LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS

Características generales de las vanguardias.

A principios de siglo XX aparece un cambio morfológico de las artes figurativas

consistente en una nueva forma de afrontar la realidad y a la vez, también se

producen cambios a nivel intelectual, social, científico y político.

Desde el punto de vista artístico hay que considerar la evolución que ha tenido

lugar desde finales de siglo XIX, especialmente en el terreno pictórico: el

impresionismo y sus posteriores revisiones supusieron una nueva propuesta

para la concepción de la obra artística, en la cual empezaba a prescindirse de

la reproducción fiel del objeto de la realidad. La escultura y la pintura buscarán

nuevas formas de expresión, nuevos lenguajes. Surge así un arte de ruptura

cuyo germen se encontraba ya en la segunda mitad del siglo XIX. Se

configuran así las “vanguardias históricas”: manifestaciones artísticas que se

dan hasta la I Guerra Mundial y durante el período de entreguerras.

Las vanguardias históricas poseen algunos rasgos comunes:

Influencia del impresionismo y en especial, del postimpresionismo:

Cézanne, Van Gogh y Gauguin: geometrismo, pincelada gruesa, línea

curva, colores intensos, estudios de color y de luz hasta sus máximas

consecuencias.

Incorporación de lo experimental. Se rechaza la imitación y

experimentan con materiales, técnicas y configuraciones nuevas

(collage). Influyen los avances científicos y su repercusión en el

progreso (maquinismo)

Aportaciones de pensadores y filósofos. La idea de modernidad:

innovación, cambio y rechazo de lo anterior, aunque con matices según

las corrientes

Impacto de la I Guerra Mundial (1914-18) que genera destrucción y

odios. La obra de muchos artistas queda cortada. Aparece la idea de

“generación sacrificada”.

Extensión y cronología.

Existe una variedad de “ismos” que a la vez se interrelacionan con otras

corrientes artísticas. Se establece que las primeras vanguardias aparecieron en

1905. En este año se desarrolla en París el fauvismo y aparecerían en

Alemania las primeras manifestaciones del expresionismo. A partir de este

momento la sucesión será rápida:

1907: cubismo

1909: futurismo italiano

1910: Kandinsky inicia la abstracción

1914: suprematismo ruso

1916: dadaísmo

1917: neoplasticismo holandés

1919: racionalismo arquitectónico, escuela de la Bauhaus, escuela de

Chicago, constructivismo ruso.

1924: primer manifiesto surrealista.

FAUVISMO.

A principios de s. XX surge una tendencia antirrealista y antiimpresionista,

dentro de la cual se inscriben el fauvismo y el expresionismo. De sus

aportaciones surgirá el arte abstracto.

El fauvismo no desarrolló ningún manifiesto ni programa común, incluso sus

miembros tenían opiniones muy diversas. Por esta razón, se consideran las

ideas y escritos de Henri Matisse como el corpus teórico del movimiento.

Matisse, admirador de Cézanne, valora la forma, la luz pasa a ser un accesorio.

Su obra se basa en la solidez y es una creación mental, no óptica.

El fauvismo tuvo corta duración. Su máximo auge se dio en las exposiciones

del Salón de Otoño de 1905 y 1906, si bien influirá notablemente en posteriores

manifestaciones artísticas.

Supone una reacción frente al impresionismo, frente a la desmaterialización del

objeto y su reducción a tonalidades luminosas. Se valora el color y el objeto. La

forma es clave. Se trabaja con los colores primarios y complementarios,

también con los contrastes cromáticos fuertes. El objeto mantiene su silueta

con el dibujo que lo rodea, aunque no guarde relación con la realidad. El objeto

es autónomo de la realidad, tiene la forma y el color que el artista le ha

concedido. La luz desaparece, de ahí que la composiciones sean planas,

recordando mucho a Gauguin.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la

máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

Sus principales representantes: Matisse, Vlamik, Derain.

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de

1954) “cuando pongo verde, no es hierba; cuando pongo azul, no es el cielo"

Fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido

del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como

pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas

del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los

años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del

color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió

por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras

centrales del arte moderno.

Al comienzo de su trayectoria artística practicó el dibujo del natural en un estilo más bien tradicional, como se aprecia en El tejedor bretón, y realizó copias en el Louvre. Más adelante pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la Costa Azul, dejándose llevar por los aires impresionistas de la época, y practicó esporádicamente el divisionismo.

En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne, pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve: supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía, como Lujo, calma y voluptuosidad o El marinero de la gorra.

Mediante zonas de color diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos y crear un ritmo característico en sus cuadros, como en Las alfombras rojas. Su uso del color fue de una gran sensualidad, aunque siempre muy controlada por una metódica organización estructural. Como él mismo declaró: «Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón».

Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como La habitación roja (o Armonía en rojo) o Naturaleza muerta con berenjenas, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el

uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano.

En 1910 viajó a España; en Madrid visitó el Museo del Prado y su estancia en Granada y Sevilla contribuyó a acercarle a la estética oriental. En 1912 y 1913 viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos de gran colorido, como Los marroquíes.

Hacia 1916 se inició un período en el que se percibe la influencia del movimiento cubista, de creciente importancia, que se traduce en un concepto más geométrico de las formas y una simplificación aún mayor, como en El pintor y su modelo.

Hacia 1917 se instaló en Niza, conoció a Renoir, y su estilo se hizo más sutil. Produjo en este período algunas de sus obras más célebres, como Ventana en Niza y la serie de las Odaliscas, donde queda claramente plasmado el gusto de Matisse por la ornamentación y el uso de arabescos. En los años siguientes viajó por Europa y Tahití, donde concibió la obra en gran formato La danza.

Hacia la década de 1940, el colorido de sus telas se tornó más atrevido, como en La blusa rumana y en el Gran interior rojo, antecedentes de los gouaches que realizó a finales de los años cuarenta, en los que cortaba y pegaba papeles coloreados. Es famosa en esta técnica su serie Jazz, de 1943-1946.

En 1950 decoró la capilla del Rosario de los dominicos de Vence, en la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. Realizó así mismo un gran número de dibujos a pluma e ilustraciones para escritores como Mallarmé y Joyce. En cuanto a sus grabados, el número de piezas alcanza las quinientas, entre litografías, aguafuertes y xilografías. También esculpió en bronce y colaboró escribiendo artículos para distintas revistas especializadas.

En 1963 se abrió en Niza el Museo Matisse, que reúne una parte de su obra. Henri Matisse es considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado

CUBISMO

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahi en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon). Como elemento precursor del cubismo destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).

El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales,2 intentando representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz.

Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana.

Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana.

Tipos:

El cubismo analítico (1909-1912), en donde la pintura es casi monocroma en

gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante

eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo.

Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la

descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se

multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la

perspectiva renacentista. Se introducen en la pintura los «pasos», definidos

como ligeras interrupciones de la línea del contorno. Los volúmenes grandes se

fragmentan en volúmenes más pequeños. Entre las obras de esta fase del

cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de

Chicago).

El cubismo sintético (1912-1914).El color es más rico que en la fase anterior,

Las obras sintéticas son más simples, más sencillas de entender en cuanto a

que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los

objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas

perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos

esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca y sin lo cual no

serían lo que son. Por ello, aunque reducido a lo esencial, queda claro en todo

momento lo que son. Para representar los objetos «tipo» de manera objetiva y

permanente, y no a través de la subjetividad del pincel, se recurre a lo que

parece un ensamblaje. Los cuadros están formados por diversos materiales

cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras de papel de

tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas.

El cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al

óleo) como nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música

inspiraron estos bodegones. Otras obras de Picasso pertenecientes a esta fase

del cubismo sintético son El jugador de cartas (1913-14) o Naturaleza muerta

verde (1914). Braque realiza en esta época El clarinete (1913), el Correo

(1913), Aria de Bach (1913-14) o Violeta de Parma (1914).

Pablo Ruiz Picasso (n. Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone)

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere a un burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo

de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.

Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.

En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.

A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.

El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.