cuaderno profesor NMAC

CUADERNOBACHILLERATO

del profesor

CUADERNOdel profesor

BACHILLERATO

La Fundación NMAC Montenmedio Arte Contemporáneo es una institución privada sin ánimo de lucro situada en un entorno natural en el municipio de Vejer de la Frontera (Cádiz). Abierta al público en Junio de 2001 el objetivo principal de la Funda-ción NMAC es crear una colección de esculturas site specific, principalmente al aire libre y convertir la provincia de Cádiz en un punto de referencia cultural internacional para el arte contem-poráneo. Todas las obras han sido proyectadas específicamente para dicho lugar y realizadas in situ por técnicos y artesanos de la zona con el fin de entablar un diálogo entre el arte y el entorno natural y social. Las dependencias de la Fundación NMAC se sitúan en unos antiguos barracones militares que han sido rehabi-litados para albergar las oficinas, salas de proyecciones, salas de exposiciones, biblioteca y una instalación del artista chino Huang Yong titulada Hamman. La colección de esculturas se encuentra situada en un bosque mediterráneo de pinos piñoneros, acebu-ches, lentiscos y alcornoques. Las diferentes obras se integran en el paisaje en perfecta armonía con la flora y la fauna del lugar tomando su luminosidad y color.

Desde su creación hasta la actualidad han visitado la Fundación NMAC numerosos artistas de todo el mundo, muchos de ellos seleccionados por el comité asesor de la Fundación bajo la pre-misa de apoyar a jóvenes creadores dándoles la posibilidad de exponer junto a los más consagrados. Actualmente la colección está formada por más de 20 proyectos de diferente formato, de artistas tales como Marina Abramovic, Sol Lewitt, James Tu-rrell, Richard Nonas, Santiago Sierra, Olafur Eliasson, Maurizio

Cattelan, Roxy Paine, Fernando Sánchez Castillo, Michael Lin Huang Yong Ping, Shen Yuan, Jeppe Hein, MP&MP Rosado, Cristina Lucas, Maja Bajevic entre muchos otros. Además del programa expositivo, la Fundación NMAC lleva a cabo una im-portante actividad editorial. La Fundación NMAC ha editado los tres catálogos correspondientes a las tres exposiciones colectivas realizadas en 2001, 2003 y 2006, este último junto a la editorial CHARTA. La “Guía de Buenas Prácticas de proyectos de arte contemporáneo en espacios públicos urbanos y naturales”. Pu-blicación editada dentro de un proyecto sobre arte en espacios abiertos subvencionado por la Comisión Europea dentro de pro-grama “Cultura 2000”, en español, inglés, sueco e italiano.

El catálogo “Bridge”. Publicación sobre el proyecto “Parques de escultura en la naturaleza: un puente para la enseñanza de arte contemporáneo en las escuelas”, subvencionado por la Comi-sión Europea dentro del programa “Cultura 2000”, en español, inglés, italiano y lituano. La guía “Arte y naturaleza. Guía de Eu-ropa. Parques de esculturas”. Esta publicación, editada en cinco idiomas, recoge una selección de 131 proyectos ubicados en 18 países diferentes y cuyo nexo común es la unión entre el arte y la naturaleza.

El catálogo “Cleaning the House” publicado con la ayuda del Ministerio de Cultura, a través de la Dirección General de Bellas Artes. En él se recoge el taller de performance impartido por Ma-rina Abramovic´ en 2004, a 36 artistas, entre ellos 3 españoles. Y el catálogo “Love Stories” de la artista Aleksandra Mir.

FUNDACIÓN NMACEdición: Fundación NMAC

Directora: Jimena Blázquez Abascal

Textos: Fundación NMAC / Rocío Gutiérrez García. Departamento Educativo.

Diseño gráfico: plusmedia

Fotografías: Fundación NMAC

Fundación NMAC

Ctra. A-48. km. 42,5

11150 Vejer de la Frontera

Tel. 956 455 134 / Fax 956 455 135

www.fundacionnmac.org / www.nmaceduca.org

e-mail: [email protected]

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Fundaciones, Museos e Instituciones Culturales, de sim-ples contenedores de obras de arte se han convertido en lugares idóneos de aprendizajes significativos. Este cambio es debido a la gran demanda social surgida en el último tercio del siglo XX la cual espera de estas instituciones no sólo un mero entretenimiento sino un verdadero caudal in-formativo. Estas instituciones, se convierten así en un ins-trumento de información, comunicación y diálogo. Estos aspectos están ligados a la función educativa que deben tener Museos y Fundaciones. Tanto la UNESCO , como el ICOM por medio de las conferencias internacionales y de su Comité Internacional para la Educación y Acción Cultu-ral ( CECA); así como la actividad cada vez más profesio-nalizada de los Departamentos Educativos de los diferentes museos, hace que se fortalezca la dimensión pedagógica así como la acción cultural de estas instituciones.

La educación es una labor clave dentro de las diferentes instituciones culturales, esto obliga a estas a plantearse día a día su redefinición y su calidad de servicios.

La Fundación NMAC desde su apertura en el año 2001 tie-ne como uno de sus principales retos el desarrollo y el buen funcionamiento de su departamento educativo.Este departamento educativo realiza actividades pedagógi-cas orientadas a estudiantes de todas las edades y niveles las cuales pretenden acercar a estos las diferentes tenden-

cias actuales de arte contemporáneo y fomentar la contem-plación, análisis, reflexión y actitud crítica entre los estu-diantes. Considerando la Educación como la base de una sociedad sólida, la Fundación NMAC plantea actividades orientadas a conseguir los diferentes objetivos que para cada nivel educativo propone el sistema educativo actual.Estas actividades son planteadas como complemento a las realizadas en las aulas por el equipo docente como activi-dades extraescolares en donde tienen un contacto directo con el arte actual y con el medio natural.

La educación extraescolar, totalmente próxima a la socie-dad, representa algunos de los aspectos más innovadores tanto de museos como de fundaciones, el poder acercar a los escolares al arte contemporáneo a través de visitas, ta-lleres y cuadernos pedagógicos, es el objetivo principal del Departamento Educativo.

Estas actividades consisten en una visita guiada a la Funda-ción en la que los estudiantes experimentan un contacto di-recto con las obras, con su creación, producción y difusión. Posteriormente a la visita se realiza una puesta en común con las diferentes impresiones de los alumnos al igual que la de los profesores, esta puesta en común se ve reforzadapor las diferentes cuestiones que los alumnos podrán res-ponder en los cuadernillos que se les entrega al finalizar la visita.

La Fundación NMAC con estas actividades persigue di-versos objetivos que los alumnos deberán alcanzar al fina-lizar la visita. Estos objetivos son los siguientes:

- Tener una visión general de los movimientos artísti-cos principales de la segunda mitad y finales del siglo XX más relacionados con las obras que han visto du-rante la visita.

- Identificar estos movimientos y su lenguaje (como land art, performance, etc.).

- Relacionar los aspectos más característicos de las obras con el entorno que lesrodea (natural, social, etc.).

- Valorar el importante papel desempeñado por estos artistas en su afán de poner en contacto el arte y la na-turaleza, la realidad social, el pasado histórico.

- Comprender cómo han ido cambiando los materiales y formas de las obras de arte desde mediados del siglo XX.

- Comprender y valorar los cambios en la concepción del arte y la evolución de sus funciones sociales a lo

largo de la historia.

- Entender las obras de arte en su globalidad, como exponentes de la creatividad humana, susceptibles de ser disfrutadas por sí mismas y de ser valoradas como documento testimonial de una época y una cultura.

- Valorar el hecho de que el espacio que han visitado no es un recinto cerrado como un museo, sino un espa-cio abierto en el que interaccionan las obras de arte y los elementos de la naturaleza.

Reflexionar acerca de la idea de este nuevo concepto de espacio expositivo, sus ventajas e inconvenientes.

- Despertar un sentimiento de valoración del arte con-temporáneo. Se persigue que el alumno reconozca en él una plasmación de la sociedad de su tiempo.

Por ello se hace necesario huir de la falsa idea de que tan sólo los llamados estilos históricos son los únicos modelos artísticos de validez universal.

En suma, se trata de conseguir que los alumnos entien-dan el arte como algo vivo que interacciona y evolu-ciona con las sociedades que lo crean.

EDUCACIÓN OBJETIVOS

FER

NA

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APU

NT

ESLa mayor parte de los trabajos y proyectos realizados por Fer-nando Sánchez Castillo (Madrid 1970), aparecen como jugue-tes y juegos que requieren una complicidad o interactividad con el espectador. Con ellos trata de experimentar procesos de conducta, articulaciones políticas o simples fenómenos físicos. En todos ellos pretende dejar un espacio libre para la memoria y la propia experiencia de situaciones que no somos capaces de controlar o cambiar en eso que llamamos “el mundo real”.

Fernando Sánchez Castillo considera su trabajo como pequeñas propuestas que quieren introducir un cierto proceso de re-educa-ción en nuestra relación con los conceptos asumidos por todos, o simplemente impuestos. El prototipo, la maqueta o el juguete constituyen sus maneras favoritas para, modestamente, lograr este objetivo de sus obras. Tengo siempre en mente la frase de Schiller “el hombre sólo es verdaderamente hombre cuando juega”.

Desde el año 2003, la Fundación NMAC acoge su obra Fuente. Esta obra aparece como un camión antidisturbios medio sumergi-do en un estanque del cual sale un chorro de agua, para el análisis de esta obra nos podemos remitir a las propias palabras del artista:

“El ser humano es una de las pocas especies del planeta que es capaz de neutralizar y convivir con aquello que en un de-terminado momento le produjo terror. Este triunfo sobre el pánico es materializado en lo que llamamos trofeo. El oso es convertido en alfombra, el enemigo en medalla…. Me pregun-

to si el arte contemporáneo no supone, igualmente, una victo-ria sobre nuestros temores. Materializa y hace visible aquello sobre lo que nos es difícil pensar y comprender mediante las otras disciplinas o ciencias.

Para mi proyecto, dentro del parque natural de Monteenmedio, he elegido un lago del mismo. Un emplazamiento paradisíaco, un remanso de tranquilidad, lugar para la lectura, el esparci-miento y refugio de la vida salvaje. En él podemos observar toda clase de plantas y flores acuáticas, insectos, peces y aves.

Y como en nuestra biblioteca o cuarto de estar, situarnos en el centro, el trofeo sobre aquello que, en otro tiempo, coartaba nuestra libertad para pensar o actuar, aquello que atemoriza-ba nuestros deseos de paz y armonía. Un camión antidistur-bios convertido en la fuente que impulsa la vida del estanque y que invita a la reflexión estética.

Y así, como deseando que la pólvora se hubiera inventado tan sólo para los fuegos artificiales, quizás las generaciones futuras el úni-co camión- fuente que conozcan sea el de nuestro lago.”

Algunas de las exposiciones en las que ha participado Fernan-do Sánchez Castillo son: “Abracadabra” en la Tate Gallery (Londres, 1999), “Toy Stories”(Madrid, 2000) y más reciente-mente “Monocanal”, en el Museo Reina Sofía (Madrid,2003). En la actualidad vive y trabaja en Madrid.

- Fernando Sánchez Castillo para la realización de su obra toma un episodio de la reciente Historia española concretamente los años de la transición. En estos años de transición las revueltas estudiantiles en contra de la represión del régimen, habían ido desarrollándose de una forma intermitente desde 1956 pero fue en 1968 cuan-do la situación de crisis, había alcanzado un punto en el que la ocupación policial de los campus universitarios era casi permanente. La presión de los estudiantes aspiraba a sustituir el Sindicato Español Universitario (SEU) por instituciones democráticas, aspiración que chocaba completamente con el edificio político franquista. A la vista de lo que ocurría en otros puntos de Europa, el régimen observaba los disturbios estudiantiles con gran atención. En mayo de 1968 hubo incidentes en Madrid entre la policía y 5.000 manifestantes universitarios.

- Es un momento excepcional para introducir al alumno en el medio natural y en su redefinición a través de la escultura.

FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO

fountain / fuente

APUNTES PARA EL PROFESOR

OLA

FUR

ELI

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APU

NT

ESNació en 1967 en Dinamarca. Su trabajo considera las fron-teras de la percepción humana y la relación entre naturale-za, arquitectura y tecnología. El espacio físico que rodea sus obras y los elementos externos forman parte de la mayoría de sus proyectos, a modo de dispositivos que activan la obra en presencia del espectador. Ha utilizado vapor para crear el fenómeno de los géiseres, ha creado instalaciones a modo de cúpulas geodésicas remitiendo a las arquitecturas utópicas y ha importado lava de los volcanes de Islandia exponiéndola en espacios museísticos y galerías. Combinando todos estos elementos con la tecnología moderna, la obra de Olafur Elias-son sumerge al espectador en una experiencia fisiológica a la vez que psicológica. El espectador actúa en la mayoría de sus obras como un elemento generador y es una parte fundamental de sus proyectos.

El proyecto específico del artista Olafur Eliasson realizado para la Fundación NMAC está basado en la luz y las condiciones en las que ésta es experimentada. La luz es un elemento muy significativo en Andalucía y la provincia de Cádiz, cuyo litoral es precisamente denominado Costa de la Luz. Por este motivo, la luz es un elemento fundamental del proyecto actuando como otro material más de la obra. Mediante el estudio e investigación de unas fórmulas mate-máticas, el artista ha inventado una figura geométrica en forma de dodecaedro que cumple las funciones de modelo geométrico “casi perfecto”, materializándose en un ladrillo de barro cocido. Con esta nueva forma de ladrillo se ha construido una pared curva de

ladrillo con el lado cóncavo expuesto al sur, para conseguir la máxima exposición de luz. Los ladrillos, posicionados aleatoriamente, forman una superficie rugosa y desigual en la que se han colocado unos espejos que reflejan los rayos del sol, creando una cortina de partículas de luz que se di-visa desde diferentes puntos del bosque atrayendo la vista del espectador.

El uso de los espejos es una de las maneras en las que el artista subraya la subjetividad y la percepción individual de lo que nos rodea. El espectador se ve envuelto en un mundo extraordinario de reflejos del sol en medio de una cortina de luz intocable entre los troncos de los estilizados pinos mediterráneos.

“Durante la preparación de mi proyecto para NMAC, trabajé con la noción de que los visitantes en potencia y los alrededores deben ser entendidos como una progre-sión en constante diálogo. La experiencia del área y su contexto puede verse impregnada de muchos elementos, entre los que se puede encontrar la intervención artís-tica, así como el visitante, que en virtud del compromi-so con una situación puede alterar su percepción del área”

Actualmente sus obras se encuentran expuestas en los mu-seos y colecciones más importantes del mundo.

- En esta obra de Olafur Eliasson es interesante que el alumno conozca los diferentes materiales utilizados por el artista y como se adaptan a las nuevas formas escultóricas.

- Para la creación del ladrillo utilizado, el artista se apoyó en la cristalografía y en una serie de fórmulas matemáticas. Se pueden poner como ejemplo fórmulas matemáticas utilizadas por el alumno en la Enseñanza Secundaria que derivaban a figuras geométricas ( ecuaciones de 2º grado , parábola; ecuaciones de primer grado, línea recta…etc.)

- En esta obra se pueden observar las proporciones exactas de los ladrillos utilizados por Olafur Eliasson, proporciones que podemos encontrar en la misma naturaleza. Desde la antigüedad clásica con el canon de Polícleto o Lisipo, o en la edad moderna con las investigaciones de Leonardo, el hombre se ha interesado por conocer las reglas naturales que rigen tanto al medio físico y natural como al ser humano. En esta obra podemos hacer mención a los distintos autores así como a sus diferentes teorías.

OLAFUR ELIASSON

quasi brick wall / pared de ladrillos quasi


APU

NT

ES

SOL

LEW

ITTSol Lewitt (EEUU 1928) ha sido uno de los artistas más in-

fluyentes en el mundo del arte contemporáneo a lo largo de las cinco últimas décadas. Dentro de la evolución de su obra, Lewitt ha logrado mantenerse fiel al principio fundamental de que una sencilla gramática de elementos básicos puede llegar a producir una gama prácticamente ilimitada de obras de arte visualmente complejas. Aunque comenzó su carrera artística como pintor, Lewitt adquirió cierta relevancia por primera vez como escultor en Nueva York a mediados de los años sesenta, momento en que el arte minimalista empezaba a sustituir al expresionismo abstracto como el movimiento imperante de los círculos artísticos.

Entre sus influencias personales se encontraban algunos de los mo-vimientos artísticos de la primera mitad del siglo XX, tales como el constructivismo ruso, la Bauhaus y de Stijl, que utilizaban voca-bularios visuales de formas geométricas a la hora de crear sistemas de arte que abarcaban todos los medios. Las obras más típicas del artista en aquella época eran sus sobrias esculturas geométricas en madera colocadas a ras de suelo y sus lienzos murales en relieve, muy en consonancia con el enfoque minimalista.

Pero mientras que el minimalismo se contentaba con dedicar su atención a los materiales, las superficies y las propiedades forma-les, Lewitt se preocupaba en mayor medida por las ideas y princi-pios originales, sobre todo a la hora de explorar las distintas ma-neras en que aquellos principios e ideas podían ser convertidos en

herramientas para la creación de formas físicas y visuales.

En este momento Sol Lewitt comienza a explorar las ma-neras en que los sistemas preestablecidos de secuencias va-riables y la progresión de series podían incorporarse en el proceso creativo de obras de arte.

A la hora de fabricar su gramática visual, eligió de manera consciente utilizar formas sencillas como cuadros y cubos para que no interfiriesen con la capacidad de dicha gramática para transmitir ideas.

Al presentar así, en un contexto artístico, la forma como portadora de ideas Lewitt se convirtió en uno de los pio-neros del movimiento de arte conceptual, destinado a tener un enorme impacto sobre el arte en las últimas décadas del siglo XX.

Sol Lewitt proyectó para la Fundación NMAC en el 2001 “Bloque de ceniza”, obra realizada con bloques de hormi-gón, material básicamente igual en todo el mundo y que podemos definir como no artístico.

La superficie a la vez simple, no decorada eindiferenciada, que distingue a los bloques de hormigón permite precisa-mente la forma, es decir al concepto de forma modelada, reaparecer como estructura.

SOL LEWITT

cinderblock / bloque de cenizas

- En “Bloque de cenizas” el alumno puede apreciar la pureza de líneas que utiliza Sol Lewitt en su obra. En esta obra el alumno entra en contacto con uno de los mejores ejemplos de arte conceptual. Sol Lewitt comienza sus pasos como pintor y en sus obras podemos ver figuras geométricas que posteriormente va a trasladar a sus esculturas.

- El alumno del mismo modo estará ante un ejemplo de cómo materiales industriales, como es el caso del hormigón, forma parte de una obra de arte.

- Los alumnos ante la visión de esta obra se remontan al pasado faraónico o al pasado de los pueblos prehispá-nicos. El profesor puede en estos momentos recordar las funciones de las pirámides en las diferentes culturas y señalar las diferencias existentes entre éstas y la pirámide de Sol Lewitt.


APU

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Y P

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ENació en Nueva York en 1966, desde los 25 años se centra en el estudio y la creación de naturalezas artificiales. Su carácter perfeccionista hace que sea difícil distinguir sus creaciones de la realidad. La gran mayoría de sus obras conllevan una realización técnica compleja y una precisión casi mecánica donde la dificultad de la ejecución da vida al más mínimo detalle.

En la actualidad al igual que a lo largo de toda la Historia del Arte los artistas siguen interesándose por la naturaleza y el paisaje en sus representaciones.

Esta interpretación de la naturaleza ha variado en las dis-tintas épocas. Las obras de paisajes realizadas por artistas como Caspar David Friedrich o Courbet podían ser enten-didas como símbolos de emociones problemáticas fuertes. Por el contrario, en las pinturas de los impresionistas, los árboles aparecen muy a menudo repletos de flores, repre-sentando una vida placentera y fácil.

En la obra específica realizada por Roxy Paine para la Fun-dación NMAC “Transplantado” en el 2001 encontramos la belleza de las pinturas impresionistas pero el modo se asemeja más a una pintura realizada por Caspar David Frie-drich. Los sentimientos de extrema soledad y aislamiento aparecen reflejados en Transplantado impregnado de un gran romanticismo.

Existe un sentimiento de extrema tristeza aunque su carác-ter eterno esté impreso en la fragilidad de sus ramas.

En Transplantado Roxy Paine ha dado un vuelco a la imagen del árbol de tal modo que lo ha transformado en un símbolo de hoy en día utilizando métodos y materiales industriales. Realizado en acero inoxidable y con una altura de 14 me-tros, transplantado se alza sobre una colina desde donde puede ser visto desde muy lejos. Transplantado se presenta como una nueva especie en el bosque, un transplante, pero no se muestra oculto es un marginado y se muestra en un espacio totalmente definido dentro del bosque.

Roxy Paine ha participado en diversas exposiciones inter-nacionales como la Bienal de Lyon (2000), en la Serpentine Gallery de Londres (2001), o en la Christopher Grimes Ga-llery en California (2002).

En la actualidad Roxy Paine vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

ROXY PAINE

transplant / transplantado

- En “Transplantado” el alumno debe reconocer el material con el que se realizó. Es importante que el alumno realice un análisis formal de la obra fijándo-se en el detallismo con el que está realizado.

- Es importante señalar como a lo largo de toda la Historia del Arte los artistas han mostrado un gran interés por la naturaleza. La naturaleza ha sido representada como escenario de muchos aconteci-mientos históricos, retratos reales, escenas corte-sanas; y del mismo modo el paisaje en sus múltiples variantes ha sido el medio de expresión preferido por impresionistas, románticos…etc.

- Sería importante hacer que los alumnos intenten deducir ante que especie arbórea se encuentran y que intenten distinguir las principales diferencias entre transplantado y las demás especies, atendien-do a la caducidad de sus hojas, a la esbeltez de sus ramas (14 m de altura) y la suavidad de su tronco.


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ES

GU

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LA B

ANacida en Estocolmo en 1954, la obra de Gunilla Bandolin se forma en un principio de materiales y métodos tradicionales.Su trabajo en una primera etapa se realizaba en la fundición trabajando con bronce o tallando granito y la mayoría de estas obras están concebidas para espacios interiores. Más adelante comienza a experimentar con nuevos materiales sintéticos, como la tela y el poliéster, y a interesarse por el estudio del espacio exterior. A partir de entonces comienza a trabajar con ingenieros, arquitectos y obreros para la producción de pro-yectos en espacios naturales y públicos. Esta trabajo se en-cuentra relacionado con la tradición sueca del paisajismo que representaba un compromiso social y que había crecido junto con los planes de higiene y urbanización de las ciudades.

Lo circular y lo ovalado aparecen recurrentemente en la obra de Bandolin, así como la elevación anfiteátrica. Solomon’s Well, construido para el Socrates Sculpture Park en Brooklyn, Nue-va York, en 1994, formaba una colina mucho más baja con el interior vaciado. Se podía acceder a él a través de una abertura estrecha, como una rendija. La obra está ahí para entrar y ser utilizada, probablemente para la contemplación bajo el cielo.En la percepción de Bandolin, la materia se invierte a través de la forma. En la escultura de Bandolin existe una importante mi-sión arquitectónica, asociada en concreto al hecho de crear con materia invertida. Esto se corresponde a una de las ideas clave del movimiento modernista en arquitectura, en particular en su vertiente sueca. El espacio se libraba de sus limitaciones, se eli-

minaban sus muros, predominaban las formas simplificadas. Luz y espacio se convirtieron en los elementos esenciales de un nuevo utopismo. La escultura de Bandolin también es utópica en espí-ritu, solo que ella ha trasladado la luz y el espacio al paisaje y al espacio aéreo. En la escultura de Bandolin se eleva un dualismo convencional entre el espíritu y la materia. En el interior de sus excavaciones encontramos la oportunidad de encontrarnos, en solitaria contemplación o a través de una perspectiva colectiva, a nosotros mismos, a nuestra propia llamada. En las obras de Ban-dolin se añade el elemento público además del arquitectónico. Sus obras son accesibles, incluso divertidas, y gustan a personas de todas las edades. Nos invitan a cada uno de nosotros, a través de sus rendijas, a formar parte de la humilde grandeza de la forma elemental.

La obra realizada por Gunilla Bandolin para la Fundación NMAC en el 2001 recoge todas las características esenciales del estilo de la artista sueca. Sky’s Impression nos acerca a la arquitectura de los embalses construidos por toda la geografía española, con una pureza en sus formas inspirados en la tradición minimalista, nos muestra la sequía de los meses estivales en una arquitectura res-plandeciente de luz que nos transmite una verdadera impresión del cielo.

Gunilla Bandolin vive y trabaja en Estocolmo donde está reali-zando diversos proyectos públicos e impartiendo clases en las universidades de Lund y de Malmo.

GUNILLA BANDOLIN

sky’s impression / impresión del cielo

- El minimalismo es el movimiento artístico surgido en Estados Unidos que reduce las obras a sus formas o estructuras geométricas, buscando la máxima expresión con los mínimos medios. En la obra Sky’s Impression el alumno contempla uno de los ejemplos más significativos del arte minimalista.

- Es muy interesante que el alumno tome contacto partiendo de la obra de Gunilla Bandolin con el concepto de Land Art. (Corriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales).

- Sky’s Impression está relacionada con la tradición paisajística sueca y los planes de urbanización, compromiso social e higiene de las ciudades. Sería importante que el alumno conociese las diferentes actuaciones que du-rante el siglo XIX se hicieron en las ciudades más importantes de Europa ( Haussmman, París; Arturo Soria, Madrid; Cerdá, Barcelona).


APU

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RIC

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Richard Nonas nació en Nueva York en 1936. Terminó primero sus estudios de literatura y luego de antropolo-gía. Trabajó como antropólogo durante diez años, en-señando y realizando trabajos de campo con los indios americanos de Hudson Bay y del territorio de Yukon en el norte de Canadá. Más tarde haría lo mismo en el de-sierto del norte de Méjico y sur de Arizona durante dos años.

Hace aproximadamente veinte años, dejó la antropolo-gía y comenzó a hacer esculturas. Desde entonces, ha creado obras por todo el mundo, tanto de pequeño como de gran formato y tanto para interiores como para exte-riores.

Considerado un minimalista en cuanto a forma y a con-tenido, los materiales que utilizan son, principalmente, la piedra, la madera y el hierro. La mayor parte de sus proyectos están estrechamente relacionados con el mun-do natural y el estudio antropológico de nuestra socie-dad. Además, ha escrito exhaustivamente acerca de las implicaciones intelectuales y emocionales que producen nuestras conexiones con la naturaleza, el arte, el espacio y la localización concreta.

Para la Fundación NMAC Richard Nonas realizó Co-rriente de río serpiente al sol en el 2001. Esta obra fue realizada en tan sólo dos días de concentración, medi-tación y trabajo incesante. En este momento de tensión entre el artista y la propia naturaleza las piedras que for-maban la obra encontraron su lugar de ubicación dentro del parque de esculturas.

Corriente de río serpiente al sol se integra totalmente en el medio natural, la forma artística toma los elementos de la naturaleza como único material de su composición de este modo la naturaleza en sí se convierte en arte siendo mínima la apariencia externa de la mano del hombre.

“ Mi trabajo consistía en obligarme a entrar en ese lu-gar existente, deshacerme en él sin destruirlo. Mi traba-jo consistía en hacer de barrera entre la conexión total y la conexión a medias, redefinir esa perpetua línea am-bigua. Mi trabajo consistía en descubrir el poder de un significado enterrado: encontrar un lugar nuevo y viejo a la vez, tan perdurable y fuerte como una piedra…

Actualmente Richard Nonas vive y trabaja en Nueva York.

RICHARD NONAS

river-run, snake in the sun / caudal de río, serpiente en el sol

- La obra de Richard Nonas para la Fundación NMAC hace que el alumno reflexione acerca del significado del arte en sí. Richard Nonas basán-dose en la cultura del pueblo indio realiza una obra donde la naturaleza misma toma valor artís-tico. Este aspecto es importante ya que el alum-no puede apreciar las diferencias y similitudes existentes entre las diferentes culturas.

- El arte forma parte de la cultura de cada pueblo, ya que el arte es propio del ser humano y no se concibe el arte sin hombre y el hombre sin arte. En la cultura de los pueblos indios la naturaleza forma parte de su cultura, sus cultos, sus creen-cias, sus tradiciones giran en torno a ella, es por este motivo que la propia naturaleza se convierte en arte.

- El artista ha utilizado para su obra únicamente la piedra, sin necesidad de utilizar material alguno que las sustente. El profesor puede mencionar obras arquitectónicas las cuales no hayan utiliza-do ningún tipo se sujeción.


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MP&

MP

ROSANacidos en San Fernando en 1971 hacen de su condición

de gemelos un argumento para abordar la cuestión de la identidad en sus obras. Utilizando el dibujo, la fotografía y recientemente instalaciones, los artistas juegan con la dualidad de los gemelos. En muchas de estas instalacio-nes ellos mismos son los personajes representados, sin ninguna creatividad aparente, situando al espectador en un espacio teatral donde exploran los límites de la indi-vidualidad.

La máscara es otro de los elementos habituales en sus fi-guras, siendo muchas veces una copia de los propios per-sonajes que las llevan, añadiendo a las escenas elementos desconocidos y en algunos casos desconcertantes.

Con la obra de los hermanos Rosado en la Fundación NMAC Secuencia ridícula 2003 el espectador se ve sor-prendido. El sonido de los aplausos intermitentes pro-venientes de la nada obligan al espectador a buscar el origen de este ruido que rompe con la tranquilidad del bosque.

Y al mirar en el entorno nos encontramos con dos perso-najes realizados en terracota tocando las palmas encima de un árbol. Se percibe desde la perspectiva vertical en

la que está situado el espectador, que cada uno de estos personajes tiene cubierta la cara con una máscara. Nos encontramos ante una escena con la que el espectador forma parte de la narración, de esta “secuencia ridícula” en la que no sabemos si somos nosotros los observadores o los observados, no sabemos si ellos se esconden detrás de las máscaras o por el contrario están intentando llamar la atención al tocar las palmas. Aquí el espectador es una parte esencial de la obra y está obligado a participar de forma activa en la obra.

En este juego de miradas y percepciones, la dualidad de los personajes y juegos de visualización ante lo duplica-do, lo doble y la sombra del yo, nos hace situarnos en un ámbito desconocido donde se pierden los parámetros de la individualidad, del “uno mismo” ante el entorno que nos rodea.

Los hermanos Rosado han recibido varias becas y pre-mios, entre ellos destacan el premio “Andalucía joven” a las Artes 2001 de la Junta de Andalucía y el Institu-to andaluz de la juventud y la beca de Pollock- Krasner Foundation de Nueva York 2002-2003.

En la actualidad viven y trabajan en Sevilla.

MP & MP ROSADO

ridiculous sequence / secuencia ridícula

- Los artistas han realizado dos figuras en terracota policromada que recuerda a ellos mismos. Con esta afirmación podemos llevar al alumno a que reflexione acerca de conceptos como: realismo, naturalismo e idealismo; conceptos los cuales están presentes en el análisis de la obra de arte y en ocasiones puede llevar a una incorrecta interpretación de la misma.

- La terracota es un material muy utilizado durante siglos en la escultura. En muchos casos este material se utilizaba como boceto y en otras ocasiones como obra en sí utilizando la policromía para cubrirlo. El profesor puede con la ayuda de los alumnos hacer un pequeño recorrido por los materiales utilizados en la escultura a lo largo de toda la Historia del Arte y explicarles los nuevos materiales utilizados en la actualidad (acero inoxidable, hormigón, hierro, escayola, tela encolada, cartón, plexiglas, plásticos, etc.).


APU

NT

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SHEN

YU

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Shen Yuan (Xianyou, China,1959) emigró a occi-dente a finales de la década de los 80 junto con otros artistas de vanguardia y esta experiencia mar ca en gran medida su trabajo. En su obra crea a mósferas y efectos en los que resalta estados psico-lógicos atrayendo los sentidos.

En su obra Shen Yuan trata conceptos como glo-ba- lización, lenguaje, traducción, significado y subjetividad a través de esculturas e instalaciones que pueden ser alegres y seductoras, pero también repelentes y perturbadoras.

Para la Fundación NMAC Shen Yuan realiza en 2004 Puente. Puente de cerámica constituido por un pasamanos ovalado y una pasarela la cual no lle-ga a su fin. La balaustrada está constituida por dos filas pareadas de jarrones decorados con motivos chinos e islámicos.

Así mismo los terminales del puente están rema-tados con dos esbeltas cerámicas con los mismos motivos decorativos.

La cerámica que forma este particular puente es el vehículo de unión entre dos culturas muy distantes, por una parte la china, de donde procede la artista y, por otra, la española con reminiscencias islámi-cas, como reflejo del pasado. Esta obra simboliza el sincretismo cultural que se refleja en las cerámicas(dibujos chinos y árabes) y los obstáculos que suponen las diferencias cultu-rales que impiden a veces el entendimiento de los hombres.

Shen Yuan ha expuesto en numerosas galerías de Inglaterra y Francia y también en Holanda, Alema- nia, Italia, Japón y Canadá. Vive y trabaja en París desde 1990.

SHEN YUAN

bridge / puente

- A través de la obra de Shen Yuan los alumnos pueden analizar los diferentes elementos decorativos geomé-tricos y figurativos que la componen.

- Shen Yuan impregna su obra de un gran simbolismo. Este simbolismo lo podemos encontrar tanto en su decoración como en su estructura. El alumno con la ayuda del profesor analizará estos aspectos para descifrar la obra.

- La cerámica ha sido a lo largo de la Historia del Arte un material muy utilizado por los artistas sobre todo en las artes decorativas y en los ajuares. En este caso nos encontramos con una obra de cerámica de grandes dimensiones, hecho quizá insólito dentro de la escultura.


APU

NT

ES

SAN

TIA

GOSantiago Sierra nació en Madrid en 1966. Tras licenciarse

en Bellas Artes por la Complutense de Madrid se marchó a Hamburgo donde se gestó gran parte de su interés por las ideas que gravitan en torno a su obra. En 1995 se traslada a vivir a México donde comienza a realizar, en su propia casa de la calle Regina, acciones como “línea tatuada”. Des-de entonces, Museo Rufino Tamayo, Bienal EVA 2000 en Limerick, Kunstwerke, P. S. 1, Kunsthalle de Viena, Lisson Gallery, Peter Kilchmann, Pabellón Español de Venecia...

Santiago Sierra es posiblemente el artista español que más ha dado que hablar en los últimos años. Su proyecto en la Bie-nal de Venecia de 2003, en la que tapó con bolsas de basura la palabra España y tapió la entrada negando el paso al que no pudiera acreditarse como español, sembró la polémica y le proporcionó relevancia internacional.. Su obra consiste en “acciones”, en las que funde una sensibilidad minimalista con una mirada crítica sobre cuestiones relacionadas con el capitalismo, las leyes del mercado y su dramático reflejo en la sociedad actual.

La obra de Santiago Sierra se presenta principalmente en forma de performance, instalaciones, fotografía y vídeo. Sus obras reflejan la inconformidad ante el sistema social en el que vivimos y ponen en evidencia las diferencias sociales y raciales. El concepto principal en el que se basa su trayecto-ria artística está relacionado con el trabajo, sobre todo con

el de los inmigrantes y los marginados sociales, con la falta de oportunidades y la sumisión a la actividad laboral con el fin de recibir un salario y permitir el funcionamiento del sis-tema capitalista. Siguiendo esta premisa, en algunos de sus trabajos, el artista ha contratado a trabajadores para realizar acciones inútiles durante una jornada laboral. Sus proyectos funcionan como actividad y no como producto, representan-do un espacio de trabajo activo en donde se lleva a cabo el proceso de ganancias y de salario. El planteamiento de San-tiago Sierra pretende sensibilizarnos y hacernos conscientes de las injusticias sociales que suceden a diario.

En el proyecto realizado en la Fundación NMAC, “ .” se aprecia el carácter reivindicativo y provocador del estilo del artista madrileño. Para la realización de la obra se exca-varon 3000 huecos de las medidas indicadas y con las caras perpendiculares y paralelas entre sí. El trabajo fue llevado a cabo por un grupo que oscilaba entre 20 y 7 jornaleros según el día. Se trataba de trabajadores africanos, mayori-tariamente senegaleses y en menor medida marroquíes, más un capataz español.

Las labores se hicieron a pala durante un mes y cobraron el salario estipulado por la administración española para jorna-leros, es decir, 54 euros por ocho horas de trabajo.

Santiago Sierra actualmente vive y trabaja en México D.F.

SANTIAGO SIERRA

3000 hollows of 180 x 70 x 70 cm.each. / 3000 huecos de 180 x 70 x 70 cm. cada uno

- El arte a lo largo de toda la Historia ha tenido una función acorde con las necesidades imperantes de la época (mágico-religiosa; exaltación de poder; exaltación de ideales; adoctrinamiento…etc). Hay muchos autores contemporáneos que utilizan el arte como medio para expresar su inconformismo ante cualquier injusticia social. El profesor en esta obra puede hablar de la función del arte a lo largo de la Historia y de la función que para muchos artistas contemporáneos posee en estos momentos.

- Las obras de Santiago Sierra están creadas para provocar al público diversas reacciones como la indignación, el malestar; de esta forma el artista ve logrado su objetivo de llamar la atención del espectador y que este pueda participar en el cambio de la sociedad. El profesor puede exponer a los alumnos diversos ejemplos de la obra de Santiago Sierra, y como la denuncia toma un papel predominante en ella.

- La obra de Santiago Sierra puede servir de base al profesor para analizar el problema de la inmigración y la situación de los inmigrantes en nuestra sociedad, y acercar a los alumnos a valores como la tolerancia, el respeto, la igualdad o el compromiso social.

- Es importante que los alumnos analicen la situación geográfica en la que ha sido realizada la obra de Santiago Sierra.


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Pilar Albarracín nace en Sevilla en 1968, estudia Bellas Artes en la Universidad de Sevilla y la influencia de sus orígenes andaluces se va a percibir en toda su obra.

Nos encontramos con una artista que supone un nuevo modelo de profesional de arte, modelo que encarna la noción postgremial de profesión, que no se reduce a la mera habilidad técnica para resolver un problema dado. El profesional es sobre todo capaz de abarcar panorámicamente su territorio específico y hacerse cargo de sus fronteras. El artista actual es mayormente eso, el profesio-nal que se preocupa, se ocupa, y ocupa ese territorio problemáti-camente delimitado que es el arte.

El campo de investigación de esta artista se centra en los tó-picos de la España tradicional: el flamenco, los toros o la ar-tesanía, sobre los cuales procede a ironizar y transformar en sus obras, utilizando la fotografía, el video o la costura como sus principales vehículos de expresión. Para explorar estos objetivos, Pilar también se suele servir de su cuerpo y de su imagen. De este modo, el performance se convierte en otro de los medios por los que consigue romper los convencionalismos asociados a las costumbres y tradiciones nacionales. En 1999 realiza el performance Tortilla a la española en el que se rasga con violencia la vestimenta y después procede a hacerse una tortilla con ella.

La esencia de la obra de Albarracín surge a través de la ironía, el humor, la crítica, la sensualidad y la poesía, provocando todo tipo de reacciones en el público.

La intervención de Pilar Albarracín en la Fundación NMAC en forma de videoperformance en el 2001 es un recuerdo a las tradi-ciones de esta tierra situada entre dos continentes llena de mitos y leyendas. Con la noche 1002 y Lunares se sirve de su imagen y de su cuerpo para tratar temas sociales y tradicionales de la cul-tura andaluza. Sus performances nos adentran en un mundo de costumbres arraigadas a nuestra cultura que en forma de críti-ca e ironía se desmitifican mostrándonos su lado más irónico y cruel. Todo su campo de investigación se centra en la relación entre oriente y occidente y más concretamente en el papel de las mujeres en este territorio mitificado, donde existe un imaginario colectivo que cree en el exotismo de la cultura árabe. En una re-creación de la realidad, de la oleada de inmigrantes viajando de un continente a otro nos encontramos en un espacio de ensueño, una secuencia que podría situarse en cualquier lugar del mundo.

Sus performances nos adentran en un mundo de costumbres arraigadas a nuestra cultura que en forma de crítica e ironía se desmitifican mostrándonos su lado más irónico y cruel.

Actualmente Pilar Albarracín vive y trabaja en Madrid.

PILAR ALBARRACÍN

the night 1002 / la noche 1002

- La fotografía desde su invención en el siglo XIX es un recurso muy utilizado por los diferentes artistas con-temporáneos. En esta obra Pilar Albarracín ha utilizado la fotografía para plasmar su obra. El profesor ante esta obra puede realizar una síntesis de la Historia de la Fotografía destacando su invención y las múltiples posibilidades que ofrece para el artista contemporáneo.

- La descripción de la obra de Pilar Albarracín sirve de argumento para hacer ver al alumno el papel que la mujer ejerce en muchas culturas y para fomentar valores como la tolerancia, el respeto y la igualdad entre sexos.

- En la obra de Pilar Albarracín se pone de manifiesto el papel que el artista contemporáneo ejerce en la socie-dad actual y como su obra se convierte en una manifestación de condena ante las injusticias sociales.


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BMarina Abramovic (Belgrado 1946) es, sin duda, una de las artistas más significativas del panorama artístico internacional. Su activi-dad artística se inicia en los años sesenta en la antigua Yugoslavia, de donde es originaria; muy pronto se siente atraída por aquellos lenguajes artísticos más radicales e innovadores de su tiempo, pese a las dificultades y escasez de información que se filtraba en su país. A lo largo de su trayectoria artística su campo de investigación se ha centrado en la búsqueda de los límites del cuerpo humano, tanto mentales como físicos. Este interés la ha llevado a investigar otras culturas no occidentales y estudiar sus particulares formas de exorcizar el miedo al dolor y a la muerte, sentimientos que están muy presentes en nuestra sociedad actual.

El performance y las instalaciones/esculturas han sido y son sus principales medios de expresión. Durante doce años formó pareja artística con Ulay con el que desarrolló sus performances más conocidos, como el de su despedida, The Lovers, en el que cada uno de ellos recorrió 2000 Kilómetros de la muralla china para decirse adiós.

Para la Fundación NMAC Marina Abramovic realizó dos obras “Humans Nests” y “The hero” en el año 2001. En Nidos Hu-manos Marina Abramovic da un uso artístico a una cantera en desuso. La idea de Nidos Humanos surge por la presencia de aves migratorias en esta zona en su paso hacia el estrecho. Del mismo

modo los recuerdos de su niñez evocan escenas cinematográficas en donde se recogen las vivencias de unos monjes que viven en rocas de acceso imposible. Soledad, inseguridad, reflexión y con-templación están presentes en la obra.

“Los agujeros no debían ser ni grandes ni demasiado pequeños, lo suficiente para que un cuerpo pudiera caber dentro y sentirse protegido por un lado, pero inseguro y frágil por otro”

En “El Héroe” la artista quiere hacer un homenaje al héroe rend do, homenaje a la otra cara del coraje. Sobre un caballo blanco Marina Abramovic, porta en su mano derecha una bandera blanca a la vez que canta el himno yugoslavo. Es peculiar el hecho de que el héroe representado por la artista se aparta de la concepción tradicional del héroe y sus hazañas.

En 1997 participó en la Bienal de Venecia, en el pabellón de Yu-goslavia, con Balkan Baroque, ganando el primer premio de la Bienal. Una vez al año Marina realiza el performance Biography en el que resume todas las experiencias como artista mostrando los diferentes impulsos e inspiraciones de los que surge su obra.

Hoy en día tiene su base en Ámsterdam, que ella califica como “temporalmente para siempre” y continúa viajando por todo el mundo.

MARINA ABRAMOVIC

human nests / nidos humanosthe hero / el héroe

- Al igual que en el resto de las obras que componen la colección de la Fundación NMAC en “Humans Nests” el paisaje fue el instrumento generador de la obra. La localización de la cantera, el paso de las aves migratorias o los recuerdos de la infancia fueron elementos determinantes para Marina Abramovic.

- Marina Abramovic utiliza para su obra una cantera en desuso y le otorga un nuevo valor. Es importante hacer llegar esta idea al alumno ya que actualmente es una tendencia generalizada la reutilización tanto de espacios cerrados como de espacios abiertos.

- Los huecos de “Humans Nests” tienen el tamaño suficiente para albergar el cuerpo de un individuo. En este espacio reducido está presente la dualidad de seguridad e inseguridad que presenta el propio espacio. A lo largo de su trayectoria artística Marina Abramovic ha estado muy interesada en investigar los límites del cuerpo humano tanto físicos como men-tales, este interés le ha llevado a interesarse por otras culturas no occidentales. Estas culturas a través de un dominio de la mente y del espíritu consiguen hacer desaparecer esa inseguridad que para nosotros está presente en “Humans Nests”.

- En “The hero” Marina Abramovic utiliza el video performance, este es el medio de expresión más utilizado por la artista. A través de esta obra el profesor puede explicar al alumno el significado de performance, forma artística que combina elementos del teatro, la música y las artes visuales.


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OHuang Yong Ping es uno de los artistas chinos de mayor renombre que abandonaron su país tras la tragedia de Tien Anmem.

Su obra crea tensiones y propone alternativas a la ideolo-gía eurocéntrica mediante el uso de materiales y metáforas que, como él mismo, son ajenos al público occidental. Así mismo, sus numerosas alusiones demuestran en gran me-dida su modus operando a la hora de sortear las preocupa-ciones de la sociedad contemporánea: ofrecer al público la posibilidad de enfrentarse cara a cara con la dinámica de nuestro mundo a través de sus instalaciones site specific. En la actualidad, Huang Yong Ping sigue convulsionando las formas de pensamiento tradicionales y los estereotipos culturales haciendo uso de materiales tan poco ortodoxos como arroz cocido o escorpiones vivos. Desafía las defini-ciones estéticas convencionales al tiempo que asume cier-tos riesgos respecto a la inviolabilidad del museo o de las galerías de arte.

En su obra proyectada en la Fundación NMAC Hammam en el 2003 el artista decidió superponer una superficie de arquitectura militar a un espacio subterráneo de cultura ára-be. Esta obra simboliza su búsqueda y su modo de infiltrar-se en las situaciones culturales vigentes.

En este contexto, Huang Yong Ping nos plantea una situa-ción fuera de lo común que permite aceptar la realización de una transposición y de una comprensión del Tiempo presente y pasado. Del mismo modo hace referencia a la variedad de los emplazamientos para los hammanes en todo el mundo, ya sea en edificios de nueva construcción, en una antigua catedral o en una piscina.

Lo más interesante, en palabras del artista, es cómo “la intención de construir un hamman árabe bajo un búnker militar occidental altera las expectativas habituales acerca de lo que leemos y vivimos”

El artista concibió Hamman completamente neutral, sin adornos, la luz natural es la única intrusión en esta arqui-tectura funcional combinada. Esta luz penetra a través de lucernarios situados en la parte superior del hamman y en el frontal. El sonido del agua al caer impregna todo el habi-táculo de una sensación placentera que se enfrenta a la vez con el aspecto exterior del búnker.

Ha participado en exposiciones en Yokohama, Shangai y en la bienal de Sao Paulo, entre otras. También representó a Francia en la Bienal de Venecia de 1999. Actualmente vive y trabaja en París.

HUANG YONG PING

hamman / baño

- A través del “Hamman” de Huang Yong Ping el profesor puede acercar al alumno a uno de los episodios más enriquecedores de la Historia de España, la España Musulmana. En el s. X Abderramán III convierte Al-Andalus en califato independiente, con independencia religiosa, siendo una época de gran prosperidad cultural, gracias a las innovaciones en las ciencias y en las letras y la especial atención que dedicaron al desarrollo de las ciudades. Las ciudades más importantes fueron Valencia, Zaragoza, Sevilla y Córdoba, la cual llegó a ser en el s.X la mayor ciudad de Europa Occidental, contando con 500.000 habitantes, y centro cultural de la época. Sin embargo la decadencia llegó en el s.XI, cuando comenzaron las pugnas entre las distintas familias reales. En el s.XIV los musulmanes españoles sólo poseían el reino de Granada, que mantuvieron hasta finales del s.XV, cuando los Reyes Católicos lo incorporaron a la corona de Castilla..

- En esta obra el profesor puede hacer mención a las diferentes tipologías arquitectónicas del arte musulmán, mezquitas, alcazabas, zocos, baños…etc.

- Es importante que el alumno entienda como el paisaje, la geografía y la historia de un lugar puede condicionar la concepción y la realización de una obra de arte.


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OArtista nómada, Adel Abdessemmed ha vivido en los últi-mos años en Argelia, Francia, Alemania y Nueva York.

Sus obras, poseedoras de una fuerte presencia física, con-tienen una intensa dimensión espiritual que se define bajo lemas como la libertad y la alegría de vivir a pesar de que muchos de los proyectos traten temas tan delicados como la violencia, la tragedia o la muerte.

Adel Abdessemed, con su proyecto Salam Europe para la fundación NMAC, muestra una parte terrible de la inmigra-ción, de los pasos fronterizos, de la falta de libertad con una obra realizada con madejas de alambre de espino donde el artista, con su particular sutileza poética, expone las pesa-dillas vividas por los inmigrantes al intentar cruzar el muro alambrado que separa Europa de África, en la ciudad de Melilla o por los presos de guerra en las cárceles de Guan-tánamo. Situaciones locales con implicaciones globales.

La fuerte presencia física del anillo de espinos tiene una función anti-hipnótica y crítica con la creencia en falsas es-peranzas, y promueve, por el contrario, la autogestión de la propia vida mediante una reserva de ilusión y energía, que a pesar de ser limitada, nos induce a soñar despiertos.

La función anti-hipnótica que genera Salam Europe es el conducto a través del cual la sociedad moderna reencuentra una fuerza motivadora universal hacia un mejor porvenir.

“El exiguo vocabulario visual de Adel Abdessemed da lu-gar a un lenguaje artístico que expresa rebeldía, inconfor-mismo y subversión del statu quo.

Las obras de Abdessemed, gestos dinámicos abiertos a in-terpretaciones diferentes, no son en absoluto neutras”.

Gilane Tawadros

ADEL ABDESSEMED

Salam Europe!

- El profesor puede explicar a los alumnos el origen nómada de la humanidad así como la existencia de los movimientos migratorios a escala global.

- El alumno puede reflexionar acerca de la forma circular de la obra, forma geométrica la cual imposibilita la visión del punto de inicio y fin, con la imposibilidad actual de solucionar los conflictos en las políticas migra-torias.


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GOCRISTINA LUCAS

you can walk too / tú también puedes caminar

- En la obra de Cristina Lucas el alumno se acerca al formato de video como una de las tendencias artísticas que surgió al hilo de la consolidación de los medios de comunicación de masas, y que pretendía explorar las aplicaciones alternativas y artísticas de dichos medios. Igualmente el profesor puede hacer referencia a Wolf Vostell o Nam June Paik como los primeros artistas en utilizar el video como medio de expresión.

- Tú también puedes caminar realiza una crítica hacia la desigualdad de derechos de la mujer a lo largo de la historia. La igualdad entre sexos puede tratarse en esta obra como materia de transversalidad.


Cristina Lucas comienza sus estudios en Madrid donde obtiene la licenciatura en Bellas Artes para posteriormente complementarlo con un MFA en la University of California Irvine. Posteriormente trabaja como coordinadora del canal de arte Kataweb y realiza estudios de gestión cultural de nue-vo en Madrid. En 2003 entra en el International Studio and Curatorial Program en Nueva York.

Las obras de Cristina Lucas, principalmente en vídeo y fo-tografía, ofrecen una mirada crítica contra ciertas formas de poder, no exentas de un humor corrosivo.

Tú también puedes caminar está basado en la cita de unos críticos que recoge Virginia Woolf en su libro “Una habita-ción propia”.

Esta crítica compartida por Nick Greene, Dr. Jonson y Cecil Gray dice: “Señores, una mujer que se dedica a la cultura es

como un perro que anda sobre sus patas traseras. No lo hace bien, pero ya sorprende que pueda hacerlo en absoluto”.

En Tú también puedes caminar vemos la respuesta de la ar-tista, no sin un tono de humor corrosivo, a esta crítica que desgraciadamente sigue latente en algunos sectores de la so-ciedad en muchos rincones del mundo. En formato de vídeo y de fotografía nos enfrentamos a la imagen de los perritos caminando sobre sus patas traseras en diversos entornos domésticos donde las mujeres desarrollan sus actividades cotidianas.

La graciosa presencia de los perritos andando a dos patas en-mascara de forma irónica una dura crítica hacia la desigual-dad social y de género todavía vigente no solo en el territorio en el que nos encontramos sino en otros muchos donde las mujeres no tienen el derecho de expresar sus ideas ni ejercer una profesión de libre elección.

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GOJEPPE HEIN

modified social benches / bancos sociales modificados

- Los bancos sociales de Jeppe Hein invitan al alumno al diálogo y a la reflexión. Como actividad de grupo los alumnos pueden comentar entre ellos aquellas sensaciones que les produce la contemplación de los diferentes bancos.

- El profesor puede sugerir al alumno que dibuje una serie de bancos sociales modificados que al igual que los del artista inviten al diálogo.


Los proyectos de Jeppe Hein trazan una línea directa con las esculturas del minimalismo de los años 60 al igual que con las mas tardías expresiones artísticas que cuestionaban la autoridad del espacio museístico o de la galería.

Sin embargo, la obra de Hein no puede ser encasillada dentro de ninguna de estas tradiciones. El tono irónico de muchos de sus proyectos juega con elementos sorpresa, de incertidumbre, lo alejan de las estrictas interpretaciones del minimalismo en el que el espectador no desempeña un papel frente a la obra. Por el contrario, el espectador de las obras de Hein tiene una presencia fundamental y participa activamente en cada uno de sus proyectos.

La experiencia física como forma de reactivar la memoria y excitar la conciencia es lo que genera Jeppe Hein con su proyecto Bancos sociales modificados. Los once ban-cos “imposibles” localizados en el bosque de la Fundación

NMAC actúan como elemento de discordia en un paisaje idílico que invita a la contemplación, a la observación y a la meditación.

En estos “bancos sociales”, como el artista los hace llamar, es imposible sentarse. Ante los cuales uno no sabe como comportarse haciendo que el espectador se encuentre fuera de lugar, perturbado, molesto por no poder relacionarse con el entorno.

En estas circunstancias el espacio público queda reactivado ante un conflicto de incomprensión, desigualdad y desalojo generada por la propia experiencia del espectador siendo él mismo testigo y protagonista de la marginalidad.

Como él mismo dice: “Normalmente trabajo con la forma en la que las personas interfieren o no con la obra de arte, intento romper la distancia entre la obra y el público”.

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GOJAMES TURRELL

stupa

- El profesor puede en esta obra acercar al alumno al concepto de Stupa, su origen, las diferentes partes de las que se compone y la relación entre éstas y los elementos cósmicos.

- En la obra Stupa el alumno puede observar de forma directa la relación de la obra y el espacio que le rodea, y de cómo éste condiciona la ubicación de la misma.


“Si definimos arte como experiencia, podemos suponer que el espectador, después de ver una obra, se lleva el arte consigo, porque ha sido hecho parte de su experiencia”.James Turrell.

La importancia histórica de la obra de Turrell reside en su ha-bilidad para profundizar en el modo en que se vive la luz, así como en su capacidad para aislar estos aspectos y presentarlos al espectador a través de cada obra. Más que transmitirle lo que él ha descubierto, pretende que sea el espectador quien lo des-cubra con su propia experiencia. A través de sus obras el artista ofrece la posibilidad de comprender los diferentes aspectos de la luz, de la energía solar y del comportamiento de la retina ante los cambios de la luz.

La obra más importante de Turrell es el Proyecto del Roden Crater ubicado en Arizona, el volcán extinguido que, desde hace tres décadas, está transformando en laboratorio. Parale-

lamente a este proyecto, Turrell también ha trabajado en otros proyectos arquitectónicos como es el caso de la obra diseñada para la fundación NMAC, Stupa, una obra de gran complejidad que forma parte de la serie de espacios para la luz conocidos como Sky Spaces (espacios para el cielo), muchos de los cuales surgen a raíz de los estudios realizados en el Roden Crater.

Stupa es una obra ubicada bajo el nivel de la tierra, por lo tanto invisible desde el exterior, en la que el espectador a través de un túnel entra dentro de una pirámide en la que están presentes los tres elementos: tierra, agua y aire. El acceso a la stupa a través de un pasadizo desemboca en un cuarto de luz abierto al cielo donde el visitante puede sentarse a contemplar los cambios de luz y la ambivalencia respecto a los limites de la percepción en el que uno se encuentra en la dificultad de saber dónde acaba la luz y empieza la estructura. En éste, al igual que en la mayoría de sus proyectos, la luz no sólo tiene textura, sino que adquiere sustancia y posición.

presionismo abstracto. En las obras minimal se insiste en la forma pura y poco expresiva, no hay gestualidad ni tema sino la búsqueda de una factura impersonal. Entre los artistas que pusieron en práctica estas ideas figuran Robert Mangold. Ro-bert Rayman y Brice Marden , así como otros artistas más jóvenes que abandonaron la pintura como Carl Andre, Dan Flavin, Robert Morris, Sol Lewitt y Donald Judd. La obra de estos últimos queda definida por la utilización de formas geométricas primarias, de productos en serie y materiales fabricados.

Para conseguir la reducción formal deseada el objeto mi-nimal , de un estilo puritano y estricto, se despoja de todo adorno decorativo y se remite a las relaciones del espacio circundante que se resaltan tanto por el efecto específico de la luz sobre el material, como por la expansión del volumen.

Performance

Será en los años setenta cuando el término se popularice de-bido a la influencia del vocabulario anglosajón. Reemplaza a la “acción” para designar las realizaciones públicas que proponen los artistas pertenecientes a corrientes que requie-ren la presencia de espectadores para llevar a cabo sus obras. Es una forma artística que combina elementos del teatro, la música y las artes visuales. La performance es heredera de

una larga historia. Los primeros happenings de Cage, y luego los realizados en Estados Unidos y en Europa, así como los “events” del fluxus constituyen la fuente más determinante de la performance. Ésta, que reposa en la presencia del artista y en la utilización de accesorios y un guión más o menos preciso, tiene relación con determinados aspectos de la situa-ción teatral, reivindicando sin embargo una trasgresión de las formas tradicionales del arte para ahondar en el cuerpo, los datos sensoriales, la palabra, el gesto y los comportamientos sociales. Desde este punto de vista, Beuys es sin duda el ar-tista más sintomático, en el que el acto artístico sólo puede ser posteriormente difundido por el video o la fotografía.

Site-Specific

Término inglés (Site: lugar; Specific: específico) que designa las obras de arte creadas para un espacio determinado, de modo que no pueden ser interpretadas fuera de ese lugar (p. ej. Las obras que se encuentran en la Fundación NMAC).

Soporte/medio

Superficie sobre la cual el artista realiza su obra. Algunos soportes son: escultura, papel, tela, una pared. El vídeo y la fotografía también se consideran soportes.

Formato

Características específicas del soporte. Pueden ser las me-didas de un papel sobre el que se ha pintado una acuarela. También la diapositiva o la impresión digital son formatos de la fotografía. Lo mismo que el VHS y el DVD son diferentes formatos de vídeo.

Instalación

Obra en la que se utilizan diferentes soportes o se presentan diferentes objetos distribuidos en un espacio, por ej., Yo Re-cuerdo.

Intervención

Actuación de un artista sobre un objeto o espacio determi-nado, modificando su aspecto original. Por ej., en Nidos Hu-manos, ‘Marina Abramovic’ ha intervenido sobre la pared de una cantera abandonada.

Land Art

Es una corriente artística surgida a finales de los años sesenta

que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espa-cios naturales que son transformados por el pensamiento y la acción del artista. El land art se encuentra dentro de esas corrientes que en relación con la desmaterialización del obje-to niegan el papel preponderante de los museos y galerías de arte y que desvían la práctica del arte a lugares inéditos hasta su aparición. Este movimiento que utiliza el propio espacio natural como soporte de la obra surge primero en los Estados Unidos a finales de los años sesenta. Los artistas del land art llevan acabo toda una serie de manipulaciones y transforma-ciones sobre el paisaje. Generalmente adquiere grandísimas dimensiones y su presentación en las galerías se hace a tra-vés de una documentación de fotografías, videos o textos. El land art interviene sobre el territorio (medición, orientación, señalización). Dentro de este tipo de arte hay una corriente centrada en las grandes dimensiones (Michael Heizer, Dennis Oppenheim, Walter de Maria o Christo) y otra más intimista como son los casos de Richard Long o Hamish Fulton.

Minimalismo

El término fue empleado por primera vez en 1965 por Ri-chard Wolheim en un artículo en la revista Art Magazine. Con él se calificarán después una serie de obras fechadas en 1962 que insistían de forma metódica en manifestar formas puras creadas como reacción contra la preeminencia del ex-

GLOSARIO

- VV. AA.: Arte del siglo XX. Pintura, escultura, nuevos medios, fotografía. Taschen, Colonia, 2001.

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- VV.AA.: Asianvibe, Castelló, Espai d’Art Contemporani de Cas-telló, 2002 (cat. exp.).

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BIBLIOGRAFÍA

Documents

cuaderno profesor NMAC