CATÁLOGO SUBASTA A LA RUEDA RUEDA

A la rueda ruedaFundación

Septiembre 30 / 2014

S u b a s t aa la rueda rueda

Sep

tiem

bre

30

/ 2

01

4S

UB

AS

TA

a

la

r

ued

a r

ued

a

Junta Directiva:Zonia Bechara de Barguil, PresidentaJuan Cañellas Barcelo, VicepresidenteLiliana Arrieta Encinales, TesoreraMaría del Rosario Arrazola, VocalEdna M. González, Vocal. Secretaria (E)

Fundadora:Vivi Barguil de Sarmiento

SUBASTA “A LA RUEDA RUEDA”

Dirección y coordinación general:María Victoria Estrada

Dirección Editorial: María Victoria Estrada

Fotografía de obras:Oscar Monsalve excepto en el lote 20, cortesìa del artista.

Free Press y Comunicaciones: Stampa Comunicaciones - www.stampacomunicaciones.com

Diseño y edición digital:5PMM Publicidad

Producción General:Sistole

FUNDACIÓN A LA RUEDA RUEDADE PAN Y CANELA


AGRADECIMIENTOS

A todos los artistas participantes.

A todos los propietarios de obras en la Subasta “A la Rueda Rueda”.

Galería 12:00, Bogotá.

Galería BETA, Bogotá.

Galería La Cometa, Bogotá.

Galería Sextante, Bogotá.

Nueveochenta Arte Contemporáneo, Bogotá.

Sicardi Gallery, Houston.

Art Nexus, Bogotá.

Sergio Rodríguez Restrepo.

Eduardo Serrano.

Pacific Rubiales.

Viaja en Grande.

CRONOGRAMA

LUGAR

GUN Club, Avenida Calle 82 No. 7-77, Bogotá.

SUBASTA PRESENCIALMartes 30 de septiembre de 2014 Exhibición de las obras:Registro de compradores: Subasta:

CATÁLOGO VIRTUAL

www.fundacionalaruedarueda.org

ORGANIZA

Fundación a la Rueda Rueda de Pan y Canela

DIRECCIÓN Y COORDINACIÓN GENERAL

María Victoria Estrada

INFORMACIÓN

María Victoria Estrada

Luisa Fernanda Bellini

CENA

Valor de la entrada a la cena: Entrada doble:Entrada individual:

Las entradas para la cena pueden ser adquiridas en las oficinas de la Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela Calle 94 No. 11-20 Of 301, Bogotá.

6.00 p.m. a 8:00 p.m.6.00 p.m. a 8:00 p.m.8:00 p.m.

$1.500.000$1.000.000

Celular: 310 296 1111Correo electrónico: [email protected]

Celular: 311 276 7341Correo electrónico: [email protected]

9:00 p.m.

Somos una organización sin ánimo de lucro dedicada a la consecución de recursos humanos y materiales orientados a mejorar la calidad de vida de los niños, niñas y adolescentes de la Región Caribe Colombiana.

Cómo lo hacemos y en dónde

La Fundación es una alternativa para que los menores de edad participen en Programas que les permitan fomentar en su comunidad una sociedad más humana y justa.

Acualmente atendemos a 240 niños, niñas y adolescentes en el barrio Furatena y sus alrededores, en Montería (Córdoba), a través de Programas de Ocio Creativo en:

Arte, música, pintura, danza y manualidades.Deporte: Microfútbol, baloncesto, atletismo, bola de caucho, voleibol y boxeo.Desarrollo familiar.Próximamente: Tecnología y Sala cuna.

La Fundación se extenderá a los otros seis (6) departamentos de la Región Caribe: Atlántico, Bolívar, Cesar, Sucre, Guajira, Magdalena.

A través de estos Programas se atiende a la población infantil en situación de vulnerabilidad (niños, niñas y adolescentes hasta los 16 años) involucrando a sus familias en el proceso.

FUNDACIÓN A LA RUEDA RUEDADE PAN Y CANELA

Se puede ser mejor, si alguien te ayuda a descubrirte.

“Hacer siempre lo que a uno le gusta, y sólo eso, es la fórmula magistral para una vida larga y feliz” esta fue una de las frases de nuestro nobel de literatura Gabriel García Márquez en su escrito manual para ser niño.

Bajo esta premisa encuentro una estrecha y linda relación entre el arte de los “grandes”, los sueños de los niños y las infinitas ganas de abrir espacios creativos que conduzcan a la posibilidad de crecer con una vida sin temores. De la mano de los artistas, el destino de los niños colombianos siempre puede ser mejor si contamos con quién nos ayude a descubrirlo. Algunos artistas encuentran en su obra el mejor color para la vida, y nosotros - La Fundación A la Rueda Rueda- le apostamos a la construcción del Centro de Ocio Creativo, que acoge los niños cada mañana o tarde, con la posibilidad de vincularlos a los sonidos de una cumbia, al ritmo de una canción, al diseño de una manualidad, al movimiento de un entrenador de boxeo o frente al reto de empezar a pintar en un lienzo.

Así que volviendo a la fórmula magistral de García Márquez, hoy puedo decir que nada más maravilloso que el encuentro de quienes nos unimos e intentamos construir, crear y formar vidas. Por esto la mejor noticia es la unión de veintitrés de los más connotados artistas de Colombia, quienes apoyarán con sus obras esta Subasta, contribuyendo así a ofrecer un espacio para la felicidad, en donde las habilidades de nuestros niños podrán ser potencializadas.

Inmediatamente le doy valor a la expresión “mejor oportunidad imposible”. Esta, de contar con 23 maravillosos artistas, es una de ellas. Como decía el maestro García Márquez, la clave es abrir caminos, creando condiciones favorables y alentadoras, que permitan gozar cada sueño de sus vidas, sin temor a equivocarse, porque un error es solo eso, pero un gran lienzo a punto de recibir los primeros colores es la gran oportunidad para reconocerse como los artistas de sus propias vidas.

ÍNDICEDE ARTISTAS

Botero Fernando

Cárdenas Santiago

Castaño Andrés Felipe

Delgado Juan Carlos

Echeverri Rafael

Flórez Máximo

Hernández Manuel

Hoyos Ana Mercedes

Hoyos Cristo

Mancera Kevin Simón

Manzur David

Marconi Guillermo

Negret Edgar

Obregón Alejandro

Peláez Luis Fernando

Ramírez Villamizar Eduardo

Rayo Omar

Rojas Miguel Ángel

Rojas Carlos

Ruíz Pedro

Salcedo Bernardo

Wiedemann Guillermo

Zapata Hugo

Artista

10

8

23

20

5

3

14

9

22

2

12

1

6

15

13

11

21

4

16

18

19

7

17

Lote

28 - 29

24 - 25

54 - 55

48 - 49

18 - 19

14 - 15

36 - 37

26 - 27

52 - 53

12 - 13

32 - 33

10 - 11

20 - 21

38 - 39

34 - 35

30 - 31

50 - 51

16 - 17

40 - 41

44 - 45

46 - 47

22 - 23

42 - 43

Pág.

lote 1

10

GUILLERMO MARCONI (Colombia, 1980)

Cosas De Animales # 8

Construcción en madera

20 x 125 x 8 cm

2014

Titulada, firmada y fechada “Cosas de animales # 8,

G. Marconi, 2014” al respaldo.

Procedencia

Colección del artista, Bogotá.Cortesía Galería BETA, Bogotá.

Precio comercial estimado$ 5.000.000

“Guillermo Marconi es arquitecto de la Universidad Nacional de Colombia. Ganador de la convocatoria del Gabinete de FLORA ars+natura (2014). Participante del Pabellón Artecámara en la 7ma versión de la Feria Internacional de Arte de Bogotá - ARTBO (2011). Ganador del programa de estímulos distritales de la Sala Alterna en la Galería Santa Fe, Bogotá (2010). Actualmente desarrolla su trabajo en el campo de los objetos y las instalaciones, enfocándose principalmente en la relación del espectador con el espacio y con objetos que lo relacionan con la arquitectura y espacios comunes.

Identificado con el desarrollo «low high tech» y los métodos DIY (hágalo Ud. mismo) el artista presenta una obra que explora las relaciones transversales entre lo mediático y el entorno cotidiano.

Desde la visión arquitectónica que caracteriza su trabajo, Guillermo Marconi enfrenta al espectador a estructuras tensionadas de madera, cuyos módulos son el reflejo de espacios arquitectónicos y los objetos que los habitan.”

Daniela Camero, Directora Galería BETA, Bogotá.

11


lote 2

12

KEVIN SIMÓN MANCERA (Colombia, 1982)

México - De la serie “La Felicidad”

Tinta sobre papel

30 x 42 cm c/u (3)

2013

Procedencia

Colección del artista, Bogotá.Cortesía Nueveochenta Arte Contemporáneo, Bogotá.

Exhibiciones

“La Felicidad”, Galería Vermelho, Sao Paulo, Brasil. 2013.


Kevin Simón Mancera es maestro en Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá. Entre sus exposiciones individuales están “La Felicidad” en la Galería Vermelho, São Paulo, Brasil (2013); “Caja de Texto”, un proyecto de Diego García en Lugar a Dudas, Cali, Colombia (2012), y Sobre el Fracaso en la Galería Nueveochenta, Bogotá (2010). Además de su actividad plástica, tiene un proyecto editorial llamado Jardín donde publica proyectos propios y ajenos.

Su trabajo muestra un interés recurrente por los sistemas de clasificación, los recorridos y los usos cotidianos del lenguaje. Su obra ha tratado temas como el odio, la tristeza, el fracaso y la felicidad.

La Felicidad “Tras encontrar que en Suramérica hay cerca de 15 poblaciones llamadas Felicidad, Mancera realiza un recorrido a través de 7 países buscando cada uno de estos lugares. Durante un año entero viaja de una población a otra, las circunstancias difíciles no se hacen esperar, y los impedimentos para llegar a algunas poblaciones se transforman en una clara analogía sobre la dificultad de encontrar la felicidad. Al llegar a algunas poblaciones descubre que su nombre ha cambiado recientemente, y ya la felicidad no está. En otras poblaciones es imposible entrar por el clima adverso, la geografía descompuesta, o incluso las advertencias policiales, toda una travesía poética en una zona inhóspita del continente.”

Nueveochenta Arte Contemporáneo.

13


lote 3

14

MÁXIMO FLÓREZ (Colombia, 1979)

Cristalografía y Algodón

Madera, impresión digital e hilos

90 x 50 x 5 cm

2014

Firmada “Máximo Flórez” al respaldo.

Procedencia

Colección del artista, Bucaramanga.

Cortesía Galería BETA, Bogotá.


“En su exploración formal, se vale de herramientas propias del diseño como el dibujo, las maquetas, los modelos por computador y las planimetrías. De estas últimas rescata el proceso de traslado de las características del terreno a un plano dimensional, utilizando hilos (“replanteo”). Casi todas sus obras están realizadas a manera de “cajas”, en las que esos hilos son trazados y generan ángulos, trayectorias de desplazamiento y volúmenes finos y rectilíneos insertados en la rigidez geométrica de las construcciones.

Las obras de Máximo Flórez pueden describirse como concepciones espaciales en diferentes dimensiones materiales y de pensamiento; del dibujo técnico a la escultura geométrica. Pese a la inamovible disciplina de una producción absolutamente controlada y “perfecta”, se percibe una intención por transgredir la necesidad racional de definir el espacio. Con esto me refiero a que el carácter de sus “Castillos en el Aire”, desafía las nociones de peso, levedad; arriba, abajo; trazo, línea imaginaria; horizontalidad, verticalidad, etcétera.

En un nivel más sensible, Flórez percibe el espacio viviéndolo y fijándolo como recuerdo. Su trabajo anterior ha alimentado esa experiencia afianzando una predilección por ciertos materiales. En ese sentido, la nobleza de elementos como la madera y los hilos también implica la relación física con éstos y, por lo tanto, el disfrute que el artista expresa al decir que el trabajo manual es esencial en su obra. Si bien hay otros medios involucrados en su proceso creativo, como el video o la fotografía, la constante por destacar es que siempre busca que estén relacionados con los procesos de la escultura. “

“Castillos en el Aire” Máximo Flórez López (Fragmento)

María José Ramírez, Revista ArtNexus # 91 - Arte en Colombia # 137, Dec - Feb 2014, pp. 112-113

15


lote 4

16

MIGUEL ÁNGEL ROJAS (Colombia, 1946)

La Cosecha

Vaciado en pasta de maíz y agrostis penenas (gramínea nativa) y

caja en acrílico y madera

Cabeza 12 x 12 x 9 cmCaja 12 x 16 x 16 cm

Edición PA 1 de 10

2013

Procedencia

Colección del artista, Bogotá.Cortesía Sicardi Gallery, Houston.


Miguel Ángel Rojas es un artista conceptual colombiano cuya obra expresada a través del dibujo, la pintura, la fotografía, las instalaciones y el video, trata de asuntos relacionados con la sexualidad, la cultura marginal, la violencia y la problemática relacionada con el consumo y la producción de drogas.

Desde los años setenta, Rojas ha tenido una constante presencia en la plástica nacional. Así lo atestiguan sus varias muestras individuales; su participación en numerosas exposiciones colectivas, salones nacionales y bienales internacionales y los varios premios obtenidos dentro y fuera del país. Su obra ocupa un espacio propio e importante en el arte colombiano.

Rojas se reconoce como un artista que no se interesa por el estilo sino por la temática, es un buen ejemplo del artista íntegro que dentro de su repertorio emplea distintos temas y varias técnicas. Su temática artística es actual, renovadora y contundente. Durante los años de un trabajo notable en la plástica nacional, el artista ha investigado casi todas las tendencias artísticas y ha sido una de las personalidades más representativas y prolíficas de la escena del arte nacional trabajando el tema de la droga desde múltiples lecturas y técnicas.

Su obra reflexiona acerca de las desigualdades sociales provocadas por el sistema de valores que no ha dejado de imperar desde que empezó la explotación de la coca en nuestro país y sobre la violencia y la destrucción que rodean al mundo del narcotráfico. Las hojas de coca, la cocaína y los billetes de un dólar son los protagonistas de varias de sus obras.

En sus obras de “La Cosecha”, la cabeza pequeña indígena es como una metáfora de la muerte para demostrar que la cosecha del negocio del narcotráfico son los indígenas y campesinos muertos en las etapas de producción de la coca.

17


lote 5

18

RAFAEL ECHEVERRI (Colombia, 1952 - 1995)

Sin Título

Acrílico sobre tela

110 x 110 cm

1995

Firmada y fechada “Rafael Echeverri 95” al respaldo.

Procedencia

Adquirida al artista por el actual propietario.Colección privada, Bogotá.

Exhibiciones

“Rafael Echeverri - Tridimensionales Azules” Galería Garcés Velásquez, Bogotá, 1996.


“La obra de Rafael Echeverri sobresale en el panorama artístico nacional por la solidez de sus principios, la consistencia de sus planteamientos y la conciencia y pulcritud de su realización. Se trata de un trabajo cuya contemporaneidad salta a la vista, el cual permite varias aproximaciones simultáneamente sin que pierdan claridad sus objetivos ni se desvirtúe su trascendencia.”

“Es uno de los artistas más sobresalientes y definitivos en los derroteros del arte moderno colombiano. Sus aportes a la escena artística nacional fueron numerosos y su legado uno de los más enriquecedores, constituyendo su trabajo una atractiva síntesis de razonamientos intelectuales e inquietudes estéticas como ha sido prioritario en el arte de los últimos tiempos.

Su obra representa uno de los desarrollos plásticos más singulares y coherentes que se han dado en el contexto del arte moderno colombiano. Su pintura es producto de una profunda reflexión acerca de la expresión artística, de sus valores y destino, y por ello, así como por su rigor y sus propósitos creativos, constituye una pieza de vital importancia en la intrincada trama conceptual que representa la escena artística nacional de los últimos tiempos. Por la claridad y precisión de sus formas y por su impecabilidad y pureza cromática, su obra es, además, una de las pocas producidas en las últimas décadas en Colombia que, sin perder validez conceptual, y sin olvidar su contenido intelectual, logra suscitar placer estético.”

Eduardo Serrano.

19


lote 6

20

EDGAR NEGRET (Colombia, 1920 - 2012)

Navegante

Aluminio pintado y madera

61 x 52 x 39 cm

1983

Titulada, firmada y fechada “Negret Navegante 1983” por debajo.

Procedencia

Adquirida al artista por el actual propietario.Colección privada, Bogotá.


Edgar Negret es un artista consagrado y reconocido en Colombia. Unánimemente considerado como el más destacado representante de la moderna escultura colombiana, trascendió con sus composiciones abstractas las fronteras de su país y asimiló las tendencias de la plástica del siglo XX para crear una obra de singular originalidad y fuerza expresiva; su original estilo y técnica creativa lo configuraron como uno de los grandes escultores del siglo XX en Latinoamérica.

Introdujo la escultura abstraccionista y geométrica en Colombia a mediados del siglo XX, y su obra se caracteriza por un amplio uso del hierro y el aluminio como material estructural y formal, uniendo sus láminas y partes mediante tuercas y tornillos. Sus esculturas se caracterizan así mismo por el uso de elementos geométricos y por el rigor compositivo.

“Entre sus principales aportes a la escultura moderna se cuentan: la utilización del aluminio, un metal maleable, ligero, inoxidable y característico del mundo contemporáneo; el empleo del ensamblaje como recurso tridimensional con propósitos abstractos, y el manejo de módulos que sugieren una multiplicidad formal a pesar de su rigor. Pero sus contribuciones más definitivas fueron, sin duda, la utilización del color en la escultura y el arqueo del aluminio, gracias a los cuales permitió al espacio fluir libremente entre los componentes de sus piezas dividiéndolo en interior y exterior, al tiempo que lograba eliminar sensorialmente el brillo, la dureza y el peso del metal, concediéndoles a sus obras una liviandad visual inesperada, una ligereza tal, que en ocasiones pareciera que pueden elevarse.

Además, con la utilización de tuercas y tornillos a la vista, el artista se hizo a un recurso no sólo seguro y coherente con las implicaciones industriales del aluminio para ajustar los distintos elementos, sino a un procedimiento claramente indicativo de sus procesos constructivos; a un método franco y acorde con los propósitos cada vez más explícitos del arte de los últimos tiempos.”

Eduardo Serrano. Tomado del periódico El Tiempo, 11 de marzo de 2006.

21


lote 7

22

GUILLERMO WIEDEMANN(Alemania, 1905 -

Estados Unidos, 1969)

Sin Título

Acuarela sobre papel

50 x 70 cm

1961

Firmada y fechada “Wiedemann 1961” en la

parte inferior derecha.

Procedencia

Colección privada, Bogotá.


La obra de Guillermo Wiedemann, colombiano por adopción de la nacionalidad, no constituye una simple circunstancia vital, sino un símbolo de su propia conciencia artística y tiene como fundamento una poderosa personalidad pictórica, formada por indudables calidades técnicas, humanas y culturales.

Para Wiedemann el color fue el principal elemento, la materia dominadora de su obra. Le servía, como le sirvió el expresionismo alemán, para establecer una síntesis entre el desleimiento del color y la precisión de la forma y para expresar la vida interior y las más hondas sugerencias a través de los matices y las tonalidades. El método de unir los colores le confiere a su obra una especial fuerza emotiva y un notable valor plástico y expresivo. La gama es verdaderamente rica y original y revela una perfecta identidad entre lo plástico y lo emotivo y se encuentran colores a la vez oscuros y deslumbrantes, rematados en sectores radiosos.

La obra de Wiedemann revela su pasión por el color, pero con un sentido más firme de estructura. La forma aparece como una conjugación de tintes, siendo las líneas mismas no tanto un expediente divisivo, sino un signo de unión en el esquema cromático, en dulce armonía o en tozudo contraste, en los verticales bloques de color que se elevan, suaves o intensos, en el fondo.

“Guillermo Wiedemann tuvo el don de hacer hablar a los colores, de hacer hablar a las formas y a las líneas también, y cantar en silencio su recóndito prodigio, a ellas, que hicieron el cuerpo humano, la luna, la oscuridad y la belleza”. Estas

palabras de Santiago Mutis Durán sobre el pintor hacen honor a la admirable obra que dejó el artista.

23


lote 8

24

SANTIAGO CÁRDENAS (Colombia, 1937)

Tablero OK

Óleo sobre tela

70 x 90 cm

2014

Titulada, firmada y fechada “OK Santiago Cárdenas

Arroyo 2014 10” al respaldo.

Procedencia

Colección del artista, Bogotá.


Con la obra pictórica de Santiago Cárdenas, lo doméstico y lo cotidiano, encuentran en el arte un lugar dónde rescatar su asombrosa presencia y por ello mismo son elevados a su verdadera dignidad.

Su pintura toma sus argumentos del Pop Art y mantiene con esa corriente del arte contemporáneo una relación distante y crítica. Al igual que la mayoría de sus obras, los tableros sorprenden por el engaño que pueden producir al más afinado lector; lo representado hace que nos preguntemos si estamos ante una imagen real o ante un artificio, porque estamos frente una obra en la que el óleo se transmutó en tiza, el lienzo en una pizarra de color verde y la palabra escrita logra un efecto de letras borrosas como si estuviese en un tablero que ha sido usado y borrado mil veces; su realismo se esconde tras el hecho de que “no son pintadas, sino borradas. La esencia de un tablero es que todo lo que ahí se ha escrito, ha sido borrado. Desde esa idea se pinta” dice el Maestro.

Como escribe Eduardo Serrano “Pocas obras en el panorama de las artes plásticas colombianas revelan una contemporaneidad tan directa e inmediata como la que impregna los dibujos y pinturas de Santiago Cárdenas. Una rápida mirada es suficiente para ubicarlos, con seguridad, en el presente. Pero esta manifiesta contemporaneidad de su trabajo no proviene exclusivamente de la actualidad de los objetos que se representan como podría deducirse en una evaluación a la ligera de sus cuadros, sino que es producto principalmente del trabajo en sí y de los raciocinios que mueven el artista para interpretar esos objetos de la manera perceptiva y única que evidencian en su obra.

Cada obra de Santiago Cárdenas es un estímulo grato y potente a los ojos. Su trabajo constituye sin lugar a dudas una de las afirmaciones más originales, innovadoras y profundas que se hayan propuesto en nuestras artes plásticas.”

25


lote 9

26

ANA MERCEDES HOYOS (Colombia, 1942)

Nuria - De la serie Génesis

Escultura en bronce patinado

44 x 32 x 25 cm

Edición 1 de 7

2014

Procedencia

Colección de la artista, Bogotá.Cortesía Nueveochenta Arte Contemporáneo, Bogotá.


“La obra de Ana Mercedes Hoyos, sin duda alguna, se ha alejado del favor del público en la medida en que persigue, de manera pura y obsesiva, valores espirituales de tal fuerza, que la empujan a liquidar sus marcos referenciales y a seguir, como una alucinada, las huellas de la atmósfera y color que descubrió en los paneles asombrosos de los nenúfares de Monet.”, escribía Marta Traba en la Revista Arte en Colombia, No. 9, Abril de 1979.

Ana Mercedes Hoyos ganadora del XXVII Salón Nacional de Artistas en 1978 ha recibido innumerables premios y reconocimientos en Colombia, España, Estados Unidos, Japón, México, India y Panamá, entre otros y ha realizado un gran número de exposiciones individuales. Sus obras hacen parte de las más importantes colecciones nacionales e internacionales.

La artista es una narradora extraordinaria que sabe eternizar en sus piezas la realidad histórica y cultural colombiana y sus obras no se parecen a las de nadie. Los críticos han dicho que “ella es un mundo por sí misma y pinta por el mero goce de hacerlo”

Su arte ha evolucionado en un riguroso estudio de la naturaleza muerta y en el trasfondo histórico y antropológico de la problemática de la raza negra en América Latina, prestando especial atención a la simetría de los elementos compositivos y a la luz desde el manejo del color. Incorporó la escultura a su trabajo, enfocándose en la reinterpretación de los valores de la cultura de San Basilio de Palenque y funda su proyecto en las raíces más sinceras de nuestros pueblos.

Hoyos subraya lo popular, las costumbres y la vida, como temas dominantes en su quehacer plástico, que mezcla con un singular manejo y generosidad del color, a partir de un trabajo inteligente apoyado por el vasto conocimiento de lo tratado.

Sus lazos, son abstracción pura, síntesis de conceptos importantes. La luz de sus pinturas emerge desde la profundidad de la obra y la artista dota, a los elementos compositivos de sus esculturas, de una vida, de una magia y de una atmósfera propia.

27


lote 10

28

FERNANDO BOTERO (Colombia, 1932)

Gato

Lápiz sobre papel

45 x 35 cm

1972

Firmada y fechada “Botero 72” abajo

a la derecha.

Procedencia

Colección Diego Llorente, Bogotá.Colección privada, Bogotá.Colección Galería la Cometa, Bogotá.


Fernando Botero es la figura más representativa en las artes plásticas del realismo mágico, está en el primer lugar entre los artistas latinoamericanos favoritos de los coleccionistas y es el artista latinoamericano vivo más codiciado en la actualidad.

Una de las primeras personas en ver en Fernando Botero a un gran pintor fue Marta Traba. Nadie describió tan bien su pintura, ni vio tan claramente en sus primeras obras la dimensión que adquiriría en el mundo del arte.

El interés de Botero por representar el volumen hace que sus dibujos, pinturas y esculturas sean fácilmente reconocibles. En su temática quedan reflejados los personajes y acontecimientos más importantes de la sociedad colombiana, con una suave y punzante ironía que se pasea por su obra y esa sensualidad de la forma que hace que se lo disfrute cálidamente.

Sus personalísimas obras, tienen entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes. El interés en el volumen y la búsqueda de estas formas en la anatomía del cuerpo siempre ha sido una constante en su recorrido para encontrar su estilo.

Botero ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario. Es un fenómeno de culto, un artista muy productivo y ha merecido un reconocimiento unánime.

29


lote 11

30

EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR

(Colombia, 1922 - 2004)

Círculo Rojo

Metal y madera pintados

70 x 114 x 40 cm

1967

Procedencia

Colección privada, Bogotá.Colección Galería la Cometa, Bogotá.

Literatura

“Ramírez Villamizar, Geometría y abstracción” Bonilla Maldonado, Nicolás; Franco, Ana María. Ediciones Gamma, Bogotá, 2010 (Ilustrada pág. 241.)


Eduardo Ramírez Villamizar es uno de los artistas colombianos más influyentes de nuestros tiempos y su nombre es sinónimo de escultura y abstracción geométrica.

Comenzó por trasladar a una exigua tridimensionalidad, los planteamientos geométricos de sus pinturas mediante la construcción de relieves en madera, pintados de blanco y en los que produce un sutil juego de luces y de sombras sobre un plano escueto y amplio.

Ya en la década de los sesenta el artista experimenta con diferentes materiales como el aluminio, el acrílico y el hierro en la producción de piezas plenamente tridimensionales.

De 1967 a 1968 son las Construcciones Emergiendo, los Círculos Intersectados, y las Construcciones Suspendidas. Todas las formas, las opacas y las vacías, se generan entre sí y cada serie hace germinar la siguiente.

El objetivo de Ramírez Villamizar fue siempre uno: la forma. Es la primacía de su trabajo, y todo lleva a la forma pura: color, espacio, materiales. Manteniendo el color en sus límites, Ramírez Villamizar pasó a fragmentar el espacio en planos, cortando y recortando formas que enseguida aproximaba de diferentes modos, distanciando, superponiendo, rebajando, promoviendo dislocaciones, lanzándolas unas contra otras, creando sombras, transparencias, interpretaciones, áreas distantes o próximas.

Ante su trabajo quedamos extasiados en el deleitable mundo de superficies, planos de metal y líneas que el artista entreteje como laberintos visuales, como caleidoscopios en los que la luz y el tacto exploran silenciosamente mundos opuestos, que hacen que nos acerquemos y miremos más de una vez el intrincado oficio visual y táctil del escultor y pintor colombiano.

31


lote 12

32

DAVID MANZUR (Colombia, 1929)

Felipe en Bicicleta

Pastel sobre papel

75 x 110 cm

2014

Firmada y fechada “David Manzur 14”

abajo a la derecha.

Procedencia



La expresión de un espíritu moderno conjugada con el dramatismo del arte antiguo, en pinturas que parecen momentos capturados en el instante preciso, hacen que la obra de David Manzur se reconozca por un estilo propio. Su sensibilidad y su inteligencia pictórica le han permitido desentrañar el secreto de los grandes artistas europeos de los siglos XIV, XV y XVI, para retomar su temática trayéndola desde los nichos construidos por la historia al inmediato ahora, sin menoscabar ni disminuir su potencial de asombro. Fiel a la figuración, con apenas un pequeño paréntesis de abstraccionismo y una breve estancia en el expresionismo, sus naturalezas muertas, sus bodegones, sus caballeros, sus mártires y sus corceles, han sido los protagonistas de sus obras.

“La obra de David Manzur ocupa un puesto de primera línea en la historia del arte colombiano de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del siglo XXI. Su trabajo ha alcanzado un grado de excelencia difícil de igualar, no sólo por el cúmulo de experiencias vitales y artísticas que lo secundan, sino también por el bagaje técnico y conceptual que lo respalda y la trascendencia que por regla general ha caracterizado sus contenidos.

Su obra se destaca en el contexto del arte moderno tanto colombiano como internacional por su absoluta independencia de los valores y definiciones promulgados por las sucesivas autoridades del arte y acatados por la mayoría. Su trabajo ha tenido una trayectoria singular, primero, lejos del imperativo de los cambios sucesivos de acuerdo con las modas y las fugaces supremacías de los estilos, y más recientemente, lejos del pesimismo y del cómodo escepticismo que ha empezado a imperar artísticamente con el desvanecimiento de los parámetros de la modernidad.” (Fragmento)

Eduardo Serrano. Tomado de la Revista Diners No.428, noviembre de 2005.

33


lote 13

34

LUIS FERNANDO PELÁEZ (Colombia, 1945)

Silente

Metal, fotografía, resina y objeto

83 x 160 x 40 cm.

2012

Firmada y fechada “Peláez 2012” al respaldo.

Procedencia

Colección del artista, Medellín.Cortesía Galería Sextante, Bogotá.


Desde sus comienzos artísticos en los años setenta, Luis Fernando Peláez se ha caracterizado por ser un constructor de espacios en donde confluyen diferentes lenguajes plásticos, como la pintura, la escultura y la fotografía, que al entrelazarse producen un impacto profundo y duradero en quienes se acercan a sus obras.

En sus esculturas, Peláez conjuga una delicada combinación de metal, resina, tela, objetos y fotografía donde juega con la memoria y el tiempo, para ir construyendo nuevas creaciones. La noción del pasado se siente al admirar sus piezas.

“Luis Fernando Peláez busca y selecciona objetos. Unos llevan su propio significado por su desgaste; otros son cargados de un nuevo sentido por la sensibilidad del artista. Peláez crea y suscita con ellos asociaciones desconocidas. El artista cree en el devenir de las cosas, pero también en la posibilidad de detener el movimiento cuando le sigue su rastro. Es entonces, cuando logra el reposo de sus objetos, ubicándolos en la lluvia o en los reflejos. Nace así, un mundo poético que desconocíamos.”

Alberto Sierra.

“La obra de Luis Fernando Peláez hace claras referencias al problema del espacio, el lugar y la memoria. Hoy, el espacio constituye una extensión homogénea, insípida y constante. A este espacio nos remite Peláez por defecto, recreando una y otra vez el paisaje alienado del hombre contemporáneo, al lugar natural, localizado, encantado y sagrado, pero ante todo, propio... Crear un nuevo lugar para invocar la memoria parecería necesitar la muleta de una representación: un dar forma que ilustrase el lugar perdido. Reconociendo que la felicidad del hombre es un estado anterior, Peláez nos remite al concepto de lugar por oposición, precisamente porque lo perdido es innombrable e irrepresentable. Sólo así, la memoria opera de manera auténtica, al crear sus propios mecanismos de recordación.”

“Luis Fernando Peláez, Memoria y Paisaje” Alberto Sierra.

35


lote 14

36

MANUEL HERNáNDEZ (Colombia, 1928)

Signo Atrapa Nube

Mixta sobre lienzo

120 x 150 cm

1994

Firmada, titulada, fechada, con dimensiones y técnica “Manuel Hernández Signo Atrapa Nube

1994 120 x 150 Acrílico - Colombia” al respaldo.

Procedencia

Adquirido al artista, Bogotá.Colección privada, Bogotá.Colección Galería La Cometa, Bogotá.


Manuel Hernández es el artista colombiano - abstracto por esencia - más prestigioso, coherente, serio, pensante y sensible. Su obra consiste en variaciones infinitas de un signo en un universo de colores cambiantes. El artista ha compuesto un lenguaje elemental, con un signo que sufre metamorfosis flotando en un plasma de color. Hernández ha hecho de sus formas, colores y espacios una búsqueda permanente de la trascendencia.

El “signo”, esa forma que se ha vuelto característica en la obra de Hernández, es el personaje central de sus cuadros y es en él y en su relación con el resto de la composición dónde está ese trabajo meticuloso, esos bordes que vibran de manera diferente en cada creación. Ese universo de signos es el resultado del trabajo de toda una vida.

“Hernández abstrae, seleccionando con igual participación de inteligencia y sentimiento, los elementos esenciales de la naturaleza; reconstruye bellamente lo que ve; tiene fuerza, gracia y buen gusto. A través de estas tres cualidades, la alusión a la realidad se convierte fácilmente en obra de arte. Un color mágico o inventado, o como quiera llamársele para expresar que no sale de la realidad sino del artista, ilumina los cuadros.”

Marta Traba, El Tiempo, Marzo de 1.956.

“La obra de Manuel Hernández certifica la moralidad desde el punto de vista individual; es una obra que ante todo proyecta particularidad. Y Hernández logra exactamente lo que se propone sin necesidad de contraprestaciones extra pictóricas, y sin acudir a justificaciones y teorías cuya comprobación dependa de palabras. Su pintura ha sido el testimonio más constante en nuestro medio en que el arte es un continuo desarrollo, que se nutre de sí mismo y no de metáforas o arengas literarias. La dignidad de su trabajo carece de retórica, y en tal sentido, muy poco en la pintura colombiana se compara con su logro.”

Eduardo Serrano. El Espectador, Noviembre de 1.977.

37


lote 15

38

ALEJANDRO OBREGóN (España, 1920 - Colombia, 1992)

Armazón

Óleo sobre tela

36.2 x 36.2 cm

1949

Firmada “Obregón” en la parte superior central.

Procedencia

Colección Javier Márquez Blasco, México.Sotheby`s New York, Mayo 2103, Venta No. 8998, Lote 151, Ilustrado.Colección Privada, Bogotá.


Alejandro Obregón ha sido considerado por la crítica como el primer pintor moderno en el arte colombiano, como uno de los más grandes pintores de América Latina en el siglo XX y como referencia obligada en el universo del arte latinoamericano.Recién llegado de Europa en 1944, hizo su presentación en el arte colombiano en el V Salón Nacional de Artistas, del cual fue ganador en su XIV versión en 1962. Desde entonces su nombre estuvo siempre en primer plano y sus obras siguen exhibiéndose con gran éxito comercial.

La pintura de Obregón se caracteriza por el expresionismo y la impronta mágica. El cambio definitivo en la pintura de Alejandro Obregón comenzó en 1947, cuando incorporó a su pintura lo que se ha dado en llamar “expresionismo mágico”, con recuerdos del cubismo, y es, durante el período (1949-54), que Obregón acentúa aún más la síntesis geometrizante en sus composiciones, bajo el decidido influjo del cubismo sintético.

La obra de Alejandro Obregón determinó la modernidad en nuestra pintura, modificando las estructuras plásticas de su generación y de las generaciones venideras. Su lenguaje, influido por las tendencias modernas europeas y enriquecido por el color y el movimiento del trópico colombiano, denunció de manera única la delicada situación política y social que vivía Colombia en las décadas de los 50 y 60. Por otro lado, logró transformar la noción tradicional de paisaje recreando una realidad que trascendía la representación.

El trabajo de Obregón hizo que el trópico y el espíritu caribeño fueran entendidos de una nueva manera, ya que temáticas como la flora y la fauna adquirían un carácter simbólico que las alejaba de las representaciones puramente naturalistas. Esta nueva forma de representación se hacía evidente a través de dos elementos principales: por un lado, el manejo del espacio no respondía a una lógica ligada a la realidad objetiva, sino a su propia percepción de los objetos representados; y por el otro, su lenguaje plástico se debatía entre lo figurativo y lo abstracto, entre la imagen violenta y la serenidad atmosférica. Su amor por la naturaleza lo indujo a una exploración incesante de nuestra geografía.

39


lote 16

40

CARLOS ROJAS (Colombia, 1933 - 1997)

De la Serie América – Horizontes

Anilina, tinta y acrílico sobre tela

80 x 80 cm

ca. 1965

Firmada “C. Rojas” al respaldo..

Procedencia

Por descendencia a su actual propietario.Colección privada, Bogotá.


Carlos Rojas es uno de los artistas más destacados del país. Es considerado por la crítica entre los principales artistas colombianos de los años 80, pues con su propuesta abstracta introdujo un concepto artístico al contexto colombiano. Fue así como adoptó tendencias y vanguardias europeas y estadounidenses del siglo XX pero dándoles una perspectiva local, algo que muchos no ven como un conjunto en su obra, pero que él sostenía era más un pensamiento que una unidad.

La abstracción de Rojas, escribe Eduardo Serrano, “no deviene únicamente de raciocinios intelectuales eruditos, sino de impulsos de su sensibilidad, de una intuición aguda y desbordada y de una observación atenta de la realidad circundante”.

Su obra mantuvo siempre una relación sensible con la realidad, bien sea a través de referencias concretas como el paisaje o las telas precolombinas o con los conceptos absolutos que emanan de ellas. A pesar de los límites estructurales, de la sobriedad de sus elementos y de su principio ordenador, Rojas exaltó apasionadamente la inspiración americana. Sus referencias confieren a sus obras una dimensión expresiva y comunicativa.

Su serie América - Horizontes, alude a la esencia de nuestro continente y se refiere a importantes aspectos de la naturaleza abandonando los contornos definidos; rayas horizontales que adquieren fuerza e identidad gracias al uso de tintes preparados por él mismo.

Carlos Rojas es un pintor de coherente desarrollo y grandes logros a lo largo de su trayectoria. Un pintor de razonamientos y teorías para quien nada fue gratuito sino que su trabajo surgió de consideraciones sobre el tiempo y el espacio y proviene de la conciencia del artista sobre el mundo y sobre los preceptos y patrones de la vida.

41


lote 17

42

HUGO ZAPATA (Colombia, 1945)

Tepuy

Roca lutita tallada

52 x 62 x 9 cm

2006

Procedencia

Colección del artista, Medellín.Cortesía Galería Sextante, Bogotá.


Las esculturas de Hugo Zapata sobresalen particularmente por sus relaciones formales con la topografía que a su vez se recrea en un material sacado de las entrañas de la tierra, son hechas para la contemplación y la meditación, son un ejercicio del tacto, de la mirada y de la imaginación, son cercanas a quien las ve y evocan algo familiar.

Hugo Zapata trabaja con materiales que son trasladados de su lugar natural, elegidos por su carga expresiva, para ser transformados, despejados de sus sobrantes formales. Por medio de cortes, inserción y agrupación, transforma la piedra y las lajas en formas geométricas revelando texturas, oxidaciones y constitución morfológica, resultantes de la acción del tiempo, y su mirada contemporánea transforma el estado primigenio de las piedras para convertirlas en arte. Resalta rasgos inscritos milenariamente y los transforma respetando la estructura esencial del elemento que trabaja; sus obras conservan los vestigios del pasado y tienen impresa la marca del presente. Las somete a un proceso de depuración, talla, corte y ensamble a la manera del más sabio constructor. Es un investigador permanente del comportamiento de la piedra.

Articula el pasado y el presente con la geografía, lo orgánico con lo racional, la tecnología con la magia del accidente o la poesía. Su obra se inscribe indiscutiblemente en el marco de lo universal, transforma el paisaje en paisaje contemporáneo, lleno de nuevas texturas, colores, oxidaciones y formas.

El agua es recurrente en sus obras que conservan la idea de guardar, proteger, de recipiente. Son como arcas que contienen algo, en este caso el agua sagrada, elemento de vida que tanto veneran nuestras culturas tradicionales. El agua es para él, origen, huella, herramienta, metáfora, símbolo, tiempo, superficie y memoria de la piedra. En la naturaleza y en las entrañas de la tierra Hugo Zapata ha encontrado las voces del universo.

43


lote 18

PEDRO RUÍZ (Colombia, 1957)

Hibiscus

Acrílico sobre lienzo

70 x 100 cm

2014

Firmada “Ruíz” al frente.

Procedencia



La obsesión de Pedro Ruiz es la naturaleza. La base de su trabajo es su propia concepción del mundo. Su formación es la de un intelectual. Como artista se formó en París, donde siguió el rigor de la academia y las pautas de los clásicos a pesar de apreciar en su entorno las vanguardias y la abstracción.

Sus obras aluden al desplazamiento de tantos seres humanos en Colombia y el mundo y buscan transformar su carácter individual y convertirse en eventos participativos que aborden de manera eficaz problemas como el narcotráfico o el desplazamiento forzado en Colombia.

Es así como pinta una serie de paisajes que se desplazan en pequeñas balsas. La línea conductora de este recorrido es el río, uno dorado, lo mismo que el cielo. Las imágenes van a bordo de una canoa guiada por un barquero. De las embarcaciones brotan decenas de mariposas azules de todos los tamaños y ballenas del Pacífico. Las canoas transportan una iglesia colonial blanca con su paisaje de árboles, de flores amarillas, ventas ambulantes de cocos con sombrillas que salen volando, un paisaje de la Sierra Nevada, la selva, una maloca con su techo gigante y manojos de flores de colores. Los barqueros llevan sus paisajes pero también sus pueblos, sus casas, su música y su poesía, sus danzas, sus imágenes y sus monumentos. En cada canoa viaja el hombre con su tierra, y cada personaje lleva en canoa escenas de la vida cotidiana.

Sus trabajos tienen poesía y en ellos se advierten los detalles que han caracterizado sus obras. Como dice el artista: “Es un tema repetitivo de una persona cargando con un paisaje concebido como pertenencia, porque siempre que me he referido a la naturaleza, la he expresado en su relación con el hombre, con su paisaje exterior e interior, lo importante es la relación del hombre con la naturaleza y de lo que ocurre en un país como Colombia.”

44

45


lote 19

46

BERNARDO SALCEDO (Colombia, 1939 - 2007)

Sin Título

Ensamblaje en madera y objetos encontrados

34 x 53 x 11 cm

ca. 2000

Procedencia

Adquirida al artista.Colección privada, Bogotá.Colección Galería La Cometa, Bogotá.


Bernardo Salcedo fue uno de los artistas que más cuestionó en las últimas cuatro décadas del siglo XX las definiciones del arte en Colombia y es una de las figuras de mayor significación en los procesos de renovación y cambio de la plástica nacional.

Desde sus inicios, el trabajo de Salcedo se produjo por la intervención sobre objetos y procesos existentes fuera del mundo del arte. “Soy la negación de la pintura y de la escultura” decía Bernardo Salcedo, arquitecto y artista conceptual, que se dio a conocer porque al finalizar la década del 60 rompió con los esquemas del arte en Colombia, al presentar cajas llenas de fragmentos de cuerpos de muñecos.

Desde sus primeras cajas el artista planteó un rompimiento radical con los conceptos establecidos de la plástica, no sólo por el empleo de elementos prefabricados, sino por su singular agudeza para descubrir inusitadas relaciones entre las formas y funciones de estos elementos.

Su obra constituye una pieza fundamental en el desarrollo del arte colombiano, fue protagonista de una de las transformaciones más importantes que ha tenido lugar dentro de la historia del arte y dio origen a las prácticas artísticas contemporáneas. Su actitud irreverente, su afilado humor y su audacia creativa abrieron paso a muchas de las corrientes y actitudes que hoy priman en el arte contemporáneo del país. Su trabajo aportó significativamente al replanteamiento de muchas de las nociones estructurales que definen la noción de arte en general y del quehacer de los artistas en particular.

Su obra ha tenido relevancia dentro del campo artístico en diferentes momentos y en relación con diversas cuestiones y problemáticas. Su intento por ampliar el sentido de los objetos artísticos se manifestó dentro de su implacable sentido del humor, que dio forma a sus obras, escritos y opiniones. Su trabajo se caracterizó por elevar el pensamiento artístico por encima de reglas y certezas, por la alegría creativa, por la constante voluntad de experimentación, por el rigor conceptual y la seducción formal. En sus cajas y objetos sucede lo inesperado, de ellas nacen elementos y relaciones siempre sorprendentes. De esta manera consiguió descongelar el mundo y sembrarlo poéticamente de asombro, humor y choque.

47


lote 20

48

JUAN CARLOS DELGADO (Colombia, 1973)

Sin Título No. 1 y 2

Impresión en acrílico retrocedido montado en alucobon a partir de

pintura escaneada

175 x 111 cm c/u (2)

Edición 3 de 5 + 1 PA

2001 – 2014

Procedencia



Las excelentes críticas de sus exposiciones han confirmado a Juan Carlos Delgado como uno de los artistas con más futuro no sólo a nivel nacional, sino también a nivel latinoamericano. Delgado ha demostrado que su obra es única y que su talento lo perfila como el artista número uno de su generación en Colombia. Es un artista que nos devuelve las enseñanzas de siglos pasados y nos hace re asimilarlas en un lenguaje actualizado.

Reconocido ya fuera de nuestras fronteras, ha mostrado siempre en sus proyectos, que se sostienen sobre un interesante andamiaje teórico, una tremenda obsesión por el recuerdo, por la memoria, por la forma en la que quedan prendidas nuestras experiencias individuales y colectivas en el imaginario. Preservar es para él una constante, y su obra, en buena medida, lo consigue: imágenes en apariencia banales que se vuelven importantes, persistentes, al repetirse.

Trabajando colores como el rojo, y utilizando reflejos con el agua, en donde la figuración -basada en la fotografía- produce imágenes bastante emotivas, las obras de Juan Carlos Delgado parecen centrarse en el reconocimiento de la condición situacional del objeto y el énfasis en la naturaleza “fotográfica” de sus modelos. Estos rasgos del trabajo de Delgado, generan una dependencia entre el sentido latente en las imágenes que podría orientarnos en sentidos metafísicos o espirituales y la condición situacional en que son leídas, que de hecho introduce el espacio circundante que las rodea como el signo más exterior de sus superficies.

Su obra convierte permanentemente un “hecho real” en una huella que trasciende y que debido a la indeterminación entre figura y fondo obliga al espectador a una percepción más sutil para descifrar lo invisible en lo visible.

49


lote 21

50

OMAR RAYO (Colombia, 1928 - 2010)

El Pájaro del Río

Aluminio Pintado

64 x 80 x 25 cm

Edición 2 de 30

2008

Firmada y numerada “Rayo 2/30” por debajo.

Procedencia

Edición realizada por Galería La Cometa, Bogotá.


Omar Rayo goza de un excelente reconocimiento por parte de la crítica, los artistas, los museos, los curadores y las galerías en Colombia y en el exterior.

Su obra está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Es un arte geométrico-óptico, que aprovecha los cuadrados, los rectángulos y las líneas en zig zag y se expresa principalmente con el blanco, el negro y el rojo. Demuestra que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro incierto. Utilizando el rastro de los ancestros indígenas, descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos. Es una revelación óptica. El ojo puede seguir los dobleces no solamente en cada cuadro, sino también de cuadro en cuadro. Las superficies dan la ilusión de doblarse, desdoblarse, de ondular y tejerse y el espectador las sigue, fascinado.

“La obra de Omar Rayo gira sobre la idea central de cintas que se extienden y entrelazan configurando patrones cuyo marcado efecto óptico se debe en parte al empleo del vaporizador en las áreas que corresponden con sombras y dobleces. Su larga permanencia en similares, pero siempre distintos planteamientos, y su insistencia en los colores blanco y negro (aunque a veces acompañados por colores fuertes que le otorgan una especial vistosidad a sus obras), permiten afirmar que su trabajo es un permanente testimonio de la sorprendente agudeza del artista para el cambio sutil y las variaciones infinitas.

Cada una de sus obras hace parte de un proceso que continúa gracias a razonamientos ordenados y lógicos que reiteran el rigor y el ascetismo entre sus metas y el cual se complementa con la meticulosidad y pulcritud de su ejecución.”

Eduardo Serrano. Fragmento tomado de la Revista Mundo, No. 1, octubre de 2001

51


lote 22

52

CRISTO HOYOS (Colombia, 1952)

Cerca

Óleo sobre tela

150 x 60 cm

2000

Firmada y fechada “Cristo Hoyos/2000” en el borde

inferior izquierdo y con sello de certificación y firma en el costado

interior del bastidor.

Procedencia


Literatura

“De Cerca”. Catálogo, textos de Germán Rubiano Caballero. Galería Diners. Bogotá, 2001 • “De Cerca”. Plegable múltiple, textos de Alberto Abello Vives. Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo, Santa Marta. Museo de Arte Moderno de Barranquilla. Museo de Arte Moderno de Cartagena de Indias. Museo de Arte de Caldas, Manizales. 2002 – 2005. • “De Cerca”. Centro Cultural de la Ciudad, Casa Castelví – Manzana de la Rivera. Asunción, Paraguay. 2003. • “Bordes”. Cristo Hoyos y Francisco Bugallo, curaduría de Mariela Provenzali, textos de Germán Rubiano Caballero y Federica Palomero, Corporación Andina de Fomento CAF. Caracas, Venezuela, 2003. • “Bordes”. Catálogo. Pretexto y contexto en la obra de Cristo Hoyos por Álvaro Medina Director del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional de Colombia. San Pedro Museo de Arte. Puebla, México, 2004. • “Uré: Pezuña y Bahareque”. Catálogo. Pretexto y Contexto en la obra de Cristo Hoyos por Álvaro Medina Director del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional de Colombia. Museo Alejandro Otero. Caracas, Venezuela, 2005. • El Arte del Caribe colombiano, Álvaro Medina. Ediciones Panamericana, Bogotá, 2000. • “Horizontes / Al otro lado del paisaje” Catálogo. Curaduría Ana María Lozano, 2010. • Caribbean Art at the Crossroads of the World. On the founders of art in the Caribbean por Álvaro Medina. Editado por Deborah Cullen y Elvis Fuentes. Museo del Barrio, New York, U.S.A. 2012.


“Cristo Hoyos pinta lo que vive y siente, fijándose en motivos cotidianos y a todas luces pedestres. Cero elegancia entonces, cero sofisticación, cero buen gusto. Brutales en cuanto francas, sus imágenes sorprenden y hasta chocan porque no remiten a mundos ideales (en plural) sino a un mundo concreto (en singular)…

En los numerosos lienzos de la serie De Cerca, el pintor eliminó el jardín y representó de manera frontal la cerca de varas verticales reforzadas con alambre de púa. Los lienzos son aproximadamente del mismo ancho, variando considerablemente de altura. En cada uno, la visión frontal es asumida desde distancias variables, de manera que el calibre de los elementos en juego también va variando. Colocadas estas pinturas una al lado de otra, el conjunto sugiere encerramiento, límite, frontera infranqueable… Con sus cuadros, Cristo Hoyos ha fijado una historia aún empalizada, sin horizonte a la vista y en el fondo rastrera. La pintura es algo más que la pintura en este caso. La pintura es aquí, antes que una estética, un entramado conceptual concebido en busca de cambios en un mundo concreto…”

“Pretexto y contexto en la obra de Cristo Hoyos” (Fragmento) Álvaro Medina, Instituto de Investigaciones Estéticas Universidad Nacional. Bogotá D.C., marzo de 2004.

53


lote 23

54

ANDRÉS FELIPE CASTAÑO (Colombia, 1986)

Fragmentación de una despedida

Lápiz y pastel sobre papel

93 x 93 cm

2013

Procedencia

Colección del artista, Bogotá.Cortesía Galería 12:00, Bogotá.


“Andrés Felipe Castaño, formado en la Academia Superior de Artes de Bogotá, prosiguió sus estudios en la Universidad Nacional Autónoma de México, donde obtuvo su maestría en Artes.

Su trabajo, multidisciplinario, ahonda temas relacionados con la historia del arte, los procesos de circulación, exhibición y recepción del material artístico. Por otro lado también trata el tema de la ilegalidad a través de procesos que desdibujan los límites entre disciplinas artísticas y actividades ilícitas.

Utilizando el dibujo, la fotografía y los documentos como materiales de creación principales, Castaño aborda la idea de la imagen como vehículo principal de la información histórica. A partir de ahí, analiza de qué manera esas imágenes proporcionan una idea distorsionada de la realidad, y en qué medida eso afecta nuestra manera de entenderla y nuestra mentalidad, así como los límites de nuestra comprensión de ese fenómeno. A eso se une su exploración de la idea del enfrentamiento original/copia, y cómo la reproducción del mundo visual en el que vivimos, a través de los medios de comunicación, convierte esa diferenciación en ambigua y con límites poco definidos. Usa la fragmentación de imágenes y su recomposición mediante otras técnicas, o la creación de obras a partir de fotografías o imágenes anteriores, con la intención de llamar la atención sobre el cambio conceptual y artístico que ese acto imitativo contiene.”

Galería 12:00, Bogotá.

55


56

En el Gun Club de Bogotá, ubicado en la Avenida Calle 82 No. 7-77 en Bogotá se realizará la Subasta Presencial, el día martes 30 de septiembre de 2014 a las 8:00 p.m.

1. EXPOSICIÓN DE LAS OBRAS:

El día 30 de septiembre a partir de las 6:00 p.m., todas las personas interesadas en conocer las obras que hacen parte de la Subasta a La Rueda Rueda, podrán visitar la exhibición en el Gun Club de Bogotá ubicado en la Avenida Calle 82 No. 7-77 en Bogotá, donde un representante de la Subasta, ofrecerá toda la información referente a las obras, los artistas, las condiciones y los procedimientos de la subasta y podrán inscribirse como postores para participar en la misma.

Se recomienda al público interesado en participar en la subasta que examine las obras de la muestra y solicite el informe sobre el estado de cada una de ellas.

El personal de asistencia de la subasta estará disponible para brindar orientación.

2. EL CATÁLOGO:

El catálogo de la subasta será distribuido entre los participantes y podrá ser adquirido por el público a partir del día 10 de septiembre en las oficinas de la Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela, ubicadas en la calle 94 No. 11-20 Of 301, en Bogotá, o podrá ser consultado en la página web: www.fundacionalaruedarueda.org

La subasta contará con 23 lotes de obras cuyos propietarios participan en calidad de consignatarios.

Las obras consignadas se encuentran reproducidas en el presente catálogo, el cual contiene, además, material de referencia e información sobre los procedimientos, la metodología de la subasta y las

condiciones de venta que cada comprador deberá tener presente en el proceso de compra y durante la subasta.

Las obras reproducidas en este catálogo incluyen información descriptiva de cada obra y el precio comercial que se estima debe obtenerse en la subasta. Los precios están basados en recientes precios pagados en el mercado del arte por bienes similares, teniendo en cuenta su condición, rareza, calidad e historia de la obra y/o procedencia. La estimación de precios se prepara con bastante anticipación a la subasta y está sujeta a revisión. No incluye los posibles impuestos.

3. INFORMES Y CONDICIONES:

Las personas que asistan a la cena en la que se llevará a cabo la subasta no están obligadas a inscribirse como postores.A quien desee información adicional sobre una obra en particular, o no pueda asistir a la subasta, se le suministrará un informe sobre las condiciones en que se encuentra la obra de su interés.

Se recuerda a los posibles compradores que las descripciones de los bienes no constituyen garantía de los mismos, y que cada obra se vende “en el estado en que se encuentra”. La organización de la subasta suministrará los informes sobre el estado de las obras como un servicio a los clientes interesados. Ninguna declaración, ya sea oral o escrita, constituye una garantía o certificación. No obstante, algunas obras estarán acompañadas de un certificado de autenticidad expedido por las entidades y/o personas naturales autorizadas por ley para dicha diligencia.

4. INSCRIPCIONES:

Todas las personas interesadas en realizar ofertas en la subasta deberán inscribirse.

CÓMO PARTICIPAR EN LA SUBASTA A LA RUEDA RUEDA

57

Por favor realice su inscripción con tiempo si está fuera de la ciudad o fuera del país.

Puede inscribirse:

Por teléfono: Al celular 310 296 1111 con María Victoria Estrada, Directora de la Subasta y al teléfono 752 1593 o al celular 321 220 0824 en La Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela, en Bogotá.

Personalmente: con un representante de la subasta en el Gun Club de Bogotá a partir de las 6:00 p.m., del día 30 de septiembre de 2014.

Vía correo electrónico: escribiendo a [email protected] o [email protected]

Por favor, preséntese con la debida anticipación el día de la subasta. Le será entregada una paleta numerada para su identificación y para participar como postor.

5. RESERVA:

La reserva es el precio mínimo por debajo del cual la obra no será vendida. Este monto es confidencial y no será publicado.

6. OFERTAS:

Los bienes se subastarán por número de lote, siguiendo el orden del catálogo.Todas las obras que se están subastando se exhibirán físicamente en el Gun Club de Bogotá y durante la Subasta se proyectarán las imágenes de las obras en las pantallas dispuestas para tal fin.

El martillo aceptará las ofertas de aquellas personas que estén presentes en el salón de la subasta y las de oferentes ausentes que participen vía telefónica o mediante ofertas escritas y entregadas previamente.

El martillo también podrá hacer ofertas en representación del Consignante para defender la reserva, bien sea ofertando consecutivamente hasta llegar al monto de la reserva, o respondiendo a los demás oferentes del salón, a las ofertas telefónicas o a las ofertas de las personas ausentes.

Aumentos en las ofertas:

Las ofertas en la Subasta, se iniciarán por debajo del estimado comercial e irán en aumento. El martillo, a su criterio, podrá variar los incrementos durante el curso de la subasta.

Las personas que no puedan asistir a la Subasta personalmente, pueden hacer sus ofertas de diferentes maneras, así:

Oferta en Ausencia:

La más común es la oferta en ausencia u oferta por encargo. Las ofertas en ausencia son instrucciones por escrito para ofertar en su nombre, una o más obras, hasta una suma máxima que usted especificará, por cada obra.

Una vez el participante haya cumplido con el requisito de inscribirse podrá diligenciar el formulario de Ofertas en Ausencia con el número de paleta que le sea asignado, el valor total de la oferta que desea hacer sobre la obra y enviarlo al correo electrónico [email protected] o [email protected], donde registraremos su oferta con fecha y hora de recibo.

Los encargados de la subasta intentarán ejecutar su oferta en ausencia, al precio más bajo que sea posible, teniendo en cuenta la reserva y las demás ofertas. Este servicio será gratuito.

Si se han recibido ofertas idénticas de diferentes personas, se tendrá en cuenta la que se haya recibido primero. Toda oferta en ausencia debe estar debidamente fechada y al ser entregada a los organizadores, será estampillada con fecha y hora de recibo.

El subastador podrá, desde el podio, ejecutar directamente estas ofertas en ausencia, identificándolas con claridad como oferta por encargo.

Los formularios para las ofertas están a su disposición dentro del catálogo de esta subasta, y también pueden obtenerse a través de la página web de la Fundación www.fundacionalaruedarueda.org o solicitándolo a la Directora de la subasta María Victoria Estrada [email protected]

58

Ofertas telefónicas:

La Organización también ejecutará sus ofertas si usted no puede asistir a la subasta y desea participar por teléfono. Los arreglos deberán confirmarse, por escrito, al menos un día antes de la subasta, en las oficinas de La Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela ubicadas en la calle 94 No. 11-20 Of 301, teléfono 752 1593, en Bogotá o con la Directora de la subasta María Victoria Estrada en el teléfono celular 310 296 1111.

Ofertas ganadoras en la subasta:

El golpe del martillo del subastador indicará la última oferta.La Organización registrará el número de la paleta del mejor postor.Si su oferta es en la sala y resulta ganadora le notificaremos inmediatamente, o si es oferta en ausencia le notificaremos dentro de las 48 horas después de finalizada la subasta.Durante la subasta se realizará una filmación de la misma que registrará la asignación del martillo.

Obras no vendidas:

El subastador bajará el martillo e indicará si una obra ha sido “retirada” o “pasada” cuando ésta no supere la reserva y permanezca sin venderse.

7. PAGO:

El comprador deberá cancelar la obra que le fue adjudicada dentro de los cinco (5) días hábiles siguientes a la realización de la subasta. Es decir entre el día 01 y el dìa 08 de octubre en las oficinas de La Fundación A la Rueda Rueda, en la Calle 94 No. 11-20 Of. 301 en Bogotá. El pago puede hacerse con cheque, tarjeta de crédito, orden de pago, transferencia bancaria o efectivo.La Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela expedirá, una vez realizado el pago, el respectivo Certificado de Donación de acuerdo a lo establecido en el Estatuto Tributario.

Retiro de la obra:

Debido a limitaciones de espacio, las obras deberán ser retiradas en los ocho días calendario posteriores a la subasta, es decir entre el día 01 de octubre y el día 08 de octubre.

Si el comprador lo solicita puede retirar la obra cuando realice el pago, informando con anterioridad la hora en que realizará el pago. Igualmente se puede coordinar el envío a la dirección que indique dentro de la ciudad de Bogotá. Si la obra debe ser enviada a otra ciudad o fuera del país, el comprador deberá correr con los gastos de transporte. De lo contrario, generarán gastos de administración, manejo y seguro hasta que hayan sido retiradas.

8. CONDICIONES GENERALES DE LA SUBASTA O VENTA PÚBLICA DE OBRAS

La originalidad o autenticidad de las obras que sean subastadas en el evento realizado por la Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela, estará sometida a lo manifestado por el Consignante (autor, titular o propietario de la obra consignada), en el contrato de consignación suscrito entre la Organización y el Consignante.

Por consiguiente, las reclamaciones u objeciones de todo orden que se presenten por terceros con respecto a las calidades o derechos involucrados en las obras objeto de la subasta, serán de exclusiva responsabilidad del Consignante, pues la Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela actúa para todos los efectos como un tercero de buena fe.

Procedimiento:

Todo Participante que actúe en representación de un tercero, persona natural o jurídica, deberá acreditar su calidad, mediante poder general o especial presentado ante notario público, en caso de no hacerlo se entenderá que actúa en nombre propio.

Una vez que la obra es adjudicada al comprador favorecido, con base en el valor total por el que le fue adjudicada, de acuerdo con su última oferta, éste deberá pagar dicho valor en dos pagos distintos. Uno, el valor que corresponde al artista y/o Consignante de la obra y el otro por concepto de donación a favor de la Fundación a la Rueda Rueda de Pan y Canela. Esta adjudicación implica el perfeccionamiento del contrato de compraventa entre el Consignante y el Participante, que genera los impuestos de ley, y también perfecciona la donación entre la Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela

1.

2.

59

3.

4.

5.

6.

7.

8.

9.

10.

11.

y el mismo Participante y por tanto, el Participante se hace comprador de la Obra.

La Organización tramitará y hará efectivas, durante el desarrollo de la subasta, todas las ofertas escritas que se hayan recibido con antelación y que llenen y cumplan con los requisitos establecidos en el diligenciamiento del formulario “Ofertas en Ausencia”. Sin embargo, la Organización no asume responsabilidad alguna por la no tramitación y consideración de las mismas, en el evento en que estas no sean claras, presenten errores, tachaduras, enmendaduras o creen confusión.

En la Subasta la obra ofrecida y subastada de manera efectiva sólo pasará al dominio del comprador una vez que el subastador, previo el golpe de martillo correspondiente, anuncie la venta y adjudicación de la misma.

Para todos los efectos la entrega material del bien adquirido se realizará a más tardar dentro de los ocho (8) días calendario siguientes a la realización del evento.

Para efectos del retiro de la obra el adjudicatario de la misma deberá haber cumplido con todas las condiciones de venta y haber cancelado en su totalidad el precio de la misma.

Ninguna obra rematada podrá ser entregada hasta que el comprador haya cancelado el valor total a la Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela dentro del plazo antes mencionado. Si la obra adjudicada no ha sido retirada por el comprador en el plazo estipulado, éste deberá asumir todos los gastos correspondientes a administración, manejo, bodegaje, transporte, etc. El precio mínimo diario a pagar por este concepto ascenderá a la suma de doscientos mil pesos moneda corriente ($200.000).

Una vez el comprador adjudicatario de la obra subastada la retire del recinto donde se realice la subasta, o del lugar donde se encuentre almacenada, la Organización no asume responsabilidad alguna por el deterioro, daños o imperfectos que sufra la obra durante el

proceso de embalaje, transporte o movilización que realice el comprador.

La Organización no garantiza al comprador o adjudicatario de la obra derechos distintos a los que haya entregado en consignación el autor, titular o propietario del ejemplar de la obra respectiva. Por lo tanto, la adjudicación al comprador de la obra rematada no significa de suyo que se estén adquiriendo los derechos patrimoniales de autor (reproducción, comunicación pública, transformación y distribución), a menos que el Consignante detente tales prerrogativas y las haya entregado en consignación, con miras a ser adjudicadas.

La Organización se reserva el derecho de retirar cualquier obra de la subasta, antes o durante la venta, sin incurrir en responsabilidad alguna por el retiro.

Las obras que se subasten se entregarán en el estado en que se encuentren durante la exhibición y no se aceptará reclamo alguno sobre su conservación, dimensión, color, valor, desperfectos, etc.

Beneficio tributario de la subasta de arte A la Rueda Rueda

La Subasta de Arte A la Rueda Rueda, tiene además un impacto positivo para la planeación tributaria de quienes quieran participar, puesto que el valor que exceda el costo de la obra, el cual será pagado al artista o proveedor de la obra, es una donación en dinero para la Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela, con la cual el comprador puede acceder a una deducción del 100% del valor de la donación girada a la Fundación, que equivale a un ahorro de entre el 20% y el 30% en el impuesto de renta.

Nota

Todas las personas que asistan (personalmente, por representante o apoderado, o por oferta en ausencia) o se inscriban en el evento de subasta organizado por la Fundación A la Rueda Rueda manifiestan por este sólo hecho, conocer y aceptar las condiciones anteriores.

60

Página 1 de 2

INFORMACIÓN DEL PARTICIPANTE PALETA No. ____________________

1. Nombre o Razón Social ________________________________________________________________________

2. Representante legal ___________________________________________________________________________

3. Tipo de documento de identificación C.C. ____ C.E. ____ Pasaporte No. ________ NIT ____

4. Número de documento de identificación _______________________________________________________

5. Dirección _____________________________________ Ciudad _____________________________________

6. Teléfonos: Oficina _____________________ Residencia_________________ Celular___________________

7. Correo electrónico ____________________________________________________________________________

Obrando en nombre propio o en calidad de Representante Legal de la Sociedad antes mencionada, solicito a través del presente documento que se acepte la oferta que a continuación menciono sobre los lotes indicados.

ARTISTA _________________________________________ LOTE No. _________ OFERTA ____________________






FORMULARIO DE OFERTASEN AUSENCIA

Página 2 de 2

A continuación indique los datos correspondientes del Banco o Entidad Financiera Nacional o Internacional a través de la cual se llevará a cabo el desembolso respectivo.

1. Forma de pago: efectivo ( ) cheque ( ) transferencia electrónica ( )

2. Nombre del Banco o Entidad Financiera _________________________________________________________

3. No. de Cuenta _____________________________________________________ Corriente ( ) Ahorros ( )

4. En el Exterior: Ciudad _______________________________ País _______________________________________

5. Tarjeta de Crédito: Banco____________________________ No. ______________________________________

6. Visa ( ) Mastercard ( ) Amex ( ) Diners ( ) Otra ( ) especifique _______________________

7. Número de seguridad ubicado en el reverso de la tarjeta – 3 dígitos ______________________________

En caso de que el Participante no pague el precio dentro de los cinco (5) días hábiles siguientes a la fecha de Subasta,

autoriza a la Fundación A la Rueda Rueda para que cargue el precio de la obra a la Tarjeta de Crédito antes mencionada.

El abajo firmante certifica que la información anteriormente proporcionada es verídica y que acepta los términos y

condiciones de la Subasta.

Firma ______________________________________________________________________________________________

Nombre ___________________________________________________________________________________________

Documento de identidad __________________________________________________________________________

Fecha _____________________________________________________________________________________________

El golpe del martillo del subastador indicará la última oferta. Si su oferta resulta ganadora, como comprador queda obligado contractualmente a esta compraventa por el precio del martillo y otros costos adicionales derivados de la misma como impuestos, bodegajes y transportes. La Fundación A la Rueda Rueda de Pan y Canela expedirá el respectivo Certificado de Donación de acuerdo a lo establecido en el Estatuto Tributario.

Favor enviar este formato con anticipación a las oficinas de la Fundación A la Rueda Rueda: Calle 94 No. 11-20 Oficina 301, Bogotá D.C.También puede enviarlo al correo electrónico: [email protected] o [email protected]

Notas:Los organizadores de la subasta registrarán su oferta con fecha y hora de recibo y tratarán de ejecutar su oferta en ausencia, al precio más bajo que le sea posible, teniendo en cuenta la reserva y las demás ofertas.Los organizadores de la Subasta no reciben ni cobran ninguna comisión por las ventas que se realizan en la misma.

Los compradores deben firmar un documento en el momento de la compra en el que con base en la ley y disposiciones tributarias y de la UIAF, se certifica el origen de los fondos y la identidad del comprador cumpliendo así los requerimientos del sistema para el control del lavado de activos –SIPLA

INFORMACIÓNFINANCIERA


Septiembre 30 / 2014

S u b a s t aa la rueda rueda

Sep

tiem

bre

30

/ 2

01

4S

UB

AS

TA

a

la

r

ued

a r

ued

a

Documents

CATÁLOGO SUBASTA A LA RUEDA RUEDA