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PERUGINO “Cristo Entregándole las Llaves a San Pedro”. 1481-82

Fresco

Pintura al fresco donde la escena se organiza en torno a un vasto espacio en forma de plaza deperspectiva interminable, donde figuras y arquitecturas se ordenan equilibradamente. Lacomposición, de rigurosa simetría a ambos lados de un eje central, se articula en cuatro planos:

- en el primero se localiza el tema principal: Cristo haciendo entrega de las llaves de laIglesia a San Pedro -arrodillado-, como símbolo del poder y autoridad del Papa.

- En el segundo otros dos grupos de figuras de menor tamaño para subrayar los efectos

de perspectiva, representan el pago del tributo – a la izquierda, y, con mayor dinamismoy movimiento, los intentos de lapidación a Cristo, a la derecha.- El tercer plano está ocupado por tres arquitecturas que presiden la plaza En el centro un

edificio de planta centralizada con una cúpula típicamente renacentista y, a cada lado, unarco de triunfo como referencia a la antigüedad. La plaza está embaldosada creándosediversas líneas de fuga y grandes efectos de profundidad. El espacio de la plaza subrayala idea de perspectiva lineal a través del pavimento, simetría por la cual la composición aldoblarla por la mitad convergería en los mismos puntos.

- El paisaje ocupa el plano del fondo. Lo forman unos árboles típicos de Umbría que, juntoa unas montañas decrecientes, cierran el escenario.

En esta obra se puede observar el naturalismo de las formas y de los cuerpos como principio de

belleza sensible, aquí todos los miembros del cuerpo entran en juego con un movimientocaracterístico de cada personaje. Los cuerpos están proporcionados y todas las partes están enfunción de un todo, cada movimiento de un miembro afecta todas las partes estableciendo así elprincipio de euritmia. También se puede notar el estudio minucioso del cuerpo humano y para lasvestimentas, donde todo se trata de colocar perfectamente para no desequilibrar la obra. Elartista trata de imitar a la naturaleza, aunque el modelo de esta obra no es un referente real. Elartista aporta la belleza a esta obra dada por una armonía cromática y en la armonía de lasproporciones sujeto por la objetividad de las leyes matemáticas y geométricas, donde se trata dehallar el canon ideal de la figura humana para convertir sus proporciones en absoluta belleza.

Otro aspecto de la belleza en esta obra está en el espacio y la perspectiva, la perspectiva comométodo para representar una realidad tridimensional, y hacerlo lo más claramente posible en unasuperficie bidimensional. En esta obra se puede notar el espacio en donde se dispones las cosas

como un elemento infinito, continuo y homogéneo. La línea de horizonte y el punto de fuga seencuentran detrás del edificio central en donde convergen todas las líneas perpendiculares uoblicuas que se proyectan imaginariamente una y otras visibles, de los objetos y personas.

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También puede notarse el escorzo, que es característica de la perspectiva, donde los objetosmás alejados del primer plano se ven de una tamaño menor con respecto a los que estáncolocadas en el primer plano, prueba de ello son las figuras humanas en esta obra. La sensaciónde lejanía se marca también mediante el desdibujamiento y la pérdida de intensidad cromática delas figuras del fondo y sobre todo de las montañas, dando como resultado un efecto atmosféricoque se acerca más a la realidad creando aquel ideal de belleza sensible marcado por el

naturalismo de la obra.

Las figuras expresan ese aspecto elegante y blando que caracteriza la obra de Il Perugino,destacando el empleo de un brillante color y una iluminación acertada. La luz inunda el paisaje, laescena y los monumentos y los colores son límpidos y suaves.

La obra forma parte de la decoración de la Capilla Sixtina (pared norte) y es obra de PietroVannucci IL PERUGINO quien realizó este fresco hacia 1481-1482.

Perugino parece ser que se forma en Florencia con Verrocchio y con Piero della Francesca,llegando a una nueva concepción tanto de las figuras como del espacio. Trabaja en Umbría,Venecia, y Toscana y de 1478 a 1492, realiza encargos para el Vaticano. Es buen retratista ybuen pintor de frescos, pero su fama se debe sobre todo a sus retablos, dotados de serenidad,

sentimentalismo y piedad en la forma, a lo que añade un cromatismo suave y unitario. En 1505se establece de forma permanente en Perugia, viviendo su momento culminante cuando el jovenRafael ingresa en su taller. La armonía y claridad espacial de sus composiciones, basada en lautilización de profundos puntos de fuga, así como sus idealizadas figuras, tienen una graninfluencia en su joven discípulo.

Moisés y la zarza ardiendoLogia de Rafael, Vaticano

Las Logias de Rafael, unas galerías con arcos realizadas por Bramante y Rafael. La

decoración de los arcos está basada en elementos del Antiguo Testamento y fue realizada por discípulos de Rafael. Las Logias se encuentran situadas en el segundo piso del palacio

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de Nicolás III en el Vaticano, siendo proyectadas por Bramante bajo el encargo de Julio

II, añadiendo el propio Rafael un tercer cuerpo de logias por orden de León X. Su

objetivo era guardar las colecciones escultóricas del pontífice y se encargó la decoración a

Rafael que realizó el diseño general y delegó la ejecución en sus numerosos ayudantes,

trabajando Giulio Romano, Gianfrancesco Peni, Polidoro da Caravaggio, Giovanni da

Udine, Tommaso Vincidor, Perin del Vaga, Pellegrino da Modena y Vincenzo de SanGimignano entre otros. La temática recoge episodios del Antiguo y Nuevo Testamento

 por lo que se ha venido a llamar la "Biblia de Rafael"

1509 Miguel Ángel. Diluvio universal. Bóveda de la Capilla Sixtina-

Pintura al fresco en la que a base de diagonales paralelas, a veces contrapuestas, serepresentan diversos grupos de figuras y elementos. Aunque la escena y su distribución soncomplejas, la composición podría dividirse en tres planos- En primer término, a un promontoriotrazado según una diagonal ascendente un grupo de personas – la mayoría desnudas- cargancon sus pertenencias o familiares ascendiendo por una empinada cuesta a refugio de las aguas.Un árbol seco corona el islote y, que al ser azotado por el viento, se inclina formando unadiagonal opuesta. Un joven se sube a él intentando ponerse a salvo.

En un segundo plano y a la derecha se sitúa -en profundo escorzo- una gran roca a modo de isladonde otro nutrido grupo de figuras busca refugio cobijándose bajo una improvisada tienda. Eldramatismo de la escena, de los rostros y actitudes culmina en las figuras de la izquierda dondeun anciano carga en brazos el cuerpo inerte del que podría ser su hijo El resto refleja en susrostros la angustia, el dolor y el cansancio y,.alargando sus manos intentan socorrer a los queaún se hallan en peligro Un hombre en el agua intenta desesperadamente subir a la rocaagarrándose a las raíces del árbol viejo. La diagonal que forman los personajes refugiados en elislote se continúa en la figura de una barca donde tiene lugar una lucha atroz entre susocupantes para ver quien se queda con esta tabla de salvación. La acción dinámica que sepresenta en esta escena es muy agitada y turbulenta. Aquí es donde se muestra la supervivenciay el coraje para intentar vivir, pero también el egoísmo del hombre que está dispuesto a matar para salvarse. El árbol que sujeta la tienda, al igual que el del primer plano, es agitado por elviento y forma una diagonal paralela a él.

Finalmente, tenemos el último y más alejado plano en el que se representa una especie deembarcación o más bien una Iglesia o un templo al que otro grupo de personas se ha subido o lo

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intenta. Es el arca de Noé El arca aquí es pintada como una Iglesia precisamente porque laIglesia es "el arca de la Salvación". Las personas que se suben a ella y se salvan de las aguassimbolizan a las que abrazan o entran en la Iglesia católica para salvarse del pecado.

Las figuras están en las más variadas posturas, predominando los violentos escorzos y la “líneaserpentinatta” donde se demuestra la potencia anatómica y la concepción escultórica de los

desnudos, interesado por las fuertes anatomías y por el relieve. Miguel Ángel pinta cuerposultramusculosos, rotundas anatomías que no son sólo músculos vacíos sino que refuerzan elcarácter vigoroso de los personajes. Es aras del logro escultórico, las figuras femeninas tienenuna constitución, musculatura y anatomía similar a las masculinas. Un poderoso dibujo ciñe lasfiguras pero sin olvidarse del color, muy variado y dinámico, ayudando a crear la sensación detensión y dramatismo que requiere una escena de estas características.

Junto al desnudo, el gran protagonista es la expresión tanto gestual como de movimientos. Todocontribuye a incrementar lo dramático de la situación. Mas que figuras son gestos lo que vemos,gestos de llamada, desesperación, violencia, tristeza, egoísmo, pero también de piedad y deamor. El más memorable es el de la madre poderosa y triste que, en primer término y a laizquierda, abraza y envuelve con un manto protector a su hijo

Por lo anteriormente descrito está claro que el tema representado es el del “Diluvio universal”,tema que forma parte de la bóveda de la Capilla Sixtina realizada por Miguel Ángel entre 1509 y1512 por encargo del papa Julio II.

Siguiendo al biógrafo Condivi, la escena del Diluvio Universal fue la primera que Miguel Ángelpintó en la bóveda de la Sixtina. Las diferencias en la calidad de la ejecución entre las diversaspartes del fresco indican que inicialmente el maestro se encontró con variadas dificultades enrelación con la técnica y con los ayudantes que pensó en contratar, considerando más tardetrabajar en solitario para lo que se encerró en la capilla sin permitir acceder a nadie, aunquealgunas manos sí trabajaron en este fresco como su buen amigo Granacci o Bugiardini.El Diluviose incluye entre los episodios bíblicos inspirados en la vida de Noé al considerar a este patriarcacomo una prefiguración de Cristo. Su narración está inspirada en el Génesis (6-8)

1511. La creación de Adán. Bóveda de la Capilla Sixtina-

Pintura al fresco en la que se representa la escena bíblica de la Creación de Adán. La pinturaestá directamente aplicada sobre el muro y ello se logra con un aglutinante que fije la pinturasobre la superficie, normalmente es clara de huevo. Pintar al fresco exige mucha minuciosidad y

planificación porque no permite rectificaciones y un gran desgaste físico por tener que pintar enposiciones forzadas (techos) y sobre andamios.

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Dos grandes figuras dispuestas en dos diagonales ocupan la composición. A la derecha, DiosPadre, rodeado de ángeles y enmarcados por un manto, se dirige a insuflar vida al primer hombre que aparece recostado a la izquierda. Las manos son lo más expresivo de toda lacomposición si bien conviene hacer hincapié en el potente y vivo colorido a base de rojos, rosas,verdes, azules, blancos, en contraste con las carnaciones. A la izquierda Adán, recostado, enplena laxitud, desnudo e inmóvil; parece no tener fuerzas y sólo puede apenas estirar un poco el

brazo y levantar el dedo para hacer contacto con su Creador, pletórico de fuerza y poder. En elgigantesco Adán, Miguel Ángel nos representa no a un hombre, sino a una gran escultura, detamaño mayor que el natural, fuerte, musculoso, bello, que encarna la grandeza de Dios en elgénero humano, que es obra del Creador. La inspiración de Miguel Ángel es la Biblia, sin olvidar la helenista que recibe a través del “Laoconte y sus hijos”, que estudió directamente, con lo quees resultado es el Neoplatonismo que define la obra del “Divino”.

La grandiosa representación la realiza con un dibujo firme logrado a partir de aplicaciones detonos claros y oscuros que crean un gran efecto plástico. El dibujo diseña además los volúmenesperfectamente delimitados. Las líneas compositivas son diagonales dando a la escena un grandinamismo. La gama de colores fríos (azules, verdes, violetas) actúa como elemento sedante yapacible, ya que interfiere en la luz distanciando los objetos. La perspectiva es una de lasgrandes conquistas de esta secuencia, ya que hay una perfecta captación tridimensional que

logra con intrincados y complicados puntos de fuga y con unos perfectísimos escorzos. Para dar profundidad, los ángeles que transportan a Dios son representados con grandes escorzos.Colocados de atrás hacia adelante. Da profundidad y movimiento. La figura de Dios parece queestá flotando.

El tema de La creación de Adán es el cuarto fresco pintado en el techo de la Capilla Sixtina por Miguel Ángel alrededor del año 1511. En él se representa el relato bíblico del Génesis en el queDios otorga vida a  Adán, el primer hombre según las religiones cristiana y judía. Este frescorepresenta una de las imágenes más bellas jamás creadas por el hombre.

Miguel Ángel contrapone dos aspectos en esta pintura. Por un lado está la esencia humana, ladebilidad y la suavidad. Por el otro está lo divino, lo fuerte y lo brígido que es el brazo de Dios.

Detrás de Adán parece haber un pequeño campo y una montaña azul y bermellón. Miguel Ángelno se concentraba en los fondos naturales ni en los colores vivos. Por eso, esta escena es simpleen cuanto al fondo y el color, pero impresionante a la vez, pues estos elementos no se necesitanpara crear una escena de gran belleza. Miguel Ángel, a lo largo de su vida, se centró en lasfiguras humanas y usó colores apagados, es decir, no prendidos.

El creador desciende volando a gran velocidad rodeado de ángeles y se dispone a tocar la manode Adán para insuflarle vida, lo acaba de formar a partir de barro y con su toque prodigioso lo vaa transformar en un ser vivo, la cumbre de la creación. Cuerpos prodigiosos, sensación defuerza, vitalidad y movimiento; es arrebatadora esta escena del Génesis.

El Papa Julio II, encargó al artista Miguel Ángel Buonarrotti que pintase la bóveda de la CapillaSixtina del Vaticano. Dicha capilla se construyó en el último cuarto del siglo XV siendo Papa Sixto

IV, y estaba decorada en su parte inferior por una serie de pinturas al fresco realizadas por artistas como Ghirlandaio, Perugino, Botticelli, etc.

La bóveda era una estructura de 40 metros de largo por 13 de ancho y presentaba una dificultadañadida que era la presencia de lunetos. Miguel Ángel se enfrenta al encargo reorganizando elespacio a su manera, trazando unos marcos arquitectónicos inexistentes, dividiendo la bóvedapor diez arcos fajones fingidos en nueve sectores transversales. A través de falsas cornisaspintadas aparecen tres registros, en el inferior, los lunetos (parte superior de las paredes), en elcentral, aparecen los Triángulos, las Pechinas y los Tronos (con siete Profetas y cinco Sibilas) y,en la zona central de la bóveda se encuentran las escenas bíblicas, del Antiguo Testamentodesde la creación del mundo (separación de la luz y las tinieblas), hasta el último profeta, siendola central la Creación de Adán.

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Pieter Brueghel, El Viejo. La Torre de Babel. 1563.

Pintura al óleo sobre tela. Una enorme arquitectura en obras de planta circular y estructura

escalonada ocupa la mayor parte del lienzo. En primer término y en un plano algo más elevado,aparecen diversas figuras que observan la labor de unos canteros. El resto de la composiciónestá ocupada por un paisaje a la manera flamenca y que recuerda a los de Patinar al ir ascendiendo la línea del horizonte hacia el fondo. Una ciudad se sitúa a la izquierda y pies de lagran torre, mientras que a la derecha, un puerto acoge a diversos barcos que transportanmateriales para la construcción.

Se representa aquí el episodio bíblico de la Torre construida por los hombres para alcanzar elcielo atravesando las nubes. Destaca la grandiosidad de la titánica obra, que requiere de unpuerto para abastecerla. La construcción se levanta entorno a una roca pre-existente, que aflorapor algunas partes. En la parte superior de la torre, la presencia de una nube simboliza lapretensión de que querían alcanzar con ella el cielo.

 Aunque la historia se sitúa en la más remota antigüedad, tanto las vestimentas como los métodosde construcción son los contemporáneos del autor, por lo que representa un excelentedocumento sobre la técnica arquitectónica de la época

Esta obra por su técnica, el gusto por los detalles, el paisaje panorámico, la inclusión de grannúmero de elementos y figuras de pequeños tamaño, el predominio del color sobre la línea, elcolorido a base de ocres, verdes y azules y la atmósfera que desdibuja los contornos y azulea loselementos del paisaje al fondo, no conduce a la pintura renacentista flamenca del s. XVI y másespecíficamente a la obra de Brueghel el Viejo.

En este magnífico cuadro, Brueghel pinta a la mítica Torre de Babel, que es una construcción detipo zigurat ( templo de la antigua Mesopotamia que tiene la forma de una pirámide escalonada ),

que es mencionada en la Biblia. Según se narra en el capítulo 11 del Génesis, los hombrespretendían, con la construcción de esta torre, alcanzar el Cielo. Yahveh, para evitar el éxito de laempresa ( que se oponía a su propósito de que la humanidad se extendiera por toda la superficie

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de la Tierra, se multiplicara en ella y la sojuzgara ), hizo que los constructores comenzasen ahablar diferentes lenguas, luego de lo cual reinó la confusión y se dispersaron. Babel es elnombre de la primera de las cuatro ciudades originales del reino fundado por Nemrod, elpoderoso cazador opuesto a Yahveh Dios, situada en "una llanura en la tierra de Sinar" donde,de acuerdo con la Biblia, se llevó a cabo un intento infructuoso de erigir una torre de alturasuficiente para alcanzar el cielo - la Torre de Babel. El nombre de esta ciudad significa "Puerta de

Dios", ya que tenía el propósito de hacer de esta ciudad y del zigurat, el lugar donde se podríatener comunicación directa con el cielo y, por lo tanto, con Dios mismo. Yahveh Elohim,entonces, confundió los idiomas de aquellos que estaban trabajando en su construcción, por loque no fueron capaces de entenderse unos a otros, y el proyecto fracasó. El célebre cuadropresenta unos detalles iconográficos interesantes: la torre en construcción se eleva a orillas deun ancho río y aunque no haya alcanzado más que siete pisos de altura, se inclina, a la manerade la torre de Pisa, como si estuviera a punto de caer. Brueghel, que había estado en Italia,concibió la torre de Babel como una torre colosal e inclinada. Para indicar la confusión delenguas, los constructores están señalándose la boca con el dedo, para decirnos que ésta ya noles permite hacerse comprender. Se sabe que el pintor realizó tres cuadros con esta temática, sibien se conservan sólo dos.

Es un tema que ya había sido tratado con anterioridad, desde los libros iluminados del s. VI. Se

retoma en el s. XVI como símbolo del orgullo humano, advirtiendo de sus peligros, así como delfracaso de la racionalidad clásica frente a lo divino. Es así una alegoría del orgulloso imperiointernacional de los Habsburgo basado sobre una fe unificada y del estado constituido por banqueros, ministros, clérigos, soldados y pensadores humanistas sicofantes sometidos a talproyecto.

El centro del cuadro lo domina la torre a medio construir, dentro de un amplio paisajepanorámico. El pintor adopta un punto de vista muy alto..

La descripción de la arquitectura de la torre por Brueghel, con sus numerosos arcos y otrosejemplos de ingeniería romana hacen pensar de manera deliberada en el  Coliseo[ 1  ]  querepresentaba para los cristianos de la época el símbolo de la desmesura y de la persecución. De

la  Arquitectura de la Antigua Roma parece también provenir la mampostería de ladrillo, recubiertaen el exterior por muros de sillería[ 1  ]  .

Es interesante constatar que la pintura de Brueghel parece atribuir el fracaso de la construcción aproblemas de ingeniería estructural más que a diferencias lingüísticas de origen divino. Aunque aprimera vista la torre parece constituida por una serie establece de cilindros concéntricos, unexamen más atento demuestra la evidencia que algún piso no reposa sobre una verdaderahorizontal; la torre está más bien construida como una espiral ascendente. Los arcos son sinembargo construidos perpendicularmente al suelo inclinado, lo que los hace inestables, algunosya se aplastaron. Más inquietante puede ser el hecho de que los cimientos y los pisos inferioresde la torre aún no está acabados mientras que las capas superiores ya están construidas.

La torre adquiere proporciones gigantescas respecto a cualquier dimensión humanay la acción se desarrolla no en un tiempo remoto sino en época del artista donde unsinfín de detalles realistas dan buena cuenta de ello: grúas capaces de soportar elpeso de grandes piedras, contrafuertes tomados de las catedrales góticas, barracaspara cada gremio de trabajadores, etc.

Se desconocen la fecha y el lugar de nacimiento de Brueguel pero la primeramención escrita de Peeter Brueghels data de 1551, al ingresar como maestro algremio de San Lucas de Amberes.

Hablar de Brueghel es hablar de esta ciudad, por entonces la población máspróspera de Occidente. Las nuevas rutas marítimas propiciaron su desarrollo y suemplazamiento, a mitad de camino entre el norte y el sur, favoreció el comercio de

la seda y las especias de Oriente, los cereales del mar Báltico y la lana procedentede Inglaterra.

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En una ciudad tan fértil económicamente es fácil pensar que artistas y artesanostambién sacaran provecho, tanto es así que trabajaban 360 pintores en Amberes(uno por cada 250 habitantes). La expansión económica trajo consigo unconsiderable aumento de la población en pocos años, duplicándose incluso, de lacual un número importante eran extranjeros con lenguas y costumbres extrañas y,sobre todo, religiones diferentes: católicos, calvinistas, luteranos y anabaptistas

que hacían de Amberes una ciudad multicultural en la que el entendimiento eradifícil.Esta situación impulsó sin duda a Brueghel a inspirarse en el relato bíblico de laTorre de Babel para trabajar sobre el tema nada más y nada menos que en tresocasiones. Hoy en día sólo se conservan dos: La construcción de la Torre deBabel y La pequeña construcción de la Torre de Babel; la primera en Viena y,la segunda en Rotterdam.

David y Goliat. Caravaggio. 1609-1610.

David con la cabeza de Goliat, obra que se considera tradicionalmente la última que

realizó. Tenemos en este caso una clarísima reseña autobiográfica del pintor, que en los

últimos años había pasado por momentos terribles. Acusado de homicidio, se vio

obligado a huir de Roma. Después de pasar por diferentes lugares, recaló en Malta, donde

la Orden de los Caballeros de Malta le dio refugio, trabajo y le nombró caballero.

Descubierto su delito, fue apresado y Caravaggio escapó, vagando de ciudad en ciudad. Afinales de 1609 prepara su regreso a Roma y bien pudiera ser que mediante este lienzo

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tratara de atraerse el perdón del papa. En el cuadro se autorretrata con el rostro maltratado

(una pelea le había deformado), en la cabeza cortada de Goliat. El joven David la

contempla conmiserativamente, sin afán vencedor. En su espada se lee una inscripción

que identifica a David con la Humildad, y a Goliat con la Soberbia. Se trata pues, de una

humillación de Caravaggio ante la autoridad, hecha con el ánimo de suplicar el perdón y

 poner fin a su destierro, pues si volvía a Roma sería decapitado por homicida. Eltratamiento del lienzo es, como siempre en Caravaggio, impactante. La cabeza recién

cortada no parece viva ni muerta y la idea de autorretratarse como un muerto es

ciertamente inquietante, aunque no debemos olvidar que probablemente su intención no

fuera morbosa sino diplomática.

Caravaggio rompió con el clasicismo renacentista en el que se había formado y ensayó

claroscuros intensos que anunciaban el futuro barroco, comprimió espacios como lo haría

años después Diego Velázquez y dio a su obra final una densidad insuperable. La luz, en

tonos amarillentos, rojizos y grises, es la que utilizará en todas sus obras posteriores- el

 David con la cabeza de Goliat, en el que se autorretrató en los rasgos del gigante

decapitado

 Narra la historia bíblica de David contra Goliath. David acepta el desafío de Goliath y le

vence con la honda, después se acerca, saca la espada del gigante y lo decapita. En esta

obra Caravaggio da un paso más hacia el tenebrismo puro. El fondo es liso, casi negro, en

contra de la lógica de la anécdota que sucede durante el día. Este artificio resalta el

dramatismo de la escena.

Simbólicamente se relaciona la belleza con el bien (David es un efebo) y la fealdad con el

mal (Goliath), además de representar la derrota de las fuerzas del mal (protestantismo) por 

el bien (catolicismo)

David está representado como un joven que ata la cabeza del gigante Goliat, al que había matado con su honda. Los colores oscuros

empleados son característica primordial del naturalismo, aplicados con una pincelada minuciosa y totalmente detallista. También, es

destacable la sensación de agobio espacial que aprieta figuras descomunales en un marco pequeño. Las figuras de Caravaggio son

siempre monumentales, realizadas con el mayor realismo posible, como si fuesen auténticos personajes de las calles italianas. Estasfiguras emergen de un fondo neutro muy oscuro gracias a unos potentes focos lumínicos que crean fuertes contrastes de luces y

sombras, el conocido claroscuro tenebrista. Ese juego de luces otorga mayor dramatismo a los asuntos y acerca la temática religiosa al

espectador, para lo que emplea personajes totalmente anti-heroicos con las uñas de los pies manchadas de sangre y barro. Incluso los

gestos parecen en ocasiones inspirados en el teatro. Caravaggio es el gran maestro del naturalismo tenebrista. Su forma de trabajar va aromper con la tradición manierista anterior e influirá en un buen número de pintores, desde Rembrandt hasta Ribera, pasando por 

Velázquez y Zurbarán. Su estilo caracteriza buena parte de las obras que se realizan en el Barroco, enfrentándose con la Escuela

clasicista liderada por Annibale Carracci.

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