The magazine for canadian drummers and percussionistsLe magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

vol.25 no5 | end of year /fin d'année

free/gratuit

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Franck Camus

Richard Irwin

Jef Konwalchuk

Daniel Bédard

Aaron Edgar

Nick Shofield

Flo Mounier

David Cronkite

Edito + Agenda

Gigging 101: The Ins and Outs of Playing Live

The Body Fulcrum

Gaming Drum Education

Made in Canada: Eric's Cajons

Hidden Secrets: The Science of Great Drum SoundPart 4: Puzzle Pieces

Taking Full Responsibility for the Way you Play

Anchoring Time with your Left Foot

New Products

Rely on your Strengths or your Weaknesses?

The Sound Guy Friendly Jazz Drummer

Volume 25, No. 5End of year 2013 / Fin d'année 2013

Editor in Chief / Rédacteur en chefAaron Edgar

aaronedgar@drumsetc.ca

Assistant Editor in Chief / Rédacteur en chef adjoint

Franck Camusfranck@drumsetc.ca

Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction

Sofi Gamache

Editorial Assistant / Assistant à la rédaction

Tara Wittet Manko

Contributing Writers / JournalistesDaniel Bédard, Franck Camus, David

Cronkite, Aaron Edgar, Richard Irwin, Jef Konwalchuk, Flo Mounier, Nick Shofield

Translation / TraductionJim Angelillo, Geneviève Hébert

Layout / Mise en pageKarine Wolfe, Janam Publications Inc.

Cover Photo / Photo du couvert: Shaun Huberts

www.drumsetc.ca

Advertising / PublicitéRalph Angelillo

(888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.caJeff Knowles

(514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca

Publisher / ÉditeurSerge Gamache

(866) 834-4257 / (450) 651-4257sergegamache@videotron.ca

Printer / ImprimeurOpale Impressions

© Copyright 2013

Drums Etc is published 5 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380

distribution points (circulation certified by Canada Post).

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235

Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada

Fax: (450) 670-8683

Drums Etc est publié 5 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios

de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

Spectacle 101: les tenants et aboutissant de la performance

La position du corps

La batterie et les jeux vidéos

Fabriqué au Canada: Les Cajons d'Éric

Secrets cachés ou la science derrière un son de batterie exceptionnelPartie 4: Les morceaux du casse-tête

S'assumer pleinement

Ancrer la pulsation avec le pied gauche

Nouveaux produits

Miser sur vos points forts ou vos points faibles?

Le sonorisateur et le batteur de jazz

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6 johnny andrewsBy/Par: Adam Petrash

The magazine for canadian drummers and percussionistsLe magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

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Drum Fest weekend has come and gone, *le sigh*. For the first time, I got to spend some extended time in Montreal and I had a blast. We had performers that stylistically covered an extremely broad spectrum. One can’t help but walk away completely inspired. There were numerous times throughout the weekend where part of me desperately wanted to jump ship, run back to my hotel and practice. The rest of me couldn’t bear to take my eyes (and ears) off the stage.

If I had the space, I’d talk in depth about how much I loved each and every one of the performances. Alas, we have a lot of wonderful content we need to fit into this issue. So, in no particular order, here are a few of my personal highlights.

The Billy Kilson Trio had an absolutely explosive set. Billy really brought the house down with incredible chops, subtle taste and an undeniable pocket. His band mates stepped right up there with him closing with a flat out ridiculous piece in 5/4.

Florian Alexandru-Zorn’s brush mastery apparently knows no bounds. From traditional to funky, powerful odd time grooves and solos, I challenge you to witness this man in action and keep your jaw from dropping.

Sonny Emory, Tommy Igoe and Aaron Comess performed in the Yamaha Groove Hour. However, this was far from limited to grooving. Opening up with the phat pocket of Comess, they seamlessly segued into blistering chops, trading solos and a triple drummer finale that was mind blowing.

Zach Danziger and Owen Biddle explored unique electronic textures triggered from Zach’s kit. There may as well have been a full band on stage, it sure sounded like it. With Zach playing his heart out, Owen was manipulating his sounds and helping to create unique melodic content using, among other things, his iPhone.

Omar Hakim & The Trio of Oz closed the show. They took tunes from the likes of Alice in Chains and other unexpected acts into a bebop and jazz context for an incredibly unique closer.

I absolutely cannot wait until next year. Enjoy the rest of the issue!

Le Drum Fest a eu lieu. Ça s’est passé tellement vite, comme un éclair. C’était la première fois que je passais autant de temps à Montréal et j’ai eu beaucoup de plaisir. On a eu droit à un éventail très large de genres musicaux. Il est impossible de ne pas en sortir entièrement inspiré. Il y a eu plusieurs moments au cours de la fin de semaine où une partie de moi éprouvait le désir de partir en flèche à ma chambre d’hôtel pour pratiquer. Mais le reste de mon être ne pouvait pas arrêter de regarder et d’écouter ce qui se passait sur la scène.

SI j’avais plus d’espace, je parlerais d’à quel point j’ai aimé chaque prestation. Mais hélas, il y a beaucoup de matière dans ce numéro donc voici sans ordre précis, quelques-uns de mes coups de cœur personnels.

Le Billy Kilson Trio nous a offert un spectacle explosif. Billy a mis le feu à la salle avec ses passes incroyables, son goût pour la subtilité et son sens de la pulsation inébranlable. Ses acolytes l’ont accompagné sans broncher jusqu’à la dernière pièce hallucinante en 5/4.

La maitrise des balais de Florian Alexandru-Zorn n’a apparemment pas de limites. Passant d’un jeu traditionnel à des rythmiques et des solos en temps composés funky, je vous mets au défi de le regarder jouer sans avoir la bouche béante.

Sonny Emory, Tommy Igoe et Aaron Comess ont joué lors du Yamaha Groove Hour. Toutefois, ce n’était pas qu’une affaire de groove. Le spectacle a soulevé la salle dès la première pièce avec l’imposant groove de Comess, et de passe en solo s’est dirigé vers une finale à trois batteurs absolument stupéfiante.

Zach Danziger et Owen Biddle ont exploré des textures uniques déclenchées par les tambours de Zach, C’était comme s’il y avait un orchestre entier sur la scène, tellement ça sonnait. Zach jouait avec émotion, tandis que Owen manipulait les sonorités, contribuant à créer un contenu mélodieux unique en utilisant, entre autres, son iPhone.

Omar Hakim & The Trio of Oz ont clôturé le festival en nous présentant des pièces de formations comme Alice in Chains dans un contexte bebop et jazz. Unique.

Je ne peux pas attendre à l’an prochain! J’espère que vous aimerez ce numéro.

A Weekend At Montréal Drum Fest

montrealdrumfest.com

Une fin de semaine au Drum Fest de Montréal

Aaron EdgarEditor-in-chief

Rédacteur en chef

editoagenda

CAPITALE DRUM FEST 2014

St-Augustin-de-Demaures, QC Salle Jean-Pierre Tremblay, Campus Notre-Dame de FoyDimanche 19 janvier / Sunday January 19, 2014www.comgrafik.ca/drumfest/index.html

THE WINTER NAMM SHOW 2014

Anaheim, CAJanuary 23-26 / 23 au 26 janvier 2014www.namm.org/thenammshow/2014

KoSA CUBA – PERCUSSION WORKSHOPS

Havana, CubaMarch 2-9 / 2 au 9 mars 2014www.kosamusic.com

MUSIKMESSE 2014Frankfurt, GermanyMarch 12-15 / 12 au 15 mars, 2014http://musik.messefrankfurt.com

NXNE 2014North By Northeast Festival & ConferenceToronto, ONJune 13-22 / 13 au 22 juin, 2014(416) 863-0828Info@nxne.comwww.nxne.com

MONTRÉAL DRUM FEST 2014Montréal, QCOctober 25-26 / 25-26 octobre 2014(450) 928-1726 www.montrealdrumfest.com

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coverstoryen couverture

Victoria, B.C. native Johnny Andrews has worked with an impressive amount of artists, including Tegan and Sara, Rococode, Hey Ocean!, Hannah Georgas and Shad, to name a few. His journey to being a professional drummer is an irregular one and a true success story. It’s irregular because, unlike many of the professional drummers working today, Andrews is a completely self-taught musician.Since an early age, Andrews was armed with a hard work ethic and an insatiable need to improve his techniques and skills. The result, Andrews has never had any other job in his life besides drumming.

Johnny Andrews, de Victoria en Colombie-Britannique, a travaillé avec une impressionnante brochette d’artistes comme Tegan and Sara, Rococode, Hey Ocean!, Hannah Georgas et Shad. Son cheminement pour devenir un batteur professionnel n’est pas habituel. Il n’est pas habituel, car contrairement à beaucoup de batteurs professionnels aujourd’hui, Andrews est un autodidacte.Très tôt, Andrews faisait preuve d’une éthique du travail solide et d’un désir insatiable d’améliorer sa technique et ses habiletés. Le résultat : Andrews n’a jamais eu d’autre travail que de jouer la batterie.

Johnny Andrews

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To readers that may not be familiar with your name yet, can you tell us a little about your musical background?

I‘ve always been tapping on tables, notebooks, desks and have been interested in rhythms from an early age. After begging and pestering my parents, I finally got a drum set at the age of 14. But I had no one to teach me. I learned by playing along to albums that inspired me at the time.

After that, I got involved in playing at church. This was an amazing school for me. When you play in church, you have to learn songs quickly and with many different musicians because the band is always changing. For that reason, I was learning a lot of different styles and arrangements.

Every day after school, I’d watch Bravo Jazz on TV and then I would practice for about 3 - 4 hours until my parents got home from work. After dinner and homework I'd be out playing at the church youth groups and nightclubs.

I was really into recording all the late night talk show performances on Leno and Letterman, too. I’d watch how the different drummers would approach the music and interact with the rest of the band. This was highly educational for me.

When I was 18, I started touring with various bands, and by the age of 19 I moved to Nashville to play in a few bands based out of there. Nashville taught me a lot. I learned about playing for the song and really serving the music with no ego. I learned about meaning every note you play no matter what style. I also learned a lot about the business and how to network.

When I was 23, I moved back to B.C. to be closer to family. Ever since, I’ve been recording and touring with bands all around the world.

Some would say that being self-taught is an unconventional route to being a professional, but for you, it worked. Would you give the same advice to novice drummers? Why or why not?

I may be self-taught, but I’m very serious and diligent about my studies. I study rudiments, styles and theory and hand/foot techniques. I think formal training is good as learning to read and write music is very important, too. It can be very useful when you're in the studio. I say, do whatever works for you, but always push forward and strive for musical excellence. Learning to communicate with people musically is the real lesson and reason why we play. Whether playing live or in the studio, we do it for the love of the art, music and community.

Pour nos lecteurs qui ne vous connaissent pas encore, peux-tu nous parler un peu de tes antécédents musicaux?

J’ai toujours tapé des rythmes sur des tables, des cahiers de notes et des bureaux, et la rythmique m’intéresse depuis que je suis très jeune. Après avoir supplié et harcelé mes parents, ils m’ont finalement offert une batterie. J’avais quatorze ans. Mais je n’avais personne pour m’enseigner comment jouer. Donc j’ai appris en jouant avec les disques qui m’inspiraient à l’époque.

Après cela, je me suis mis à jouer à l’église. Ce fut une école incroyable pour moi. Lorsqu’on joue à l’église, on doit apprendre des chansons rapidement avec beaucoup de musiciens différents, car l’orchestre est en constante mutation. C’est pour cette raison que j’ai appris beaucoup de styles et d’arrangements différents.

Chaque jour, après l’école, j’écoutais Bravo Jazz à la télé et je répétais pendant trois ou quatre heures jusqu’à ce que mes parents reviennent à la maison. Après le souper et mes devoirs, j’allais jouer aux réunions des groupes de jeunes à l’église et dans des bars.

J’enregistrais toutes les performances musicales des émissions de variétés du soir, comme Leno et Letterman. J’observais l’approche musicale des différents batteurs comment ils interagissaient avec les autres musiciens. Cela m’a permis de beaucoup apprendre.

À dix-huit ans, j’ai commencé à faire des tournées avec quelques formations et à dix-neuf ans, je me suis installé à Nashville pour jouer dans des formations de la place. J’ai beaucoup appris à Nashville. J’ai appris à jouer pour la chanson et à servir la musique sans égo. J’ai appris à jouer en faisant en sorte que chaque note ait un sens, peu importe le style musical. J’ai aussi beaucoup appris à propos du côté affaires et comment faire du réseautage.

À vingt-trois ans, je suis revenue en Colombie-Britannique afin de me rapprocher de ma famille. Et depuis, j’enregistre et je fais des tournées avec des formations partout dans le monde.

Certains diraient que d’être autodidacte est une voie non conventionnelle pour devenir un musicien professionnel, mais cela a fonctionné pour toi. Conseillerais-tu aux batteurs débutants de faire de même?

J’ai beau être autodidacte, mais je suis très sérieux et diligent à propos de mes études. J’étudie les rudiments, les styles et la théorie, ainsi que les techniques de mains et de pieds. Je crois que les études formelles sont bonnes, car écrire et lire la musique est très important. Ça peut être utile en studio. En fait, je conseille de prendre la voie qui fonctionne pour vous, mais toujours en poussant de l’avant et en ayant comme objectif l’excellence musicale. Apprendre à communiquer musicalement avec d’autres personnes est la leçon ultime et la raison pour laquelle nous jouons. Que ce soit en studio ou sur scène, on le fait pour l’amour de l’art, de la musique et de la communauté.

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Not all professional drummers can say they have performed on MTV, David Letterman, Jay Leno, Conan O'Brien and various other TV shows. To those who haven’t yet, how does performing on television compare to performing live?

Performing on TV is still playing live. The only real difference is you have to be aware of the cameras and how the performance is coming across visually, as well as musically. After seeing myself perform, I realized that in some situations I looked terribly boring to watch (perfect movements). For TV, you have to get emotional and into the song. Exaggerate some movements and be entertaining. If you look like you're really into what you're doing and you are playing with conviction, the audience will be excited and into the performance, too. I mean it’s called performing for a reason. You might as well make it entertaining.

Continuing with that, is there a difference in how you prepare for session work vs. live playing?

Oh, absolutely! You have to make sure your gear sounds great and that they are the right pieces and sizes for the type of music you’ll be playing. When I go into a studio session, I make sure I have the right kind of snares, drum kit and cymbals for the sound the artist and producer are going for. I’d also say that knowing how to tune for a song is almost as important as what and how you are going to play.

You’re endorsed by Yamaha drums, Vater drumsticks, Istanbul Agop Cymbals and Evans drum heads. What is it about those companies products that made you choose to use their products?

I've been a fan of Yamaha drums ever since I was young. Yamaha makes the most versatile and most consistent drums. I can get almost every kind of drum sound/tuning out of my Yamaha drums. I can fly anywhere around the world using Yamaha backline and it will sound amazing and feel like home.

I've pretty much been playing Vater sticks forever. I love the Hickory Recording model. The barrel shaped tip gives me great articulation and definition on cymbals and helps me pull great tones out of the drums. The balance of the stick is incredible. Plus, they last forever on tour.

Istanbul Agop Cymbals are amazing. They’ve got that old K sound – trashy and unique – and I love how they can sound really dirty, smoky and dark. To me, other cymbal companies sound too bright and thick and they don't always sit well with vocals, either. Istanbul Agop Cymbals sit so well in the mix.

Evans drum heads are my sound. The tone is so pure and warm and it helps me achieve a wide tuning range. They just sound so right to me. They’re consistent and durable. I love coated heads and their coating is nice and smooth (not too thick) and stays on the head for a long time, too.

As a session drummer, you've got to know how to play a wide range of styles. Are there any genres you prefer?

I love it all, really, but I do enjoy it when I get to play something funky. I’m a drummer, what can I say?! I grew up listening to James Brown and hip hop music.

Ce ne sont pas tous les batteurs professionnels qui peuvent dire qu’ils ont joué à MTV, David Letterman, Jay Leno, Conan O'Brien et plusieurs autres émissions. Pour ceux qui ne l’ont pas encore fait, quelles sont les différences entre jouer à la télé et jouer sur scène?

Jouer à la télévision est très similaire à faire un spectacle sur scène, excepté qu’il faut tenir compte des caméras et aussi faire attention au visuel en plus de la musique. C’est en me voyant jouer que j’ai réalisé que dans certaines situations je suis très ennuyeux à regarder (mouvements parfaits). Pour la télé, il faut montrer ses émotions et son implication dans la chanson. Il faut exagérer certains mouvements et être divertissant. Si vous avez l’air de triper sur ce que vous jouez et que vous jouez avec conviction, le public sera excité et aimera aussi la performance. Ce n’est pas pour rien qu’on appelle ça une performance. Pourquoi ne la rendrait-on pas divertissante?

Dans le même ordre d’idée, y a-t-il une différence dans la façon de se préparer pour une session en studio et un spectacle?

Absolument! Il faut s’assurer que son équipement sonne de son mieux et qu’il comporte les bons morceaux et les bonnes dimensions pour le genre de musique que vous devez jouer. Lorsque je m’en vais en studio, je m’assure d’avoir le bon type de caisses claires, de batterie et de cymbales pour ce que l’artiste et le réalisateur désirent produire. Je dirais aussi que de savoir comment s’accorder pour une pièce musicale est presque aussi important que ce que vous allez jouer et comment vous allez le jouer.

Tu es commandité par les batteries Yamaha, les baguettes Vater, les cymbales Istanbul Agop et les peaux de tambour Evans. Pourquoi as-tu choisi ces produits?

Je suis un admirateur des batteries Yamaha depuis que je suis jeune. Yamaha produit les tambours les plus polyvalents et les plus fiables. Ils me permettent d’obtenir presque n’importe quel accordement ou n’importe quelle sonorité. Je peux aller jouer partout dans le monde et j’aurai accès à une batterie Yamaha qui sonnera bien et qui me donnera la sensation de jouer sur ma propre batterie.

J’ai presque toujours joué avec des baguettes Vater. J’aime le modèle Hickory Recording. Le bout en forme de baril produit une superbe articulation et une belle définition sur les cymbales et m’aide à obtenir de belles tonalités des tambours. L’équilibre des baguettes est exceptionnel et, en plus, elles sont très durables pour les tournées.

Les cymbales Istanbul Agop sont incroyables. Elles sonnent comme les vieilles cymbales K et j’aime comment elles peuvent sonner sales, enfumées et sombres. Selon moi, les cymbales des autres fabricants produisent des sonorités trop vives et denses et elles ne s’agencent pas toujours très bien avec des voix. Les cymbales Istanbul Agop s’intègrent tellement bien.

Les peaux de tambour Evans, c’est mon son. Leur tonalité est tellement pure et chaleureuse et elles m’offrent beaucoup de possibilités d’accordement. Elles sont parfaites pour moi et elles sont constantes et durables. J’aime les peaux couvertes d’un revêtement et le revêtement d’Evans est bien lisse (pas trop épais) et reste en place longtemps.

En tant que batteur de studio, tu dois savoir comment jouer une grande variété de styles musicaux. Y en a-t-il que tu préfères?

J’aime tout, en fait, mais j’aime bien quand je peux jouer quelque chose de funky. Je suis un batteur, non?! J’ai grandi en écoutant James Brown et du hip-hop.

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By/Par: Adam Petrash Traduction: Jim Angelillo

Photos: Shaun Huberts

Do you feel that being a session drummer requires any specialized skills? If so, what are they?

You need to have big ears. You need to listen really well and play parts that will serve the music. Artists can be demanding and can want very specific things and you have to be creative and musical enough to not get in the way. Just because you’ve learned a new lick doesn't mean you have to use it. You have to always serve the song and not your ego.

There’s obviously more to being a great drummer than just having the skills to play. What do you think it takes? What advice would you give drummers who are aspiring to the professional level?

Be on time, professional and respectful, but the most important thing is that you have to be a good hang. Bands want to tour and work with a drummer that is creative but also easygoing and good to hang out with. When you go out on tour you're pretty much living with these people and seeing them every day for a few months. Also, be helpful and not a diva. If the band needs help loading out or packing gear, don't just sit there, be a good person and help.

On a fun note, you said you’ve never had another job - only music. If you had to pick a different career, what would it be?

I would probably be an animator. I love comics and anime and have been drawing for years. Or maybe I’d own my own sandwich shop? Haha.

Crois-tu qu’il faut des habiletés particulières pour être un batteur de studio? Et si oui, que sont-elles?

Il faut de grandes oreilles. On doit écouter attentivement et jouer ce qui sert la musique. Certains artistes sont très exigeants et il arrive qu’ils veuillent quelque chose de très particulier; on doit donc avoir l’esprit assez créatif et musical pour ne pas nuire à son désir. Ce n’est pas parce qu’on vient d’apprendre une nouvelle passe qu’il faut l’utiliser. Il faut toujours être au service de la chanson, pas de notre égo.

Il faut évidemment plus que d’avoir des habiletés techniques pour être un grand batteur. Que crois-tu qu’il faut? Quels conseils donnerais-tu aux batteurs qui aspirent à une carrière professionnelle?

On doit être à l’heure, être professionnel et respectueux, mais ce qui importe le plus est d’être une personne agréable à fréquenter. Lorsque vous partez en tournée avec des musiciens, ils veulent travailler avec un batteur créatif qui est également sympathique et plaisant. En tournée, on vit avec eux tous les jours pendant quelques mois. Il faut être serviable et ne pas se plaindre. Si les autres musiciens ont besoin d’aide pour déplacer leur équipement, aidons-les.

Sur une note plus légère, tu as dit que tu n’as jamais eu un autre emploi, seulement la musique. Si tu devais choisir une carrière différente, ça serait quoi?

Je ferais probablement de l’animation. J’aime les bandes dessinées et les dessins animés, et je dessine depuis longtemps. Ou peut-être que je serais le propriétaire d’un resto de sandwichs! Haha!

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A great way to start working on this is by keeping time with your left foot on the hi-hats. This is certainly easier said than done. Have no fear. We’re here to help!

Before we dive into the examples, it’s important to understand that when I use the word anchor, that’s exactly what I mean. We’re going to use our left foot to hold ourselves together and help solidify our time and pulse, almost as a played metronome. To do this, it needs to be rock solid. For these examples, your left foot is keeping the time while you play everything else to it.

Example 1: This example is part of a rhythmic scale. Eighth notes, eighth triplets, sixteenth notes and sixteenth triplets. Each with your left foot playing quarter notes. It’s absolutely mandatory to do this example with a metronome. Focus on your left foot being solid. Your transitions from each subdivision should be clean. By clean, I mean on beat one you’re exactly at your new subdivision – no easing into it and speeding back up to the next one. If it’s not solid, it’s not right. You can experiment with sticking patterns beyond just singles after you’re comfortable. Feel free to add more subdivisions as well, such as quintuplets, septuplets, thirty-second notes, etc.

Anchoring Time With Your Left Foot

One of the most important things, actually THE most important thing that we do as drummers is to keep time, as well as to make it feel good. Pocket, groove, pulse, whatever you call it, it separates Joe Smashy-Smashy from

the guys that consistently get all the gigs.

G and G Music LtdAntigonish, NSwww.gandgmusicshop.com

Blue Star TradersNorth Sydney, NS

Tony's Music Box LtdFredricton, NBwww.tonysmusicbox.ca

Acadie MusiqueAcadie, NBfacebook.com/acadiemusique

Steve's Music Montreal, QCwww.stevesmusic.com

Timpano PercussionMontreal, QCwww.timpano-percussion.com

Musique AltoLevis, QCwww.musiquealto.com

Musique AltoMontmagny, QCwww.musiquealto.com

Boulevard MusiqueSorel-Tracy, QCwww.boulevardmusique.com

Pete's Music ExchangeBrockville, ONwww.petesmusicexchange.net

Kingston Sound WorksKingston, ONwww.kingstonsoundworks.com

Dave's DrumshopOttawa, ONwww.davesdrumshop.com

Harmony Music PlusBelleville, ONwww.harmonymusicplus.com

Allegro MusicToronto, ONwww.allegromusic.ca

Steve's MusicToronto, ONwww.stevesmusic.com

Woodshed PercussionToronto, ONwww.woodshed-percussion.com

DrumlandWoodbridge, ONwww.drumland.com

The Piano StudioNewmarket, ONwww.thepianostudio.com

Musicians ChoiceBrampton, ONwww.mcdccanada.com

Pickers AlleySarnia, ONwww.pickersalley.com

John Bellone MusicLondon, ONwww.johnbellonemusic.com

Sherwood MusicKitchener, ONwww.sherwoodmusic.com

Erie MusicSimcoe, ONwww.eriemusic.ca

Music CraftWeyburn, SK

B sharp MusicRegina, SKwww.bsharpmusic.com

Johns MusicMoose Jaw, SKmembers.shaw.ca/johnsmusic/

Tone GuruVictoria, BCwww.tonegurumusic.com

Duncan MusicDuncan, BCwww.duncanmusic.ca

Harbour City MusicNanaimo, BCwww.harbourcitymusic.com

Any Long and Mcquadewww.long-mcquade.com

King Street PercussionCornwall, ONwww.kingstreetpercussion.com

Canadian distributor, contact:

goldenhawkimports1@gmail.com

Example 2: Now we’re going to get into some grooves. Putting your right hand onto a dry cymbal sound is your best bet for working on things that need precision. The longer any note sustains, the harder it is to hear whether or not you’re flamming any of the notes. While you’re learning, your best bet is an auxiliary set of hi-hats or the rim of a tom or your snare drum. As with example 1, a metronome is necessary; however, while you’re getting your coordination in place, take it slow, one note at a time even, until it’s decent. Then throw your metronome on to polish the beat up.

Examples 3 and 4: The last two grooves are more challenging. With funky sixteenth note placements on the snare and bass drum, pay attention to your timing. Having your metronome sounding sixteenth notes will ensure 100% accuracy while playing these last two grooves. For example 4, you may want to isolate your feet and right hand first. Then add the snare after it’s solid without.

I hope you have fun with these examples. They’re challenging, sure, but will do wonders for your playing and pocket if you respect them and take the lessons they teach to heart.

drums etc. 11

L’une des choses les plus importantes, voire LA chose la plus importante que nous faisons en tant que batteurs est non seulement de battre la mesure, mais de la

rendre musicale. Pocket, groove, pulsation, peu importe comment vous l’appelez, c’est ce qui sépare le tapocheux du batteur qui se fait toujours engager.

Une bonne façon de commencer à travailler cela est de battre la mesure avec votre pied gauche sur le hi-hat. Oui, c’est plus facile à dire qu’à faire, mais ne craigniez rien, nous sommes ici pour vous aider!

Avant d’entamer les exercices, il est important que vous compreniez que lorsque j’utilise le mot « ancrer », je veux dire exactement ça. Nous allons utiliser notre pied gauche pour tout tenir ensemble et nous aider à solidifier notre sens du tempo et de la pulsation, comme si c’était un métronome… enfin presque. C’est pourquoi il faut que ce soit super solide. Dans les exercices suivants, votre pied gauche bat la mesure pendant que vous jouez autre chose dessus.

Exercice 1 : Cet exercice est une forme de gamme rythmique : croches, triolets, doubles croches, triolets. Votre pied gauche joue des noires. Vous devez absolument jouer ceci avec un métronome. Concentrez-vous sur la solidité de votre pied gauche. Les transitions entre chaque subdivision devraient être nettes, c’est-à-dire que sur le temps 1 vous commencez une nouvelle subdivision (et surtout pas de ralentissement et d’accélération). Si ce n’est pas solide, il y a quelque chose qui ne fonctionne pas. Une fois que vous êtes confortables avec les coups simples, vous pouvez expérimenter avec différents motifs de baguettes. Ajoutez aussi d’autres subdivisions, comme des quintolets, septolets, triples croches, etc.

Ancrer la pulsation avec le pied gauche

By/Par: Aaron EdgarTraduction: Jim Angelillo

DrumsEtc.ca/anchoring

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Anchoring Time With Your Left Foot By: Aaron Edgar

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Exercice 2 : Maintenant, jouons de vrais rythmes. Pour travailler des choses qui nécessitent de la précision, il n’y a rien de mieux qu’une cymbale sèche. Plus les notes résonnent, plus il sera difficile de percevoir la précision de chaque note. Lors de l’apprentissage du rythme, la meilleure chose à faire serait d’installer une seconde paire de cymbales hi-hat ou bien d’utiliser l’anneau d’un tom ou de votre caisse claire. Comme le premier exemple, un métronome est nécessaire, mais lors de l’apprentissage de la coordination des mouvements, allez-y lentement, même jusqu’à y aller une note à la fois. Activez ensuite votre métronome pour affiner le tout.

Exercices 3 et 4 : Les deux derniers rythmes sont plus difficiles. Avec des doubles croches funky à la caisse claire et à la grosse caisse, gardez une oreille sur le temps. Faites jouer des doubles croches sur votre métronome pour assurer le plus de précision possible. Pour l’exercice 4, vous voudrez peut-être neutraliser vos pieds et votre main droite en premier. Lorsque c’est solide, ajoutez la caisse claire.

J’espère que vous allez vous amuser avec ces exemples. Ils sont difficiles, mais ils feront des miracles pour votre jeu et votre groove si vous les respectez et les prenez à cœur.

12 drums etc.

Quand vient le temps de pratiquer, il est facile de toujours jouer les mêmes choses, celles que l’on connaît par cœur et que nous maîtrisons bien. Cela nous donne le faux sentiment d’être bons, ce qui est très flatteur pour l’égo! Que faut-il faire alors pour progresser? Faut-il apprendre de nouvelles choses (un nouveau rythme ou une nouvelle technique) ou reproduire toujours les mêmes rythmes? Pour maîtriser un groove ou une technique, ça prend beaucoup de temps et de répétitions : répéter semble donc la chose à faire. Par contre, cette technique a ses limites puisque de répéter inlassablement la même chose ne mène pas très loin. Il est important de constamment réévaluer son niveau. Lors de son dernier atelier à Montréal, Benny Greb a raconté avec beaucoup d’humour comment sur 3 heures, il ne pratiquait efficacement que 40 % de son temps, le reste étant en quelque sorte du temps perdu autour de la batterie. Ce comportement se retrouve surtout chez les débutants : il faut donc adapter notre temps de pratique en fonction de notre niveau. N’essayez pas, au départ, de jouer 4 heures par jour, car votre niveau de concentration ne vous permettra pas de pratiquer aussi longtemps de façon efficace. Cela viendra avec le temps.

Pour bien jauger votre niveau, il est bien de suivre des cours ou d’étudier avec un bon professeur, mais vous pouvez aussi vous autoévaluer sous plusieurs angles. Comment est votre technique? Votre lecture à vue? Votre perception du tempo? Votre sens de l’écoute? Bref, il y a toutes sortes de paramètres sur lesquels vous pouvez travailler. Encore faut-il avoir le courage de le faire, ce qui n’est pas évident, car bien souvent, on se trouve des excuses qui masquent une certaine peur d’échouer. Combien de fois ai-je entendu des batteurs dénigrer le travail avec un métronome! Pourtant, ce sont souvent ceux qui en ont

le plus besoin. L’humain est naturellement réfractaire au changement. Il faut faire attention à ne pas entretenir de trop grandes attentes et à ne pas se comparer à d’autres batteurs sur YouTube. Ça pourrait miner votre confiance. Si vous voulez vous comparer, mesurer plutôt votre propre progression sur une certaine période. Je le fais souvent entre 2 albums ou productions. Quand je sors un nouveau disque, j’aime écouter le précédent pour mesurer le progrès réalisé entre les deux. Je me crée ainsi des points de repère.

Je répète également souvent avec le métronome à faible volume, de sorte que je ne l’entends pas quand je joue synchro. Je ne l'entends donc que lorsque je ne suis plus synchro dessus et ça me permet de jouer plus juste. Le jeu avec un métronome reste une technique parmi tant d’autres, mais l’idée est d’évaluer quels sont nos points faibles afin d’avoir le sentiment de progresser.

Qu’êtes-vous prêt à faire pour vous améliorer? Au-delà du simple souhait, le faites-vous vraiment? Il ne faut pas s’y méprendre, ceux qui réussissent sont ceux qui travaillent fort. Ce sont aussi ceux qui ont accepté de travailler sur leurs faiblesses et qui ont une motivation sans bornes.

Un autre conseil : lorsque vous vous autoévaluez, soyez objectifs! Je me souviens entre autres d’une bonne discussion avec un batteur de renom qui m’avait avoué avoir particulièrement mal joué ce soir-là. J’en étais bouche bée et je lui ai dit que je n’avais pas remarqué, ce à quoi il avait répondu que ce n’était qu’une question de sensation. Après avoir visionné une vidéo de sa prestation, il se rendit compte qu’il n’avait pas été aussi mauvais qu’il pensait.

Ne laissez pas toujours votre intuition prendre le dessus. Enregistrez-vous et analysez-vous ensuite sous différents aspects. Amplitude, vitesse des mouvements, aspect délié ou saccadé, etc. Ce qui importe le plus, bien sûr, est d’avoir un bon son, peu importe la technique utilisée. Tentez de vous enregistrer régulièrement dans des conditions comparables (en utilisant le même équipement au même endroit par exemple : batterie, baguettes, micros et système d’enregistrement). Vous progresserez ainsi plus facilement tout en obtenant de meilleurs résultats. Pensez-y bien : vous avez tout à gagner!

When it is time to practice, it is easy to play the things you know by heart and that you master. It gives you a false sense of being good, which flatters the ego a lot! So what should we do in order to progress? Should we learn new rhythms or new techniques or constantly reproduce the same ones? To master a groove or a technique, it takes a lot of time and repetition: repetition seems to be the way. But this technique has limits since constantly repeating the same thing doesn’t

Miser sur vos points forts ou vos points faibles?

Rely on your strengths or your weaknesses?

lead very far. It is important to reassess one’s level constantly. During his latest clinic in Montreal, Benny Greb talked about how, over 3 hours, he practiced efficiently only 40% of the time, the remaining time being lost around the drumset. We find this behaviour mainly in beginners: we need to adapt our practice time to our playing level. In the beginning, don’t try to play 4 hours a day, because your concentration won’t let you practice that long efficiently. That will come with time.

drums etc. 13

To evaluate your playing level, it is a good thing that you take lessons or study with a good teacher, but you can evaluate yourself by looking at various facets. How is your technique? Sight-reading? Your perception of the tempo? What about your listening capabilities? There are many parameters on which you can work. But you need the courage to do it, which is not obvious, because we often find excuses that mask our fear of failing. How often have I heard drummers criticize working with a metronome! Yet it is them who most often need to use one. Humans naturally resist change. You have to be careful not to have unreachable expectations, and you need to stop comparing yourself to other drummers you see on YouTube. It could affect your confidence. If you really want to do some comparisons, measure your progression over a particular period of time. It’s what I do, sometimes, between two recordings or productions. When I record a new album, I like to listen to the preceding one to measure the progress between the two. This way, I create reference points for myself.

Often, I practice with the metronome set at low volume so that I don’t hear it when my time is right. I only hear it when I falter, which helps me play better. Yes, playing with a metronome is a technique among many others, but the idea is to evaluate what our weaknesses are and instil a feeling of progress.

What are you willing to do to improve? Apart from a simple desire, do you really do it? There is no way around it; those who succeed are those who work hard. These are also players who have accepted to work on their weaknesses and have boundless motivation.

Here’s another tip: when you evaluate yourself, be objective! I remember a discussion I had with a well-known drummer in which he told me he had played particularly badly that night. I was baffled, and told him I had noticed nothing. He said it was a feeling. But when he listened to a video of the performance, he realised that his playing was not as bad as he had thought.

Do not let your intuition always take the lead. Film yourself and analyse different aspects of your playing: amplitude, movement speed, what’s smooth or jerky, etc. Obviously, having a good sound, whichever technique you use, is the most important aspect. Record yourself regularly in comparable conditions (using the same equipment and set up: drumset, sticks, microphones and recording system). This way, you will progress more easily while obtaining better results. Think about it: you have everything to gain!

By/Par: Franck CamusTraduction: Jim Angelillo

Musikmesse in Frankfurt am Main is definitely the place to be for anyone involved in the music and musical instrument business. It’s the largest music show in the world and attracts exhibitors, visitors, stars and musicians from all corners of the globe. Innovations and new product ideas will be on display here – from electric guitars and digital music software to classical stringed instruments. Further information available at:www.musikmesse.cominfo@canada.messefrankfurt.comTel. 905-824-5017

12 – 15. 3. 2014Spirit of music

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Hidden Secrets

THE SCIENCE OF GREAT DRUM SOUNDPart 4: Puzzle pieces

As a general rule, people are flabbergasted when they learn that drums can be tuned. As we've learned in this series, drums are actually rather complicated and several techniques need to be employed to ensure that they behave optimally. And here…we…go!

Les gens sont en général sidérés lorsqu’ils apprennent que les tambours peuvent s’accorder. Comme nous l’avons appris dans cette série, les tambours sont en fait plutôt complexes et plusieurs techniques doivent être utilisées pour assurer qu’ils se comportent de façon optimale. Allons-y!

Secrets cachés

OU LA SCIENCE DERRIÈRE UN SON DE BATTERIE EXCEPTIONNEL

Partie 4 : les morceaux du casse-tête

In part 1, we learned that a drums shell is the prime mover in the device. It is that which shakes. In order to really understand how it shakes, it’s helpful to strip the drum down (remove the skins and rims), hold it up so that it vibrates (either by the mount, or by balancing it on a finger inside the shell) and give it a wee knock with your knuckle. It will produce a short-lived but discernible note or pitch. That, good friends, is your fundamental tone. It is the note the shell wants to resonate on and, therefore, the one upon which all of your tuning choices are based.

As there are many resources available that cover the actual sequence of seating the skin, tightening the lugs, and so forth, I will not actually cover that aspect of tuning (for a great essay on the topic, visit “Professor Sound’s Drum Tuning Bible” online).

Dans le premier article, nous avons appris que le fût du tambour est la force motrice de l’instrument. C’est l’élément qui vibre. Pour comprendre vraiment comment il vibre, il est conseillé d’ôter les peaux et les anneaux, et de le faire vibrer en lui donnant un petit coup de jointure pour qu’il vibre (posez-le sur son support ou tenez-le en équilibre sur un doigt posé à l’intérieur). La vibration produira une note furtive. Cette note, mes amis, est la note fondamentale. Cette note est inexorablement liée au fut et c’est elle qui dictera tous vos choix d’accordement.

Comme il y a beaucoup de ressources sur la pose des peaux et le serrage des attaches, je ne me lancerai pas dans cette discussion ici. (vous trouverez un excellent exposé sur le sujet en cherchant « Professor Sound’s Drum Tuning Bible » en ligne).

À partir d’ici, nous pouvons commencer à modeler le son pour vrai. Dès que vous connaissez la note fondamentale, vous pouvez entamer le processus d’accordement. La note fondamentale est un élément mélodique (dans un tambour?

vraiment?) issu du monde des notes et des gammes. Si vous désirez faire résonner le tambour le plus longtemps possible et avec le plus de vigueur, les deux peaux doivent être accordées à la même note que la note fondamentale (soit la même octave, soit deux octaves différentes). Si vous désirez renforcer l’attaque de la note et possiblement la faire paraître plus courte en durée, mais initialement plus puissante, il faut former un accord avec les deux peaux, soit de deux notes où l’une des peaux est accordée à la note fondamentale, tandis que l’autre est harmonique, soit un accord de trois notes o1 les deux peaux sont accordées à des notes harmoniques différentes de la note fondamentale. Il y a beaucoup de plaisir en perspective!

On peut également accorder le tambour pour obtenir un effet en particulier. Ici, on ne se préoccupe pas des propriétés tonales sophistiquées du fût (ne le dites pas à vos parents), car il sera utilisé autrement. Un exemple serait les coups sourds et lourds qu’on entend souvent dans les musiques plus agressives. Souvent, dans ces cas, le fût n’est pas utilisé comme résonateur, mais plutôt comme

un tube qui concentre le son. Si vous y installez une peau très épaisse à deux couches de mylar et l’accordez le plus détendu possible, cela produira un bouchon d’air à pression élevé qui, en heurtant la paroi du fût, produira une secousse sonore dans l’air environnant. Bien qu’une sonorité comme celle-là nécessiterait un peu d’ajustement (effets d’écho, etc.), elle est très utile pour vous tailler une place dans un mur de guitares ou une cornemuse débridée.

Un autre exemple d’accordement afin d’obtenir un effet serait d’utiliser deux peaux minces et d’accorder le tambour beaucoup plus aigu que ce que dicte le fût. Avec ce genre d’accordement, on peut expérimenter avec les différentes harmoniques produites en bordure de peau et aussi produire des effets intéressants avec des mailloches ou autres dispositifs de frappe. Je dois ajouter que ce genre d’accordement peut produire les sonorités les plus fortes.

Ce ne sont que quelques exemples. Amusez-vous avec différentes idées. Nos tambours sont simplement des outils conçus pour nous donner une voix nous permettant de nous exprimer. C’est à chacun de décider comment les utiliser et ce que nous exprimerons. La musique se nourrit de diversité et de nouvelles idées, donc utilisez cette information pour explorer et avoir du plaisir.

Les possibilités sont infinies et, une fois qu’on comprend les principes, on peut prévoir comment leur utilisation fera varier les résultats. Nous avons les outils nécessaires pour ouvrir le véritable coffre-fort de sonorités qui se cache dans ces cylindres de bois et de métal.

drums etc. 15

From here, we can begin to really shape the sound. Once your fundamental tone is known, you can start the actual tuning part of the process. The fundamental tone is a melodic element (in a drum? really?) that lives in the world of notes and scales. If the desire is to have the drum resonate and sustain for the longest time, and with the most vigour, then both skins would need to be tuned to the same note as the fundamental tone (either in the same, or differing, octaves). If you wish to reinforce the attack of the note, and to make it seem, perhaps, shorter in duration, but more powerful initially, then you would tune the pitches to a chord. Either a 2-note chord, where one of the skins is tuned to the same note as the shell and the other is harmonic, or a 3-note chord, where both skins are tuned to different harmonics of the fundamental tone. You can have a lot of fun with this!

We also can tune for effect. This is when we sort of bypass the more sophisticated aspects of the shells tonal properties (don't tell your parents) and use it in other

By/Par: Jeff KonwalchukTraduction: Jim Angelillo

ways. An example of this would be the monstrous thump that is frequently used in aggressive music. Often in a case like this, the shell isn't really being used as a resonator as much as it is a focusing tube. If you were to take very thick, double-ply skins and tune them pretty much as loose as possible, the effect would be a high pressure plug of air pushing rudely against the shell and making a concussive snap in the surrounding air. Although a sound like this would require a bit of reinforcement in processing (reverb effects, etc.), it is very useful for forcing your way through a wall of guitars or an unruly bagpipe player.

Another example of tuning for effect would be to use thin skins and tune the drum up higher than its effective range. In these types of tunings, you can experiment with various harmonics that occur in the outer edges of the skin and also achieve interesting effects with mallets and alternative striking devices. My evil twin requests me to mention that this also can produce some of the loudest sounds.

These are only a few examples; the real fun is in playing with ideas. Our drums are simply tools designed to give us a voice that we can use to express ourselves. How we choose to use them, and what we choose to express, is totally up to us. Music thrives on diversity and new ideas, so please use this information to explore and have fun.

The possibilities are endless and, once the principles are understood, you can predict how these possibilities might play out to fully unlock the treasure chest of sounds hiding in those wood and metal cylinders of yours .

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Program also offered in EnglishPossibilité d’obtenir une aide financière du MELSQ

Pour la première fois à Québec, un festival de batterie et de percussions, portera le nom de Capitale Drum Fest produit par la Boite à Musicien . Éric Boudreault, batteur émérite est le directeur technique et porte parole de l'événement.

Capitale Drum Fest accueil le 19 janvier: Paul Brochu, Tony Albino, Magella Cormier, Flo Mounier, Éric Boudreault, Christian Morissette, Ghislain Nadeau, Michel Bernard, Joannie Labelle, Michel Bélanger et Nasyr Abdul-Al-Khabyyr . Aussi comme invités spéciaux, Ralph Angelillo et Réjean Careau des Mégatones (années 60). Un hommage tout spécial sera rendu à Ralph Angelillo pour plus de trente années dévouées au monde de la batterie.

Salle Jean-Pierre Tremblay / Campus Notre Dame de Foy 5000 Rue Clément-Lockquell Saint-Augustin-de-Desmaures (Québec)http://www.comgrafik.ca/drumfest/index.html

Capitale Drum Fest 2014Dimanche 19 janvier 2014 / 10:00 am

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Performance Series TM

H A N D C R A F T E D

DW Jazz Performance 2013 (DrumsEtc).indd 1 11/14/13 4:02 PM

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TAKING FULL

FOR THE WAY YOU PLAY

PLEINEMENT

I’LL SOMETIMES HEAR STUDENTS COMPLAIN ABOUT HOW THEY PLAY OR HOW THEY SOUND AND THAT IF THEY COULD HAVE THAT KIT OR SET OF CYMBALS, EVERYTHING WOULD BE BETTER. WRONG! YOU HAVE TO WORK ON YOUR CRAFT TO IMPROVE YOUR SOUND AND PLAYING. NO GEAR CAN REPLACE HARD WORK. THERE ARE NO SHORTCUTS.

J’ENTENDS PARFOIS DES ÉLÈVES SE PLAINDRE DE LEUR JEU OU DE LEUR SON EN SE DISANT QUE ÇA CHANGERAIT TOUT S’ILS AVAIENT TELLE BATTERIE OU TELLE CYMBALE. ET POURTANT!! IL FAUT TRAVAILLER FORT POUR AMÉLIORER SON SON ET SON JEU. AUCUN ÉQUIPEMENT NE REMPLACE L’EFFORT ET IL N’EXISTE AUCUN RACCOURCI.

DOUBLE BASS DRUMMING AND POWER FILLS WORKOUTBy Matt Sorum and Sam Aliano

Ever since he played with Guns N’ Roses, Matt Sorum no longer needs to be introduced. Sam Aliano, for his part, has built up an impressive list of collaborations in L.A..Their method, which is kind of generic, doesn’t stand out much from other similar works, although it is well presented. Large characters help beginners read more easily, while experienced drummers can sight read without a hitch. Even charts filled with 32nd notes are easy to read. Whether you are into jazz, rock or fusion, you will be able to improve your independence and understand that double kick isn’t just for metal drummers. The improvisation section is interesting as it features a progressive method everyone can follow.

Depuis qu’il a joué avec Guns N’ Roses, Matt Sorum n’a plus besoin de présentation. Sam Aliano, s’est pour sa part bâti une impressionnante feuille de route du côté de L.A..Leur méthode, bien que générique, ne se démarque pas vraiment des autres, mais elle a le mérite d’être bien présentée. Les gros caractères agrémentent la lecture autant pour les débutants que pour les plus avancés qui lisent à vue. Même les partitions en triples croches sont faciles à lire. Amateurs de jazz, de rock, ou de fusion, vous pourrez améliorer votre indépendance et comprendre que les doubles grosses caisses ne sont pas seulement faites pour les batteurs métal. De plus, la section des improvisations s’avère intéressante, car elle comprend une méthode progressive qui conviendra à tous.

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review

critique

drums etc. 19

By/Par: Daniel BédardTraduction: Geneviève Hébert

You’ve probably heard stories about drumming greats who play on crappy sets and still sound amazing. They still have their signature sound. There’s an Oz Noy clip on YouTube where he talks about how he had a rehearsal for a recording with Vinnie Colaiuta. Even though the kit Vinnie played was a piece of junk, Oz remarked that it still sounded like a record. That’s because Vinnie knows how to hit those drums (and, probably, how to tune them too). Similarly, Billy Ward was going to Elvin Jones for a lesson at Frank Ippolito’s New York drum shop. Apparently, the set Elvin was sitting on was not really good, but when he played it, you could immediately hear the amazing drumming of A Love Supreme. Most of the sound comes out of the person playing the set. It’s in your hands. In interviews, Steve Ferrone has said that you have to develop an internal mixing board in your brain to be able to control your sound like a soundman would in front of the stage. Try to think of your limbs as the faders of a mixing board and mix yourself, adjusting every nuance of your drumming.

Something interesting happened to me recently. I was playing some gigs in Yellowknife and was given some really crappy drums. I tried to tune them a bit so that I would at least get them comfortable to play with, but it wasn’t easy. Afterwards, the bass player came up to me and said, “It’s funny. Even with this set, you still sound like you.” I was struck a bit by this comment and it made me realize that, after years of playing, I had developed a sound.

Vous avez probablement déjà entendu parler de batteurs renommés qui jouent sur des batteries médiocres, mais qui réussissent tout de même à avoir un son du tonnerre. Ce son est leur signature. Vous pouvez trouver une vidéo d’Oz Noy sur YouTube dans laquelle il parle d’une rencontre qu’il avait eue avec Vinnie Colaiuta pour un enregistrement. Malgré la batterie pourrie sur laquelle Vinnie avait joué, Oz avait remarqué qu’il y avait là un son à exploiter sur disque. Tout ça parce que Vinnie savait comment se servir de son équipement (et comment l’accorder). De la même façon, Billy Ward parle d’un cours qu’il avait suivi avec Elvin Jones à l’atelier de batterie de Frank Ippolito à New York. Apparemment, la batterie qu’utilisait Elvin était de mauvaise qualité, mais dès qu’il se mettait à jouer, on entendait le superbe son de batterie qu’on retrouve sur l’album A Love Supreme. Une grande partie du son provient de la personne qui joue de la batterie. Tout est donc entre vos mains. En entrevue, Steve Ferrone a déjà dit qu’il faut concevoir intérieurement sa propre table de mixage afin de contrôler le son tel qu’un technicien le ferait à notre place. Il faut imaginer que nos bras et nos jambes sont les équilibreurs de notre table de mixage et que nous mixons nous-mêmes notre son en ajustant les nuances de notre jeu.

Il m’est récemment arrivé un truc intéressant : je jouais à Yellowknife et on m’avait fourni une piètre batterie. J’ai essayé de l’accorder pour en soutirer le meilleur, mais ça n’a pas été facile. Puis, le bassiste est venu me dire : « C’est étrange. On reconnaît ton son même sur cette batterie. » Son commentaire m’a marqué et j’ai alors réalisé qu’après des années, je m’étais en effet créé un son.

Si vous voulez développer un son qui vous est propre, commencez par écouter vos batteurs préférés. Écoutez leur son à la caisse claire, à la grosse caisse et aux toms en essayant de les imiter. Ce faisant, vous en apprendrez beaucoup sur ce que vous aimez le plus et sur ce que vous aimez le moins chez vos batteurs préférés. J’ai déjà été obsédé par le son de Matt Chamberlain et j’essayais toujours de reproduire son jeu et son son. Puis, je m’enregistrais pour voir si j’y arrivais. J’ai fait ça avec plusieurs batteurs et j’ai appris beaucoup sur la batterie, la musique et le son. Ça a affiné mon oreille et ça m’a aidé à obtenir plus rapidement le son que je recherchais.

Il ne faut donc jamais attribuer votre son à votre équipement. Si vous voulez évoluer, il faut remettre en cause votre jeu. C’est ça que j’appelle « s’assumer pleinement ». Au début, ça peut paraître difficile et il vous faudra être patient, mais au bout du compte, ça sera payant. Ayez toujours avec vous un dispositif pour enregistrer ce que vous faites. Pour ma part, j’utilise un Zoom Q3HD et j’enregistre toutes mes répétitions et mes concerts. Je n’écoute pas tout ce que j’enregistre, mais je revois certaines chansons ou certains grooves pour m’assurer d’avoir le son que je recherche.

En espérant que ces quelques idées vous aideront à devenir un meilleur batteur et à avoir plus de contrôle sur votre son. Sur ce, amusez-vous et allez-y à fond!

If you want to develop a sound, start by listening to your favorite drummers. Take note of their snare sound, their bass drum sound and their tom sound, and try to emulate it. By doing this, you’ll learn a lot about what you love and what you don’t love in each of your drumming heroes. I used to be obsessed with Matt Chamberlain’s sound and would try to mimic his playing and sound all the time. I would then record myself to see if my sound would match. I did that with several drummers and I learned a lot about drumming, music and sound by doing this. It probably made my hearing more accurate and helped me to get the sound I wanted faster.

Don’t blame your gear for what you hear. Blame yourself because then you can do something about it. This is what I call being responsible for the way you play or the way you sound. At first it might be hard and you will definitely need to be patient but, in the long run, it will be worth it. Always have a recording device with you and record everything you do. I use the Zoom Q3HD to record my practice sessions, my rehearsals and all my gigs. I won’t listen to every recorded minute but will go over songs or particular grooves to make sure they sound like I want them to.

Hopefully, these ideas will help you to become a better drummer with much more control over the way you sound. Have fun and dive into it.

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By/Par: Richard IrwinTraduction: Jim Angelillo

le

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friendly

sonorisateur

Sound Guy

et le

batteur

drummer

de

MODERN DRUM SET STICKINGSBy Swiss Chris

This method doesn’t concentrate on a style in particular, but deals with the very foundations of your playing style, helping you play more musically. The accompanying CD includes a hundred or so tracks, which helps with progress when reading becomes difficult. You might want to get some glasses, because the characters are sometimes really small. The way in which polyrhythms are explained shows the author has a very good pedagogical sense. A great chapter on jazz and funk musical recommendations rounds up the book.

Cette méthode ne fait pas le tour d’un style en particulier, mais s’intéresse aux fondations mêmes de votre jeu, vous permettant d’obtenir un jeu plus musical. Elle est accompagnée d’un CD incluant une centaine de pistes, ce qui aide à progresser quand la lecture devient difficile. Par contre, munissez-vous de lunettes, puisque les caractères sont très petits par endroits. La façon dont les polyrythmies sont expliquées témoigne d’une très bonne pratique pédagogique de la part de l’auteur. Il y a également un agréable chapitre portant sur des recommandations musicales de jazz et de funk.

book

livre

review

critique

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Most jazz drummers spend a great deal of time playing in small clubs where amplification isn’t needed. But when the show moves to a bigger venue and microphones are put in place, problems can arise. Over the years I’ve gathered some simple tactics that can make the engineer’s job easier without compromising the sound or feel of your drums.

La plupart des batteurs de jazz passent beaucoup de temps à jouer dans de petits bars sans amplification. Mais quand le spectacle passe à une plus grande salle et qu’on installe des microphones, il peut y avoir des problèmes. Avec les années, j’ai adopté des tactiques simples qui peuvent rendre la vie du sonorisateur plus facile sans compromettre la sonorité et l’effet de la batterie.

Les bons sonorisateurs ressemblent à de bons musiciens : ils savent s’accommoder de toutes les situations musicales. La plupart d’entre eux comprennent qu’avec le jazz, la grosse caisse n’est pas la voix principale de la batterie dans le mélange. On y va avec les cymbales en premier, la grosse caisse en dernier. Mais il arrive que vous tombiez sur un sonorisateur qui commence par le bas; eh bien, commençons par la grosse caisse.Il n’y a pas de trou dans la peau de la grosse caisse? Beaucoup de sonorisateurs ne comprennent pas. Plus le micro est enfoncé dans la grosse caisse, plus ils peuvent en contrôler la sonorité. Mais ce n’est pas la sonorité que nous recherchons. Donc, quelle est la solution? Offrez toujours une solution. Si vous vous contentez de croiser les bras en disant, « désolé, c’est ça mon son », il y a des chances que lui et vous croisiez le fer toutes la soirée. Mais, habituellement, le sonorisateur est cool et ouvert aux suggestions si vous l’êtes également.Donc, disons que le micro est placé à un pouce de la peau résonante. Vous frappez votre grosse caisse de 18 pouces parfaitement accordée et vous entendez un boom-oing qui fait vibrer toute la salle; vous savez que ça va rendre le bassiste complètement fou. À moins que vous aimiez une sonorité de grosse caisse assourdie, vous devez trouver une solution. Une première idée serait d’éloigner le micro de la peau résonante, mais certains sonorisateurs n’aiment pas faire cela. S’il insiste sur la proximité du micro, suggérez qu’il le place sur le côté battant. Oui, le côté battant! Personnellement, je n’aime pas que ma grosse caisse résonne trop longtemps; ma peau côté battant est moins vive que ma peau résonnante. Le problème est toujours réglé en mettant le micro de ce côté, d’autant plus que j’ai vu Peter Erskine le faire.S’il y a seulement deux micros d’ambiance qui captent le reste de la batterie (super, ils ont regardé ma feuille technique!), tout devrait être bon pour la caisse claire et les toms. Mais s’il y a des micros collés sur chaque tambour, ils amplifieront sans doute l’harmonique aiguë qui sonne après l’attaque initiale. Encore une fois, demandez à ce que les micros soient éloignés un peu. Mais si on vous répond de prendre le temps d’accorder vos tambours,

respirez profondément et sortez des morceaux de Moon Gel. Ne laissez personne vous dire que si vous saviez comment accorder vos tambours, vous n’auriez pas besoin de Moon Gel. Quand les micros sont placés très proche de la peau, de petits morceaux de Moon Gel judicieusement placés vont éliminer cette résonnance aiguë. Évidemment, si vous avez le temps, un réglage précis de chaque tambour donnerait un meilleur résultat. Mais avec le Moon Gel, vous n’avez pas à réaccorder les tambours, ils offriront la même sensation et tout le monde sera content. Les cymbales. Certains sonorisateurs voudront soutirer plus de fréquences aiguës de vos cymbales sombres ou même plus de contrôle en général. Si l’on assume qu’il y a un micro sur chaque tambour et que les micros d’ambiance serviront à amplifier les cymbales, demandez à ce qu’ils soient placés plus près. Vous obtiendrez plus de sonorité de baguette et moins de « shhhhh », ce qui égale plus de contrôle. Ceci est habituellement nécessaire lorsque la salle est très grande ou que vous jouez dehors.Le dernier problème possible est l’utilisation des équilibreurs durant le spectacle. Vous êtes dans une portion calme d’une chanson, frottant la caisse claire subtilement avec un contrôle impeccable et, tout d’un coup, vous entendez un bruit de statique sortir des haut-parleurs. Le sonorisateur est en train d’augmenter le volume de la caisse claire. Vous ne remarquerez pas cela dans une grande salle, mais cela vous rendra fou dans une petite salle. Avant le spectacle, faites savoir au sonorisateur que vous jouerez de façon très dynamique et que les moments calmes doivent le demeurer. Habituellement, ils comprennent. D’expérience, je peux dire que la plupart des sonorisateurs ont une très bonne oreille et sont prêts à travailler avec vous afin d’obtenir le meilleur son possible. J’ai eu la chance de travailler avec les meilleurs à Montréal et un peu partout dans le monde, et les astuces que je vous donne ont toujours rendu l’expérience à la fois positive et musicalement enrichissante. L’effort supplémentaire que vous mettez dans la sonorité de votre instrument est toujours bien apprécié.t.

Good sound engineers are the same as good musicians: they know what is needed in any musical situation. Most engineers will understand that in mixing a jazz band, the bass drum is not the leading voice of the kit. Cymbals first, bass drum last. If you do get an engineer that mixes from the bottom up, then we’ll start there. The bass drum.No hole in the kick. This will understandably freak out a lot of sound guys. The deeper the mic is in the drum, the more control in front. But that’s not the sound you’re going for. So, what’s the solution? Always offer a solution. If you just stand back and say, “Sorry man. That’s my sound”, chances are that you and the engineer will butt heads all night. Usually the engineer will be cool and open to suggestions if you are as well.So, let’s say the mic is placed 1” away from the resonant head. You finesse your perfectly tuned 18” bass drum and hear a room shaking boom-oing that you know is going to drive the bass player nuts. Now, unless you like a gated kick, you need to find a solution. The first could be backing the mic away from the resonant head, but some engineers aren’t into this. If they insist on getting close, suggest a placement on the batter side. Yes, the batter side. Personally, I don’t like my bass drum to sustain too long, so my batter head isn’t nearly as lively as the resonant. With a mic on this side of the drum, the problem is always solved. Besides, I’ve seen Peter Erskine do this.If only a couple of overheads are picking up the rest of the kit (Yes! They looked at my tech sheet!), everything should be fine for the snare and toms. But if mics are practically touching the heads on every drum, then you’re bound to hear that high ring after the attack. Once again, ask to back the mics off a bit. If they reply with, “Could you just take a

minute and tune your drums?”, take a deep breath and whip out the moon gel. Now, don’t let anyone tell you, “if you knew how to tune drums you wouldn’t need moon gel.” In close-miking situations, very small pieces placed in just the right spot get rid of that high ring. Now, if you had the time, fine-tuning would give the best results. But with this solution, you don’t have to re-tune your drums, they still feel the same and everyone is happy. Cymbals. Some engineers will want more highs out of your super-dark metal, or more control in general. If we assume that every drum is miked at this point and the overheads are now just for cymbals, ask to get the mics closer this time. You’ll get more stick sound and less wash, equalling more control. Usually, this only needs to be done in very big rooms or outdoors.The last possible issue is over-riding the faders during the performance. You come to a quiet section of the tune, sweeping the snare with incredible control and subtlety, and, all of a sudden, waves of television static sneak out of the speakers. The front house engineer is riding the faders, boosting the snare. You won’t notice this in a large venue, but it will drive you nuts in a smaller one. Before the show, let the engineer know that you’ll be playing with a lot of dynamics, and the quiet moments need to be quiet. It’s usually cool. From my experience, most engineers have great ears and are willing to work with you to achieve the best sound possible. I’ve had the pleasure of working with the best in Montreal and around the world, and these tips have always made the experience both positive and musically rewarding in the end. The extra effort you take to make your instrument sound great in front is always appreciated.

22 drums etc.

Gigging 101Ins and Outs of Playing Live

Spectacle 101 | Les tenants et aboutissants de la performance

book

livre

INDIAN RHYTHMS FOR DRUMSETBy Pete Lockett

review

critique

Anyone that has seen Pete play knows to what extent he finds inspiration in Indian rhythms, which he masters to perfection. This book is nicely thought out digest of the workings of these somewhat complex rhythms, and their adaptation to the drumset. Everything is intelligently explained, the sections on subdivisions in particular, with those syllables you pronounce when playing them, like mantras. There is also a glossary with phonetic pronunciation, and a description of every Indian rhythm style listed according to their geographic provenance. I strongly recommend this method to anyone wishing to stand out.

Ce DVD se veut assez pédagogique; un peu comme un cours de maître. Tous ceux qui ont déjà vu jouer Pete, savent à quel point ce multipercussionniste puise ses inspirations dans les rythmes indiens qu’il maîtrise à merveille. Ce livre est donc un condensé très réfléchi abordant ces rythmes un peu complexes, et leur transposition à la batterie. Tout y est savamment expliqué, notamment dans la subdivision des temps avec des syllabes à prononcer quand on les joue, tels des mantras. On y trouve également un glossaire sur toutes les prononciations phonétiques et la description de tous les styles de rythmes indiens en fonction de leur origine géographique. Je recommande vivement cette méthode à ceux qui veulent sortir de l’ordinaire.

LIVE FEEDBACKS’habituer à jouer sur scène prend du temps; il y a tellement de situations différentes. Je propose donc de

vous parler de mes tenants et aboutissants qui aideront les batteurs à faire leurs classes, ou qui serviront de rappel lorsque vous monterez sur scène.

PENSEZ AUX ÉLÉMENTS CASSANTSDans un spectacle, il arrive souvent que plusieurs batteurs doivent partager la même batterie. Quand

c’est le cas, il est important que vous apportiez vos propres éléments cassables, c’est-à-dire cymbales, caisse claire, baguettes et parfois une pédale de grosse caisse. La fixation de la cymbale supérieure du hi-hat est habituellement assez robuste, mais apportez en une au cas où.

DONC, TU VEUX EMPRUNTER MES BAGUETTES?Prêter des baguettes à un autre batteur peut parfois être une expérience troublante. De nos jours, les

baguettes sont dispendieuses et, comme une baguette magique, sont couvertes de poussière de phénix ou de poudre de dents de dragon. Cela dit, n’est-ce pas Hermione qui a prêté sa baguette à Harry qui a sauvé la situation. Donc, soyez gentil, aidez votre comparse. Je l’ai déjà fait et le pauvre batteur m’en a ensuite donné deux paires neuves.

LIVE FEEDBACKGetting used to playing live takes time; there are so many different situations that can arise. Here are some of

my ins and outs that will help drummers learn the ropes, or even serve as a quick refresher, for playing concert venues.

BREAKABLES: THAT WHICH BREAKSSharing one drum set is common practice at shows. When this is the case, bring your own breakables.

Intuitively, these are items that easily break. The definitive list includes cymbals, snare drum, drumsticks and, occasionally, the kick pedal. A hi-hat clutch isn't a delicate piece of gear, but it's important to bring one anyway, just in case.

SO YOU WANT TO BORROW MY STICKS?Lending sticks to a fellow drummer is mildly unsettling. Sticks are pricier than ever and, like a wand, are laced

with Phoenix ash or crushed dragon's tooth. That being said, Hermione lent her wand to Harry and he saved the day. So be a pal in dire straits – I did (once) and the offending drummer later bought me two new pairs.

LOUD AND PROUD...You want people to feel the beat; I get it. But if the venue is small and has poor acoustics, try laying an old

t-shirt or bandana over your snare and turn your cymbals down from '11'. This is called muting, dampening or being considerate. On this note, try reducing drum dynamics during verses or solos to make sonic space for what needs to be heard.

drums etc. 23

Gigging 101Ins and Outs of Playing Live

By/Par: Nick ShofieldTraduction: Jim Angelillo

SOUND CHECKING 101We covered breakables, but what's the back line? Amps, amps and more amps. Don't

crowd the stage with multiple bass rigs; start an email thread with the other bands beforehand to figure out who's bringing what.

Once you arrive at the venue, spot the character dressed in black and ask, "are you the sound tech?" Not sound guy, sound tech. I've worked with exceptional live sound technicians who are not sound guys and would take offence to this outdated, gendered job title. Now, befriend this person – introduce yourself, memorize their name and be patient because they are notoriously overworked, underpaid and in control of running the venue’s sound. It's ok to let them know about your monitoring preferences, who needs reverb and if the microphone is shocking the singer.

Bands sound check in reverse order of the show line up. If you're opening, you sound check last. This way the headliner is guaranteed enough time to test their lines and levels. Sound check is not a last minute rehearsal. Use this time to tackle sound issues like feedback, weird buzzing and faulty cables. If there's no time to sound check, start your set with a song in which each instrument enters separately to let the sound tech adjust levels on the fly.

STAGE BANTERYou can customize the atmosphere of the venue. Take a minute before people arrive to

adjust lighting, set up chairs or clear away tables depending on the intended vibe.

UNE QUESTION DE VOLUME...Vous voulez que les gens ressentent le rythme. C’est bien. Mais si la salle est petite et

l’acoustique est médiocre, mettez un vieux chandail sur votre caisse claire et frappez vos cymbales avec un peu plus de subtilité. Assourdir, atténuer, mettre la sourdine, tempérer, l’idée est d’être respectueux. Cela dit, essayez aussi de réduire le volume de votre jeu durant les couplets ou les solos afin de faire de la place pour ce qu’on a besoin d’entendre.

TEST DE SON 101Nous avons parlé de ce qui casse, mais n’oublions pas tout le reste : les amplis, les amplis

et encore des amplis. Il ne faut pas remplir la scène d’amplis de basse; communiquez avec les autres formations pour déterminer qui apporte quoi.

Une fois sur place, cherchez la personne responsable de la sonorisation. Une fois trouvée, devenez son ami; présentez-vous, mémorisez son nom et soyez patient, car il est très occupé, sous-payé et responsable de la réputation sonore de la salle. Vous pouvez lui donner vos préférences quant aux moniteurs de scène. Il doit savoir qui a besoin d’écho ou si le microphone du chanteur lui donne des chocs.

Les tests de son sont effectués dans l’ordre inverse du programme de la soirée. Si vous jouez en premier, vos tests de son se feront en dernier. De cette façon, la tête d’affiche est assurée d’avoir assez de temps pour tout tester et tout ajuster. Ce n’est pas le temps de pratiquer votre nouvelle pièce. Profitez-en pour déceler et régler des problèmes de feedback, de grésillement et de câbles défectueux. S’il n’y a pas de temps pour un test de son, commencez votre spectacle avec une pièce dans laquelle chaque instrument commence à un moment différent pour permettre au sonorisateur d’ajuster les niveaux à mesure.

Ideally, opening bands play shorter sets. Odds are folks can't wait for the headliner and overplaying is liable to tire out the crowd and reduce the chances of people coming back for seconds.

By the way, when is your next show? Mention it! Also mention your merchandise and invite fans to come say "hi" afterwards. Consider introducing your band mates and exclaiming your excitement for the headliner. Definitely give thanks to the venue and sound tech at the end of your set. I like to regularly look up from my kit and make eye contact with a few people in the crowd. Lastly, try smiling. It's surprisingly hard for drummers.

In closing, a few don'ts. Don’t draw attention to mistakes or technical snafus. Most often the audience won't notice anything is off unless you say so. Don’t spend too much time in setup and tear down. Setup and tear down as fast as humanly possible, if not faster. Clear your gear so the next band can takeover, then chat with friends and fans by the merch table.

THAT'S A WRAP!One final note, the audience picks up on body language. Enjoy yourself and they will too.

Let us know your tips for performing live. Tweet us @DrumsEtc and @Ndscho. Now go break a leg!

BADINAGEVous pouvez ajuster l’atmosphère de la salle. Avant que les gens entrent, prenez

quelques minutes pour ajuster l’éclairage, installer des chaises ou ôter des tables selon l’ambiance que vous espérez créer.

Idéalement, les formations en première partie offrent une prestation courte. Il est probable que le public attend impatiemment la formation en tête d’affiche et donc jouer trop longtemps risque d’exaspérer la foule, réduisant les chances qu’ils en redemandent.

En passant, c’est quand votre prochain spectacle? Dites-le! Parlez également des choses que vous vendez et invitez les gens à venir vous saluer après le spectacle. Vous pouvez également présenter les membres de votre formation et montrer votre enthousiasme pour la tête d’affiche. À la fin de votre prestation, remerciez la salle de spectacle et le gars de la sonorisation. Pour ma part, de temps en temps, je lève les yeux pour regarder les gens dans la salle. Et puis, essayez de sourire. Ça semble être particulièrement difficile pour les batteurs.

Avant de terminer, je vous laisse avec quelques choses à ne pas faire. N’attirez pas l’attention sur les erreurs ou les problèmes techniques. En général, le public ne remarque pas ces problèmes si l’on n’en parle pas. Ne passez pas trop de temps à monter et démonter vos choses. Faites-le le plus rapidement possible, particulièrement si un groupe joue après vous. Ensuite, allez voir vos amis et vos admirateurs.

C’EST TOUT!Enfin, n’oubliez pas que le public capte votre langage corporel. Amusez-vous et le public

en fera de même!

Faites nous part de vos suggestions pour la scène par le biais de Twitter @DrumsEtc et @Ndscho. Allez, bonne chance! .

24 drums etc.

THE MAGNIFICENT 7By Dusan Milenkovic

When I saw this book, I immediately thought I’d have a lot of fun. Indeed, Dusan Milenkovic, Serb drummer and teacher, friend of Marko Djordjevic, offers us a transcription of 14 solos from the greatest contemporary jazz drummers. This is one of those rare books that invite us into this fascinating universe. It’s a welcome change from the more traditional methods that don’t stray much from the beaten path, as if jazz had never evolved. Obviously, the book is aimed at very advanced drummers as some solos are veritable reading challenges. Inside, you’ll find a chapter per drummer, and two solos per drummer: Antonio Sanchez, Bill Stewart, Brian Blade, Eric Harland, Grégory Hutchinson, Jeff Watts and Lewis Nash. Each features an introduction and an overview of their discography. For any jazz fan and/or drummer.

Quand j’ai vu cet ouvrage, je me suis tout de suite dit que j’allais me faire plaisir. En effet, Dusan Milenkovic, batteur et pédagogue serbe et ami de Marko Djordjevic, nous livre ici une transcription de 14 solos des plus grands batteurs de jazz contemporains. C’est un des rares livres qui nous entraînent dans cet univers fascinant. Ça nous change des méthodes plus traditionnelles qui nous gardent toujours dans les mêmes balises, comme si le jazz n’avait pas évolué. Évidemment, ce livre est avant tout destiné aux batteurs très avancés et certains solos proposent de vrais défis côté lecture. Vous y trouverez un chapitre par batteur présentant 2 solos : Antonio Sanchez, Bill Stewart, Brian Blade, Eric Harland, Grégory Hutchinson, Jeff Watts et Lewis Nash. Avec pour chacun une introduction et un aperçu de leur discographie. Pour tout amateur et/ou batteur de jazz.

LA POSITION DU CORPS

As many drummers use different stick grips, many drummers place themselves differently behind their kits. We all have a different body type; therefore there isn’t one correct way to sit. There is no written law that governs seat height, seat distance or the arrangement of your instruments around you (yet we have to keep in mind that medical journals and years of scientific research about the body does suggest and come to conclusions about proper form). That being said, these factors will make a big difference in your playing. I have tried and tested different things over the years to find the best set up for me to efficiently play my set. Here is what I have learned.

Let’s start from the ground up: your feet, your legs and your butt. The last being your very important center of gravity now. That's why it’s important to have a stable throne, one that does not waddle around. You want your butt and hip flexors to be well anchored so you can concentrate on the action of hitting, not the actions of hitting and stabilizing the rest of your body. It is very important to choose a sitting position that feels comfortable and natural to you. I choose to sit at the same height as most of the chairs I’ve sat on in my life. So that means the top of my legs at a slight angle downwards towards my knees, and my lower legs are at a slight angle away from my body. I want to hit down and away for maximum power, control and balance. My feet are angled outwards as well – right foot northeast, left foot northwest. I wouldn’t

So maybe it’s not the best term for your body’s position behind the drum kit, but as long as we understand the importance of the fulcrum to your stick grip we can talk about the importance of proper positioning behind the drums.

Parlons de l’importance d’une bonne position derrière la batterie. Comme les batteurs utilisent différentes prises de baguettes, ils se placent de différentes façons derrière la batterie. Nous avons tous un type de corps différent et donc il n’existe pas une seule bonne manière de s’assoir. Il n’y a pas de loi qui règlemente la hauteur du siège, sa distance ou le placement de vos instruments autour de vous (nous ne pouvons toutefois pas négliger ce que suggèrent les journaux médicaux et des années de recherche scientifique sur le corps et sa position correcte). Cela dit, ce sont des facteurs qui affecteront beaucoup votre jeu. Avec le temps, j’ai essayé et testé plusieurs options avant de trouver celle qui me permet de jouer ma batterie le plus efficacement. Voici ce que j’ai appris.

THE BODY FULCRUM

book

livre

review

critique

drums etc. 25

By/Par: Flo MounierTraduction: Jim Angelillo

Commençons par le bas, soit les pieds, les jambes et le postérieur. Ce dernier est super important, car il est votre centre de gravité. C’est pourquoi il est important d’avoir un siège stable qui ne vacille pas. Vous voulez que votre postérieur et les fléchisseurs des hanches soient bien ancrés pour que vous puissiez vous concentrer sur l’action de frapper des tambours et non sur la stabilisation de votre corps. Il est primordial que vous choisissiez une position assise que vous trouvez confortable et naturelle. Personnellement, je m’assois à la même hauteur que la plupart des chaises que j’ai utilisées dans ma vie. Ça veut dire que mes cuisses sont en pente très légère vers les genoux et mes jambes forment un léger angle s’éloignant de moi. Je veux frapper à la fois vers le bas et l’extérieur pour le plus de puissance, de contrôle et d’équilibre possible. Mes pieds forment également un angle, le droit vers le nord-est et le gauche vers le nord-ouest. Je ne serais pas confortable si mes deux pieds pointaient droit devant; mes grosses caisses sont placées dans le même angle que mes pieds. Si je joue avec une pédale double, ma grosse caisse ne sera pas dirigée tout droit vers l’avant. Oui, cela semble étrange, mais c’est le confort qui prime. Lorsqu’un batteur n’est pas détendu et confortable, le son qu’il produit reflète cette maladresse.

Il y a habituellement deux types de joueurs de grosse caisse, simple ou double, et de hi-hat : ceux qui utilise leurs chevilles à vitesse élevée et ceux qui utilisent davantage leurs jambes. La majorité du temps, j’utilise mes chevilles. Je veux être en mesure de lever ou poser mes talons le plus facilement possible. Si je m’assois trop bas, il sera difficile pour moi de les lever. Si je suis assis trop haut, il sera difficile de les poser sur le sol. Mais si je veux utiliser principalement mes jambes, dans ce cas je vais m’assoir plus haut pour alléger le stress qui affecte les fléchisseurs de mes hanches. Enfin, pour tout mouvement exigeant, je ne recommande pas d’avoir les genoux plus élevés que votre taille.

feel comfortable if my feet were pointed directly north in front of me; therefore, my bass drums are angled as such. If I play with a double pedal, from the front of the kit my right bass drum will be at an angle and not directly straight. Yes, it looks weird, but comfort is more important. When a player isn’t relaxed and comfortable his or her sound will reflect this awkwardness.

For double bass drum work, or even just single bass drum and hi hat movement, there are usually two types of players: the ones that use ankles at high speeds and the ones that use more legs. I use ankles for speed a lot of the time. I want to be able to put my heels up or down on the footboard in an easy and effortless manner. If I sit too low, heels up will be a stretch. If I sit too high, heels down will be difficult. If I were to use mostly legs at a high speed, then I would want to choose a higher seat position to alleviate stress on my hip flexors. I basically do not recommend that your knees should ever go higher then your waistline in any rigorous movement.

This very quickly sums up the bottom half of my positioning. For the top half, things get even simpler. I want to be able to have everything I hit placed around me in a way where nothing is a stretch. Remember, comfortable and relaxed. It is quite imperative for longevity that your back be as straight as possible when playing. A lot of drummers tend to hunch over their sets, usually because parts of their set-ups are not at a comfortable, reachable distance. Bring things closer to you or further away to attain that perfect balanced sweet spot in your hits. Then, when you play at 300+ BPMs, or any tempo for that matter, you’ll find that things aren’t so challenging.

My toms and cymbals are placed around the center point of the kit, which happens to be the snare drum. My rack toms are never positioned in a straight line, they kind of flow around the snare in a half circular fashion. Here is a visual: my snare is like an egg sitting in an upside down nest of toms and cymbals.

This is your cockpit, your battle station. You have to be in control in order to give your best performance on a consistent basis. Make it as efficient for yourself as possible through proper positioning – the body fulcrum. Use common sense in your set up and things will begin to make sense for your playing.

Voilà qui résume brièvement la position du bas de mon corps. Pour le haut, c’est encore plus simple. Je veux que tout ce que je frappe soit placé autour de moi de façon à ce que je ne doive jamais m’étirer. Rappelez-vous les mots clés : confortable et détendu. Il est essentiel que votre dos soit bien droit lorsque vous jouez si vous voulez demeurer en forme longtemps. Beaucoup de batteurs jouent le dos arrondi, penchés sur leur batterie, et c’est habituellement parce que les éléments de l’instrument ne sont pas placés à une distance confortable et atteignable. Rapprochez ou éloignez vos tambours et vos cymbales jusqu’à ce que vous trouviez l’équilibre parfait. Et quand vous jouerez à plus de 300 BPM, ou à n’importe quel autre tempo, ça ne paraitra pas aussi laborieux.

Mes toms et mes cymbales sont placés autour du point central de ma batterie, la caisse claire. Mes toms ne sont jamais placés en ligne droite; ils forment plutôt un demi-cercle autour de ma caisse claire. Ma caisse claire est comme un œuf posé dans un nid de toms et de cymbales.

C’est votre poste de pilotage, votre poste de commande. Vous devez être en contrôle pour jouer de votre mieux à chaque fois. Rendez votre tâche la plus efficace possible en adoptant une bonne position corporelle. Soyez logique dans le placement de votre batterie; votre jeu s’en portera d’autant mieux.

26 drums etc.

I play video games. Most of my students do too. In some ways, video games act as our competition – if our students put the hours into drumming that they put into gaming, they’d be awesome drummers. On the other hand, games are fun, have been with us for millennia and are not going away anytime soon. We can use gaming to our advantage and leverage what’s captivating about it to motivate our students.

J’aime les jeux vidéo. La plupart de mes élèves aiment ça aussi. À certains égards, les jeux vidéo sont notre compétition; si nos élèves mettaient autant d’heures derrière la batterie qu’ils en mettent dans leurs jeux, ils seraient des batteurs exceptionnels. Mais en même temps, jouer à des jeux est plaisant, d’autant plus qu’on joue à des jeux depuis des millénaires et ils ne sont pas près de disparaître. Nous pouvons utiliser ce qui nous captive dans les jeux vidéo pour motiver nos élèves.

GamingDrum Education

La batterie et

les jeux vidéo

book

ROCK SOLID: A SYSTEMATIC APPROACH FOR LEARNING ROCK DRUMSETBy Liberty De Vitto and

Sean j. Kennedy

review

livrecritique

Liberty De Vitto is the legend behind Billy Joel. He is an endearing, authentic and sincere drummer. So it isn’t a surprise that this book reflects that. Rock Solid is a step-by-step guide introducing rock drumming to beginners. There is a chapter on the rudiments, on reading and on coordination. The book is also aimed at drummers wanting to improve their musicality. The CD contains over 5 hours of music that will make you think you are playing with a band; the possibilities are endless with that many tracks. In fact, it’s a 10-musician band. Pure candy! This one is great for those who don’t play with other musicians.

Liberty De Vitto est la légende derrière Billy Joel. Un batteur attachant, vrai et sincère. Pas étonnant, donc que cet ouvrage lui ressemble. Un guide pas-à-pas qui permettra aux débutants de se familiariser avec le rock. On y trouve un chapitre sur les rudiments, la lecture et la coordination. Ce livre s’adresse également à ceux qui désirent améliorer leur musicalité. Le CD contient plus de 5 heures de musique qui vous donnera l’impression de jouer avec un vrai groupe tellement le nombre de pistes offre de possibilités. Le groupe en question ne pas moins de 10 musiciens. Du bonbon. Une excellente méthode pour ceux qui n’ont pas la chance de jouer avec d’autres musiciens.

According to research conducted by XEODesign (www.xeodesign.com), there are four kinds of game fun: easy fun, hard fun, people fun and serious fun. When I explain the meaning of this to my drum students, they understand immediately. When I put that meaning into a drum context, students experience an aha moment – they understand that learning drums is not limited to one kind of fun. If a student gets frustrated working on a difficult musical passage or technical challenge, I remind

them that this is hard fun, and they get it – they’re up against the boss or final level. After reflecting on my teaching practice from this perspective, I realized I was focusing too much on hard fun. I have since struck a better balance and have had only positive results.

I will now explain the four kinds of fun and how you can use those ideas to connect and inspire your students.

Selon des recherches effectuées par XEODesign (www.xeodesign.com), il y a quatre types d’amusement : amusement facile, amusement difficile, amusement à plusieurs et amusement sérieux. Lorsque j’explique cela à mes élèves de batterie, ils comprennent immédiatement ce que je veux dire. Lorsque je transpose cette compréhension dans le contexte de la batterie, les élèves réalisent qu’apprendre à jouer la batterie ne se limite pas à un type d’amusement. Si un élève se frustre en travaillant sur un passage musical ou technique

difficile, je lui rappelle que c’est de l’amusement difficile et il comprend; il est rendu au dernier niveau. Ayant réfléchi sur mon enseignement selon cette perspective, j’ai réalisé que je me concentrais trop sur l’amusement difficile. Depuis, j’offre un enseignement plus équilibré et je n’ai que des résultats positifs.

Je vais vous expliquer ce qu’impliquent les quatre types d’amusement et comment vous pouvez les utiliser pour allumer et inspirer vos élèves.

drums etc. 27

By/Par: David CronkiteTraduction: Jim Angelillo

Easy Fun

Think of bursting bubble wrap: repetitive, hypnotic and enjoyable. Easy fun encourages exploration, curiosity, ambiguity and anything that keeps the player’s attention. Video games like Myst, Halo, Splinter Cell and Civilization embody easy fun.

Drum lessons can include easy fun in the following ways: 1) Encourage the student to explore ranges of sound using mallets, brushes, wire whisks, broken cymbals, computer sounds, etc. 2) On an electronic kit, dial up a funky drum patch and allow the student to explore hidden sounds 3) Play an audio loop that has ambiguous or repetitive tempos and allow soloing 4) Use a beat the student knows well and have them apply it to a wide range of song styles and tempos 5) See how long the student can maintain a groove without altering it – 5 minutes, 10 minutes, 20 minutes?

Hard Fun

Think of overcoming obstacles and feelings of frustration and fiero (Italian for personal triumph). When I explain

Amusement facile

Pensez à faire éclater les bulles d’un emballage à bulles; c’est répétitif, hypnotique et agréable. L’amusement facile encourage l’exploration, la curiosité, l’ambigüité et tout ce qui capte l’attention de l’élève. Les jeux vidéo comme Myst, Halo, Splinter Cell et Civilization incarnent l’amusement facile.

Les leçons de batterie peuvent intégrer l’amusement facile comme suit : 1) Encouragez l’élève à explorer toutes sortes de sonorités en utilisant des mailloches, des balais, des fouets de fil métallique, des cymbales cassées, des sonorités produites par ordinateur, etc.. 2) Sur une batterie électronique, sélectionnez un ensemble de sonorités funky et laissez l’élève les explorer. 3) Faites jouer une boucle au tempo ambigu ou répétitif et laissez l’élève improviser dessus.4) Utilisez un rythme que l’élève connaît bien et faites le lui jouer sur une variété de styles musicaux et de tempos.5) Voyez pendant combien de temps l’élève peut jouer un rythme sans le modifier, 5 minutes, 10 minutes, 20 minutes?

Amusement difficile

Pensez à comment on surmonte des obstacles et des sensations de frustration et le fiero (triomphe personnel en italien). Lorsque j’explique ce qu’est le fiero à mes élèves, je

fiero to my students, I throw my fist into the air and shout: “Yes!” They smile and nod knowingly. Hard fun rewards players with feedback or tracks their progress with charts. Strategies for dealing with obstacles are an important part of hard fun. Video game examples include: Top Spin Tennis, Mario Kart and The Sims.

Drum lessons are full of potent examples: 1) Chart rudiments for speed and correctness of technique2) Practice routines focused on key aspects of drumming (like a piano study) 3) Charts that track a player’s speed4) Challenging beats requiring long practice5) Most of what we teach!

It is easy to come up with hard fun drumming examples; it is far more challenging to balance it out with material from the other three kinds of fun, which I recommend doing.

Serious Fun

Excitement and relief, internal states and a sense of meaning and purpose dominate this category. Reasons for playing include relief of boredom, feeling good about oneself and becoming skilled at something that matters.

lève mon poing dans les airs et je cris « oui! ». Ils sourient, comprenant tout de suite l’émotion. L’amusement difficile récompense les joueurs avec un retour d’information ou traque leur progrès à l’aide de graphiques. Les stratégies pour surmonter des obstacles sont une part importante de l’amusement difficile. Des exemples de jeux vidéo : Top Spin Tennis, Mario Kart et The Sims.

Les leçons de batterie sont remplies d’exemples convaincants : 1) Organiser les rudiments pour la vitesse et une technique correcte.2) Répéter des exercices qui se concentrent sur les aspects clés du jeu à la batterie (comme une étude au piano).3) Faire des graphiques qui suivent la vitesse d’un élève.4) Répéter des rythmes difficiles nécessitant beaucoup de temps.5) Dans le fond, pas mal tout ce qu’on enseigne!

Il est facile de trouver des exemples d’amusement difficile pour la batterie, mais il est plus difficile d’équilibrer le tout avec de la matière des autres catégories, ce que je recommande que vous fassiez.

Amusement sérieux

L’excitation et le soulagement, les états intérieurs et le sentiment d’avoir du sens dans sa vie et une raison d’être, voilà ce qui domine cette catégorie. Les raisons de jouer comprennent le soulagement de l’ennui, se sentir bien et acquérir des habiletés qui importent.

The drum connection: 1) Play songs the student loves 2) Sight read with an emphasis on moving through many pieces with minimal corrections 3) Prep for a live performance 4) Jam sessions 5) Warm up with material the student is skilled at

People Fun

Many gamers will play a game solely because their friends are playing it. Musicians stay in the game because of the audience and fellow musicians. I encourage all of my students to be in a band if possible; that is where their skills will improve the most.

In a private teaching setting, people fun can be helped by: 1) Jamming 2) Duets 3) Play piano, snare or mallet. Piano recitals 4) Group lessons 5) Tommy Igoe’s Great Hands for a Lifetime, published by Hudson Music, features group routines, which are fantastic to play along with.

Voici comment ça se traduit pour la batterie : 1) Faites jouer des chansons que l’élève aime. 2) Faire de la lecture à vue en mettant l’emphase sur lire le plus de pièces avec un minimum de corrections. 3) Se préparer pour un spectacle. 4) Sessions d’improvisation. 5) Faire les réchauffements avec des exercices pour lesquelles l’élève est habile.

Amusement à plusieurs

Beaucoup de joueurs de jeux vidéo jouent à un jeu simplement parce que leurs amis y jouent. Pareillement, les musiciens demeurent branchés à cause de l’auditoire et de collègues musiciens. J’encourage tous mes élèves à se joindre à une formation musicale; c’est dans ce contexte que leurs habiletés s’amélioreront le plus.

Dans un contexte de leçons privées, l’amusement à plusieurs peut prendre différentes formes : 1) Improvisation.2) Duos.3) Jouer le piano, la caisse claire ou les mailloches. Récitals de piano. 4) Leçons de groupe. 5) Great Hands for a Lifetime, de Tommy Igoe, publié par Hudson Music, comprend des numéros de groupe qui sont plaisants à accompagner.

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produits

products

vicfirth.com

loscabosdrumsticks.com

Vic Firth

Stick legend Vic Firth introduced a few new products this year. First, the new carbon fibre (!) Titan stick is said to be extremely durable, and very consistent in weight and pitch. Second, the Shogun stick series is back, made from Japanese white oak, which is denser than hickory. Third, the HingeStix is a learning tool created by musician, clinician and author Sam Ruttenberg, meant to helps students effortlessly feel the natural rebound of the drumstick. And finally, to protect your ears, Vic Firth proposes its High-Fidelity earplugs, which reproduce sounds exactly as the ear would hear them , only quieter.

Los Cabos

Hailing from New Brunswick, Canada, drumstick maker Los Cabos just might have the tools you need. For 2014, the company is offering four new models. These are the hickory Richie Ramone Signature and 2B Nylon Tip models, and the maple Swing and Jive models. Give them a try. You might be surprised!

La légende des baguettes Vic Firth a lancé plusieurs nouveaux produits cette année. Premièrement, il y a la nouvelle baguette de fibre de carbone Titan qui est extra durable et hyper constante tant au point de vue du poids que de la hauteur tonale. Deuxièmement, il y a la série de baguettes Shogun, fabriquée à partie de chêne blanc japonais, plus dense que le noyer. Troisièmement, il y a le HingeStix, un outil d’apprentissage créé par le musicien, éducateur et auteur Sam Ruttenberg, afin d’aider les élèves à mieux ressentir le rebondissement naturel d’une baguette. Et enfin, pour protéger vos oreilles, Vic Firth propose ses bouchons High-Fidelity qui reproduisent les sons exactement comme les oreilles les entendent en temps normal, mais moins fort.

Basé au Nouveau-Brunswick, le fabricant de baguettes Los Cabos a probablement les outils dont vous avez besoin. L’entreprise offre quatre nouveaux modèles pour 2014, soit les baguettes de noyer Richie Ramone Signature et 2B Nylon Tip, et les baguettes d’érable Swing et Jive. Essayez-les. Vous pourriez être surpris!

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directmusicsupply.com

ayottedrums.com

Regal Tip

Jason Sutter, known for playing for Marilyn Manson, has partnered with Regal Tip to create and launch his own signature stick and brushes. The stick features a larger tip than Regal Tip’s 8A and 9A with a shaft that combines the 5BX and 7b, resulting in a long and well-balanced stick. The brush, called The Sutter, was created for the versatile modern drummer.

Ayotte

Here’s a company everyone knows from the drums they build, but they also make sticks. Made in Bedford, Quebec, from hickory and rock maple harvested in the region, Ayotte brings drumsticks into the “buy local” ethos (at least if you live in Quebec!). In addition to the standard 7A, 5A, 5B and 2B sizes, the company offers designs specially created for Jazz, Funk and Blues/Shuffle.

Jason Sutter, connu pour avoir joué avec Marilyn Manson, a collaboré avec Regal Tip pour créer une baguette et un balai arborant son nom. La baguette a une pointe plus grosse que celle qu’on trouve sur les baguettes 8A et 9A de Regal Tip avec un manche combinant les 5BX et 7b. Il en résulte une longue baguette bien équilibrée. Le balai, nommé The Sutter, a été conçu pour le batteur moderne polyvalent.

Voici une entreprise que tout le monde connaît pour ses tambours, mais elle fabrique également sa propre gamme de baguettes. Fabricant ses baguettes à Bedford, au Québec, à partir de noyer et d’érable cueilli dans la région, Ayotte vous offre la chance d’acheter un produit entièrement local (du moins si vous vivez au Québec!). En plus des modèles standards, soit 7A, 5A, 5B et 2B, le fabricant offre également des modèles conçus pour des styles musicaux en particulier comme le jazz, le funk et le blues.

HERE’S TO 50 YEARS OFGAME-CHANGING MOMENTS.AND ALL THE NEW ONES TO COME.

©2013 VIC FIRTH COMPANY

Chris FryarZAC BROWN BAND

Thanks for sharing all your game-changing moments with us and for making our 50th Anniversary a great one.

Joseph’s photo courtesy of Guido Mandozzi

JOSEPH RUSSOMANO “SEIZE THE OPPORTUNITY”Joseph’s mother pushes him to attend a STOMP audition rather than race to his stepdad’s side after a heart attack. Joseph gets the gig, bringing much needed good news to the family, and ultimately it alters the entire course of his life.

Congratulations Joseph! Enjoy your 50-year supply of Vic sticks and all your other great prizes.

VIC GRAND PRIZE WINNER!

Check out Joseph’s video and all the game-changing stories at VICFIRTH50.com

lukapercussion.com

Luka

Luka Percussion, based near Quebec City, manufactures beautiful instruments and durable hickory sticks. They have recently launched a new series of 7A sticks, which measure 16 5/16 inches for better balance and control. These accompany their traditional 5A and 5B stick series. All feature Luka’s ultra grip, which helps reduce hand fatigue and optimize control.

Innovative Percussion

Innovative Percussion’s Legacy Series features the classic teardrop tip used by drummers for over a century. The L7A, L5A, L5AL, L5B, L5BL and L1A models are joined by the L3A and L8A, which are built with a barrel tip. Innovative Percussion also introduces its DSB-2 Synthetic Leather Stickbag with 6 interior pockets that accommodate all the tools a busy drummer needs.

Luka Percussion, situé sur la rive sud de Québec, fabrique de très beaux instruments et des baguettes de noyer durables. L’entreprise a récemment lancé une nouvelle série de baguettes 7A, mesurant 16 5/16 pouces pour un plus grand équilibre et un meilleur contrôle. La nouvelle série s’ajoute aux séries de baguettes traditionnelles 5A et 5B. Toutes les baguettes possèdent l’ultra grip qui aide à réduire la fatigue des mains et améliore le contrôle.

La série de baguettes Legacy d’Innovative Percussion fait usage de la pointe en forme de goutte utilisée par les batteurs depuis plus d’un siècle. Il y a les modèles L7A, L5A, L5AL, L5B, L5BL et L1A auxquels s’ajoutent les modèles L3A et L8A, avec une pointe en forme de baril. Innovative Percussion offre également l’étui de baguettes en cuir synthétique DSB-2 avec six pochettes intérieures 6 accommodant tous les outils du batteur occupé.

innovativepercussion.com

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©2013 VIC FIRTH COMPANY

Chris FryarZAC BROWN BAND

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JOSEPH RUSSOMANO “SEIZE THE OPPORTUNITY”Joseph’s mother pushes him to attend a STOMP audition rather than race to his stepdad’s side after a heart attack. Joseph gets the gig, bringing much needed good news to the family, and ultimately it alters the entire course of his life.

Congratulations Joseph! Enjoy your 50-year supply of Vic sticks and all your other great prizes.

VIC GRAND PRIZE WINNER!

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daddariocanada.com

goldenhawkimports.com

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Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

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Rohema Percussion

Manufacturing musical instruments since 1888, Rohema Percussion offers 8 different drumstick lines: Classic Series, Natural Series, Rock Series, Rounded Tip Series, Traditional Series, Hornwood Series, Hornbeam Series and Concert Series. The unique thing about these sticks is that they are made from 5 types of wood: American Hickory, Hornwood, Hornbeam, Rosewood, and Ebony.

Pro-Mark

Pro Mark has recently introduced its new Select Balance line of drumsticks. Drummers can now choose from either forward or rebound balance in five diameters, accommodating all playing styles. Made from durable hickory, they feature teardrop tips. As Pro Mark Product Specialist Rob Caniglia says, “ now the balance of power is in drummers’ hands.”

Fabriquant des instruments de musique depuis, Rohema Percussion offre huit séries de baguettes : Classic, Natural, Rock, Rounded Tip, Traditional, Hornwood, Hornbeam et Concert. Contrairement à la plupart des autres fabricants de baguettes, Rohema fabrique les siennes à partir de 5 essences de bois différentes : noyer américain, hornwood, charme, palissandre et ébène.

Récemment, Pro Mark a lancé sa nouvelle série de baguettes Select Balance. Les batteurs peuvent maintenant choisir entre deux types d’équilibre et cinq diamètres, accommodant tous les styles de jeu. Fabriquées de noyer durable, leur pointe est en forme de goutte. Comme le dit le spécialiste de produit de Pro Mark, Rob Caniglia, « l’équilibre est maintenant entre les mains du batteur. »

goldenhawkimports.com

headhuntersdrumsticks.com

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daddario.com

HELP ME ACHIEVE THE

I NEED FOR LIVE SHOWSOR IN THE STUDIO

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JOHNNY ANDREWS

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Silverfox

Silverfox is a boutique stick maker that uses only hand selected logs, which are thoroughly dried, virtually eliminating warping and cracking. Silverfox sticks are partly made by hand, but are matched using a computerized process. They are hand finished with a patented product called Duracrylx, which is harder than lacquer and, according to Silverfox, makes drumsticks last longer than any other stick..

Headhunters

Headhunters, known for its innovative grooved sticks, now offers a new grip for its series of bundled rods. The Grip Control features a criss-cross double texture feel, which relaxes the grip without loosing control of your groove. The Grip Control is featured on the Spliffs (11 bamboo dowels around a solid birch dowel), the Doobies (12 birch dowels around a solid birch dowel), the Reefers (6 birch dowels around a solid ABS rod) and Crossovers (a cross between a drum stick and a bundled rod).

Silverfox est un petit fabricant de baguettes qui n’utilise que des buches de bois savamment choisies et minutieusement séchées afin d’éliminer le gauchissement et le craquellement. Les baguettes Silverfox sont faites en partie à la main, mais sont jumelées selon un procédé informatisé. Elles sont finies à la main avec un produit breveté nommé Duracrylx, plus dur que la laque et qui, selon Silverfox, fait durer les baguettes plus longtemps que n’importe quelle autre marque.

Headhunters, connu pour ses baguettes striées, offre maintenant une nouvelle poignée pour ses séries de tiges groupées. Nommée Grip Control, elle forme une texture croisée qui contribue à détendre les mains sans que vous perdiez le contrôle de votre groove. On trouve la poignée Grip Control se trouve sur les Spliffs (11 douves de bambou autour d’une douve de bouleau), les Doobies (12 douves de bouleau autour d’une douve de bouleau), les Reefers (6 douves de bouleau autour d’une tige d’ABS) et les Crossovers (un mélange de baguette de batterie et de tiges groupées).

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Six years ago, after searching for a particular sound in a cajon – he wanted a wide dynamic range with a lot of bass and warmth – he decided to start making his own.

Starting with several prototypes, Eric experimented with different thicknesses of wood for the frame and the tappa. He also experimented with the internal bracing to maximize the projection of his cajons, while maintaining lightness. He makes cajons in several sizes, suitable for even the smallest of players, and has lines for women and children.

Always trying to improve his product and production techniques, he strives to find the little extra spark to help his cajons bring something unique to the table. Sound aside, Eric takes an interesting approach to the visual aspect of his instruments. He uses screen-printing techniques in his cajon production. This allows him the ability to add fun and interesting graphics – anything from a subtle logo and a retro cassette deck to spaceships and steam punk looking gears.

Despite the name, cajons aren’t all Eric has up his sleeve. He’s been working hard on a line of smaller percussion instruments – shakers, tone blocks and even a wood block combined with a shaker.

If you’re looking for a new addition to your percussion arsenal, these instruments are a fantastic choice. Custom orders are encouraged. Eric wants to be sure you get the perfect cajon or percussion instrument for your playing and musical needs.

A new website and online store will be coming soon, but in the meantime feel free to contact Eric directly via email, phone or his Facebook page .

Il y a six ans, après avoir fait des recherches pour trouver une sonorité particulière de cajon (il voulait un grand éventail dynamique avec beaucoup de basse et de chaleur), il décidé de fabriquer les siens.

Commençant avec quelques prototypes, Éric s’est mis à expérimenter avec différentes épaisseurs de bois pour la structure et le tappa. Il a également travaillé le barrage intérieur afin de maximiser la projection de ses cajons, tout en maintenant leur légèreté. Il fabrique des cajons de différentes grandeurs, certains accommodant les plus petits percussionnistes d’entre nous, en plus de séries destinées aux femmes et aux enfants.

Toujours en train d’améliorer son produit et ses techniques de production, il s’efforce de trouver le petit détail qui fera ressortir ses cajons. Mis à part leur sonorité, Éric propose une approche intéressante quant à l’aspect visuel de ses instruments. Il utilise des techniques de sérigraphie qui lui permettent de rendre ses cajons amusants et visuellement intéressants. Ça peut être un logo subtil, un lecteur de cassettes rétro, des vaisseaux spatiaux ou bien des engrenages d’allure steam punk.

Malgré ce que dit le nom de l’entreprise, Éric n’a pas que des cajons à proposer. Il travaille fort au développement de petits instruments de percussion comme des shakers, des blocs et même un bloc combiné à un shaker.

SI vous désirez ajouter un nouvel instrument à votre arsenal percussif, ces instruments constituent un choix fantastique. Les commandes sur mesure sont encouragées, car Éric veut s’assurer que vous achetiez le cajon ou l’instrument de percussion parfait pour vos besoins musicaux.

Un nouveau site Web et une boutique en ligne devraient voir le jour bientôt, mais en attendant, n’hésitez pas à contacter Éric directement par courriel, téléphone ou par le biais de sa page Facebook.

Eric Proulx, the son of a cabinetmaker, has been surrounded by the craft of woodworking his entire life. He started early, already creating things by the fourth grade. It’s no wonder he grew up with a passion.

Éric Proulx, fils d’ébéniste, a vécu une vie entourée d’objets liés au travail de son père. Il a commencé tout jeune à travailler le bois, créant déjà des choses dès la quatrième année. Sa passion n’est donc pas surprenante.

www.facebook.com/lescajonsdericlescajonsderic@gmail.com

(514) 583-3077

Cajonsd'Éric(Eric's Cajons)

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By/Par: Aaron EdgarTraduction: Jim Angelillo

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