa es la música que he mamado y elegido desde peque-ño, y la que creo que es más natural para mi. Tengo inmensas listas de reproducción de Spotify con mis clásicos favoritos de Mel Torme, Etta James, Georgie Fame, o Dinah Washington, pero soy permeable y de repente me vuelvo loco con el disco de Duffy, de Hamel o Jamie Cullum, y de mi perpetuamente idolatrada Amy Wine-house. En la actualidad me ha dado por los Doors, Can, o el R&B, osea que vete tu a saber qué haré la próxima vez...

Ya hemos visto que compones tus propios temas. Por ejemplo en ‘Vuelta atrás’ vemos una fuerte carga autobiográfica. ¿Utilizas la música como una via de escape?

Es la mejor fórmula. Desde siempre he escrito mis preocupaciones, y poder mu-sicalizarlas le da aun otra dimensión más importante y a mi, una mayor sensación de desahogo. Me encanta cantar canciones de otra gente, ahí supongo que aflora mi vena de actor, pero es más honesto narrar tu propia historia y yo lo necesitaba en el momento de componer Despacio. En el caso de Vuelta Atrás fue una situación pro-fundamente dolorosa y fea para mi, que tuve que sacarme de encima. No todos los desengaños son amorosos y a veces duelen más aun.

DESDE SIEMPRE HE ESCRITO MIS PREOCUPACIONES, Y

PODER MUSICALIZARLAS LE DA AÚN OTRA DIMENSIÓN MÁS

IMPORTANTE Y A MI, UNA MAYOR SENSACIÓN DE DESAHOGO.


37B-FAMOUS· ENTREVISTA

POR JESÚS ROMÁN

Pocas cosas se le resisten al bueno de Raphael Sa-adiq. Cantante, compositor, cotizadísimo productor, multiinstrumentalista… Tras el arrollador e ines-

perado éxito de The Way I See It (2008), que le permi-tió girar durante más de un año ininterrumpidamente a nivel internacional –buena parte en el viejo continente-, el de Oakland da un pasito más en su irreprochable carrera ofreciéndonos su mejor trabajo hasta la fecha y sin pen-sarlo un solo instante, una de las grandes obras maestras de este ejercicio. Si con su anterior propuesta, Saadiq se apoyaba en la tendencia retro imperante en el momento, brindándonos una reinterpretación soulera en clave Mo-town (por descontado, sobre esos setenta en los que la casa de Detroit dominaba la esfera musical), con Stone Rollin' trasciende el límite de lo “old-fashioned” firmando una co-lección de temas de corte clásico con la co-producción de Chuck Brungardt ( Joss Stone, Mary J. Blige, Amp Fiddler). Facilitemos un poco el proceso de entendimiento de lo que

un servidor quiere transmitir, con el siguiente símil: The Way I See It fue a Motown, lo que Stone Rollin' es a Stax Records, es decir, una vertiente si cabe más cruda, contestataria y compleja de un mismo sonido. Raphael ha conseguido convertirse en el heredero más directo de Stevie Wonder, pero es que además en esta entrega es tal el nivel melódico e instrumen-tal, es tal la fuerza interpretativa del conjunto, que no podemos por menos que remontarnos a Sly Stone, al mejor soul-funk guerrero y políticamente incorrecto…En la variedad está el gusto, y es ese punto intermedio entre lo más dulzón del repertorio (arreglos de viento, orquestaciones y teclados ‘wonderianos’ que enterne-cen hasta al más duro oyente) y esa otra mitad rompe-caderas con percusiones y líneas de bajo que cortan la respiración, lo que convierte a este álbum en algo geniu-no. Destacar algún corte está de más. Stone Rollin’ es, de principio a fin, de fin a principio, una maravilla conceptual de esas que difícilmente se encuentran en la actualidad.

SU PASO POR LOS MÍTICOS TONY! TONI! TONÉ! DEJÓ HUELLA EN LA DÉCADA DE LOS NOVENTA. CON LUCY PEARL VOLVIÓ A MARAVILLARNOS A PESAR DE LA CORTA DURACIÓN DEL PROYECTO. PERO DONDE RAPHAEL SAADIQ MUESTRA SUS MEJORES DOTES ES EN SU CARRERA EN SOLITARIO. STONE ROLLIN' ES SU CUARTO ÁLBUM.

RaphaelSaadiq

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POR SANTIAGO TADEO

El segundo álbum de Bon Iver fue uno de los más espe-rados del 2011 en la esfera folk. Lógico cuando su de-but, el excepcional For Emma, Forever Ago, fue una de

las más gratas sorpresas del 2008. Acabó en muchas de las inevitables listas con lo mejor del año, obtuvo éxito gracias a las siempre eficaces recomendaciones boca-oreja y, más importante aún, nos descubrió a un excelente compositor y mejor vocalista. Lo que más llamó la atención fue la belleza de su interpretación vocal, cualidad que confería una extraordi-naria emotividad e intensidad a sus creaciones. Tras este éxi-to, por supuesto, emprendió una gira internacional y empe-zó a recibir ofertas de colaboración, ente ellas una notable asociación con el hip-hopero Kanye West. Y así llegó Junio del 2011, fecha en la que estuvo finalmente disponible el se-gundo trabajo de estudio, Bon Iver. Tristemente, el resultado se queda lejos de lo esperado tras tan inspirado debut. Por supuesto, no se le podía pedir otra obra de la misma entidad artística, pero es que las carencias surgen por aspectos que

habitualmente damos por sentados: los arreglos y la producción. Por lo visto, Bon Iver no quiso repetir el enfoque introspectivo, intimista y cuasi-minimalista de For Emma, Forever Ago. En este caso contó con nume-rosos instrumentistas, lo que le permitió escribir arre-glos especialmente generosos, incluyendo un uso de sintetizadores no precisamente logrado. El problema es que estos aspectos, en lugar de enfatizar sus evidentes cualidades como cantante y compositor, las reducen. En demasiados casos se echa de menos un envoltorio so-noro más discreto, que centre la atención sobre él, el gran atractivo del disco. Por supuesto, su talento sigue ahí, volvió a dejarnos buenos temas, pero es una pena que no recurriese a un productor que supiese sacarles mejor partido y que le convenciese de que le basta-ba con el acompañamiento de su guitarra para seducir. Decepcionante, sí, pero recomendable a pesar de todo.

Bon Iver



COHENLEONARD

LEONARD COHEN, MÚSICO, POETA Y NOVELISTA FUE GALARDONADO EL PASADO DÍA 1 DE JUNIO (AUNQUE LA GALA DE ENTREGA TENDRÁ LUGAR EN OCTUBRE) CON EL PREMIO PRÍNCIPE DE ASTURIAS DE LAS LETRAS 2011. HACEMOS UN REPASO POR LA CARRERA DEL CANADIENSEPOR TALY ARJONA

Resulta curioso, a la vez que gratificante, que el cantautor canadiense se impusie-ra a otras 32 candidaturas aspirantes a

este premio. Asistimos así por vez primera a la entrega del citado galardón a un compositor por su talento literario, aunque en anteriores ocasiones su variante de las Artes se hubiera concedido a otros conocidos músicos como Paco de Lucía (2004) o Bob Dylan (2007). Leonard Norman Cohen nace en Montreal un 21 de Septiembre de 1934. Hijo de una familia de emigrantes judíos, ya desde muy pequeño se interesó por la poesía. Lector de Whitman y de García Lorca, se inspiraría en este último para escribir su primera obra poética titulada Let Us Compare Mythologies, publicada en 1956, don-de el poeta refleja la persecución de los judíos y la religión. Más tarde se instalaría en la isla de Hydra, Grecia, donde publica el poemario Flowers for Hitler (1964) y las novelas The Fa-vourite Game (1963) y Beautiful Losers (1966). Cohen hizo sus primeras apariciones musicales tocando la guitarra en un grupo de folk y a partir de aquí continuaría fusionando sus emociones plasmadas en papel, junto con la música. En 1967 saldría a la venta su primer álbum Songs of Leo-nard Cohen, que incluía algunos de sus más co-nocidos temas, como Suzanne. Tras este trabajo

llegarán nuevos álbumes, realizando giras mun-diales durante las décadas de los 70 y los 80. Sus letras y su música transmiten un alto con-tenido emocional donde se mezclan temas acerca del amor y el sexo o la religión. Con su voz grave y susurrante, Cohen ha sabido conquistar al público. Su peculiar forma de expresar la música puede llegar a envolver-nos en un halo de nostalgia misteriosa pero repleta de energía, más propio de un poeta. Quizás sus connotaciones tristes y con ten-dencia pesimista hicieron que pasara, allá por 1994, cinco años retirado en un monasterio budista, donde escribió El Libro de los An-helos, volumen de poemas y dibujos que nos muestra el lado más místico del escritor. En 2008 regresó a los escenarios, ofreciendo 84 conciertos en una gira por todo el mundo. Leonard Cohen es autor de más de diez nove-las y poemarios y posee una amplia discografía. Son muchos los artistas que han interpretado sus canciones, tales como Enrique Morente, Michael Buble, Il Divo o Kiko Veneno, pero es seguro que ninguno ha sabido reflejar en ellas la profundidad y la belleza de igual forma en que Cohen es capaz de hacerlo, interpretando calmadamente esos versos melodiosos que con tanto anhelo buscan el sentido de la vida.

2011PREMIO PRÍNCIPE DE ASTURIAS DE LAS LETRAS



El LP, producido por James Ford y grabado en los históricos estudios Sound City de Los Ángeles, re-coge doce temas con los que el grupo originario

de Sheffield transita desde el pop más melodioso hasta el rock más cañero. Don´t Sit Down Cause I´ve Moved Your Chair es el sencillo de presentación, un tema que resume a la perfección el espíritu de la formación compuesta por Alex Turner, Jaime Cook, Matt Helders y Nick O’Malley.El sonido vibrante y frenético de sus guitarras eléctricas se deja escuchar también en canciones como Brick and Brick o Library Pictures, mientras que otras como Love Is A Laserquest, Reckless Serenade o She's Thunderstorms son mucho más musicales, más cálidas y sin duda com-puestas para contagiar al público las ganas de cantar. En cuanto a la temática, Suck It And See presume de tener una lírica sensible que habla de sentimientos tan universa-les como el aburrimiento, la tristeza, la alegría o el amor. Un disco más en una carrera musical que no ha hecho más que despegar. En esta ocasión, los cuatro músicos nacidos de

la plataforma digital MySpace en 2005 se alejan del brit-pop por el que apostaron en su primer álbum, Whatever People Say I Am, That´s What I´m Not, para evolucionar hacia un sonido más pop-rock norteamericano, con el que confiesan sentirse más cómodos. El álbum, ya disponible en CD, vinilo y descarga digital, ha estado envuelto en polémica desde su lanzamiento el pasado 6 de junio, no sólo por el diseño de la portada – un fondo blanco y sobre él, el título en pequeño tamaño- que ha sido calificado como “demasiado sencillo” e incluso “vago”, sino especialmente por el título elegido. Suck It And See (“Chúpalo y mira”, traducido al español) ha sido considerado grosero y ofensivo en Estados Unidos, por lo que sus tiendas han decidido censurarlo y colocar una pegatina que tape el nombre. Provocador, diferente, arriesgado y original. Así es el nuevo trabajo de los Arctic Monkeys que llegan dispuestos a con-vertirse en el éxito del año. De momento, ya ha alcanzado el número uno en las listas musicales de Reino Unido, des-bancando a la reina del pop, Lady Gaga.


ACABAN DE LANZAR SU CUARTO DISCO BAJO EL NOMBRE DE “SUCK IT AND SEE”, TÍTULO ATREVIDO Y PROVOCATIVO CON EL QUE LA BANDA BRITÁNICA ARCTIC MONKEYS DA UN GIRO A SU ESTILO AL APOSTAR POR MELODÍAS MÁS POPERAS Y AMABLES, AUNQUE SIN DEJAR DE LADO SU INCONFUNDIBLE TOQUE INDIE-ROCK

Arcticmonkeys

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B-CRITIC · MÚSICA

La banda británica Beady Eye, liderada por el excom-ponente de Oasis Liam Gallagher, visitarán España el próximo 7 de julio para presentar su debut Different

Gear, Still Speeding, un disco muy esperado que salió al mer-cado el pasado febrero y que ya goza del aplauso del público. El pasado 2009, Oasis anunciaba su separación. Las desave-nencias y las continuas peleas entre los hermanos Liam y Noel Gallagher fueron la causa principal de que, después de dos décadas sobre los escenarios, la mítica banda de brit pop originaria de Manchester confirmara su retirada. Fue entonces cuando el resto de los componentes del grupo de Wonderwall, -Liam Gallagher (voz), Gem Archer (guita-rra), Andy Bell (bajo) y Chris Sharrock (batería)- decidieron iniciar una nueva etapa como Beady Eye. Un nuevo nombre que, sin embargo, sigue manteniendo esa actitud descara-da e irreverente que tanto les caracterizó en los noventa. Haciendo gala de una estética mod y siempre con el micró-fono situado por encima de sus bocas, estas cuatro leyendas

musicales recorrieron los grandes estadios de medio mun-do y contagiaron su espíritu rockero a millones de personas. Ahora, inician con ilusión una nueva etapa que, aseguran, nada tiene que ver con Oasis. En su primer álbum suenan canciones como Bring The Light, Kill For A Dream, Four Letter World o Millionaire, temas que recuperan ese aroma a rock clásico de los setenta y que demuestran de forma sobresa-liente que el talento de las grandes estrellas nunca muere.El próximo 7 de julio, inundarán el escenario del festival Bilbao BBK Live con sus impresionantes riffs de guitarra, en un espectáculo vertiginoso y lleno de fuerza, que preten-de igualar en éxito al que ofrecieron el pasado marzo en Madrid, cuando miles de personas abarrotaron la sala La Riviera y, entre vítores y aplausos, se rindieron a sus pies. El cuarteto, que ya trabaja en su segundo LP, viajará des-pués de verano a Japón y a Latinoamérica para continuar ofreciendo en directo grandes dosis de rock&roll y demos-trando que aún les queda por dar mucha guerra.

POR LAURA SERRANO-CONDE Beady eye



Eramos muchos los que no conocíamos nada de la carrera de Benjamin Paul Ba-llance-Drew hasta hace muy poco tiem-

po. Hoy en día, pensar en Plan B (léase 'Plan bi', para no confundirlo con la propuesta de Carlos Jean) es pensar en un artista de hip-hop que ha cruzado la barrera del género y el estilo y ha creado uno de los álbumes más aclamados de los últimos años en los charts británicos. Que los artistas de hip-hop son seres creativos que en ocasiones podrían considerarse poetas no es decir nada nuevo, pero Plan B le da una última vuelta de tuerca a esto del 'branching' artístico. Convincente actor, director cinematográfico, y pilar central del proyecto que hoy nos ocupa.Son pocos los MC's que han conseguido dejar atrás las rimas y seguir siendo convincentes cantando. Con su perpetuo falsete, y cuidados arreglos dignos de Marvin Gaye o Al Green, Plan B nos presenta The Defamation of Stric-kland Banks,13 cortes bien escritos y excelen-temente producidos por el propio Ben junto a David MacEwan entre otros, con un peculiar hilo conductor.

"CON SU PERPETUO FALSETE, Y CUIDADOS ARREGLOS DIGNOS DE MARVIN GAYE O AL GREEN, PLAN B NOS

PRESENTA THE DEFAMATION OF STRICKLAND BANKS. 13 CORTES BIEN ESCRITOS Y EXCELENTEMENTE PRODUCIDOS"

El album narra la historia de Strickland Banks, un personaje de ficción interpretado por el propio Ben Drew en la futura película del mis-mo título. Se trata de un cantante soul que en-cuentra el éxito con bonitos y agridulces temas de amor como Love goes down o The Writting's on the Wall, pero pierde todo tras acabar en prisión por un crimen que no ha cometido. Con semejante historia, es fácil adivinar que el album es una auténtica montaña rusa emocional.Podría decirse que The Defamation of Strickland Banks es una película para ciegos, y a la espera de que el film definitivo sobre esta historia vea la luz, nos sirve como un excelente aperitivo para saber qué se esconde en la creativa cabeza rubia de Ben Drew. Plan B asegura que no va a dejar el hip-hop (de hecho lanzó paralelamente otro álbum, esta vez de hip-hop al uso), pero si podemos juzgar su espíritu por lo que nos ha presentado en The Defamation of Strickland Banks, nos encantaría que no se alejara demasiado de las instrumen-tales cantadas, y no tan urbanas.

POR PABLO DELGADO

PlanB

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El equilibrio de MC y soulman que logra en temas como The Recluse, She Said o Darkest Place demuestran que ambas dos corrientes musicales le sientan como un guante. Su voz podría de-finirse como un Justin Timberlake con resaca (es decir, más interesante) y su lírica, afilada como corresponde a un hombre de su background. Como muestra de su éxito, un álbum número uno en inglaterra y 900000 copias vendidas del mismo. 6 grandes singles con sus correspondientes videos y la posibilidad de lanzar un séptimo con la colaboración de Elton John y Paloma Faith. Ben Drew promete volver en 2011 con un nuevo álbum, esta vez influenciado por el Reggae y titulado The Ballad of Belmarsh. Fácilmente podemos verlo desenvolviéndose con soltura entre metales y ritmos caribeños, solo esperemos no olvide volver a construir un personaje tan caris-mático como Strickland Banks para demostrar que lo urbano no está reñido con la creatividad.



En la era del precocinado y la fórmula fácil, la industria del disco no viene siendo ajena a esa vorágine de superficialidad y falta de

talento, al todo vale si genera un beneficio rápi-do… ¡La música está de luto! Gritan los ejecuti-vos de cuentas al unísono… ¡La industria va de mal en peor! Y entre tanto debate por la ley que controla la propiedad intelectual en Internet, los consumidores de música acabamos por pregun-tarnos algo aturdidos qué es lo que estamos ha-ciendo mal. Cuando todos daban por perdido un sector sin el que muchos nos sentiríamos vacíos, Adele Adkins está encargándose de romper to-dos y cada uno de los records de ventas que ha-brán de convertirla en una leyenda: aferrada al número 1 de la lista inglesa durante más de una decena de semanas, y barriendo de un pluma-zo fenómenos mediáticos como Lady Gaga… Por esta y otras muchas razones decidimos

abrir este primer número de B-Side con esta jovencísima británica en portada. Ella represen-ta todos los valores que queremos transmitir con esta revista: frescura, talento y, por encima de todo, esas dosis de realidad que tanto echá-bamos en falta en los últimos años. Muy pocos pueden contar con la libertad creativa que el sello independiente XL ha concedido a la com-positora londinense. Y en ello está la clave del éxito. Junto a Rick Ru-bin (Beastie Boys, Jay-Z, Red Hot Chilli Peppers), Paul Epworth (Florence and The Machines, Pri-mal Scream) y Ryan Tedder (líder de One Repu-blic) como cabezas principales de la producción de 21, ha parido un repertorio que va directo al cerebro y lo que es aún más importante, como una flecha al corazón. Nadie puede poner en duda a estas alturas el poderío mediático de ese superventas que es Someone Like You.

"CUANDO TODOS DABAN POR PERDIDO UN SECTOR SIN EL QUE MUCHOS NOS SENTIRÍAMOS VACÍOS,

ADELE ADKINS ESTÁ ENCARGÁNDOSE DE ROMPER TODOS Y CADA UNO DE LOS RECORDS DE VENTAS QUE HABRÁN DE CONVERTIRLA EN UNA LEYENDA"

POR JESÚS ROMÁN

Adele

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B-OUR COVER· ADELE

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B-OUR COVER · ADELE

De Someone Like You y cualquiera de los otros temas incluídos en su segunda propuesta. Con 21 ha dejado de lado claramente las maneras poppie de su debut (si esperas encontrar cor-tes como Tired o Cold Shoulder, te equivocaste de compacto), explotando más esa faceta folk, british en la forma pero bastante sureña en el fondo, a base de melancolía llevada a su máxima expresión. Ingredientes más que suficientes para que la artista haya ganado una inmensa legión de fans gracias a esas composiciones honestas, que hablan de sentimientos que a todos nos son cer-canos. El desgarro interpretativo de Take It All, esa impactante versión del Lovesong de The Cure o Don’t You Remember, con los que Adele llora la pérdida de su ex-pareja a la que le dedica buena

parte de 21, son ejemplos del gran nivel de esta, su consagración en el mundo de la música.Aunque bien es cierto que el primer tercio del álbum, encabezado por Rolling In The Deep y Rumor Has It aportan otra dimen-sión que hasta ahora desconocíamos de ella, mucho más enérgica, con tintes del góspel y del soul más sucio. Una fuerza que se dilu-ye con el paso de las canciones. Porque en el fondo, cuando uno tiene roto el corazón, aunque en ocasiones intenté fingir cierto aplomo, la tristeza termina por aflorar. Y de ese modo, entre acordes menores, la de Londres pone fin a un trabajo casi redon-do, dando comienzo al que sin duda alguna es su año. Bienvenidos a la revolución Adele.

LA MAGIA QUE AÚN EXISTE EN LA INDUSTRIA DEL DISCO NOS PERMITE RECORDAR COMO EL PÚBLICO SE

RINDE SIEMPRE ANTE LA HONESTIDAD. ADELE SE HA GANADO EL FAVOR DEL OYENTE MEDIO A GOLPE DE HIMNOS QUE DESBORDAN SENTIMIENTO Y DULZURA


49B-OUR COVER · ADELE

LA RIVIERA (MADRID) CRÓNICA DE UN ÉXITO ANUNCIADO

El pasado 2 de Abril la gira internacional de la artista hizo escala en Madrid para abarrotar una sala La Riviera que estalló en vítores cuando so-naron los primeros acordes de Hometown Glory, tema incluído en su ópera prima, 19, con la que podíamos intuir que lo suyo no era una visita peregrina por el mundo del espectáculo, a pe-sar de quedar algo eclipsada por entonces por la estrella del momento, la también británica Amy Winehouse. Ya se presentía que aquella iba a ser una noche especial para el público español. Y así lo demostró la cercanía de la joven de Tottenham (distrito del norte de Londres), su humildad, su ácido sentido del humor y ese ‘savoir faire’ que elimina de un plumazo cualquier ápice de su apa-rente timidez cuando se acerca a un micrófono. Una a una fue desgranando las canciones que la han catapultado a la fama, pasando de aquel sentido Make You Feel My Love o el conocido Chasing Pavements a piezas de su nuevo álbum que nos hablan de una Adele curtida en la madurez que solo aflora cuando a uno le han partido el corazón. Roumor Has It, Set Fire To The Rain, Turning Tables, un despliegue vocal absolutamente inspirador con el que la artista, pegada al micro y liderando a la banda en todo momento con sus manos, dejó al público espa-ñol con ganas de mucho más. Tanto, que una vez terminado el concierto, los vítores se alarga-ron hasta diez minutos esperando que la músi-ca sonara de nuevo. Quizá la próxima vez será.

PORTADA ROLLING IN THE DEEP, UNO DE

LOS TEMAS DE 21 QUE ESCUCHAMOS EL 2 DE ABRIL EN LA SALA LA RIVIERA MADRILEÑA

51B-OUR COVER · ADELE

N-Y es uno de los mc's que mejor representan el cambio. Original de Miranda de Ebro y componente de Mde-Click.N-Y ha construido unos cimientos sólidos a prueba de fakes , contundente en su forma de escupir realidad, y conocedor de los pilares de la cultura, consigue dar una visión clara y exacta de lo que es el hip-hop

Prueba de ello es el tema Mis 90's donde describe al milí-metro lo que fue y lo que es el movimiento, y como se ha perdido la esencia de los padres de la cultura. No cabe duda de que la visión de este artista va mas allá, lanzan-do señales para los que se empapan en cada track a partir

de un slang cuidado. N-Y no para trabajar y prueba de ello es el ultimo disco con Mde-Click 5%, así como una gran cantidad de singles que están disponibles en Youtu-be, todos ellos respaldados por beatmakers como Emelvi, Gonso, Bobby Peru, ManuBeats, Eddac Selektah, Jackbo-yz ,etc. La época de rapear solo en el cuarto se quedó en el pasado, y N-Y ha llegado para quedarse, así que estad atentos a la evolución de este mc's en próximas entregas.

LOS ARTISTAS SON LOS VERDADEROS ARQUITECTOS DEL CAMBIO, COMO BIEN

DIJO COLTRANE "EL CAMBIO ES INEVITABLE EN LA MÚSICA". EL PROGRESO DE LA MÚSICA

SE MATERIALIZA A PARTIR DE LOS CAMBIOS

Y en las corrientes que circulan por la península han comenzado a notarse síntomas contundentes de que dicho cambio, no solo es un leve rumor del

que algunos entendidos de la materia hablan, sino que hay pruebas fehacientes que confirman este hecho. Esta serie de artistas son el resultado de un largo proceso de maduración, de años de búsqueda constante del au-tentico "yo". La influencia de la música de otros artistas sobre uno mismo, a veces crea un obstáculo en esa bús-queda de lo que realmente se quiere mostrar al publico. Sin duda ese proceso puede ser la clave de que sus estilos hayan creado un punto de inflexión en la forma de con-cebir un genero, Hip Hop, que aun a día de hoy, no acaba de obtener un reconocimiento de la sociedad. Hablar de mc's en el 2011, es hablar de una generación nutrida y erudita , no solo de la cultura hip-hop sino de lo que suce-de alrededor. Artistas con una visión adulta de la proble-mática actual, al margen de los tópicos , sin ansias de fama efímera y ante todo , amantes del sonido que marcó la dé-cada de los noventa , como la época dorada del hip-hop.

hip-hopnuevas caras del

español

N-Y (Mde-click)

PORTADA 5% DE MDE-CLICK

POR MARVIN SENSE

52



Así como el hierro se oxida por falta de uso, también la inactividad destruye el intelecto, sin embargo, Kuma ha sabido mantener su linea de trabajo constante, logrando una calidad en sus textos y una fluidez que le convierten en otro de los pilares del cambio. Natural de Argentina , este mc afincado en Madrid, pertene-ciente al colectivo Ziontifik, ha demos-trado que tiene capacidad de sobra para captar la atención de los mas críticos. Ya colaboró en el año 2007 en el disco Cierra los ojos de su compañero de crew, Dano. Esa fue su primera aparición a nivel discográfico, pero no fue hasta

Para romper las reglas , primero hay que aprenderlas. Como último paso del cam-bio tenemos al mc madrileño residente en Coslada, Vera. Después de años de constante estudio de distintos panora-mas en la escena, Vera ha conseguido forjar un estilo propio, sonando fresco y a la vez clásico, todo esto mezclado con conciencia. Utilizando referencias modernas, con flows noventeros, como

Lo pasado ha huido, lo que esperamos está ausente, pero el presente es de los vivos. Nada puede parar las mentes despiertas de artistas como los que hemos destacado, y de los muchos que están trabajando en los barrios. No cabe duda que esta década nos depara-rá años de grandes cosechas musicales, con una gran variedad de estilos, heterogéneos entre si, que posicionará al hip-hop español en el lugar que le corresponde. Los seres hu-manos necesitamos creer en algo, creemos en mentiras cuando no encontramos la ver-dad, pero ahora es el momento de cambiar esa concepción, la verdad está ahí fuera, abre los ojos y activa los cinco sentidos, porque el cambio que muchos esperaban está aquí.

Kumaprincipios de 2011 cuando Kuma des-plegó un anticipo de su potencial en el videoclip del tema Asperger. Selectivo en el lenguaje, y muy cuidadoso con las métricas , consigue crear letras que atrapan y que te obligan a permanecer atento . Con Kuma no basta con oír, hay que escuchar. Realmente un gran con-trincante con una mente en constante proceso de aprendizaje y evolución. Ei-detismo será la primera referencia en formato Ep, que saldrá a lo largo de este año, en la que el mc tendrá que demostrar que puede mantenerse al alto nivel al que ha comenzado a sonar.

Veralos "diggidi", haciéndolo fluir todo en un equilibrada estructura.A partir de su maqueta, Photograma del pasado 2009, nos percatarnos de que este mc no piensa dejar de lado esta oportunidad que le está devol-viendo la música. Su amor por ella y en especial por la época dorada del rap , está patente en su última referencia del mismo nombre 90's YO!.

"NO CREAS NADA, NO IMPORTA DONDE LO HAYAS LEÍDO, O QUIEN LO HAYA DICHO, NI SI YO LO HE DICHO, A MENOS QUE CONCUERDE CON TU

PROPIO RAZONAMIENTO Y TU SENTIDO COMÚN.” COMMON (RAPPER)

PORTADA DE 90'S YO! Y FOTO VERA

FOTOGRAMA CLIP ASPERGER Y FOTO KUMA

FOTO DEL RAPERO COMMON, UNA FIGURA INDISPENSABLE EN LA HISTORIA DEL HIP-HOP



Ruth Lorenzo camina por las calles londi-nenses como una más, y es que tres años en tierras inglesas le han servido para

adaptarse y acostumbrarse a un estilo de vida distinto al de su Murcia natal, “me ha costado mu-cho, yo soy de las afueras de Murcia, y Londres es el polo opuesto” admite mientras nos sentamos en una de las tantas cafeterías del centro de la ciudad. Cuando la camarera nos pregunta qué queremos, ella lo tiene claro, un té con leche; “me encanta, y cuando voy a España lo echo de menos”. Ruth llegó al Reino Unido con una meta clara, triunfar en la música. Su currículo es ex-tenso: “empecé a cantar ópera a los cinco años, he cantado en musicales y diferentes grupos de rock”, pero fue su paso por el Factor X inglés lo que acabó de despegar su carrera musical. Casi dos años después, está ultimando los detalles de su primer disco, que, a sus 26 años, considera la “recompensa” a tantos años de esfuerzo. “Va a ser algo muy personal, me da mucho miedo pero al mismo tiempo me hace sentir muy satisfecha conmigo misma. Estás exponiendo tu alma y lo que realmente piensas. La gente te va a juzgar”.En el Reino Unido el Factor X reúne a millones de espectadores y supone una plataforma única para nuevos artistas como, por ejemplo, Leo-na Lewis. Pero Ruth no corresponde al perfil clásico del concursante de un talent show. Es-cribe sus propias canciones y apuesta por un estilo único, el suyo. “Hay que mantenerse fiel y firme por mucho dinero que te pongan delante”.

¿Qué piensas de los cantantes que simplemente se limitan a poner su voz a una canción?Pienso que hay intérpretes, algunos mejo-res que otros, y luego hay los que escriben las canciones, los que yo considero los artistas, porque un artista es alguien que crea. Aunque los intérpretes también crean emoción, como Rocío Jurado que cantaba los temas de Pera-les, y lo suyo era arte puro, igual que uno de mis ídolos musicales, Lola Flores.Ganar el Factor X hubiera supuesto sacar un dis-co en menos de un año, como el caso de Alexan-dra Burke, la ganadora de tu edición, pero tam-bién hubiera conllevado no tener el control de tu música. ¿De alguna forma te alegras de no haber ganado el concurso?Cuando estás allí, quieres ganar, evidentemente. Pero sinceramente, me alegro de no haber ga-nado porque ahora soy dueña de lo que hago, de mi vida y de lo que canto. Si ganas el progra-ma te imponen muchas cosas, y no tener el con-trol de lo que estás haciendo es un problema.Tu interpretación de Purple Rain de Prince en una de las galas del programa supuso un antes y un después en tu trayectoria. Fue número uno en iTunes y tuvo más de medio millón de visitas en Youtube en un solo día. El éxito fue tal que el mismo Prince la retiró.Esa semana estaba nominada y salí a cantar pen-sando ‘ahora vais a ver quien soy’. Llevaba cuatro años cantándola casi todas las noches.

POR DANIEL VALLS HALLING

RUTH LORENZO ACABA DE PUBLICAR SU PRIMER SINGLE, BURN, Y NOS CUENTA CÓMO HA SIDO ESTE LARGO

PROCESO TRAS SU PASO POR EL PROGRAMA BRITÁNICO THE X-FACTOR. RECUERDA SU NOMBRE, PORQUE VA A DAR

MUCHO DE QUÉ HABLAR EN LOS PRÓXIMOS MESES

Ruth Lorenzo


55B-FAMOUS · ENTREVISTA

Si en algún momento te encontraras con Prince, ¿qué le dirías?¡Eres el dios del blues y el rock! Prince es un pedazo de artista y tiene el derecho de hacer lo que quiera con su música. De he-cho él no tiene su música en Internet.¿Vas a incluir Purple Rain en el disco?Quiero. Me encantaría, pero va a estar complicado. De todas formas es un tema que siempre va a estar conmigo de gira.Tras salir del concurso, recibes una llamada de EMI que te ofrece un contrato discográfi-co valorado en un millón de libras, algo que no se ve todos los días. ¿Cómo te sentiste?Es fuerte. Fue todo una sorpresa, ha sido un cambio de vida muy grande. Estaba muy contenta y muy impacien-te. Aunque una vez que te metes en este mundo, aprendes que el contrato discográfico no es lo más importante, hay muchas maneras de llegar a lo que quieres.¿Sientes mucha presión ahora?El resto de mi carrera depende de este momento, y no es fácil. Mi primer single va a condicionar mi futuro, y por eso quiero que sea algo auténticamente mío. ¡Me está costando mucho saber quien soy!¿Musicalmente hablando?No, en general. Yo siempre he sido una chica muy natural. Nunca he tenido que pensar en una imagen porque siempre he querido cantar, y ahora me tengo que bus-car una imagen.¿Londres ha influido en tu música?Muchísimo. La mayoría de mis canciones hablan de superar esa barrera del miedo. Es una barrera cristalina, pero nos da mu-cho miedo pasarla. Tengo una canción que se llama ‘Elevate’ que habla de sentirse en-cerrado y al borde del precipicio y saber que puedes volar pero tener miedo por si te vas a caer. Me he pasado muchas noches sin dormir, sintiéndome sola.¿Cual es el proceso para componer?A veces voy andando por la calle y se me ocurre algo, una frase, una melodía... Lue-go empiezo a componer con mi guitarra, la letra y la melodía a la vez.Tu primer disco va a ser totalmente en in-glés, ¿para cuando algo en castellano?

Hace un año compuse un par de temas para la serie ‘Valientes’ de Cuatro. Más adelante hay un proyecto en España. Ten-go ganas de cantar en mi tierra.Han pasado dos años desde tu paso por el programa.Es mucho tiempo, y te puede dar miedo desaparecer. Es muy jugoso abrir una re-vista y verte, pero yo no quiero verme en una revista por las razones equivocadas. Yo quiero verme en una revista de música.La música que predomina ahora mismo es el pop electrónico y el R&B, en cambio tu apuestas por el rock.

¿Y qué me dices de tus influencias?Para mi una de las mejores cantantes de la historia es Janis Joplin. También me en-canta Jimi Hendrix, ¡Pero crecí escuchando a Montserrat Caballé y Celia Cruz! Crecí con un alma rebelde. Mi hermana era una roquera; yo me metía en su habitación y ponía su música: AC/DC, Bon Jovi, Guns N’ Roses, Alanis... y bailaba delante del es-pejo.El mejor consejo que te han dado...Mi madre siempre me dice que siga mi instinto. Me dice ‘hija, recuerda que has-ta hace no mucho tiempo te ibas de gira por España en una furgoneta y te lavabas el pelo por la calle’. Uno de mis lemas es mantén los pies en la tierra y la cabeza bien en el aire. Siempre sueña, mantente positi-vo y siempre sueña.Confiesa uno de tus miedos.Mi mayor miedo es terminar en un disco recopilatorio de los éxitos del verano. Yo prefiero que aunque no sea en las radios principales, que mis canciones sigan sonan-do.Y un momento inolvidable...Uno de los momentos más bonitos que he vivido fue durante la gira con mis compa-ñeros de Factor X. Cuando fuimos a Wem-bley, iba por los pasillos gritando ‘¡AC/DC estuvo aquí hace un mes!’. Cuando cantaba ‘Purple Rain’ en un bar, a veces había 4 o 5 personas. Siempre he salido a un escenario a darlo todo, siempre desde muy adentro. Cerraba los ojos y me imaginaba que esta-ba cantando en un estadio lleno de gente. Cuando canté en Wembley ante miles de personas, cerré los ojos y vi ese bar con 4 personas para buscar ese momento, ese lugar y cantar de verdad.¿Dónde te ves en un futuro?Mi visión de futuro es estar en un escena-rio con 80 años cantando rock, igual que Tina Turner. Quiero eso en mi vida, y eso no se consigue con números uno. Creo que Lenny Kravitz no ha tenido ningún nú-mero uno en el Reino Unido, pero sigue allí. Esa es mi visión. Yo no voy con la moda que hay ahora, tengo una manera más or-gánica de hacer música. Soy una persona muy visceral. Lo hago todo desde el esto-mago. Tengo mucha gente a mi alrededor que me dice por donde tengo que ir, y mis entrañas me dicen otra cosa.

Claro, yo siempre he sido un salmón. La moda va para allá pues yo voy para el otro lado. Pienso que cuando te mantienes en un sitio distinto siempre vas a tener una base de fans. Para mí, lo mas importante que tengo, mi joya, son los fans. La gente que cree en mí. ¿Qué crees que puedes aportar al panora-ma musical actual?Yo pienso que un sonido más real. Aunque también me encanta la música electrónica. De hecho me encanta el disco nuevo de Muse, porque son muy clásicos pero al mis-mo tiempo le han metido toques electróni-cos. Muse es uno de mis puntos de referen-cia cada vez que voy al estudio. La música que hago yo es comercial, aunque sea rock.¿Cuáles son tus referentes musicales?Pues muchos. Kings of Leon, U2, Evanesen-ce, Paramore. ¡Ojalá llegue a ese nivel! Ese es el camino que estoy tomando. No voy hacia Lady GaGa o Beyoncé.

MI VISIÓN DE FUTURO ES ESTAR EN UN

ESCENARIO CON 80 AÑOS CANTANDO ROCK, IGUAL QUE TINA TURNER. QUIERO ESO EN MI VIDA, Y ESO NO SE CONSIGUE

CON NÚMEROS UNO

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B-FAMOUS · ENTREVISTA

CUESTIONARIO B-SIDE

B-SIDE: ¿Rolling Stones o Beatles? RUTH LORENZO: Rolling Stones.B.S.: ¿Elvis o Michael Jackson? R.L.: Michael Jackson.B.S.: ¿Pink Floyd o AC/DC? R.L.: ¡Esto no me lo puedes hacer! Los dos.B.S.: ¿Abba o Spice Girls? R.L.: Probablemente Abba.B.S.: ¿Lady GaGa o Beyoncé? R.L.: Lady GaGa porque ha revolucionado el mundo del pop.

SBTRKTSBTRKT(Young Turks. 2011)

Sbtrkt es el impronunciable nombre artístico de Aaron Jerome, artista que ya causó muy buena impresión con Time To Rearrange (BBE, 2007), el debut con su nombre de nacimiento. Pero muy posiblemente empezará a sonarle a cada vez más meló-

manos con este segundo proyecto. Aquí deja de lado la blacktrónica de su anterior obra para ofrecer una personalísima mirada de la electrónica de club. Parece que su principal propósito es hacer de la pista un lugar mejor y, sobre todo, más creativo. Dubstep o IDM son algunas de las etiquetas obvias, pero aquí sirven de muy poquito. Justamente el encanto y atractivo de esta música reside en cómo juega con los códigos de la electró-nica, cómo los rehace a su gusto hasta lograr un resultado inusualmente original. Pero esa es sólo una parte, pues luego están esas melodías de sensibilidad pop nacidas para quedarse pegadas en el cerebro. Como debut es muy prometedor y, si todo va bien, la distribución normalizada de Young Turks debería darle una oportunidad comercial.

FOSTER THE PEOPLETORCHES

(Columbia Records/Starline. 2011)

Iniciar la carrera discográfica con un EP que causa sensación es lo mejor que le puede pasar a un grupo, pero también supone un extra de presión. Eso es lo que le ocurrió con Foster The People EP al grupo homónimo, para el que presentó sus

tres primeras creaciones: Helena Beat, Houdini y Pumped Up Kicks. La última de ellas incluso fue una de las canciones del verano pasado en el círculo pop/rock alternativo. Sedujo su mezcla de pop desenfadado, neo-psicodelia y synth-pop bien planteado. Lo que ocurre es que en este álbum debut esas tres mismas piezas siguen siendo las me-jores. Está bien, la animada Call It What You Want y la balada I Would Do Anything For You también son interesantes, pero no añadan nada a lo ya conocido. Por otra parte, aunque el grupo tiene un evidente talento para crear piezas alegres y estribillos pegadi-zos, es inevitable tener la sensación de estar ante un simple pasatiempo, nada más. Esti-mable debut, desde luego, pero quizá no sea la gran obra que su primer EP prometía.

POR SANTIAGO TADEO

POR SANTIAGO TADEO

DESTACADOS

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B-UPDATED · NOVEDADES

THE WEEKNDTHE HOUSE OF BALLONS

(Autoeditado. 2011)

Electrónica y dubstep van de la mano dispuestas a reinterpretar en clave ambient un género clásico como el r&b. Percusiones sintéticas, loops infinitos, riffs de gui-tarra dignos de mención y clase a raudales en la primera propuesta en forma de

mixtape del canadiense The Weeknd. Un repertorio inclasificable con ecos del mejor trip-hop que va un paso más allá, acercando un sonido de primeras bastante denso, al oyente medio. The House of Ballons tiene la virtud de aglutinar en el mismo espa-cio sonoro lo mejor del indie internacional –rock, pop, disco o electrónica, el género es lo de menos- con ese toque maestro que convierte un tema en una bomba revien-talistas. No solo gozamos del preciosísimo timbre de Abel Tesfaye, cabeza visible del proyecto; el bagaje musical que despliega en los escasos nueve temas que conforman el proyecto es tal que no podemos por menos que quitarnos el sombrero, regocijar-nos con una más que satisfactoria experiencia acústica, y esperar a que la segunda de las tres mixtapes prometidas llegue a nuestros oídos. Estamos ante el concepto más ecléctico y extremo desde el nacimiento de Gnarls Barkley. Revelación de la temporada.

YUKSEKLIVING ON THE EDGE OF TIME(Savoir Faire. 2011)

Que el viejo continente es una fuente inagotable de buen material, es todo un hecho. Que Yuksek ha conseguido posicionar Living On The Edge Of Time, su segundo álbum, como una de las propuestas más potentes del año, también… La

larga experiencia al frente de los platos del francés Pierre Busson da forma a esta continua-ción de Away From The Sea (2008), una colección de temas con una energía sorprendente que, sin embargo, se acercan con soltura y sin prejuicio alguno a lides más cercanas al pop que las de su debut. Cuenta el propio Yuksek que necesitaba alejarse de ese hándicap que impone la música de baile, las tendencias; y muy influenciado por la soledad del DJ y las largas temporadas en carretera, surge ese aire introspectivo y lánguido que pone el contrapunto a esa explosión de electrónica. Esta combinación convierte temas como el excelso On A Train, Always On The Run o The Edge en una magnífica retrospectiva del glam-rock llevada al extremo, donde los sintes, las guitarras y arreglos vocales de lo más meló-dico, conviven en armonía en un buen puñado de “club bangers”. No le pierdas de vista.

POR JESÚS ROMÁN

POR JESÚS ROMÁN

DESTACADOS


59B-UPDATED · NOVEDADES

Me veía en la obligación de comenzar este artículo parafraseando a la propia Janelle. This is a cold war, efectivamente. Una guerra fría que esta jovencísi-

ma cantante, compositora y visionaria le ha declarado a la industria con su primera puesta de largo, The Archandroid (habría que destacar su intento previo en 2008 con el EP Metropolis). Un jaque mate en toda regla a la falta de crea-tividad a base de vanguardia, ni más ni menos. Años en la sombra intentando poner en el punto de mira su mente inquieta le valieron una oportunidad junto a los Outkast a sus tiernos 19 en Idlewild. Y por descontado, que de ellos ha mamado esa indiferencia por lo establecido y ese punti-to irreverente que la convierten en la figura mediática que hoy día es. Con su look andrógino, su tupé manufacturado y un buen puñado de sublimes composiciones bajo el brazo, Janelle comenzaba su carrera para el gran ojo público a mediados del pasado año gracias a la sabia intervención de P. Diddy, que le dio la oportunidad a través de su sello Bad Boy, de deleitarnos con su ópera prima.Más allá del personaje, que despliega cada vez que se sube a cualquier escenario (por nuestro país ya ha pasado en un par de ocasiones dejando un buenísimo sabor de boca, la última de ellas hace escasamente tres semanas para la celebración del Día de la Música en el Circo Price), Janelle

derrocha frescura, talento, dulzura e indepencia. Es autén-tica. Y son esas cualidades que acompañan a uno de los timbres más bonitos que haya dado la industria del disco en décadas, los que convierten a The Archandroid en la pie-za de coleccionista que es. Consistente en dos de las cuatro “suites” o volúmenes que Janelle planteó cuando dio salida al proyecto Metropolis y que pretendía publicar por separado en forma de EPs, el repertorio discurre de un soul/funk tremedamente ecléc-tico y combativo como el de Tightrope, Faster, Come Alive o Cold War (ese videoclip de una sola toma está ya grabado para siempre en nuestras retinas), a piezas mucho más clá-sicas como Neon Valley Street o Say You’ll Go en las que las orquestaciones se funden con elementos electrónicos, y toda una suerte de arreglos inetiquetables, ahora folk, aho-ra rock alternativo, más tarde pop-negroide de lo más po-sitivista… No se encuentra en los casi setenta minutos de duración del álbum un solo momento de respiro, lo que es bastante complicado dado el amplio metraje. Así, como en esa fantástica portada que acompaña el elepé, queda co-ronada después de un año de infarto en su carrera, como una de las imprescindibles del firmamento musical. De-seosos estamos de comprobar cual es el siguiente paso…

POR JESÚS ROMÁN

Janelle Monae

© JIRO SCHNEIDER

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ESTE ES OTRO DE ESOS TALENTOS AÚN POR EXPLOTAR NACIDOS DE LA EUROPA

SEPTENTRIONAL. Y TAMBIÉN OTRO DE ESOS RAROS CASOS EN LOS QUE SE NOS PERMITE

REAFIRMAR EL CLICHÉ DE QUE LA MÚSICA NO TIENE BARRERAS NI LÍMITES

Jarle Bernhoft comenzó su andadura profesional en 2004 con la banda de rock Span, que no duró más allá de dos largos, un par de años y un montón de ilusiones derrochadas por la mala gestión de su por entonces

discográfica, Island Records. Ya en 2008 y sin más acom-pañamiento que su talento, se presentaba en sociedad con Ceramic City Chronicles, cambiando radicalmente de rumbo: había pasado de ser el “bad boy” con espíritu rockero (la cosa va de clichés) al más cool de los crooners a este lado del charco… La riqueza musical que fluye por las venas de Bernhoft nos permite ver referencias de lo más clásico, Wil-son Pickett, Otis Redding, Sam & Dave… No parecía ni por asomo que el cantautor se estuviera acercando a terrenos que le fueran ajenos, Streetlights, Prayer To A Landlord, On Pa-tience… sacaban a relucir la amplia versatilidad del noruego.Con Solidarity Breaks confirma lo que veníamos suponien-do, que no pueden ponérsele cadenas a la creatividad, y Bernhoft sigue avanzando con maestría dando muestras más que evidentes de que su registro no tiene límites. En esta ocasión ablanda aún más su sonido, acercándo-se al pop guitarrero y negroide de otras propuestas

como Maroon 5. Y bendito acercamiento. Si en Ceramik City Chronicles se paseaba con soltura entre arreglos jazzy, evocando el entramado musical de los sesenta y setenta, en Solidarity Breaks hace evolucionar esa rica herencia, re-galándonos un álbum repleto de singles, que podrían fun-cionar a las mil maravillas por separado y que en conjunto forman un trabajo coherente, con una personalidad arro-lladora. Su timbre es más que nunca un punto intermedio entre el dulce falsete de Adam Levine y la calidez del soul-man por excelencia (también el más ‘radio-friendly’) de la última década, John Legend. Y temas como Control, Stay With Me o Choices deberían poner a Bernhoft en el punto de mira de cualquier melómano con un mínimo de criterio.Una imagen rompedora (hasta en esto se ha dado una vuelta de tuerca importante) y una de las más elegantes direcciones creativas para el diseño de un álbum que he-mos visto en años, añaden a ese sabrosísimo repertorio la calidad suficiente –y más que sobrada- para que podamos afirmar que estamos ante uno de los mejores discos del año. Y hasta aquí puedo leer.

POR JESÚS ROMÁN

Bernhoft



POR CRISTINA JOVER

DISEÑODE

CUATRO ESPACIOS COMERCIALES MUY DIVERSOS ENTRE SÍ. DE UNO DE LOS CENTROS MÁS IMPORTANTES DE LA CADENA SUECA H&M EN ESPAÑA A LA SEDE DE LA PRESTIGIOSA PRADA EN LA CAPITAL JAPONESA, VANGUARDIA Y ELEGANCIA VAN DE LA MANO. REPASAMOS EL TRABAJO DE CUATRO DE LOS MEJORES ESTUDIOS INTERNACIONALES EN ARQUITECTURA DE INTERIORES

INTERIORES

En el lujoso barrio de Aoyama (Tokio) nos encontramos esta obra de Herzog & de Meuron realizada en 2003, en un solar junto a tiendas como la de "Louis Vuitton" de Jun Aoki o "Tod’s" de Toyo Ito.

Este grupo de arquitectos suizos es de los más influyentes de la época, conocidos por obras como el CaixaForum (Madrid), el TEA (Teneri-fe) o el apenas reciente Estadio Nacional para los Juegos Olímpicos de Pekín. Destacan por esa elegancia que gastan al emplear los ma-teriales consiguiendo siempre que cada obra que realizan, sea única. En este proyecto utilizaron el concepto de armazón para llevarlo a cabo. Consta de 6 plantas sobre rasante y una planta bajo rasante. En estas 6 plantas, están distribuidos los probadores, los distintos espa-cios de venta y oficinas en las dos últimas plantas. En la planta baja se encuentra una zona de almacenaje y un pequeño espacio de tienda. Una de las cosas más llamativas son los probadores, ubicados en vigas de sección romboidal suspendidas de la fachada entre plantas. La fachada si-mula una colmena, formada por una malla romboidal de tubos metálicos rellenada con paneles de vidrio cóncavos, convexos y planos transparentes y translúcidos. Al ser de vidrio, por la noche se permite el lujo de conver-tirse en una lámpara que muestra sin pudor los modelos de la firma Prada.

VISTA INTERIOR DE LA MALLA ROMBOIDAL © SYMON GLYNN

IMPRESIONANTE VISTA NOCTURA AOYAMA (TOKIO) © JONATHAN SAVOIE VISTA DIURNA DEL EXTERIOR © SYMON GLYNN

HERZOG & DE MEURON PRADA (TOKIO)


63B-CREATIVE · DISEÑO

En el antiguo edificio de la sede catalana de Gas Natural se en-cuentra esta tienda de H&M realizada por el Estudio Mariscal, en la calle más comercial de Barcelona: Portal de l'Àngel. Ma-

riscal tiene una gran trayectoria anterior a la fundación de su estudio. Abarca los suficientes campos de diseño como para no poder definirlo en algo específico. Su lenguaje de expresión es muy personal: comple-jo como propósito pero sencillo en su acabado, a la vez que inocente y provocador; y por ello ha realizado trabajos para los Hoteles Silken, Hotel Puerta América, Bancaja, y Fundació la Caixa entre muchos. Este proyecto cuenta con 1720 m2 que debían ser respetados por la normativa de patrimonio, siendo estos escenario para la unión del estilo burgués y barroco que encontrábamos, con lo moderno y con-temporáneo que se le ha añadido. Lo nuevo convive como una segun-da piel con lo antiguo, forrada de cambios de ambientes con diferentes personalidades que sorprenden según vas cambiando de sala. El estudio ha diseñado todo el mobiliario de metal, para contrastar con la madera y la piedra, originales del edificio. A su vez, se ha encar-gado también de la iluminación, de su imagen y de su comunicación.

ENTRADA CON ILUMINACIÓN POR LEDS ZONA DE CAJAS

DE ARRIBA A ABAJO PERFIL DE ESCALERA Y CÚPULA

ESTUDIO MARISCAL H&M (BARCELONA)

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B-CREATIVE · DISEÑO

Esta tienda situada en el centro comercial L’illa Diagonal en Barcelona, ha sido diseñada por Dear Design, un equipo de diseño y arquitectura que creó hace unos años su propio es-

tudio en la misma Barcelona. Siempre sorprenden por sus diseños contemporáneos en los que prima la funcionalidad y el diseño y se han ido dando a conocer realizando varios proyectos para Munich, la firma que nos ocupa, así como Lurdes Bergada o Nike. La tienda cuenta con un total de 45 m2 inspirados en elementos de la naturaleza y mezclados con elementos urbanos. Árboles de acero pintados de color blanco, jaulas que cuelgan del techo y algu-nos prismas de madera consiguen ese ambiente natural y urbano, respaldados de la ayuda de materiales como los cristales negros, los espejos y los cordones de Munich en versión XXL que inun-dan toda la tienda permitiendo respirar ese aire despreocupado.

VISTA EXTERIOR ESCAPARATE. CORDONES XXL DE MUNICH © WWW.LAFOTOGRAFICA.COM DETALLE CUBÍCULO COLGANTE

DEAR DESIGN MUNICH (L'ILLA)

DETALLES EN MADERA © WWW.LAFOTOGRAFICA.COM


65B-CREATIVE · DISEÑO

Desde el distrito de Harajuku en Tokio, el estudio Won-derwall presenta la nueva tienda de chocolates Godiva, con el propósito de cambiar esa imagen elegante y clásica de la

marca belga que hasta ahora había estado presente en sus tiendas. Wonderwall son uno de los estudios más reconocidos y valorados en estos momentos. Son especialistas en interiorismo comercial y han realizado proyectos para Nike, Mackintosh o Fred Perry entre otros muchos. Destacan por respetar el convencionalismo y lo tra-dicional en la arquitectura para poder romper luego con su carác-ter innovador, con el que siempre acaban sorprendiendo. Para este proyecto se propusieron acabar con la imagen que tenía hasta ahora la marca dándole un toque de humor y gracia, simulando en los te-chos una capa de chocolate fundido que gotea y termina recubriendo las paredes recordando por los boiseries las típicas tabletas de chocolate.El local dispone de dos alturas, con tienda en la planta baja y cafetería en el primer piso, acristalado totalmente, permitiendo que cualquier persona desde fuera pueda ver la tienda en su totalidad.

SALÓN. BOISERIES EN PAREDES QUE RECUERDAN UNA TABLETA DE CHOCOLATE © KOZO TAKAYAMA TECHOS QUE SIMULAN CHOCOLATE FUNDIDO

TIENDA © KOZO TAKAYAMA

WONDERWALL GODIVA (TOKIO)

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B-CREATIVE · DISEÑO

LO TUYO ES PURO TEATRO

Aunque con cierto retraso con respecto a su estreno en la Gran Vía madrileña, queremos hacernos eco del último espectáculo pro-

puesto por los hermanos Fruitós. Es esta la prime-ra ocasión en que el teatro abre sus puertas a una cultura aún bastante desconocida en nuestro país, el hip-hop. Con la dirección creativa de Joan Gra-cia de Tricicle (quien aporta al espectáculo la magia de la comicidad), nos sumergimos en una magnífica representación de este movimiento urbano en to-das sus variantes. A través de los platos de Kapi y acompañados por músicos de nivel en riguroso di-recto, la compañía de los Brodas explora con un ni-vel técnico asombroso múltiples ramas de la danza, llevándolas al terreno del hip-hop con total maestría

Brodas Bros

Gracias a Remiendo Teatro nos llega esta emotiva obra dirigida por el gaditano Juan Alberto Salvatierra, que re-memora el pasado a través del cadaver no identificado

(En el argot de la antropología forense, Nomen Nescio) número 12, encontrado en una fosa común. Esta es la historia de cualquier conflicto bélico y cualquier época -aunque no podamos evitar re-memorar ciertas referencias aún grabadas en la historia reciente española-, donde los abusos de poder y la sed de vengaza pro-vocan la desaparición de innumerables víctimas anónimas. Escrita por Gracia Morales (Premio SGAE 2008) y con el nada desdeña-ble trabajo actoral de Carolina Bustamante, y Jorge Molina, NN12 juega con la sensibilidad del espectador trasladándonos a la in-vestigación que nos permitirá conocer la identidad de la madre de Esteban (Antonio Romero) y su durísima experiencia vital.

NN12, Nomen Nescio

POR JESÚS ROMÁN

y dando una lección a todos los que defienden la falta de validez de aquello que pierde por innovador la etiqueta de "purista".Gracias al cambio de espacio (como bien reza el título de la obra: "de las calles al teatro") podemos disfrutar de juegos de luces y contrastes que de otra forma serían impensables y que consiguen emocionar por su extrema sensiblidad. Este es un "show" para toda la familia, con momentos desternillantes, un amplísimo despliegue de "popping", "locking" y break, entre otras variantes de este género nacido en U.S.A. y, en general, uno de los mejores shows de danza que haya visto cualquiera de los escenarios del territorio nacional. Frescura, talento, ilusión y altas dosis de estilo. Ya lo consiguieron en el Teatre Victòria de Barcelona, pusieron al público en pie en una calurosísima ovación en el Compac madrileño y muy pronto, esperamos poder anunciaros nuevas fechas en diferentes ciudades de nuestra geografía. No te lo puedes perder.

ESPECIALMENTE INSPIRADA, CAROLINA BUSTAMANTE EN NN12


67B-CULTURED · TEATRO

SON TRES LOS ASES DEL ESTILO QUE SE ESCONDEN EN LA POPULARÍSIMA SERIE GOSSIP GIRL, CADA UNA SIGUE UNA RAMA

O CAMINO MUY CONCRETO Y DETERMINADO, LO CUAL NO HACE MÁS QUE ENRIQUECER LA FRANQUICIA QUE NO PARECE TENER UNA

FECHA DE CADUCIDAD CONCRETA A JUZGAR POR LAS ESTABLES AUDIENCIAS Y PROMETEDORAS CARRERAS DE CADA UNA DE ELLAS:

TAYLOR MOMSEN, BLAKE LIVELY Y LEIGTHON MESTER. LAS TRES GUAPAS JÓVENES HAN SIDO IMAGEN DE GRANDES FIRMAS DE MODA.

HAGAMOS UN REPASO A LO MÁS RECIENTE DE CADA UNA DE ELLAS.

Lo de esta chica nos tiene descon-certados. Apuntaba maneras de convertirse en 'the next big thing'

en términos de estilo underground co-mercial (sí, esto existe), pero algo pareció torcerse y ha dado casi tantos pasos atrás como dió hacia adelante al comienzo de su andadura profesional.La jovencísima Momsen decidió conver-tirse en la rebelde de la camada, y qui-zás se ha pasado de rosca. En ocasiones recuerda a una versión Disney de Court-ney Love con su look entre rockero y goth, lo cual le hace caer en momentos tan espantosos como lucir excesiva car-ne en los conciertos de su banda The Pretty Reckless, o ser imágen de la ano-dina colección de ropa de la Ambición Rubia y su precoz retoño Lourdes María,

Taylor Momsen EL CHIC GRUNGE ADOLESCENTE

puesto que ahora ocupa Kelly Osbourne.A su favor añadir que ha sido también imágen del perfume Parlez-moi d'amour del genial y descerebrado John Galliano. Dios los cría... También su paso como ros-tro de la cadena británica New Look en 2010 la salva de la hoguera, más por el interesante posado que ilustraba la gama, que por los extremadamente low-cost looks que llevaba en él.Sus contínuas declaraciones premedi-tamente polémicas nos hacen perder interés en la promesa que a día de hoy se ha quedado en eso... promesa nada más, se nota que nosotros ya no somos adolescentes. Pero no la perdáis de vista, aun tiene opciones con sus interminables piernas y sus pasmantes 17 años de edad.

POR PABLO DELGADO

XOXOCampaignGirl


Es tradición en la casa Chanel hacer rostro de sus colecciones a celebrities punteras y esti-losas, siempre mujeres respetadas por sus

carreras profesionales. Nicole Kidman, Audrey Tou-to, Lily Allen, Kiera Knightley, o Vanessa Paradis son algunas de las estrelas que gustosas posan con las creaciones de la casa de la doble C.Por ello, no es soprendente saber que la nueva musa mainstream de Karl Lagerfeld sea la sensual Blake Lively, más conocida por su papel de Serena Van Der Woodsen en la exitosa serie de culto entre fashio-nistas, Gossip Girl. La chica es lista, y lo está demos-trando con sus elecciones profesionales que solo le están trayendo sponsors de lo más interesante.La voluptuosa rubia nos tiene acostumbrados a sus maravillosos estilismos en la serie, y en las fotografías de nada menos que Karl Lagerfeld se nos presenta especialmente sexy y sofisticada presentando Made-moiselle, la línea de bolsos de Chanel. Su carrera va como la seda: ha cosechado excelentes críticas en filmes como The Private Lives of Pippa Lee, y uno de sus papeles más recientes es el de Carol Ferris en la previsiblemente taquillera Green Lantern.

Los que somos fans de la pérfida Blair Waldorf no tenemos nada de qué preocuparnos, ya que ella también tiene su pies metidos en una de las grandes

firmas italianas: Missoni. Lamentamos comunicar que en su caso, el estrellato está compartido con otros nombres como Margherita Missoni, Camilla Al Fayed, Eugenie Niarchos, Ta-tiana Santo Domingo, Charlotte Dellal y Jacquetta Wheeler, fotografiados por el aleman Juerguen Teller. Con semejantes nombres, la campaña no podía ser de otra manera: Una ex-celente mezcla de estampados y cortes hippies en los mate-riales de ensueño a los que Missoni nos tiene acostumbrados, cuya inspiración para la campaña no es otra que la portada de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de The Beatles.Tenemos la certeza de que Meester se olvidará de su ab-surda e inconstante (en términos de continuidad y calidad) carrera musical, y se centrará en ser el jóven glamour Ho-llywoodiense que merece ser. No está eligiendo los mejores proyectos, su última película The Roommate ha sido aniquila-da por los críticos, y la que viene Monte Carlo junto a Selena Gomez, no tiene pinta de ser cine que pase a la historia, al menos en términos de credibilidad, pero si ha aprendido algo de su más famoso personaje, no se rendirá facilmente.

Blake LivelyLA BARBIE COMPLEMENTOS

Leighton Mester LA HIJA PERDIDA DE ISABEL PREYSLER


69B-TRENDY · MODA

JOHNEL DISEÑADOR MADRILEÑO REMEMORA PARA B-SIDE SU LARGO CAMINO HASTA

LA CUNA DE LA MODA, PARÍS, Y NOS ACERCA SU EXPERIENCIA EN UNA DE LAS FIRMAS MÁS IMPORTANTES A LO LARGO Y ANCHO DEL PLANETA. CON ÉL

ANALIZAREMOS LOS DETALLES DE LA ÚLTIMA COLECCIÓN DE GALLIANO COMO DIRECTOR CREATIVO DE SU FIRMA ANTES DEL NOMBRAMIENTO DEL BRITÁNICO BILL GAYTEN COMO SU SUCESOR AL FRENTE DE LA FAMOSA CASA DE MODA.

GALLIANOA TRAVÉS DE LOS OJOS DE

CRÊPE SATIN EN VERDE AGUA. BATA LENCERA CON APLICACIONES INCRUSTADAS DE BORDADOS VELADOS EN TULLE DE SEDA ENCAJE CHANTILLY Y CHIFFON CORTADOS A TALLO VIVO Y MARMOTA TINTADA EN NEGRO EN PUÑOS

Luis Alberto Berrendero

Si tuviera que resumir todo lo que soy, lo que sé y por quién estoy aquí en una sola persona, sería sin lugar a dudas Ella, mi madre. Mi mayor recuerdo de infancia es y

será por siempre verla sentada frente al espejo empolvándose la cara con los mismos Saint Laurent que, a día de hoy, la siguen convirtiendo en la misma diosa intocable que para mi era antes de salir cogida de mi mano camino al colegio.Mi primer contacto con el mundo artístico comienza a la temprana edad de 10 años. Sería a través de la música que in-tentara expresar de alguna forma la inquietud que llevo den-tro. Pero mi vida se dirige hacia otros derroteros cuando a los 17 le planteo a mi familia que nací para otro menester y que es a ello a lo que quiero dedicarme el resto de mis días, la moda. Algo que llevaba guardado desde muy niño y que reflejan los cientos de bocetos de la Monroe, Cher o la Kylie Minogue más noventera, que ya por entonces a mis 7 pri-maveras hacía en las pastas de mi cuaderno de matemáticas.Tres años de estudios en el IED Madrid y varios contactos con el mundo laboral gracias a prácticas con diseñadores de la talla de Manuel Albarrán (creador de metal couture para el videoclip Bad

LUIS ALBERTO EN SU DOMICILIO PARISINO

Romance de Lady Gaga), Jesús del Pozo, o Miguel Palacio, para quien colaboré en su última colec-ción otoño invierno 2010-2011 (premio L´Oreal de Cibeles) y en el diseño de vestidos de no-via y noche en su atelier de Alta Costura, son los que me dan los conocimientos básicos y la fuer-za suficiente para embarcarme hacia una nue-va aventura. La cuna mundial de la moda, Paris.El comienzo no fue precisamente fácil pero sí muy enriquecedor a nivel personal. Trabajando al aroma del chocolate francés durante más de 6 meses co-nocí mis límites a fondo y también aprendí el idio-ma. Como de costumbre, todas las mañanas abría la pequeña chocolatería de la calle Montergueil hasta que en una de ellas, después de haberla buscado con todas mis energías y de las entrevistas pertinentes, una llamada cambia el rumbo de mi vida. Soy selec-cionado para formar parte de John Galliano.


71B-TRENDY · JOHN GALLIANO

Trabajar en el seno de un gran equipo competente, pro-fesional, pragmático y organizado es muy positivo a nivel de autoexigencia. Me llevo al extremo y me encanta. Este es el mundo real y aquí por tanto se viene a hacer moda tangible y extremadamente competitiva. El "savoir faire" francés es un sello innegable de esta cultura. Es algo que nadie puede poner en duda.Entrando en materia y en cuanto a la última colección de Galliano como director creativo de la firma (oto-ño invierno 2011/2012), solo he de hacer un peque-ño apunte: Es más Galliano que nunca. A menudo re-flexiono si en el momento en que a "le enfant terrible de la moda" se le venían a la mente las primeras pince-ladas de tan escueta pero no por ello menos maravi-llosa colección, estas se mezclaban ya con ciertos pre-sentimientos, como los de un niño cuando ve su final.

¿De ahí que pudiera poner el alma como nunca antes en una colección que nos regalaría para la posteridad de los anales de la moda?. La incerti-dumbre está servida. El estilo "lingerie de soir" en crêpes de chines y pieles de ángel en combinación con abrigos y faldas tulipán en jacquares indios y muselina bambulada, es sencillamente el máximo exponente de la sublimidad del buen gusto. John Galliano nos invita pues, a disfrutar de la artesanía de los cortes a tallo vivo, de las veladuras al son del chiffon y el tulle de seda a través de un viaje al mundo de la glamurosa sordidez de las divas de la gran pantalla de los 40.Aquellas que sin duda alguna, coetáneas a Monsieur hubieran optado por alumbrar con gallianos el rojo terciopelo de la conocida alfombra de Hollywood Boulevard.

"ESTE ES EL MUNDO REAL Y AQUÍ POR TANTO SE VIENE A HACER MODA TANGIBLE Y EXTREMADAMENTE COMPETITIVA. EL "SAVOIR FAIRE" FRANCÉS ES UN SELLO INNEGABLE DE ESTA CULTURA. ES ALGO QUE NADIE PUEDE PONER EN DUDA"

IZQUIERDA A DERECHA, ABRIGO PLISADO EN TARTAN CON FALDA EN CHIFFON DE SEDA ESTAMPADA, ABRIGO EN TWEED CORTADO A TALLO VIVO CON FALDA EN ASTRACÁN Y VESTIDO BIES EN CHIFFON CON ELEMENTOS APLICADOS DEL MISMO

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B-TRENDY · JOHN GALLIANO

CHAQUETA EN LANA PLISADA CON FALDA EN FOURRURE DE YAMA PLANCHADA

SUDADERA JEREMY SCOTTTOP MISS SIXTYPANTALÓN KILLAHBOTAS HUNTER

MÁS ALLÁ DEL FORMATO CADUCO DE UN OPERACIÓN TRIUNFO QUE POCAS PROPUESTAS DE CALIDAD HA APORTADO, SE DEMUESTRA UNA VEZ MÁS QUE HAY EXCEPCIONES DIGNAS DE CONFIRMAR LA

REGLA. ESTE ES EL CASO DE LA TINERFEÑA NICCÓ. CHARLAMOS CON ELLA Y POSA PARA NUESTRAS CÁMARAS CON MOTIVO DEL

LANZAMIENTO DE SU SINGLE DEBUT, "DORMIMOS EN SIBERIA"

FOTOGRAFÍA Y ENTREVISTA DANNIEL ROJAS

ESTILISMO MIGUEL GARCÍA

MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA CARMEN GARCÍA

TEXTOS JESÚS ROMÁN

Niccó


75B-TRENDY · EDITORIAL

La última edición del talent show más fa-moso de la televisión española, Opera-ción Triunfo, vio terminada su andadura

esta última temporada tras pésimos resultados de audiencia. Más allá del negocio de la peque-ña pantalla y sobre todo, más allá de un formato caduco y quemado que últimamente poco bien venía haciendo por sus concursantes y que po-cas propuestas de calidad ha aportado a nuestra deprimida industria, se demuestra una vez más que hay excepciones dignas de confirmar la regla. Este es el caso de la tinerfeña Raquel San Nicolás, una joven estudiante de comunicación audiovi-sual, cantante y modelo ocasional que pasó por la academia de Getsmusic bajo el nombre de Niccó. De su recorrido por el programa destaca al equipo docente como “inmejorable”. “Tenía-mos un buen plan de estudios, algo que igual no se llegó a ver del todo en resúmenes y galas. ¡Aún conservo los apuntes que cogía en cada clase! Me llevo lo que he aprendido gracias a esta experiencia, amigos, grandes momentos… Habrá sido breve, pero también inolvidable.”Como toda experiencia, tiene un fin, lo que se traduce en su caso en un nuevo principio. Gracias al sello Blusens y al apoyo del público una vez finiquitada su participación en OT, Niccó ha tenido la posibilidad de dar rienda suelta a su creatividad con “Dormimos en Siberia”, su carta de presentación, un medio tiempo que nos per-mite intuir que lo suyo vas más allá de la simple fórmula mainstream. De ahí que en la selección de este primer single, que en breve estará dis-ponible en formato digital, haya premiado mate-rial escrito de su puño y letra. “Casi sin darme cuenta empecé a escribir y salió Dormimos en Siberia. Muchas de las cosas que escribo, ya sean textos o canciones, vienen de distintas experiencias que he tenido, y en ese sentido, podría decir que esta canción es autobiográfi-ca”. Entre sus influencias, una variopinta selección de representantes del indie nacional: “Mäbu, Ve-tusta Morla, Love of Lesbian o The New Rae-mon” son algunos ejemplos del sonido que nos espera de cara a la publicación de su primer larga duración, para el que afirma seguir componiendo ya que ese es su “principal proyecto”, “llegar al público” a través de su música.Además de conversar con nosotros, nos ofreció su mejor cara frente a nuestras cámaras. El re-sultado, esta espectacular sesión fotográfica que puedes disfrutar en estas páginas.

CHAQUETA BABY PHATCAMISETA ZARA

LEGGINS VINTAGECALZADO ZARA

COLGANTE SWAROVSKY

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B-TRENDY · EDITORIAL


SUDADERA JEREMY SCOTTTOP MISS SIXTYPANTALÓN KILLAHBOTAS HUNTER

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B-TRENDY · EDITORIAL


CUESTIONARIO B-SIDE

B-SIDE: ¿Una canción que te transmita tranquilidad? NICCÓ: The Gretest - Cat PowerB.S.: ¿Y una para despertar y saltar de la cama? N.: Standing Next To Me – The Last Shadow PuppetsB.S.: ¿Que no pararías de comer nunca?N.: Depende del momento. A veces soy adicta al dulce, otras al salado. Últimamente me pierden los cupcakes.

B.S.: ¿Un lugar? N.: No podría decir un único lugar. Soy muy inquieta. Vivo entre Madrid y Tenerife, me encanta la capital y también adoro mi isla.B.S.: ¿Cine o peli en casa? N.: Cine, las pantallas, si son enormes, mucho mejor. Eso sí, si tengo que elegir película, me voy a los clásicos (ahora me viene a la mente “Con faldas y a lo loco”)..

CHALECO STYLE BUTLERBIQUINI LENITA

PANTALÓN KILLAHGAFAS FURLA


Como un traje abandonado al otro lado del esca-parate. Así es como se siente Jorge, un chico re-signado a vivir la vida que le ha tocado, una vida

que se ve de un nuevo color: azul oscuro casi negro, como el traje, que por mucho que rebajen su precio nadie lo quiere. Jorge (Quim Gutiérrez) debe hacerse cargo de la portería donde siempre trabajó su padre, Andrés (Héc-tor Colomé) hasta que sufrió un infarto cerebral y quedó impedido. Jorge no tiene más remedio que cuidarle solo, ya que su hermano Antonio (Antonio de la Torre) está preso. Allí es donde Antonio conoce a Paula (Marta Etu-ra), la chica más guapa de la cárcel y cuyo único deseo es quedarse embaraza para que la trasladen al módulo de maternidad y escapar de los abusos que sufre.Dos historias paralelas que se acaban fundiendo en una. Resulta casi imposible encajar la película en un género de-terminado, podríamos decir que es un drama-comedia-romántica, quizás como la vida misma. Daniel Sánchez Arévalo, director de la cinta, afirma: “hay que intentar in-troducirle humor al drama de la vida”. Y de hecho, consigue mezclar los distintos géneros de una manera excelente.Una casa humilde, una sala bis a bis y una azotea son los tres principales escenarios donde se sitúa la acción. En ellos, el espectador es testigo de todos los acontecimien-tos que ocurren. A veces es difícil sentirse identificado con los personajes ya que se les interponen demasiados obstáculos y parecen casi imposibles de superar.Sin ninguna duda, una de las mejores películas estrenadas en 2006. Como muestra, los tres Premios Goya con los que fue galardonada: al mejor director novel, actor de reparto (Antonio de la Torre) y actor revelación (Quim Gutiérrez). Así como el Premio Especial del Jurado y el Premio al mejor guión en el Festival de Málaga.

POR OLGA FRANCO

Despreciada por muchos y adorada por otros. Tal vez, el cine musical sea el género más infravalo-rado y quizás por eso, Baz Luhrmann, director

del largometraje, intenta resucitarlo con esta película llena de color, dinamismo, travellings imposibles y gran-des coreografías. La sinopsis es muy común en el mun-do cinematográfico. Dos hombres caen en las redes de la misma mujer. La historia está ambientada en el París bohemio alrededor del año 1900. Satine (Nicole Kidman) es una bella cortesana que hipnotiza al joven Christian (Ewan McGregor). Éste intenta enamorarla con poesía, pero el duque (Richard Roxburgh) inten-tará impedir que esta pareja sea feliz para siempre y hará lo posible para separarlos. Satine tendrá que ele-gir entre la fortuna y el amor verdadero.Innovadora en muchos aspectos, Moulin Rouge es un videoclip de 123 minutos donde la música es ca-paz de sustituir al diálogo en muchas escenas. Cabe destacar Elephant Love Medley una canción en la que se mezclan temas de Joe Cocker, The Beatles, Kiss y U2. Para dar credibilidad a la cinta es necesa-rio escoger a grandes actores que sean capaces de bordar esta gran historia de amor, por lo que es de aplaudir la increíble labor de la dirección de actores.Ganadora de dos Oscar, tres Globos de Oro, tres Pre-mios Bafta y dos premios National Board of Review, Moulin Rouge dio mucho de qué hablar. Y es que en el po-pular club nocturno, da la impresión de que sabes cómo entras pero desconoces cómo vas a salir: lujuria, diver-sión, locura, entretenimiento… ¿Te animas a entrar?

AÑO 2006 DURACIÓN 105 min.

PAÍS ESPAÑADIRECTOR Daniel Sánchez Arévalo

GUIÓN Daniel Sánchez ArévaloMÚSICA Pascal Gaigne

FOTOGRAFÍA Juan Carlos GómezREPARTO Quim Gutiérrez,

Marta Etura, Raúl Arévalo, Antonio De La Torre, Eva Pallarés...

LOS IMPRESCINDIBLES DE B-SIDE

AzulOscuroCasiNegro

AÑO 2001 DURACIÓN 123 min.PAÍS USADIRECTOR Baz LuhrmannGUIÓN Craig Pearce,Baz LuhrmannMÚSICA Craig ArmstrongFOTOGRAFÍA Donald McAlpine REPARTO Nicole Kidman, Ewan McGregor, John Leguizamo, Jim Broadbent, Richard Roxburgh...

Moulin Rouge

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B-CULTURED · CINE

CARTELERA

El indestructible Jason Statham regresa al cine de acción con Blitz, una película trepidante dirigida por Elliott Lester, en la

que interpreta al sargento detective Brant, un policía homófobo que se ve obligado a trabajar con el agente homosexual Nash (Paddy Considine) en una truculenta misión para dar caza a un asesino en serie que disfruta matando policías. Basada en la fa-mosa saga literaria de Ken Bruen, este thriller, un tanto áspero en ocasiones, consigue de lejos su objetivo: dejar más que satisfe-chos a los amantes de este género cinematográfico. Una película dura y descarnada que bucea hasta las calles más oscuras de Lon-dres para mostrar al público el lado más cruel del ser humano.

ESTRENO 23/06/11 DIRECTOR Elliot LesterGUIÓN Nathan Parker(Novela: Ken Bruen)

REPARTO Jason Statham, Paddy Considine, Aidan Gillen, Zawe

Ashton, David Morrissey...GÉNERO Thriller Policíaco.

Blitz

El realizador, guionista y productor John Lasseter (Toy Story) lleva a la gran pantalla la segunda entrega de Cars,

una divertida película de animación, ahora en 3D, que lle-ga dispuesta a amenizar las tardes veraniegas de los más pequeños con frenéticas carreras, historias de espías in-ternacionales y otras fantásticas aventuras.En esta ocasión, el incombustible "Rayo" Moqueen y su compa-ñera, la grúa Mate, decidirán armarse de valor y cruzar el océa-no para participar en el “Grand Prix Mundial”, el concurso de mayor relevancia en todo el mundo y en el que se determinará cuál es el automóvil más veloz del Planeta.

ESTRENO 06/07/11 DIRECTOR John Lasseter

Brad LewisGUIÓN Ben Queen (Historia:

John Lasseter, Brad Lewis, Dan Fogelman)

GÉNERO Animación

Cars 2

Última entrega de la famosa saga basada en los libros de Ha-rry Potter, escritos por JK Rowling. Las estrellas hollywoo-

dienses Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson volverán a meterse en la piel de Harry Potter, Ron Weasley y Hermio-ne Granger, respectivamente, para emocionar por última vez a toda la familia con esta octava película, que ha sido dirigida por David Yates, responsable también de Harry Potter y la Orden del Fénix, Harry Potter y el misterio del príncipe y Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 1. La magia y la fantasía volverán a ser los protagonistas de este filme en el que tendrá lugar la tan esperada batalla final entre Harry Potter y su archienemigo Lord Voldemort.

ESTRENO 15/07/11 DIRECTOR David Yates

GUIÓN Steve Kloves (Novela: J.K. Rowling)

REPARTO Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Alan

Rickman, Helena Bonham Carter, John Hurt,Timothy Spall...

GÉNERO Fantástico

Harry Potter y las reliquias de la muerte Parte 2

Ryan Reynolds, Tim Robbins y Blake Lively protagonizan Lin-terna verde, una película de acción, basada en el superhéroe

de DC Comics, descafeinada y autocomplaciente, que tiene quizá el punto fuerte en los efectos especiales, capaces de convertir la sala en un auténtico espectáculo de luz y sonido. Dirigida por Martin Campbell, la cinta narra cómo Hal Jordan (Ryan Reynolds), un piloto de pruebas que no tiene miedo a nada, se convierte de la noche a la mañana en la única persona capaz de salvar el Universo de la brutal amenaza del villano Parallax.

ESTRENO 29/07/11 DIRECTOR Matin Campbell

GUIÓN Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim

REPARTO Ryan Reynolds, Peter Sarsgaard, Blake Lively,

Tim RobbinsGÉNERO Ciencia Ficción. Fantástico

Linterna Verde



81B-UPDATED · CARTELERA

de desarrollar gráficos. Ed Catmull creó desde el famoso Paint hasta el sistema que utiliza Disney para agilizar sus producciones, Disney´s CAPS. Estos tres profesionales llegarían a realizar el primer cortometraje animado totalmente por ordenador, llamado Andre y Wall-B. Lasseter con-fesaba que ni en sus previsiones más optimistas se hubiera imaginado un resultado tan bueno. Él no llegaba a concebir la animación de personajes. Problemas personales y económicos hicieron que George Lucas tomase la determinación de vender la compañía. Permitió que otro animal empresarial, Steve Jobs, se hiciese con los estu-dios de animación, comprándolos por 5 millones de dólares e invirtiendo otros 5.The Graphics Group se estableció como una com-pañía independiente. Nace entonces Pixar Ani-mation Studios, allá por 1986, con no más de 44 trabajadores y no tardaría demsiado en cosechar premios y reconocimientos, como los Sigraph o los codiciados Oscar gracias a una serie de corto-metrajes de animación.En este apartado es de obligada mención el corto Luxo Jr. el primero realizado bajo el sello de Pixar y que, de hecho, se convirtió en la identidad de los estudios. Un joven y travieso flexo que juega con una pelota hasta que la pincha. Ahora más de uno recordará ese flexo, que bota sobre la “i” de Pixar hasta romperla. Por no hablar que no hay icono que se asocie más a los estudios que una simple pelota amarilla con una franja azul y una estrella roja en sus polos.

Todas las grandes historias nacen de una chispa, y la que nos ocupa fue sin duda un joven llamado John Lasseter, uno de

los responsables más directos de los éxitos de la franquicia Pixar. Un animador que ya despuntaba cuando finalizaba sus estudios en el California Ins-titute of Arts. Recibió reconocimiento con cor-tometrajes de animación como Nitemare, el cual visto con perspectiva es sin duda un boceto de la famosa Monstruos S.A.Comenzó su carrera profesional en la compañía de animación más famosa del mundo, Disney, y como ocurre con los grandes genios, fue igno-rado. Planteó un proyecto revolucionario para hacer una producción en la que los fondos tuvie-ran una perspectiva de profundidad inimaginable hasta la fecha. El proyecto, llamado La Tostadora Valiente, fue finalmente llevado a cabo con las técnicas de animación tradicional, y Lasseter fue invitado a abandonar la compañía. George Lucas es un nombre difuso en las nieblas de la historia de Pixar, pero al fin y al cabo uno de los pedestales sobre los que se erigió la com-pañía. Hay que destacar que la aportación al cine de este hombre multidisciplinar va mucho más allá de una saga de películas de ciencia ficción. En 1979 cuando se fundaron los estudios, se cono-cían como The Graphics Group y eran una filial de la productora Lucasfilm. En esta división, se halla-ba Ed Catmull, ingeniero informático, matemáti-co y uno de los grandes visionarios que entendió el potencial que tendría el ordenador a la hora

ABAJO MONSTRUOS S.A.

82 B-CULTURED · CINE


CON MOTIVO DE SU 25 ANIVERSARIO, EN B-SIDE HACEMOS UN REPASO A LA HISTORIA Y OBRA DE PIXAR,

DESDE LA CREACIÓN DE UN PEQUEÑO DEPARTAMENTO CAUTIVADO POR EL POTENCIAL DE UN NOVEDOSO

INVENTO, EL ORDENADOR, AL ANÁLISIS DEL ÉXITO DE LA EMPRESA MÁS POTENTE EN ANIMACIÓN DIGITAL POR FEDE CASTAÑO

AÑOS FABRICANDO

SUEÑOS

25PIXAR

DE ARRIBA A ABAJO RATATOUILLE Y TOY STORY 3

será una actitud engreída la que dará pie a que Disney rompa las relaciones comerciales con Pixar. Lo que supondría un tropezón en los años subsiguientes en los éxitos y las cuentas de Disney. Como ejemplo destacado, Mulán en 1998 no cosechó los resultados esperados.Pixar había cambiado el concepto y la animación tradicional no llegaba a la audiencia de la misma forma. Dándose cuenta del error, Disney opta por aplicar el refrán: “Si no puedes con tu enemi-go, únete a él”. En 2006 adquiere Pixar, eso sí, ce-diendo el control de su animación a los directores creativos de esta última.Gracias a esta compañía hemos disfrutado de au-ténticas obras de arte. No solo debemos destacar la técnica (el desarrollo de los 2.320.413 pelos de Sully en Monstruos S.A, o el del software que per-mite que la ropa se mueva con independencia del cuerpo, o la evolución en la dinámica de fluidos generados por ordenador gracias a películas como Ratatouille o Buscando a Nemo), si Pixar nos ha conquistado es por encontrar el equilibrio per-fecto entre mente y corazón. Deslumbrándonos en su técnica y enamorándonos con sus historias

Los primeros 9 años de la compañía fueron casi exclusivamente para la realización de anuncios te-levisivos y el desarrollo de algún que otro efecto visual llamativo en alguna película, como por ejem-plo en El joven Sherlock Holmes. Esa exclusividad no fue total porque en los pasillos, aprovechando los pocos momentos de asueto, se fueron ges-tando las ideas de las grandes producciones que encandilan por igual a jóvenes y no tan jóvenes.En 1995 se produce un hito en la historia de la animación. Se estrena en las salas de cine el pri-mer largometraje realizado exclusivamente con animación digital de la historia Toy Story. La pelí-cula se convierte en el punto de inflexión a par-tir del cual los calendarios empiezan a contar los días. Recauda más de 360 millones y es el primer film digital en recibir un Oscar.No nos podemos olvidar que no hay historia buena sin un poco de romance. Más si hablamos de la relación de amor y odio que surge entre Disney y Pixar. En 1991 habían firmado una serie de acuerdos de producción y distribución que permitieron que Pixar pudiera asumir proyectos de la envergadura de Bichos o Cars. Sin embargo,

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B-CULTURED · CINE

ARRIBA DISEÑO ARTÍSTICO Y FOTOGRAMA DE UP

ARRIBA BUSCANDO A NEMO

cercanas y originales dirigidas a todos los públicos. El éxito auténtico reside en que se trata de una empresa en la que uno de los objetivos principales es tener felices a sus trabajadores. Busca gente apasionada que disfrute de su trabajo y se convierta en auténtica experta. Llama la atención su filosofía, "haz que la gente se sienta segura para que se atrevan a hacer preguntas estúpidas".Este concepto va mucho más allá de instalar un futbolín en las oficinas o hacer reuniones tirados por los suelos. No muy lejos de plantear retribucio-nes justas a sus trabajadores y estable-cer un ambiente laboral apasionante. Han sido capaces de darles la elección a sus trabajadores de ser felices o no.Sin duda son estas garantías y sensa-ciones las que vemos trasladadas a las pantallas en historias llenas de amor, superación y fidelidad cargadas de una originalidad única.

"GRACIAS A ESTA COMPAÑÍA HEMOS DISFRUTADO DE AUTÉNTICAS OBRAS DE ARTE. NO SOLO DEBEMOS

DESTACAR LA TÉCNICA, SI PIXAR NOS HA CONQUISTADO ES POR ENCONTRAR EL EQUILIBRIO PERFECTO ENTRE

MENTE Y CORAZÓN. DESLUMBRÁNDONOS EN SU TÉCNICA Y ENAMORÁNDONOS CON SUS HISTORIAS CERCANAS Y

ORIGINALES DIRIGIDAS A TODOS LOS PÚBLICOS"

DE IZQUIERDA A DERECHA WALL-E Y JOHN LASSETER, FUNDADOR DE PIXAR


85B-CULTURED · CINE

MÀXIMPOR ÓSCAR SANTOSHUERTA

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B-CULTURED · ENTREVISTA

¿Cuándo empezaste a escribir la novela?Hace dos años, en la semana de vacaciones en verano, me puse a escribir porque tenía una idea en la cabeza que me daba vueltas. Había empezado otras, pero las dejé y esa semana de verano empecé a escribirla.Como twittero que eres y como si de un tweet se tratara, ¿cómo definirías la novela?Si amas el cine, el cine te puede traer una sorpresa... pero no la desveles.¿Qué podemos encontrar en El susurro de la caracola que no encontraremos en otro libro?El libro habla de soledad femenina, pero sobre todo habla del peso de la genética, de lo que nos parecemos a nuestros pa-dres y ellos a los abuelos. A veces come-temos locuras solamente para que no nos pase lo mismo que a ellos les pasó y rom-pemos la cadena del destino. De la capaci-dad de relevarse contra lo que ya te viene de serie y no quieres que te suceda. A ve-ces, arriesgas y ganas o arriesgas y pierdes.¿Qué diferencia hay entre tu primera novela y esta segunda?La primera era muy frívola, era una nove-la muy televisiva, centrada en el escenario y protagonistas televisivos. Como llevo desde el año 96 trabajando en televisión,

necesitaba meter en una novela todo lo que había vivido. Realmente era una his-toria de amor, de una señora que se ena-moró de un chico joven y el amor joven siempre cambia la vida.¿Algún fragmento de El susurro de la cara-cola está basado en tu vida?Si algo soy, son todas esas mujeres que he ido conociendo a lo largo de mi vida, porque yo me he criado en un mundo fe-menino, con mucha mujer, mucho horno, mucha costura. Eso, los sonidos y los am-bientes están en esta novela. Todo el que haya tenido cerca un mundo femenino lo encontrará en el libro.

En la novela, la abuela y la madre de la pro-tagonista tuvieron que mentir para llegar a ser felices, ¿Tú has tenido que hacerlo en algún momento?Yo creo que todos mentimos para ser felices, pero la peor o mejor mentira es la que nos hacemos a nosotros mis-mos. A lo largo del día nos mentimos unas cuantas veces: creyéndonos que va-mos a cumplir sueños, que vamos ese día muy guapos, que todo nos va a ir bien... luego te acuestas y el día ha funcionado como ha querido. El día va por su cuen-ta y nosotros nos mentimos, unas veces para sobrevivir y otras para divertirnos. En esta novela se miente para sobrevivir.¿Has esperado alguna vez a alguien tanto como la protagonista?Estoy encantado, estoy feliz. A los ocho días lanzaron la segunda edición. No sé como va ahora, porque cuando he visto que iba muy bien he dejado que volara solo. Yo he escrito la mitad del libro, la otra mitad es del lector, para que se pregunte cosas acerca de él. Que haya un secreto al final de la novela y la gente se quede en shock, ayuda a ello. La novela tiene otro sentido cuando la acabas y ese juego está gustando mucho entre los lectores.¿Un adelanto de lo próximo que podremos ver de Màxim Huerta?Estoy con dos novelas, una de las dos ten-drá vida, la otra se paralizará seguro. La otra vez me pasó igual, arranqué dos y una se quedó parada y no la he vuelto a re-tomar. Ahora estoy con dos historias que no tienen nada que ver, una tiene bastante fantasía y curiosamente, me ha pasado algo al contrario que en éstas, que las dos tie-nen ya el título. ¿Tienen algo que ver con las anteriores?No tienen nada que ver, son protagonis-tas diferentes, muy masculinos. Esta vez he dejado a las mujeres en silencio y he dado voz a los hombres. Y para terminar, ¿Qué te gustaría escuchar en una caracola?Me gustaría escuchar el futuro, cosas que van a venir. Me gustaría que las caracolas fueran un poco adivinas, que me avisaran si va a ir bien un programa o una relación. Yo de momento sólo escucho el mar, pero la protagonista de la novela escucha más allá.

SI ALGO SOY, SON TODAS ESAS MUJERES QUE HE IDO CONOCIENDO A

LO LARGO DE MI VIDA, PORQUE YO ME HE CRIADO EN UN MUNDO FEMENINO.

ESO, LOS SONIDOS Y AMBIENTES ESTÁN EN ESTA

NOVELA. TODO EL QUE HAYA TENIDO CERCA UN MUNDO FEMENINO LO

ENCONTRARÁ EN EL LIBRO.

EL PRESENTADOR Y ESCRITOR MÀXIM HUERTA NOS RECIBE EN SU ESPACIO MÁS PERSONAL: SU

CASA. EN UN ESCENARIO RODEA-DO POR GRAN CANTIDAD DE CA-RACOLAS, LA LUZ DEL ATARDECER

ATRAVIESA LOS VENTANALES E ILUMINA SU SEGUNDA Y RECIEN-

TE NOVELA: EL SUSURRO DE LA CARACOLA. UNA HISTORIA CAR-

GADA DE EMOCIÓN, AMOR Y SE-CRETOS QUE ATRAPA AL LECTOR INCLUSO DESPUÉS DE SER LEÍDA.

MÀXIM DEJA LA FRIVOLIDAD DE SU PRIMER LIBRO (QUE SEA LA ÚLTIMA VEZ QUE ME LLAMAS

REINA DE LA TELE) Y VUELVE CON UN RELATO QUE HARÁ AL LECTOR ESCUCHAR MÁS ALLÁ DE LO QUE

LAS CARACOLAS DEJAN OÍR.

EL SUSURRO DE LA CARACOLA EDITORIAL MARTINEZ ROCA (2011)


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