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ND É D I É À L ’ A R T , L E S F E M M E S E T L ’ A F R I Q U ED E D I C A T E D T O A R T , W O M E N A N D A F R I C A

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SOMMAIRE

001 Edito Editorial

IAM SÉNÉGAL | IAM SENEGAL004 Introduction Introduction

006 Les pionnières The pioneers008 Aïssa Dione, Tisseuse d'avenirs Aïssa Dione: weaver of futures012 Germaine Anta Gaye, renaissance d’un genre Germaine Anta Gaye: the rebirth of a genre014 N’Goné Fall, ou l’art vecteur d’exploration et de compréhension du monde N’Goné Fall: art as a vector of exploring and understanding the world018 Paroles de galeristes Gallery owners have their say

020 La nouvelle scène The new scene022 Kër Thiossane, l’art et le numérique pour mieux vivre ensemble : un laboratoire au coeur de Dakar Kër Thiossane: art, life and digital: a laboratory in the heart of Dakar026 Kiné Aw, recherche d’un équilibre entre modernité et tradition Kiné Aw: searching for balance between modernity and tradition028 Fatou Kandé Senghor, en quête d’identité Fatou Kandé Senghor: a search for identity032 Khadidiatou Sow, dialogue avec l’au- delà Khadidiatou Sow: a dialogue with the hereafter034 Ken Aïcha Sy, audacieuse éclaireuse au service de sa génération Ken Aïcha Sy: a bold light shining for her generation036 Photographes et engagées Photographers with commitment

048 Regards croisés Crossing paths050 Ousmane Sow, grandeur et simplicité Ousmane Sow: grandeur and simplicity052 Soly Cissé, l’instinct artiste est féminin Soly Cissé: the artistic instinct is feminine054 Fabrice Monteiro, entre mythologie et réalité Fabrice Monteiro: between myth and reality

SOMMAIRETABLE OF CONTENTS

IAM#02SÉNÉGAL | SENEGAL

056 Mata Nataal, l'image est mon nom Mata Nataal: image is my name058 DAK’ART 2016, le rassemblement des non- alignés DAK’ART 2016: bringing together the non- aligned

066 Lieux d'art Places of art

MODE ET DESIGN SÉNEGAL | FASHION AND DESIGN SENEGAL072 Dakar en fusion Fusion Dakar074 Tissage, tioup et couture : du savoir- faire à l’excellence Weaving, tioup and couture: from skills to excellence078 Dasha Nicoué : « Mon regard sur la mode au Sénégal » Dasha Nicoué: “My take on fashion in Senegal” 080 Oumou Sy, kaléidoscope Oumou Sy, kaleidoscope 082 Collé Sow Ardo, une pionnière de la mode africaine Collé Sow Ardo: a pioneer of African fashion084 Adama Paris, la mode et l’engagement par l’image Adama Paris: fashion and commitment through images086 Selly Raby Kane, iconic fashion Selly Raby Kane: iconic fashion090 Elsewhen by Selly Raby Kane Elsewhen by Selly Raby Kane

TABLE OF CONTENTS

092 Sophie N’Zinga Sy, couture et métissages Sophie N’Zinga Sy, couture and culture-blending096 Wax wave Wax Wave098 Les influences urbaines dans la mode sénégalaise Urban influences in Senegalese fashion102 Bull Doff : influences urbaines et agitateurs de talents Bull Doff, urban influences and agitators of talents104 MIS Wude, cuir, luxe et volupté MIS Wude, leather, luxury and sensuality108 Johanna Bramble, métissage textile et réflexions tissées Johanna Bramble, crossing textile cultures and weaving together thoughts110 Ousmane Mbaye, bientôt une école de design au Sénégal ! Ousmane Mbaye, soon a design school in Senegal!

IAM DANS LE MONDE | IAM IN THE WORLD112 Afrique incubatrice de talents Africa: an incubator of talent114 Les nouvelles vibrations de la mode africaine New vibrations in African fashion118 Sindiso Khumalo, quand mode africaine rime avec éthique Sindiso Khumalo: when African fashion rhymes with ethics122 Jeunes et talentueuses Young and gifted

124 Design en mouvement Rising design126 Sara Ouhaddou, accords sensibles Sara Ouhaddou: sensitive tuning128 Entre les lignes Between the lines134 S’ancrer dans le présent, Biennale de Marrakech 2016 Anchorage in the present: Marrakech Biennale 2016138 L’Afrique en vedette à l’Armory focus 2016 Africa headlining Armory focus 2016140 Cécile Fakhoury, dynamisme à toute épreuve Cécile Fakhoury: unflinching dynamism142 De quoi ces corps sont-ils faits ? What are these bodies made of?146 Dessiner l'Afrique qui vient Drawing tomorrow's Africa

150 PUBLICATIONS | PUBLICATIONS

152 GALERIES | GALLERIES

156 AGENDA | DIARY

160 RÉDACTION | MASTHEAD

A S AY WI T H M I S S N D I AY E CO L L EC T I O N , S S 201 6 © S EL LY R A BY K A N E CH A I S E G R A PH I K © O U S M A N E M B AY E CO L L A P S E V, 20 07 © L ED EL L E MO E

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Alors que les regards se tournent une fois de plus vers le Sénégal à l’occasion de la 12e édition de la Biennale d’art contemporain de Dakar inaugurée en mai 2016, IAM vous livre une lecture unique de la scène artistique sénégalaise. Au lieu de vous proposer un simple voyage exotique, inversons la dynamique. L’objet du regard ? Le monde. Le monde vu à travers les yeux de ces femmes, de ces Sénégalaises, pour qui l’art n’est pas une fin : c’est un début, un outil, un vecteur, et une passion.

Vivons la détermination des pionnières : l’artiste Germaine Anta Gaye, l’essayiste et experte N’Goné Fall, ou encore la créatrice et galeriste Aïssa Dione, qui prouvent à tous que tout est possible lorsque l’on a foi en ses rêves.

Ces personnalités imposantes nous livrent leurs histoires – leurs doutes, peurs, révélations, échecs et succès – avec sincérité et simplicité. Les hommes ne sont pas en reste : dans la section Regards croisés, nous découvrons la femme et la féminité dans les œuvres d’Ousmane Sow, de Soly Cissé et de Fabrice Monteiro.

Au sein de cet univers artistique, différentes générations se côtoient, dans le respect et le « vivre-ensemble » caractéristiques du Sénégal. À travers des initiatives telles que Kër Thiossane, Waru Studio ou Wakh’Art, l’accent est systématiquement mis sur le dialogue et l’échange. Bien souvent, les artistes jouent plus que leur rôle traditionnel dans un écosystème fragile où les maillons manquants sont nombreux. Dans un contexte économique difficile, où le secteur culturel n’est pas une priorité, où le statut de l’artiste n’est pas toujours facile à assumer – d’autant plus pour les femmes –, c’est armées de courage et d’audace que ces passionnées redoublent d’initiative et de persévérance. Le médium de la photographie en est une belle illustration, en ce qu’il démocratise l’accès à la création artistique et devient le fer de lance de jeunes talents comme Ina Thiam, Laeïla Adjovi, ou Malyka Diagana.

Le Sénégal ne s’éveille plus seulement à l’approche de la Biennale ; diverses initiatives gagnent en intensité d’année en année et parviennent à sauver la scène artistique du pays de sa fatale hibernation programmée. Le festival annuel dakarois Partcours, ou encore Le fleuve en couleurs, à Saint-Louis, insufflent bel et bien une nouvelle vie, pour un temps, à leurs villes respectives. IAM fait la lumière sur les visages des acteurs et des actrices qui portent, avec modestie, cette énergie incroyable et qui se font, par leur succès, ambassadeurs de leur culture et de leur histoire.

At a time when Senegal is once again the centre of attention thanks to the 12th Dakar Biennale of contemporary art in May 2016, IAM offers you a unique reading of the Senegalese art scene. Instead of taking you on a simple exotic journey, we are reversing the usual dynamic. The focus is on the world. The world, as seen by these Senegalese women for whom art is not an end in itself; it is a starting point, a tool, a vector, a passion.

Let us share the life of these determined, pioneering women: the artist Germaine Anta Gaye, the essayist and expert N’Goné Fall, or the designer and gallery owner Aïssa Dione, who prove to all of us that everything is possible when one has faith in one’s dreams.

These powerful personalities tell their stories to us – their doubts, fears, revelations, failures and successes – with sincerity and simplicity. There are men involved as well: in the section Crossing Paths, we discover women and femininity in the works of Ousmane Sow, Soly Cissé and Fabrice Monteiro.

At the heart of this artistic universe, different generations rub shoulders in a typically Senegalese spirit of mutual respect and coexistence. Through initiatives such as Kër Thiossane, Waru Studio or Wakh’Art, the accent is placed systematically on dialogue and exchange. Frequently artists have to take on a role that goes beyond their traditional one, in a fragile ecosystem where many links are missing. In a difficult economic context, when the cultural sector is not a priority, where the status of the artist is not always easily assumed – even more so for women – these passionate women display courage and boldness, initiative and perseverance. The medium of photography illustrates this well, as it democratises access to artistic creation and becomes a weapon of choice for young talents such as Ina Thiam, Laeïla Adjovi or Malyka Diagana.

Senegal wakes up and comes to life not just at the time of the approaching Biennale; there are other initiatives which gain intensity from year to year, rescuing the country’s artistic scene from its scheduled hibernation. The annual Partcours festival in Dakar, or Le fleuve en couleurs in Saint-Louis breathe new life for a while into their respective cities. IAM turns the spotlight on the faces of these men and women who modestly embody this unbelievable energy and whose success makes them ambassadors of their country and their history.

IAMSÉNÉGALSENEGAL

T E X T E | WOR D S · S A L I M ATA D I O P

N O U V E A U X H O R I Z O N SN E W H O R I Z O N S

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IAM SENEGAL | THE PIONEERSIAM SÉNÉGAL | LES PIONNIÈRES

A DT, T I S S U K A R A | K A R A FA B R I C | © A N TO I N E T E M P É

A DT, FA U T E U I L M A N D I G O | M A N D I N G O A R M C H A I R © A N TO I N E T E M P É

Redonner vie aux tissages traditionnels africains et leur assurer un avenir. Tel pourrait être résumé le parcours d’Aïssa Dione. Itinéraire et rencontre avec une designer, artiste et galeriste hors normes au Sénégal.

En décidant, il y a plus de vingt-trois ans, de sortir les tissages mandjaques de l’informel, Aïssa Dione est devenue une pionnière. Avec ADT (Aïssa Dione Tissus), elle fait de ce textile originaire de Casamance, de Guinée-Bissau et de Gambie, l’ambassadeur d’un certain luxe à l’africaine. Il y a dans ce tissu quelque chose des chevrons ou du jacquard, ces motifs plébiscitées par les maisons et les vestiaires les plus raffinés. « Contrairement à la soie, la laine ou le lin, le coton, lui, qui est pourtant l’une des matières les plus nobles, est rarement travaillé de manière très élaborée. Ce qui séduit mes clients, c’est justement que le tissage mandjaque apporte cette » observe-t-elle. Ses clients ? Ce fut d’abord la haute couture, avec des créateurs comme Paco Rabanne, Louis Féraud ou Christian Lacroix. Si elle travaille déjà avec quelques décorateurs, sa participation, en 1992, au Salon international de l’artisanat de Ouagadougou marque un tournant. Elle y reçoit le Prix de l’Artisanat africain décerné par l’Unesco. S’enchaînent alors les projets notamment dans la décoration d’intérieur où les textiles, qu’elle propose désormais associés à du mobilier en bois, fabriqué dans ses ateliers, remportent un vif succès.

L’ex-étudiante en philosophie n’a pas suivi par hasard des cours aux beaux-arts de Paris en marge de ses années lycée : innover, inventer est pour elle une passion autant qu’un challenge. À ses créations – qui, année après année, font la part belle à de nouveaux tissus –, elle insuffle un supplément d’âme grâce à des mélanges de matières végétales et des teintes telluriques. Depuis vingt ans, elle accueille aussi dans la galerie Atiss (voir p. X), qu’elle a créée, une sélection d’artistes dont elle a à cœur de révéler ou partager les talents. Le chemin d’Aïssa Dione a toujours été un plaidoyer en faveur du coton africain, de sa transformation locale, et du « consommer local » (voir interview ci-dessous).

En septembre 2015, elle est présente au Salon

To revive traditional African woven textiles and assure their future. That, in a nutshell , is how you could describe the course Aïssa Dione has taken. A meeting with an exceptional designer, artist and gallerist in Senegal.

When she decided more than 23 years ago to formalise Mandjaque woven textiles, Aïssa Dione became a pioneer. With ADT (Aïssa Dione Fabrics) she has made these textiles from Casamance, Guinea-Bissau and Gambia ambassadors for a certain African style of luxury. The designs of this fabric have something of the chevrons or the jacquard favoured by the most refined homes and wardrobes. “In contrast to silk, wool or linen, cotton, which is nevertheless one of the noblest materials, is seldom worked elaborately. What attracts my clients is the sophistication of Mandjaque weaving”, she observes. Her clients? It started with haute couture, with fashion designers like Paco Rabanne, Louis Féraud or Christian Lacroix. Although she was already working with a few interior designers, her participation in the International Craft Fair in Ouagadougou in 1992 marked a turning point. She won the African Craft Prize awarded by UNESCO. Many more projects followed, with her breakthrough into interior decoration and textiles, which she started to offer alongside wooden furniture made in her studios, leading to huge success everywhere.

This one-time philosophy student took fine arts courses in Paris at the same time as her studies at the lycée : she has a passion for innovation and invention, enjoying a challenge. She breathes soul into her creations – which, year after year, showcase new fabrics – thanks to mixtures of vegetable matter and earth-based dyes. For twenty years she has also been showing the work of selected artists in her Atiss gallery (see p.X), seeking to reveal and share their talents. Aïssa Dione’s chosen path has always been as an advocate for African cotton, and of its local production and use (see the interview below).

In September 2015 she was present at the Paris Salon des métiers d’art et de la création (Fine Craft and Creation Fair),

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A Ï S S A D I O N ET I S S E U S E D ’ A V E N I R SW E A V E R O F F U T U R E S

A Ï S S A D I O N E© A N TO I N E T E M P É

« Faire coïncider l’esprit traditionnel

et l’entreprise industrielle est mon

plus grand défi »

challenge is to fuse

"My greatest

the spirit of tradition with an industrial

venture"

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« Les Africains oublient d’être fiers de qui ils sont… parce qu’une société sans culture est une société vide. » Kiné Aw se considère comme une conseillère et une ambassadrice culturelle et estime devoir susciter une réflexion par l’intermédiaire de ses œuvres. « Mes tableaux montrent que l’Afrique est belle et que les gens devraient investir dans l’Afrique. Il faut le faire en Afrique même. »

Elle peint sur de grandes toiles, et sa vision gravite autour de l’univers des femmes au Sahel : les lignes rondes, la beauté, la tradition opposée à la modernité, et des thèmes inspirés par sa propre vie. La plupart de ses tableaux et dessins affichent un style clairement cubiste ; les formes géométriques et organiques sont déconstruites et deviennent plus abstraites encore. Elle travaille purement à partir de son imagination et de son intuition, sans se limiter d’aucune manière.

Témoin critique, elle essaye d’encourager les gens, en particulier les femmes, à réfléchir sur eux-mêmes et sur leurs vies. Selon elle, le Sénégal est une société moderne, bien qu’encore très traditionnelle, dans laquelle les femmes occupent une place prédéfinie. Cela signifie qu’il n’est pas toujours facile d’être

“Africans forget to be proud of who they are … because a society without culture is an empty society.” She sees herself as a counsellor and cultural ambassador and feels a responsibility to raise awareness through her paintings. “My paintings show that Africa is beautiful and that people should invest in Africa. That needs to be done in Africa itself."

Aw works with paint on large canvases and creates her vision, which revolves around the universe of women in the Sahel: round shapes, beauty, tradition versus modernity and themes inspired by her own life as a woman. Most of Aw’s paintings and sketches show a clearly cubist style; the geometrical and organic forms are deconstructed and sometimes become very abstract. She works purely from her imagination and intuition without limiting herself in any way.

As a critical reporter Aw tries to encourage people, especially women, to reflect on themselves and their lives. According to her, Senegal is a modern, yet still very traditional society in which women have a pre-defined place. This means it is not always easy being a woman. There is always social pressure and

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K I N É A W R E C H E R C H E D ’ U N É Q U I L I B R E E N T R E

M O D E R N I T É E T T R A D I T I O NS E A R C H I N G F O R B A L A N C E B E T W E E N

M O D E R N I T Y A N D T R A D I T I O N

Bien que Kiné Aw reconnaisse les avantages de la technologie moderne, elle veille à ne pas oublier les traditions et en particulier « la chaleur humaine de la communauté africaine ». Son travail reflète une volonté d’unir les mondes moderne et traditionnel en un seul, où c’est, selon elle, l’équilibre qu’il faut viser.

Even though Kiné Aw loves the advantages of modern technology, she is careful not to forget African traditions and in particular the “human warmth of the African community”. Her work reflects a vision of the modern and traditional world as one, and she believes we should strive for a balance between them.

K I N É AW © K I N É AW

« Les Africains oublient d’être fiers de qui ils sont »

"Africans forget to be proud of who they are"

une femme. Sous la pression sociale, nombreuses sont celles qui se conforment aux attentes en choisissant des professions qui, selon elles, seront considérées comme respectables et dignes. La plupart ont peur d’aller vers quelque chose d’inhabituel, de se faire remarquer et de suivre leurs passions. Il existe également le danger que les autres vous jugent comme différente et, par conséquent, vous craignent. Et c’est encore plus difficile quand il s’agit d’être une artiste au Sénégal. « Pour une femme, sortir des sentiers battus et devenir peintre est tabou. Pourtant, elles-mêmes ne devraient pas cultiver le préjugé selon lequel l’art visuel est uniquement réservé aux hommes. »

Comme les rares femmes artistes sénégalaises, Kiné Aw a travaillé dans l’un des cinquante ateliers du Village des arts, communauté d’artistes à Dakar, depuis l’obtention de son diplôme à l’École nationale des arts de Dakar. Réellement motivée, elle travaille presque sans interruption et s’inspire des échanges d’idées avec d’autres artistes : « Nous nous aidons et nous inspirons mutuellement, et c’est ce que j’aime à propos de l’Afrique : l’esprit communautaire. »

Kiné Aw adore être une artiste et, malgré les difficultés, elle ne changerait pour rien au monde. Elle considère que son destin est de créer et de susciter une prise de conscience sociale, elle suit son étoile sans retenue, que ce soit dans sa vie ou dans sa créativité.

→ www.kinéaw.com

many women conform to expectations and choose the professions they think will be seen as respectable and dignified. According to Aw most women are afraid to do something unusual, to stand out and follow their passions. There is always the danger that others will judge you as different and thus fear you. When it comes to being a female artist in Senegal, it’s even more difficult. “It is a taboo for a woman to move out of the mainstream and become a painter. Yet women should not cultivate the prejudice that visual art is only for men.”

As one of the few female Senegalese artists, Aw has worked at one of the fifty studios in the visual arts community ‘Village des Arts’ in Dakar since her graduation from the Dakar art academy. She is very driven and works almost around the clock. She is inspired by the exchange of ideas with other artists: “We help and inspire each other and that’s what I love about Africa: the community spirit.”

Kiné Aw loves being an artist and despite the struggles, there is nothing else she would rather be. She considers it her destiny to create and raise social awareness and follows her star by not limiting herself in any way, either in her life or her creativity.

→ www.kinéaw.com

L E M E N D I A N T, 2014. A C R Y L I Q U E , G O U D R O N S U R TO I L EA C R Y L I C | TA R O N C A N VA S © M ATA N ATA A L

S A N S T I T R E | U N T I T L E D, 2014. A C R Y L I Q U E S U R TO I L EA C R Y L I C O N C A N VA S © M ATA N ATA A L

IAM SENEGAL | THE NEW SCENEIAM SÉNÉGAL | L A NOUVELLE SCÈNE

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IAM SÉNÉGAL | REGARDS CROISÉS

T E X T E | WOR D S · S A L I M ATA D I O P

O U S M A N E S O WG R A N D E U R E T S I M P L I C I T É G R A N D E U R A N D S I M P L I C I T Y

Ousmane Sow, célèbre artiste sénégalais, membre de l’académie des beaux-arts de Paris, sculpte l’Homme depuis plus de vingt-cinq ans. Il allie l’art de la sculpture à une connaissance parfaite du corps humain – il fut kinésithérapeute dans une autre vie – et à une lecture unique de la polyphonie des peuples et des histoires qui forment l’Afrique.

The celebrated Senegalese artist Ousmane Sow, a member of the Paris academy of fine arts, has been sculpting the human figure for more than 25 years. He brings together the art of sculpture with a perfect knowledge of the human body – he was once a physiotherapist – and a deep familiarity with the many and varied peoples and histories that make up Africa.

De la rétrospective de 1999 sur le pont des Arts à Paris, on retient avant tout les scènes de guerre. Muscles contractés, combattants en pleine action, c’est le courage qui est le véritable sujet de la bataille de la Little Bighorn. Une minorité opprimée se jette dans un combat perdu d’avance, où l’issue de la bataille, certes épique, ne peut empêcher la fatalité de l’extermination.

La scène de tressage représente un homme d’une stature impressionnante, assis, stoïque, pendant qu’une femme, arborant elle-même une coiffure traditionnelle en cimier, une expression énigmatique sur le visage, tresse ses cheveux lisses. À genoux, elle surplombe pourtant l’homme et semble, tout en le coiffant, lui conférer quelque pouvoir, quelque bénédiction dont elle a le secret.

Nés de la terre, ciselés dans un matériau complexe composé, entre autres éléments, de sable, de paille, de jute et d’eau, leurs visages ont la couleur de l’argile verte. Des teintes et des textures qui évoquent l’Homme

From his 1999 retrospective on the Paris Pont des Arts, the abiding memory is of war scenes. Tightly muscled fighters in action display their courage at the battle of Little Bighorn. An oppressed minority throws itself into a fight it is certain to lose, entering a battle whose epic outcome will not prevent its extermination.

The braiding scene shows a man of impressive stature, seated and stoical, while a woman wearing a traditional crested hairstyle and an enigmatic look weaves his smooth hair into a pattern. On her knees, she seems to tower over the man and as she arranges his hair, she seems to confer on him a kind of power, a blessing of which she guards the secret.

Born of the earth, carved out of a complex material whose elements include sand, straw, jute and water, their faces have the colour of fresh clay. The shades and textures suggest the Original Man, as in the Genesis myth. A certain majesty emanates from these two figures.

O U S M A N E S O W © A N TO I N E T E M P É

Mais ses premières séries d’œuvres comptent également des témoignages plus modestes, démonstrations de force tranquille. Des femmes, des scènes de la vie quotidienne représentant différentes coutumes. C’est autant à travers l’épique qu’à travers la célébration silencieuse de la vie qu’Ousmane Sow dépeint et magnifie des traditions séculaires.

Parmi les personnages de cette fable, la Danseuse aux cheveux courts, La mère et l’enfant de la série sur les Massaïs, et les Peuls de cette Scène de tressage. Si beaucoup voient dans cette dernière sculpture un sujet exclusivement féminin, l’art de la coiffure chez les Peuls concerne en réalité les hommes comme les femmes. Les styles de coiffure sont élaborés, variés, et leur longueur, leur nattage et les ornements de cauris, ou encore de pièces, correspondent à des codes d’âge, de statut, de séduction…

But these early series also include more modest works that display a quiet strength. Women and scenes from daily life represent different customs. Ousmane Sow depicts and magnifies century-old traditions not just through the epic but through a quiet celebration of life.

Among the characters in this story are Dancer with short hair, Mother and child in the series on the Masai, and Hair Braiding. If many people see in this last sculpture an exclusively feminine subject, the art of hair decoration among the Peuls in fact involves men as well as women. The hairdressing styles are elaborate and varied, and their length and design, their decoration with cowrie shells and with coins, correspond to codes signifying age, status and seduction…

IAM SENEGAL | CROSSING PATHS

originel, celui des mythes de la Genèse. Une majesté certaine émane des deux personnages. Il n’y a aucune trace de déférence chez la femme, bien au contraire. Elle porte aussi bien que l’homme cette modestie, cette impressionnante retenue, cette maîtrise de soi que l’on attribue à son peuple.

C’est à travers cette scène d’une grande simplicité et d’une grande force qu’Ousmane Sow rend hommage à la femme peule, l’un des multiples personnages de l’épopée africaine qu’il nous conte.

→ www.ousmanesow.com

The woman shows no trace of deference – quite the opposite. She, like the man, displays the modesty and impressive restraint that are characteristic of her people.

Through this simple and powerful scene Ousmane Sow pays homage to the Peul woman, one of the many characters in the African epic that he recounts to us.

→ www.ousmanesow.com

S C È N E D E T R E S S A G E © D R O I T S R É S E R V É S S C È N E D E T R E S S A G E © D R O I T S R É S E R V É S

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Jessiah Dieng : Mata Nataal, d’où venez-vous ?Mata Nataal : Je suis né à Dakar mais je suis originaire de Casamance. J’ai grandi à Bambey puis à Nioro.

Quelle est votre source, votre inspiration ? Que photographiez-vous ?Le naturel et la vie quotidienne m’inspirent beaucoup. C’est pour cela qu’en général, je préfère chercher moi-même mes modèles. J’ai besoin de cette recherche pour être certain de l’authenticité que je souhaite refléter dans mon travail. J’aime tout photographier, j’ai l’esprit ouvert… Mais j’ai une préférence pour les portraits.

Comment avez-vous travaillé sur la série Sport passion (ci-contre) et pourquoi avoir choisi cette femme en particulier ?J’ai réalisé cette série dans le cadre de l’exposition rétrospective d’Angèle Etoundi Essamba à laquelle ont participé 9 membres du collectif. Nous devions nous inspirer du thème « Force & Fierté » pour représenter la femme sénégalaise.

Dans mon cas, je me suis tourné vers le sport car c’est un sujet que j’affectionne particulièrement. De plus, en tant que photographe, pouvoir mettre en lumière une femme dans le sport, chose plutôt rare, apportait une valeur supplémentaire à mon travail. Le modèle que j’ai choisi est réellement basketteuse. Je suis allé la regarder jouer. Sur son propre terrain ! J’en ai vu d’autres, mais avec elle, j’ai ressenti sa force, sa détermination. Son profil de battante a accroché mon regard.

Avez-vous déjà été au contact de grands photographes africains ? Et que vous ont-ils apporté ?Oui, j’ai eu cette chance. Les artistes tels qu’Angèle Etoundi Essamba, Mustapha Diop et Boubacar Touré Mandemory m’ont beaucoup conseillé et forgé dans la photographie artistique. Cela m’a aidé à avancer dans mon parcours d’autodidacte. L’influence du jeune photographe Daouda Timera est aussi importante et je lui dois beaucoup.

Jessiah Dieng: Mata Nataal, where do you come from?Mata Nataal: : I was born in Dakar but I am originally from Casamance. I grew up in Bambey and then in Nioro.

What is your source, your inspiration? What do you photograph?The natural world and daily life inspire me a lot. That is why I generally seek out my own models. I need to do this research in order to be sure of the authenticity that I want to reflect in my work. I like photographing everything, I am open-minded. But I have a preference for portraits.

How did you come to work on the series Sport Passion (see opposite) and why did you choose this woman in particular?I created this series in the framework of Angèle Etoundi Essamba’s retrospective exhibition, in which nine members of our collective took part. We took our inspiration from the exhibition theme ‘Strength and Pride’ in order to portray the Senegalese woman.

In my case, I turned to sport because it is a subject I particularly like. And as a photographer, the chance to show a woman taking part in sport is relatively rare, so that added extra value to my work. The model I chose is a real basketball player. I went to see her play – on her own court! I saw others as well, but she made me feel her strength and determination. Her fighting spirit caught my eye.

Have you been in contact with any of the great African photographers? And what did you learn from them?Yes, I was lucky. Artists such as Angèle Etoundi Essamba, Mustapha Diop and Boubacar Touré Mandemory gave me a lot of advice and introduced me to the discipline of art photography. This helped me move forward on my self-taught path. The influence of the young photographer Daouda Timera has also been important, and I owe him a lot.

Créé en 2010, le collectif dakarois Sunu Nataal regroupe des passionnés de photographie. Ensemble, ils sillonnent régulièrement les rues de la ville et ses environs pour s’approprier en images tout ce qui fait vibrer Dakar. Mata Nataal a rejoint le groupe pour apprendre, travailler et s’exprimer. Les photographies qu’il a récemment exposées au musée Théodore Monod de Dakar 1 dévoilent une grande sensibilité et un sens naturel de la composition. Rencontre avec un jeune artiste talentueux et déterminé.

Founded in 2010, the Dakar-based collective Sunu Nataal brings together people who are passionate about photography. Together they regularly criss-cross the city streets of the city and the suburbs to capture in images what makes Dakar tick. Mata Nataal joined the group to learn, to work and to express himself. The photographs he recently exhibited at the Musée Théodore Monod in Dakar (1) show great feeling and a natural sense of composition. We meet a young, talented and determined artist.

T E X T E | WOR D S · J E S S I A H D I E N G

M A T A N A T A A L L ’ I M A G E E S T M O N N O M

I M A G E I S M Y N A M E

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S P O R T PA S S I O N #1 , 201 5 © M ATA N ATA A L

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IAM SÉNÉGAL | REGARDS CROISÉS IAM SENEGAL | CROSSING PATHS

Avez-vous une devise ?« Toujours apprendre et travailler dur. » Je ne suis pas un adepte du « inch Allah ». Je m’y mets.

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1 Force & Fierté. 30 ans de photographie de la femme africaine, exposition d’Angèle Etoundi Essamba avec la participation de Sunu Nataal, musée Théodore Monod, Dakar, 18 février-20 mars 2016.

Do you have a motto?“Always keep learning and work hard”. I am not a fan of “insh’allah”. I am applying myself.

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1 Strength and Pride. 30 years of photographing the African woman. Exhibition by Angèle Etoundi Essamba with the participation of Sunu Nataal, Musée Théodore Monod, Dakar 18 February-20 March 2016.

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D A L I L A D A L L E A S B O U Z A R , S É R I E P R I N C E S S E , 20 1 5 . H U I L E S U R C A N VA S | O I L O N C A N VA S , 5 0 X 4 0 C M © D A L I L A D A L L E A S B O U Z A R

Il est d’usage d’envisager la Biennale de Dakar, aussi appelée Dak’Art, comme le lieu incontournable des convergences de l’art africain contemporain. Sœur aînée de toutes les biennales du continent, elle trouve son origine dans la continuité du Festival mondial des arts nègres de 1966. Son objectif est de saisir la manière dont l’Afrique, et plus particulièrement le Sénégal, entend défendre, soutenir et engager de nouveaux discours autour des pratiques artistiques du continent et de la diaspora.

The Dakar Biennale, also called Dak’Art, is generally seen as the essential destination where contemporary African art comes together. The oldest of the biennales on the continent, it traces its history back to the Festival mondial des arts nègres (World Festival of Negro Arts) in 1966. Its objective is to capture the way in which Africa, and more particularly Senegal, undertakes to protect, support and develop new ways of approaching the artistic practices of the continent and its diaspora.

T E X T E | WOR D S · Y V E S C H ATA P

D A K ’ A R T 2 0 1 6L E R A S S E M B L E M E N T D E S N O N - A L I G N É SB R I N G I N G T O G E T H E R T H E N O N - A L I G N E D

GenèseEn 1990, l’événement est d’abord établi comme « Biennale de Dakar des arts et des lettres », avant de se recentrer essentiellement sur l’art contemporain en 1992. Ce n’est qu’à partir de 1996 que la Biennale se consacre exclusivement à la création africaine. L’engagement de talents et d’intelligences reconnus lors des précédentes éditions a contribué à sa pérennité, même si comme toute manifestation de ce type, elle n’est pas exempte de dysfonctionnements. Dak’Art aurait pu se donner des objectifs uniquement artistiques, mais son souhait est également d’améliorer les infrastructures culturelles du pays et la formation des acteurs de cette scène, comme de contribuer à l’émergence d’un marché. Les éditions 2010 et 2012 ont marqué une véritable transition, et cette 12e édition, sous la direction artistique de Simon Njami, espère déclencher des dynamiques inédites. Dak’Art entend plus que jamais réaffirmer son rôle de plateforme dédiée à l’émergence de discours et débats constructifs en faveur de l’art contemporain, à une période où la constitution d’une histoire de l’art propre au continent est souhaitée mais encore difficile à réaliser.

AfropolitanismeNjami désire ré-enchanter le monde et redonner ses lettres de noblesse à la Biennale de Dakar dans l’exposition Réenchantements présentant 66 artistes – chiffre symbolique s’il en est puisqu’il correspond à la date de la première édition du Festival mondial des arts nègres. En 2016, Dak’Art emprunte son titre, « La cité dans le jour bleu », aux vers de Léopold Sédar Senghor 1. L’intellectuel et homme politique a su porter la création africaine aux confins du globe tout en affirmant sa qualité sacrée et symbolique. L’appropriation par Dak’Art d’une telle pensée

GenesisIn 1990 the event was founded as the “Dakar Biennale of arts and letters”, before switching its main focus to contemporary art in 1992. Only since 1996 has the Biennale concentrated exclusively on African art. The involvement of talented and intelligent minds in its previous editions has contributed to its long life, even if, as with all events of this type, it is not immune to dysfunction. Dak’Art could well have set itself exclusively artistic objectives, but it aims to improve the country’s cultural infrastructure, educate the new actors who take part, as well as contribute to the development of an art market. The 2010 and 2012 editions marked a real transition, and this 12th edition, under the artistic leadership of Simon Njami, hopes to trigger some unprecedented dynamic processes. More than ever, Dak’Art intends to reaffirm its role as a platform that will allow the emergence of constructive discussions and debates about contemporary art, at a time when it is still difficult to write the continent’s own art history.

AfropolitanismNjami is attempting to re-enchant the world and heighten the prestige of the Dakar Biennale with the exhibition Réenchantements, presenting 66 artists – a symbolic figure that harks back to the date of the first ever World Festival of Negro Arts. In 2016 Dak’Art takes its motto “La Cité dans le jour bleu” from a poem by Léopold Sédar Senghor (1). As an intellectual and a politician, he managed to extend African creativity across the world, while affirming its sacred and symbolic quality. The appropriation by Dak’Art of this idea positions the artist as a go-between, a guide crossing into other universes. By an act of creation, the artist gazes on what surrounds him or her, while uncovering wider

IAM SÉNÉGAL | DAK’ART IAM SENEGAL | DAK’ART

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S É R I E | S E R I E S L A T H É O R I E D E S R È G N E S S E N S I B L E S , 201 6 . © A N TO I N E T E M P É E N C O L L A B O R AT I O N AV E C M I S W U D E P O U R I A M | I N C O L L A B O R AT I O N W I T H M I S W U D E F O R I A M

T E X T E | WOR D S · D E L P H I N E C A L M E T T E S

D A K A R E N F U S I O N F U S I O N D A K A R

La notion de mode au Sénégal fait partie intégrante de la vie des Sénégalaises et des Sénégalais ! Ici, la mise est importante, et il n’y a pas besoin d’un événement particulier pour se vêtir d’une tenue qui pourrait être considérée ailleurs comme exceptionnelle. La rue est une source d’inspiration sans bornes, et les nombreuses occasions de retrouvailles qui unissent les individus (religieuses, familiales, traditionnelles) sont autant de prétextes pour exhiber le « complet » que le tailleur aura livré, souvent fort tard, la veille de la fête ! Bazins riches, tioups, brodés et perlés, wax et patchs de couleurs vives sont déclinés sur d’infinis modèles qui changent au gré des saisons et des envies. Les modes passent vite, et, tous les mois, Dakar, ses banlieues et les différentes régions du Sénégal voient apparaître de nouveaux styles qui rivalisent d’inventivité et de créativité : si certains privilégient les tissus traditionnels qui en disent long sur les origines sociales, ethniques et religieuses, d’autres imaginent des tenues excentriques inspirées de celles des stars mbalax du moment ou de celle du dernier chanteur R’nB en vogue.

Le Sénégal se distingue aussi par sa capacité à accueillir des événements phares de la mode en Afrique : du Sira Vision porté par Collé Sow Ardo à la fashion week organisée chaque année par l’ambassadrice sénégalaise de la mode, Adama Paris, ce pays reste une référence pour les aficionados du swag et a largement participé à la reconnaissance des stylistes africains à l’international. Sa capitale Dakar est un lieu de mixité et de convergence de toutes les tendances qui continue d’apporter un nouveau souffle aux créateurs du monde entier. Nombreux sont ceux qui y ont installé leurs ateliers et leurs show-rooms pour développer leurs marques et leurs savoir-faire, comme Selly Raby Kane et MIS Wude. Dans une ébullition créative permanente, ils démontrent l’incroyable talent des artisans qui les accompagnent et ils cherchent aussi à créer des écosystèmes économiques « afroresponsables » au service du développement de leur pays et de la conservation de ces patrimoines vivants.

Bienvenue dans l’univers du swag sénégalais, où traditions, urbanité, contemporanéité et « afrofuturismes » se confondent dans un joyeux défilé de matières et de styles !

The very idea of fashion in Senegal is an integral part of the life of Senegalese women and men! Here what you put on is important, and there is no need for a special event to get dressed up in an outfit which might count as exceptional somewhere else. The street is a source of limitless inspiration, and the many opportunities for a get-together (whether religious, family or traditional) that bring individuals together are just as much a chance to show off the “suit” the tailor might have delivered, often very late, the night before! Rich damask cotton bazins and dyed tioup cloths, embroidered and decorated with pearls, wax and bright patches of colour are put together in an infinite variety of ways which change on a whim with seasons and desires. Fashions move on quickly and, every month, Dakar, its suburbs and Senegal’s different regions see new styles appearing that compete for inventiveness and creativeness: if some favour traditional cloths which say so much about social, ethnic and religious origins, others dream up eccentric outfits inspired by what the mbalax stars of the moment or the latest hit R’n’B singer are wearing.

Senegal is also uniquely capable of hosting key fashion events in Africa: from Collé Sow Ardo’s Sira Vision to the fashion week organised every year by Senegal’s fashion ambassadress, Adama Paris, this country is a reference point for fans of hipness and this has played a big part in African designers being recognised internationally. The capital, Dakar, is a cross-cultural cross-roads of all the tendencies that go on bringing a breath of fresh air to creators worldwide. Large numbers have set up their workshops and showrooms there to develop brands and skills, like Selly Raby Kane and MIS Wude. In a permanent froth of creativity, they demonstrate the incredible talent of the craftsmen who go with them and they also seek to create “Afro-responsible” economic ecosystems that will aid the development of their country and the conservation of this living heritage.

Welcome to the world of Senegalese cool, where traditions, urban style, cutting-edge contemporaneity and “afrofuturisms” are blended together in a glorious parade of materials and styles!

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MODE ET DESIGN SÉNÉGAL

T E X T E | WOR D S · A N N E G R O S F I L L E Y

T I S S A G E , T I O U P E T C O U T U R E D U S A V O I R - F A I R E À L ’ E X C E L L E N C E

W E A V I N G , T I O U P A N D C O U T U R E F R O M S K I L L S T O E X C E L L E N C E

La richesse des textiles du Sénégal va bien au-delà des assemblages colorés de basins et de wax qu’arborent les Baye Fall et qui séduisent les touristes. Le pays se positionne de façon exemplaire dans la mode et l’élégance, car il a su valoriser ses savoir-faire anciens et s’ouvrir à la modernité. Aujourd’hui, la rue dakaroise offre une palette large de formes, de textiles et de styles, allant de la tenue traditionnelle en basin riche brodé ou perlé à des vêtements street wear qui allient les codes US les plus tendances aux matières traditionnelles revisitées par les stylistes locaux.

The richness of Senegal’s textiles goes well beyond the colourful assemblages of bazins and wax-printed cloth displayed by Baye Fall mystics, which tourists find so seductive. The country is doing an exemplary job of positioning itself in fashion and elegance, as it has been able to increase the value of old skills and open up to modernity. Today the Dakar street offers a broad palette of shapes, textiles and styles, going from the traditional outfit in damask bazin riche, whether embroidered or beaded, to streetwear clothes bringing together the hippest US styles and traditional materials being revisited by local designers.

Sur le fil du tissageL’abandon progressif du port des pagnes mandjaques sous les boubous n’a pas entraîné la disparition des tisserands. Dès 1985, la designer textile Aïssa Dione modifie des métiers à tisser pour réaliser des étoffes en grande largeur, tout en revisitant les motifs traditionnels. Des créateurs tels que Collé Sow Ardo ont très vite vu l’intérêt de cette adaptation et en ont projeté, sur les podiums des défilés, des coupes modernes qui ont assuré leur renouveau. Aujourd’hui, le tissage sénégalais jouit d’une renommée aussi bien dans la mode que dans la décoration intérieure. Depuis son atelier situé à Rufisque, Aïssa Dione lui assure un rayonnement international avec des commandes pour Hermès ou Jacques Grange. De jeunes créatrices comme Johanna Bramble ont choisi de s’installer au Sénégal pour développer des étoffes d’exception.

Malgré cette forte créativité, le tissage a souffert d’un handicap pendant la dernière décennie : l’approvisionnement en fil. En effet, un artisanat de qualité repose en amont sur une industrie capable de fournir des matières premières. En août 2015, grâce au soutien du président Sall, la réouverture à Thiès de la Nouvelle Société Textile Sénégalaise (NSTS), après dix ans d’arrêt d’activité, permet enfin d’organiser une véritable filière du tissage. Cette production est bénéfique pour l’ensemble du pays, en particulier le Centre artisanal Maam Samba, situé à Ndem, dont les plaids tissés sont vendus à Paris au Salon Maison & Objet, le rendez-vous mondial des professionnels de la décoration.

Cutting-edge weaving The gradual loss of popularity of traditional Mandjak pagne woven loincloth skirts under boubou dresses did not mean the weavers disappeared too. As early as 1985, the textile designer Aïssa Dione modified looms so to be able to weave very wide cloths, while at the same time revisiting traditional motifs. Creators such as Collé Sow Ardo very quickly saw the point of this adaptation and used the catwalk to project modern cuts that brought them a new lease of life. Today Senegalese fabric has a reputation both in fashion and in interior decoration. From her Rufisque workshop, Aïssa Dione gives it international lustre with orders for Hermès or Jacques Grange. Young makers like Johanna Bramble have chosen to move to Senegal to develop exceptional fabrics.

In spite of this powerful creativity, weaving has suffered from a handicap in the last decade: the supply of thread. Craftspeople of quality must be able to rely on an industry that can supply its primary materials. In August 2015, thanks to the support of President Sall, the reopening of the New Senegalese Textile Company (known in French as NSTS), after a ten-year shutdown, finally made possible the organisation of a proper weaving network. This production has been good for the country as a whole, and especially for the Maam Samba Craft Centre at Ndem, whose woven blankets are sold in Paris at Salon Maison & Objet, the global go-to place for decoration professionals.

FASHION AND DESIGN SENEGAL

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T E X T E | WOR D S · M A Y A VA R I C H O N

S E L L Y R A B Y K A N EI C O N I C F A S H I O N

Cette jeune styliste sénégalaise, formée à MOD’SPE Paris, enflamme la scène fashion depuis quelques années en bousculant les codes iconographiques et esthétiques de la mode dans des scénographies réelles ou virtuelles, exubérantes, futuristes et éclectiques. Décryptage par Maya Varichon avec qui elle conçoit un projet avant-gardiste pour la Biennale de Dakar 2016 : Elsewhen.

This young Senegalese designer, trained at MOD’SPE Paris, has been thrilling the fashion scene for some years by shaking up its codes of images and aesthetics with real or virtual stage designs that are exuberant, futuristic and eclectic. Decoding by Maya Varichon with whom she has conceived an avant-garde project for the 2016 Dakar Biennale: Elsewhen.

Pourquoi Selly Raby Kane est-elle une icône ?Pour son talent de designer qui revisite les volumes et les textures d’une silhouette africaine empreinte d’une nouvelle modernité urbaine ? Pour ses réalisations de films en défilés réputées pour leur inimitable exubérance ? Pour son style à la fois inclassable et si désirable ? Sans doute pour ces trois raisons, Selly Raby Kane, du haut de ses 28 ans, est aujourd’hui une artiste reconnue au Sénégal. Mais quel est ce petit plus, cette touche de magie qui, bien au-delà des frontières de son pays, fait déjà d’elle une étoile ? Probablement que Selly incarne une énigme.

Un personnage (en apparence) paradoxal, plutôt éclectiqueÀ la lisière des mondes de la mode et de l’art contemporain, elle ne s’inscrit ni dans les codes de l’un ni dans ceux de l’autre, et tout en s’en emparant, elle bouleverse les deux. Malgré son succès médiatique, elle n’a toujours pas de boutique. Au-delà d’une stratégie purement commerciale, Selly tisse subtilement sa toile hors du monde tangible. Elle est patiente car elle voit loin. Elle n’est jamais là où on l’attend en raison d’une curiosité insatiable : art, cinéma, musique, culture, sciences, digital, tout l’inspire. Au pays du conformisme, elle semble vivre dans une bulle, insensible au qu’en-dira-t-on. Elle a l’élégance naturelle de manier la provocation sans jamais frôler la vulgarité. Solitaire, inclassable, électron libre, et pourtant elle ne se réalise vraiment que dans une

Why is Selly Raby Kane an icon?For her design talent, revisiting the volumes and textures of an African silhouette imprinted with a new urban modernity? For the famously exuberant films she makes of fashion shows? For her style, which is both so indefinable and so desirable? Perhaps for all three reasons, Selly Raby Kane, at the ripe old age of 28, is already a well-known artist in Senegal. But what is that something extra, that touch of magic which is already making her into a star well beyond her own country’s frontiers? Probably the fact that Selly embodies an enigma.

An (apparently) paradoxical, eclectic character On the frontier of the worlds of fashion and contemporary art, she doesn’t follow the codes of either one or the other, and has overwhelmed both with the hold she has taken. Despite her media success, she still has no boutique. Beyond a purely commercial strategy, Selly is subtly weaving her cloth away from the real world. She is patient because she is far-sighted. She is never where you expect her to be, due to her insatiable curiosity: art, cinema, music, culture, science, digital, everything inspires her. In the land of conformism, she seems to live in a bubble, unaware of what the people around her are saying. She has enough natural elegance to manage to be provocative without ever coming close to vulgarity. Yet even if she is solitary, unclassifiable - a free radical - she really only comes

S E L LY R A B Y K A N E © A N TO I N E T E M P É

"She is genuinely at ease in a world where prawns grow

on trees"

« Elle vit réellement tout à son aise dans un monde où les crevettes poussent

dans les arbre »

MODE ET DESIGN SÉNÉGAL FASHION AND DESIGN SENEGAL

dimension collective, et l’essentiel de ses projets émergent du cœur de synergies collaboratives.

C’est une femme. Mais il suffit de l’entendre rire pour voir surgir en elle l’enfant, à la fois sa fraîcheur et son inimitable gravité. Elle vit réellement tout à son aise dans un monde où les crevettes poussent dans les arbres. Pourquoi Selly est-elle une icône ? Parce qu’elle accède à cette étrange dimension de l’expérience humaine, où l’invisible prend le pas sur ce qui nous est donné à voir.

→ www.sellyrabykane.com

into her own on a collective level, and the most important elements of her projects emerge from the heart of collaborative synergies.

She is a woman. But you only have to hear her laugh to see the child in her, both in her freshness and her inimitable seriousness. She is genuinely at ease in a world where prawns grow on trees. Why is Selly an icon? Because she reaches that strange dimension of human experience where the invisible overtakes what is given to us to see.

→ www.sellyrabykane.com

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IAMDANS LE MONDEIN THE WORLD

IAM vous invite à découvrir davantage d’artistes, de designers et de stylistes d’Afrique et de la diaspora, dont les projets résonnent internationalement comme à l’Armory Show de New York, mais aussi, et surtout, à travers le continent en commençant par le Sénégal dans le cadre de la prochaine Biennale Dak’Art très attendue ou le Maroc à l’occasion de la 6e Biennale de Marrakech.

Il importe d’inscrire l’histoire de la créativité africaine en Afrique et de la faire « porter par les Africains ». D’où la nécessité de multiplier les opportunités sur le continent et d’y créer des marchés, comme de susciter davantage d’interactions avec les populations locales en améliorant leur accès à ces sphères en expansion afin que la scène artistique africaine ne soit pas réservée aux seules élites ou au marché occidental. Investir dans l’éducation et dans des structures capables de soutenir ces industries florissantes est déterminant : il s’agit de reconnaître que l’art – sous toutes ses formes – est un réel vecteur de changement et que les acteurs culturels sont des intermédiaires, des passeurs force de proposition et d’innovation.

Chacune, et chacun, des professionnels intervenant dans ce numéro en a d’ailleurs fait un leitmotiv. Ces personnalités hors pair cherchent à lier leurs pratiques à leur contexte local, tout en générant des synergies régionales et internationales, comme Nnenna Okore, Cécile Fakhoury, Sara Ouhaddou, ou Sindiso Khumalo.

À la pointe de savoirs techniques et technologiques, mais aussi à l’origine de concepts et d’esthétiques uniques, des créatrices comme Kapwani Kiwanga ou Grace Wales Bonner repoussent les frontières en imaginant des combinaisons afropolitaines inédites qui oscillent entre renouvellement des traditions et développement de nouveaux savoirs.

Des arts visuels au design, en passant par la mode et les publications qui leur sont consacrées, nous vous incitons à appréhender la diversité de ces voix et à partager leur perception du monde.

IAM invites you to discover new artists, designers and stylists from Africa and the diaspora whose projects have made an international impact in venues such as the Armory Show in New York and across the African continent, starting with Senegal in the much anticipated Dak’Art Biennale or in Morocco on occasion of the 6th Marrakech Biennale.

It is crucial to write the history of African creativity in Africa and ensure it is “owned by Africans”. Hence the need to expand opportunities on the continent, create markets and promote interaction with local populations by improving their access to these developing areas, so that the African artistic scene is not just the preserve of elites or the western market. Investing in education and in structures that can maintain these flourishing industries is a key step; the point is to recognise that art in all its forms is a real vector of change, and cultural actors are intermediaries who can force through progress and innovation.

Each one of the women or men practitioners featured in this issue has appropriated such a leitmotiv. These outstanding personalities aim to link their practice to a local context, while generating synergies that are regional and international in scope, such as Nnenna Okore, Cécile Fakhoury, Sara Ouhaddou or Sindiso Khumalo.

At the cutting edge in terms of technical and technological skills, but also behind unique concepts and aesthetics, creators such as Kapwani Kiwanga or Grace Wales Bonner are pushing back frontiers by imagining new Afropolitan combinations that shift between renewed traditions and the development of fresh knowledge.

From visual art and design to fashion and the publications dedicated to them, we encourage you to meet the diversity of these voices and to share their perception of the world.

T E X T E | WOR D S · C L E L I A C O U S S O N N E T

A F R I Q U E : I N C U B A T R I C E D E T A L E N T SA F R I C A : A N I N C U B A T O R O F T A L E N T S

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T E X T E | WOR D S · C L E L I A C O U S S ON N E T

S A R A O U H A D D O UA C C O R D S S E N S I B L E S

S E N S I T I V E T U N I N G

Générer une écologie sociale différenteRien n’était dessiné d’avance, le hasard a bien fait les choses, avoue Sara Ouhaddou en riant. Après son coup d’essai en 2013 – la création de carreaux en céramique dans la vallée de l’Ourika –, elle a trouvé sa place à mi-chemin entre le design produit et l’art contemporain, aiguillée par la volonté de comprendre « comment les arts traditionnels marocains peuvent être moteurs d’innovation demain ». Au cœur de son processus : toucher les autres et provoquer des rencontres. Elle est fascinée par les projets de long terme à vocation sociale, dont elle peut suivre l’évolution et l’impact en termes de développement – surtout si elle a l’occasion de « varier les savoirs et outils d’artisans vivant à l’écart des grands centres économiques ». La designer travaille main dans la main avec ces dépositaires de traditions séculaires, à Tétouan ou dans le Sud de la région de Marrakech. Une fois que la confiance est installée et le matériau maîtrisé, elle continue ses partenariats avec les artisans (souvent des femmes d’ailleurs), poussée par le désir de « réinventer des savoir-faire laissés de côté, de rouvrir cette fenêtre ».

Épure, détails, délicatesse, voire abstraction, sont les caractéristiques des créations de la talentueuse designer franco-marocaine Sara Ouhaddou. Sa pratique sociale et vivante, pensée comme une interface d’interaction avec l’autre, concilie innovation et tradition.

Fine drawing, details, delicacy, even abstraction – these are the characteristics of the creations of the talented French-Moroccan designer Sara Ouhaddou. Her lively and social approach, conceived as an interface for interaction with others, is a harmonious blend of innovation and tradition.

Giving rise to a different kind of social ecologyNothing started ready-designed; as luck would have it, Sara Ouhaddou confesses with a laugh. Her first design outing in 2013 saw her creating ceramic tiles in the Ourika valley, and since then she has found her place midway between product design and contemporary art, driven by the wish to understand “how traditional Moroccan art can become the driver of tomorrow’s innovation”. What lies at the heart of her creative process is touching other people and bringing about encounters. She is fascinated by long-term socially inspired projects, whose growth and development impact she can follow – especially if she has a chance to “vary the skills and tools of artisans outside the economic mainstream.” The designer works hand in hand with these recipients of secular traditions, in Tétouan or in the south of Marrakech region. After instilling confidence and learning to control the raw material, she continues her partnerships with the artisans (often women), out of a desire to “to reinvent know-hows that have been neglected; to re-open that window.”

T É TO U A N , T I TAW E E N PAT T E R N © S A R A O U H A D D O U S A R A O U H A D D O U

IAM DANS LE MONDE | DESIGN

T É TO U A N , T I TAW E E N PAT T E R N © S A R A O U H A D D O U

Unique combinationsSupported by the Dar Al-Ma’mûn Foundation, she carries out innovative research on materials as varied as ceramics, rubber, textiles or, more recently, glass – a project which saw her seeking out, in New York, techniques which have vanished in Morocco. Her creed? “To extend the boundaries of a raw material, but also the limits of a craftsman’s knowledge, to take him away from his comfort zone and put him in danger.” Her hope is to revisit and revive simple, classical and everyday objects that we feel are already fully understood when we can actually breathe more modernity into them. The result is an original finished project, resolutely contemporary and minimalist, which keeps “the essence of the place it was manufactured and takes into account its context and systems”. The audience finds her products “easy to read” and appropriate; there is an attraction, a spark. The red or white Ourika tiles are inspired by common Moroccan zelliges [terracotta tilework covered with enamel], made with all the expertise of a Limoges porcelain master, but also with asymmetric lines, fragmented and full of tension. The embroidered recycled rubber of her Targa Road stools is no longer even recognisable. “We are at a crossroads: either we abandon our techniques, or we carry them on, but in that case how should we do it?” Sara Ouhaddou has chosen “to perpetuate, transform and transmit knowledge and skills – just as history is transformed and transmitted” by creating a new and horizon-broadening alphabet.

→ www.saraouhaddou.com

Combinaisons inéditesSoutenue par la fondation Dar Al-Ma’mûn, elle mène des recherches innovantes sur des matières aussi variées que la céramique, le caoutchouc, le textile ou plus récemment le verre – projet pour lequel elle a cherché à New York des techniques disparues au Maroc. Son credo ? « Repousser les limites d’un matériau, mais aussi les limites des connaissances d’un artisan, le mettre en danger, hors cadre. » Elle espère revisiter et relancer des objets quotidiens, simples et classiques, dont on pense qu’ils ont tout livré, alors qu’on peut encore leur insuffler de la modernité. Le résultat est un produit fini original, résolument contemporain et minimaliste, gardant « l’essence du lieu de fabrication et prenant en compte son contexte et ses systèmes ». Pour le public, ses produits sont « faciles à lire » et à s’approprier ; il y a une attraction, une étincelle. Les carreaux rouges ou blancs de l’Ourika s’inspirent des zelliges marocains les plus communs, avec un procédé équivalent à celui d’un maître porcelainier de Limoges, mais avec des lignes asymétriques, éclatées, en tension. Le caoutchouc recyclé brodé de ses tabourets Targa Road n’est même plus reconnaissable. « Nous sommes à un croisement : soit on abandonne nos techniques, soit on continue, mais dans ce cas comment fait-on ? » Sara Ouhaddou a choisi de « pérenniser, transformer, transmettre le savoir – comme l’histoire se transforme et se transmet », en créant un nouvel alphabet qui élargit les horizons.

→ www.saraouhaddou.com

IAM IN THE WORLD | DESIGN

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IAM DANS LE MONDE | ENTRE LES LIGNES

T E X T E | WOR D S · C L E L I A C O U S S ON N E T & V I R GI N I E E HON I A N

E N T R E L E S L I G N E SB E T W E E N T H E L I N E S

À la fois artiste, performeuse et compositrice de musique, la Franco-Marocaine Myriam El Haïk s’inspire du langage et de l’écriture pour créer. Elle puise aussi bien dans l’alphabet latin et arabe que dans les signes propres à la musique (notes, partitions) ou les symboles. Obsédée par la mécanique de l’écriture et par l’impact de la graphie sur notre corps, elle dessine dans des cahiers, sur les murs et les tissus, ou encore au sol. Tantôt en noir, tantôt en couleur, ses dessins s’étalent sur la surface sans direction définie. Ses vidéos et chorégraphies n’échappent pas à cette quête.

La pratique d’Ângela Ferreira, née au Mozambique et vivant au Portugal, est caractérisée par la création d’espaces imaginaires, en mélangeant des sculptures aux lignes modernistes et minimalistes (souvent en bois, tissu et métal) avec des archives, des photographies ou des vidéos. Son œuvre, à dominance documentaire et conceptuelle, s’intéresse aux structures géopolitiques liant l’Europe à l’Afrique, du colonialisme au post-colonialisme. Elle explore les traces laissées par les relations de pouvoir sur ces deux continents à travers un questionnement de l’architecture et de l’aménagement urbain. Les sculptures de Ferreira sont mobiles, ouvertes et destinées à être « touchées », « vécues » par les spectateurs.

Voir ses impressionnantes sculptures de béton, de sable et de terre, aux armatures d’acier, suffit à rendre compte de la force et de la puissance de suggestion uniques que possède Ledelle Moe. Cette artiste sud-africaine renouvelle entièrement la conception de la sculpture par le mélange de matériaux naturels et de ciment, et par l’envergure de ses créations colossales. Souvent ses pièces sont exposées directement en pleine nature et se laissent caresser par les éléments. Jouant de l’espace et du volume, Moe plonge le spectateur dans une réflexion sur la permanence / l’éphémère, la force / la fragilité, et la présence / l’absence.

Le recyclage et l’assemblage de matières organique et humaine sont des outils fondamentaux dans la pratique de la Nigériane Nnenna Okore. Elle invente un nouvel écosystème basé sur la coexistence pacifique de l’homme avec son environnement. Pour ce faire, Okore crée des sculptures biodégradables aux textures uniques, en cousant des fibres provenant aussi bien de journaux, de cordes, de laine, de sacs de jute, de fil, de papier, que de café, d’argile ou d’amidon. Ses gestes répétitifs génèrent du mouvement et font écho aux cycles de construction et de destruction de l’univers.

Franco-Moroccan Myriam El Haïk is simultaneously an artist, a performer and a composer. Her creative inspiration is to be found in language and script. She draws on both the Latin and Arabic alphabet as well as the sign language of music (notes and scores) or symbols. Obsessed by the mechanics of writing and by the impact of graphical notation on the body, she draws in notebooks, on walls and textiles, or on the floor. Sometimes in black, sometimes in colour, her drawings stretch across the surface without any defined direction. Her videos and dance choreography are also part of this quest.

The practice of Ângela Ferreira, Mozambique-born and living in Portugal, is characterised by the creation of imaginary spaces, mixing sculptures in modernist and minimalist lines (often in wood, textile and metal) with archives, photographs or videos. Her work, essentially documentary and conceptual, investigates the geopolitical structures that link Europe and Africa, from colonialism to post-colonialism. She explores the traces left by power relations on these two continents by questioning architecture and urban planning. Ferreira’s sculptures are mobile, open and designed to be ‘touched’ and ‘lived’ by the audience.

To see Ledelle Moe’s impressive sculptures in concrete, sand and earth, and held by steel armatures, is sufficient to realise the strength and power of suggestion she holds. This South African artist completely renews the conception of sculpture by mixing natural materials with cement, and by the scale of her colossal creations. Often her pieces are exposed directly in natural environments, caressed by the elements. Playing with space and volume, Moe leads the spectator into reflecting on the permanent and the ephemeral, on strength and fragility, and on absence and presence.

The use of recycled materials and the assembly of organic and human materials are fundamental tools in the practice of the Nigerian artist Nnenna Okore. She invents a new ecosystem based on the peaceful coexistence of man with his environment. In order to do so, Okore creates biodegradable sculptures with unique textures, by sewing together fibres from newspapers, ropes, wool, coarse sacking material, thread, paper, coffee, clay and starch. Her repetitive gestures generate movement and echo the cycles of construction and destruction of the universe.

Le discours prédomine souvent dans l’art contemporain, chez les artistes comme chez les curateurs. On en oublie parfois d’approcher l’art par le sensible, les émotions, au profit de l’intellect. En ce sens, cette rubrique invite, au contraire, à laisser venir les associations intuitives et à décrypter des œuvres poétiquement. Présentation des quatre artistes choisies.

Among artists and curators, discourse often holds sway in contemporary art. We often forget how to approach art through the senses and the emotions rather than the intellect. Presenting a choice of four artists, this section invites you to do the opposite and allow the intuition to take over in deciphering works in a poetic way.

IAM IN THE WORLD | BETWEEN THE LINES

M Y R I A M E L H A Ï K

Still Working… (Maroc)Cette performance nous plonge intimement dans l’univers de l’artiste franco-marocaine. Ses dessins au sol et au mur apportent une texture visuelle supplémentaire et confèrent à son action une dimension énigmatique. Un cercle vide au mur, un cercle rempli de triangles, qui se superposent et s’entrecroisent. Pour quel langage ? Quelle signification ? Quelle symbolique ? L’artiste y travaille… Ce goût d’inachevé graphique trouve son sens dans la poésie de la danse rituelle de Myriam El Haïk. Son corps devient un motif mobile dans cette constellation graphique.

Entre impulsions et temps de pause, Still Working… pourrait décrire les différentes étapes d’un processus de création : de l’inspiration, l’élan, à l’exposition de l’œuvre, en passant par la phase cruciale de la conception. Car cette performance dégage une délicatesse et une sensualité exceptionnelles, qui sont elles-mêmes ponctuées par les notes d’une musique répétitive qui se chevauchent et tiennent en alerte la réflexion du spectateur. Une grande simplicité émane de cette gestuelle qui interroge le temps qui passe, face à ce cercle, sans aiguilles, ni chiffres, ni traces horaires. Le corps de l’artiste devient le repère nécessaire à la compréhension de la performance ; il constitue la marque temporelle de l’œuvre.

→ www.myriamelhaik.org

MY R I A M E L H A Ï K , S T I L L W O R K I N G . . . P E R F O R M A N C E , E S PA C E D 'A R T H E C , 20 13 . © N A B I L B O U T R O S

Still Working… (Morocco)This performance invites us to take an intimate dive into the universe of the French-Moroccan artist. Her drawings on the floor and the wall bring an extra visual texture and give it an enigmatic dimension. An empty circle on the wall, a circle full of triangles, which cross and superimpose each other. For which language? For which significance? Which symbolism? The artist is working on it. This taste for the unfinished graphic finds meaning in the poetic dance ritual of Myriam El Haïk. Her body becomes a mobile motif in this graphic constellation.

Between impulses and pauses, Still Working… could be a description of the different stages of a process of creation: inspiration, excitement and exhibition of the work, passing through the crucial stage of conception. This performance emits delicacy and an exceptional sensuality, punctuated by notes of a repetitive musical score which follow each other in quick order and keep the audience alert. There is a great sense of simplicity in this gesture, which interrogates the passing of time against a circle that has neither clock hands nor figures to show the hours. The artist’s body is finally the reference point needed to understand the performance; it constitutes the time scale of the work.

→ www.myriamelhaik.org

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T E X T E | WOR D S · E VA B A R O I S D E C A E V E L

D E Q U O I C E S C O R P S S O N T - I L S F A I T S ?W H A T A R E T H E S E B O D I E S M A D E O F ?

Une discussion avec les artistes sud-africains Wim Botha et Mary Sibande sur leur approche de la sculpture, qu’ils consacrent principalement à la représentation du corps humain. L’ occasion d’échanger sur la possibilité d’incarner l’Histoire, et notamment la violence de l’Histoire sud-africaine, dans des représentations plastiques, mais aussi sur le rôle joué par les matériaux dans le processus du travail sculptural.

A discussion with South African artists Wim Botha and Mary Sibande about how they practise sculpture, focusing mainly on the representation of the body and the human figure. An opportunity to share thoughts on the ways history, and particularly the violence of South African history, can be embodied through visual representations, but also on the role of materials in the process of sculpture making.

M A R Y S I B A N D E , A R E V E R S E D R E T R O G R E S S , S C E N E 1 , 2013 . S C U L P T U R E T E C H N I Q U E M I X T E | M I X E D M E D I A S C U L P T U R E . C O U R T E S Y G A L L E R Y M O M O , M A R Y S I B A N D E

IAM DANS LE MONDE | CAPE TOWN : WIM BOTHA

Eva Barois De Caevel : Mary, qui est Sophie, ce personnage emblématique de votre œuvre ?Mary Sibande : J’ai choisi d’utiliser un moulage de mon visage pour représenter Sophie conceptuellement, puisque, dès le début, j’ai toujours pensé qu’elle émanait des visages des femmes de ma famille. Elle leur rend hommage. Leurs vies étant presque toujours enfermées dans la servitude, l’imagination était un refuge. Mon œuvre imbrique des récits personnels, les histoires collectives de travailleurs inféodés d’Afrique du Sud et les récits relatant les efforts du pays vers son autonomie sociale et politique. Sophie incarne l’idée de ce qu’est une femme sud-africaine dans une Afrique du Sud post-apartheid, où la liberté dans toutes ses manifestations sociales connaît une constante évolution.

Eva Barois De Caevel : Wim, d’où viennent les figures présentes dans votre œuvre ?Wim Botha : Ce sont des amalgames morphiques qui ne sont pas du tout inspirés par des personnes réelles, mais qui gagnent une apparence en tant qu’idées sur le monde ou en tant que réactions viscérales à des événements ; elles sont l’incarnation de peurs, de fuites, de pensées et de plaintes. Il peut s’agir des miennes, ou de mes projections des états émotionnels ou mentaux d’autrui. En dernière instance, peut-être découvrirai-je qu’il s’agit en réalité d’autoportraits à chaque fois. Ces autoportraits vivent dans une réalité semblable et parallèle à la nôtre, bien que régie par des lois naturelles différentes.

EBDC : Vos iconographies respectives renvoient à la souffrance du corps noir dans l’Histoire (une référence à la teinture violette utilisée par la police pendant les manifestations du Cap et une autre à Hector Pieterson, mortellement blessé pendant le soulèvement de Soweto en 1976) mais sans vous contenter de reproduire ce corps souffrant : Sophie est aussi une super-héroïne et, Wim, votre Mieliepap Pietà pourrait faire référence à Michel-Ange autant qu’à la photographie de Pieterson par Sam Nzima.

WB : Mes œuvres fondées directement ou indirectement sur le précédent visuel d’autres œuvres d’art ne parlent pas de ces œuvres d’art, mais montrent comment leur signification peut influencer ou améliorer ma/notre perception de nos univers. La représentation visuelle de Pieterson et son héritage émotionnel sont un artéfact culturel et un cri de ralliement, un appel à l’introspection et une vanité, une accusation et un outil de mémoire – le tout considérablement amplifié par sa célébrité. Il ne se passe pas une semaine sans qu’une image aussi horrible paraisse dans les journaux. Certaines postures corporelles

Eva Barois De Caevel: Mary, who is Sophie, an emblematic character of your work? Mary Sibande: I have chosen to use the cast of my face to represent the idea of Sophie, since from the start I have maintained that she was derived from the faces of the women in my family. She pays homage to them. Since most of their lives are locked into servitude, fantasy becomes a space of refuge. The work weaves through the passages of personal narratives, shared stories of indentured workers of South Africa and the strivings of social and political autonomy. Sophie is also an evolving idea of what it means to be a South African woman in post-apartheid South Africa, where freedom in all its social manifestations is in a constant flux.

Eva Barois De Caevel : Wim, where are the people present in your work coming from? Wim Botha: They are morphic amalgams that are not at all inspired by real people, but rather gain their appearance as manifestations of ideas about the world or visceral reactions to events; they are the embodiment of fears, escapes, thoughts and complaints. These may be mine, or my projections of the emotional or mental states of others. In the final analysis perhaps I will find that in fact they are each and every one self-portraits. They live in a reality like and parallel to our world, though governed by different natural laws.

EBDC: Both of your visual iconographies relate to the suffering black body through history (a reference to the purple dye water used by the police during Cape Town demonstrations; or to the mortally wounded Hector Pieterson in 1976 Soweto uprising) but without merely reproducing this suffering body: Sophie is also a super-heroine, and Wim’s Mieliepap Pietà could be a reference to Michelangelo and to Nzima’s photograph of Pieterson.

WB: My works that are directly or obliquely based on other artworks’ visual precedent are not about those artworks, but rather sustain how their meaning can influence or ameliorate my/our perception of our own worlds. Pieterson’s visual representation and emotional legacy is a cultural artefact and rallying cry, a call to introspection and a vanitas, an accusation and a mnemonic device — all this much amplified due to its fame. But not a week goes by where you cannot find a similarly horrific image in the papers. Certain postures of body or facial expressions have become part of our ancient survivalist imprint, and we have an automatic, subliminal response. These manifest through ages in artworks, and come up again and again.

"The instinctive faculty of artists to match idea with the fitting mode of representation constitutes a major part of the success of a work"

« La faculté instinctive des artistes de faire se rencontrer une idée et le mode de représentation qui lui convient est une part essentielle de la réussite d’une œuvre »

IAM IN THE WORLD | JOHANNESBURG : MARY SIBANDE

RÉDACTION | MASTHEAD

R É D A C T I O NM A S T H E A D

DIRECTRICE DE PUBLICATION | MAGAZINE DIRECTOR Céline Seror

DIRECTRICE ARTISTIQUE | ARTISTIC DIRECTOR Angèle Etoundi Essamba

COMMUNICATION | PARTENARIATS Nadine Hounkpatin

CONCEPTION GRAPHIQUE | GRAPHIC DESIGN Nina-Oana Constantinescu

ASSISTANTE GRAPHIQUE | GRAPHIC DESIGN ASSISTANT Kelly Lakeman

IAM #02 – SÉNÉGAL | SENEGAL

RÉDACTRICES INVITÉES | GUEST EDITORS IAM SÉNÉGAL | SENEGAL: Salimata Diop, commissaire d’expositions et consultante | curator and art consultantMODE ET DESIGN SÉNÉGAL | FASHION AND DESIGN SENEGAL: Delphine Calmettes, commissaire d’expositions | curatorIAM DANS LE MONDE | IN THE WORLD: Clelia Coussonnnet, commissaire d’expositions et critique d’art | curator and art critic

RELECTURE | EDITING Florence Morel TRADUCTION | TRANSLATION FR/EN Vanora Benett, John Morrison

TRADUCTION | TRANSLATION EN/FR The Language Lab

Jean-Paul Blachère, Claude Agnel, Justine Bernardoni, Nadège Chouat, Sanne Huijsmans, Salome Gyamfi, Sitor Senghor, Isabelle Gilles-Eurvin, Margaux Huille, Touria El Glaoui, Simon Njami, Antoine Tempé, Victoria Mann, Jean-Marie Mikalef, Claire Yverneau, Arnaud Moisan, Thierry Samson, Gervais Nicoué, Richard Seror, Jacqueline Seror, Jillali Ajaba.

REMERCIEMENTS | SPECIAL THANKS

TEXTES | WORDSEva Barois De Caevel, commissaire d’expositions et critique d’art| curator and art criticViolaine Binet, journaliste | journalistYves Chatap, commissaire d’expositions et critique d’art | curator and art criticChayet Chiénin, journaliste indépendante | independent journalistEmmanuelle Courrèges, journaliste | journalist Jessiah Dieng, auteur | authorVirginie Ehonian, bloggeuse | bloggerAnne Grosfilley, commissaire d’exposition et docteur en anthropologie | curator and doctor in anthropologyOulimata Gueye, commissaire d’expositions | curatorNicolas Kerroux, artiste et directeur artistique | artist and artistic directorTapiwa Matsinde, designer et consultante | designer and business consultantLandry Mbassi, Directeur artistique, artiste, photographe | Artistic director, artist, photographer

Massamba Mbaye, journaliste, critique d'art, commissaire d'exposition | journalist, art critic and curatorChristine Muraton, photographe | photographerAliou Ndiaye, journaliste | journalistSylvain Sankalé, écrivain | writerMarie-Jeanne Serbin Thomas, journaliste | journalistLaure Tarot, styliste | fashion designerRosalie van Deursen, commissaire d’expositions et critique d’art | curator and art criticMaya Varichon, co-fondatrice les Petites Pierres | co-founder les Petites Pierres

PHOTOGRAPHES | PHOTOGRAPHERSMata NataalXadim MbowAntoine Tempé

IMPRESSION | PRINTING WILCO ART BOOKS, Pays-Bas | The Netherlands

CONTACTinfo@iam-africa.com

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